Las segundas vanguardias artísticas: Desde 1945 hasta 1979
Anuncio
Las segundas vanguardias artísticas: Desde 1945 hasta 1979 Las segundas vanguardias artísticas desarrollan su actividad a partir de la 2ª guerra mundial y son herederas de las primeras vanguardias. El rasgo común en todos los movimientos que surgen es el deseo de innovación constante. La meta de los artistas es la experiencia novedosa, es la búsqueda de lo nuevo, recurriendo a nuevos materiales, industriales, de desecho... Tras la segunda Guerra Mundial se produce una nueva sacudida en la sociedad, muchos de los artistas se ven obligados a exiliarse a Estados Unidos y llevan allí su arte de vanguardia, donde siguen desarrollándolo e influyen a otros artistas, a la vez que en Europa siguen vigentes las vanguardias y la evolución del arte .Es lo que conocemos como Segundas Vanguardias La sociedad de consumo y el capitalismo se desarrollan, el coleccionismo de arte se dispara y el arte se convierte en un objeto de especulación. No es de extrañar que surjan tendencias en contra de estos aspectos, la ironía y el sentido del humor aparecen en el arte con movimientos como el Pop, mientras que por otra parte se exaltan los materiales de desperdicio de la sociedad de consumo (Arte Póvera o Nuevo Realismo Francés). Al mismo tiempo nace una voluntad de intelectualizar el arte, de llegar directamente al intelecto del espectador (Minimal, Arte Conceptual...) o utilizar el arte como medio de exteriorizar los sentimientos del artista (Expresionismo abstracto) En 1968 hay un nuevo cambio en la sociedad, y esto se plasma en el Postmodernismo. Lo fragmentario y la citación de obras anteriores a modo de cita del pasado visto con una estética actual se hacen común a numerosos movimientos. No se trata únicamente de recoger detalles de obras anteriores, sino también de reciclar técnicas, ideologías o temáticas de otros movimientos. Surgen los revivals y los “neos” (Neopop, Neominimalismo, Neoexpresionismo...). En la postmodernidad todo vale. 1.- Expresionismo abstracto EEUU, 1945 El expresionismo abstracto surge en EE. UU. a principios de los años cuarenta y adquiere su máximo desarrollo a comienzos de los años cincuenta. La formación de este movimiento no habría sido posible sin la aportación de los surrealistas. Al comienzo de la segunda guerra mundial, la casi totalidad del movimiento surrealista se exilio en Nueva York. Entre los exiliados estaban algunos de los pintores surrealistas más importantes: Max Ernts, Roberto Matta, Salvador Dalí y André Masson. Estos pintores tuvieron como sede de sus actividades artísticas la galería neoyorkina "Art of This Century". Esta galería fue abierta en 1942 por la coleccionista Peggy Guggenheim (que entonces estaba casada con Ernts) para que los artistas exiliados tuvieran un centro donde mostrar su obra. Esta presencia de artistas europeos de vanguardia ejerció una gran influencia entre los pintores norteamericanos, especialmente entre los jóvenes artistas neoyorquinos, muchos de los cuales empiezan a exponer entre 1945 y 1947 a los cuales un crítico del New Yorker los calificó de expresionistas abstractos por el gran interés que mostraban por el expresionismo alemán. (Pollock llegó a ser la estrella de esta galería). La teoría y práctica surrealistas liberó a esos artistas de los moralismos y dogmatismos artísticos imperantes en Norteamérica, y les hizo descubrir la estimulante libertad de la creación espontánea. Características generales Se apartan del lenguaje figurativo experimentando nuevas técnicas Tensión emocional y energía en sus trazos Rienda suelta a los estados de ánimo Grandes dimensiones del soporte Rechazo de todo convencionalismo estético Se distinguieron cuatro tendencias: Tendencia gestual o de acción Abandono del lenguaje figurativo (De Kooning no cesará jamás de practicar una pintura figurativa). Utilización de nuevos métodos de ejecución: pintura de goteo (dripping) Expresión del estado psíquico del artista en el momento de realizar la pintura. Utilización de telas de grandes dimensiones Gran libertad en el color (al principio preferencia por el blanco y el negro, más adelante por los colores brillantes y vivos para