CONTEXTO SOCIO

CONTEXTO SOCIO-POLITICO
El crecimiento capitalista y la industrialización desencadenan un desarrollo sin precedentes que transforman
radicalmente a Europa. La concepción de la realidad cambia a un ritmo vertiginoso y todo esto afecta
profundamente al arte. Los conceptos de espacio se transforman, las comunicaciones son cada vez más
rápidas, la fotografía permite ver cosas que el ojo humano no percibía.
Durante el siglo XIX el medio por el que los artistas conseguían su aceptación era a través de los Salones o
Exposiciones Nacionales. Para un pintor el no ser aceptado en un Salón suponía su marginación y su fracaso.
La decisión de incluir o excluir las obras competía a los jurados formados por autoridades académicas cuyos
criterios se basan en las tradiciones más conservadoras y se rechazaban las obras originales que suponían una
ruptura con el arte oficial.
PUNTILLISMO
Es un éstilo en la pintura, que consiste en la aplicación de pequeños puntos o pinceladas yuxtapuestas de color
puro. Al contemplar los cuadros desde cierta distancia, estas pequeñas manchas se funden en un solo campo de
color y reproducen con brillantez los efectos lumínicos.

Se apoyaron en la "Ley del contraste simultáneo de los colores y sus complementarios", según la
cual el contraste de los colores complementarios yuxtapuestos (rojo-verde, amarillo-violeta, azul-naranja) es lo
que provoca las diferentes intensidades y tonos de color.
El Puntillismo aparece por primera vez en el Salón de los Independientes de 1884, encabezado por George
Seurat y contando con Paul Signac entre sus más fieles seguidores.
INFLUENCIAS
Las que tenían los impresionistas pero con mayor peso de las teorías ópticas de Chevreul sobre el contraste
simultáneo de los colores.
CARACTERÍSTICAS

En el puntillismo la imagen va a adquirir una identidad desconocida.

Se encuentra nuevamente la diferencia entre la obra definitiva y el boceto.

Vuelve a cobrar importancia el dibujo, que se había abandonado a favor de las manchas de
color.

La obra se comienza al aire libre, pero a diferencia del impresionismo se termina en el taller, ya
que sus cuadros requieren una larga elaboración, en ocasiones muy compleja, que no se puede hace en un
momento.

Se preocupan por el volumen.

Las figuras se hacen geométricas.

Retornan a la ordenación meditada del cuadro.

La obra resultante suele pecar de rigidez y artificialidad.

No se mezclan los colores ni en la paleta ni en el cuadro, sino que sus pinceladas se
redondearon y redujeron a puntos de color puro, se fragmento la línea.

Sólo usan los colores primarios y el ojo debe hacer la mezcla. Existe la sensación de que la luz
emana de los cuerpos.

Según los puntillistas las líneas ascendentes, los colores cálidos y los valores claros expresaban
alegría.

Por el contrario las líneas descendentes, los colores fríos y los valores oscuros representaban
tristeza.

Los cuadros puntillistas son un modelo de orden, claridad y planificación cuidadosa. No obstante,
las personas aparecen estáticas e inmóviles.

