María Victoria Gómez Alfeo

TEORÍA DEL ARTE
1.INTRODUCCIÓN: ESTILO Y MÉTODOS.
2.EDAD MEDIA:
-BIZANCIO.
-ROMÁNICO.
-GÓTICO.
3. RENACIMIENTO.
1. INTRODUCCIÓN: ESTILO Y MÉTODOS.
Arte significaba industria, oficio, un modo de hacer algo incluyendo el pensar; el término es muy
ambiguo, pero hace referencia a un conjunto de reglas necesarias para llevar a cabo una realización,
por lo tanto no existe ningún tipo de arte sin reglas ni preceptos. Platón distingue entre hacer algo con o
sin arte, aunque sus referencias nos remiten al plano intelectual. El sentido original del término era más
amplio que ahora, pero excluía a la poesía y la música; Platón dijo q el trabajo irracional no es arte, y
habla del arte sin leyes, y contra las novedades artísticas mantiene que “los ciudadanos han de
habituarse a las formas de virtud”. A ningún pintor ni artista imitativo se le permitía imitar las artes”.
Aristóteles aunq empleó el término conceptual de forma similar a Platón intenta una definición:
“Mientras los animales solo tienen imágenes y apenas experiencia, los hombres se elevan hasta el arte
y el razonamiento”. Aristóteles no distingue entre arte y técnica, aunq en “Ética a Nicodemo” establece
una escala en la posesión por parte del alma de la verdad” Arte para Aristóteles es la capacidad para
hacer algo o una permanente disposición a producir cosa de un modo irracional.
Para Quintiliano el arte era método y orden; en gral para los antiguos hacer algo sin reglas era la
antítesis del arte. Para Galeno el arte es un sist de reglas generales. Hay otro aspecto impte de los
antiguos griegos que dicen que el arte imita a la naturaleza: Aristóteles, Sto Tomás: ARS IMITATUM
NATURAN INCUANTUM POTEST: hay que imitar el arte siempre que se pueda pq consideraban la
naturaleza como lo real y el arte como lo artificial racional.
En la EMEDIA se usó el término ARS, habilidad talento, cualidades morales o conductas, xo sobre
todo artes liberales; estaban formadas por el TRIVIUM: aritmética, música, geometría y astrología, y
QUADRIVIUM: gramática, retórica y diálectica. Esta división la realiza ALCUINO, pensador de Carlo
Magno (s VII)Tb aparecieron las facultas arti, que eran las universidades del arte dnd se aprendían
estas materias. El arte como hoy lo conocemos se llamba artesanía: pintura, escultura....
Las artes liberales aparecen ya en el “Disciplinarium libri noveno” de Vicente de Beauvais, pero
Marciano Cappela, muy influyente en el saber de la EMEDIA , en su libro “Satyricón...” describe estas
artes liberales como si fuesen figuras femeninas. Estas descripciones literarias se usaban artisticamente
en las catedrales. San Iisdoro en sus etimologías tb habla del TRIVIUM como parte de la lógica.
En eL Renacimiento habrá una toma de conciencia de los artistas por defender suposició social;
sobre todo lo hará León Batista Alberti, hablando del artista en sí y no del artesano; tb Leonardo o
Miguel Angel, que serán los grandes creadores de la belleza, no tanto de artesanía. Ejemplos:
 El Greco, en Toledo, se defiende como artista y creador: tenía muchos juicios pq hacía lo que
quería.
 Pablo Veronés: su proceso verbal como interrogatorio de la Inquisición de Venecia fue debido a
la obra “ La cena de Cristo en la casa de Leví” donde pintó a personas negras desnudas en la
mesa con Cristo. La Inquisición le juzgó y él dice que es un artista y que por lo tanto puede
crear e inventar.
 Velázquez: luchó por ser considerado artista y en Roma Inocencio X le encarga un cuadro y en
agradecimineto le quiso regalar un collar de oro y no lo aceptó pq era su trabajo.
Ficcino dice que el arte es una regla de producción y que la escultura y la pintura son arte de
diseño. Habrá que esperar hasta el S XVIII, la Ilustración, xa que Charles Batteux haga la 1ª
clasificación de las artes (1747), diciendo que tenían unos rasgos característicos comunes: hay varios
grupos de artes, xo el rasgo ppal de las bellas artes es que todas pretenden agradar y emular a la
naturaleza. Son música pintura, poesía, escultura y danza: sirven para deleitar mientras que las artes
mecánicas se basan en la utilidad. Tb dice que hay un 3 er grupo que combina el placer con la utilidad
que son la arquitectura y la retórica.
Apartir de ese momento todo el mundo aceptó esta división de tal manera que Diderot y D´Ambert
en sus enciclopedias utilizaban el término de bellas artes. A finales de S XIX Adolf Von Hildebrand
establece que las bellas artes son la arquitectura, poesía, música y la escultura. Eugenio D´Ors en su
libro “ Tres horas en el Museo del Prado” establece una gradación de las artes: arquitectura/ escultura/
pintura/ música y por último poesía; con este criterio se continuó hasta mediados del XX. Ahora se le
han añadido nuevos como películas, carteles.....
ESTILO:
 HENRI FOCILLON: “ La obra de arte no existe más que como forma”. Par él este término tiene 2
sentidos opuestos: el estilo es un absoluto/un estilo es una variante. La palabra estilo
precedida del artículo determinado designa una cualidad superior de la obra de arte, la que
permite escapar del tiempo, la que confiere un valor eterno. El estilo concebido de un modo
absoluto es ejemplo y permanencia, es válido xa siempre. Un estilo por contrario consiste en
un desarrollo, en un conjunto coherente de formas unidas por una conveniencia recíproca pero
cuya armonía se busca, se hace, se deshace de modo diverso.
¿Qué es lo que constituye un estilo? Los elementos formales que tienen valores de
indicio, que componen su repertorio, su vocabulario, y a veces su poderoso instrumento, Un
estilo se afirma por su equilibrio y proporción. Así lo concebían los griegos al definirlo por las
proporciones relativas de las partes. Henri Focillon pertenece a un método de investigación
formalista y dividió el estilo n 4 fases: Preclásico/ Cásico/ Manierismo/ Barroco.
 BIALOSTOCKI: Estilo es un sistema de formas cualitativas llenas de expresión en el caul
se manifiesta la personalidad del artista y la filosofía de todo un grupo. Tb es un portavoz de la
expresión para cada miembro de ese grupo que sabe comunicar y plasmar los valores
religiosos, sociales y morales de la vida por medio de la potencia de expresión emotiva de las
formas. Para cualquier historiador de la cultura o filósofo de la hª que se esfuerce en llegar a
una síntesis, estilo es la manifestación de una cultura como un todo y representa una
característica visible de una unidad.
 FREDERICK ANTAL: la tª fundamental del historiador del arte no es aprobar o
desaprobar la obra de arte desde su pto de vista sino tratar de entenderla y explicarla a la luz
de sus propias premisas hcªs. No existe contradicción entre el cuadro como obra de arte y
documento de su época, ya que las 2 son complementarias. Al definir un estilo, los
historiadores del arte contemporáneo frecuentemente brindan demasiada atención a los
elementos formales, en detrimento del contenido. Demasiado a menudo omiten q tanto la forma
como el contenido determina un estilo. Si nos fijamos en el contenido, descubrimos que los
estilos no existen en el vacío como parece asumir la hª del arte, exclusivamente formalista; más
aún, es el contenido del arte el que demuestra claramente su conexión con los intereses de los
distintos grupos sociales para los que fue creado. Estos intereses no son algo abstracto, sino
que están determinados por factores políticos y sociales muy concretos. En consecuencia, si
queremos entender totalmente un estilo debemos esbozar sus conexiones con la sociedad en
la que está enraizado.
 ARNOLD HAUSER: Dice Que EL estilo es el concepto fundamental y central en la hª y tª
del arte; sin él sólo tendríamos una hª de artistas como una inf simultánea o sucesiva de
grandes maestros y un catálogo de sus obras. Pero tendríamos una hª de direcciones comunes
y de las formas globales que unen entre sí los productos artísticos de una época o una nación,
que nos permiten hablar del arte como la expresión de un movimiento. El estilo es la unidad
ideal de una totalidad compuesta por una serie de elementos concretos y dispares. El criterio
más elemental de la existencia de un estilo consiste en la coincidencia de un número de rasgos
artísticos decisivos en las obras de una cultura delimitada temporal o localmente.
EN ESPAÑA:
 LAFUENTE FERRARI_: Es uno de los historiadores del arte más imptes sobre todo en lo
referente a Goya.
Dice que el estilo refleja el repertorio de formas que expresan
simbólicamente los sentimientos vigentes en cada época. En las formas artísticas debemos ver
símboos materiales de lo que el hombre quisiera ser; son expresiones aproximadas de los
sentimientos que a la hª le parecen mas valioso n cada momento. Se pregunta pq nace un
estilo y dice que por:
-
formalismo: las formas cambian por la necesidad subsiguiente al cansancio que
provoca la repetición; es una concepción vitalista que admite que la realidad de las
formas debe morir.
-
psicologismo: trata de poner el acento no en la forma, sino en el contenido espiritual, y
estudia el estilo como una expresión de su época, para lo que suele apoyarse en la
exposición del estado social y la cultura.
AZCÁRATE: Dice que el estilo no está determinado exclusivamente por unas notas
formales o técnicas; la forma de una obra de arte, el aspecto fídsico con que se nos
manifiesta, no caracteriza exclusivamente un estilo. Ua misma forma puede ser utilizada
con finalidad y estéticas diversas y caracterizar varios estilos. Se pueden distinguir, por
ejemplo en el gótico, 6 fases en la evolución, tanto por su aspecto formal como en su
finalidad y estética.
Azcárate dice que nosotros nos referimos a lo que se entiende bajo la denominación de un
estilo histórico, el que se desarrolla en un tiempo y caracteriza las manifestaciones
artísticas de un periodo histórico perfectamente delimitado por sociedad, política y cultura.
Tenemos que tener presente que en un periodo hco coexisten varios estilos por lo que la
denominación hco-artística correspondiente a ese periodo ha de hacerse en función de ese
estilo dominante, tanto por la proliferación o número de obras conservadas, como por la
calidad de las obras de ese periodo. Poe ejemplo en el Renacimiento o Cuatroccento
italiano (1400-1500) en los primeros 50 años la pintura era renacentista, sobre todo en
Florencia, pero en el norte de Europa es gótica flamenca, y al mismo tiempo, en el resto de
Europa incluida Italia, tenemos el Gótico internacional.
Azcárate dice que cuando decimos cuál es el estilo de un periodo hablamos del estilo
dominante; esta coincidencia de estilos de un periodo histórico implica necesariamente que
el nacimiento de un estilo no es obligadamente consecuencia de la evolución de estilos
anteriores. Por lo tanto hay que fijarse en 2 ptos imptes en la vida de un estilo:
-el nacimiento de un estilo no es consecuencia necesaria de un estilo anterior.
-trata de eliminar términos que impliquen valoraciones negativas al periodo de nacimiento
de nuevas formas, como la denominación transición.
Para la debida apreciación de la obra de arte, no sólo hay que educar al ojo para
desmenuzar analiticamente o abstraer las formas que caracterizan al estilo al que
pertenece la obra de arte, sino que tb es preciso el análisis de su finalidad, de su génesis y
del contexto en el que se sitúa. Estos factores han de ser tenidos en cuenta para entrar en
la debida apreciación y entendimiento de la obra de arte.
TEORÍA DE LAS ARTES PLÁSTICAS EN LA EDAD MEDIA
1. EL ROMÁNICO:
1.1LAS ÓRDENES MONÁSTICAS
No puede entenderse el arte Románico sin las órdenes monásticas pq son las creadoras de este
arte. Las ciudades en el mundo románico surgieron de intereses militares y comerciales, y acusaban el
desorden urbanístico de los siglos anteriores, lo que propició la expansión de los monasterios que
fueron los verdaderos lugares de vinculación del mundo tardoromano y alto medieval con la época
románica. No fueron el centro de la oración sino de la actividad económica e intelectual; fueron el
paradigma de la estructuración feudal de un tipo de sociedad cuyos fines eran tanto religiosos como
materiales. Los monjes trataban la tierra, copiaban manuscritos y albergaban a los peregrinos; la vida
monacal e incluso el programa arquitectónico de los monasterios estuvieron regidos por las normas de
sus fundadores, entre los que destaca la regla benedictina.
En el s VI (529) San Benito de Nursia crea la “REGULA BENEDICTI” en el monasterio de
Montecasino; su doctrina se basaba en el trabajo manual y la oración. Su lema era: “ Ora et labora”, y
con ella se configura la estructura de la vida monástica occidental. Gregorio VII –PAPA- dedicó a Cluny
grandes elogios para testimoniar la grandeza y la fama del > centro monástico de la cristiandad
occidental. Durante el s XII, los abades de Cluny controlaban cerca de 1 500 abadías y prioratos de
todos las regiones europeas; impulsaron las peregrinaciones que fueron muy imptes en el campo
artístico pq facilitaron la creación de diferentes formas de románico.
En el orden social y económico su influjo fe enorme sobresaliendo las obras de caridad y
beneficencia; desde el pto de vista artístico los monjes fueron buenos copistas y enriquecieron de
códices sus bibliotecas. Desarrollaron la literatura y la pintura de las grandes vidrieras, pero su gran
logro fue la arquitectura románica, por eso al románico se le llama tb arte cluniacense. En 1905, el Papa
Urbano II, consagró el altar > de la basílica de la orden. Entre las limosnas para levantar el monasterio
destca la de Alfonso XII de Castilla.
Al alborear el siglo XII la riqueza y ociosidad había sumido a Cluny en un soporte espiritual y sus
monasterios de arquitectura románica atestiguaban su antigua grandeza, con sus ricos templos de
ábside semicircular y torres esbeltas en torno a las cuales se encontraban los claustros.
La reforma benedictina surgirá por Roberto de MORESME, en un intento de volver a los
orígenes. En CITEAUX surgirá la nueva orden llamada cisterciense que hubiera desaparecido de no ser
por la llegada de Bernardo de Claraval en 1112, y trajo un nuevo espíritu. En 1115 San Bernardo crea la
abadía de CLAIRVAUX de la que e el 1º prior. Con la creación de los monasterios cistercienses la orden
adquirió una nueva estructura; la característica de los nuevos abades son el riguroso astecismo, la
sencillez, la piedad mística y una actividad económica agrícola de subsistencia.
1.2 EL CONCEPTO ESTÉTICO:
Las 2 grandes órdenes del 1º periodo de la E. MEDIA, Cluny y Císter, se enfrentarán sobre las
manifestaciones artísticas de los monasterios:

la orden de Cluny busca la belleza en la suntuosidad decorativa de la escultura y la pintura tanto en
las iglesias como en los monasterios, con abundantes artes decorativas de los ornamentos
sagrados. Las representaciones figurativas serán temas del Antiguo y Nuevo Testamento, que se
unirán a otras de tipo fantástico y simbólico. Ex. Sto Domingo de Silos en Burgos. Al construir a
mediados de XII la abdía de Saint Denis, el abad Suger, partía del supuesto de que en la asa de
dios era preciso el máximo esplendor: a dios se llegaba a través de la belleza.

La postura del Císter era totalmente opuesta. La arquitectura cisterciense destaca por la calidad de
la obra y la desnudez; se busca la belleza en la talla de las piedras, reduciéndolas a líneas rectas, a
la perfección del cubo. Su preocupación por la técnica les llevan a innovaciones como el arco mitral
y la bóveda de crucería. En la misma línea de austeridad estarán los objetos decorativos de la
liturgia como las cruces de madera o las vinajeras adornadas en oro y plata; en cuanto a la
utilización de pintura o escultura estará prohibida hasta 1150. San Bernardo de Claraval tiene un
texto “Apología a Guillermo”, dirigido a la orden de Cluny en tiempos del abad Pedro, el Venerable,
donde manifiesta su desaprobación a la estética del esplendor que mantienen los cluniacenses.
1.3 ARTE ROMÁNICO
El arte románico como 1º estilo internacional de la cultura occidental, representa el concepto de
unidad espiritual de Europa, al margen de las divisiones políticas. El florecimiento de la cultura
occidental iniciado la 1ª mitad del siglo XIX supone la primacía de la cultura europea, eclipsando la
cultura bizantina y la islámica.
Las nuevas técnicas constructivas son la fusión de la expresión y la belleza de las artes
figurativas, la integración de todas las artes en la armonía de un estilo coherente. El arte románico surge
a mediado del siglo XI (1030-1040) y se desarrolla a lo largo del siglo XII, coexistiendo en la 2ª mitad
con la iniciación del gótico o protogótico según Azcárate. El románico es la culminación de un largo
proceso de ensayos que suponen los estilos prerrománicos que se complementan de las influencias
bizantinas y orientales que provienen de Epaña e Italia y sobre todo por las cruzadas, donde traían
objetos como las ampollas: agua del Jordán, las telas o los marfiles. Otras influencias de estilos son
debido a los monasterios como lugares de peregrinación; estas peregrinaciones eran a Roma, Saint
Michel y Santiago de Compostela:
-
Los peregrinos romeros (Roma) entraron en contacto con el arte clásico y paleocristiano.
