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JICAMARCA >lists >LOS 250 DISCOS DE ROCK EN LAS AMERICAS DE TODOS
LOS TIEMPOS: 50 años de rock hispanoamericano en 250 álbumes
250
Porno Para Ricardo
Rock Para Las Masas ... (Cárnicas) (2002)
Cuando aparece un disco con actitud mala leche siempre genera un gran impacto, y en
algunos casos hasta los pueden malinterpretar de criticos políticos (como algunos
pensaron de Molotov por algunas canciones del ¿Dónde Jugarán las Niñas?), pero
cuando tu banda vive en la isla de Cuba, es imposible no ser político, y esto es
precisamente lo que pasa con Porno Para Ricardo. Una banda decidida a romper
esquemas en un disco muy frontal y con canciones no apta para castristas.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...k-para-las.html
249
Various Artists
Tributo a Sandro: Un disco de rock (1999)
Durante la segunda mitad de los 90's hubo un furor por los tributos a diferentes artistas,
por lo general, incentivados por las multinacionales. Y aunque hubo de todo, son muy
pocos de los que se puede hablar. Definitivamente es el más significativo es llamado
"Tributo a Sandro. Un disco de rock." Y es que lo de rock está acentuado
considerándose al argentino como la primera estrella de rock iberoamericano (aunque la
mayoría lo conoció como baladista) se le quiso rendir homenaje a cargo de bandas
distintas como Los Fabulosos Cadillacs, Aterciopelados o Molotov. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-sandro-un.html
248
División Minuscula
Defecto Perfecto (2006)
A mediados de los 2000's apareció un boom de bandas con contenido adolescente que
se le llama emo (término inexacto aunque muchos de sus fans han tomado el look y
estilo denominado como tal, para tal caso podrían llamarseles neo-pop-punk), y bandas
como Panda, Allison, Tronic, Peor es Nada, etc tomaron el continente americano.
Dentro de ese grupo sobresalía División Minúscula, precisamente por tener un concepto
que se diferenciaba del mismo. Había un mayor juego de las armonías y un concepto
lírico un poco más maduro, justamante a partir de este disco, con canciones que
sintonizaban con los distintos problemas de la juventud. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-minuscula.html
247
V8
Luchando por el metal (1983)
Para el Cono Sur, este es el disco que marca el inicio del heavy metal en Latinoamérica
(Aunque puede haber alguna confrontación con "Contenidos" de Riff).
Lamentablemente su nombre se desvanecería ante otros nombre de mayor
reconocimiento internacional, pero es imposible obviar el impacto de este álbum en
miles de headbangers argentinos con himnos como "Brigadas metálicas" y
"Destrucción". Aparte, la producción cuenta con el apadrinamiento de Pappo, no hay
más que agregar. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...metal-1983.html
246
Macaco
Entre raíces y antenas (2004)
Cuando el movimiento alterlatino empezó a perder fuerza a finales de los 90's, en
España sucedía lo contrario. Más y más actos tomaban el nombre del mestizaje y
llevaban el mensaje de resistencia pero también mucho baile y alegoría. Uno de los que
permitió ello fue el colectivo de Macaco (Dani Carbonell), donde en este disco,
buscaban llevar su concepto sonoro multicolorido por 2 extremos (por lo que es un
disco doble): uno, juguetón y otro, introspectivo; aunque siempre con esa combinación
entre el pop, el funk, el hip hop, el reggae, y la música tradicional cubana que ya los ha
caracterizado. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...tenas-2004.html
245
Los Tetas
Mama Funk (1995)
A mediados de los 90's parecía una buena época para explorar tanta las vertientes del
funk que iban desde el hip-hop (G-funk) hasta el funk metal. Los Tetas, pudieron tomar
todo ello y reproducirlo en un estilo super jugoso y atractivo para la generación
alternativa de aquel tiempo, y este disco los convierte en abanderados a nivel
internacional. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-funk-1995.html
244
Árbol
Guau! (2004)
Aunque algunos pueden acusar este disco de simplista, lo que no hay duda es de la
capacidad de la banda argentina para crear un sinnúmero de canciones pop dentro de
una paleta muy variada. Tomando distintas referencias de la tradición del rock
argentino, y sobre todo creando su propio lenguaje lleno de referencias humorísticas,
estos muchachos han ido evolucionando escapando de cuanto género se los pueda
etiquetar y muestra con mucho impetú lo más fresco del rock mainstream del Cono Sur
de los 2000's. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-guau-2004.html
243
San Pascualito Rey
Sufro, sufro, sufro (2003)
Uno de los discos que mejor ha podido imprimir el lado más místico y oscurista de la
música tradicional mexicana con el rock experimentalista pero digerible en una forma
tan natural como pocas bandas lo han logrado y desde una disquera independiente,
adelantándose el boom indie que se desataría en el país del norte poco después.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...ufro-sufro.html
242
Alux Nahual
Alto al fuego (1987)
Posiblemente el disco más significativo de los 80's en Centroamérica, cuyo título
reclamaba la situación critica que vivía esta región, pero cuyas canciones alcanzaron
una popularidad como muy pocas bandas han podido volver a repetir. Himnos como
"Como un Duende" o "Libre Sentimiento" fueron coreadas de su natal Guatemala a
Costa Rica. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...fuego-1987.html
241
Gepe
Gepinto (2005)
Son muy pocas las veces en que las tradiciones se pueden conciliar, o por lo menos
pueden convivir en perfecta armonía. Este disco es el mejor ejemplo de ello; la vieja y
nueva tradición de la canción busca empalmar hacia una dirección al futuro con las
mejores referencias a la música contemporanea latinoamericana y mundial.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...to-2005_15.html
240
Ritmo Peligroso
Ritmo Peligroso (1988)
Muchas veces esta banda mexicana es relegada de los créditos del rock con fusión de
ritmos latinos, pese a que se adelantaron al movimiento alterlatino de los 90s. Sin
embargo, nosotros no podemos dejar de lado este álbum con ciertos aires a Ruben
Blades y fusión de un buen pop con frescura caribeña. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-peligroso.html
239
Bebe
Pafuera telarañas (2004)
Cuando una mujer hace pop siempre hay doble prejuicio y cuando esta tiene éxito, este
se puede duplicar. Algo así pasó con Bebe y su disco Pa' Fuera Telarañas, donde lleva el
concepto alterlatino a melodías sencillas pero sensibles, lejos del pop plástico
acostumbrado. Cuando su disquera buscó explotar su imagen y a pedirle una secuela, la
española tomó otro rumbo y nos dejó en espera. ¿Por qué no salen mujeres como ella en
el mainstream todos los días? (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...ranas-2004.html
238
Bunbury
Radical sonora (1997)
El primer viaje en solitario de Bunbury donde quería romper con la imagen que traía de
su banda anterior (la tapa del disco lo dice todo, aunque la disquera la modificó en
algunos países). Busca cierta crudeza recurriendo entre otras cosas, a influencias
electrónicas y música hindu, y aunque generó opinión diversa entre su público lo
innegable era que demostraba germinalmente sus dotes como cantautor. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...onora-1997.html
237
Volumen Cero
Luces (2002)
"Luces" de Volumen Cero es el álbum que intentó colocar a Estados Unidos como parte
del imaginario gegoráfico del "rock en español". Una banda con miembros de
descedencia peruana, chilena y mexicana y un disco gira por un pop-rock super fresco
pero con ideas que denotan influencias mucho más alternativas adelantándose a una
tendencia que recubrirían los años a seguir. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...luces-2003.html
236
Pez
Folklore (2004)
Lo más interesante del rock no mainstream desde Argentina lo ha presentado Ariel
Minimal, con Pez. Y sin duda el momento de mejor recepción y respuesta de la banda
es con este disco del 2003 que nos regresa a los momentos más ingeniosos del
progresivo con muchas referencias psicodélicas. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...re-2004_19.html
235
Orquesta Mondragón
Bon voyage (1980)
No sabemos en qué época el rock y el humor se distanciaron, o en su defecto, se le
empezó a ver con malísimos ojos. Sin embargo, hubo un tiempo, donde todo era
diferente. Quizás porque había buenos maestros en la materia, como Javier Gurruchaga,
quien se nutrió de ricos recursos teatrales para recrear diferentes historias en un disco
para no tomar en serio. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...klore-2004.html
234
Natalia Lafourcade
Hu Hu Hu (2009)
Natalia Lafourcade ya había demostrado desde su debut que tenía un gran potencial
pero luego de su no tan agradable experiencia con su proyecto de La Forquetina, decide
regresar con un disco sumamente intimista y deudora a influencias del pop no comercial
como Bjork e Imogen Heap. El resultado la ha puesto en el liderazgo de la nueva ola de
cantautoras. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...bon-voyage.html
233
La Pestilencia
La muerte - Un compromiso de todos (1988)
Muy pocas bandas de hardcore tuvieron un impacto a un nivel nacional considerando
las diferentes escenas a lo largo de Latinoamérica como lo hicieron los colombianos de
La Pestilencia, que supieron dar una cara desde el underground con 18 temas agresivos
donde siempre está latente la crítica social directa. Aunque su sonido sucio ha cambiado
mucho desde aquel entonces, aún muchos lo consideran como el trabajo que le merece
el reconocimiento que llevan hasta hoy. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-muerte-un.html
232
Luis Alberto Spinetta
A 18' del sol (1977)
Es un álbum fundamental para entender el mundo de Spinetta. Busca un equilibrio entre
la experimentación sónica y la lírica poética, alejándose de los acústico e insertándose
en el desarrollo del jazz-rock. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...18-del-sol.html
231
Los Abandoned
Mix Tape (2006)
Siendo de los primeros en saber utilizar las herramientas de las nuevas tecnologías en
una era de transición para las bandas, el tiempo termino por posicionar a Los
Abandoned como la banda más importante de la escena en Los Estados Unidos de los
últimos años. Apostando a influencias del alt-rock y el indie pop, pudieron crear un
concepto latino apelando a sus experiencias, el intercambio cultural y mucho spanglish
resultando una mezcolanza interesante y atractiva. Tras buenas críticas y llegando a
lugares donde una banda de su tipo no había alcanzado terminaron por desintegrarse, no
sin dejar "Van Nuys (es very nice)" el himno del inmigrante alternativo. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...xa-2012-ed.html
230
El Personal
No me hallo (1988)
Nadie hubiera pensado que una banda con un concepto tan humorístico como El
Personal tendría un final tan trágico, pero esta banda con su primer álbum supo desde la
independencia crear un sonido abierto a conjugarse entre un pop amable con tendencia a
reggae y aterriza la lírica del rock a un lenguaje coloquial que influenciaría a muchas
bandas mexicanas en la década siguiente. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...sonal-1988.html
229
Frágil
Avenida Larco (1981)
Pocas bandas como Frágil pudieron llevar el rock sinfónico progresivo a un público
masivo como lo hicieron estos peruanos, y es que sus letras que recorrían entre otras
cosas la vida de una juventud a la puerta de los 80's, y su acercamiento a un tratamiento
de la música andina, convierte este album en uno de los mejores de la última etapa del
rock progresivo iberoamericano. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...nida-larco.html
228
Austin TV
Fontana Bella (2007)
Un disco que consagra el concepto post-rock tras una evolución que conllevó a su
trabajo más acorde con lo audiovisual y que vislumbra entre lo más trabajado del indie
mexicano. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...bella-2007.html
227
Ekhymosis
Niño Gigante (1993)
Puede ser considerado como una curiosidad para un fanático de Juanes que no podría
acostumbrarse a su viejo sonido, o más bien, una buena muestra de una banda que
rebatía entre la suciedad, la crítica y la necesidad de expandirse a un público variopinto
en el Medellin de inicios de los 90's. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...gante-1992.html
226
Radio Futura
La ley del desierto, la ley del mar (1984)
En España, lo consideran como un disco trascendental de la transición del pop en los
80's. En América, el impacto de la banda vendría con otra producción posterior pero
este nos deja un puñado de pegajosas canciones con un tratamiento interesante en las
letras y sobretodo, retazos de una variante en la experimentación del rock que no
discriminaba la fusión con ritmos caribeños. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...esierto-la.html
225
Enanitos Verdes
Habitaciones extrañas (1987)
El tercer LP de la banda argentina marca el sonido de una generación que vivía la
