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PROYECTO PAPELILLOS DE EDUCACIÓN INFANTIL
LÁMINAS DE ARTE 3 AÑOS
Unidad 1
Las Meninas, Diego Rodríguez de Silva y Velázquez
Museo del Prado, Madrid
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, hacia el 5 de junio de 1591-Madrid, 6 de
agosto de 1660) conocido como Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de
los máximos exponentes de la pintura española y figura de la pintura universal. Pasó sus
primeros años en Sevilla donde desarrolló un estilo naturalista de iluminación tenebrista. A los
24 años se trasladó a Madrid, donde fue nombrado pintor del rey. Cuatro años después fue
ascendido a pintor de cámara, el cargo más importante entre los pintores del rey. A esta labor
dedicó el resto de su vida. Su trabajo consistía en pintar retratos del rey, de su familia, así
como otros cuadros para decorar las mansiones reales. Su estilo evolucionó hacia una pintura
de gran luminosidad con pinceladas rápidas y sueltas.
Esta obra, Las Meninas, se llamó originariamente La familia de Felipe IV. Es una pintura
realizada al óleo sobre un lienzo de grandes dimensiones, con las figuras representadas a
tamaño real. Aunque no tiene firma ni fecha, por fuentes indirectas, se data en 1656. Se halla
expuesta en el Museo del Prado de Madrid.
Es una de las obras pictóricas más analizadas y comentadas en el mundo del arte. El tema
central es la infanta Margarita de Austria, aunque la pintura representa también otros
personajes, incluido el propio Velázquez. Un espejo representado al fondo de la pintura refleja
las imágenes del rey Felipe IV y de su esposa Mariana de Austria, según algunos historiadores,
entrando a la sesión de pintura, y según otros, posando para ser retratados; en este caso, serían
la infanta Margarita y sus acompañantes quienes venían de visita para ver la pintura de los
reyes.
Unidad 2
Los tres paraguas, Raoul Dufy
Museo de Bellas Artes, Houston
Raoul Dufy (El Havre, 1877-Forcalquier, 1953) fue un
pintor fauvista, artista gráfico y diseñador textil
francés. En 1895 comenzó a recibir clases de arte en la
escuela de Bellas Artes de su ciudad natal. Desarrolló
un estilo colorista, que se hizo popular para el diseño
de cerámicas, telas y esquemas decorativos de
edificios públicos. Estuvo sometido a la influencia de
impresionistas como Monet, más adelante se inclinó
por el fauvismo.
Sus temas favoritos fueron los barcos de vela, las
vistas de la Rivera francesa, las fiestas elegantes, las
carreras de caballos, las flores, los lugares de moda,
los instrumentos musicales y los desnudos.
Esta obra, Los tres paraguas, es una pintura realizada
al óleo sobre lienzo. Actualmente se encuentra
expuesta en el Museo de Bellas Artes de Houston,
Texas. Fue pintada en 1906, y en ella el autor rinde
culto al color, utilizando los contrastes en los
paraguas. El cuadro representa una escena de un grupo
social distinguido resguardándose del sol.
Unidad 3
La adoración de los pastores, Bartolomé Esteban Murillo
Museo de Bellas Artes, Sevilla
Bartolomé Esteban Murillo nació en Sevilla en 1617, donde vivió
hasta su muerte en 1682. Fundó una reconocida escuela de arte en
1660. Su obra fue muy amplia y variada, siendo en su mayor parte de
tema religioso. También pintó delicadas escenas de niños,
adolescentes y minuciosos retratos. Su pintura, basada en el estudio de
la escuela italiana y flamenca, se adaptó al gusto y la devoción de su
país, llegando a ser un pintor de gran prestigio y consideración.