traducir estados de ánimo intensos). Artistas: Jackson Pollock (1912-1956) “Mi pintura no procede del caballete (...) En el suelo me siento mucho más a gusto. Me siento más cerca del cuadro, más parte de él (...) Cuando estoy en el cuadro, no me doy cuenta de lo que hago (...) No me preocupa hacer cambios, destruir la imagen, etc., porque el cuadro tiene vida propia. Trato de dejar que esa vida salga a la superficie.” Es el gran representante del expresionismo abstracto. Fue el creador de la manera o técnica pictórica denominada “Action Painting”, método que suponía estar literalmente en el cuadro, el lienzo se sujetaba en el suelo, la pintura era mezclada con arena, grava, polvos de mármol, cristales por medio de cubos perforados el artista derramaba la pintura sobre la tela consiguiendo densos chorreados de distintos colores, lo que se llamó “Dripping”(chorreado). Tras una profunda depresión producida por su adicción al alcohol se suicidó. Willyam De Kooning (1904-) Willem de Kooning es un pintor holandés afincado en Estados Unidos desde 1926. En sus inicios cultiva una curiosa síntesis entre cubismo y abstracción, siempre dentro de una patente figuración. A través de la fragmentación de la figura humana, De Kooning llega a la abstracción gestual y sígnica que, aunque abstracta, recuerda tanto segmentos anatómicos y motivos paisajísticos como graffitis. Tras experimentar con el automatismo, a partir de los años cincuenta en pleno apogeo de la abstracción, cuando sólo parecía posible en la pintura ser abstracto, introduce de nuevo las figuras e inicia un tema que habría de ser esencial en su pintura, las mujeres. En estos años, el pintor concentra sus gestos —a base de amplios grafismos y violentos brochazos— en cuerpos de mujer con aire grotesco de un gran poder seductor, recordando al expresionismo alemán. La producción posterior de De Kooning acusa un vaivén entre el lenguaje figurativo — paisajes urbanos, autopistas, mujeres— y unas maneras extremadamente gestuales y abstractas, siempre dentro de una factura expresionista y de una voluntad de rechazo del estilo por el estilo. Tendencia sígnica o caligráfica Influencia oriental Se sienten atraídos por la simplicidad y belleza de la caligrafía oriental, ideogramas chinos Signos negros sobre fondos blancos o monocromáticos Artistas: Mark Tobey Rranz Kline Tendencia del espacialismo cromático (llamada colour-field painting) Investiga las posibilidades de la pintura abstracta monocromática o con una gama reducida de colores Enormes dimensiones, cuadros gigantescos Crean un ambiente místico, de reflexión ,de meditación de paz y tranquilidad mediante grandes extensiones rectangulares de color sobre el lienzo Artistas: Mark Rothko Robert Motherwell Barnet Newman Tendencia Surrealista Admiran a los surrealistas como Joan Miró Utilizan símbolos cósmicos (círculos, discos...) Pintan formas que insinúan objetos reales Artista: Arshile Gorky El expresionismo abstracto no tiene una fecha final, ya que es una manera de pintar que sigue en vigencia aunque como movimiente se suele identificar su fin histórico con la muerte de Pollock. Jackson PollockNotas biográficas En Arizona y California vivió durante su infancia y adolescencia, interesándose por el trabajo de los indios navajos. Inicia sus estudios de arte en 1928 en Los Angeles y con 17 años se traslada a Nueva York para asistir a las clases del pintor Thomas Hart Benton en el Art Students´League. En este periodo de formación siente especial atracción hacia la pintura muralista mexicana Siqueiros y Orozco- para interesarse posteriormente por Picasso y los surrealistas Matta, Ernst y Miró. Entre 1938-1942 trabajaría para el Federal Arts Proyects, interesándose por las expresiones mágicas y primitivas de los aborígenes americanos, realizando una serie de obras en las que se encuentra presente la imagen del tótem, vinculado en ocasiones a la simbología sexual. En 1940 expone por primera vez en la prestigiosa galería de Peggy Guggenheim, "Arts of Century" A partir de 1947 introduce el dripping en sus trabajos, técnica consistente en las salpicaduras y goteos de color sobre un lienzo tendido en el suelo, y se consolida como líder del action painting junto a Willem de Kooning. A partir de 1951 recupera una figuración de síntesis que se interrumpirá con su fallecimiento cinco años más tarde. Sus obras constituyen un significativo ejemplo de informalismo que influirá decisivamente en los pintores de la vanguardia de fin de siglo tanto en Europa como en América, al convertirse en una figura legendaria de la Escuela de Nueva York, dedicándole diversas exposiciones retrospectivas en los más importantes museos de arte moderno del mundo. 