segunda mitad de los 80's, con temas que variaban entre el new wave y el power pop y
hits como "Te vi en un tren" o "Por el resto", donde colabora Andrés Calamaro como
productor y en coros. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...bitaciones.html
224
Cecilia Toussaint
Arpía (1987)
Disco esencial para las que ayudaban a forjar una tradición de cantautores femeninas en
México, influida enormemente por el gran Jaime López (de hecho hay composiciones
suyas en esta producción), y que tomaba las raices del rock canción con inspiración
urbana. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...arpia-1985.html
223
Surfin' Bichos
Hermanos carnales (1992)
Si se tuviera que buscar el antecedente de lo que dio inicio al denominado indie español
(es esta mezcla de aparición de bandas junto a un público base que los apoyaba) podría
encontrar su origen en este disco, y no solamente porque ahi se encuentran canciones
pop oscuristas e himnos a la decadencia de una generación española en exploración
sónica (y lirica), sino porque a partir de este trabajo se puede rastrear los conceptos de
futuras bandas ibéricas como Chucho y Mercromina. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...s-carnales.html
222
Kraken
Kraken II (1988)
Muy pocas bandas pudieron consolidar una aceptación popular desde el metal a un nivel
local fuera de las grandes escenas como lo hizo esta banda colombiana, y es que las
canciones mezclaban texturas que iban de lo melódico a lo más pesado, con canciones
que han quedado en el inconsciente de muchos fanáticos alrededor de Latinoamérica
hasta nuestros días. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...en-ii-1988.html
221
Juan Son
Mermaid Sashimi (2009)
Aún no podemos definir la trascendencia de este disco, pero si se puede hablar de una
culminación de un proceso tedioso por el cual se buscaba romper a fin de 50 años de
rock iberoamericano (y una vez más) con los usuales márgenes de lo que debe ser el
género y se sumerge en las tendencias de un pop sumamente intimista y provocador
para cualquier programador de radio habitual o un fanático cuadriculado del rock de
antaño. Somos testigos de gente que se atreve a romper esquemas y el tiempo les dará
su lugar. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...shimi-2009.html
220
Témpano
Atabal Yemal (1980)
Uno de los proyectos más ambiciosos en el rock hecho en Venezuela. Una joya
progresiva que ha quedado como una de las obras maestras locales y que se retrotraen a
una banda sinfónica que juega con el jazz y es considerado una rareza de lujo por los
coleccionistas a nivel mundial. En 1998, fue relanzado con otra tapa y 3 temas inéditos,
ante la demanda que lo pedía de vuelta. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...yemal-1979.html
219
Gabinete Caligari
Cuatro rosas (1984) [EP]
Considerado como una de las mejores muestras del pop más fresco que invade España
en la primera mitad de los 80's. Lleno de referencias oscuristas pero conocidas por saber
dar una forma encantadora a los temas que después haría del lider Jaime Urrutia, una
referencia en la especialidad. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...rosas-1984.html
218
Caramelos de Cianuro
Miss Mujerzuela (2000)
Caramelos de Cianuro son considerados los reyes del pop-rock venezolano y su música
ha llegado a colarse en los circuitos alternativos internacionales, pero en este disco los
"chamos" dan la mejor muestra de como hacer temas llenos de lascividad pero con más
genialidad de lo que presenta su aparente inmadurez. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...anuro-miss.html
217
Sidestepper
3am: In Beats We Trust (2003)
La unión de los productores Richard Blair e Iván Benavides crearía uno de los grupos
más coloridos de la onda alternativa en su corriente electrónica; en este segundo disco,
confirman la aceptación de ritmos latinoamericanos bajo la experimentación más
honesta y con la única pretensión de buscar el jolgorio entre el sonido afro-colombiano,
y también un acercamiento al dancehall y la música pop. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-we-truste.html
216
Génesis
Genesis (1974)
Aunque pocos lo sepan, en los 70's no solamente hubo una banda Genesis inglesa,
también hubo en Sudamérica. Y estos colombianos destacaron por su fusión de ritmos
colombianos con un folk rock de influencia británica, entre los que sobresale su tema
"Don Simon", y que pese a la poca difusión se han convertido en clásico de
coleccionistas. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...nesis-1974.html
215
Juana Molina
Un día (2008)
Juana Molina demuestra que la música puede romper cualquier barrera lingüística y nos
trae una obra maestra con este disco donde se aprecia una manera artificial de mostrar lo
más orgánico de la canción hecha por una latinoamericana en años. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...n-dia-2008.html
214
El Gran Silencio
Libres y locos (1998)
El disco que traía una forma de plasmar el rock de barrio con referencias mexicanas
pero sobre todo con una riquísima paleta de sonidos y iba entre la música norteña, el
ska, el reggae asi como el punk y el nu-metal, producido por el venezolano Andrés
Levin. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...es-y-locos.html
213
Hombres G
La cagaste...Burt Lancaster (1986)
Lo sabemos, Hombres G representa a la perfección lo más "cheesy" (no sé si daría lo
mismo decir cursi) del "rock en tu idioma" de los 80's, pero hay que darles algo de
crédito con este disco porque supo con mantenerse en el gusto de las masas y darle una
bocanada de aire fresco a la música que se ponían en muchas fiestas a lo largo de las
ciudades hispanoamericanas en su momento. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-lancaster.html
212
El Guincho
Alegranza (2007)
Considerado uno de los trabajos más fascinantes del ala más "freak" del indie, El
Guincho nos trae una manera de plantear la música de fiesta, básicamente la de
referencia brasileña a través de la secuenciación de samples y que ha puesto de rodillas
a la crítica alternativa mundial. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...ranza-2007.html
211
Extremoduro
Agila (1996)
Desde España, uno de los discos más concisos del hard rock noventero lleno de
referencias a la poesía maldita que pese a que en América jamás pasó de ser una banda
de culto, los consagró en el gusto popular en su país. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...agila-1996.html
210
Barón Rojo
Metalmorfosis (1983)
El tercer álbum de Barón Rojo deslumbra en el momento más propicio para la
exposición de 9 demoledores temas donde cada uno adquiere vida propia al punto de
que en su conjunto se haya convertido en un clásico sin la menor discusión por
cualquier "headbanger" en Iberoamérica. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...fosis-1983.html
209
Nacho Vegas
Desaparezca aquí (2005)
Nacho Vegas ya había ido adquiriendo una fama de gurú de la canción bohemia, pero
para este álbum no solo se deja descubrir por un público mayor sino que consagra su
propio concepto de la canción rock, sumergiendose en el oscurismo y la decadencia,
sino que consagra una obra maestra dentro de una nueva ola de compositores a nivel
iberoamericano. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-aqui-2005.html
208
Sergent Garcia
Un Poquito Quema'o (1999)
Este disco era la respuesta francesa al "boom latino"(americano) que se vivía en la
música alrededor del planeta; pero esta se desmarca de cualquier producción popular de
la época por contar con un sonido más auténtico y mostrar una cara más real de lo que
sucedía, al punto que se puede oír temas de resistencia al compás de canciones
netamente influencidas por la salsa, el reggae o el ska, y convirtiéndolo en el disco más
curioso del pop alterlatino. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...ito-quemao.html
207
Fangoria
Una temporada en el infierno (1999)
Si Alaska fue el gran símbolo de la primera ola del electro pop para el público pop en
los 80's, sería ella misma (junto al no menos importante Nacho Canut) la que se
encargaría de traernos la segunda ola del mismo, a través de un disco un viaje sónico
pero maduro donde se muestra un lado intimista que pocas veces se puede imprimir en
su género. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...rada-en-el.html
206
Real de Catorce
Real de Catorce (1987)
Este disco es una reinterpretación del blues a códigos mexicanos y llenos de referencias
del rock urbano en pleno desarrollo allá por los 80's, y que se ha valido como obra de
culto en el paso del tiempo. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...de-catorce.html
205
Fiel a la Vega
3 (1999)
En el posiblemente mejor año del rock puertorriqueño, aparece este disco donde se
encuentran evidentes influencia de la lírica de la Nueva Trova (básicamente Silvio
Rodriguez y Roy Brown) con un planteamiento músical que va del rock enérgico
basado en un hard rock orgánico a acercamientos a la música tradicional boricua más
melódica. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-tres-1999.html
204
Wara
El Inca (1973)
Considero por muchos con la gema absoluta del rock boliviano, Wara buscaba un rock
progresivo con influencias del incipiente hard rock pero matizado en forma natural con
mucha referencias al misticismo andino (como en los intro de la canciones, y en la
temática social o cultural de las letras), marcando una diferencia de la típica banda que
fusionaba en su momento. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-inca-1973.html
203
Luzbel
Pasaporte al infierno (1985)
Uno de los discos que mejor expone el heavy metal hecho en México por los años 80's,
destacando el excelente guitarrista Raúl Greñas con un puñado de himnos underground
donde había un acercamiento al power metal, quizas por la simpatía de la banda por la
Nueva Ola de Heavy Metal Británico. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...ierno-1985.html
202
El Bloque
Bloque (1998)
Uno producción alabada por la crítica norteamericana, pero muy poco conocida a nivel
latinoamericano, pese a ser uno de los puntos más cumbres del movimiento alterlatino
por los 90's, y es que Bloque (antes Bloque de Búsqueda y no confundir con la banda
española del mismo nombre), representaba un pequeño paso para la música pop pero un
gran salto para la música contemporanea colombiana. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...loque-1998.html
201
Calle 13
Residente o visitante (2007)
Este se trata de uno de esos álbumes que trata de romper esquemas en cuanto nuestra
desquiciada búsqueda de etiquetar la música, y es que el dueto buscaba proponer una
forma de música urbana brutalmente honesta y con un humor sin pelos en la lengua pero
ofreciendo una visión en contra de la corriente que tendía a dirigir su música hacia el
público del norte, y conciliando distintas influencias (o colaboraciones antagónicas a
simple vista como Vicentico y Tego Calderón) que muy pocos trabajos se habían
propuesto a ofrecer. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...tante-2007.html
200
Malo
Malo (1972)
Una de las perlas del rock chicano de San Francisco en su mejor exposición, donde se
aprecia las inquietudes del guitarrista Jorge Santana (hermano de Carlos) por la fusión
entre la psicodelia, el R&B, el funk y el latin jazz. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-malo-1971.html
199
Vytas Brenner
La ofrenda de Vytas (1973)
Vytas Brenner, un venezolano (nacido y de ascendencia alemana) que forma una gran
banda donde evocaba una fusión entre el rock sinfónico y la música tradicional
venezolana (presenta por la introducción de texturas e instrumentos como las maracas o
el cuatro) deja como su gran legado este album que termina siendo un tributo a la
diversidad del país que lo cobijó la mayor parte de su vida. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...a-de-vytas.html
198
Zoé
Rocanlover (2003)
El segundo disco de la banda mexicana es probablemente el más cancionero de su
discografía y el que los vira en el cambio generacional entre las bandas alternativas
noventeras y el indie mexicano que estallaría poco tiempo después, no sin dejar algunos
de sus temas más recordados, en especial, por su público local. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...lover-2003.html
197
Attaque 77
Otras canciones (1997)
Este es el disco que dividió a los fanáticos en 2; para unos fue el disco que los consagró
como líderes del punk a nivel latinoamericano, y para otros, fue el trabajo con que la
banda hizo el crossover de su escena a terrenos pop. Sea lo que sea, nadie puede negar
la relevancia del álbum como una buena muestra de lo que una banda de rock era capaz
de hacer con versiones originalmente interpretadas por artistas tan dismiles como The
Who o Roberto Carlos. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...iones-1997.html
196
Ojos de Brujo
Barí (2002)
Esta producción supone el inicio de lo alterlatino como un concepto netamente ligado a
las raices españolas, y es que Ojos de Brujo pudo concretar esta joya contemporanea
gracias a la autogestión que les dio la libertad suficiente para recrear la simbiosis del