Los temas elegidos a la hora de pintar eran: puertos, orillas de ríos y escenas circenses.
El neoimpresionismo tuvo una vida corta (1884 a 1891) ya que las obras requerían una paciente elaboración.
ARTISTAS
GEORGES-PIERRE-SEURAT (París 1859-1891)
Fue el precursor del puntillismo. Poseía un carácter muy metódico. Estudió a diversos pintores anteriores a él,
como a Delacroix y a Veronés, así como también le apasionaron de gran manera los escritos de Leonardo
Davinci. Siempre le interesó de gran manera el color, lo que lo llevó a estudiar los tratados de luz y color.
Recibió su formación en la Escuela de Bellas Artes. Rechazando el efecto borroso de las pinturas
impresionistas, realizadas con pinceladas irregulares, inventó la técnica más científica el puntillismo.
El revolucionario puntillismo de Seurat encontró muchos seguidores e imitadores. Muchas de las teorías de
Seurat referidas a la pintura derivan del estudio de los tratados contemporáneos de óptica. Su tendencia
científica se refleja también en sus hábitos de trabajar, que incluían horarios fijos y una meticulosa
sistematización de su técnica.
Se dedico a pintar principalmente paisajes y sobre la vida popular.
ENTRE SUS OBRAS:
Una tarde de domingo en la Grande Jatte, Su obra maestra, (1884-1886), representa a los paseantes del
domingo de una isla del Sena. Aconsejado por Signac no utilizo colores terrosos e incorporo una gama de
colores muy vivos como los impresionistas. En esta obra convino estudios al natural donde realizo pinceladas
rápidas, luego sesiones de estudio. La pintura muestra una atmósfera de dignidad monumental a través de un
orden equilibrado de sus elementos y los contornos de sus figuras.
En 1886 participa de una exposición impresionista en París en donde la obra es el el punto de atracción.
En 1884 Seurat acabó Los bañistas, una escena donde unos jóvenes se bañan en el río Sena; éste fue el
primero de seis grandes lienzos que conformaron la mayor parte de su trabajo artístico. En ése y otros trabajos
posteriores, continuó la tradición impresionista de mostrar las excursiones y distracciones de los días festivos.
Las modelos (1886-1888)
Modelo de espalda.
Modelo de pie.
Modelo sentada de perfil
La parada (1889)
El circo (1890), obra en la que trata de introducir movimiento mediante la combinación de líneas y colores,
aunque resulta muy artificiosa.
El chahut (1889-1891).
Port-en-Bessin.
Antepuerto con pleamar.
Joven empolvándose.
PAUL SIGNAC (1863-1935)
Fue el teórico y propagandista del puntillismo. Descubrió a los artistas impresionistas cuando tenía 15 años,
como punto de partida tuvo a Monet a pesar de que luego se separó de él, para acercarse posteriormente a
Seurat. Era mucho más extrovertido que Seurat, el cual tenía miedo de que sus descubrimientos pudieran ser
aprovechados y ser copiados.
En 1899 publicó un libro titulado "De Eugène Delacroix al Neoimpresionismo" a partir del cual surgió un gran
número de seguidores.
En sus obras pretende potenciar al máximo la luz, el color y la armonía. Utiliza pigmentos y colores puros. Da
mucha importancia a la composición del cuadro.
Decía que los puntillistas en el cuadro buscan siempre el "resultado más armonioso, más luminoso y más
coloreado".
Fue un gran colorista tomado siempre en cuenta por la vanguardia posterior. Tuvo gran influencia en el
Fauvismo, sobre todo en Matisse. Su pincelada puntillista también influyó en el futurismo.
Viajero y navegante, Signac pinta puertos, costas y orillas de ríos.
Impresionismo:
Índice
 Introducción
 Contexto sociocultural
 Características musicales
 Formas musicales
 Instrumentación propia de la época
 Autores más relevantes
 Aplicación didáctica
 Bibliografía
 INTRODUCCIÓN
Paralelamente al Romanticismo, ya surgen corrientes que quieren alejarse de sus ideas. Una de ellas
será el Impresionismo, surgido en las artes plásticas y utilizado después en música. Lo que intenta el
impresionismo es expresar el impacto y la impresión que nos produce un objeto o imagen, y no su
representación realista. Trata de recrear atmósferas, sensaciones. Este movimiento supone el comienzo
del arte contemporáneo.
 CONTEXTO SOCIOCULTURAL
Durante la época del impresionismo que transcurrió desde finales del siglo XIX hasta principios del siglo
XX ocurrieron muchas cosas que influyeron en la música de su época, como ahora:
Hasta aproximadamente 1905, Europa vive en el apogeo de su expansión colonial, mediante las
conquistas e incorporaciones territoriales y también por la redistribución colonial tanto por razones
económicas y financieras como políticas, y se mantiene en la plenitud de su poder mundial, siendo las
potencias europeas industrializadas el centro económico y político del mundo.
Desde 1905, el centro del poder mundial se ve desplazado desde Europa hacia América del Norte y
Extremo Oriente, y aunque las potencias europeas continúan manteniendo el alto nivel de su desarrollo,
capacidad, y expansión mundial tanto en lo económico como en lo político, están surgiendo fuera de
Europa dos poderosos Estados que alcanzan la categoría de grandes potencias políticas, económicas y
militares a escala internacional, siendo independientes respecto al concierto europeo: son EE.UU. y
Japón.
En el aspecto económico es una época de prosperidad material, de revolución científica y técnica, de
incremento del comercio internacional y de inversiones de capitales en el exterior y de generalización del
proteccionismo.
Respecto a la demografía y la sociedad, se produce un gran incremento de la población mundial, que al
disponer de más y mejores alimentos, así como de mejores condiciones de vida, experimenta un alto
índice de crecimiento a escala mundial alcanzando también una gran amplitud los movimientos
migratorios tanto entre países como entre continentes.
El impresionismo, tanto en música como en pintura, muchos lo consideran por ello como iniciador del arte
contemporáneo. Comienza siendo un movimiento pictórico creado por un grupo de amigos: Monet, Manet,
Pissarro, Sisley, Degas, Renoir y Cézanne, que comienzan a pintar en la década de 1860 dando
importancia suma a la luz y al color e inspirándose directamente de la realidad, es decir, renunciando al
taller, pintan sobre todo paisajes. El nombre de impresionistas se les dará en son de burla por una obra
de Monet titulada, "Impresión, sol naciente" que expone en la primera exposición del grupo de 1874, que
les valdrá la burla y la crítica de todos, tanto pueblo como críticos. El impresionismo pictórico nace, pues,
como una auténtica revolución en que los artistas van a expresar el mundo, según ellos lo ven y no
guiados por todas las convenciones y costumbres del momento, supone en este sentido la liberación del
artista y el comienzo del arte contemporáneo.
 Características musicales