2.- Informalismo Europa, 1952 Corriente paralela al expresionismo abstracto norteamericano que se desarrolla en Francia y el resto de Europa hacia 1945 después de la 2ª guerra mundial. El término surgió en 1952 con motivo de la exposición titulada “Significants de l’informel” organizada por el crítico Michel Tapié, considerado el teórico del grupo también acuñó otro de los nombres por el que se conocen a estos artistas la denominación de "art autre" (otro arte) quien la utilizó en el año 1952, en un libro del mismo título, para referirse al arte abstracto no geométrico. Comprende una gran variedad de direcciones estilísticas, abstracción signico- lírica o tachismo, art brut, pintura matérica, que predominan durante los años cincuenta y sesenta. Son influenciados por las teorías existencialistas de Heidegger y Sartre que exaltaba la libertad completa del artista para expresar sus emociones y sus vivencias. Características generales Ausencia de figuración formal (de sujeción a reglas artísticas convencionales Irracionalidad como principal fuente de creación Descartan toda reflexión durante el proceso creativo exaltando la intervención del azar y de la improvisación Búsqueda de lo gestual y de lo matérico. Creación texturas mediante técnicas como el collage, el grattage y el frottage. Predominio del contenido lírico y la cualidad pictórica Combinación de materiales diversos y de desecho (arena, yeso, grava, brea, etc.). Utilización plástica de acumulaciones matéricas, relieves, corrimientos de pintura, chorreados, goteados, agujeros, cortes y destrucción del lienzo y arpilleras por medios químicos, mecánicos y por el fuego. Gran libertad en el color. Se destacan también cuatro tendencias distintas: Tendencia matérica o “Art brut” Utilización expresiva de diversos materiales creando texturas, como tierras, polvos de mármol, madera, vidrios. Lo más importante era la espontaneidad al emplear los distintos materiales Inspiración en las creaciones plásticas de los niños, enfermos mentales y gente marginada. Artistas: Jean Dubuffet Jean Fautrier Antoni Tàpies Tendencia gestual Utilizan fondos monocromos en los que destacan dinámicas pinceladas a modo de caligrafía oriental Austeridad en el color Artistas: Hans Hartung Tendencia tachista Emplean el dripping, chorreado directo de la pintura sobre la tela (técnica que hizo famosa el norteamericano Jackson Pollock) Artistas: George Mathieu Tendencia espacialista Investigan las posibilidades espaciales de la pintura, perforando, rasgando los lienzos, incorporando la 3ª dimensión Artistas: Lucio Fontana El informalismo en Catalunya: el grupo DAU AL SET Después de la guerra civil y la implantación de la dictadura, España presenta un paisaje desolador, produciéndose un breve estancamiento en la creación artística. Los primeros signos de resurgimiento empiezan en Catalunya, en Barcelona, con el grupo”Dau al set”, se integran hacia 1946 de la amistad entre el poeta Joan Brossa, el filósofo Arnau Puig y los pintores Modest Cuixart, Josep Tharrats, Joan Ponç y Antoni Tàpies. Publican su propia revista entre 1946 y 1956. Según Arnau Puig el grupo empezó con una tendencia dadaista que se desdobló posteriormente en dos corrientes: la surrealista y la existencialista. El surrealismo fue la primera en desarrollarse, pero que finalmente solo seguirá Joan Ponç Los tres pintores restantes evolucionan hacia el informalismo en la que se impuso con fuerza Antoni Tàpies: Comienzos primitivistas y surrealistas Atención por una densa textura matérica utilizando diversos materiales Se deriva totalmente a partir de 1950 por el materialismo utilizando gestos, signos (la cruz, el aspa, la T...), imágenes de rastros de objetos y símbolos catalanes. 