flamenco con la música urbana y electrónica de la manera más orgánica posible.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-bari-2002.html
195
Jaime López y José Manuel Aguilera
Odio Fonky: Tomas de buró (1994)
Un guitarrista atraído por los sonidos mestizos y un cantautor que de a pocos iba
convirtiéndose en uno de los más connotados en la música popular mexicana se unen en
un álbum que es considerado como el que lleva al rock urbano a un nuevo nivel, pero
siempre adornado de esa picardía criolla localista que solo Jaime López era capaz de
recrear sobresaliendo "Chilanga banda" versionado al poco tiempo por Café Tacuba.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...l-aguilera.html
194
La Vela Puerca
De Bichos Y Flores (2001)
La Vela Puerca se convirtió rápidamente en los líderes del "nuevo rock uruguayo" que
aparecía a finales de los 90's y en su segundo disco, su mezcla de rock con ska y ritmos
como el candombe adquiere un sonido más conciso y acompañado de letras más críticas
como maduras, convirtiéndola en una obra embajadora en el descubrimiento de nuevas
bandas a inicios del siglo XXI con el sello de una producción de Gustavo Santaolalla.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...s-y-flores.html
193
El Polen
Fuera de la ciudad (1973)
Es increible lo poco conocida que es esta obra pese a que en su momento artistas como
Los Jaivas o el entonces novel Gustavo Santaolalla se interesaron por ella y que
representaba el climax del folk rock progresivo en conexión única con el Andes más
místico y majestuoso como banda alguna se atrevió a fusionar, y que se ha convertido
en una joya de culto entre los coleccionistas del rock de los 70's a nivel mundial.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...iudad-1973.html
192
Mägo de Oz
La leyenda de La Mancha (1998)
Mägo de Oz abre un espacio para la nueva oleada de bandas de heavy metal a partir de
un álbum conceptual basado en "El Quijote" de Cervantes donde su mezcla entre power
metal y rock celta los convierte en los más queridos por una generación nueva menos
ortodoxa que quería alimentarse de más rock duro y que contiene algunos de sus ahora
clásicos como "Molinos de Viento". (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-la-mancha.html
191
Líbido
Hembra (2000)
Uno de los discos de pop-rock alternativo más importantes y de mejor aceptación de
inicios de los 2000's y que sitúa al Perú dentro del circuito de rock internacional (que no
es poca cosa considerando lo difícil que es abrir puertas), muchas veces ignorante de lo
que sucede en las distintas escenas nacionales; y que cuenta con la producción de
Tweety González, reconocido por sus constantes colaboraciones con Gustavo Cerati
entre otros. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...embra-2000.html
190
Juanes
Fíjate bien (2000)
Antes que en los planes de Juanes estuviese el destronar a Ricky Martin como rey del
"pop latino", dejó un disco que tenía solemnidad, honestidad y sobre todo una
profundidad en las letras que exponían la temática explosiva de la situación social en
Colombia, y que traía ese sonido de fusión colombiana del último Ekhymosis a un rock
en español que cada vez perdía la batalla en el mainstream. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-bien-2000.html
189
Ilegales
Ilegales (1982)
Una de las portadas más chocantes de las que se hayan hecho en Iberoamérica solo era
la advertencia para oír uno de los discos con más mala leche que solo en una única
época convulsionada por el efecto "punk" podía traer. Canciones que parecerían hablar
de pedofilia como "Yo soy quien espía los juegos de los niños" o de racismo en "¡Heil
Hitler!" solo guardan ciertos mensajes críticos sobre el cinismo de la sociedad y cuyo
concepto dejará legado en muchas bandas latinoamericanas en el futuro. Advertencia:
Nunca confundir a la banda con los tipos del merenhouse. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...gales-1982.html
188
Víctimas del Doctor Cerebro
Brujerías (1995)
Una banda tan amoldable como los mexicanos de Víctimas del Doctor Cerebro llegan a
su punto de inflexión entre creatividad y popularidad con un disco con grandes
invitados locales (Jair De La Cueva, José Fors) pero sobre todo con una buena habilidad
para hacer buenas canciones pop (como "Ya tus amigos") con canciones más
desgarrantes (como el tema homónimo) con tendencia al metal, pero aquí se puede
encontrar de todo y es quizás la esencia del rock alternativo en Latinoamérica de la
época. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...or-cerebro.html
187
Belanova
Cocktail (2003)
Antes que Belanova se haya convertido en una máquina de hits y haya perdido la magia
festiva y fresca se puede encontrar en su disco debut, que esta no era una banda para
conciertos masivos donde su concepto se pierde en una ficción pop sino que se
encontraba en esas fiestas pequeñas donde la electrónica juega un papel intenso, lo más
interesante del house al comienzo de los 2000's. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...ktail-2003.html
186
Los Tres
Los Tres (1991)
El álbum debut de la banda chilena mostraba una dirección totalmente diferente en la
que se encontraba el rock en esos días, y desde fuera de las multinacionales llegan con
un puñado de canciones que se mezclaban entre el rockabilly, el blues y el funk.
Canciones como "Pájaros de fuego" o "Un amor violento" mostraban la temprana
madurez de una banda que pudo gozar luego del reconocimiento meritorio al que pocos
suelen llegar. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-tres-1991.html
185
Pastilla
Vox Electra (1998)
Esta banda angelina (que nació en la ciudad de Pomona, en California) y que transita
entre México y los Estados Unidos crea su mejor disco sabiendo exponer un auténtico
pop guitarrero que supo reconocer su propio espacio en un (mundo bilingüe) y darle su
propia respuesta (como el ingeniosamente tema grabado de "Bi") al rock alternativo
británico de finales de los 90's. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...ectra-1998.html
184
Aterciopelados
La pipa de la paz (1997)
Cuando Aterciopelados lanzaba este álbum vivía una exposición de la más envidiables,
así que aprovecharon su momento y pusieron a Phil Manzanera de productor y a
Enrique Bunbury como invitado de lujo. El disco seguía la línea de "El Dorado" pero en
lírica había un mayor involucramiento por el reflejo de la situación de su país así como
el rol de Andrea Echeverri como ícono no convencional de la mujer latinoamericana.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-de-la-paz.html
183
Los Rabanes
All Star Volume II (1997)
Sin la menor duda, la mejor producción de la banda panameña que en su más excelsa
etapa creó el album más fresco y que pudo hacer pensar a más de uno que se encontraba
con el sucesor más natural de Los Fabulosos Cadillacs (antes de caer en el formulismo
pachanguero con sello de Emilio Estefan). La razón es muy simple, detrás estuvo Flavio
Cianciarullo y Rubén Blades es el invitado de lujo. (J.L. Mercado)
http://rockenlasamericas.b...volumen-ii.html
182
Gustavo Cerati
Amor amarillo (1993)
Este disco es muy infravalorado; y es el más Soda a nivel humano (está Zeta Bosio y
Tweety González) pero también es el que demuestra quien era el "cerebro" de la banda,
y es que a Cerati no le costó separar su trabajo de lo que hacía en simultáneo. Eléctrico,
intimista y bonaerense con tributo a Spinetta incluido. Destacan "Te llevo para que me
lleves", "Pulsar" y "A Merced". (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...rillo-1993.html
181
Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota
Un baión para el ojo idiota (1988)
Mientras Soda Stereo se convertía en el abanderado absoluto del rock en español por
aquel entonces, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota se convertía en la banda líder
absoluta de la escena local argentina, y para dejar en claro su posición, este disco se
convertía en un manifiesto de manifiestos donde se combinaba un rock crudo con
tonadas pegadizas pero impresas sobre las líricas altamente metaforizadas del "Indio"
Solari y Skay Beilinson pero que fueron adoptadas por un público joven emergente que
sintió que sus himnos eran lo más honesto del momento (hablar de Fidel Castro, los
disturbios sociales o la hipocresía de la clase política no era lo más frecuente en la
época). (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...onditos-de.html
180
Desorden Público
Plomo Revienta (1997)
El álbum más representativo de la banda venezolana no solo nos presenta una paleta rica
de canciones de corazón alterlatino que juegan entre el ska, el reggae, el rockabilly y el
calipso sino que nos provee una serie de himnos de juerga que sintonizaban con letras
de crítica social en carga irónica y que cuenta con importantes músicos de sesión y el
sello de KC Porter, renombrado productor del género en aquellos días. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...o-revienta.html
179
Three Souls in My Mind
Oye cantinero (1973)
Hay que ser sinceros, prácticamente todo lo que hizo El Tri antes de ser El Tri es casi un
misterio solo salvado entre leyendas edulcoradas por Alex Lora o algunos sozos
compilados, pero este disco es el que marca el destino para la banda: 1) la renuncia total
del inglés en su lírica y 2) la apuesta de la banda por el blues-rock. La consecuencia fue
una aceptación mayor de la banda en los circuitos subterráneos que pudo conservar en
su coraza algunos himnos malandrosos como el tema homónimo, "Que viva el rock and
roll" o "La chava de Avandaro" y que ayudaron a forjar la identidad del rock barrial (o
de banda, como le dicen en México). (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...y-mind-oye.html
178
El Cuarteto de Nos
Raro (2006)
Lo mejor del rock humorístico después de muchos años y es que en el 2006, El Cuarteto
de Nos no era una banda fresca de noveles músicos dispuestos a descargar su mala
leche, sino una banda de fracasados (de más de 40 años como promedio) que habían
pasado por mil y una cosas reales que sintetizan a través de letras que transmiten una
jocosa decadencia y hablan del tipo que escupía al lugar donde ahora trabaja o al pobre
papá que no lo dejan descansar. Juan Campodónico (el brazo derecho de Santaolalla)
brindó ideas frescas en lo musical que les permitió actualizar su sonido y el resto es
historia: Un éxito internacional que los ha llevado a girar por todo Latinoamérica, y el
disco que mejor traduce el sabor agridulce de la vida en los 2000's. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-raro-2006.html
177
Los Abuelos de la Nada
Vasos y besos (1983)
En Argentina, Los Abuelos de la Nada ya eran considerado una institución antes de que
consiguieran popularidad. Sin embargo en 1983, todo estalla con "Vasos y Besos", un
álbum que puede ser un manual perfecto para principiantes que quieran a hacer buenas
canciones pop, y cuyo lanzamiento coincidía con el boom argentino que permitió la
accesibilidad de muchas bandas a las masas. Si bien Miguel Abuelo siempre lideró e
instruyó a sus noveles compañeros, les dió la libertad artística necesaria para que
compusieran o cantaran destacando el apenas mayor de edad Andrés Calamaro, quien
compondría el tema "Mil horas" (una de las canciones más versionadas de los últimos
30 años de la música contemporánea en español). (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...da-vasos-y.html
176
Moenia
Adicion (1999)
Moenia siempre fue tratado como un grupo periférico a la escena del rock mexicano, y
es que una propuesta de synth pop no sonaba a algo que los principios fundamentalistas
del rock deba aceptar. Sin embargo, Moenia siempre se impulsaba al cambio y eso se
notó en este album, el más oscurista de su carrera pero también el más rico en cuanto a
la exploración de sonidos desde el pop electrónico que no desentona con la posibilidad
de hacerlo cancionero y inevitablemente coreable como en temas como "No dices más"
o "Manto estelar". (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...icion-1999.html
175
Siniestro Total
¿Cuándo se come aquí? (1982)
¿Alguien quiere oir un buen chiste de gallegos? Que oiga este disco, lleno de un humor
negro sin precedentes en habla hispana. Y es que muchos consideran que fueron los que
mejor supieron asimilar el manifiesta punk: provocaciones sin el más mínimo interés
ideológico. Tres acordes, ruidismo y la adoración por poner a muchos echando chispas
era lo que se necesitaba para crear una anti-obra maestra de los 80's, con Germán
Coppini en la voz, que abandonará la banda para tomar caminos más pop con Golpes
Bajos. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-come-aqui.html
174
Ximena Sariñana
Mediocre (2008)
Una cantautora mexicana con influencias de jazz cae en las manos de Tweety Gónzales
y Juan Compodónico para crear 12 tracks de tinte pop adulto. ¿Qué hace en especial el
disco? Una visión artística antes que comercial que denota una aceptación mayor por los
compradores de discos que por los programadores de radio, y que puede compaginar
diferentes influencias para terminar por conseguir una obra alternativa concisa y
prematuramente madura considerando que apenas estamos hablando de una revelación.
