TEMA 61. ARTE BARROCO

TEMA 61: ARTE BARROCO
1. INTRODUCCIÓN
2. CARACTERÍSITCAS GENERALES DEL BARROCO
3. ARQUITECTURA
3.1 ARQUITECTURA EN ITALIA
3.2 ARQUITECTURA FRANCESA
3.3 ARQUITECTURA ESPAÑOLA Y LATINOAMERICA
3.4 ARQUITECTURA EN INGLATERRA
3.5 ARQUITECTURA EN AUSTRIA Y ALEMANIA
4. ESCULTURA
4.1 CARACTERÍSTICAS GENERALES
4.2 ESCULTURA EN ITALIA
4.3 ESCULTURA EN ESPAÑA
4.4 ESCULTURA EN FRANCIA
4.5 ESCULTURA EN EL RESTO DE EUROPA
5. PINTURA
5.1. CARACTERÍSTICAS GENERALES
5.2 PINTURA EN ITALIA
5.3 PINTURA EN FLANDES Y HOLANDA
5.4 PINTURA EN ESPAÑA
1. INTRODUCCIÓN
Por regla general se considera al Barroco como un estilo asociado a la ideología religiosa,
derivada de la Contrarreforma, y a la monarquía absolutista. Un estilo unitario caracterizado por el
sentido teatral y el dinamismo, que se contrapone al Renacimiento. Pero esta idea tradicional puede
decirse que está superada: tenemos que considerar al Barroco como un estilo multiforme y
pluralista que sirvió a muchos intereses contrapuestos.
El Barroco es la expresión de grandes cambios políticos, económicos, ideológicos o
sociales cuyos resortes de acción son muy diferentes a los del Renacimiento, por lo que exige la
utilización de un lenguaje distinto. Ello no quiere decir que sea un lenguaje totalmente opuesto al
clasicismo renacentista, sino que entabla, con ese clasicismo, un diálogo distinto. En realidad, el
Barroco nació como evolución del arte del siglo XVI, no de la oposición a lo clásico.
Como vamos a ver en este tema, es muy difícil reducir a la unidad un periodo de la cultura
europea que abarca siglo y medio, tanto desde un punto de vista ideológico como psicológico,
cuando las condiciones y los factores históricos son diferentes en cada país. No se puede reducir a
la unidad el arte barroco cuando se presenta dividido en múltiples escuelas.
En fin, el siglo XVII -considerando los límites cronológicos desde un punto de
vista flexible- es un siglo lleno de acontecimientos relevantes que preparan el camino a la
idea moderna de Europa, frente a la concepción de “cristiandad” imperante en el
Renacimiento y en la Edad Media. Surge también el concepto de europeismo fundado en
la secularización y la adopción de otros valores: la confianza en la razón y en la ciencia
como medios que permitan llegar a una convivencia entre las naciones.
2. CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL BARROCO
Entre las características generales del arte barroco están:
-
-
su sentido del movimiento, la energía y la tensión.
Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos de muchos
cuadros, esculturas y obras arquitectónicas.
Una intensa espiritualidad aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis,
martirios y apariciones milagrosas.
La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas;
tanto en el renacimiento como en el barroco, los pintores pretendieron siempre en
sus obras la representación correcta del espacio y la perspectiva.
El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se
representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera
individualizada, con su personalidad propia. Los artistas buscaban la representación
de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente
reflejados en los rostros de sus personajes.
La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco hicieron
de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental.
3. ARQUITECTURA
-
Frente a la armonía, equilibrio y sentido estático renacentistas, se impone ahora el
gusto por los contrastes, ya sean cromáticos, utilizando diferentes materiales (ladrillo,
piedra, mármol,...) o lumínicos, alternando zonas oscuras con otras fuertemente
iluminadas, contraste de claroscuro
-
Ya no existe una organización unitaria, sino que la planta del edificio tiene varios
centros de interés;
-
Predomina el interés por el movimiento, en plantas y alzados. Las plantas pierden
ahora sus formas tradicionales, siendo ahora circulares, elípticas, octogonal. Se llega al
abandono de líneas rectas y superficies planas.
-
No reniega de las formas clásicas (columnas, arcos, frontones, frisos), pero las
transforma de manera fantasiosa.
-
Se empiezan a dibujar fachadas cóncavas y convexas, apogeo de lo curvo, de los
constantes entrantes y salientes, de la columna salomónica. En los interiores también
se buscan las superficies curvas
-
Arcos y frontones mixtilíneos. El arco descansa sobre la columna por el intermedio
de un entablamento (esto es el modo romano), o descansa directamente sobre el
capitel (modo bizantino). Ambos modos fueron empleados en el Renacimiento.