-
Los peregrinos de Saint Michel entraron en contacto con el arte vikingo, danés y normando,
así como con la tradición francomerodingio y el carolingio.
-
Los peregrinos a Santiago recibieron influencias del visigótico y asturiano
Los ensayos del primer románico pasó de unas regiones a otras, llevando las formas a cabo de
cuadrillas de canteros volantes; a veces emprendían a la vez diversas obras a lo largo del camino. Las
formas son las mismas en toda Europa. El renacer abrirá los restos al mundo clásico a partir de S XI,
donde las condiciones sociales y económicas, apoyadas en un gran crecimiento demográfico,
cambiaron la faz de Europa occidental. El arte románico se centró en la arquitectura: en formas sencillas
basadas en fórmulas numéricas y geométricas. Empleaban un sistema alternante, consistente en que
un tramo cuadrado de la nave ppal se corresponde con 2 cuadrados de la nave lateral produciendo un
efecto alternante de soportes: pilares y columnas.
La arquitectura operaba ppalmente con proporciones siendo su ppal característica la pesadez,
los muros espesos. Vanos pequeños, pilares sólidos en lugar de columnas... Los constructores supieron
resaltar la belleza de los gruesos muros y las superficies austeras colocando abundantes esculturas
concentradas en capiteles y pórticos, y fue gracias al uso arquitectónico de la escultura como lograron
las construcciones románicas reunir las formas geométricas con la fantasía, y la austeridad con la
suntuosidad.
La escultura románica no solo fue una manifestación de carácter formal sino que tb una
enciclopedia del saber, pq el teólogo inspiraba las esculturas que decoraban los pórticos y capiteles; las
mejores como el de la Catedral y Centro de estudios de Chartres, eran centros intelectuales. Las
esculturas no solo reflejaban los conocimientos teológicos, sino tb la naturaleza y el compendio de toda
la creación: ex. Representación de los meses con las labores que se hacían en cada momento o los
signos zodiacales.
El realismo tenía una triple unidad: por una parte representaba a la naturaleza, xo aspiraba a
representar tb el mundo sobrenatural. Este realismo se veía en la escultura, ya que la pintura era
diferente y no abordaba los problemas del espacio, ni el bulto en la figura, ni la perspectiva, ni el
modelado ni la luz, que era siempre simbólica La escultura aunque en ppio era realista, solo será
temáticamente, no en su forma. Buscaban la belleza clásica, no la realidad real. Las esculturas
deformaban las formas para empotrar las figuras en el marco del pórtico o en un capitel sin importarle la
deformación de las mismas.
La mentalidad medieval era simbólica y su arte una manifestación de esa característica. Las
ideas estéticas del arte románico no solo se encuentran implícitas en el arte medieval sino tb en los
itinerarios de los peregrinos escritos en txtos como el CÓDIGO CALISTINUS de Santiago de
Compostela, llamado así pq durante mucho tiempo se pensó que lo escribió Calixto II, pero parece que
no fue así. El código habla de manera pormenorizada de todo el camino: monasterios, iglesias,
comida....con lo que se conocía la estética del románico. En cuanto a las reglas prescripciones xa saber
cómo debían construirse los edificios hay que acudir a txts escritos por cistercienses, ya que el anterior
está escrito por alguien de Cluny. Los juicios estéticos venían mezclados por consejos prácticos;
formaban en su totalidad una tª de las artes plásticas, a la que hay que añadir la obra de Vitruvio, la
mejor base de txts teóricos del románico; por eso a partir del s IX se conocieron como txts de Vitruvio.
1.4.OBJETIVOS DEL ROMÁNICO.
En la Edad Media la pintura tenía tres funciones que cumplir:
- estética: adornar los edificios.
- religiosa: conmemorar acontecimientos señalados.
-
docente: sustituir a la escritura.
Así WALAFRIDO STRABO llamó a la pintura y a la escultura, la literatura de los incultos; el
término de inculto no se empleaba de forma peyorativa, sino para mostrar una realidad.. Estas tres
funciones tb incluían las artes industriales o decorativas, así HONORIO DE AUTUM escribió que las
lámpara que colgaban de los techos de las iglesias tenían forma de corona y perseguían un triple
objetivo: adornar la iglesia con luiz proyectada, exhortar a los fieles al servicio de Dios como la
coronación de la vida y recordar el cielo en su estructura.
Pero la función ppal del arte en la Edad Media y en el Románico era su valor simbólico: toda
estructura de un templo tenía un sentido simbólico (era la casa o la ciudad de Dios). Todos los templos
estaban orientados sus cabeceras mirando a Oriente (Cristo se le crucificó mirando a Occidente para
que no pudiera ver Jerusalén); el sol nace de oriente sol=Dios= luz. Así los cristianos miran a oriente y
la salvación les viene de la cruz de Cristo. Las bóvedas simbolizaban el cielo, y todo lo referente a
círculos significaba celestial.
En el pantocrátor aparece Cristo sentado bendiciendo al mundo con tres dedo en la mano dcha
que simboliza la trinidad y 2 dedos en la izda que significa lo divino mas lo humano; viene del mundo
bizantino. En occidente Cristo aparece acompañado del tetramorfos, los 4 evangelistas en forma de
representación simbólica; mientras que en occidente se utilizaba siempre la pintura, en oriente será el
mosaico.
Si las iglesias estaban dedicadas a la virgen( la de Srta María de Tahul), se representaba de
alguna manera, pero si no, esta no aparecía representada. La virgen del románico es aquella que mira
de frente con el niño encima de sus piernas, como si fuera el trono del niño. Si el niño aparece sentado
en una sola pierna o de lado ya no es románico sino de transición. En el s XIII desaparecerá esta
imagen y la virgen aparecerá de pie y dándole algo al niño.
En el Pantocrátor Cristo aparece rodeado por la almendra mística y los 4 evangelistas fuera de
ella en las 4 esquinas. Normalmente Cristo está sentado en el trono o en un cojín y los pies puestos en
semicírculo representando al cielo o con forma cuadrada representando a la tierra. Además aparecen
dos letras a cada lado: alfa(la primera del alfabeto) y omega(la última), que representa que Cristo no
tiene ppio ni fin.
Las ventanas simbolizaban los 4 padres de la iglesia, pq todo lo iluminan: San Agustín, San
Jerónimo, San Gregorio Magno y San........................Los pilares simbolizan a los obispos pq sostienen
el conjunto del edificio y los cristianos son las piedras; en el interior de estos templos se enterraban a
los santos pq simbolizaban la iglesia triunfante: han muerto, están en el cielo y nos ayudan a la
salvación. Los números tb tienen un símbolo desde Pitágoras para el mundo cristiano:
1=Dios
2=las 2 naturalezas de Cristo: lo divino y lo humano
3=la trinidad
4=la tierra: se pensaba que era cuadrada, 4 ptos cardinales...
5=Dios creador formado por 2+3
6=doble trinidad
7=el hombre: 4 terrenal+3 espiritual
8=hombre
bautizado 8+1 por eso los baptisterios románicos (pilas bautismales) son
octogonales.
666=diablo
los colores: virgen=blanco, azul o rojo.
SANTO DOMINGO DE SILOS.
La primera noticia hcª de Silos es un doc. de la época del Conde Fernán González y su esposa
doña Sancha (954). En esos años Silos era un monasterio abocado a la figura de San Sebastián y
habitado por monjes, pero tras el azote de las Campañas de Almanzor, este monasterio entró en
decadencia. En 1041 llegó un monje que venía del reino de Navarra por un conflicto del patrimonio
monástico y que era el prior de San Millán de la Calzada. Se produjo así una restauración tanto religiosa
como artística. La fama de este abad, Domingo, creación entre el pueblo y la Corte; cuando muere en
1073 se vuelca sobre su figura la gloria popular. Al morir Santo Domingo fue enterrado en el claustro xo
a los tres años fue trasladado a la Iglesia oficiando el acto el Rey Alfonso VI, su corte y el Obispo de
Burgos. Este ritual suponía la canonización oficial de Santo Domingo.
Comenzaron así las obras de culto y peregrinación lo que obliga a construir un templo con ayuda
del rey; En 1088 se consagró el nuevo templo y su claustro, aunque se piensa que sus relieves fueron
terminados hacia ppios del SXII.
DIAPOSITIVAS
En cada diapositiva, en el examen, hay que poner debajo uno de otro:
Autor /título /fecha /ubicación /técnica /estilo.
Luego hay que separar el plano de la expresión: elementos formales de la obra como la luz, la
perspectiva, la línea, trazado........ y el del contenido: simbolismos, interpretaciones...
CLAUSTRO DE SILOS (diapositivas)
RELIEVE 1.
Autor: primer taller de Silos.
Título: Descendimiento de Cristo.
Fecha: finales de SXI- PPIOS XII
Ubicación: Sto Domingo de la Calzada. Burgos.
Técnica: bajo relieve.
Estilo: Románico.
Plano de la expresión: la escena está enmarcada dentro de un arco de medio pto y por 2
capiteles; el escenario compositivo lo podemos dividir en tres partes: escena superior, inferior y central
desde el pto de vista horizontal . Hay un perfecto equilibrio compositivo entre las figuras y los elementos
decorativos. Son figuras esquemáticas con trajes simples; las figuras flotan en ele aire sin tocar el suelo
(detalles de los pies); no hay profundidad es un bajo relieve pero si perspectiva jerárquica: Cristo más
grande. Lo impte en el románico son los símbolos y no la forma= esto se puede aplicar a todos los
relieves de Silos.
Plano del contenido: en la escena central está Cristo que está siendo clavado en un tronco, la
virgen que coge su mano con un trapo; esto es de herencia bizantina y significa respeto hacia Dios. En
el centro tb están Nicodemo y José de Arimatea desclavando a Cristo y San Juan evangelista a las
dcha. La Virgen, san Juan evangelista y Cristo son la DEIXIS bizantina.
En la parte de arriba aparecen 2 figuras que portan paños: uno es la luna y otra el sol, simbolizan
las dos naturalezas de Cristo y que la luz ha vencido a las tinieblas. También parecen tres ángeles que
portan inciensarios para verter sobre Cristo pq ha muerto, por lo que son ángeles turiferarios: simbolizan
la Trinidad.
En la parte de abajo hay muchas cabezas que simbolizan los antecesores de Cristo que esperan
en el limbo hasta que salve a la humanidad; tb hay una calavera que simboliza a Adán, el primer
pecador. Adán fue enterrado en el Gólgota que significa calavera, con una semilla en la boca de la que
nació un árbol, de ahí el tronco en vez de la cruz de Cristo.
El programa de Silos trataba de explicar a los monjes que Cristo había resucitado.
RELIEVE 2: La duda de STO TOMÁS.
Autor: primer taller de SILOS.
Título: La duda de Sto Tomás.
Resto igual que anterior.
Expresión: la escena, de bajo relieves, está enmarcada en un arco de medio pto y entre 2
columnas; como no hay profundidad los apostóles están colocados como en escalera. Hay perspectiva
jerárquica de Cristo, que aparece desplazado hacia la izda y las figuras están repetidas, son imágenes
iguales, aunque en el crismón aparece su nombre para diferenciarlas: estereotipos. Los pliegues de los
ropajes son rectos y esquemáticos, las figuras aparecen flotando. Como en el resto de Silos lo que
impta es el mensaje y no la forma.
Contenido: El que está a la izda de Cristo es Sto Tomás; sin embargo Pablo está más cerca de
Cristo que Pedro y suele ser al revés. Esto es por 2 causas: pq Pablo estuvo en España y pq Clunny y
el PAPA tenía un enfrentamiento muy fuerte en esta época. El abad de Silos desplaza a Pedro que
simboliza al primer Papa. Esta obra representa cuando Cristo resucitado se aparece a los apóstoles
para que Sto Tomás meta la mano en la herida pq no se creía que había resucitado. Es muy típico del
románico poner escenas con tiempos o espacios diferentes; en este caso en la parte de arriba aparecen
4 figuras no religiosas, que supone una decoración cotidiana del momento: 2 llevan panderetas y 2
cuernos. En Bizancio esto nunca hubiera ocurrido pq solo se ponían cosas religiosas y no había libertad
del artista.
RELIEVE 3: Los peregrinos de EMAÚS.
Descripción igual que anteriores.
Expresión: es una composición sencilla de 3 figuras: Cristo más los 2 apóstoles. Las figuras
están encuadradas en un arco de medio pto pero se salen de él pq se saltan la ley del marco. Son
figuras esquemáticas de gran belleza estilísticas y que como detalle llevan piedras negras en los ojos.
Simetría en la cabeza de Cristo, pliegues rectos en ropajes y barba, detalles de la túnica.
Contenido: Cristo lleva un zurrón con una concha que es el símbolo de los peregrinoa a
Santiago; este relieve habla de esos peregrinos por lo que Cristo aparece representado como un
peregrino que va a Santiago.
RELIEVE 4: El santo entierro.
Características comunes a todos.
Son 2 escenas en una, muy típico del románico. Están enmarcadas en un arco de medio pto
pero se salen por lo que no respetan la ley del marco. La escena 1 es el triángulo inferior donde
aparecen Nicodemo y José de Arimatea, y los romanos durmiendo en la parte de abajo. La escena 2 es
el triángulo superior donde están las 3 Marías con tarros de ungüento para embalsamar a Cristo y se
encuentran que no está pq ha resucitado. El ángel les cuenta la buena nueva; la tapa del sepulcro de
Cristo es quien separa las dos escenas haciendo una diagonal. Todos estos relieves estaban pintados y
por eso se conservan aún aunque ya sin la pintura.
RELIEVE 5: La ascensión de Cristo.
Hay simetría, 2 hileras de personas: en la segunda aparecen las figuras más imptes como la
Virgen, San Pedro con las llaves, San Juan que sujeta el manto a la virgen o San Pablo. Arriba hay una
nube con la cabeza de Crsito y 2 ángeles hechos por otro taller. La Virgen está muy a la bizantina con
las manos de frente y a su lado los apóstoles. Los trajes ricamente decorados.
RELIEVE 6: La venida del Espíritu Santo.
Mismo esquema: dos hileras de personajes con la virgen en el centro con 2 ángeles en las
nubes y las paloma que significa la llegada del espíritu santo.
Dentro del claustro de Silos que tiene forma rectangular: por un lado 7 columnas y por otro 7,
hay intencionalidad de la disposición de estas columnas igual que en el claustro de San Cugat. La
separación entre las columnas venían dadas por el canto gregoriano; parece ser que esta correlación
entre la medida espacial y temporal (partitura) se había repetido tb en Clunny. Esta unión plástica y
musical es un ejemplo de la integración de las artes.
Para entender la iconografía del claustro, hay que tener en cuenta que los motivos
representados iban dirigidos a los propios monjes, no es como el programa de una igl4esia que va
dirigido al pueblo. Lo que se representa en el claustro son los pecados y vicios de la vida monacal en
comunidad; así habrá alusiones a la falta de espiritualidad, a la envidia o a la soberbia.
En los capiteles aparecen animales fantásticos que fueron tomados de un libro árabe procedente
de PLINIO “El fisiolobus”. El animal más característico es el porfilio: avestruz o garza de cuello largo que
se alimenta de gusanos y que representa al que está más atento a las inmundicias que a elevar su
vuelo a la espiritualidad del convento: símbolo de mal fraile. Tb está la cocatriz: ave con cola de
cocodrilo que representa o positivo por el ave pero lo terrenal por el cocodrilo y la falta de espiritualidad.
La sirena, mitad mujer mitad ave, pasaba por ser hija de Melpómade ( la musa) y el DiosRío Aquelaó;
habitaban en una isla del mediterraneo y con su música atraían a los marineros para que zozobrase su
barco. Ulises cuando pasó por este paraje mandó que le atasen al mástil y que sus marineros se
tapasen los oídos. La sirena simboliza la conversión del hombre en pecador. El mástil simboliza la
iglesia.
EL GÓTICO.
Aparece con una serie de cambios filosóficos, técnicos y apoyados por un nuevo concepto que
había sido inventado por el císter en esa idea de austeridad que le caracterizaba. Tb influyen los
cambios en las tecnicas que permitieron la creación de un arte expresivo y con una visión espiritualista
del mundo. La innovación técnica más impte fue la bóveda de crucería, que permitía crear no sólo
plantas cuadradas y el arco de ojiva o apuntado. Los muros de las iglesias eran menos espesos y se
elevaron consiguiendo proporciones más esbeltas. Las ventanas más grandes posibilitaron una mayor
iluminación interior que se favoreció gracias a las vidrieras. Los nervios y contrafuertes rebelaron la
estructura de la construcción, que se hizo comprensible a la vista. La altitud de las iglesias era como si
se elevaran expresando la aspiración de alcanzar el hombre el cielo. El simbolismo de la luz como
plenitud divina.