(J..L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...iocre-2008.html
173
Aviador Dro
Alas sobre el Mundo (1982)
Los proceres de lo techno en Iberoamérica debutaban con una ideología inspirada en el
concepto de Kraftwerk pero con otras muchas remiscencias a Devo. Las canciones
sonaban descuadradas en una juventud española que recién vibraba los aires de la
modernidad y un grupo considerable de ellos lo adoraría con una pasión colosal. Su
sonido puede que haya perdido el vanguardismo que le dio su consistencia en su
momento, pero es una pieza fundamental para entender hasta donde podía llegar el "Do
It Yourself" y como al plasmarse pudieron dar un salto gigantesco desde donde se
encontraba la escena tan solo unos pocos años atrás (y no era espejismo de un falso
futurismo). (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...e-el-mundo.html
172
Javier Bátiz
Coming Home (1969)
Javier Bátiz es un mito viviente del rock mexicano al margen de la exposición de la
media. Sus historias con gente como Alex Lora o Carlos Santana han alimentado la
admiración de culto de su persona. En este álbum se rescata su persona reflejada en la
música; un tipo que gozaba de las raíces negras en el rock and roll y lo reflejaba en 10
temas que buscaban conservar el reflejo más natural del mismo (por eso se le nota bien
cantando en inglés) a través de una guitarra salvaje que se convirtió en la más apreciada
de Tijuana.
http://rockenlasamericas.b...-home-1969.html
171
Los Prisioneros
Corazones (1990)
Este álbum resultó lo más alto de la carrera de la banda chilena en cuanto a popularidad
y aceptación mediática. Conquistaron el mercado mexicano y tuvieron dos números uno
casi simultáneos en casi todo América Latina ("Tren al sur" y "Estrechez de corazón"),
pero por otra parte el concepto original se había perdido: si bien se mantenía el
sarcasmo se pasó del campo de la crítica política y social a uno de índole de relaciones
amorosas; por otro lado la salida de Claudio Narea generó la pérdida del sonido de
guitarra eléctrica y lo que hizo que la banda adoptara el electropop (se integraron
Cecilia Aguayo y Robert Rodríguez). Lo más rescatable es que la atención por el álbum
generó la apertura mediática de la escena chilena que hasta ese entonces dificilmente
superaba los países andinos.
http://rockenlasamericas.b...zones-1990.html
170
Nacha Pop
Nacha Pop (1980)
Pocas veces la escena española mostró tanto consenso sobre la genialidad de Antonio
Vega. El debut de Nacha Pop no solo sellaba el regreso de las bandas juveniles (que ya
había empezado con Tequila) sino que demostraba que un desparpajo inteligente y en la
vía del oscurismo y hedonismo en términos pop, podía hacerlos digeribles y de culto a
la vez. Para muchos fue la obra que describió a la perfección como La Movida
Madrileña debió sonar y ello no lo pondré en discusión. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...a-pop-1980.html
169
Panda
Amantes Sunt Amentes (2006)
Hablar de una banda como Panda y la madurez puede sonar a ironía, pero es que deben
creerme: Más maduros y complejos no podrán sonar. El ruidismo lo sintonizaron a la
canción pop, lleno de referencias del "mundo emo" (las menciones implícitas al suicidio
están en más de una canción) pero con prestaciones de The Hives y The Used por igual.
Innegable es reconocer que está es la banda sonora de la última generación de chiquillos
latinoamericanos que todavían oyen temas de rock con letra en castellano y que los
viejos aún no pueden entender. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...entes-2006.html
168
La Ley
Doble Opuesto (1991)
El segundo álbum de la banda es el primero con exposición en el mainstream local
chileno, y el que los apuntaba como una de las grandes propuestas en lo que serían los
90's. El liderazgo de Andrés Bobe se nota en la presencia atmosférica que recubre el
disco siguiendo la última tendencia del new wave británico; compone la mayoría de los
temas y canta en "En lugares". Sin embargo, Beto Cuevas demuestra que puede ser un
buen frontman y fue el que empieza a cautivar al público. El cover de "Angie" de los
Rolling Stones fue el caballito de Troya que les permitió ser asequibles y ser
considerados como revelación de proyección internacional. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...uesto-1990.html
167
Arco Iris
Sudamérica o el regreso a la aurora (1972)
Cuando Arco Iris lanzaba un trabajo como este, sintonizaba con una tendencia que
buscaba fusionar el rock progresivo con el sonido místico andino pero con mucho
acercamiento al jazz. Un proyecto conceptualista a cargo de Gustavo Santaolalla que
buscó una ópera con una historia donde los músicos emulaban distintos personajes. No
pasaría mucho tiempo y la banda abandonaría el sonido cercano a los Andes por
completo para sumergirse a lo sinfónico y Santaolalla también abandonaría la banda,
pero esto fue la cúspide en la existencia de la agrupación. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...el-regreso.html
166
Yerba Buena
President Alien (2003)
Andrés Levin hace de Yerba Buena un proyecto donde toma todo lo que aprendió como
productor de bandas de corte alterlatino y lo plasma en una suerte de tributo a la
contribución musical cubana a los Estados Unidos, pero siempre con la onda bailable
que puede combinarse entre la electrónica y el hip hop, y con la participación de
invitados de lujo como Marc Ribot, Carlinhos Brown y Horacio "El Negro" Hernandez,
y con la voz lider de Xiomara Laguart. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...alien-2003.html
165
Chac Mool
Nadie en especial (1980)
Chac Mool se constituía en un momento de transición para el desarrollo del rock. Su
propuesta progresiva tuvo el apoyo de una multinacional y el grupo comandado por el
fallecido Jorge Reyes buscaba aterrizar a suelo local las influencias de bandas como
King Crimson, Genesis o Pink Floyd y cuyo concepto respondía a un futuro
apocalíptico de final abrupto. Un disco que con el paso de los años se ha convertido en
el más representativo en su género en México.
http://rockenlasamericas.b...ecial-1980.html
164
Pappo's Blues
Pappo's Blues Volumen 2 (1972)
Si bien Pappo era un amante del blues más en su tiempo, lo que lo diferenciaba de
cualquiera era que él perfilaba siempre el sonido más duro y oscuro del mismo; su
concepto fue evolucionando junto al rock duro y al desarrollo del metal, y el disco más
representativo de la banda (también conformada por Black Amaya y David Lebón)
podía albergar himnos guitarreros sucios pero de mucho arraigue con lo que sucedía en
Buenos Aires a inicios de los 70's. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...vol-2-1972.html
163
La Renga
La Renga (1998)
Debido a lo vertiginoso de su popularidad en Argentina, se los quiso catalogar banda de
"rock chabón". Sin embargo, su sonido potente y clavado al hard rock, los distinguía del
resto, aunque inevitablemente fue su propio público el que hace de este disco un clásico
por hacerlo coreable en los estadios en un momento donde el rock en el país del sur
gozaba de un fulgor ritualista donde se combinaban mensajes de rebeldía, malestar con
carteles del Che Guevara y odas a la mariguana. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...a-la-renga.html
162
La Unión
Mil siluetas (1984)
A nivel popular, América los recordará como los tipos de "Lobo-hombre en París", ¿Por
qué la prensa especializada en su natal España no le dan la misma consideración en la
actualidad a este álbum que la dan a otros discos de esa era dorada en el pop español?
¿Quizás no se les perdonó nunca su estrepitoso éxito comercial que los llevó a ser uno
primeros embajadores de la movida madrileña en este lado del mundo? Más allá de
cualquier conjetura, no se puede negar lo buenísimo de este debut donde converge el
new wave con retazos jazzísticos entremezclados en un electro-pop sofisticado pero
dirigible (sin mencionar las referencias al oscurismo y a la obra de Boris Vian).