Lo que va a hacer el impresionismo es rescatar la música de la influencia del Romanticismo,

La naturaleza como punto de partida. El pintor pintará lo que ve en un golpe de vista, "su
impresión", el compositor tiende a suscitar con su música una imagen visual tan fuerte como
pueda, por ejemplo en La Mer o en Nuages de Debussy.

No se pretende destacar un objeto, sino la impresión o impacto que produce en nosotros ese
objeto.

Desaparecen las líneas melódicas y se hacen imprecisas, es decir, sin línea y periodización
claras. La melodía se convierte en algo fragmentario, algo que evoca lo esencial, lo que
contribuye a crear más que otra cosa una atmósfera sonora imprecisa. Trata de evitar que la
melodía se pueda definir claramente como mayor o menor.

Se suprimen las armonías tradicionales y se sustituyen por otras no basadas en tonos mayores o
menores, sino en escalas raras y no usadas, como la pentatónica, etc. Se introdujo el uso de la
escala de tonos enteros o exátonas y pentatónicas que hacen referencia a algunos módulos de
la música oriental.

Colorido de la instrumentación.

Se valora el sonido en sí mismo, como objeto de placer y sin ninguna finalidad, es una
concepción esteticista del arte.

Importancia del timbre. Anteriormente la instrumentación estaba sometida a otros elementos
musicales. Ahora será un elemento fundamental para crear las sensaciones deseadas. Para ello
no dudan en incluir instrumentos ajenos a la tradición europea.

Ritmos irregulares, flexibles, imprecisos o tomados de países no europeos (desde los ritmos
sincopados del jazz a ritmos de danzas orientales).

Uso de intervalos complejos, desde la novena en adelante, intervalos de cuartas y quinta
paralelas propios de la música medieval.

Uso de la disonancia sin resolver.

Sobre una nota que queda sonando, llamada pedal, se añaden notas nuevas extrañas a él.