Una de las primeras obras maestras del estilo gótico es la Iglesia de Saint Denis en París, obra
del abad Sujer, consagrada en 1114. La arquitectuta cisterciense entra en España y levanta igleisas en
Poblet, La Oliva o Moreruela. Pero la Edad de Oro del gótico clásico se va a iniciar con Nuestra Señora
de París de 1163 iniciada por el obispo Suyi, la Catedral de Sartres del obispo Godofredo de 1194. Tb
son imptes la catedral de Reims 1211 y la de Amiens.
La arquitectura gótica española se ajusta a los modelos de Francia: ejemplos las catedrales de
Tarragona y Lérida son de gótico de transición, la de León es de mitad del siglo XIII con el estilo puro,
así como la de Burgos, Toledo comenzada por el arquitecto Petrus Petri, en presencia del obispo
Ximened de RODA. El templo ojival o gótico es un poema armonioso en ascensión a lo alto; es una
traducción en piedra de la suma teológica de Sto Tomás o según demostró Emil Male, es una
representación del speculum maius de Vicente de Beauvais, una enciclopedia doctrinal y moral del s
XIII.
La Catedral gótica está hinundada de símbolos: el aspid, especie de vívora venenosa que pone
la oreja al suelo y omite los cantos tentadores: ser prudentes como las serpientes; tb el unicornio,
símbolo de la encarnación. Tb aparece la figura de San Francisco, que cambió la mentalidad del arte:
dice que para servir a Dsios no hace falta nada: austeridad.
A finales de XII ppios de XIV uno de los artistas más imptes, Giotto, sigue esta idea: unir al
hombre y a la naturaleza en equilibrio. Aparece un nuevo concepto que es el de las universidades
regidas por los franciscanos y dominicos. La universidad de París, organizada por dominicos tiene su
max. representante en Alberto Magno, maestro de Sto Tomás de Aquino. La universidad de Bolonia es
la más antigua del mundo y fue creada a finales del s. XI. Hay tres órdenes religiosas mendicantes que
al contrario que las del románico operan en las ciudades como auxiliares del Papa:

Orden franciscana: creada por San Francisco de Asís, quien lleva a los fieles el primitivo
espiritu cristiano Los objetivos de esta orden son reavivar la devoción popular, prácticas de
caridad activa y realizar trabajos intelectuales, de ahí la creación de muchas universidades:
total pobreza.

Orden dominica: creada por Sto Domingo de Guzmán; la misión de esta orden es combatir la
herejía albiguense y su forma de predicación es ambulante y tb crea universidades.

Orden escolástica: su desarrollo tiene lugar en un contxt religioso de la E. Media y es un
intento de sintetizar todas las disciplinas a la luz de la teología por medio del método
didáctico, resucitando ciertos pensadores de la antigüedad como Aristóteles.
El s XII es el Siglo de los compendios. Vicente de Beauvais y el speculum maios es el mayor esfuerzo
de comprensión del ser humano hasta entonces. Tiene 4 partes o espejos, que simbolizan un método
para estudiar las obras de arte de las catedrales del s. XIII.

ESPEJO DE LA NATURALEZA: se reflejan todas las realidades de este mundo en el mismo orden
que Dios las creó. Desde San Francisco las cosas cambian y se crea un nuevo concepto de
naturaleza, que queda reflejado en las catedrales góticas. La naturaleza es impte pero lo más impte
es el hombre dentro de ese mundo. El hombre para conocer la naturaleza ha de conocer mejor a
Dios. Y dentro de la naturaleza surge la interpretación del simbolismo de las formas naturales,
incluso en los sermones se habla de la naturaleza como elemento simbólico xa compararlo con
elementos religiosos: la cáscara es la humanidad, el interior de la nuez es la divinidad
escondida...Según las nuevas ideas el mundo es una fuente de dicha y de virtudes y no un mundo
de pecado como decía el románico. Autores como Giotto representarán la naturaleza no solo la idea
sino una forma real y natural de representar el mundo. Además partiendo de la idea de Aristóteles
de que la mente del hombre nace limpia y que en ella se inscribe lo aprendido, dice Aristóteles que
el conocimiento da libertad y esto lleva ala búsqueda de Dios, pq hay más libertad: esto hace libre al
artista como Giotto.

ESPEJO DE LA CIENCIA: comienza Vicente de Beauvais con la hª del pecado de Eva y Adán,
donde según el románico Dios es terrorifico y justiciero; en el gótico se dice que el hombre puede
redimir el pecado a través de la ciencia, por eso aparecen las universidades. Aparecen el trivium y el
cuatrivium, es decir las artes liberales, que las explica Beauvais a partir de un txt de Martianus
Capella, un gramático africano del S.XV. Beauvais explica que las ciencias de la actividad humana
son:
1. Gramática: corrige los vicios del lenguaje; se representa con una mujer que lleva en la mano
un bolso como de médico, pq nos cura de los vicios del lenguaje: en esa bolsa hay tinta,
plumas, una lima en la que hay 8 rayas de oro símbolo de las 8 partes del discurso: su patrón
es Donato.
2. Retórica: símbolo de una matrona que debe colocar los elementos del lenguaje de una forma
bella; se representa como una mujer armada que camina al son de trompetas. En su pecho
hay pedrería y lleva un manto con figuras bordadas: su patrón es Cicerón.
3. Dialectica: mujer vestida con manto negro y con cabello largo enrrollado; la mano izda coge
una serpiente y dch tabla de cera y anzuelo. Los cabellos enrrollado simbolizan el silogismo,
la serpiente las arbides sofisticas y el anzuelo los argumentos cecciosos: patrón es
Aristóteles.
4. Geometría: lleva en su traje bordados los mov. de los astros, en mano dcha un compás e
izda una esfera; es el estudio de la medida, la relqcoón de los objetos buscando la
proporcion; patrón es Eurípides.
5. Aritmética: rayo en la frente que se bifurca; sus mov recuerdan la rapidez de sus cálculos: es
el sist racional de ordenación de los numeros; patrón es Boecio.
6. Astronómía: se representa con cabellos deslumbrantes y lleva una corona de estrellas, así
como un libro hecho de diferentes metales que expresan la variedad de las zonas y climas.
Su patrón es Tolomeo.
7. Música: se relaciona con la armonía del mundo; el ritmo musical se relaciona con el ritmo de
las proporciones y con el ritmo cromático de la obra de arte. En la antigüedad era la
representante de la diosa armonía que camina con un cortejo de diosas, con panderetas y
músicos; toca un instrumento d cuerda y su traje es de láminas de oro. Patrón es Pitágoras o
Tubalcain.
A estas 7 ciencias hay que añadir la filosofía, la representación de esta es una novedad en las
representaciones gráficas del S.XIII. Se considera una ciencia superior a las anteriores. La
representación más famosas es la que aparece en la catedral de LAOM, que es una mujer con atributos
de nube cubriendose la cabeza y una escalera a la altura del pecho. El historiador gótico Emil Mole vio
como fuente de inspiración de esta representación en Boecio “La consolidación filosófica”: estando éste
en prisión vio a una mujer llena de luz, con las nubes por tocado, con un vestido decorado con letras
griegas que significan las 2 ramas de la filosofía: la práctica y la teórica.

ESPEJO DE LA MORAL: Se relaciona con el de la cc, pq el fin ppal de la vida no está en el saber
sino en el obrar, y lacc no es más que una medida para conseguirlo. A partir de aquí se crea una
clasificación de los vivos y las virtudes, donde el reposo caracteriza a la virtud que purifica el alma y
el mov y la agitación a los vicios. La vistudes teologales, que son las de el espiritu son las que crean
relacion entre el hombre y la divinidad (representadas por figuras de mujeres). Son:
-la fe: mujer vestida con atributos eclesiásticos, que lleva uncalizy una cruz, y avanzado
el siglo XIII con la sagrada forma.
-la esperanza: se representa con una cruz de doble travesaño o una medalla con la figura
de Cristo.
-la caridad: toma la representación del mundo romano y se representa con una mujer
amamantando a niños o ancianos; tb a veces recogiendo bajo su manto a los pobres.
-la idolatría: se representa ciega y con figuras monstruosas.
-la desesperanza: se equipara con el suicidio y se representa con judas ahorcado en un
árbol.
En cuanto a las virtudes cardinales, que son las actitudes del hombre ante la sociedad, son:
-prudencia: cirio encendido como las vírgenes prudentes o con una mujer con una
serpiente en la mano.
-justicia: una balanza y una espada, que representan la medida y la justicia,. En pintura a
veces se representa con el Juicio de Salomón o con el ejemplo de Odón.
-fortaleza: espada y león.
-templanza: aparece d 2 formas, si es símbolo de virginidad con un cinturón y si es
tamplanza hacia la bebida con 2 vasijas de agua.
En cuanto a los vicios:
-locura u orgullo: se representa con un personaje con campanillas o con una antorcha
para abajo.
-injusticia: figura con un cuchillo y o una máscara.
-cobardía: figura sentada pq unen la cobardía y la pereza.
-intemperanza: si se relaciona con la lujuria se representa con una figura con un sapo.

ESPEJO DE LA HISTORIA: La verdadera hª es la de la Iglesia; se busca tb una explicación de
quiénes somos y está muy unido a la filosofía del momento, aunque siempre con una finalidad
religiosa.
PINTURA EN EL MUNDO GÓTICO: GIOTTO.
Nos encontramos en una Italia divida en güelfos: partidarios del Papa y gibelinos: partidarios del
emperador. La alta nobleza está unida al pueblo, enfrentados contra la burguesía. El público de Giotto
será la burguesía que tiene dinero y cada vez es más culta. Etapas del arte gótico:
1. Gótico lineal/ franco-gótico/ estilo narrativo (S.XIII): se llama franco gótico pq nace en Francia
y narrativo pq serán imptes por las miniaturas, que son los dibujos que aparecen en esa época
en los libros miniados; los más imptes en nuestro país será El libro de Cantigas de Sta María
de Alfonso X, el sabio. Tb en las vidrieras se contará la vida de los santos (narrativo) como en
la catedral de Friburgo.
2. Treccento o estilo italiano (S XIV): Destacan la Escuela de Siena (con Duchio, Simone
MARTINI y los hermanos Lorencceti) y la de Florencia ( con Giotto y Cimabue)
3. Estilo Internacional (finales de S.XIV): SE DA EN TODA Europa Igual.
4. Estilo gótico flamenco (S XV): Se desarrolla en los Países Bajos.
GIOTTO:
Características:
1. Rompe con el estilo bizantino.
2. Se implica en el mundo real por lo que llega a tener problemas de perspectiva y espacio.
3. No aboga por los fondos dorados sino azules.
4. Se inspira en la anatomía humana, es decir lo que suyace bajo las ropas (intuición de gestos, movs,
expresividad).
5. Representa cuerpos vivos: impte mirada, gestos, bocas...
6. No repite esquemas como en el románico.
7. Crea volumen en las figuras; las da diferentes incidencias de la luz: partes más claras o más
oscuras para destacar el volumen.
8. Se preocupa por el ambiente físico y mental que rodea a la s figuras: idea franciscana del arte.
9. Sus figuras son grandes y espaciosas: no están amontonadas.
10. Busca la simetría en sus composiciones.
René Berger dice de él: la tentativa de Giotto presenta audacia rompiendo con el fondo de oro e
introduce el azul del cielo; es verdad que en vidrieras y mosaicos se usaban ya los fondos azules, xo
esta innovación supone un cambio de estilo que corresponde a una transformación del sentido religioso.
Los objetos se destacan del plano, con un espacio que da sensación de relieve y profundidad. Utiliza la
perspectiva de espina de pez, visión lateral, contraria a la perspectiva clásica.
Sus obras más imptes son:
-
pinta la capilla de Sta Crocce en Florencia.
-
La decoración al fresco de Scrovegni o de la de Arena en PADUA.
-
Iglesia de San Francisco de ASÍS: 1297-1299
Este conjunto es un programa donde Giotto inventa la historia de San Francisco, por eso es la
obra más ambiciosa y monumental del artista (decoró todas las paredes de la iglesia). Giotto le
concedió importancia a la arquitectura, esbelta, refinada, que lleva el sello de las construcciones del
estilo comatesco, que consiste en la incrustación de mármol sobre mármol: se llama así pq lo crearon
los hermanos Cosmati. Giotto usará la arquitectura xa dar severidad y grandeza a la narración,
exaltando la actitud de los personajes; la naturaleza aparece poco representada, pq domina la
geometría y el orden, agrupando a los personajes sin amontonarlos para que dé sensación de espacio.
En estos 1ºs momentos de Giotto no hay gestos xo la línea de dibujo será fina y el trazo recto. La
perspectiva que utiliza es la de espina de pez, que da una visión lateral.
Ningún artista de la Edad Media tendrá tanta fama como Giotto. En el Renacimiento fue un pto
de referencia de escritos humanistas: Petrarca, Cennino en su Libro del arte) y Boccacio (en su
Decameron) escribirán sobre él. En la 1ª etapa del Renacimiento, Giberti, trazó el perfil de Giotto y fue
el primer crítico que confirmó el appel revelador de Giotto en la pintura en el sentido de elegante
naturalismo. Giotto imita la naturaleza, pero una N estratificada, no copia, sino que entiende el arte de
una forma naturalista.
PINTURAS de la Iglesia de San Francisco de Asís: En Giotto no hay simbolismo (foto
aptes de Laura).
TÍTULO: “Francisco desprendiéndose de los bienes materiales”.
UBICACIÓN: Iglesia superior de la Basílica de San Francisco de Asís.
FECHA: Últimos años del S. XIII
ESTILO: Treccento Italiano: Escuela Florentina.
TÉCNICA: Fresco.
Composición equilibrada: línea vertical que divide la escena en:
-vertical: individuos a dcha e izda.
-horizontal: arriba arquitectura y abajo personajes.
Pude verse una escalera de estilo comatesco; hay profundidad en la escena: figuras en primer
plano, detrás... continua la profundidad después de los edificios. La perspectiva, variada y divergente
es de espina de pez. Las figuras son monumentales y utiliza elementos piramidales, Hay volumen en
éstas (claro-oscuros) ejemplos de los trajes en los que usa un solo color para la vestimenta. Líneas
verticales que forman figuras equilibradas y las horizontales, las menos para elementos arquitectónicos
de fondo. La línea diagonal sale del cielo y baja a las manos de Sto Tomás. La línea de dibujo es fina, al
contrario que en otras obras de Giotto. Hay un espacio para cada personaje (orden), que representan la
familia de San Francisco, al obispo de Asís y a los franciscanos.. Los frescos son muy grandes. Giotto
organiza las escenas con una visión gral según la arquitectura.
TÍTULO: “El pesebre de Greccia”: San Francisco fue el inventor de los pesebres o belenes. La
noche de navidad en Francia, Greccia, colocó a un niño en un pesebre como Jesús.
Composición: aparece una serie de figuras en diferentes planos, figuras alrededor de un altar
que representa la misa de navidad; en un primer plano están los personajes más ricos de la ciudad y
cada lado del altar 2 franciscanos. En esta obra encontramos un iconoclastio, que en Occidente
prácticamente habían desaparecido, x tanto es una influencia oriental. Esto es lo que separa el altar de
la nave central; no es muy alto y es de piedra. Generalmente tiene 2 puertas, y Giotto ha dejado la
puerta abierta para que el pueblo pueda ver. Además coloca una cruz típica de esa época inclinada
para crear una idea de profundidad y tb elementos decorativos colocados en lateral. Las figuras son
verticales como las columnas del altar, y utiliza una linea fina y recta. Tb aparece la línea horizontal en
el final del iconoclastio: así aparece una escena equilibrada. Las figuras son monumentales y su ropa de
un solo color. Impte los gestos de los personajes: recogimiento del sacerdote, franciscanos cantando.
Naturalismo en las figuras.
TÍTULO: La aparición de San Francisco o el capítulo deArlés.
Arlés es una ciudad de Francia. Este fresco e impte pq tiene una composición interior, dentro de
una sala hay varios personajes reunidos cuando entra San Francisco. Giotto coloca en primer lugar una
estructura arquitectónica gótica de gran sencillez donde utiliza los mismos nervios para crear sensación
de profundidad; esta sensación tb así crea con un banco en diagonal a la dcha y un podium a la izda.
