EL TEATRO ESPAÑOL EN EL SIGLO DE ORO

El teatro español en el Siglo de Oro.
Literatura 4to año
EL TEATRO ESPAÑOL EN EL SIGLO DE ORO
En el siglo XVI, con el apogeo del poder de Carlos V y luego de
Felipe II, España afirma los caracteres de su arte y de su cultura. Luego
con los reinados de Felipe III y Felipe IV y sus validos (consejeros de los
reyes que detentaban de hecho el poder) vendrá la decadencia absoluta del
imperio, y, paradójicamente, el máximo esplendor artístico y literario con las
figuras de genios literarios como Cervantes, Lope de Vega, Quevedo,
Góngora, Calderón y pintores como Velázquez, Ribera o Murillo.
España ha logrado unirse y hacerse fuerte, y esto se ha logrado
principalmente por una cuestión religiosa e histórica: la de ir a la vanguardia
de la Europa católica ante la amenaza del Islam, y más tarde la amenaza de
la Reforma. Por esto es que su religiosidad ha tenido a veces, caracteres
crueles y sanguinarios. En ningún otro país del mundo se ha profesado la fe
católica con más ardor y a la vez con más intransigencia, hasta el fanatismo
y la crueldad.
De aquí el tema eterno del drama español: el HONOR. En el drama español,
se ha permanecido invariablemente fiel a los tres grandes ideales de la Edad
Media: Dios, el Rey y la Dama, y cuando se produce el conflicto entre ellos
no hay salida posible, surge entonces la Tragedia.
El teatro español, contradiciendo la nueva estética renacentista,
seguirá siendo medieval y popular, también en la técnica. Rechazará las
unidades aristotélicas, y seguirá usando procedimientos más libres.
Lope de Vega resume su concepción del arte, totalmente desfasada de
las preceptivas de su tiempo, en su Arte nuevo de hacer comedias, que fue
compuesto en 1609 por orden de la Academia de Madrid. Allí propone:
*Libertad técnica:
“Y cuando he de escribir una comedia/ encierro los
preceptos con seis llaves”
Esto supone un rechazo a las UNIDADES ARISTOTÉLICAS, es decir la
unidad de Acción (que plantea que el drama debe girar alrededor de una
sola acción o suceso dramático), la de Tiempo (esa acción dramática debe
transcurrir en el término ideal de veinticuatro horas), y la de Lugar (la
escena debe desarrollarse en un único espacio).
También Lope desdeña la unidad de género alegada por Horacio, según la
cual no podrían mezclarse lo trágico y lo cómico, lo noble y lo plebeyo.
*Identidad entre la vida y el arte: La poesía debe ser vida y no doctrina. Las
obras deben ser hechas para deleitar al público: “porque, como lo paga el
vulgo es justo
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hablarle en necio para darle gusto”
(la obra rica en valores humanos, parecía lenguaje “necio” para los
eruditos)
La comedia debe ser un reflejo de lo natural, por eso se da la unión de lo
trágico y lo cómico.
*Estructura externa e interna de la acción.
Explica la división en tres actos de la comedia (est. externa), enlazado con
la estructura interna, ya que el asunto de la obra debe crecer y culminar en
un punto, a partir del cual surja la solución o sea: planteo, nudo y desenlace:
“En el acto primero ponga el caso/ en el segundo enlace los sucesos/ de
suerte que hasta medio del tercero/ apenas juzgue nadie en lo que para”
Este último verso plantea la búsqueda de deleitar al espectador, creando
suspenso hasta el final.
*Verdad psicológica de los personajes
creíbles para el vulgo:
Crear personajes verosímiles,
“Si hablare el rey, imite cuanto pueda/ la gravedad real; si el vulgo hablare,/
procure una modestia sentenciosa;/ describa los amantes con efectos/ que
mueva con extremo a quien escucha...”
*Versificación: Polimetría (utilización de versos de distinta medida). Lope
aconseja adecuar el verso según el tema: décimas para las quejas, sonetos
para los monólogos, romances u octavas reales para los relatos, tercetos
para las cosas graves, redondillas para el amor.
Obviamente ni él mismo siguió estrictamente estas normas.
*Lenguaje. Propone una expresión directa y sin retorcimientos; que el
lenguaje cómico sea puro, claro y fácil. También es partidario de la frase de
doble sentido, pero comprensible para el espectador que entra así a
participar como cómplice del personaje.
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ESTILO
Predominio de la acción. El teatro de Lope se construye en torno a la intriga
(a veces doble) que acapara el interés escénico.
Tradición y costumbrismo. El poeta toma sus temas de lo popular español
(crónicas, leyendas, romances) o de su entorno, tanto sea aldeano o
ciudadano. Muchas veces la obra se construye en base a una copla o cantar
recogido oralmente por el pueblo, como en Peribáñez o El caballero de
Olmedo.