-
Las ventanas son ovales o cuadradas con la parte superior curva.
-
la decoración se va haciendo cada vez más rica y colorista. La decoración se
enmarcaría con toda suerte de complicaciones y de extravagancias naturalistas. La
naturaleza entra a formar parte de las perspectivas arquitectónicas.
-
El rechazo de la simplicidad y la búsqueda de lo complejo
-
Gusto por lo dramático, exuberante y teatral.
-
El espacio se rompe, las formas abren, se rompe el equilibrio matemático. Este es el
Barroco de la arquitectura: las “formas abiertas” sustituyen a las “formas cerradas” con
ímpetu lleno de inquietud, con un gusto orgánico de agregación más que de geometría
y simetría.
-
Las obras son: palacios, religiosas, urbanísticas, grandes jardines.
3.1 ARQUITECTURA BARROCA EN ITALIA
Durante el S. XVII se confirma el papel de Roma como capital del arte Italiano. Será en
esta cuidad donde se encuentren la mayor parte de obras y artistas.
Las primeras muestras del barroco aparecen en Italia y su mejor representante es
Gian Lorenzo Bernini, que proyectó la plaza de san pedro en el vaticano (comenzada en
1656). Gracias al complicado juego perspectivo de la doble columnata (de planta oval abierta
con dos brazos) la fachada chata de Carlo Maderno para la basílica de San Pedro cobra un
nuevo vigor. Otra de sus mejores obras es la Escala Regia (1663-1666), también en el Vaticano,
donde consiguió construir en un espacio reducido una de las escaleras más impresionantes de la
historia de la arquitectura.
Casi contemporáneo de Bernini es Francesco Borromini. Su arte se caracteriza
por la búsqueda constante del movimiento y la reivindicación de la libertad del artista para crear
espacios originales. Diseñó la iglesia de Santa Inés en la plaza Navona (comenzada en 1652) y
la planta de Sant’Ivo alla Sapienza.
La elegante ondulación de la fachada de San Carlo alle Quattro Fontane (1665-1667) en
Roma, obra de Borromini, con sus ritmos cóncavos y convexos trasladados al interior mediante
una planta oval, podría considerarse como la culminación del estilo barroco en Italia.
3.2 ARQUITECTURA FRANCESA
En el S. XVII Francia de la mano de su rey Luís XIV tomó el relevo en la hegemonía
europea de España que tras una larga guerra con este país firma la paz de los Pirineos en 1659.
Desde este momento el rey Luís XIV se convierte en el rey más poderoso de Europa y pretende
construir una Monarquía absoluta y centralista. Símbolo de este poder será el Palacio de Versalles
El palacio de Versalles es el monumento arquitectónico más importante del barroco francés. Su
dedicación al Rey Sol, sus estrictas formas clásicas, sus vastos y complejos jardines y los
suntuosos interiores, estaban destinados a mostrar la gloria y el poder del monarca; dio origen a
imitaciones encargadas por los reyes absolutistas de toda Europa.
Un proyecto igualmente grandioso fue la ampliación del palacio del Louvre , encargada
a Bernini en un primer momento pero definitivamente realizada por Le Vau, Lebrun y Claude
Perrault entre otros.
La arquitectura palaciega se caracteriza por su gran clasicismo de exteriores
relativamente sencillos en los que se emplea como único ornamento columnas y pilastras de
orden clásico, así como frontones o entablamientos y cornisas. Casi todos los palacios tienen la
misma estructura, un cuerpo rectangular franqueado por otros dos laterales en ángulo recto que
forma un patio abierto donde se encuentra la fachada principal que suele estar en la parte de
atrás dando a un gran jardín.
La muerte de Luís XIV en 1715 coincidió con una serie de renovaciones en el mundo
del arte que desembocaron en lo que se conoce como estilo rococó.
3.3 ARQUITECTURA ESPAÑOLA Y DE LATINOAMERICA
A pesar de la crisis económica y política, surge una actividad artística excepcional: lo que
se ha denominado “Siglo de Oro”. Sin embargo, en el terreno artístico hay una clara víctima de la
situación decadente: la arquitectura, como arte más costoso, se resentirá de la falta de presupuestos
a la hora de construir. Ello tiene como consecuencia la pobreza de los materiales constructivos y la
escasa calidad estética de los conjuntos arquitectónicos.
No hay una notoria aportación de soluciones nuevas aproximadamente 1660, fecha en
torno a la cual aparecen esquemas constructivos que pueden clasificarse de barrocos. Hasta
entonces se mantienen los esquemas tradicionales procedentes de la arquitectura clasicista
española, fruto de la ideología contrarreformista y de su plasmación en la arquitectura herreniana,
que vino a convertirse en el estilo oficial en el último cuarto de siglo XVI.