Giotto coloca a las figuras por orden de importancia: 1º San Francisco, luego la figura del podium que es
un santo muerto pq tiene un crismón circular en la cabeza. Tb hay crismones cuadrados que significan
que el personaje no ha muerto. No sabemos que santo es, solo que es franciscano. Tb hay tres
personajes sentados en el banco diagonal casi de espaldas: antes nunca se hacía esto; dan sensación
de círculo al estar de espaldas al espectador. Cada franciscano tiene un gesto diferente ante el milagro
de la aparición: Giotto capta la actitud y personalidad de cada uno.
No hay unanimidad en los colores de los trajes de los franciscanos y eso que todos deberían ser
marrones: le da riqueza. Los pliegues de los trajes dan sensación de volumen. Una figura impte es la
que solo se le ve la cabeza con capucha en el centro; esto es una osadía pq es una manera
revolucionaria de colocar las figuras, al igual que Goya en sus pinturas negras. Líneas verticales y
horizontales que dan sensación de equilibrio.
TÍTULO: San Francisco y el sermón de los pajaritos.
Esta es una de las pocas escenas en las que aparece la naturaleza. Tiene una composición muy
sencilla e interesante a la vez: como todas da sensación de equilibrio y orden en el espacio; con un
color marrón claro coloca a los personajes, pájaros y árbol. Una línea horizontal divide el espacio entre
la montaña y la lejanía, y otra el cielo. La parte dcha del árbol equilibra la parte izda con la figura de San
Francisco que está en la izda , y detrás un franciscano que hace un gesto con la mano como de estupor
al oir lo que dice San Francisco. En la parte de atrás para equilibrar un árbol más delgado. Las dos
figuras son monumentales, piramidales y Giotto utiliza un truco que repetirá para crear volumen y
profundidad: colocar los brazos doblados.
Las líneas verticales son el árbol, las figuras, y las ramas de la izda; las horizontales son las que dividen
los 3 espacios y equilibran la composición.
El tema es: San Francisco echa un sermón a los pajaritos por lo que deben agradecer a Dios ya que no
tienen ningún esfuerzo en su trabajo y los pájaros le escuchan.
NOTA: pintura al TEMPLE: colores diluidos con clara de huevo o miel.
Pintura al FRESCO: colores en agua de cal.
TÍTULO: San Francisco recibiendo los estigmatas.
Ya lo había representado antes Cimabue. Giotto utiliza unas estructuras montañosas con una
especie de plataforma donde está la figura ppal y la montaña adornada con árboles, nada que ver con la
realidad: intenta reflejar la naturaleza, pero no es real. La figura ppal tiene forma triangular y está en el
centro con 2 casas pequeñas para equilibrar. En la parte superior dcha está la figura de Cristo cubierta
por las alas de Serafín, dejando a la vista brazos y piernas, que representa que es lo que va a pasarle a
San Francisco. En la parte dcha inferior un franciscano absorto leyendo un libro, que serán los
estigmas. La luz ilumina todo el cuadro, pero hay una diagonal que ilumina la montaña y deja en
penumbra lo de abajo para dar sensación de profundidad con la línea diagonal y verticales en las casas
y montaña.
TÍTULO: Milagro de la fuente.
Cuenta que yendo San Francisco con unos franciscanos y un guía en verano necesitaron beber
agua y el santo rezó, y brotó agua de una piedra. Estructuras montañosas con ideas de profundidad,
que va escalonando; la luz tb de izda a dcha deja partes en penumbra. San Francisco en el centro e la
composición; las líneas verticales están en los 2 franciscanos detrás del asno. La figura más interesante
es el guía, con un gran estudio de piernas y manos xa agacharse a beber (en la pierna se ve la tensión).
Esta figura está en diagonal, paralela a las montañas. Tb hay árboles xo inventados: tonos marrones,
impte volumen de las figuras.
PINTURAS de la Capilla de los Scrovegni o de la Arena de PADUA.(1334)
Esta es la segunda obra de Giotto realizada tb con la técnica de fresco; está dedicada a la hª de
la Virgen, explicando la vida de sus padres, la de Cristo y el juicio final. Todo ello está pintado en color a
pesar de que la parte de abajo dnd aparecen representados los vicios y virtudes está en grisalla: blanco
y negro.
Las escenas están divididas según la decoración con elementos geométricos a modo de cenefas
y son más pequeñas que las de Asís. Podemos admirar esta obra casi de milagro pq en la IIGM estalló
un abomba. Scrovegni donó esta capilla a los dominicos.
Características respecto a la de Asís:
La línea del dibujo es más ancha, hay más expresividad en los rostros y los fondos
arquitectónicos no son tan imptes como los de Asís. Respecto al color, en Asís la mayoría son marrones
por los hábitos de lo monjes y aquí la sensación es de colorido pastel, sobre todo rosas en los trajes y
azules en los cielos. La sensación es de gozo, placer estético.
TÍTULO: “La entrega o donación de la capilla a los dominicos”
En esta obra aparece la maqueta del edificio. Es una capilla de una sola nave, y el juicio final
está representado en la ventana situado sobre la puerta del edificio. Scrovegni está situado a la izda con
un tocado en la cabeza entregando la capilla a los dominicos, que van de blanco acompañados por 3
ángeles. Esta escena forma parte de la escena general del juicio final. Giotto coloca esto en la parte de
los justos, los que se salvan del juicio final; la tradición de la E.M es que uno solo puede salvarse
haciendo donaciones a la Iglesia.
La técnica utilizada es la fresco y el estilo el mismo que el de Asís. Giotto enmarca cada escena
y esta pintura tardó en realizarse 2 años; las virtudes y los vicios son las únicas escenas dond aparece
simbolismo. Los 3 ángeles y las 2 figuras piramidales o triangulares buscan el equilibrio en el centro de
la capilla. ES una escena dentro de otra. Los colores son huesos, rosas, tierras y lilas.
TÍTULO: “San Joaquín y los apóstoles”
Es una de las escenas primeras que hablan del padre de la Virgen; según la tradición cristiana,
San Joaquín y Sta Ana no tuvieron descendencia por lo que Dios les castigaría. Por eso son expulsados
de Jerusalén y van la campo. Giotto escenifica este momento colocando una cabaña con ovejas, al
fondo una estructura montañosa xa dar sensación d espacio y profundidad. San José sería el de la izda
y los pastores junto a San Joaquín estarían a la dcha. El padre de la Virgen llevaría una caoa con forma
piramidal. Tb hay un perro saltando de alegría ante la llegada de San Jose. San Joaquín parece triste y
la mirada de los pastores es muy impte ( expresión de las caras). La línea del dibujo es muy gruesa
dando volumen a las figuras y el colorido es rosado.
TÍTULO: “Anuncio del ángel a SanJoaquín”.
Momento en que el ángel se acerca a la cabaña de San Joaquín y le dice que su mujer va a
tener un hijo y que tiene que ir a su busca en la puerta dorada de Jerusalén. Giotto repite la cabaña y la
estructura montañosa de la escena anterior. San Joaquín aparece sentado sobre las rodillas una
postura q le gusta mucho a Giotto. El ángel de la parte superior forma una diagonal. La verticalidad la
aportan los pastores y la horizontalidad las montañas dando una sensación de equilibrio.
Los ángeles de Giotto son diferentes a los que se representaban en aquel momento: van
peinados de la época, los colores claros de sus trajes con elementos decorados en dorado no están
hechos de oro sino con amarillos, dándoles un color marrón claro o rosado que armoniza la
composición.
TÍTULO: “El encuentro de San Joaquín y Santa Ana ante la puerta dorada”.
Figuras Ppales que forman una pirámide que ocupa todo el espacio central: San Joaquín
aparece con pastores y Sta Ana con 5 amigas, y se funden en un abrazo muy real. Al fondo hay una
estructura arquitectónica: Giotto quiere demostrar que es una hªreal.
En un 1er término las 2 figuras están unidas y hay otras figuras en un segundo plano en
diagonal. Coloca en el centro a 2 de blanco pinadas al estilo de la época. Al lado coloca un color rojo y
otro verde xa que resalten; Giotto quiere que el espectador perciba el equilibrio de las figuras ppales y
las secundarias que resaltan por los colores. Hay un atrevimiento por colocar una figura de negro,
cubriéndole la cabeza entera. El negro es un color neutro por lo que equilibra la escena.
TÍTULO:” La presentación de la Virgen en el templo”
Giotto coloca una estructura arquitectónica con peespectiva de espina de pez, es el propio
templo, a la dcha donde hay menos personajes; a la izda hay una diagonal formada por la escalera
donde están los personajes ppales. Tb a la dcha para equilibrar hay un personaje de espaldas y otro q
mira la escena directamente, pq le explica a otro que es lo que pasa. La luz incide por la parte de la
izda. Es el momento en el que el sumo sacerdote, la virgen madre llega al templo. Hay una columna que
impide ver la parte del sacerdote y esto refleja lo que ocurre en la vida real: total realismo.
La virgen y la gente que pertenece a la hª de la Iglesia llevan un crismón circular. Las líneas
verticales
están en los personajes, en el pueblo y las horizontales en las estructuras de
edificio:equilibrio. Perspectiva en espina de pez que puede apreciarse en las escaleras y la arquitectura.
El azul destaca en los fondos.
TÍTULO:” Anuncio del ángel a Santa Ana”.
Anuncia xa que vuelva a Jerusalén a la puerta dorada como tb se le pareción a San Joaquín: el
ángel la saluda por la ventana. Es una composición muy interesante: aparece un baúl en diagonal, un
banco con cojines detrás del personaje, techo con casetones y la cortina de la cama que la coloca en 2
colores, el claro de frente y el oscuro detrás, dando sensación de profundidad.
Sta Ana tiene forma piramidal, vestida en un solo color, con una rica decoración. La línea es muy
gruesa; una diagonal equilibrada x las verticales y horizontales. Armonía de colores.
TÍTULO:” Nacimiento de Cristo”
Coloca el nacimiento en una estructura o cobertizo con un fondo de montañas; la Virgen está
tumbada con el niño en el pesebre y una mujer que la acompaña. Es impte la iconografía característica
de la representación del nacimiento de Cristo. A partir del S. XIV hay un cambio total: según Sta
Ildegarda, personaje del sXII impte en la iconografía por sus escritos y visiones, los primeros que
adoraban al niño son los ángeles y dp la Virgen. Así la representación dnd aparece la Virgen de rodillas
con el niño. Giotto coloca a la Virgen sin manto y como una figura femenina de la época con trenzas. En
la parte superior hay un ángel que se aparece a los pastores y uno de ellos de espaldas al espectador.
Tb hay un grupo decabras y San José sentado dormido. Según la tradición religiosa San José no está
en el alumbramiento del niño pq se va a buscar a otras mujeres que la ayuden. El artista opta por
colocar a San José como si no estuviera ya que está dormido. Giotto tb coloca a otra mujer con la
virgen, cosa que los evangelios apócrifos muestran; algunos pintores lo incluyen y otros no.
TÍTULO: ”La huida a Egipto”.
Giotto coloca sobre las montañas un fondo muy iluminado para crear volumen y luego otro con
arbolitos menos. En el centro aparece la Virgen sb el asno con el niño, en un espacio triangular. La
virgen no lleva colores simbólicos pq Giotto no utiliza simbolismo en el color. El manto es de color ocre,
casi igual que el de la montaña y no azul como sería lógico, y su vestido es rojo; utiliza esos colores xa
equilibrar la composición. San José y la Virgen están a la dcha más grandes que el resto de las figuras.
Tb hay 3 figuras en dialogo a la izda; al ser éstas más pequeñas llama la atención con el color de sus
trajes, rojo y verde. Hay una armonía de color y equilibrio. Aparece un ángel que es el guía arriba a la
dcha.
TÍTULO: ”El beso de Judas”.
Destaca sb todo Judas por eso el nombre de la obra que tb podría llamarse “El prendimiento de
Cristo”. Destaca Judas por su manto ocre triangular en el centro de la composición tapando a Cristo.
Giotto no coloca ni la montaña ni edificios pq coloca muchos personajes y no le interesa crear tanta
profundidad. Así vemos cabezas al fondo, una figura de espaldas que hace que el espectador vea una
composición cerrada dentro del fresco: atrevimiento de Giotto. En la Izda paarece el apóstol Pedro que
le está cortando la oreja a Mrco; es el único personaje conocido, aunq detrás hay un personaje con
crismón.
La línea desde el brazo izdo del personaje hasta la mano de otro da sensación de horizontalidad,
y separa la imagen en 2 partes: una vertical con personajes con lanzas y espadas y una diagonal que
atraviesa el rostro de Cristo hasta loa otra mano. La composición queda muy equilibrada y da sensación
de sosiego y tranquilidad.
TÍTULO: “El entierro de Cristo”.
Giotto divide la escena: arriba lo celestial y abajo lo terrenal; en la parte celestial están unos
ángeles muy peculiares: generalmente se representan ángeles en actitud no terrenal, pero Giotto sí lo
hace y los compara con las figuras terrenales, transladando el color a estas figuras: tienen actitudes y
gestos. En la Tierra vemos A Cristo enterrado, formando una línea horizontal él y 3 mujeres: la Virgen
abrazándole, Mª Magdalena, que lleva siempre el pelo largo, y otra Mª.
Para completar la composición en forma de 3 dimensiones coloca a 2 figuras de espaldas y
sentados; tb aparece la figura de San Juan Evangelista, cuya cabeza está en el centro y su expresión
de dolor con los brazos hacia atrás es similar a la de los ángeles. A la izda están las mujeres y a la dcha
los apóstoles, quizá uno sea Pedro. Hay un equilibrio total entre la parte terrenal, dividida por esa
estructura montañosa, dejando 2 estructuras triangulares. Aparece un árbol muerto sin hojas como si
fuese Cristo muerto
TÍTULO: ”La Anunciación”.
Es un fresco que tiene una composición fotográfica; antes del altar mayor hay un arco que
separa la nave central de este altar; encima de ese arco a cada lado está colocada la escena. Es la
Anunciación más original realizada hasta ese momento por un pintor: las 2 figuras están arrodilladas,
tienen igual colorido en la composición y están inmersas en un espacio donde no hay decoración.
Esta Anunciación hay que compararla con la de Simone Martini( de la escuela de Siena):
Simone Martini es posterior a Giotto y estará influenciado por la pintura sienesa y el gótico lineal
francés. Lo que más interesa es que ambas tienen diferente forma de entender la Anunciacion. En
Martini aparecen flores(azucenas) decorativas que simbolizan la pureza de la Virgen y en Giotto no hay
simbolismo. En esta las figuras no están arrodilladas, aunque sí el ángel que está ante la Virgen con
una rama de olivo en la mano que simboliza la paz. Además la Virgen está vestida de azul y rojo, pq son
sus colores representativos. Las alas del ángel son de pintura dorada no de oro; en el estilo
internacional si se usaba pan de oro, pero ni Giotto ni Martini lo usan.
El gesto e la Virgen es diferente en Martini, está sorprendida y asustada, y el ángel es como si
acabara de legar pq el manto todavía se mueve; esto lo consigue usando líneas curvas, al contrario que
Giotto que usa la línea recta y los ropajes con formas geométricas, casi siempre piramidal. El ángel de
Giotto lleva una filatelia y las 2 figuras de la Virgen llevan el antiguo testamento; en la Virgen de Giotto
el libro está cerrado y en la de Martini abierto pq simboliza la llegada del mesías momento de la lectura.
Otra diferencia son las construcciones arquitectónicas: las de Martini son de naturaleza
simbólica, no es natural: olivo símbolo de la paz( hª del diluvio universal). Las figuras de Martini son
planas, sin volumen, pero daban sensación de profundidad con otros elementos como cortinas. En
Giotto las propias figuras dan esa sensación. Martini crea a su Virgen grande y estilizada, con la cabeza
tapada por influencia bizantina.
PINTURAS de la Capilla de la Iglesia de Santa CROCCE n Florencia.(1323)
En esta pequeña capilla estaba representada en una lateral la hª de San Francisco y en el otro la
de San Juan Bautista, pero los dueños de la capilla colocaron sobre las pinturas de Giotto 2 sepulturas
que dañaron estos frescos, que más tarde fueron repintados.
TÍTULO:” Entierro de San Francisco”.
Quedó la marca del sarcófago que tapaba las pinturas; narra el momento en el que entierran a
San Francisco y los franciscanos descubren los estigmas. Hay muchas figuras y muy grandes, mucho
más que en Asís. Las figuras tienen una individualización, no son repetidas; en el caso de Scrovegni los
pastores sí. Al fondo hay una estructura arquitectónica; hay una gran riqueza de colorido, diferentes
marrones-grises.
Hay una difícil realización del fresco; loas trazos se realizan al fresco pero parecen carboncillo:
gestos naturales, tomados de la realidad. En la obra de Giotto hayun ppio de unidad espacial; es
moderno en el contenido y la forma pq introduce fondos reales, profundidad y perspectiva. Hay un gran
sentido del espacio, hay además un tratamiento naturalista en su obra.