3.- POP-ART Gran Bretaña y EEUU, años 50 y 60 Surge en EE.UU. e Inglaterra hacia 1955 y se convierte en el estilo característico de los años sesenta. El término de "pop art" (abreviación de "popular art") fue utilizado por primera vez en 1954 por el crítico Lawrence Alloway para denominar al arte popular que estaba creando la publicidad, el diseño industrial, el cartelismo y las revistas ilustradas. La vanguardia artística de mediados de los años cincuenta se inspira en este arte popular de la sociedad de consumo para crear obras figurativas con una temática absolutamente directa que las haga accesibles al público en general. Señala una continuación de Dadaismo de Marcel Duchamp, es la vertiente conceptual del arte.Lo que consagró al pop art fue su imaginería fácilmente reconocible en un momento en el que el arte era muy abstracto, poco figurativo; surge también como una respuesta contra el expresionismo abstracto. Temas La civilización de consumo se convierte en objeto artístico. Extraen su iconografía de las revistas ilustradas populares, de carteles publicitarios, del cómic, de los mitos cinematográficos, estrellas del rock, de la televisión, de los productos comerciales, en definitiva “de la cultura del hombre de la calle”. Estilo Toman las imágenes sin embellecerlas acentuando su mal gusto Se remarca su carácter de producción en serie agrandando, por ejemplo, viñetas de cómic viéndose la trama por puntos de su producción gráfica. Utilizan técnicas artísticas de reproducción seriada: serigrafía, litografía, fotografía, fotocopias... Colores chillones, factura impersonal, repetición, seriación, recursos publicitarios. Preferencia por las referencias al "status" social, la fama, la violencia y los desastres (Warhol), la sexualidad y el erotismo (Wesselmann), los signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo (Ruscha, Hamilton, etc.). Pintaron en un lenguaje figurativo temas de la sociedad de consumo como botellas, paquetes de cigarrillos, envoltorios sin que faltara una intención crítica e irónica. ArtistasEE.UU.: Robert Rauschenberg (1925), Jasper Johns (1930), “Tres banderas” Roy Lichtenstein (1923-1997); reproducciones de viñetas de cómic: “Whaam¡” Andy Warhol (1928-1987); “Sopas Campbell”, “Retratos de Marilyn” Tom Wesselman (1931), erotismo: “Desnudo americano” Claus Oldenburg (1929) “Mistos”(en Barcelona), entre otros. David Hockney (1937), Allen Johns (1937), Richard Hamilton (1922), entre otros.Andy Warhol Notas biográficas De nombre Andrew Warhola, el máximo representante del arte pop era hijo de padres eslovacos que habían llegado a Estados Unidos en 1913 en busca de fortuna. Su padre, Ondrej Warhola falleció cuando el joven Andrew tenía catorce años. Julia, su madre, se dedicaba a la limpieza y hacía flores artificiales que vendía en el mercado. Andrew era el menor de tres hermanos y no admitía el mundo de pobreza que le rodeaba en su ciudad natal. Su deseo de huir le llevó a coleccionar autógrafos desde los seis años, imaginando en todo momento poder llegar a ser alguien para abandonar su casa. Acudiría a la Holmes Elementary Scholl y todos los sábados a los talleres del Carnegie Institute of Technology, donde recibía clases gratuitas de pintura. La madre anima al joven Andrew a pintar, a dibujar y a interesarse por la literatura. En 1945 empieza sus estudios de pintura en el Carnegie Institute y en el último año de estudios dirige la sección artística de la revista estudiantil "Cano". Da clases de arte en el Irena Kauffman Settlement y trabaja ocasionalmente como escaparatista. En 1949 finalizó sus estudios y se trasladó a Nueva York, acompañado por su madre, consiguiendo pronto trabajo como ilustrador y dibujante en las revistas "Glamour", "Vogue", "Harper´s Bazar", "Tiffany & Co." al tiempo que colaboraba en agencias de publicidad. Cambia su aspecto al operarse la nariz y utilizar un peluquín blanco, quitándose la a del final de su apellido. En estos primeros años también diseñará objetos y escaparates para Tiffany´s y zapatos para la prestigiosa firma I. Miller. Estos trabajos le permiten amasar una pequeña fortuna e conseguir que su madre viva con él definitivamente en