La arquitectura de la primera mitad del siglo XVIII ofrece dos aspectos:
- por una lado, una corriente nacional que nos ofrece una interpretación del barroco
plenamente hispana, con una propensión a lo decorativo, desde 1720 puede hablarse de
“Rococo”, cuyas características nos lo emparentan con el elegante y refinado barroco
europeo.
- por otra parte, el cambio de dinastía supone un cambio de orientación en el arte
cortesano, alejado del gusto hispano por lo recargado. El arte de los Borbones se
caracteriza por un relacionalismo basado en la disposición ordenada y clara de los
elementos arquitectónicos de influencias francesas e italianas. Felipe V trata de evocar
el ambiente versallesco, ejemplo, reconstrucción del Alcázar, el Palacio de la Granja y
el Real Sitio de Aranjuez.
Ya en el siglo XVIII la riqueza y fantasía decorativas alcanzan su apogeo con las
construcciones de la familia Churriguera, especialmente en Madrid y Salamanca, así como
también en la obra de arquitectos como el madrileño Pedro de Ribera y el gallego
Fernando Casas Novoa.
Por última mencionar el barroco en América aunque sea brevemente, en grandes
líneas se caracteriza por cientos aspectos de exaltación, riqueza ornamental, audacia en los
alzados y gusto por el color. Sorprende, sin embargo, el carácter generalmente conservador
de las plantas en América Latina. La riqueza de los retablos es especialmente llamativa por
su desarrollo que llega a cubrir por completo los interiores. Se emplea mucho el arco
mixtilíneo y las claraboyas estrelladas, así como motivos decorativos indígenas. El barroco
más típico corresponde al siglo XVIII.
3.4 INGLATERRA.
Es la arquitectura más clasicista de todo el Barroco, muy influida por Palladio.
Destaca la figura de C. Wren, entre sus obras destaca la Catedral de San Pablo de Londres,
y el Palacio de Kensington. Después del incendio de Londres de 1666, Wren dirigió la
reconstrucción de la ciudad aunque no se llevó a cabo su plan urbanístico. Sin embargo, realizará
numerosas iglesias.
La gran obra del siglo XVIII será la Ciudad balnearia de Bath, obra de Word
3.5 AUSTRIA Y ALEMANIA
Es un barroco tardío con respecto al barroco italiano y francés. La Guerra de los Treinta
Años, constituyó para Alemania un tremendo bache económico y social que determina un parón en
la actividad artística. En realidad hasta después de 1648 no puede hablarse de arquitectura barroca
alemana, e incluso en un primer período, son sobre todo artistas italianos los que acuden a trabajar
allí.
A finales de siglo y comienzos del XVIII encontramos ya una serie de arquitectos
alemanes, de gran personalidad que dan carácter propio a su arquitectura y que, aunque se inspiran
en Bernini, Borromini y Guarini Guarino, y recogen ya ecos del mundo francés, ofrecen soluciones
personales y un nivel de calidad extraordinario.
El centro principal será Viena, donde destacan las figuras de Fischer y Earlach, que
realizan respectivamente la iglesia de San Carlos Borromeo, y el Palacio de Schönbrunn. Otra
figura es Lucas Hildebrandt que realiza del Palacio de Belvedere de Viena.
Otro artista de inspiración plenamente barroca es el prusiano Andreas Schlüter, autor
del Palacio y la Armería de Berlín, de monumentalidad casi clásica, inspirado tanto en lo italiano
como en lo francés versallesco.
Muy característico de esta zona son una serie de abadías que se realizan en torno al
Danubio, son como pequeñas ciudades, destacando la de Melk y la de Klosternouburg, son los
llamados “palacios de la fe”.