ESTILO GÓTICO INTERNACIONAL.
Es la fusión de la pintura de las escuelas de Siena y de Florencia. Se caracteriza por el uso de la
expresión y caracterización de las figuras que son estilizadas. Se realizan con línea curva que da
sensación de movimiento=arabesco del dibujo. Se hace uso del pan de oro con la labor del pastillaje=se
pone encima de la pintura una especie de yeso donde se coloca el pan de oro. Aquí tb se encuentran
brocados, joyas, dorados.... pq se le da mucha importancia a la decoración. Utilizan el Temple en lugar
de la técnica del fresco.Este gótico culminó en 1423 en Florencia con:
TÍTULO: “La Adoración de los magos” o “ Epifanía”.
AUTOR: Gentile Da Fabriano
Realizado en TEMPLE fue encargado por Strozzi para la Iglesia de la Trinidad de Florencia, pero
hoy se encuentra en la galería de los Ufizzi. Abajo tiene unas escenas del nacimiento de Cristo, donde
la Virgen está arrodillada. La parte de arriba está dividida por tres arcos que indican tiempos diferentes
en la composición: el arco de la izda es Jerusalén, el del centro es cuando los reyes se acercan a
Jerusalén para adorar la niño y el de la dcha, es cuando los reyes salen de Jerusalén sin decirle nada a
Herodes. En la escena ppal están la Virgen, San José y el niño con la mula y el buey en un extremo,
para que quepan todas las figuras. Hay un apelotonamiento de éstas pq el espacio compositivo no tiene
profundidad.
Riqueza de brocados en los vestidos, como el de la Virgen, oro en los crismones, en los trajes de
los Reyes Magos; elementos decorativos en los caballos, en los aristócratas. Hay una gran expresividad
y detalles; utiliza la línea curva, para dar sensación de movimiento a los pliegues de los ropajes. Rostros
idealizados y la luz no es natural, es una luz celestial.
TEMPLE: se hace mezclando los colores con agua y con aglutinante que no sea óleo,
suelen vegetales tipo huevo, cera, goma.. Los óleos son más aceitosos pq se mezclan con
aceite en vez de con agua. El soporte suele ser la piedra, madera, tela o cartón, y es típico de
la E. Media. El óleo se empezó a utilizar en el S. XV en los Países Bajos dando lugar a la
pintura realista, simbolista pq marcaba las texturas.
PINTURA FLAMENCA ( finales SXIV- ppios SXV).
Nace en los Países Bajos, con la técnica del óleo sobre la madera, que consistía en mezclar los
pigmentos naturales con aceite; al ser una pintura que tardaba mucho en secarse, era mucho más lenta
de realizar que el fresco. El soporte era la madera de roble, con una tela de lino muy fina encima, sobre
la que se colocaba una fina capa de yeso, sobre la que se pintaba con lápiz de plata y yaq se daban las
capas de color.
Predomina el dibujo marcado de líneas rectas. Busca el realismo de los objetos, llegando aun
hiperrrealismo que hay que analizar las cosas con lupa (muchos detalles. Ex espejo del matrimonio
Arnolfini.
Características:
1. Realismo extremo.
2. Gran simbolismo, sobre todo en las pinturas religiosas.
3. Pretende narrar la vida de la burguesía: lámparas, alfombras, vestidos: impte colores y
detalles de los pliegues.
TÍTULO: ”Sta Bárbara”.
AUTOR: se pensó que era parte de la Anuciación de De Flemalle o de Campin.
UBICACIÓN:es un lateral de un tríptico que hoy está en el museo del Prado.
FECHA:1438.
ESTILO: Pintura Flamenca.
TÉCNICA: óleo sobre tabla.
La hª del cuadro es que Sta Bárbara fue encerrada en una torre por su padre pq no se quería
casar, y la final la corta la cabeza, y el cuadro muestra la Sta por una ventana de la torre. Hay muchos
símbolos en esta pintura: jarrón de cristal con agua símbolo de pureza, la flor del jarrón es una azucena
símbolo de la virginidad, al estar la sta leyendo es símbolo de que era culta:luego de la nobleza. Sobre
la chimenea, escena típica de la burguesía, aparece la Trinidad, que es a su vez lo que está estudiando
en su libro. Sobre la chimenea tb hay una sola vela que simboliza la presencia de Dios. El verde del
vestido simboliza la esperanza de la salvación y de la vida eterna.
En cuanto al plano de la expresión hay un espacio en 3 dimensiones, por eso los objetos están
colocados en diagonal para crear profundidad, incluso en las barras del techo. Las líneas convergen
fuera de la habitación a través de la ventana donde hay naturaleza. Esto es muy típico de la pintura
flamenca para crear la idea de la luz que entra por la ventana (luz real), además de la luz de las velas o
la chimenea, Así hay varios focos de luz para destacar diferentes objetos.
El dibujo es fino, nada que ver con la línea gruesa de Giotto. Está hecho con finos pinceles y con
varias capas de color. La madera está trabajada (decoración de los muebles, el techo, bancos..) y la
textura de la madera contrasta con la vestimenta de Sta Bárbara que es un manto verde pesado con
mucho pliegues. El vestido es rico con elementos dorados que demuestran la posición social. Tb es
impte la profundidad y los detalles a través de la ventana.
TÍTULO: “La fuente de la gracia”.
AUTOR: Jan Van Eyck.
FECHA: 1423-29.
UBICACIÓN: actual en el PRADO.
ESTILO: Pintura Flamenca.
TÉCNICA: Óleo sobre tabla.
Se puede dividir la obra en 2 partes, ya que hay los mismos elementos arquitectónicos y figuras
a ambos lados. De manera horizontal hay 3 estadios distintos. En el superior, en el centro hay una
figura sentada de frente al espectador acompañada por otras 2 figuras: las 3 tiene como fondo un paño
brocado en vez de naturaleza, que hace el espacio compositivo mínimo. Esta figura está bendiciendo y
lleva un paño e la cabeza: no se sabe si es Dio s Padre o Cristo, pq está acompañado por el tetramorfos
(Cristo), pero la Virgen está a su izda y San Juan Evangelista ala dcha, por lo que es una figura
ambigua.
El segundo estadio tiene 3 ángeles a cada lado músicos en los espacios arquitectónicos, con
decoración de la naturaleza, que no había en el primer estadio. Los ángeles, 3 a cada lado, están
sentados en una zona verde con un río donde flotan las sagradas formas. En el centro está la fuente,
que es bautismal pq tiene forma octogonal. A la izda está la iglesia cristiana, encabezada por el Papa
Martin V, representa las virtudes y el equilibrio; tb está el emperador Segismundo Y EL Rey, que
algunos dicen que es el de Francia y otros el de Castilla; y a la dcha el mundo judío, los vicios. En la
fuente bautismal hay 2 animales fantásticos (y debajo 2 ángeles): un ave fénix, que renace d sus
propias cenizas y representa la resurrección y un pelícano que se pica el mismo xa alimentar a sus
polluelos y simboliza la eucaristía.
TÍTULO: El matrimonio Arnolfini.
Autor: Jan Van Eyck.
Fecha: 1434.
Técina: Oleo sobre tabla.
Estlio: Pintura flamenca.
Panoski estudió esta obra, pq es el máximo historiador del arte que se dedica a la pintura
flamenca. En años 50 en “Barbur” publica su primer artículo. Este dice que el cuadro muestra una
representación religiosa, el matrimonio de Arnolfini y su mujer Giovana Cenami.
Plano de la Expresión: es un espacio cerrado, una habitación íntima. Las figuras están en un
primer plano y existen 4 dimensiones, contando con la del espejo. Hay tres en profundidad: líneas del
suelo, ventana en diagonal, la cama, el techo: todo hace que confluya al fondo. El techo es de madera
como el de Sta Bárbara, lo que da mucha profundidad. La luz es natural y entra por la ventana,
iluminando la habitación y a los personajes. El dibujo quiere establecer un canto a las manufacturas de
forma uniforme: lámpara de metal típica de la época, texturas del sofá de fondo, la madera, la cama, el
espejo, la propia textura del pelo y los trajes, la alfombra que da más profundidad...
Las figuras no se miran, sino que se fijan en el espectador. Ella está pensando en algo(expresión
de los ojos). Hay una gran riqueza en los colores: rojos y verdes muy brillantes debido a la técnica del
óleo (en temple no tienen ese brillo).
Plano del contenido: hay mucha simbología: en el espejo apareen reflejados 2 figuras que han
entrado por una puerta que está fuera de la obra; uno de ellos es el pintor por la firma y la fecha encima
del espejo. Tb hay elementos religiosos tallados en el espejo que son la pasión de Cristo, como ejemplo
que debe seguir toda familia cristiana. Tb hay un rosario al lado del espejo, los contrayentes están
descalzos ante la presencia divina representada por la vela divina. El perro es símbolo de la fidelidad y
las frutas de la fertilidad.
Arnolfini es un burgués italiano que se marcha a vivir a Brujas. Se piensa que esta obra era un
regalo de bodas del pintor.
Pierre Francastel: es otro historiador del arte enfrentado a Panoski. Su método de estudio no
tiene nada que ver con el del otro. Se trata de un método sociológico, donde defiende la autonomía del
artista. Cuando Panoski escribe su artículo, Francastel en su libro “la figura y el lugar” dice que esta
convencido d que el retarto no es del matrimonio Arnolfini sino el de Van Eyck y su mujer, por la
inscripción que aparece “Hic” que nunca se refiere a una persona diferida. Pero esto no es verdad pq:
- aunque más o menos tienen la misma edad, sus bodas no coincidieron en el tiempo.
- la mujer del pintor y Giovana no se parecen en nada. Margarita, la mujer del pintor era muy fea, y
como en la pintura flamenca se plasma el realismo la hubieran puesto tal cual.
Azcárate: es el que más razón tiene de los 3 autores, mucho más completo. Dice que las
ceremonias religiosas en los Países Bajos constan de 5 ceremonias:
-
Esponsales: ambas familias se reunían xa acordar lo que se aportaba al matrimonio y se
decidia si se continuaba con la boda: era un negocio.
-
Desposorios:: petición demano.
-
Boda: manifestación pública de contraer matrimonio.
-
Matrimonio: compromiso ante el juez, obispo, cura.....
-
Bendición:Sin ésta última no había boda: es la bendición del marido a la esposa cuando
espera su primer hijo. Si no hay hijos el matrimonio no es válido.
Azcárate dice que lo que se celebra en ese cuadro no es un matrimonio sino el último paso, la
bendición,porlaposición
de la mujer al cogerse el manto y se deduce que estaba embarazada; no es por lo abultado del
tarje pq el talle de la época era así. Y tb pq en la cabecera de la cama hay una figura de Sta
Margarita, que es la patrona de los partos.
Renacimiento
Cambios de las teorías artísticas de la EM al Renacimiento:
EDAD MEDIA:
La Teología, en relación con obras de arte medievales ,ocupa la posición de causa
formal. Los teóricos manifiestan que las artes deben someterse a las directrices
eclesiásticas.
En la EM la doctrina eclesiástica de la belleza se basa fundamentalmente en la
breve exposición de Dionisio Aeropagito “De divinis nominibus”, en el capítulo “De
pulcro et boro”. Dioniso tomó ideas del texto breve de Plotino que nace en Licoponis
(Egipto, 205-270), funda su propia escuela en Roma, a donde pasó procedente de
Antioquia.
La escala de valores daba prioridad ó insistía en el elemento espiritual --- conocimiento
intelectual, en detrimento del elemento material --- característica sensorial,
proporcionado éste por el mundo exterior. La consecuencia es la no imitación de la
Naturaleza, es decir del mundo exterior.
El deber del artista era crear los símbolos mas adecuados y apropiados para
comunicar las enseñanzas religiosas y morales de la Iglesia.
El pintor era un artesano y desempeñaba un cometido práctico en el marco de los
gremios y trabajaba bajo la dirección de la Iglesia.
El artista era sólo responsable sólo de la ejecución de la obra, de la calidad, los
contenidos y los temas de las imágenes, es decir, los programas iconográficos le eran
dados.
Coamaraswamy dice en su libro “Texto medieval de la belleza” que el artista
medieval es mucho más que el individuo, es el canal a través del cual halló expresión
la conciencia unánime de una comunidad orgánica e internacional. El arte es una
actividad manual mecánica.
35
En cuanto al espacio, como se creía que todo estaba en Dios, no había
distancia entre las cosas, ya que éstas no eran sino la manifestación de una única
esencia y existía una representación simbólica del espacio. La Arquitectura medieval
predica la humildad cristiana.
RENACIMIENTO:
La Literatura teórica e histórica del arte del Renacimiento italiano se acentuó que
la misión del arte era la imitación inmediata de la verdad.
Leon Battista Alberti es el teórico que mejor plasmara las nuevas ideas del
Renacimiento en sus escritos “De re Aedificatoria”, “Della Pintura” y “Della Estatua”.
Pintar es esencialmente representar el mundo exterior de acuerdo con los
principios de la razón humana.
La generación de 1420 no podía dar como válida al naturalismo y al estudio
científico del mundo real. 1420----- generación de grandes del Renacimiento.
El artista, orgulloso de sus nuevos métodos científicos lucha para que su profesión
sea reconocida dentro de las artes liberales y para hacer valer su superioridad sobre
los artesanos.
El artista determina de modo autónomo la orientación ideológica y cultural de su
propio trabajo, por lo menos teóricamente, la forma artística no es ya simplemente
ilustración ó traducción de figuras sino que tiene un contenido intrínseco propio.
El arte es una actividad intelectual-liberal.
Se tiende hacia la figuración de un espacio representativo de un Universo en el
que, bajo la mirada de Dios, hombres y objetos se desplazan según unas leyes fijas. El
fundamento de la representación del espacio renacentista es la creencia en la realidad
de las leyes del mundo exterior. La Arquitectura renacentista proclama la dignidad del
hombre.
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LA PERSPECTIVA EN EL RENACIMIENTO:
El pensamiento humanista modifica profundamente las concepciones del
espacio y del tiempo. La representación racional del espacio es la perspectiva, al igual
que la representación racional de la sucesión de los acontecimientos es la historia. No
hay por tanto diferencia entre espacio y tiempo. Esta es una de las características del
Renacimiento: un solo tiempo y un solo espacio --- característica primordial del nuevo
pensamiento figurativo del Renacimiento.
La perspectiva construye, de una manera racional, la representación de la realidad
natural, mientras que la historia la representación de la realidad humana. Perspectiva
e historia se integran y forman juntas un conjunto y un concepto unitario del mundo. El
espectador ve las líneas de profundidad converger en un punto. De todas estas líneas,
es la perpendicular al plano ideal sobre el que se proyecta en la mente la visión.
Podemos considerar el haz de líneas que convergen en un punto llamado punto de
fuga, como una pirámide cuya base sea el plano ideal de proyección y podemos
imaginar que cortamos la pirámide en una serie de planos paralelos a la base y
tendremos así otras tantas secciones de la pirámide visual.
El teorema de las proporciones nos da la ley matemática de la degradación de los
tamaños según las distancias. La realidad, por tanto, se nos presenta como un sistema
de relaciones métricas. La perspectiva presenta el espacio como una representación
finita del espacio infinito. La perspectiva es la representación de un espacio pensado
como dimensión de la relación y por tanto de la acción humana, es la relación del
hombre con el mundo.
Líneas transversales que cortan la pirámide en diferentes secciones. Así se
crea un espacio en profundidad que es la visión natural realizada geométrica y
matemáticamente.
Base Pirámide
Una vez creado éste espacio en profundidad, sabe que objetos al fondo más
pequeños que los más cercanos y así coloca las figuras más grandes cuanto más
cerca y si nos alejamos de esa pantalla también más pequeños pero con relación de
proporción. Según estén colocados , no de forma arbitraria. Espacio en tres
37
dimensiones. General- mente el punto de fuga en el centro de la composición. Esto es
un cambio rotundo. Giotto, por ejemplo,, visiones laterales daban profundidad. El ojo
del espectador tiene además una visión frontal por lo que el artista lo tiene presente a
la hora de colocar las figuras. Leonardo da Vinci, además de ésta profundidad, sabe
que los objetos según tengan una atmósfera u otra, ésta los cubre y los invade ---perspectiva aérea.
Visión en profundidad y con la perspectiva de proporción de las figuras, excepto
Leonardo que tiene una perspectiva aérea en Renacimiento . Se dice que el mundo
del Renacimiento vuelve los ojos al mundo clásico, aunque muchas cosas del mundo
clásico ya se conocían en la EM (En EM no mundo clásico porque se le consideraba
pagano, no era religioso, pero no hay que generalizar). El pensamiento clásico está en
la EM pero ellos lo reutilizan.