Nueva York. Pero Andy quiere pintar y alcanzar éxito y dinero con sus cuadros, por lo que se pone manos a la obra. Sin embargo, su miedo a la pobreza- "me aterroriza poder perder todo en un minuto y volver a ser miserable, estar sin un duro" afirmaba- le llevará a no abandonar sus trabajos publicitarios y sus diseños al tiempo que pinta. El expresionismo abstracto que en aquellos momentos estaba en su máximo auge a Warhol no le llamaba la atención, interesándose especialmente por los productos de consumo y apreciando la importancia que alcanzaban la televisión y los medios como vehículos para extender el arte. El giro que Andy dio a la cultura popular al conseguir que los elementos de consumo se convirtieran en arte permitió la creación del arte pop. Así surgen sus primeras serigrafías de la sopa Campbell, las botellas de Coca-Cola, envases de jabón, latas de conserva, personajes del cómic o mitos eróticos como Marilyn. Sus éxitos le llegan tanto de la venta de sus obras como de los premios conseguidos. Su siguiente objetivo -ya es rico- será hacerse famoso lo que lleva consigo exponer en las mejores galerías, vender sus obras a la "beautiful people" y conseguir que los grandes museos de arte moderno posean alguna de sus obras. Gracias a su contacto con Fred Hughes, su agente desde 1967, Warhol se convertirá en el retratista de la alta sociedad que va de Nixon a la Reina de Inglaterra, reviviendo de esta manera la técnica del retrato, captando el alma de sus modelos y empleando vivos colores. En la década de 1960 traslada su estudio al 231 de la calle 47 Este, donde se crea la "Factory" lugar de reunión y de experimentación en diversas actividades para los artistas "underground". Warhol no solo se limita a la pintura, también hace cine, llegando incluso a anunciar en París su retirada de la pintura para dedicarse al séptimo arte. Será también en 1965 cuando el Instituto de Arte Contemporáneo de la Universidad de Pennsylvania organice su primera exposición retrospectiva, acudiendo unas 4.000 personas a la inauguración. Andy ha cosechado la fama deseada. Al año siguiente la exposición se organiza en Boston y con ese motivo se realiza un performance. Warhol ha diversificado su creatividad a todo tipo de actividades, desde el cine a la escultura, la multimedia e incluso el mundo editorial al formar parte de la dirección de la revista "Interview". Al mismo tiempo, su arte es reconocido en todo el mundo, organizándose exposiciones en Estocolmo -cubrirá la fachada del museo con papel pintado de vacas-, Amsterdam, Berna y Oslo. "Lo que deseo es desafiar la jerarquía tradicional entre las disciplinas artísticas" manifestaba Warhol. En medio de este éxito, Valerie Solanas intentó asesinarle disparándole un tiro por la espalda en 1968. Recuperado, continuó con su frenética y polifacética actividad, introduciendo en su obra implicaciones políticas y psicológicas. Esta década de 1970 será en la que realice la reproducción de la famosa fotografía de Mao Tse Tung con la hoz, el martillo y el signo del dólar. A pesar de su apariencia tranquila, la mente de Warhol bullía incansablemente en nuevos y diversos proyectos. Inauguró una discoteca en Nueva York llamada "Area" donde creó una escultura invisible con su propia persona, trabajó en una serie de televisión sobre la historia de la televisión, colaboró en una serie de obras con Basquiat y Clemente . El incansable artista enfermó e ingresó en un hospital de Nueva York donde fallecería el 22 de febrero de 1987. Sus funerales serán celebrados en la catedral de San Patricio y acudirán más de 2.000 personas. Su cuerpo descansa en su localidad natal de Pittsburgh, la ciudad que abandonó a los 20 años dispuesto a salir de la miseria y conseguir la fortuna y la fama o como él decía: "ser alguien y no un don nadie". 4.