ARQUITECTURA BARROCA EN ITALIA
BERNINI
PLAZA DE SAN PEDRO EN EL VATICANO
CARLOS MADERNO
FACHADA DE LA BASILICA DE SAN PEDRO
FRANCESCO BORROMINI
FACHADA DE SAN CARLOS DE LAS 4 FUENTES
PLANTA DE SANT´ IVO ALLA SAPIENZA
SAN CARLO ALLE QUATTRO FONTANE
ARQUITECTURA BARROCA EN FRANCIA
PALACIO DE VERSALLES
PALACIO LOUVRE
ARQUITECTURA BARROCA EN ESPAÑA
CHURRIGUERA
CONVENTO DE SAN ESTEBAN
PALACIO DE LA GRANJA
PALACIO DE ARANJUEZ
(SALAMANCA)
(SEGOVIA)
PEDRO RIBERA
HOSPICIO DE MADRID
FERNANDO CASAS NOVOA
PUENTE DE TOLEDO
FACHADA DEL OBRADOIRO EN LA
CATEDRAL SANTIAGO DE COMPOSTELA
ARQUITECTURA BARROCA EN INGLATERRA
WREN
CATEDRAL DE SAN PABLO (LONDRES)
PALACIO DE KENSINGTON
ARQUITECTURA BARROCA EN ALEMANIA Y AUSTRIA
FISCHER
IGLES. SAN CARLO DE BORROMEO
LUCAS HILDEBRANDT
PALACIO DE BELVEDERE (VIENA)
EARLACH
PALACIO DE SCHONBRUNN
4. ESCULTURA
4.1 CARACTERÍSTICAS GENERALES.
Podemos establecer las siguientes características de la escultura barroca:

La seriedad del personaje y la frialdad, y un gran abstractismo en los personajes, con un
pronunciado gusto por lo recto, la seriedad y la rectitud de los cuerpos, acentuando al
mismo tiempo lo sobrio y el espeticismo.

El gusto por el desnudismo y la realización de esquemas compositivos libres del
geometrismo, lo que choca con la proporción equilibrada del renacimiento.

La escultura barroca va a ser la escultura del movimiento. Frente al equilibrio y reposo del
renacimiento o la tensión interior del manierismo, la escultura barroca va a proyectarse
hacia fuera: composiciones en aspas, los paños flotantes, gesticulación expresiva de brazos
y manos.

Hay un gran deseo de naturalismo. La escultura se enfrenta a la volatilidad de los
elementos, llegando a una fusión con la luz, el agua y el aire. El deseo de naturalismo hará
que las superficies reproduzcan las diversas calidades de las cosas desde las telas hasta la
carne. En muchas ocasiones se buscará también la policromía.

Junto a la escultura en sentido estricto se encuentra la estatuaria, la taracea policromada, el
bajorrelieve se yuxtapone a diversas técnicas como la fundición, la forja o el trabajo de
madera.

Se utilizan preferentemente la madera, el metal y el oro. Se busca asimismo del
graphito.
4.2 ESCULTURA EN ITALIA
La escultura barroca, al igual que la arquitectura, tiene su origen en Italia. La gran figura es
el polifacético Bernini. La importancia de Bernini se centra en un hecho fundamental: sus obras
imponen una verdadera transformación de las concepciones establecidas en el campo de la
escultura.
Sus obras expresan un dramatismo y una profundidad emocional acordes con la
intensidad espiritual de la Contrarreforma. Se caracterizan también por la interrelación de luces
y sombras y por la forma dinámica de plasmar el movimiento. Su Apolo y Dafne demuestra que
también poseía un gran virtuosismo técnico al trabajar el mármol. El David es una de sus
primeras obras y contrasta con el David más clásico y contenido de Miguel Ángel, que nos
mostraba una figura contemplativa y reservada. La versión de Bernini es una figura en pleno
movimiento, con la atención fija en el punto donde aparecerá el adversario y el cuerpo
contorsionado para efectuar el disparo.
Somete a sus grupos a una composición completamente diferente a la establecida por sus
antecesores, sus esculturas no pueden concebirse solas, sino formando parte de un conjunto
arquitectónico y pictórico que les da todo su sentido. Todo ello se observa en el Extasis de Santa
Teresa en la iglesia de Sta.Mªde las Victorias, grupo escultórico en el que logra la máxima
teatralidad y en donde funde lo espiritual y lo sensual de manera inaudita.
4.3 ESCULTURA EN ESPAÑA
Las especiales circunstancias de la realidad histórica española determinan unas
características particulares en su arte. Durante el siglo XVII y mientras en Italia y Francia se
desarrolla la gran escultura barroca de origen berminiano, en mármol y bronce, con amplio uso de
la mitología y la alegoría, en España se cultiva la escultura en madera policromada, de carácter
exclusivamente religioso, que se pone por entero al servicio de la sensibilidad piadosa
contrarreformista, que procura aproximar la realidad del hecho religioso representado, para mover
la sensibilidad del creyente, que asiste, así, en cierto modo, al hecho (al “paso”) de la Pasión de
Cristo, o siente a los Santos como personas vivas y reales.
En sus comienzos la escultura barroca española permanece al margen de la evolución hacia
el dinamismo, movimiento y teatralidad de lo italiano. Sólo a mediados del siglo, en la Corte y en
Andalucía, se comienza a tener noticia del barroquismo berninesco, que a finales de siglo, y sobre
todo en el siglo XVIII, será generalmente conocido e incorporado a nuestro arte.