Esta obra, La adoración de los pastores, realizada en óleo sobre
lienzo, representa la escena del nacimiento de Jesús que, rodeado de su
familia, recibe la adoración de unos pastores. Muestra una importante
influencia de la obra de Ribera, sin olvidar a Zurbarán y al joven
Velázquez. Murillo ha dejado en penumbra a San José, iluminando a la
Virgen y al Niño. Junto a ellos, dos pastores y una pastora entregan sus
presentes: un cordero, huevos y una gallina. El realismo que
caracteriza a las figuras tiene una clara muestra en los pies sucios de
los pastores. Los tonos predominantes son los típicos del Naturalismo:
marrones, blancos y pardos que contrastan con los rojos y azules
intensos. La pincelada minuciosa del pintor muestra todo tipo de
detalles, desde los pliegues de los paños hasta las briznas de paja del
pesebre. La composición carece de profundidad, como era habitual, al
cerrarse con un fondo neutro normalmente muy oscuro, marcando una
típica diagonal barroca aunque aquí no sea muy pronunciada.
Unidad 4
Madre e hija delante del sol, Joan Miró
Joan Miró nació en Barcelona en 1893. Es considerado
uno de los máximos representantes del surrealismo.
Este pintor, escultor, grabador y ceramista español huyó
de los métodos convencionales de la expresión artística
para convertirse en el gran referente del arte
contemporáneo. Estudió comercio y, más adelante,
tomo clases de pintura en una academia de arte. Se unió
a otros pintores y formaron la Agrupación Courbet.
Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975
de la Fundación Joan Miró, ubicada en Barcelona,
nacida con el objetivo de difundir las nuevas tendencias
del arte contemporáneo. La fundación atesora gran parte
de las obras del artista, aunque existen también
importantes fondos en la Fundación Pilar i Joan Miró de
Palma de Mallorca, el MNAM de París y el MOMA de
Nueva York. Falleció en Palma de Mallorca el 25 de
diciembre de 1983, y fue enterrado en el Cementerio de
Montjuïc, en Barcelona.
En la pintura de Joan Miró, la mujer es: rigor, ternura,
poesía, cotidianidad, madre… Esta obra, Madre e hija
delante del sol, puede resultar atractiva para los niños y
niñas, porque se acerca a la forma de dibujar de ellos.
Unidad 5
Naturaleza muerta con peras y manzanas, Paul Cézanne
Paul Cézanne (19 de enero de 1839-22 de octubre de 1906),
pintor francés postimpresionista, considerado el padre del arte
moderno. Su obra estableció las bases de la transición entre la
concepción artística decimonónica y el mundo artístico del siglo
XX, nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras
vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de
un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos
amigos y, hasta 1895, expuso de forma ocasional. Fue un
“pintor de pintores”, al que la crítica y el público ignoraban,
siendo apreciado solo por algunos impresionistas y, al final de
su vida, por la nueva generación. Cézanne manifestó un interés
progresivo en la representación de la vida contemporánea,
pintando el mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin
preocuparse de idealizaciones temáticas o afectación en el
estilo. El autor consideraba que nunca llegaba a alcanzar
plenamente su objetivo, por lo que dejó la mayor parte de sus
obras sin acabar y destruyó muchas otras.
Hasta sus últimos años, Cézanne pintó numerosas naturalezas
muertas, apreciándose en esta temática su evolución pictórica.
Su fruta preferida eran las manzanas, como se aprecia en la obra
Naturaleza muerta con peras y manzanas. La obra está repleta
de elementos, que se sitúan en una mesa y ante una pared
eludiendo cualquier referencia espacial. En esta obra, no
renuncia al color, siendo el principal protagonista de una pintura
en la que los volúmenes tienen especial importancia. Cézanne
emplea varias perspectivas en esta escena.
Unidad 6
Los girasoles, Vincent Van Gogh
Vincent Willem Van Gogh (Zundert, Países Bajos, 30 de marzo de 1853-Auvers-sur-Oise, Francia, 29
de julio de 1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del posimpresionismo.
Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y 1.600 dibujos. La figura central en su
vida fue su hermano menor Theo, quien continua y desinteresadamente le prestó apoyo financiero.