Canciones como "Sildavia", "Eclipse total" o "Cabaret" no merecen caer en el olvido.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...uetas-1984.html
161
Soda Stereo
Nada personal (1985)
Considerado como el primer disco "serio" de Soda Stereo (o por lo menos, el que podía
demostrar que no era una banda de solo éxitos de verano). Con el disco en mano, la
banda recorría de sur a norte la región latinoamericana donde conseguía no solo una
buena recepción sino que demostraba a los escépticos de la industria que el "rock en
español" era rentable. Pero más allá de aquella reacción, el disco tenía un bagaje de
canciones con resistencia en el tiempo y ello es precisamente lo que ha cimentado el
movimiento. "Cuando pase el temblor" evocaba un carnavalito (variante de música
andina) y México la adoptó como himno tras un terremoto que los azotó poco antes del
lanzamiento; "Nada personal" jugaba en clave new romantic sobre la frialdad en que
está cayendo la sociedad; "Juegos de seducción" es un tema que hablaba sobre las
fantasías sexuales sin tapujos, y que fue adoptado por un público que lo hizo su himno
en los conciertos. Aunque los escépticos no lo consideran como sorprendente, es
inevitable dejar de mencionarla como parte de la era dorada del rock en español en
América Latina. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...sonal-1985.html
160
Duncan Dhu
El grito del tiempo (1987)
Duncan Dhu tenía algo atrapante en sus canciones, y este disco es el que mejor
conectaba con un público dispuesto a retomar las posturas casi inocentes (más aun si los
comparamos con sus coterráneos del punk radical vasco) pero que jugaban bien en un
tiempo donde el pop español empezaba a sufrir la sobre-explotación y el sumergirse
entre rockabilly y canción campestre sería la clave. El tema más adulto del disco, "En
algún lugar" se convertiría en el clásico de la banda y rápidamente fue adoptado como
una básica de cualquier colección de "rock en español" de este lado del continente.
http://rockenlasamericas.b...iempo-1987.html
159
Various Artists
Silencio = Muerte: Red Hot + Latin (1997)
Una organización pro-fondos para la lucha contra el SIDA convocaba diferentes series
de artistas para que colaboren en una colección de discos. No pudo haber mejor excusar
para reunir un grupo de artistas de lo más diversos pero que resultaban la mejor
selección de la escena iberoamericana a mediados de los 90's (Los Lobos, Café Tacuba,
Aterciopelados, Los Fabulosos Cadillacs, Rubén Blades, etc). Los temas que componen
el disco son re-versiones de temas representativas de las bandas (Por ejemplo, el tema
hardcore energético de "Gente que no" de Todos Tus Muertos pasa a ser un tema
cumbia-reggamuffin poderoso con la colaboración de Los Auténticos Decadentes; asi
como de otras colaboraciones con Money Mark, Fishbone, David Byrne, entre otros) y
de lados B no editados (como "Cosas que me ayudan a olvidar" de Calamaro), y que en
su conjunto hacen uno de los discos más atractivos para los que quieren entender lo que
sucedía en la escena alterlatina aquellos tiempos. En el 2006, se volvió a editar una
nueva versión donde se incluyen temas de Nortec Collective, Kinky y Kevin Johansen,
entre otros. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...muerte-red.html
158
Sabina y Páez
Enemigos íntimos (1998)
Dos cantautores que habían vivido la era del rock y vivían sus etapas de mayor
aceptación popular en sus carreras. Parecían tan similares, ¿Por qué no juntarse? El
proceso dejaría huellas en el disco que demostrarían que un cantautor más influido en el
rock como Fito Páez no podría cuadrar siempre con un cantautor que pese a lo
rompedor de esquemas seguía siendo tan tradicionalista como Sabina. Ni hablar de la
luchas de los egos, y la personalidad preponderante de Fito sobre Sabina que parece
terminar aceptando a regañadientas (no es gratuito encontrar referencias casi absolutas a
Buenos Aires mas no sobre Madrid a lo largo del disco). Pero ello no lo hace un disco
irregular, al contrario, lo hace un disco sobrenutrido de múltiples referencias que
parecen querer aplanarse una a la otra, pero que guardan un equilibrio entre los
diferentes tracks. El título no pudo hacer mejor homenaje al disco, y para suerte de los
fans, ya superaron sus asperezas. Ah si! Calamaro sale de invitado ¿era necesario
decirlo? (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...z-enemigos.html
157
La Lupita
Pa' Servir a Ud. (1992)
La Lupita aparecía en la escena mexicana con un disco donde se fusionaba distintos
ritmos (funk, hard rock, pop, jazz rock) con concepto en una época donde la desfachatez
abría camino en el mainstream en México. El sonido conseguido en este debut puede
pecar de sofisticado pero son las canciones sin rebusque las que equilibran la
producción haciéndola digerible, sin contar con el excelente juego de boces Hector
Quijada y Rosa Adame, aunque muchos destacan también el trabajo de Lino Nava desde
la guitarra. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...ir-ud-1992.html
156
Kevin Johansen
Sur o no sur (2002)
El segundo disco de Kevin Johansen sería el pistolazo inicial para que muchos podamos
oír la propuesta de este argentino-estadounidense (en los créditos junto a su banda The
Nada) quien regresaba al formato de canción después de años pero con la gracia que
recordaban los mejores temas de Los Rodríguez y una paleta que recordaba los tiempos
más alterlatinos de Café Tacuba. La impronta al trabajo se encuentra en ese juego con el
dilema continental y la situación de una persona que ha vivido de experiencias en los
dos extremos de América. Las referencias que van de Leonard Cohen a Manu Chao solo
ayudan a entender el mestizaje en el género de cantautor a inicios del siglo XXI.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...o-sur-2002.html
155
Los Violadores
Los Violadores (1983)
Aunque Los Violadores siempre han sido una banda comprometida terminaron en
convertirse en la banda mainstream del punk de los 80's, no hay duda que su mejor
disco fue su debut, lleno de canciones crudas y lejos del formato radial en el cual luego
pudieron cuajar. En su natal Argentina, "Represión" se convertía en un himno
underground que coincidía con una época que los militares salían del poder para
retornar a la democracia, aunque también destacan "Viejo patéticos" y el cover de "El
extraño de pelo largo". (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...dores-1983.html
154
Sentimiento Muerto
El Amor Ya No Existe (1987)
Uno de los mejores discos de post-punk hechos en Latinoamérica, de parte de una de las
bandas trascendentales para el desarrollo de la escena venezolana. Pese a que fue
producido por Fito Páez, apenas es perceptible su influencia musical en el disco lleno de
referencias oscuristas (al The Cure más inspirado). Ideas frescas, atrevidas y hasta
malentendidas (por más de un crítico y DJ cuadriculado que por ejemplo se espantaba
con la voz de Dagnino) que los ha permitido ser adoptados por un grupo de culto pop,
aunque la banda se alejará de este sonido en los siguientes discos.
http://rockenlasamericas.b...amor-ya-no.html
153
A.N.I.M.A.L.
Poder Latino (1998)
Fue el disco más ambicioso de A.N.I.M.A.L., con la producción de Max Cavalera, en el
sentido de girar por un concepto el trazo del disco, y esta fue la búsqueda de identidad
latina (que se incorporaba a su ya conocida temática de reclamo social). El disco es
perfecto para el oyente que busca oir groove metal, y hay versiones de Ice-T, The
Ramones y León Gieco, este último acompaña a Jimenez en su "Cinco siglos igual", un
tema que cierra el agridulce sentir de ser latinoamericanos. Robert Trujillo, el futuro
Metallica, también colabora con el bajo en el disco, aunque el que se luce en "Loco Pro"
es Christian Olde W. de Fear Factory. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...atino-1998.html
152
Café Tacuba
Sino (2007)
Café Tacuba podría terminar un ciclo con un tributo a sus influencias sesenteras y
setenteras, pero también podría afirmarse esa pérdida de miedo por el simplismo y la
efectividad, sin ser plano. Aunque la crítica les niega la falta de experimentación (en
comparación a sus anteriores álbumes), solo en este álbum se puede ver el juego de
vocales a los diferentes miembros de la banda, y el tema más político de su carrera que
incluye una batería protagonista. El tema de nostalgia inunde el disco y no puede ser
más que el mejor enemigo del mismo. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-sino-2007.html
151
Serú Girán
Bicicleta (1980)
Serú Girán es una de las "vacas sagradas" en Argentina, pero debe haber una razón por
la que un público melómano especializado pone las manos al fuego por esta banda. En
este álbum siguen una línea entre el juego entre el jazz, el rock puro y el progresivo,
pero es la lírica de Charly García ("A los jóvenes de ayer", "Canción de Alicia en el
país", "Desarma y sangra") la que encanta a un nuevo público generacional, la que abre
las puertas a García como mensajero social ante una nueva era, pero es innegable que
como conjunto funcionaron bien en vivo y las canciones cobraban vida propia. Pat
Metheny no pensó mejor cosa que llamar a Pedro Aznar a su banda y las
contradicciones del tiempo harían el resto, consagrar esta producción como el álbum
más conceptual de la banda.
http://rockenlasamericas.b...cleta-1980.html
150
King Changò
The Return of El Santo (2000)
Los de King Changó destacaban por su facilidad de interpretar distintos sonidos
festivos, pero con este segundo disco se perfilaban como la respuesta a Ozomatli desde
la Costa Este norteamericana. Un repaso a estilos diversos como la cumbia, la música
mexicana, el raggamuffin, el ska o el reggae, pero siempre con el juego de Blanquito
Man, entre cantante de ska y rapero. Una ligera manipulación eléctronica articula el
disco pero siempre se mantiene orgánico. El productor fue KC Porter ("Fabulosos
Calavera", "Supernatural") quien imprimió su sello personal a banda neoyorquina de
origen venezolano. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...santo-2000.html
149
ZAS
Rockas Vivas (1985)
El disco argentino más vendedor en su terruño durante los 80's. La producción no solo
muestra la explosión del rock de estadio en América Latina (aunque fue grabado en el
Teatro Coliseo que no supera 2000 personas de capacidad), sino que fue el mayor
indicativo para Miguel Mateos a quitarle el crédito principal a su banda para los
álbumes a seguir. El disco repasaba anteriores éxitos de la banda (aunque incluía
"Perdiendo el control", el único tema en estudio) y la atmósfera en vivo ayudaba muy
bien, al punto que muchos fueron sencillos de presentación a nivel internacional con
buena recepción. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...vivas-1985.html
148
Caifanes
El nervio del volcán (1994)
Caifanes cierra un ciclo (probablemente en el momento que grabaron el disco no
estaban completamente conscientes de ello) de manera impecable y a la altura de las
circunstancias en el tiempo donde el rock en español y la música latino alternativa
parecían conectarse simbioticamente. Las canciones buscaban tomar una mayor fuerza
gracias a las guitarras pero a la vez la experimentación tomaba la estructura pop para
jugar con los fraseos y armonías que seguían la influencia mexicana de antes aunque
ligeramente menos evidente. El final de la banda no fue anunciado con bombos y
platillos como sucedió sus otras bandas; de hecho se mantuvo oculto durante las
presentaciones de este disco hasta que las rencillas en el grupo eran demasiado
evidentes. Sin embargo, el disco ayudó a construir un puente que Saúl Hernández
intentará retomar en Jaguares. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...olcan-1994.html
147
Los Rodríguez
Buena suerte (1991)
Hay que reconocer que existen álbumes que no fueron aclamados en el momento en que
aparecieron (así sucedió con el Loveless de My Bloody Valentine, el Marquee Moon de
Television, entre muchísimos álbumes más), el debut de Los Rodríguez tuvo una
historia similar. Su música no era entendida por el público, el mundo pop los
consideraba muy rockeros, y el mundo del rock los veia como unos rumberos. La
discográfica independiente quebró al poco tiempo de editado el disco. Inesperadamente,
el que salvaría el disco del olvido sería Maradona, quien desde el Sevilla (su equipo en
aquel entonces) pedía oír la canción "Mi enfermedad" cada vez que metía un gol. Más
allá de la anécdota y lo que ocasionaría después, no se puede dejar de mencionar lo
atrevido de su fusión en su momento que evoca a un blues mestizo pero que puede jugar
a un Tequila (la banda anterior de Ariel Rot) en clave adulta e intrépida a la vez.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...uerte-1991.html
146
Miranda!