- OP-ART (optical art) Años 50-60 Surge en EE.UU. hacia 1958. La primera exposición oficial tiene lugar en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1965 y se tituló "The Responsive Eye" (El ojo sensible). Ese mismo año, Vasarely, cuyos experimentos ópticos se remontan al año 1932, recibió el primer premio de la Bienal de São Paulo. En Europa, el op-art surgió a mediados de los años sesenta como un movimiento denominado nueva tendencia en el que se engloban varios grupos diferentes de artistas. El op-art tubo una gran aceptación popular, aunque muchos críticos lo calificaron como "poco inteligente". Muchos de los diseños de las obras "op" fueron explotados con fines comerciales por la industria de la moda, de los tejidos y de la publicidad. Esta saturación del diseño "op" contribuyó a la banalización y rápido envejecimiento de este estilo artístico. La base del op-art es que cualquier figura geométrica dibujada desde una cierta perspectiva puede perder su estabilidad en la retina de quien la contemple. Creó la impresión, mediante ilusiones ópticas de movimiento apoyandose en medios pictóricos, utilizando la perspectiva, las gamas cromáticas. Características generales Ausencia de figuración o de referencias subjetivas de carácter emocional. Creación de efectos visuales (vibración, parpadeo, movimiento aparente, muaré) mediante tramados, líneas sinuosas paralelas, contrastes bi o policromáticos, cambios de tamaño, inversiones de figura y fondo,seriaciones, repetición y multiplicación de estructuras, combinaciones de formas y figuras ambiguas . Diseños de formas geométrico-cromáticas simples o complejas Composiciones estructuradas mediante espacios geométricamente ordenados de diferente tamaño o mediante módulos repetitivos y en variación. Composiciones meticulosamente realizadas. Participación del observador: en muchos casos el observador necesita moverse delante de la obra para apreciar toda la gama de efectos ópticos. Ejecución de trazos definidos delineados con precisión Colores planos de contornos netos (hard edge). Empleo frecuente de pintura acrílica para conseguir colores impecablemente lisos y uniformes. Artistas: - Victor Vasarely (Hungría; 1908), Josef Albers (Alemania, 1888-1976), Bridget Riley (Inglaterra, 1931), entre otros. SEGUNDA VANGUARDIA 1945-1970 Las llamadas segundas vanguardias comienzan tras la Segunda Guerra Mundial. Debido a las consecuencias de tan destructor y lamentable acontecimiento, Europa entra en una crisis cultural y política que favorece la emergencia de un nuevo panorama artístico y permite que la capital mundial del arte pase de París a Nueva York. Estas segundas tendencias se sucedieron muy rápidamente gracias a los nuevos medios de comunicación de masas, cada vez más efectivos por el alto desarrollo tecnológico, pero a la vez de un modo más natural, menos traumático. La experiencia de las primeras vanguardias dio cierta tranquilidad y sosiego al espectador, que pudo asimilar mucho mejor esta segunda oleada. Esta vez, las vanguardias no eran fruto de artistas incomprendidos que quieren escandalizar al público, sino que se convierten en nuevas y atractivas tendencias. Adquieren un tinte más atractivo, moderno y exclusivo que favorecerá el mercado y la aproximación del público en general. A. TENDENCIAS INFORMALISTAS A.1 Informalismo. Tendencia pictórica, también denominada a veces, Tachismo o Abstracción Lírica, a pesar de su desarrollo independiente, compartió con el Expresionismo Abstracto el peso del surrealismo, del automatismo, de la improvisación psíquica como revelación del mundo subjetivo del artista. Se caracteriza por el uso de grandes empastes de pintura, en muchas ocasiones con aditivos (arena, polvo de mármol, yeso). Su pincelada es impulsiva y da la máxima importancia al gesto. El artista más representativo del estilo fue Jean Dubuffet. A.2 Expresionismo abstracto americano. Tendencia que muestra grandes e importantes influencias como son el surrealismo, el expresionismo y la abstracción. La referencia con la naturaleza y la figuración en este movimiento está más que superado. Un importantísimo elenco de artistas compone el grupo que pertenece a esta tendencia. Un grupo, además, que se conocía personalmente, compartieron estudio y sala de exposiciones y reflexiones acerca del movimiento. Cada uno consiguió un estilo personal que les distinguía, pues, aunque pertenecían a la misma tendencia, cada uno optó por un camino distinto. Todos obtuvieron fama y reconocimiento. El primero, el americano Jackson Pollock, creador de un nuevo modo de pintura: el