La calidad de su obra solo fue reconocida después de su muerte considerándose uno de los grandes
maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los
expresionistas alemanes y los fauvistas. Muchas de sus obras son muy conocidas y se encuentran
profundamente enraizadas en la conciencia artística general, y mantienen su actualidad en todo el
mundo.
Los girasoles, pintado en 1888, forma parte de una serie de pinturas al óleo con las que Van Gogh
buscaba el espíritu del simbolismo. La meticulosidad de las flores contrasta con la caótica situación de
las hojas, así como la pastosa aplicación del color que, delante del fondo azul claro, consigue que el
cuadro tenga un significado que va más allá que la simple reproducción de las flores. Expone la
imaginación del artista y su gran fuerza expresiva, y esta fuerza exigía un gran delirio de sentimientos.
Utilizó todo el espectro del color amarillo, junto con naranjas, ocres, marrones, beiges, etc. El color
está aplicado con pinceladas fuertes, agresivas, en pequeños toques salteados, que crean un fino
relieve en la tela para dar volumen a los girasoles. Para resaltar el amarillo y el naranja, emplea verde
y azul cielo en los contornos, creando un efecto de suave intensidad lumínica.
Unidad 7
El Pájaro, Fernando Botero
Fernando Botero Angulo es un pintor, escultor y dibujante
colombiano nacido el 19 de abril de 1932 en Medellín
(Antioquia, Colombia). Considerado el artista vivo
originario de Latinoamérica más cotizado actualmente en el
mundo. Icono universal del arte, su extensa obra es
reconocida por niños y adultos de todas partes por igual.
El estilo de Botero, plenamente figurativo, se caracteriza en
lo plástico por cierto aire naïf, y en lo temático por la
representación de personas y animales siempre como figuras
corpulentas, incluso claramente obesas.
La obra El Pájaro fue donada por el maestro Botero en 1994
e instalada en lo que se convertiría más tarde en el gran
Parque de San Antonio, donde un grupo terrorista dejó una
poderosa bomba que mató a 23 personas durante una fiesta
popular en 1995. La explosión dejó también destruida la
escultura, que empezó a ser llamada el Pájaro herido. El
propio Botero pidió que no retiraran los destrozos, que han
permanecido hasta ahora en ese lugar como un homenaje a
las víctimas y como una forma de mantener el recuerdo de
esa violencia. Más adelante, hizo otro pájaro, que colocó al
lado del herido.
Unidad 8
El quitasol, Francisco de Goya
Museo del Prado, Madrid
Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos,
Zaragoza, 30 de marzo de 1746-Burdeos, Francia,
15 de abril de 1828) fue un pintor y grabador
español. Su obra abarca la pintura de caballete y
mural, el grabado y el dibujo. En todas estas
facetas desarrolló un estilo que inaugura el
Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo,
el comienzo de la Pintura contemporánea. A Goya
se le considera el precursor de las vanguardias
pictóricas del siglo XX.
El quitasol (1777) es un cuadro que forma parte de
la serie de cartones para la Real Fábrica de
Tapices de Santa Bárbara; en concreto, para la
serie destinada a la decoración del comedor del
infante Carlos, entonces Príncipe de Asturias.
El cuadro fue realizado con toda probabilidad
entre el 3 de marzo y el 12 de agosto de 1777. En
el verano de 1777, el pintor hizo entrega de una
serie que se destinaba a decorar el comedor del
Príncipe de Asturias. Estos cartones fueron
titulados: El quitasol, El paseo por Andalucía (o
La maja y los embozados), El bebedor y La riña
en la venta nueva. En el documento de cuenta,
Goya tasaba El quitasol en quinientos reales de
vellón. El autor recibió por esta serie completa de
cartones 18.000 reales.
Hacia la mitad del siglo XIX el óleo fue trasladado
al Palacio Real de El Pardo, donde se almacenó en
el sótano del oficio de tapicería. Por orden real de
18 de enero y 9 de febrero de 1870, el cuadro
ingresa como parte de los fondos del Museo del
Prado, y aparece en su catálogo por vez primera en
1876.