TESIS MÁS IMPORTANTES QUE ENTRARON EN LA ESTÉTICA DEL
RENACIMIENTO BASADOS EN LA OBRA DE VITRUVIO.
Vitruvio fue un pensador y artista de la antigüedad clásica. Sus ideas son:
1ª) En la Arquitectura, la belleza es tan importante como la utilidad.
2ª)Es bello todo lo que es conforme a la razón, pero también aquello que agrada a la
vista, es decir, el aspecto de las cosas.
3ª) La belleza consiste en la conveniencia de las partes. El término fundamental
transmitido por Vitruvio fue la simetría así como también el consensum membranorun ,
la convenientia, la compositio, la proportio y el modus como sentido de la medida.
4ª) La belleza es realizada en la Naturaleza, siendo ésta un modelo imprescindible
para el arte.
5ª) Dicho modelo en especial, lo constituye el cuerpo humano, en la Arquitectura la
simetría y las buenas proporciones deberían de basarse en las proporciones de un
hombre bien constituido.
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6ª) Hay diversos grados de belleza, hasta la belleza rebuscada (Igual que la
elegancia).
7ª) Hay diferentes variantes de belleza: el estilo dórico es masculino, el jónico es
femenino y doncellil el corintio.
8ª) En lo bello hay un factor social que es la adecuación de la obra, su
correspondencia, a las necesidades y costumbres de la gente, por tanto, a parte de la
belleza formal, existe una funcional ; junto a la simetría está el decor ó decorum. La
obra en sí debe de ser lo adecuado y que además sea apropiada con las costumbres
de ese tiempo.
9ª) Además también aparece el factor psicológico, la belleza estriba no sólo en la
simetría, que era objetiva, sino en una disposición de las partes que provoca en el
espectador una sensación subjetivamente agradable. Vitruvio llamaba esto Euritmia, y
en nombre de ella recomendaba hacer correcciones de proporciones objetivamente
perfectas.
TEORIA DEL ARTE DE LEON BATTISTA ALBERTI :
Es una de las figuras más importantes del Renacimiento de la teoría del arte y
además durante muchos siglos más. Nace en 1404 y muere en 1472, por lo que vive
prácticamente todo el siglo completo del primer Renacimiento. Fue pintor, escultor y
arquitecto. Hijo de una poderosa familia florentina exiliada, por lo que nació en
Génova aunque siempre se consideró florentino de espíritu.
Por su actividad intelectual y artística suele ser el humanista del Renacimiento
por antonomasia, uno de los más influyentes arquitectos; sus obras modelo como el
Palacio
De los Rucelai realizado entre 1446 y 1451, la fachada de la Iglesia florentina de
Santa. María Novella ó las Iglesias de Rimini y Mantua. Todas estas forman parte de
las edificaciones que decidieron sobre las formas del estilo renacentista.
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A pesar de todas estas aportaciones su aportación mayor fue en sus estudios
sobre la Teoría del arte, mientras que artistas de su tiempo aprendían el oficio en
talleres, él cursó estudios universitarios. Su interés por la arquitectura le vino tarde por
lo que hizo bastantes diseños arquitectónicos de cuya ejecución se ocupaban otros,
pero su tratado demuestra que conocía a la perfección los problemas prácticos del arte
de construir.
De entre sus grandes trabajos dedicados al arte, el primero fue el tratado “De
Pittura , de 1435, el segundo “De re Aedificatoria”, dedicado a la arquitectura, dividido
en 10 libros, escrito entre 1450 y 1452. Finalmente, el tercero, el de escultura “De
statua”, menos extenso que los dos anteriores.
El primero, el cual dedicó a Brunelleschi, dice: “Al comparar las artes y las letras
de los antiguos (Roma y Grecia) y modernos, pensaba que la naturaleza de esas artes
estaba agotada”. Compara que lo que se hace en Italia supera, según él, todo lo que
se conocía de los artistas antiguos. En éste tratado elogia a todos los artistas de este
primer momento y además dice que ningún pintor puede pintar bien sin un
conocimiento de la geometría:
-
Entendimiento científico de lo que ve.
-
Conocimientos geométricos que le permiten representar correctamente . (Alberti
está hablando de la pirámide visual).
Hay por tanto un salto enorme en la Teoría del Arte. Además no tiene
precedentes ya que los trabajos anteriores dedicados a éste arte trataban de
cuestiones técnicas y no de reflexiones estéticas, como Cennino Cennini en su
pequeño libro.
El primer texto de la Historia con reflexión estética fue el de Alberti, que fue el
primero en darse cuenta que la pintura debía de ser rescatada del lugar que tenía
reservado en las artes mecánicas en el sistema aristotélico medieval. Como humanista
creía en la supremacía de la mente y quiso demostrar que la pintura era una actividad
mental y no manual. En cuanto a pintura y su función dice que la función principal de la
pintura es la imitación de la Naturaleza, pero el pintor tiene el deber de que su obra
sea tan bella como precisa. Pero esta belleza no procede de una imitación exacta y
pone el ejemplo de Demetrio y dice de él : “No obtuvo las más altas alabanzas porque
se preocupó más de representar el parecido que de alcanzar la belleza”.
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La idealización de la naturaleza; lo importante no es copiar la naturaleza, el artista
nunca la copia sino que va a crear arte. Hay que imitar a la naturaleza, pero no
buscando demasiado el parecido. Una demasiada aproximación al parecido deja de
ser una apro-ximación a la naturaleza. Hay que tomar de la naturaleza lo más bello
para al final crear algo que es más bello porque no está en la naturaleza. El arte no
está en la naturaleza.
También Alberti habla en su tratado sobre el abandono del artista de la
concepción simbólica y decorativa del color de la EM (sigue la línea de Giotto). Trata el
color como algo idéntico a la recepción de la luz. Luz igual a color ----concepción
naturalista del color; Alberti es también inflexible con quienes utilizan el oro en sus
composiciones, no admite el oro en las obras. El oro es un concepto totalmente
medieval.
Alberti, por ser de la primera mitad del Cuatrocento conocía muy bien la
antigüedad pero más la romana que la griega. Realiza excavaciones arqueológicas en
Roma (enton- ces muy de moda) y sugiere temas mitológicos y de la historia antigua
(que entonces no estaban de moda). En su tratado de arquitectura abundan las
anécdotas e historias sobre como construían los antiguos. Conocía muy bien a
Quintiliano y a Cicerón.
Era también admirador de la retórica y poética romanas, asumiendo conceptos que
llevaría a la arquitectura y pintura como son la invención y la composición. El
personaje de la antigüedad en el que se inspiró fue Vitruvio, gran seguidor pero al
mismo tiempo independiente. Las ideas de Alberti respecto a las artes están
relacionadas con su posición filosófica.
Su visión del mundo era la de los humanistas de la segunda mitad del s.XV. En
arquitectura elimina los últimos vestigios el gótico y comienza a utilizar los órdenes
clásicos siendo más respetuoso que Brunelleschi. En el Palacio de Ruccelai supo
adaptarlos con el fin de ponerlos al servicio de una fachada de más de un piso,
método que se generalizaría:
-
Orden Dórico ----- primer piso
-
Orden Jónico ----- segundo piso
-
Orden Corintio --- tercer piso
41
La Iglesia de San Sebastián de Mantua es uno de los más importantes edificios de
planta centralizada y la de San Andrés, también en Mantua fue la disposición más
lúcida espacialmente de una Iglesia en planta de cruz latina. Esta planta de cruz latina
domina-ría el diseño de las iglesias durante varios siglos.
La opinión de Alberti sobre arquitectura en el prefacio de su libro “De re Aedificatoria”, que dice “Llamaré arquitecto a aquél que con una razón y una pauta maravillosa y
precisa sabe: primero, dividir las cosas con su espíritu e inteligencia y segundo, como
reunir con justeza a lo largo del trabajo de construcción todos aquellos materiales que
los movimientos de los pesos, la reunión y amontonamiento de los cuerpos, pueden
servir con eficacia y dignidad a las necesidades del hombre. El conocimiento de ésta
tarea necesitará del saber más escondido y refinado”. Alberti dice que hay dos tipos de
edificios, los públicos y los de las clases altas y dice que ambos tienen que tener la
misma dignidad, aunque la decoración pueda variar.
Alberti aportó al estudio del arte las alusiones relativas a éste, que aparece el
Platón, Aristóteles, Plutarco, Luciano, Quintiliano y sobre todo Plinio. Alberti aunque se
siente orgulloso de sus conocimientos de la cultura clásica, reconoce el carácter
superficial y fragmentario de la crítica de arte antigua y hace hincapié en la experiencia
directa (visi- tar talleres para observar la realización de las obras en directo). No sólo
se tiene que ser científico sino que también se tienen que tener conocimientos directos
(teórico-práctico)
También Alberti inventó una cámara oscura de la cual Basari (que escribió “Las
vidas” sobre artistas) dijo que era importante y se la toma como referencia
posteriormen te a Alberti, y aunque no le tuvo simpatía dijo que esa invento era tan
importante como la imprenta y se adelantó más de cien años a la cámara oscura de
Della Porta.
También escribió un tratado sobre la familia, que nos ayuda a entender el clima
moral en que estaban inmersos los artistas de su época. Alberti creía
apasionadamente en la grandeza del hombre y en la supremacía de los valores
humanos, era un gran humanista. Defendía a ultranza la perseverancia y la disciplina,
la vida familiar y los afectos fundamentales de los que depende una sociedad sana.
42
-Concepto de arte para Alberti:
La pluralidad es la belleza, pero el medio para conseguirla es la imitación de la
Naturaleza. Pero ¿Cuál es la relación Arte y Naturaleza? El arte es la imitación de la
naturaleza pero más que de su aspecto,de las leyes que la rigen. Los conceptos de
arte conducen a dos conclusiones:
-
Gracias a la posibilidad de elegir el arte no puede estar nunca por encima de la
naturaleza.
-
La imitación de ésta no es pasiva, más que copiar significa representar las cosas.
EL RENACIMIENTO
A partir del s.XV comienza una etapa de la Historia de Europa que se llamaría
más tarde Renacimiento por los historiadores, quienes deciden que en el s.XV hay un
cambio, una etapa diferente a la anterior y por eso hay que darle otro nombre, por una
serie de razones :
Existe una secularización de la vida y de la cultura donde se empieza a abandonar
el mundo trascendente y aflora un interés y preocupación por los asuntos temporales,
Pero esto no significa que la Sociedad se volviera de golpe atea ó pagana. En la EM la
única preocupación del hombre es la vida trascendente y la razón humana no puede
estar fuera de la razón religiosa. El hombre no se plantea una sociedad diferente a
esa, es la única preocupación. Pero en el s.XV el hombre siente otras preocupaciones
que irían parejas con ésta, por lo que no la anulan ó la sustituyen.
El hombre sigue siendo religioso. Se busca la unificación de la razón humana con
la religión. El hombre busca las cosas alrededor de la razón. ¿Esto donde se da?. Se
da en la península italiana. Es Italia la que se sobrepone a los demás países europeos
gracias a su arte y refinamiento de sus formas de vida, creando una cultura nueva
totalmente y de muy alto nivel. Además Italia rompe (aunque ya lo había hecho con
Giotto) con la tradición medieval, resucitando otras más antiguas, como la tradición
clásica, a la que devolvió vida y actualidad.
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Situación económica de Italia ----- El florecimiento artístico no tiene nada que ver
con el florecimiento económico. Hay una crisis económica debida a las guerras que
estaban siempre enfrentándose y por otra parte a las pestes que asolan a la
península. Entonces ¿Por qué hay un florecimiento artístico si no hay uno económico?
Porque la mano de obra es baja por las pestes y las guerras producen una economía
baja (precios caros). Sin embargo la gente que tiene dinero compra arte, cultura (libros
miniados escultura, pintura, arquitectura) y por ello no invierten en tierras (no es
rentable).
En cuanto a la filosofía del Renacimiento se asumieron el platonismo y
aristotelismo (los dos sistemas antiguos de filosofía). El primero tomado en su visión
neoplatónica y el segundo en su visión árabe. Ambos llegaron al Renacimiento
transformados por el medievo y su espíritu latino. El Neoplatonismo fue el lema de los
humanistas del s.XV pero en el s.XVI los filósofos y los estetas sobre todo, se
declararon partidarios del aristotelismo.
Dentro de esta filosofía hay que hablar de Marsilo Ficino, que fue el encargado de
dirigir la Academia Neoplatónica. Encargada por los Medici en1459. La Academia fue
un Centro de investigación, no estaba vinculada con las universidades, ya que incluso
las criticaba su estilo medieval, su mal latín y su averroísmo anticlásico.
Ficcino nació en 1433 y murió en 1499. Además de a Platón tradujo a Plotino y a
Dionisio Aeropagita, llegando a la conclusión de que estos pensadores habían perfeccionado la doctrina platónica. Ficino hizo del neoclasicismo una corriente
importantísima evitando que se quedara en un platonismo clásico y así tenemos que
decir que Ficino fue más helenista que griego, más especulativo que racional y al
menos tan religioso como filosófico.
El platonismo de Ficino
1) La belleza tiene su fuente en la proporción de las partes, pero también con el
esplendor de la totalidad.
2) La belleza incluso de los cuerpos es siempre espiritual y también es espiritual
la belleza de la idea que se revela en la materia.
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3) El hombre reconoce la belleza gracias a la idea de lo bello que le es innata. Asi
como gracias al hombre que por ella siente.
4) La poesía al igual que algunas artes como la música ó la pintura es un fruto del
éxtasis divino, siendo su rasgo distintivo, la inspiración y no la imitación.
(Estética del arte igual a concepto de belleza).
Diferencias entre Alberti y Ficino:
1) Aspectos diferentes: Para Alberti la belleza reside sólo en la proporción y
disposición de las partes, es decir, en la armonía.
2) Conocemos la belleza mediante la simple percepción y reflexión.
3)
La belleza es una cualidad del mundo material tanto en la estética de uno
como de otro, el problema en lo bello, en naturaleza y en el arte, figura en
primer plano, posición que no había tenido nunca ni en la antigüedad ni en la
EM. No hay ningún punto de convergencia, la estética de Ficino y el arte
florentino ó el contemporáneo. La estética y el arte eran, en éste caso,
completamente independientes. Sin embargo, se produjo una independencia
inversa bajo la influencia de la Academia, empezaron a llegar a los talleres de
los artistas florentinos las ideas neoplatónicas que tuvieron su resonancia en la
concepción del arte y en cierto grado influyeron en la creación de los artistas
Las actividades de la Academia florentina cesaron en Lorenzo de Medici el
Magnífico en 1492 y la posterior en Florencia en 1494, pero sobre todo
con la muerte de Ficcino en 1499, terminaría la Academia. Hacia 1.500 más ó menos
seguía habiendo platónicos (escritores y humanistas en Florencia). De 1525 a 1529 se
reanudaron las actividades de la Academia neoplatónica, pero nunca volvió a ser lo
mismo.. En 1541 la nueva Academia florentina llegó a su altura.
Análisis de la Virgen de las Rocas:
Leonardo da Vinci, 1483-1485/6. Está en el Museo del Louvre de París. Oleo
sobre tabla trasladada a lienzo. 1,98 x 1,23 m. Encargo de la Cofradía de la
45
Inmaculada Concepción de S. Francisco el Grande de Milán. Hay dos líneas de
investigación :
-Cuando Leonardo se va de Florencia, se lleva con él éste cuadro y cuando le
hacen el encargo el cuadro ya estaba pintado. Una vez en Milán, Leonardo recibe el
encargo de la Cofradía para el hueco en donde iba a ser colocado y tenía
exactamente las mismas medidas (Escribe carta a Moro Esforza).
-Pero Leonardo, en este primera etapa en Florencia no parece que sea
probable que pudiera pintar una obra de esas características, lo normal es que se le
encargara el cuadro en Milán. Fue ayudado por Miguel Angel y por los Hermanos
Predis (decoración de la madera). El central del tríptico era la figura de la Virgen.
Leonardo tuvo muchos problemas con la Cofradía, 15 años después del trabajo pedía
todavía el dinero a ésta. Y no se sabe bien si la Cofradía acabó vendiendo el cuadro al
Rey de Francia o si Leonardo se traslada a Francia llevándose el cuadro con él, lo que
está claro es que llegó a Francia puesto que hoy día está en el Louvre.
Plano de Expresión :
Cuatro figuras en el umbral de una gruta en el fondo. La gruta es casi una cripta
natural en donde aparecen una serie de elementos que hacen que el fondo no sea
oscuro por sus aberturas, no cubierto por arriba, viéndose el cielo. (Cripta : Lugar
subterráneo para enterrar a los muertos).
La figura principal en el centro de la composición está claro por las dos diagonales:
Virgen formando un triángulo(Clarísimo respecto a las figuras de la dcha e izda).