Es mentira (2002)
Miranda! es una banda que regesaba las bases del pop a las escenas de los clubes y las
escenas que circulan en la vida nocturna de las ciudad, en su paso, especificamente en
Buenos Aires. El disco jugaba con el synthpop pero retrotraía influencia de la era
dorada del rock en español como Virus, salían airosos de ese ligero margen de
experimentación conceptual que permite este disco y que perderán por completo en sus
futuras producciones. El juego de lo visual y lo andrógino funcionó y permitió un mayor
interés por este tipo de bandas a nivel mainstream. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...ntira-2002.html
145
Los Piojos
Tercer arco (1996)
El disco emblemático del llamado rock chabón (o rock barrial argentino) que mostraba
notorios himnos de estadios que jugaban con ritmos diversos (rock 'n' roll, candombe,
funk, etc) y con un juego entre una cuota humorística que enerba a las masas joviales
(¿o me van a decir que "Verano del 92" es un tema serio?) y un sentimiento con olor a
crónica citadina. La popularidad les llegó con estas canciones y pudieron mantenerla
durante años en su país natal, dándole a estas canciones las muestras más variopintas
que un melómano podrá oír respecto a una banda en su género. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-arco-1996.html
144
La Cuca
La Invasión de Los Blátidos (1991)
Con una propuesta de metal alternativo (con un giro de mayor mente abierta que los
antecesores), La Cuca asaltaba la escena mexicana que demoró en entender su propuesta
cargada de un humor fácil y con canciones que podían ser fácilmente censurables en la
entonces radio cucufata local. El juego con las referencias a otros estilos estaban en
canciones como "El son del dolor" o "Don Goyo", aunque el primero terminó por
convertirse en la presentación del disco ante las masas, quizás por ser la más accesible.
La producción estuvo a cargo de Jorge "Chiquis" Amaro y en su conjunto marcó un
interesante precedente para un futuro rock mexicano más desinhibido ante el
mainstream. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...s-blatidos.html
143
Manal
Manal (1970)
El debut de Manal era un manifiesto audaz que respondía al desarrollo del blues
británico por parte de bandas como Cream o Ten Years After, pero también rescindía en
el sostenimiento por interpretar en idioma castellano y seguía poniendo a Argentina en
abanderados en ello. Las canciones persiguen una magia sabrosa porque se perfilan
como una verdadera banda sonora de una bohemia Buenos Aires, que encontraba en La
Cueva (mítica lugar de inicios del rock en la ciudad) un refugio donde poder ejecutar la
música que más amaban. La voz cruda de Javier Martinez y la guitarra jocosa de
Claudio Gabis son reconocidas como necesarias en su país hasta la actualidad.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...manal-1970.html
142
Kortatu
Kortatu (1985)
Subversivo es el término perfecto para describir a está producción que aún a muchos les
pone de pelos de punta. Y es que es difícil que recibas aplausos en canciones donde
hablas de bombardear iglesias o gritar hurras por líderes de la ETA, pero es que Kortatu
exportaba y radicalizaba la revolución musical que The Clash había iniciado en
"London Calling". Orgullosos de cantar en vasco (alternándolo con canciones en
castellano) y con un ska impuro y maldito, la banda terminó convirtiéndose en un prócer
casi imperceptible del rock de sonido latino que agrupaciones en América como Maldita
Vecindad desarrollarían en los siguientes años. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...rtatu-1985.html
141
Moris
Treinta minutos de vida (1970)
La música de cantautor jamás volvió a sonar tan salvaje como en este disco, y es que un
artista nutrido de géneros musicales que aún no encontraban enlace podía originar algo
totalmente diferente. Y es que no se trataba de electrificarse (como Bob Dylan), se
trataba de un planteamiento lírico directo y que sin ideologías representaba la voz de
una juventud que por primera vez sentía la necesidad de expresar su voz. El disco fue
armándose de canciones grabadas en distintos tiempos pero el conjunto resulta
realmente increíble, desde el superficialmente inocente tema de "El oso" hasta el
cuestionamiento a la sociedad homofóbica en "Escuchame entre el ruido" y pasando por
el claustrofóbico "De nada sirve" generaron un interesante precedente para el rock de
cantautor. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-vida-1970.html
140
Panteón Rococó
Compañeros Musicales (2002)
Segundo disco de la banda mexicana y producido por Flavio Cianciarullo. Su sonido
tomaba por igual las influencias tanto de Maldita Vecindad como de los Fabulosos
Cadillacs, y cuya recepción les hizo liderar una nueva oleada de bandas de ska a inicios
de los 2000's. El repunte era el regreso de la lírica social que estaba pasando por alto en
el mainstream, y su permeabilidad de acoger distintos públicos les permitió ganarse
adeptos en distintos estratos dentro y fuera de México. Del disco sobresalen "La rubia y
el demonio", "Esta noche" y sobre todo, "La carencia", un tema en clave de merengue
reforzado de un ska-punk poderoso que lo convirtió en su tema más popular.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-musicales.html
139
Luis Alberto Spinetta
Kamikaze (1982)
Este álbum puede sonar a una confirmación de lo que ya había dejado en claro Spinetta
a través de sus distintas bandas en los 70's pero también es la declaración de un hombre
a autorevisarse sin temor a ir en contra de la corriente, y es que en el momento en que la
historia lanzaba al estrellato a figuras que andaban por cursos camaleónicos, el músico
hacía su disco más intimista y con temas con sensibilidad adulta que solo el tiempo iban
a terminar alzando y dándole el lugar que corresponden. Destaca sin la menor duda el
tema "Barro tal vez". (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...ikaze-1982.html
138
Cerati / Melero
Colores Santos (1992)
Digan lo que digan, Gustavo Cerati siempre fue un músico inquieto. Y Daniel Melero
fue una influencia muy fuerte en sus búsqueda sonora. En esta producción concretan ese
placer que tenían por la electrónica, a veces estirado hacia la canción, a veces como un
mero experimento. Difícil destacar una canción en particular pero ha ganado un
cultismo debido a ser una de las pocas verdaderas muestras de experimentación en su
rubro a nivel latinoamericano. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...iel-melero.html
137
Jarabe de Palo
La Flaca (1996)
Jarabe de Palo fue una de las pocas bandas españolas que llegó a gozar de muchas
popularidad en ambos lados del Atlántico durante los 90's. ¿Qué hizo? Importó a su país
lo alterlatino no sin antes con un filtrado de minimalismo pop pero que podía oler
alguna referencia a Kiko Veneno, Santana o la añeja Cuba (que fue una inspiración vital
en el disco). Las canciones funcionaron muy bien en América, aunque en España la
crítica los destrozó (les olieron muy comerciales) y los tildaron de copias de Radio
Futura (algo muy chistoso para que conoce un mínimo las referencias latinoamericanas
de esta banda). El tema homónimo que era un tema que combinaba un ligero afro-jazz
cubano con un cadente blues se convirtió en un clásico del rock en español aunque
también destacaron "Grita" y "El lado oscuro". (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...flaca-1996.html
136
Los Tres
Fome (1997)
¿Qué significa "fome"? Eso es lo primero que una persona ajena a chilenismos se puede
preguntar, pero más allá del sarcasmo del título (no voy a responder la pregunta, ese es
tarea para ti) este vendría a ser la producción con mayor aceptación a nivel
internacional. En el disco hay cierta crudeza en comparación a su discografía anterior,
pero a su vez también hay un mayor recorrido de las letras (desde la autoinquisitiva
"Toco fondo" a la casi simplista de "Restorán"). Sónicamente hacía un repaso a todos
los estilos que habpina incursionado en el tiempo pero esta vez en conjunto tenía mayor
cohesión y quizás es la razón por la que muchos lo consideran el más relevante de su
carrera. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-fome-1997.html
135
Los de Abajo
Los de Abajo (1998)
álbum debut de la banda alterlatina mexicana Los de Abajo que pese a su base ska se
distinguía del resto por una notorio influencia en música tradicional cubana. A ello se
añade las letras fuertemente comprometidas con la lucha social y reinvidiación de los
pueblos. Su actitud punk encantó a David Byrne, que desde su disquera Luaka Bop
ayudó a la realización de la producción. El fruto del trabajo se vería en discografía
posterior que les ha permitido mucha aceptación entre los amantes del ska internacional
y el world music. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...abajo-1998.html
134
Julieta Venegas
Aquí (1997)
Julieta Venegas debutaba con un disco donde desnudaba sentimientos y se perdían entre
melodías a cargo de su acordeón (y el piano) o de los arreglos a cargo de Gustavo
Santaolalla quien produjo el disco. Una capa marginalista del rock alternativo noventero
parecía rodear el disco que sabe sacar canciones que exploraban el punto de vista
femenino o la descripción social. Probablemente nunca volvería a sonar tan cantautora
como aqui pero no hay que negar que el cierto oscurismo que construía en su concepto
no terminaba por demostrar toda la paleta de colores que significa el concepto de su
música. Los hermanos Rangel de Café Tacuba también participan en el disco en los
instrumentos. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-aqui-1997.html
133
Leño
Leño (1979)
El rock urbano español se iba acercando a sonidos más duros, pero pocos lograron a
acercarse a un concepto de disco de forma tan fascinante como Leño en su debut. La
producción abría con un tema de 10 minutos de reminiscencias al Black Sabbath más
bestial, pero el acercamiento al heavy metal seminal se presentaba en forma
consecuente a lo largo de los tracks (aunque hay un par de tracks que juegan con el
progresivo), que se acompañaban por letras que describía abiertamente la vida del
rockero en su tiempo. Un precedente que ha tomado forma de culto incluso en el
continente americano, donde las canciones de la banda llegarían más tarde introducidas
por Miguel Ríos. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-leno-1979.html
132
Invisible
El jardín de los presentes (1976)
Invisible era un grupo técnico, no había la menor duda. Y eso permitía a Spinetta
encausarse por los experimentos líricos más edulcorados que permitía el rock
progresivo (bañado en jazz rock con influencias tangueras) aquel tiempo. Pese a lo
excesivo que podría haber sido ello, ironicamente cautivo a un público local en
Argentina que hizo de "El anillo del Capitán Beto" y "Niño condenado", clásicos
adelantados a su tiempo. Su aparente abstracción parecía alejarlo de la realidad social de
su tiempo, pero los años parecen haberle hecho muy bien hasta convertirlo en un
indispensable en la discografía del rock argentino setentero. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...din-de-los.html
131
Los Fabulosos Cadillacs
Rey Azúcar (1995)
Este álbum constuía la muestra de Los Fabulosos Cadillacs ante la exposición que
tuvieron luego del éxito de "Matador", pero también estaba mezclada por un momento
donde aún la letra social y politizada iba en el concepto de la banda. El disco se nutre de
ska, salsa y reggae y cumple con ser una perfecta banda sonora fiestera, más cerca de lo
popular a diferencia de sus futuras producciones. En el disco hay colaboraciones de
Debbie Harry (Blondie) y Mick Jones (The Clash) y contaba con la producción de Tina
Weymouth y Chris Frantz (Tom Tom Club, ex-Talking Heads). El tema más popular
fue "Mal bicho", que sonó a lo largo del continente. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...rey-azucar.html
130
Catupecu Machu
Cuentos decapitados (2000)
Catupecu Machu concretaba un concepto de rock pesado abierto a influencias del new
wave. Parecía extraño pero su concepto tenía rigidez atractiva para tiempo por donde la
música pop giraba hacia un metal efectista. Canciones bien logradas acompañados de
una buena performance, y sobre todo un apoyo de su disquera que los llevó a las masas
y como uno de los actos alternativos más interesante a inicios de los 2000's a nivel
latinoamericano. (J.LMercado)
http://rockenlasamericas.b...ecapitados.html
129
Los Shakers
La conferencia secreta del Toto's Bar (1968)
Le llaman "el Sgt. Pepper's rioplatense", pero ese apelativo puede jugar como doble filo.