Falta de secciones cadenciales claras.
 FORMAS MUSICALES
El impresionismo no tiene unas formas propias que se puedan diferenciar claramente. Las formas de
composición musical que se utilizaron en esta etapa, posiblemente, ya se habían utilizado con
anterioridad, pero los autores de la época dejan ver en ellas un rechazo a las tonalidades clásicas, lo que
dio paso a la utilización de una serie de sonidos o acordes que en toda la obra no dominaban sobre otros.
En las formas impresionistas lo que importa es el colorido o sonoridad de cada acorde con independencia
de las disonancias que estos puedan llegar a crear con sus choques con los demás acordes ( los
compositores pretendían que fuera nuestro oído el que “fundiera” los sonidos ).
En las obras se podían llegar a emplear escalas orientales y exóticas. Además, las formas no tienen una
estructura clara; ya que en ella no encontramos grandes puntos climáticos o grandes frases claramente
estructuradas en secciones y las frases no se distinguen unas de otras con claridad. Las formas utilizadas
fueron: Sinfonía, poema sinfónico, obertura, rondó, romanza, variaciones sinfónicas, suite, sonata o
preludios. Pero en estas formas se encontraba el estilo musical propio del impresionismo con esa
indefinición y donde son los oyentes los que tienen libertad para captar nuevas sensaciones, ya que la
música del impresionismo (aunque las formas utilizadas no sean innovadoras porque se habían utilizado
antes) es una música subjetiva. También destaca la utilización de formas libres (con unos instrumentos
concretos y escalas determinadas) para imitar a los fenómenos naturales como el sonido del mar, el
viento, la lluvia, etc.
 INSTRUMENTACIÓN PROPIA DE LA ÉPOCA
En el Impresionismo todos los instrumentos tienen importancia, pero dentro de ellos uno de los más
destacados es el piano, cuyo precursor es el claricordio.
En cuanto a este instrumento, las innovaciones en la escritura que hizo Debussy fueron muy importantes.
Puede decirse que Debussy es uno de los organizadores del estilo pianístico del siglo XX. Otro
instrumento de teclado de gran importancia en la actualidad, es el órgano, conocido antes por los griegos.
Entre los instrumentos utilizados en la música moderna figuran:

El clarinete.

El oboe.

Las trompas.

Los clarines.

Los trombones.

Las trompetas con sordina.

El saxofón (destacado en las obras compuestas por Ravel).
En esta época no podemos olvidar a los instrumentos de percusión que tuvieron gran importancia:
Los instrumentos occidentales:

tantán, (es como un gong).

batintín,

gong, (instrumento de percusión que consiste en un disco de bronce que suena cuando es
percutido con una baqueta de tela. Muchos tienen una prominencia en el centro, donde se
produce la vibración)