En resumen, podemos establecer las siguientes características:
- Realismo y expresividad: escorzos, dominio de la diagonal, abundancia de plegados.
- El material básicamente empleado es la madera, policromada lo que ayuda a acentuar el
naturalismo. No serán extraños los añadidos, los postizos: ojos, pelos, vestidos,... todo aquello que
ayude a crear sensación de verismo.
- La temática casi de forma exclusiva, será religiosa. En menor medida encontraremos
escultura de carácter funerario;
- Los escultores van a trabajar generalmente para parroquias, monasterios, gremios y
cofradías que sacan las esculturas que poseían en procesión.
A comienzos del siglo XVII se pueden señalar dos focos escultóricos:
● Castilla, con Valladolid y la Corte de Madrid: Los principales escultores fueron
Gregorio Fernández, máximo exponente de la escuela castellana, con impresionantes
tallas de Inmaculadas, Piedades y Cristos yacentes.
● Andalucía, con Sevilla y Granada. Los representantes de la escuela andaluza, en
especial Juan Martínez Montañés, Pedro de Mena, Juan de Mesa. Estos
últimos repartieron entre Sevilla y Granada buena parte de sus Cristos crucificados,
Inmaculadas, santos y otros temas típicos de los pasos procesionales, para los que iban
destinadas muchas de estas imágenes cargadas de realismo, expresividad y fervor religioso.
En el siglo XVIII a estos núcleos se agregan algunos más, especialmente en Levante:
● Murcia. Encontramos la figura más importante del siglo y la que cierra el ciclo de la gran
escultura policromada española: Francisco Salzillo. Supo aunar la gracia italiana con el
dramatismo español, resultando un arte delicado, plenamente Rococó. Realizó pasos procesionales
como el de la Oración del Huerto y el Prendimiento. Pero su obra más popular es el Belén del
Museo de Murcia.
4.4 ESCULTURA EN FRANCIA
La escultura barroca francesa tiene esencialmente un carácter cortesano, mitológico y
decorativo. Aunque también es lógico que haya escultura religiosa aunque su importancia y
personalidad es menor que la profana.
En el reinado de Luis XIII no hay grandes figuras. En tiempos de Luis XIV y en torno a la
construcción de Versalles surgen los dos escultores más importantes de Francia:
Francois Girardon, es autor del Mausoleo de Richelieu, compuesto con serena perfección y
del grupo de Apolo y las Ninfas, para Versalles.
Antoine Coysevox, realizó el gran relieve de estuco de Luis XIV a caballo, para el Salón de
la Guerra de Versalles, y varias esculturas para el parque del palacio. Fue además un gran
retratista, sus bustos-retratos nos transportan por su realismo a la vida de su siglo, busto de Luis de
Borbón.
Al margen de París, está el más genial de los escultores franceses: Pierre Puget
que es, además, el más auténticamente barroco, amigo del dramatismo, de la tensión y de la
violencia formal: Milón de Crotona, Alejandro y Diógenes.
4.5 ESCULTURA EN EL RESTO DE EUROPA
Como hemos dicho el estilo de Bernini inunda Europa. Artistas educados en Italia vuelven
a sus países de origen con el estilo formado en aquellos modelos. Así, en la Alemania Protestante
encontramos a Andreas Schüter que realiza la estatua ecuestre del Gran Elector en Berlín.
En la Alemania católica encontramos, como en España, la supervivencia de la escultura en madera
policromada.
En Inglaterra, también la inspiración berninesca determina el tono de los grandes
monumentos funerarios, de carácter conmemorativo, que se levantan en Londres.
ESCULTURA ITALIANA
BERNINI
ÉXTASIS DE SANTA TERESA
APOLO Y DAFNE
EL DAVID
ESCULTURA EN FRANCIA
FRANCOIS GIRARDON
TUMBA DEL CARDENAL RICHELIEU
EL INVIERNO
APOLO Y LAS NINFAS
MADRE DOLOROSA
LUIS XIV
ALEGORIA RELIGIOSA
ESCULTURA EN ESPAÑA
GREGORIO FERNANDEZ
CRISTO
PEDRO DE MENA
Mª MAGDALENA
JUAN MARTINEZ MONTAÑES
CRISTO YACENTE
JUAN DE MESA
CRISTO DE LA BUENA MUERTE
INMACULADA
FRANCISCO SALZILLO
EL PRENDIMIENTO
LA SANTA CENA
LA DOLOROSA
LA ORACIÓN DEL HUERTO
VIRGEN DE LAS ANGUSTIAS
CRISTO EN EL PASO DE LA CAIDA
5. PINTURA
5.1 CARACTERÍSTICAS GENERALES
La pintura barroca es una de las manifestaciones más ricas y abundantes y variadas del siglo XVII.