Composición a base de triángulos. Todos están cerca de un estanque de aguas
cristalinas, con elementos vegetales también en primer plano. A la izda. un niño,
S.Juan Bautista, arrodillado, con una pierna y manos en oración. A la dcha hay un niño
que está bendiciendo a S.Juan, y es Jesús. Nunca ningún S. Juan puede bendecir a
Jesús por lo que está claro quien es cada cual, aunque haya autores que lo
consideren porque S Juan no lleva cruz. Este cuadro es uno de los más importantes
de la historia del arte.
S.Juan es la humanidad y la Virgen lo protege con la mano y su manto se abre
para cobijarlo: hace de madre protectora y el niño está bendiciendo a la humanidad. A
la dcha hay un ángel, cuyas alas no parecen alas, con una mano sobre la cabeza del
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niño señalándolo y por encima suya la mano de la Virgen también en forma de cobijo.
El ángel es una figura ambigua, no mira al espectador, ni a la Virgen ni a los niños,
sino a un sitio ajeno, con una sonrisa extraña, que es el enigma del gusto de Leonardo
igual que en la Gioconda.
A parte de la forma piramidal, también S.Juan el niño y el ángel forman una
pirámide. Individualmente las figuras son triangulares y la composición total también lo
es. Idea de la Virgen como cúpula que representa la Iglesia. Se le asocia a la cúpula ó
a la columna de la Iglesia. Es el punto más alto de la composición y de ella además,
irradia la luz, el fondo sólo ilumina al fondo, no a las figuras, por lo que la luz debe de
emanar de ellas, ya que éstas son figuras religiosas, pero la que más emana luz es la
Virgen.
El dibujo es muy fino, el de Botticelli que es muy grueso no tiene nada que ver con
el de Leonardo, Botticelli lo tomó del mundo clásico. Leonardo se sale sobre lo que
está pintando en esos momentos. Leonardo juega con el realismo --- las plantas, se
aprecia el estudio minucioso de lo que es la hoja, la corola , los pétalos, la naturaleza
es minuciosa. Leonardo hace primero un estudio anatómico de un niño pequeño, de
los hoyuelos, de la piel que se arruga. Idealización del rostro de la Virgen. Por una
parte lo estrictamente minucioso con idealización, pero no contrastes bruscos sino que
se complementan produciendo una gran belleza.
Claroscuros muy fuertes en los cuerpos de los niños. Leonardo muestra una gran
preocupación por el cuerpo humano y las diferentes etapas del hombre y sus
posiciones (de ahí su obra : “Proporciones del cuerpo humano”). Disecciona incluso
cadáveres, estudio de la piel y su tersura, distingue la piel ya adulta de la Virgen y el
ángel y el frescor de la de los niños.
También Leonardo tuvo como neoplatónico (él no quería serlo pero lo fue)tuvo una
gran preocupación en la gruta platónica. También nos habla aquí de la geología: etapa
geológica donde todo parecía un caos antes de la humanidad, y en la obra en la parte
de arriba nos dijera el autor que esto es lo anterior a Cristo, que existe aún el caos
porque no ha llegado Dios y abajo es la humanidad (pero esto no lo podemos saber
seguro si es lo que Leonardo quiso representar).
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Perspectiva aérea de Leonardo
Es la medida de las distancias en profundidad según la densidad y el color de la
atmósfera que se interpone. Los objetos del cuadro están de tal modo colocados que
aparecen envueltos, velados y difuminados
Título : La Primavera
Autor : Sandro Botticelli
Ubicación : Galería de los Uffizi (Florencia)
Estilo :Cuattrocento Italiano.
Técnica :Temple sobre lienzo (2,03 x 2,78 cm)
Fecha : 1480 – 1481.
Plano de expresión:
Cuando sólo era éste un adolescente de 15 años El cuadro procede de la Villa di
Castelio, de la que era propietario Lorenzo de Pierfrancesco, mecenas de Botticelli. La
Villa fue adquirida por y para Lorenzo en 1478. Desde hace mucho tiempo se insinúa
que éste cuadro fue encargado para decorar la Villa.
Se trata de una composición figurativa y de tipo mitológico en la que aparecen
nueve figuras distribuidas en tres grupos. La escena se desarrolla en un paisaje idílico
a modo de bosque.
En el centro de la obra está situada la figura principal ,Venus, diosa del amor y de
la belleza, colocada en contraposto, con una expresión en el rostro, mezcla de
serenidad y melancolía, que se ve acentuada por la postura tan cuidada y elegante de
su cuerpo ; en los hermosos rasgos de Venus ha sido posible vislumbrar toda la gama
de emociones, de la tristeza a la alegría. El gesto se realiza con la mano derecha, ha
sido interpretado de formas diversas por parte de los historiadores del arte, unos
opinan que esa forma da la bienvenida a la Primavera, otros que con la mano marca el
ritmo de la danza de las Tres Gracias. Sobre la Diosa aparece Cupido a punto de
lanzar una flecha cuya punta está ardiendo. Se ha hablado de que pudiera tratarse no
de una flecha sino de una antorcha.
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A la derecha de la figura principal encontramos cuatro personajes. En círculo y
unidas por las manos aparecen las Tres Gracias, envueltas en unos vestidos
trasparentes y entregadas a una danza. Estas tres mujeres, según dijo Alberti,
tomando como fuente a Séneca, representan la generosidad, una de las hermanas da,
la otra recibe y la tercera rinde beneficios. Warburg llama la atención sobre las
medallas que portan las Tres Gracias. Junto a las Tres Gracias encontramos a
Mercurio vestido con la “chlamys ephebica” colocada sobre el hombro derecho y el
casco sobre la cabeza. El gesto que Mercurio hace de levantar la mano ha dado lugar,
al igual que el que realiza Venus, a numerosas interpretaciones, unos dicen que
contemplan las naranjas, otros que esparce las nubes y según Supino, alza el caduceo
para anunciar la llegada de Venus.
Finalmente, el último grupo está formado por Flora, Cloris y Cefiro. Las dos figuras
femeninas representan la metamorfosis de Cloris en Flora o la metamorfosis de Flora
en la Primavera, mientras que Céfiro, el travieso viento, juega con el delgado velo de
seda que cubre el cuerpo de la hermosa doncella que representa a Cloris.
Todas las figuras muestran una belleza idealizada, figuras que penden en el aire,
las adelgaza y alarga para que la bella forma del cuerpo no tenga otra comparación
que la luminosidad del cielo. Hay un gran peso interior en los rostros de los
personajes, que hacen entrever un diálogo entre ellos, que también paren
sorprendidos ante u87n espectáculo secreto del que el espectador ignora todo.
Hay una clara tridimensionalidad, el espacio se presenta mediante la perspectiva
lineal, la figura de Venus es el claro punto de fuga, en donde confluyen todas las
líneas de la composición, que muestra una perfecta simetría puesto que las figuras se
disponen en torno a un eje central.
La luz es natural aunque ésta ilumina especialmente la piel de las figuras. La
paleta de colores es amplia, predominando los colores suaves, aunque el tono rojo
destaca por su gran luminosidad, haciendo que los personajes que lo llevan (Venus y
Mercurio) resalten frente a los demás. La línea es gruesa y ondulante.
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Plano de contenido
Gracias a las cartas de Marcilio Ficino, pensador, humanista y gran promotor del
Neoplatonismo en Florencia, escribió a Lorenzo de Pierfrancesco, mecenas de
Botticelli. Conocemos el amplio significado que la figura de Venus tenía durante el
Renacimiento, y por tanto para el pintor ; Venus representa la Humanitas, que a su vez
abarca el Amor y la Caridad, la Dignidad y la Magnanimidad, la Libertad y la
Magnificencia, la Genti-leza y la Modestia, el Encanto y el Esplendor. Así como una
gran influencia del Neoplatonismo en Botticelli.
Basari llamó al cuadro “Venus a quien las Gracias engalanan de flores, que representa a la Primavera”. Esto ha llevado a los estudiosos a indagar en la literatura
clásica. Warburg entresaca pasajes de las “stanza” de Poliziano, cuya atmósfera e
imaginación recordaba a la Primavera.
Gambrich hace una alusión muy importante a la obra de Apuleyo “el asno de oro”,
en el que aparece narrado el Juicio de París y en él encontramos narrada la idea de
una Venus situada en el centro de las Gracias danzando y las Horas esparciendo
pétalos de la Primavera, alude también a la antorcha que Cupido porta en lugar de la
flecha, el gesto de Mercurio indica, según Apuleyo, que Júpiter le ha invitado a la
boda, gesto que le origina apuntar al cielo. En el cuadro encontramos un carácter muy
humanista, separa los sentidos, situados a la derecha, de los valores espirituales, a la
izquierda. También encontramos una clara simbología, el árbol que Venus tiene
detrás, es un mirto, árbol relacionado con ésta Diosa.
Jacobson cree que el cuadro representa el misterio relacionado con la muerte
de Simonetta Vespuci. Wölfflin dice de “la Primavera” : “Su belleza tiene algo
angustioso y cuando sonríe se trata sólo de un guiño fugaz. Que poca alegría se
advierte en la danza de las Gracias, en la Primavera y qué cuerpos estos. La
elegancia se manifiesta en la representación de las hierbas y las flores, de los tejidos
trasparentes, en los que llega a rozar lo fantástico.
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Título: “El Nacimiento de Venus”
Autor: Botticelli.
Ubicación: Galería de los Uffizi (Florencia)
Estilo: Cuattrocento Italiano.
Técnica : Temple sobre hierro (172,5 x 278,5 cm)
Fecha: Entre 1484 y 1486.
Plano de expresión:
En el centro de la composición aparece Venus saliendo del mar desde una bulba.
Venus se tapa con sus manos los pechos y con su cabello el pubis. A la izquierda hay
dos personajes aislados que se abrazan mientras se dirigen al centro, el hombre es
Céfiro que raptó a Cloris. A la derecha aparece una Hora, que forma parte del séquito
de Venus, junto a las Tres Gracias. Se trata del espíritu que encarna las Estaciones.
Su túnica está bordada de Aciaros (flores azules) que son las primeras flores que
salen en Primavera.
Utiliza pocas sombras y poco volumen entre las figuras. Se trata de una
composición en triángulo. Venus y la Hora tienen un pie levantado por lo que se ve
que el movimiento va hacia la derecha. La línea del dibujo es ancha y curva. Venus
tiene brazos y piernas largas. Detallismo en las manos y uñas. Pómulos pronunciados
y nariz afilada. Mirada perdida. El desnudo (rudo) se dulcifica con los cabellos. Uno de
los rectos que se encuentran en ésta figura es el cuello, que es demasiado largo y
también la forma del brazo de Venus con que se tapa sus pechos.
Predominio de colores marmóreos en la escena, blanco de la piel de Venus, tonos
rosáceos de Céfiro y colores azules del mar y del cielo. La figura de Venus da la
blancura al cuadro, en contraste con los demás colores, es un color vibrante y denso.
Riqueza de color. Aparece un color dorado en el tronco de los árboles.
Profundidad : En el primer plano aparece la figura de la Hora que da
profundidad al colocar detrás los árboles y las ensenadas. En cuanto al fondo del
cuadro, se utiliza por cada dos partes de mar una de cielo. El horizonte parece
elevado, lo que provoca una sensación de profundidad.
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Luz: Se trata de una luz no natural que surge con la llegada de Venus a la
costa. Es la propia Venus la que aporta luz al cuadro.
Plano de contenido
Las rosas representan el amor y sus espinas el dolor que puede causar. En la
vestimenta de la Hora hay representadas “anémonas azules”, que, junto con los
árboles que poseen flores blancas, indican que estamos en Primavera. También
aparece la flor de mirto en el cuello de la figura de la derecha, que es un árbol
mediterráneo de hoja perenne, como el amor, que crece muy poco y necesita muchos
cuidados. No tiene flor.
No es un cuadro mitológico sino un concepto neoplatónico, Venus representa la
idea de la Humanitas, mezcla de belleza física y espiritual. Se trata de unir la belleza
del nacimiento de un a diosa que se convierte en un a idea religiosa
(Bien/Bellez/Bondad).
Clonis y Céfiro se representan como ángeles. Venus simboliza a Cristo, la concha
simboliza al bautismo y la Hora es el símbolo de S. Juan Bautista. Se quiere
representar el concepto de que igual que el hombre renace con el bautismo la belleza
clásica renace con la belleza del nacimiento de Venus. Se asocia el mundo clásico con
el cristiano a través de las figuras representadas.
Color : marmóreo que se hace más blanco con la piel de la diosa . Difumina
gamas: tonos rosáceos y azules, verdosos del mar y del cielo. La figura de Venus es la
que da esa blancura al cuadro, que contrasta con los demás colores. También el
dorado en los árboles, en sus troncos, que también contrasta.
Profundidad : Hay diversos elementos, por ejemplo los juncos del primer plano
con la figura de la Hora en primer plano, y detrás de los árboles en que dan esa
profundidad, por cada dos partes de mas se utiliza una de cielo. El horizonte elevado
también da sensación de profundidad. En el agua se pueden ver “V” chiquititas.
Luz : No es natural, llega con la llegada de Venus a la costa, que es lo que da
la luz en su concha y esto lo utiliza Botticelli para dar la temática del cuadro.
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Elementos simbólicos : Principalmente las flores, las rosas , que son la flor
consagrada a la diosas Venus porque representa con su olor la dulzura del amor y con
sus espinas el dolor. Representa al amos también una anémona azul en la vestimenta
de la Hora, porque estamos en Primavera, que viene repre4sentada por la Hora. Los
árboles en flor blanca también dicen que es Primavera. Árbol consagrada a Venus es
el mirto ó arrallan; Árbol de hoja perenne como el amor que siempre tarda en crecer y
no tiene flores pero si unas cositas blancas que están siemprevivas. La Hora es la
figura que representa la Primavera.
Interpretación:
Ficino escribe una carta del “Nacimiento de Venus”. Concepto
neopla-tónico del cuadro. No es un cuadro mitológico. Representa la idea de los
humanistas : mezcla de belleza espiritual y física. Aquí también unir la belleza del
nacimiento de una diosa, que va más allá, trasciende y se convierte en una idea casi
religiosa. Venus es la idea de la belleza y de la bondad .Además aquí se asocia como
lo que se representa está relacionado con el mundo religioso del bautismo porque los
dos bustos están representa-dos como ángeles con hadas. Venus es la figura del
bautismo con el símbolo de la concha y Venus representa a Cristo. La Hora se asocia
con la figura de S. Juan Bautista, concepto que igual que el hombre renace con el
bautismo. La belleza clásica renace con la representación de Venus. Venus renace en
el Renacimiento pero se asocia al renacer del SH cuando es bautizado. Renace al
mundo cristiano. Trasciende idea religiosa para convertirse en idea religiosa tipo
platónica.
Palas y el Centauro ó Minerva y el Centauro
Autor. Botticelli.
Ubicación : Galería de los Uffizi (Florencia)
Estilo : Quattrocento. (Renacimiento Italiano).
Técnica : Óleo sobre tabla. (207 x 148 cm).
Tras su regreso a Roma, Botticelli realiza escenas en donde destacan “el
Nacimiento de Venus” y “Venus y Marte”, en los que hace interpretación de ideas
neoplatónicas (Feccini y Mirándolo).
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Plano de expresión :
Construcción arquitectónica (elemento rocoso) que no se sabe si es un muro ó la
parte de debajo de un edificio. Palas a la derecha y a la izquierda el Centauro. Espacio
entre ellos y al fondo un paisaje idílico, grato. Se observa la profundidad en ése
paisaje por el tamaño del barco, de la montaña, etc. Los personajes están en forma
triangular de Minerva que corresponde al canon de belleza de la época : cabello largo
y rubio, estilizada, propia de Botticelli.
Dominio de la diosa sobre el Centauro suave y al que le agarra por el pelo. Vestimenta transparente, propia del autor. También vemos una alabarda que es el arma de
los centinelas, una especie de detención de la diosa al centauro, es una alabarda
florentina.
Además, ramas de olivo rodeando el cuerpo y la cabeza, símbolo de paz. La luz
hace que las figuras sean monumentales y la minuciosidad de los detalles es exquisita
porque parece que loas figuras están un poco en relieve y los personajes en
movimiento en menos medida que en otras obras, pero en movimiento (ver la
ondulación del pelo y vestimentas, el gesto del brazo del centauro y sobre todo los
pies, que están un poco flotando.
El trazo del dibujo es grueso y predomina la línea curva. Claroscuro para dar
volu-men a los cuadros. Líneas Verticales: en la construcción arquitectónica, la diosa ,
la alabarda, etc. Horizontales: lomo del centauro, estratos de la estructura montañosa,
valle de la derecha y el fondo, la ensenada difuminada y Diagonales: Los ojos de
Minerva y el Centauro, las patas , el arco, la cinta roja, etc.