Dripping. El artista sitúa el lienzo en el suelo y, moviéndose alrededor del mismo (y en ocasiones por dentro del mismo lienzo) deja caer finos hilos de pintura que se desprenden del pincel recién cargado en el bote. El resultado es una trama compleja de hilos que forman una trama muy atractiva visualmente. El artista se interesa por el azar, por lo que no es controlable. Otro artista reconocido fue Willem de Kooning. La pintura de de Kooning puede compartir planteamientos con Pollock aunque es mucho más directo. Busca el gesto, la pincelada, la mezcla de los colores en el mismo lienzo. Utiliza colores puros y muy saturados, combinados con algunas tierras y sombras. El tercero de la lista de expresionistas abstractos fue Philip Guston. Único representante de este grupo que mantuvo cierta figuración en sus lienzos. Consiguió un lenguaje propio, casi jeroglífico, de modo que los mismos elementos se repetían una y otra vez para contar un mensaje. Fue un artista obsesionado con el miedo, el miedo al tiempo, que se agota, a las agresiones en general, a la pobreza. Acostumbraba a pintar por la noche, ya que, según el propio artista, esos miedos que movían su pintura eran mucho más intensos. Su paleta era bastante monocroma en general, ya que sus obras más representativas se mueven en rosas y algún tono de contraste. Por último nombrar a Mark Rothko. Creador del llamado “Color Field Painting” fue un artista de dedicación plena y obsesiva a su obra. Alcanzó una técnica exquisita a la hora de fundir tonos y obtener colores expresivos. Pintor de grandes formatos, reivindica la identidad de la abstracción y la expresividad de grandes superficies de color. A.3 Arte Póvera. Vanguardia de procedencia italiana, su máximo representante fue Miguel Ángelo Pistoletto. Le interesa la reutilización de material tecnológicamente poco avanzado, tradicional, no industrial. Tiene como influencia directa el dadaísmo, especialmente el trabajo de Duchamp. De alto componente conceptual, vuelve a cuestionar determinados criterios artísticos de aparente aceptación general. Entre los artista que cultivan el arte Póvera destacan Antonio Tápies y Govanni Anselmo. B. TENDENCIAS RACIONALISTAS B.1 Nueva Abstracción Americana. Su principal componente fue el estadounidense Frank Stella. Es una vanguardia de grandes formatos que afirma la obra como estructura y materia. Destaca así, la composición más que los elementos anecdóticos presentes. Utiliza una paleta muy saturada son obras de clara bidimensionalidad y formas simples, con el objetivo de que éstas no tomen gran protagonismo y el conjunto sea, al fin y al cabo, lo principal. B.2 Minimal Art. El arte minimal comenzó siendo una vanguardia más, aunque su proyección e influencia ha sido enorme en el arte y el diseño de final del siglo XX y principios de XXI. Inspirada en el arte oriental, tiene como lema “menos es más”, de modo que, si una imagen, un interior, un objeto industrial, etc., se puede resolver con un mínimo de elementos no se le añadirá ni uno más. De este modo, produce imágenes limpias, aparentemente vacías y simples, aunque con gran carga estética más que funcional. Uno de sus representantes fue Sol le Witt. B.3 Arte Cinético Tiene como principio básico el movimiento, de manera que ha estado más presente en escultura que en pintura. Las obras de arte cinético se pueden encuadrar en tres subcategorías: obras con movimiento propio, ya que se mueven por medio de un mecanismo (motores, ingenios eléctricos) o por acción de algún elemento independiente (música, viento, temperatura), obras de ilusión óptica en las que se encuadra la pintura cinética, y obras interactivas en las que el espectador debe accionar o ejecutar alguna acción. Como representantes de cada uno de estos grupos podemos nombrar a Alexander Calder, con sus móviles, estructuras colgantes muy ligeras que se mueven con el viento, al español Eusebio Sempere, con sus serigrafías de líneas muy finas y geométricas que al entrecruzarse producen la sensación óptica de movimiento, y a Marcel Duchamp respectivamente. C. NEO REPRESENTATIVAS C.1 Pop Art. Primera vanguardia neo representativa de origen norteamericano inspirada en artes consideradas menores