En la pintura se produce la revolución más radical del arte barroco. Como características
generales tenemos:
- Dominio de la profundidad que tiene en la perspectiva aérea su máxima expresión.
- Predominio de la luz sobre la forma, y del color sobre el dibujo.
- Un extraordinario realismo o naturalismo cuyas consecuencias más importantes son: la
representación de lo desagradable, la humanización de los personajes sagrados o mitológicos.
- Desarrollo de géneros como el retrato (de cuerpo entero, de grupos, retrato pagano, etc)
y/o el paisaje.
- La composición es abierta, ya todos los elementos parecen impulsados por una fuerza
interna hacia la parte exterior del cuadro.
- La ordenación del espacio barroco tiene en la luz uno de sus elementos definidores
esenciales. El siglo XVII rompe con el interés centralizador del renacimiento y crea focos de
atención, que a pesar de ser secundarios en la historia aparecen como esenciales.
- Los colores son también de tonalidades diversas, atendiendo a las zonas de producción y
a las tendencias artísticas. El Barroco utiliza colores cálidos, aunque matizados de manera artificial
por la luz. Son colores persuasivos. Crea un medio de comunicación frío, distante y racional.
- Técnicamente se abandona el temple y la tabla, siendo sustituidos por el óleo y el lienzo,
lo que facilita el aumento del tamaño de los cuadros. Se sigue utilizando la técnica del fresco, en
pintura decorativa aplicada a la arquitectura.
- Gusto por lo teatral que produce una unificación de todas las artes.
5.2 LA PINTURA ITALIANA : Van a convivir dos tendencias:

Naturalismo : Caravaggio
Las principales aportaciones son el naturalismo que lleva a plasmar la realidad cotidiana y
popular en sus cuadros religioso y, la utilización de un recurso el “tenebrismo”, consistente en
presentar los personajes y los objetos sobre un fondo oscuro, destacándolos con una iluminación
dirigida y violenta, que hace más evidente los gestos y los objetos, trayéndolos a una especie de
primer plano. El “tenenbrismo” ignora el paisaje, pero valora enormemente naturaleza muerta.
Obras suyas son, Conversión de San Pablo, Vocación de San Mateo, La muerte de la Virgen,
David con la cabeza de Goliat.

Prolongación del clasicismo,
los Carracci
a través de la escuela ecléctica de Bolonia
A la vez que los caravaggistas reaccionan violentamente frente al manierismo, en Bolonia
se produce un fenómeno paralelo de rechazo de las formas idealizadas en exceso. Pero buscando no
la realidad inmediata, sino una realidad más matizada e intelectualizada, que pinta las cosas no
como son, sino como deberían ser, buscando la belleza ideal y la expresión de los caracteres y
estados de ánimo, de manera parecida a como había actuado el arte griego o el del Renacimiento,
que pasan a ser modelos ideales.
Este clasicismo se interesa pronto por la naturaleza y crea un tipo de paisaje de enorme
belleza y equilibrio, ordenado en planos, con utilización frecuente de motivos de ruinas clásicas.
Entre los primeros artistas de esta corriente está la familia de los Carraci, sobre todo Aníbal
Caracci, que revivió los antiguos valores de arte italiano. Para ello se valió de un método
tradicional: escoger lo mejor de los grandes maestros (eclecticismo). Se le encargó el programa
decorativo del Palacio Farnese. donde se encuentra su obra más lograda. Esta obra es un ciclo de
frescos con temas de la mitología clásica como el Triunfo de Baco y Ariadna.
5.3 PINTURA EN FLANDES Y HOLANDA
Aunque hemos puesto este título conjunto, hay que tener en cuenta que Europa vivía
momento de convulsiones religiosas: Flandes, bajo el dominio español, será católica, por lo que los
temas religiosos seguirán siendo de primer orden, será una religiosidad optimista y alegre. En la
protestante Holanda estos temas quedarán relegados a un interés en los temas de carácter burgués,
profano.
A) FLANDES
La tradición pictórica de Flandes es sobradamente conocida. Se centra en el gusto
burgués por lo cotidiano y los detalles, y la exaltación de su modo de vida.