Los contrastes : Parte oscura de la parte del centauro, el lomo, y la parte verde
de la capa de Minerva, que contrasta con la palidez de la diosa y los cuerpos.
Contenido: Es una alegoría moral. En principio se pensó que se trataba de
una alegoría política, pero luego se vio que no. Se pensó porque el vestido de Minerva
tiene el escudo de los Medici (tres anillos enlazados) y que están como enfrentándose.
Lucha : La Familia Pazzi y los Medici que hubieran vencido. El Centauro
representaría a los Pazzi. Pero no puede ser una alegoría política porque si hubiera
sido así, la obra se hubiera expuesto en un lugar de exposición en donde la viera todo
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el público ,y en cambio estos cuadros eran para la casa privada de Lorenzo
Pierfrancesco (mecenas de Botticelli).
Es una alegoría moral : Situación humana (lo animal ó terrenal) y la divina (lucha
del alma en el Centauro). La parte animal de su cuerpo está regida por los instintos y
el dorso de Minerva la separa del animal y le liga a Dios.
Ficino también afirma que el alma siempre encuentra el descanso en Dios, no en
lo terrenal. Nuestra razón siempre apunta a algo más divino porque sabe que existe y
por eso no se conforma con lo terrenal. Sólo la inmortalidad del alma da sentido a
nuestros afanes en la tierra mientras que habita en el cuerpo no puede alcanzarse la
felicidad a la que está destinada. No es como la representación de Ficino, pero si
guarda muchos puntos en común con él.
El Centauro es la lucha del hombre como animal y racional. El arco y las flechas
representan la fuerza bruta. Habita en lo más profundo del valle, que no deja de ser
terrenal y no comparable a lo terrenal. La diosa, con un gesto de bondad, parece que
lo encauza por el buen camino. El Centauro no es grotesco, aire místico como si
Botticelli se basara en los rostros de los santos orantes. Comparan al Centauro con S.
Juan Bautista. Es un gesto que no representa al pecado ni a la maldad. Sí dolor, pero
místico, no físico. Lucha de esa parte humana con la otra y de ahí el dolor del
Centauro que no se resiste a la Diosa, ella le toma de los cabellos amablemente.
Botticelli representa el triunfo del intelecto sobre las pasiones, Minerva
representa el alma, lo más puro del estrato superior. Es la diosa de la Sabiduría y de la
Guerra justa (por eso lleva alabarda, que es florentina por su forma curva) (Minerva
sale de la cabeza de Zeus de un hachazo).
El Centauro está colocado más abajo que Palas, pies de Minerva más altos y un
hoyo en donde está sumergido el Centauro, por debajo, en la caverna, como dice
Ficino que el espacio es natural, en donde está Palas.
La Calumnia.
Autor : Botticelli.
Ubicación : Galería de los Uffizi. (Florencia)
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Estilo : Quattrocento Italiano.
Técnica : Temple sobre tabla (62 x 91 cm
Año : 1495.
Es un espacio interior abierto por unos arcos. Recoge las tres artes : pintura,
escultura y arquitectura. Gran profundidad por las líneas perpendiculares, estructura
arquitectónica. Agrupación de personajes en el fondo verde. La mayor parte de las
figuras están agrupadas a la derecha del cuadro y sólo hay dos a la izquierda.
Hay una figura sentada en un trono, que es el centro de atención, rodeado de
varias figuras. Escena muy expresiva. Botticelli hace un estudio de cada personaje,
gestos y miradas. Cuadro con el que comienza a buscar más la perfección de los
rostros (es uno de los mejores intérpretes del alma humana). Escena llena de
movimientos, incluso posiciones forzadas. Aire teatral y de interpretación en los
personajes, los cuales tienen cierta melancolía.
Copiosa en fondos arquitectónicos (Montegna). Gran belleza con arcos de medio
punto, muy realistas las esculturas que aparecen en las tablas. Riqueza de colorido :
Contraposición de mujer desnuda con una figura de negro. Colores como rojo, verde,
luego más oscuros. Hay una sinfonía de colores porque es Primavera, la alfombra
también en rojo y el azul claro del cielo.
Plano del contenido:
El del trono es el Rey Midas. Es una representación de un a alegoría que ha
tenido muchas interpretaciones. Descripción de Luciano de un cuadro de Apeles.
Así,Botticelli se inspiró en una descripción que hace Luciano de algo que hizo Apeles,
que era un pintor dela antigüedad. El Rey Midas aparece con las orejas de asno --- la
ignorancia y la sospecha a la vez que tiende la mano a la envidia (la de oscuro),
introductora del engaño, la traición y otros consejeros de la calumnia (que es la de
azul), acompañada ésta de la insidia y el fraude, que están acicalándose la cabeza. La
calumnia lleva en la mano una antorcha encendida y con la otra arrastra de los pelos
al calumniante.
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La negra es la penitencia y la desnuda la verdad. La verdad aparece como una
mujer joven, desnuda, hermosa, cabello largo, esplendorosa. A su derecha, la
penitencia en total contraposición, es una señora anciana, encorvada, con traje negro.
Los relieves son de gran riqueza expresiva y decorativa . Todos están
identificados, por ejemplo la centauromaquia , Judith con la cabeza de Olofernes a la
derecha, David, S.Pablo, S.Jorge, con un toro o la historia de Nastagio Degli Onesti,
que son tres de estas historias que están en el museo del Prado. Se la encargó para
decorar un arcón de bodas para alguna novia (Las grandes familias con dinero lo
hacían, decoraban arcones con pinturas). De éste arcón tenemos tres tablas, nos
faltaría la última.
Apeles de Cos (isla griega) que calumniado por otro pintor que quería hacerle
mal delante de su mecenas, Ptolomeo IV. Cuando se descubrió que era una injusticia,
Apeles pintó un cuadro que tituló la calumnia, más o menos con esas figuras. Pero
solo tenemos referencias históricas de éste cuadro. Luciano dice que lo que Apeles
represen-ta más o menos la figura de la calumnia parece que tendría la cara dela
Gorgona, sin embargo Botticelli la dibuja, figura de atracción de la belleza, con un
gesto de maldad interior.
Botticelli hizo el cuadro : Bien por encargo del banquero Segni, bien lo regala por
amistad y lo hizo por descargo de algunas calumnias dichas contra él ó bien lo pinta
porque Alberti dice que hay que pintar cuadros mitológicos.
Título : El Diluvio Un iversal
Autor : Miguel Ángel Buonarroti.
Ubicación : Capilla Sixtina (Roma)
Estilo : Quattrocento Italiano.
Técnica : Al fresco (280 x 580 cm)
Año : 1508-1509.
En 1508, Julio II encarga a Miguel Ángel la Capilla que termina en 1512. Está en
el segundo panel por la parte de la entrada. Exalta la visión de Noé , primera escena
pintada por Miguel Ángel (falta familiaridad con técnica mural : figuras muy pequeñas y
desde el suelo no se pueden apreciar bien).
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Unión : pintura y escultura. Movimiento y contraste de partes entrantes y
salientes Destacan los gestos. Casi no se ven las líneas. Profundidad gracias a planos
paralelos, figuras menor a más distancia y separación cielo y tierra. Desgarros de
grises.
Dos diagonales que se cruzan en la barca. Hay un árbol de la vida y otro del
pecado.. El viento sopla de izquierda a derecha. La barca está semihundida porque
está sobrecargada.
Es la historia del castigo del hombre a causa del pecado. Hay una paloma sobre
el arca que es la paz entre la nueva humanidad de Noé con Dios ó bien representa al
Espíritu Santo. El hombre es creado por Dios, peca y es castigado. Se ha roto la unión
entre el hombre y el resto de la creación por la soberbia del mismo. También se
interpreta el arca como la Iglesia Cristiana (salvación a través de ella).
Título : La Embriaguez de Noé.
Autor :Miguel Ángel Buonarroti.
Ubicación: Capilla Sixtina (Roma).
Estilo : Cinquecento. Renacimiento Italiano.
Técnica : Fresco sobre pared (170 x 260 cm).
Año : 1508-1509.
Se sitúa con el resto de las figuras murales. Es la historia del génesis. En ésta
obra aparece Noé tumbado, desnudo con la jarra. Hay tres personajes más, sus hijos,
Cam de espaldas, Jafet y Sem entrelazado con Cam, quien se burla de su padre. Sem
le regaña o recrimina. Jafet intenta cubrir al padre. Noé aparece también en segundo
plano, cultivando la tierra. Es la segunda pintura realizada tras el diluvio. Simplicidad
de la escena. Figuras más amplias. Ha recortado a los personajes. Carácter humano
de la obra. Hace referencia a una cita bíblica del capítulo IV del Génesis: “Noé,
agricultor, comenzó a cultivar su viña y se embriagó...” Cam señala a su padre y
expresión de que se burla de él aunque no se le vea el rostro. Los otros no miran. Noé
cuando despierta acusa a su hijo.
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Noé cultivando significa que cultiva vid, la vid en el Antiguo Testamento es la
imagen de Israel y en el Nuevo es el símbolo de la sangre de Cristo. Imp. de la vid es
el Pueblo de Dios, por eso aparece Noé plantando vid, es el nuevo pueblo que tiene
que nacer tras el diluvio. En la desnudez de Noé está la humillación ante Cristo, el
verbo de Dios, humilla-do de estar así ante Dios. Noé es el pecador que a pesar de ser
salvado, vuelve a pecar y no puede salvarse por su parte humana.
Importancia de las figuras humanas desnudas, con gran expresión del cuerpo.
Estas parecen como estatuas, influencia de su trabajo de escultor, como una especie
de bocetos, sin demasiado aspecto pictórico, planos que suscitan al relieve,
musculosos, contras es de color. El color desmaterializa un poco la forma, también
utiliza los contrastes, unos cuerpos más claros y otros más oscuros, los mantos
azules, los colores son brillantes tirando a ácidos, rojo, naranja y verdes, todos
además mezclados con amarillos.
Miguel Ángel no se preocupa mucho por la luz ni por las perspectivas, llegando más
con el color y el contraste (la luz es color). No hay un foco determinado. Forma
ondulada de los dibujos, no recta y se ven muy bien los límites, aunque no se utiliza la
línea ancha. La expresión de la obra la concentra en las figuras, pero no en su espacio
de alrededor. La composición es armónica y desvinculada de las figuras pictóricas
tradicionales, figuras ideales.
Título : El Sacrificio de Noé
Autor : Miguel Ángel Buonarroti.
Ubicación : Capilla Sixtina (Roma).
Estilo : Cinquecento. Renacimiento Italiano.
Técnica: Fresco.
Año : 1509.
Noé tras el altar y está encuadrado, más el altar y la parte de atrás (pared).
Delante están sus hijos que están sacrificando los animales que van a ofrecer a Dios.
Las esposas también están. Se representa como Dios renueva el pacto con la
Humanidad. L imagen se representa en primer espacio arquitectónico sobre el que se
plasman las imágenes. Es como la ventana hacia el mundo bíblico. Utiliza el volumen
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de las figuras que son estáticas, parecen inmóviles (no hay grises entre los cuerpos en
ninguna parte) color rosáceo, no marmóreo, ya que esto se dijo cuando las figuras
estaban sucias. Rosados, marrones además de colores como el rojo cereza, naranja,
verde e las figuras de los tres personajes detrás del altar que son, Noé y de las
esposas, una la de Noé y los hijos. La esposa de Noé es la anciana con la cabeza
tapada, las otras tres esposas, una está con Noé, las otras dos no.
Es importante la luz que no incide desde ningún foco. Aparece en el hijo sobre el
cordero y personajes detrás del altar Las figuras grandes que rodean el cuadro son
los Ignudi, que sostienen medallones fingidos y los festones vegetales.
La composición en profundidad en varios planos (uno sobre el carnero vivo y otro
sobre el carnero muerto). En el segundo plano las figuras femeninas (portaleña, con
ofrecimiento de vísceras).En el tercero el altar y las figuras principales (Noé, mujer y
nuera). Es una composición ovalada en sí misma, los personajes concentrados en el
sacrificio a Dios no miran al público ni a nada.
Título : El Juicio Final ó Juicio Universal
Autor : Miguel Ángel Buonarroti.
Estilo : Cinqueccento. Renacimiento Italiano.
Técnica : Al fresco Ubicación : Muro del altar de la Capilla Sixtina.
Año : 1536-1541.
Parece que lo mandó pintar Clemente Vll. Supone un contraste trágico : la culpa
y la gracia.. El juicio final es la expresión de la experiencia del artista, de la filosofía del
artista. Todos son culpables. Todos pueden ser salvados. Esta obra es la
recapitulación de toda su obra precedente o bien el anticipo de sus obras posteriores
(Cambio de estilo).
Arriba vemos el mundo celestial, en el centro de la composición la figura de
Cristo, joven, en estado de desnudez, sin barba a partir de la representación de Apolo,
Júpiter. Se vuelve hacia la izquierda, el lado de los condenados, con el brazo de la
derecha, un gesto condenatorio y el izquierdo parece rechazar las súplicas.
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Mirada baja, facciones impasibles, aunque Bassari recalca la dureza de su
expresión. A su derecha, la Virgen adopta una postura acurrucada, desvía la mirada a
la derecha para no ver lo que pasa. (La misedicordia simbolizada en la Edad Media
por la azucena y la justicia por una espada saliendo de la boca). Miguel Ángel plasma
a Cristo privado de la compasión que había trasladado a su madre.
A la izquierda, San Pedro con la llave, monumentalidad de la figura, pero que no
puede interceder, y a la derecha de Cristo, San Juan Bautista, también San Bartolomé
debajo de Cristo, quien había muerto desollado, en su mano izquierda lleva una piel en
donde se plasma la cara de Miguel Ángel.
En otra parte están los diferentes mártires, Santa Catalina de Alejandría, que
murió en la rueda dentada, pero que ésta se rompió al contactar con su cuerpo y fue
decapitada. A su derecha, San Sebastián, mártir que muere asaetado, con saetas en
su mano. Otra figura que podía ser S. Blas al cual se le castigó con garfios que
desgarraron su espalda y también le decapitaron, y San Felipe.
Gesto divino el responsable de las actitudes de los personajes e imprime un velo
de rotación de todo el fresco : descenso lento de los condenados y ascenso dificultoso
de los benditos.
Según Tolray, para él también es un símil cósmico : Cristo es un sol sobre el que
gira el Universo, por lo que sobre un espacio9 finito queda representado lo infinito del
Universo.
Los lunetos, en la parte superior, son los instrumentos de la pasión de Cristo:
cruz, corona de espinas, columna de flagelación, etc. Hay grupos de genios que están
en los dos lunetos de arriba y en la parte central inferior. Los condenados son
arrastrados por diversos demonios. También la figura de un avaro tal vez, que también
figura con rostro desencajado por lo que sucede. El tercer grupo de genios y de
ángeles con trompetas, rostros mofletudos que recuerdan a los vientos como si
insuflaran almas a los cuerpos de los benditos.
Libro de la muerte en el que aparecen los condenados al castigo, y libro de la
vida con los que se salvarán. Figura de Caronte, barquero que transporta el alma de
los muertos por la laguna Astigia para ir a los Infiernos. Representado por un Sátiro
con un remo levantado y los ojos desencajados.En la parte de los benditos,
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resurrección de los muertos, en donde aparece una serpiente, un demonio, evitando el
ascenso de los que se salvarán. Barca de Caronte, Minos, Se basa Miguel Ángel en la
representación de Dante en la Divina Comedia, pero aquí es una serpiente (símbolo
de la lujuria) y no su cola como en la D. Comedia, la que lo envuelve.
En la parte de la izquierda, la figura de un gigante de pie y con la rodilla derecha
sobre la nube y una cruz a sus espaldas ayudado por un anciano. Según Tolray
también la cruz se trata de la que se levantara en el juicio final por lo que su portador
representa la justicia en correspondencia con la figura femenina : Niobe, a la derecha
que fue una reina de Tebas con mucha descendencia y que se jactó de ello. Así Zeus
la convirtió en piedra de la que brotaría agua. Niobe es la representación de la
misedicordia, en el lado de los elegidos, así como una proyección de la Virgen, que en
ésa figura clava su mirada en esa diagonal.
Conexión : condenados y benditos. El grupo que hay abajo de Cristo es esa conexión.
Miguel Ángel pone las figuras en lugares determinados. El fondo es el cielo, no
todo el espacio está cubierto de figuras, sino que loas va agrupando, igual que hizo
con el Diluvio. Técnica de características que no utiliza ningún otro pintor de su época,
por eso es un creador, un artista.
Cuadro: La Escuela de Atenas: fotocopias.
Autor : Rafael Sanzio.
Ubicación : Estancia de la Signatura (Vaticano).
Estilo : Cinquecento, Alto Renacimiento., S. XVI
Técnica : Al fresco. (7,7 0 m).
Año : 1509-1510.
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