¿Le queda grande el título?¿Es una mera copia del famoso disco de The Beatles? Hay
que considerar que esta bandera uruguaya emulo a los Fab Four de una manera
escandalosa desde sus inicios (hasta el punto de poderles llamar sus clones
sudamericanos), asi que este disco pudo realmente ser lo más creativo en cuanto el
concepto en el que se desarrolló la banda. Y es que más hubo un trabajo compositivo y
real y una intencionalidad de trascender, que se muestra especificamente por los temas
"Candombe" y "Más largo que el ciruela", donde se buscaba folklorizar el sonido
psicodélico.
http://rockenlasamericas.b...ia-secreta.html
128
Nortec Collective
Tijuana Sessions, Vol. 1 (2000) [Compilation]
El Nortec Collective respondía a una escena underground más que a un colectivo en sí,
pero en ello estaba su magia: el poder haber constituido un único sonido a través de
diversos exponentes unidos por su visión de futuro en un lugar determinado. La idea
nació de Fussible (Pepe Mogt) que tras haber sido parte de la escena electrónica en
Tijuana empezó a desarrollar experimentaciones con sonidos provenientes de música
nortena pero desde una base ritmica adecuada para las pistas de baile. El compilado
permitió conocer a artistas como Bostich, Panóptica, Plankton Man, Hiperboreal y
Terrestre y fue el inicio de una tendencia que caló fuertísimo en una etapa dorada para
el alterlatino electrónico de aceptación mundial. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...a-sessions.html
127
Tijuana No!
Tijuana No! (1994)
Tijuana No! era un grupo altamente influenciado por la música ska y el reggae quienes
aprovecharon su locación limítrofe para poder hablar en sus temáticas del
enfrentamiento entre Estados Unidos y México. La influencia de rock con fusión latina
encantó a Manu Chao quien apadrinó a la banda (y participa en algunos tracks del
disco), mientras Julieta Venegas tomaba un paso al costado aunque no sin dejarles como
composición el tema más popular de la producción: "Pobre de ti". (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...na-no-1992.html
126
Brujería
Raza odiada (1995)
En su segundo álbum, los brutales Brujería quería algo más pensado. Esta banda
formada por estadounidenses de ascendencia hispana (y cuyo rostro ocultando durante
tiempo creando un mito que ayudó a perfilar su concepto) canalizó el odio y la
discriminación de los gringos racistas contra los mexicanos asi como el entonces
reciente hecho de la alza de los zapatistas en Chiapas para reforzar el "narco-satanismo"
al que quería hacernos acostumbrar. De hecho letras como (el "Pito Wilson") están
basadas en hechos reales; pero al final el concepto pesado basado en su grindcore de
mente abierta, es solo una broma. Algo que no debe ser tomado más como un concepto
para burlarse de nuestra realidad, una visión muy macabra que no es apto para todos.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...diada-1995.html
125
El Ritual
El Ritual (1971)
Album de culto de una banda que apenas grabó un disco de estudio. Formados en Baja
California (cerca al limite con los Estados Unidos) e interpretando en inglés, jugaban
con la psicodelia en clave del concepto glam (una cercanía por lo visual) cuando aún ni
se le llamaba asi en aquellos días. Oscuristas en temática (las líricas con alusiones a
Satanás están presentes a lo largo del disco) pero experimentales (hay un denote por el
seminal rock duro y el progresivo). Una interesante muestra del rock mexicano en la era
de Avandaro, poco antes del duro golpe al género. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...itual-1971.html
124
Bunbury
Pequeño (1999)
Enrique Bunbury aún seguía en la búsqueda de su sonido y se sumerge en las raíces
tradicionales de la música latinoamericana y recupera música tradicional española. El
disco pareciera estar muy influido por la onda alterlatina que sometía a América en los
90's, pero la producción siempre buscó encuadrarse dentro de los principios del pop y
cuidándose como una producción de cantautor. El resultado es una suerte de puente
musical entre tradiciones que hasta ese entonces por cuestiones geográficas (y hasta, en
cierta medida, sociales) no podía conjugarse en uno solo. Himnos como el tema
homónimo o "El extranjero" solo permitieron ensalzar el nuevo sendero de Bunbury en
la música popular. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...queno-1999.html
123
Los Auténticos Decadentes
Mi vida loca (1995)
Los Auténticos Decadentes siempre fue el punto medio entre lo que debería ser una
banda de rock barrial y una banda de rock pachanguero, pero dentro de ese marco el
disco podría ser el climax en cuanto a curiosidad musical desarrollada (que va en el
acercamiento de ritmos desde la bossa nova a cumbia peruana) y que podría compararse
en cierta medida con los mejores albumes de la música alterlatina como el "Re" de Café
Tacuba . La producción dejo un sinnúmero de himnos parranderos (como "La guitarra"
o "Corazón") y ayudó a la consagración de la banda a nivel latinoamericano que se
convirtió en la favorita en lugares desde pequeños locales hasta grandes estadios de
fútbol. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...es-mi-vida.html
122
Virus
Locura (1985)
Virus fue una de las primeras bandas en Latinoamérica que traía ese concepto que
confundía el glamour, el kitsch y la onda vanguardista (y que ahora está siendo
retomado por un sinnúmero de banda de corte indie). En este álbum, el pop se deslizaba
por aires sensuales al máximo recubierto por los sintetizadores que empezaban a ser
protagonista de la década. El disco grabado en Nueva York capta el mayor hedonismo
del new wave y el resultado fue un muy buen precedente para la música popular hecha
en Latinoamérica. Fue el más popular y destacó "Luna de miel en la luna" y "Pronta
entrega". (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...ocura-1985.html
121
Bajofondo Tango Club
Bajofondo Tango Club (2003)
Bajofondo venía a ser la respuesta de Santaolalla con Juan Campodónico a Gotan
Project, pero esta vez el tango jugaba de local y buscaba reunir un colectivo de personas
de diversas índoles dispuestas a tratar al género desde la experimentación, en especial
de la electrónica y cuyo resultado le daba una impronta que mantenía la elegancia
original pero que se podía bailar en una discoteca en alguna ciudad europea. El producto
final fue un interesante debut que consagraba una nueva corriente y traía importantes
exponentes como a Supervielle o Moviola.
http://rockenlasamericas.b...-bajofondo.html
120
Traffic Sound
Virgin (1969)
Traffic Sound es una banda casi sui generis en el Perú. Contaminados de diversas
influencias sesenteras pudieron formar un concepto único en un disco que es una de las
mejores muestras del rock psicodélico hecho en Sudamérica. El disco no tiene
canciones en castellano pero la canción "Meshkalina" se convirtió igualmente en una de
las representativas de su tiempo. El disco ha ido tomando un cultismo por los
coleccionistas de rock "psych-prog" alrededor del mundo y es una de las mejores
producciones en lengua extranjera del rock iberoamericano. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...irgin-1969.html
119
Jumbo
Restaurant (1999)
Jumbo fue una de las bandas de rock alternativas mejor aceptadas de México a finales
de los 90s y este album fue una ruptura del cerrado mainstream local que dificultaba su
acceso para banda fuera de la capital mexicana. Pero el disco tiene sus propias
cualidades que lo hacen ideal dentro del pop-rock y han convertido en varias de sus
canciones en clásicos contemporáneos del género en especial "Siento que" y
"Fotografía". (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...urant-1999.html
118
Fobia
Mundo feliz (1991)
Fobia hacía un giro interesante del pop-rock mainstream hacia experimentos
alternativos pero siempre desde la estructura de la canción pop y matizado con un
humor que iba con la tendencia discotequera de la época (como su emblemátcio tema
"El diablo" que empieza con un audio proveniente de alguna telenovela argentina y que
usaba hartos elementos lúdicos) casi de referencia psicodélica (como en "El cerebro").
Con un poco de mente abierta, el disco es disfrutable de inicio a final y eso lo pensaron
muchos mexicanos que a partir de allí los cobijaron como uno de los consentidos de la
escena. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...feliz-1991.html
117
Ely Guerra
Lotofire (2002)
El tercer disco de Ely Guerra tuvo una doble vida. Si bien en su estreno en México en
1999 causó una importante recepción en su país, fue la re-edición del 2002 la que
consagró a la artista (lanzado al poco tiempo que consiguió éxito radial la colaboración
que hizo con La Ley para el Unplugged de MTV). El álbum producido por Andrés
Levin (y con la opinión en consulta de Arto Lindsay) es un paradigma en onda relax
donde Ely Guerra explota las distintas matices de su voz. Las canciones parecen
enmarcarse entre lo acústico y lo electrónico. Toma la sensualidad del trip hop pero los
productores buscan el sonido más orgánico. No es un disco con temas radiales y por eso
la lucha de Guerra terminó abriéndole un pequeño espacio en el circuito alternativo en
Estados Unidos donde se interesaron por la producción. Sin duda, la muestra más
interesante que nos trajo esta cantautora. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...ofire-1999.html
116
Fito Páez
Circo Beat (1994)
El disco que seguía al ya exitoso "El Amor después del amor" tenía que repetir o
superar el plato. Habían muchos expectativas de la industria, la crítica y el público, y
aunque Fito sigue en esa linea de la canción pop el enfoque fue a una suerte de tributo a
su juventud y su obsesión por The Beatles (en especial, por el disco del Sgt. Pepper)
cuando vivía en la ciudad de Rosario. Las canciones buscaban mostrarse glamorosas y
Fito parecía canalizar un ego creciente en talento puro. Su consagración en el
mainstream latinoamericano y el tipo mediático emergerían al poco tiempo y "Mariposa
tecknicolor" se convertiría en su tema más reproducido en las radios de la región.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-beat-1994.html
115
Vox Dei
La Biblia (1971)
¿Un disco conceptual sobre las Sagradas Escrituras? Suena jocoso o simplemente
retador al Todopoderoso, pero el resultado es uno de los más grandes deleites del rock
progresivo hecho en América Latina. El proyecto resultaba sumamente ambicioso y, si
consideramos que se trataba de una banda que recién comenzaba, de un día para otro se
convertían en gran atención que llegaría hasta oidos de la propia Iglesia en Argentina.