Entre todos los pintores flamencos destaca Péter Paul Rúbens. Se caracteriza por su
dinamismo, vitalidad y exuberancia. Su colorido es cálido. Sus composiciones se ordenan
habitualmente sobre un esquema diagonal. Cuerpos musculosos, a los que agrupa un ritmo
turbulento, e incluso en el paisaje está ese impulso dinámico. Rubens abarca todos los géneros:
-
religiosos, tiene obras que glorifican a la Iglesia triunfante, como
El descendimiento, o El levantamiento de la cruz, en las que la composición
diagonal remarcan la teatralidad,
- Junto a esas obras tiene escenas profanas, de temática mitológica, en las que utiliza
el desnudo, como Las tres Gracias.
- retratos: Duque de Lerma.
B) HOLANDA
Al contrario que Flandes, Holanda es la defensora del protestantismo y del triunfo de la
burguesía. En el siglo XVII Holanda se coloca entre las grandes escuelas de la pintura con un
marcado carácter nacional, gracias al desarrollo de la burguesía, que demandó gran cantidad de
cuadros en los que se mostrase su estilo de vida. Presta atención al dibujo. Los colores son fríos,
y el resultado es más realista que efectista. En realidad, el estilo está alejado del barroco, salvo
en el caso de Rémbrandt. El tema preferido de los holandeses será el retrato, sobre todo el
retrato colectivo, en el que aparecían los miembros de las corporaciones de hombres honrados.
Utiliza temas de la vida real y cotidiana, escenas de interior, naturalezas muertas, paisajes y
retratos, individuales y colectivos. Los acontecimientos más banales merecen la atención del
pintor.
Frans Hasl, es el gran especialista, y creador, de los retratos colectivos, en los que
con un gran detalle salen todas las gentes de bien. Utiliza tonos fríos y pinceladas planas pero
vigorosas: La gitana,, El banquete de los oficiales de san Jorge.
Jan Vermeer de Delft, es otro de los grandes pintores holandeses. Sus obras son
tranquilas, calmadas, de interior, con figuras estáticas y una atmósfera intimista de ambiente
burgués, aunque puede llegar a lo grotesco. En sus cuadros encontramos sencillez compositiva y
escenarios realistas: La encajera, Mujer leyendo una carta, La muchacha del turbante.
Rémbrandt van Rijn es el gran pintor de la escuela holandesa. Es un pintor lleno
de personalidad y uno de los grandes genios del arte. Sus obras respiran espiritualidad. Pinta
retratos de la sociedad, y también a sí mismo, pero sus temas alcanzan a todos los campos de la
pintura. Utiliza el claroscuro tenebrista de una manera muy acusada. También pinta temas
religiosos, pero basados en el antiguo testamento. Es profundamente realista y pinta
comportamientos humanos vulgares y paisajes melancólicos. Su ejecución es muy personal, usa
espátulas y los dedos para extender la pintura, con lo que logra efectos de gran dramatismo. Sus
obras más representativas son La lección de anatomía, La negación de san Pedro,
Autorretrato, La ronda de noche.
5.4 PINTURA EN ESPAÑA
El siglo XVII representa la época dorada de la pintura española por la calidad de sus
pintores y el marcado estilo de las obras.
Los pintores españoles usan como inspiración a artistas italianos como Caravaggio y su
tenebrismo, aunque luego lo abandonan. La pintura flamenca barroca influye notablemente en
España, debido al mandato que se ejerce en la zona, y a la llegada de Rubens al país como
pintor de la corte.
Se deriva un predominio casi absoluto del lienzo sobre el fresco, como técnica más
empleada.
La temática predominante es la religiosa, debido al peso de la iglesia como principal
cliente de los artistas y al ambiente religioso que impregna todos los aspectos de la vida
cotidiana.
Durante el siglo XVII la pintura española atravesó uno de los momentos culminantes de
su historia, pasando del realismo tenebrista de la primera mitad del siglo, al colorismo y la
luminosidad de influencia flamenca de la segunda mitad.

PRIMERA MITAD DEL SIGLO XVII: naturalismo tenebrista
Durante la primera mitad del siglo, las formas predominantes son las del
naturalismo tenebrista, de influencia directamente italiana.
► ESCUELA VALENCIANA
Se suele incluir entre los pintores valencianos la figura de José de Ribera.
- Se formó en Valencia, pero joven marcha a Italia y se empapa de las influencias del
tenebrismo de Caravaggio.
- Ribera sintió predilección por pintar cuadros que mostraban las gentes sencillas de la época.
Ribera destacó por su impecable y realista tratamiento de la piel y de las arrugas.
- Como otros pintores españoles de la época, sufrirá una evolución en la abandonando poco a
poco el tenebrismo, que ya desaparece en su célebre obra Martirio de San Bartolomé. Este
abandono del tenebrismo se produce por el contacto e influencia de Rubens y Velázquez.
- Otras obras importantes de José de Ribera son San Jerónimo penitente, San Andrés,
Magdalena, etc.