el metálico timbal,

el grave bombo,

el pequeño tamboril.(tambor pequeño que se toca con un solo palillo o baqueta)
Este periodo impresionista utiliza sonoridades sutiles, suaves, que buscan una música íntima y recogida.
En resumen, esta música rompe con lo romántico y wagneriano (pertenece a Wagner o a su escuela
musical; partidario de la música de Wagner.)
 AUTORES MÁS RELEVANTES
Por analogía, se designa con el nombre de “escuela impresionista” a un grupo de músicos que intentan
trasponer al lenguaje de los sonidos los estados anímicos, los sentimientos y los paisajes más raros y
delicados. El impresionismo musical es un arte del matiz, que se propone traducir la movilidad y la
multiplicidad de las sensaciones. Debussy está considerado como la figura principal de esta escuela. Otro
grandísimo músico que se puede considerar impresionista en una parte de su obra es Ravel.
El impresionismo, tal vez empieza con la música de músicos impresionistas como: Satie, Dukas, D'Indy,
Séverac, Pierné y Chausson aunque el máximo precursor de este movimiento es Claude Debussy.
Achille-Claude Debussy: nació el 22 de Diciembre de 1894 en París. Se formó en el wagnerismo. Es el
gran impulsor de este movimiento musical. Su obra está además influida por las corrientes literarias
simbolistas de Mallarmé, como se observa en su primera gran pieza, Preludio a la siesta de fauno,
inspirado en una poesía de Mallarmé; y Pelleas y Melisande, en otra del poeta simbolista belga
Maeterlinck. En 1899 produce ya obras plenamente impresionistas, como Tres Nocturnos, Nubes, Fiestas,
Sirenas, etc.… En la música de piano, los preludios son su obra vital. Termina su vida con música de
Cámara en la que hay que destacar su Sonata para violín y Piano, y Sonata para violoncello y piano.
Debussy no compone con notas sino con sonidos. “La música” consignaba el compositor en su prefacio a
la edición de la partitura, “es una ilustración harto libre del hermoso poema de Stépahane Marmallé”.
Debussy instaura un lenguaje inédito, fruto una libertad creadora de sus propias leyes: en la concepción
del tiempo; en la rítmica, en la retórica, en la forma. El de impresionismo, traspuesto del campo pictórico,
no sería un apelativo demasiado extravagante para designar este estilo que eclosiona en música.
Ravel (1875-1937: Hijo de madre vasca, es un músico muy ligado a España, con varias obras inspiradas
en nuestro país. El Impresionismo de Ravel, no es tan claro como el de Debussy, está directamente
relacionado con la estética impresionista, pero ésta no define totalmente el estilo de este autor. En él hay
igualmente tendencias simbolistas y exóticas muy peculiares, como cuando acepta elementos españoles
o, sobre todo, de Jazz, de moda en Europa. Tiene obras características de su estilo, como Pavana para
una infanta difunta, u otras donde magistralmente la orquesta como La Valse o el Bolero. En este mismo
sentido destaca su ballet Dafnis y Cloe. En la hora española, Mamere l'Oye y Gaspard de la Nuit,
Rapsodia española, etc., aparece como muy diferente a Debussy, con una gran riqueza de invención
melódica.
En el Concierto de la mano izquierda, y en el Concierto en Sol, demuestra su maestria en orquestación y
en el dominio del piano. Uno de sus aspectos igualmente interesantes de este músico son sus series de
canciones, como Poemas de Mallarmé o Historias naturales.
Otros compositores: En todo este momento francés hay una serie de músicos más o menos
independientes, muchos de ellos relacionados con el impresionismo, pero que no podemos colocar en
este movimiento así Gabriel Fauré (1845-1924), con obras como, Quinteto para piano y cuerda; y
Réquiem, dentro de este mismo círculo está Paul Dukas (1865-1935) con influencias claramente
impresionistas, autor de una obra famosa, el aprendiz de Brujo; parecido camino sigue el músico Vicent
D'Indy (1851-1931). Un lugar independiente merece Erick Satie.
 APLICACIÓN DIDÁCTICA
Pensamos que una actividad muy interesante, para los niños de primaria, puede ser la audición de piezas
musicales de diferentes épocas, esto les será de utilidad para poder diferenciarlas.
En este caso, cuando estudien el Impresionismo musical podemos proponer diferentes actividades cuyo
hilo conductor sea la audición de una pieza de Claude Debussy, quien encabezó este movimiento
estilístico a finales del siglo XIX y principios del XX.
La pieza elegida para la audición sería: Preludio a la siesta de un fauno, una de las más importantes del
compositor. Fue su primera composición madura basada en un poema del escritor Stéphane Mallarmé.
La primera actividad consistiría en que nuestros alumnos, mientras se realiza la audición de esta pieza, se
muevan al ritmo de la música, pudiendo hacerlo por toda la clase, conforme esta obra les inspire. Podrán
realizar movimientos con sus dedos, sus manos, sus brazos, sus piernas, la cabeza, es decir, con todas
las partes del cuerpo de las que quieran hacer uso. Esto lo podrán llevar a cabo individualmente, por
parejas o en grupos de más de dos personas. No pondremos límites a sus movimientos, siempre dentro
de un orden.
Consideramos que ésta actividad puede proporcionarles una manera diferente y más divertida de sentir la
música, ya que lo hacen desde dentro, desde el sentimiento, utilizando para ello no sólo el oído, sino todo
su cuerpo.
Para realizar esta actividad, previamente, prepararemos la clase retirando todas las mesas y sillas,
colocándolas contra las paredes. Con esto conseguiremos dejar un gran espacio libre para que los niños
puedan moverse con toda libertad y sin problemas por toda el aula.
Cuando termine la pieza, y después de la excitación que esta primera actividad les producirá, podemos
plantearles una segunda actividad que consistirá en escuchar nuevamente la pieza Preludio a la siesta de
un fauno, pero esta vez de manera más sosegada. Ahora lo que deberán realizar es un dibujo en el que
plasmen lo que esta obra les evoca mientras la escuchan y que es lo que les ha hecho sentir mientras
bailaban.
Este tipo de actividades las podemos realizar con otras piezas, con otros estilos y movimientos y,
además, se puede realizar con alumnos de diferentes cursos, pero centradas en los primeros cursos de la
etapa de primaria. En cursos superiores podemos sustituir el dibujo por una redacción.