como son el cómic, la ilustración y el cartel. Trataban de impulsar esa estética de aspecto infantil y lenguaje bidimensional, mostrando en muy ocas ocasiones la pincelada. Utiliza la tinta plana y los colores muy saturados por lo que muchos de los artistas pop recurren al grabado que favorece ese efecto, en especial a la litografía y a la serigrafía. Sus principales componentes son Roy Linchestein, Andy Warhol, Jasper Jons y David Hockney. C.2 Hiperrealismo. Se entiende como una prolongación o evolución natural del Pop Art. En particular, los retratos e imágenes Pop, poseen el atractivo de ser similares a la realidad debido a su origen (muchas de estas imágenes, como los retratos de Andy Warhol se obtuvieron directamente de fotografías) aunque con un lenguaje propio, la mayoría de las ocasiones reducciones de color, dos o tres tonos saturados con el retrato en negro. El grado de iconicidad de una obra, es decir, su parecido con la realidad comenzó a valorarse y eso produjo el nacimiento del Hiperrealismo, un movimiento cuyo objetivo era conseguir el mayor parecido posible con la realidad, hasta límites nunca alcanzados anteriormente. Es, por tanto, una vanguardia de alto poder técnico y de una meticulosidad exagerada en su ejecución. La fotografía fue su principal competencia, aunque siempre trató de distanciarse produciendo imágenes que no pudiesen ser fotografiadas, escenarios imposibles, ángulos forzados, etc. con lo que consiguió su propio terreno en el Arte. D. TENDENCIAS CONCEPTUALES D.1 Arte Conceptual. Aunque se puede considerar que el Arte Conceptual nació con el dadaísmo, no fue hasta algo más tarde que se desarrollara como una vanguardia independiente. Sin embargo, comparte muchas de las premisas dadaístas, sin cuya existencia el Arte Conceptual no tendría razón de ser. Es una vanguardia de denuncia hacia una sociedad poco concienciada y crítica con lo que ve en salas y museos, y trata de incitar a la reflexión y a cuestionar aspectos muy afianzados relativos al mundo artístico y a su mercado. D.2 Happenings. Expresión del Arte conceptual que se puede considerar independiente. Consiste en realizar una acción, un evento, una actividad que, en sí misma, como acto, se considera una obra de Arte. Suele tener un guión, parecido a una obra de teatro aunque se da mucho la improvisación del artista. Se puede dar en diferentes contextos, involucrando en muchas ocasiones al público. Allan Kaprow fue el primero en utilizar el término happening en 1957 en una convención artística para describir algunas de las piezas a las que habían asistido. D.3 Body Art. El Body Art comparte ideas del Arte Conceptual y del Happening, aunque se centra en especial en el cuerpo humano. Reflexiona acerca de él y lleva a cabo sus manifestacionesmediante el propio cuerpo. Sus temas son eminentemente sociales, sexuales o de contraposición del cuerpo masculino y femenino. Uno de sus baluartes es Bruce Nauman. D.4 Land Art. Corriente artística surgida a finales de los años sesenta en Estados Unidos que tiene como fin trasladar el trabajo artístico a los espacios naturales, los cuales son transformados por el pensamiento y acción del artista. Generalmente las piezas adquieren enormes dimensiones y su presentación en las galerías suele llevarse a cabo con una extensa documentación de fotografías, videos y textos. Una pareja artística que se encuadra en esta vanguardia son Christo y Jeanne-Claude. D.5 Otros: PERFORMANCE, 5. CONCLUSIÓN Las vanguardias artísticas de principios del siglo XX lograron abrir las fronteras del arte, en un momento de miras estrechas y de un arte rancio e inmovilista. Eso favoreció la expresividad de los artistas, lo multidisciplinar. Nada suponía un límite para una obra de arte si el artista así lo sentía, siendo una época de experimentación y de nuevas técnicas artísticas. Los críticos e historiadores de Arte piensan que es hoy una época de vuelta a la calma, de asimilar el siglo XX y estabilizarse. Tras experimentar con soluciones nuevas, las formas de expresión tradicionales (pintura, escultura, arquitectura, fotografía) vuelven a coger fuerza sin que ello desprecie el abanico de posibilidades que ofreció el pasado siglo.