La
► ESCUELA ANDALUZA
Francisco de Zurbarán, afincado en Sevilla, fue el pintor monástico por antonomasia;
nadie como él supo representar con más sencillez el fervor religioso de la vida monástica
contrarreformista. Los volúmenes simples, la sencillez compositiva y el tenebrismo,
caracterizado por los fuertes contrastes de luz y sombra, definen el estilo que no cambiará hasta
los últimos años de su vida, cuando la influencia de Bartolomé Esteban Murillo le lleve a
experimentar con una pincelada más suelta y ligera y un uso más vaporoso de los colores.
Sus obras más famosas son los ciclos monásticos, dan una idea vivísima de las devociones de su
siglo (series de frailes mercedarios, dominicos, cartujos, franciscanos...). Pintó entre otras:
Visión de Fray Pedro de Salamanca, El milagro del padre Salmerón, Virgen protectora de los
Cartujos, Apoteosis de Santo Tomás y San Hugo en el refectorio.

SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XVII : realismo barroco
La segunda mitad del siglo, y especialmente bajo el reinado de Carlos II, se vive una
transformación completa en cuanto a la pintura. A la influencia italiana, naturalista y tenebrista, de
la primera mitad, sucede un predominio de lo flamenco, dinámico y colorista, con su sentimiento de
brillo y riqueza que contrasta aparentemente con la realidad de la dura decadencia española.
Es en este periodo cuando tiene auge ciertos temas, como el bodegón de
“vanitas”.Además, se desarrolla, un tipo de pintura mural, y de bóveda, nuevo por completo en
España.
Bartolomé Esteban Murrillo
Murillo se centró también en la temática prácticamente religiosa. Murillo representa la
cara dulce de la Contrarreforma. Fue muy popular y querido. Sus clientes fueron las órdenes
religiosas y algunos párrocos.
Se produce una evolución en sus trayectoria como pintor, ya que al principio se adhiere
al tenebrismo y pinta escenas de cámara, cuyos protagonistas son los niños. Si embargo, en sus
últimos años su pintura se hace más colorista.
De la primera etapa es la Sagrada Familia del Pajarito. Es un cuadro tenebrista y de
gran realismo y de una cotidianidad muy cercana al pueblo. Su composición se basa en líneas
diagonales. Otras obras importantes de Murillo son Niños comiendo fruta, Niño mirando por
la ventana, El Niño Jesús del cordero, El Buen Pastor, La Anunciación.
Otra de las obras maestras de Murillo es su Inmaculada Concepción. Es una pintura
colorista con una escena idealizada donde la Virgen tiene una mirada de éxtasis místico.
Diego Rodrigo de Silva y Velásquez (tema 62)
PINTURA EN ITALIA
CARAVAGGIO
VOCACIÓN DE SAN MATEO
CONVERSIÓN DE SAN PABLO
EL DAVID CON LA CABEZA DE GOLIAT
CARACCI
TRIUNFO DE BACON Y ARIADNA
ENTIERRO DE LA VIRGEN
PINTURA EN FLANDES Y HOLANDA
RUBENS
LAS TRES GRACIAS
ADORACIÓN DE LOS REYES MAGOS
EL LEVANTAMIENTO DE LA CRUZ
EL DESCENDIMIENTO
RETRATO DEL DUQUE DE LERMA
FRANS HASL
EL BANQUETE DE LOS OFICIALES DE SAN JORGE
LA GITANA
JAN VERMEER DE DELFT
LA ENCAJERA
MUJER LEYENDO UNA CARTA
LA MUCHACHA CON TURBANTE
REMBRANDT
LA RONDA DE NOCHE
AUTORRETRATO
LA LECCIÓN DE ANATOMIA
ÚLTIMO AUTIRRETRATO
NEGACIÓN DE SAN PEDRO
PINTURA EN ESPAÑA
JOSE RIBERA
MARTIRIO DE SAN BARTOLOMÉS
LA MAGDALENA
EL PATIZAMBO
MARTIRIO DE SAN FELIPE
SAN ANDRES
FRANCISCO ZURBARÁN
SAN HUGO EN EL REFECTORIO
EL BODEGÓN
APOTEOSIS DE SAN TOMÁS
VIRGEN PROTECTORA DE LOS CARTUJOS
MURILLO
PEQUEÑA VENDERORA DE FRUTA
LA ANUNCIACIÓN
NIÑOS COMIENDO FRUTA
INMACULADA CONCEPCIÓN
LA SAGRADA FAMILIA DEL PAJARITO
EL BUEN PASTOR
LA ANCIANA
CHICA GALLEGA