Lirismo. Toda la obra de Lope está llena de elementos líricos, en su doble
vertiente: popular y culta, según se exprese el alma del rústico campesino o
del caballero noble.
Temas constantes: el amor ya sea como una iluminación para el alma como
en el caso de La dama boba; o una especie de maldición como el caso del
Comendador en Peribáñez.
El honor, es un tema constante en toda la literatura española. Es un
concepto global y abstracto, que coloca a los personajes en una situación
límite. El código del honor está plenamente desarrollado en Lope “los actos
de honra son mejores/ porque mueven al público fuertemente” . Esa
obsesión por el honor, arranca de una opinión general de la Edad Media
europea, a la que España sigue aferrada, nutriéndose de lecturas de las
Crónicas y el Romancero. La convivencia de los tres pueblos – judío,
cristiano y árabe- vino a recrudecer el problema y a darle una nueva
dimensión. Por otra parte, hasta entonces el honor se consideraba un
privilegio de la nobleza, y ahora también con igual firmeza surgirá en el
alma del villano. (Peribáñez, Fuenteovejuna)
AUTORES
Influencia del Renacimiento Italiano. La Commedia dell’arte. La Commedia
dell’arte fue el nuevo teatro- espectáculo creado por compañías de cómicos
italianos preparados en la técnica mímica, vocal, coreográfica, acrobática, y
también a menudo con una preparación cultural. No trabajaban con un texto
escrito, sino que recogiendo temas de diversas fuentes, se basaban en la
improvisación, mezclando géneros y elementos circenses. Los personajes
de la Commedia eran siempre los mismos, máscaras que el actor adoptaba
para siempre. Algunos de ellos eran: Pantaleón, viejo avaro, gruñón,
mezquino, a veces enamorado ridículo y naturalmente engañado. Balanzón
jurisconsulto o a veces médico, el tipo de la estupidez presumida. El Capitán
de actitudes militarescas y fanfarronas. Arlequín el bufón, o criado bobo,
holgazán, glotón, descarado, burlado y apaleado. Colombina la criada, que
habitualmente hablaba en dialecto toscano. Y en toscano literario hablaban
los Enamorados.
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La Commedia influye sobre todo en los famosos pasos y entremeses de
Lope de Rueda. Los pasos eran breves escenas de intriga extravagante y
hasta inverosímil, pero muy vivaces. Otros autores fueron Gil Vicente, Juan
de la Cueva y Juan del Encina.
Además de considerarse a Lope de Vega como el gran creador del teatro
nacional español, deben destacarse los nombres de Tirso de Molina y
Pedro Calderón de la Barca.
LAS REPRESENTACIONES TEATRALES
Entre finales del siglo XVI y principios del XVII, el teatro se convirtió en el
gran espectáculo por excelencia.
Hubo tres tipos de teatro conviviendo en esta época:
* Teatro público o de corrales. Fue sin duda el que tuvo mayor éxito, y
estaba destinado al público popular. El local era un patio rectangular –
“corral”- que estaba flanqueado por los muros traseros de las casa vecinas.
En él se ubicaban los hombres de pie, los “mosqueteros”, que iban armados
y podían ser temibles si la obra no era de su agrado. Los balcones y
ventanas eran para los espectadores distinguidos. Las mujeres se situaban
en una galería independiente detrás denominada “cazuela”.
El escenario era un simple tablado cerrado al fondo y los costados por
telones pintados, de modo que las referencias dadas en el texto, más la
imaginación del espectador debían suplir la falta de decorados.
Las funciones eran de tarde y terminaban una hora antes de la puesta del
sol, y se realizaban si el tiempo lo permitía, ya que el patio era descubierto.
Los corrales más famosos de la época fueron el “de la Cruz” y el “del
Príncipe”.
* Teatro religioso. Era el destinado a las representaciones de los Autos
Sacramentales, obras protagonizadas por personajes alegóricos que
realizaba la iglesia en las fiestas religiosas. Se representaban sobre carros
móviles y contaban con una compleja escenografía.
* Teatro de Corte Podía levantarse en un parque o en una sala especial del
palacio. Se caracterizó por una gran riqueza escenográfica con el uso de
trucos y aparatos que a veces resultaban más atrayentes que la obra misma.
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Su mayor auge fue durante el reinado de Felipe IV y servía para amenizar
las fiestas palaciegas.
Si bien Lope de Vega escribió para los tres tipos de teatro, sus trabajos más
importantes fueron para los teatros públicos o de corrales.
Bibliografía consultada:
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Albistur, Jorge. Lope de Vega.
D’Amico, Silvio. Historia del Teatro Dramático.
Gutiérrez, Íbero. Lope de Vega
Isasi, Amando. Prólogo al Teatro de Lope de Vega
Martínez, Edelmira. Estudio y notas a Fuente Ovejuna
Zertuche, Francisco. Lope de Vega
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