Hecho como una opera-rock y relatando los principales libros que componen los textos
religiosos acabaron en peleas entre los miembros de la banda, pero su legado queda
plasmado hasta en hechos curiosos como el cover de Soda Stereo de "Génesis" que hizo
en la serie Unplugged (y que aparece en una nueva versión del CD). (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...iblia-1971.html
114
Los Bunkers
La culpa (2003)
Aún poca gente no ha percibido el crecimiento de una banda como Los Bunkers en los
circuitos alternativos internacionales, y es que sus continuos trabajos discográficos no
han permitido que el público se digne a apreciar uno en particular. En este álbum la
banda dejó la influencia casi calco a The Beatles y buscó refugiarse entre el garage rock,
la psicodelia y por supuesto pop, pero también folk (y con mucha influencia tradicional
chilena a lo Inti Illimani y no es por nada su excelente versión de "La exiliada del sur")
y letras que descargan amores frustrados, depresión y sentimientos nostálgicos (y las
innumerables menciones no tan optimistas a Dios). La búsqueda del contacto de la
música popular de su país (en especial de la nueva canción chilena) con la corriente
contemporanea del rock nunca había cuajado tan bien y es don esta producción los que
dudaban que ellos pudieran ser los herederos de Los Tres se tragaron sus palabras.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...culpa-2003.html
113
Santa Sabina
Santa Sabina (1992)
Santa Sabina debutaba en la escena mexicana con un disco nutrido de referencias poco
habituales. Muy influidos por el jazz y llenos de referencias góticas a la vez sabían
como construir buenas canciones pop. Todo ello permite conjugar un concepto original
y hasta intelectual (considerando ciertas referencias literarias) que gozó de una
recepción de un público local que no se había identificado con otras bandas de la escena
hasta ese entonces. El disco producido por Alejandro Marcovich (Caifanes) tuvo 2
canciones entraron a la radio ("Azul casi morado" y "Chicles") que les permitió sostener
un éxito mainstream moderado y que ahora son parte de los clásicos del rock en
español. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...abina-1992.html
112
Lucybell
Viajar (1996)
El álbum que consagra a Lucybell como exponente máximo de la corriente alternativa
en América Latina. Las canciones toman una mayor perfilación de la estructura pop
pero siempre entre las influencias provenientes del dream-pop, el post-punk y en menor
modo, el rock industrial. Ese nuevo enfoque le permitió ser más accesible consiguiendo
un tope de popularidad en su natal Chile y la internacionalización. Su carta de
presentación "Mataz" era la máxima invitación a un viaje sónico (que por cierto hacía
alusión el título del disco) el cual gozó de una buena rotación de MTV en su momento.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...mataz-1996.html
111
Loquillo y Trogloditas
El ritmo del garaje (1983)
La unión de Sabino Mendez y Loquillo daba paso a una banda que sin tomarse las cosas
muy en serio supieron meter su concepto de rock and roll puro en la movida madrileña
(aunque sus miembros eran de distintos lados de España). Aunque su propuesta demoró
un poco más en calar en el continente americano, es evidente que este fue su mejor
momento donde en las vocales hubo algunas colaboraciones de Alaska ("El ritmo del
garaje", "Quiero un camión"). (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-ritmo-del.html
110
El Otro Yo
Abre caminos (1999)
A una década de su salida, El Otro Yo cambió el rock alternativo con una producción
que viraba un concepto más bailable y encuasada de la energía punk que ya
caracterizaba a la banda pudiendo ser capaces de crear notables himnos (¿anti?)pop
como el himno de "La música" o "No me importa morir", y que hizo capaz de hacer
realidad lo que hasta ese entonces una banda independiente en Latinoamérica no había
logrado, no sin antes llevar a un grupo de jóvenes como nuevos fanáticos que aceptaban
la conjunción del ruidismo, lo electrónico y la rebeldía adolescente en su fresca
filosofía. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...minos-1999.html
109
Zoé
Zoé (2001)
Cuando Zoé aparece con su disco debut, parecía que en México se trataba del secreto
mejor guardado. Renombrados músicos del país del norte como Saúl Hernández o
Alejandro Otaola, le daban su "patadita" de la suerte con su presencia a la producción
¿Pero todo lo que se decía era justificado? Parece que el tiempo le terminó dando razón
a los que decían ello, y no por nada, muchos de sus temas ("Asteroide", "Deja te
conecto", "Miel") terminaron quedando como parte de las clásicas de la banda, antes de
su exploración por el mundo del indie, pero que desde la última corriente alternativo
demostró estar a la altura de las circunstancias. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...e-zoe-2001.html
108
Molotov
Dance and Dense Denso (2003)
Molotov se sacaba una espina en su tercera producción reinventando su estética y
girando sus letras antes marcadas por la misoginia o la afronta por el descaro y el "me
vale madres". Nota de ello es su himno "Here we kum" donde dicen abiertamente (entre
el chiste y la mala leche) que están por el dinero y tendrás que resignarte. El disco
traslada su ya conocido sonido de rap metal en un rock más directo y pensado en
presentaciones en vivo, aunque en los temas políticos, hay juegos con otros estilos, en
especial "Frijolero", la canción en clave de música norteña que consagró a la banda en
las listas de éxitos y donde se burlaban sin tapujos del racismo del estadounidense y su
choque con el problema de la inmigración. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...denso-2003.html
107
Enanitos Verdes
Contra reloj (1986)
Los Enanitos Verdes se anotaban en la cada vez lista más grande de artistas que se
predisponían a conquistar todo Latinoamérica con un puñado de canciones que giraba
entre el rock adulto-contemporaneo y un pop guitarrero atrapante y cuyo mejor sintoma
de encanto y aceptación se encontró en "La muralla verde", su tema más emblemático
dentro de lo que hicieron en los años 80s, aunque también otros temas como "Cada vez
que digo adiós", "Tus viejas cartas" o "Simulacro de tensión" han pasado rápidamente al
repertorio clásico de la edad dorada del rock en español. La producción estuvo a cargo
de Andrés Calamaro que si haces un buen esfuerzo puedes distinguir su voz en algunos
coros de la producción. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...reloj-1986.html
106
Ska-P
El vals del obrero (1996)
De un día para otro, Ska-P se convierte en un estallido gracias a una promoción
estratégica de su disquera, pero que demostraba el lado más contestario de España en
América desde La Polla Records. A base de un ska más acelerado y con evidente mayor
influencia del punk del que los principales exponentes del género en Latinoamérica, los
chicos se convirtieron rápidamente en los favoritos de una nueva generación que abrazó
sus himnos de socialismo y protesta social, que traía otros de mayor fácil enganche para
la chiquillada como "Cannabis", y es que la banda siempre tuvo un as bajo la manga que
los hizo destacables y reverenciados en la región, y su debut fue una sensacional carta
de presentación lejos de lo acostumbrado a oír desde el viejo continente. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...brero-1996.html
105
Babasónicos
Anoche (2005)
Para muchos con este disco Babasónicos cerraba una trilogía que había empezado con
"Jessico" el 2001, una exploración de las diferentes artistas que proporciona el pop, pero
en esta oportunidad se hace desde una manera más crítica y más autoreflexiva. La
arrogante figura del excéntrico rock star que siempre ha rodeado las letras cantadas por
Adrián Dárgelos son ahora un tipo susceptible y totalmente sensible al ser blanco fácil
de su posición como músico mediático. La psicodelia es más dosificada y algunos le
acusan de conceptual (algo que puede ser puesto en duda fácilmente). Contó con la
producción de Andrew Weiss y el resultado es terminó de cerrar su consagración ya
previamente obtenida a nivel internacional con una máxima aceptación en territorio
mexicano. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...noche-2005.html
104
Los Jaivas
La ventana [Todos juntos] (1973)
Los Jaivas empiezan a construir un rock popular a partir de la simbiosis de evidentes
retazos de la tradición de la Nueva Canción Chilena y se edulcoraba entre la psicodelia
y el progresivo. Para este álbum, se toma el concepto a una búsqueda de himnos donde
se combinaban instrumentos del foklore andino con canticos que evocaban la paz, la
unidad así como la búsqueda de la conectividad entre el mundo indígena sudamericano
con el mundo moderno occidental. Irónicamente, no pasaría ni un solo año desde su
lanzamiento cuando entró la dictadura militar. Sin embargo, estas canciones se
conservaron como una búsqueda de idealismo en tiempos brutales y fue el más excelso
ejemplo de la fusión y desarrollo del rock y el mestizaje en los 70's. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...dos-juntos.html
103
Porter
Atemahawke (2007)
La apreciación de un disco como este habla mucho de los nuevos tiempos donde se ha
asentado sobre una generación que ha construido un mundo que se achica y acepta la
convivencia de lo ridículo, lo serio, lo simple y lo pretencioso. Lo indie converge esa
amalgama y fuera de sus vías puede ser facilmente descontextualizado y traído a
blancos de criticas. ¿Alguna duda que este disco sobreviva a los tiempos? Ninguna, por
ello canciones como "Host of the ghost" o "Cuervos" pueden guardarse como himnos de
la era del ipod y marcar un nuevo hito de una historia que todavía tiene mucho para dar
(aunque no sea el mismo caso para la banda). (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...hawke-2007.html
102
La Barranca
El fuego de la noche (1996)
La unión entre José Manuel Aguilera, Federico Fong y Alfonso André en la transición
Caifanes-Jaguares sería el hecho seminal de un proyecto donde buscaban converger su
interés por el blues, el progresivo y la búsqueda de elementos mexicanos que coinciden
para dar una de las mejores obras alternativas de los 90's. Los años le han dado una
suerte de cultismo a la producción y lo han puesto como la gran obra que supo continuar
lo que desde hace unos años habían empezado bandas como Real de Catorce.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...e-la-noche.html
101
La Máquina de Hacer Pájaros
La Máquina de Hacer Pájaros (1976)
La Máquina de Hacer Pájaros era un proyecto de Charly García donde quería deshacer
sus demonios que lo llevaban a adentrarse al rock sinfónico, convocando a músicos de
primer nivel (donde destacaba el baterista Oscar Moro). Había una influencia de bandas
como Yes o Emerson, Lake & Palmer aunque en un par de tracks hay un acercamiento
al folk. El disco que fue lanzado con bombos y platillos en su natal Argentina no tuvo la
repercusión en popularidad que esperaban aunque "Bubulina" y "Como mata el invierno
norte" se convirtieron en himnos de culto.
http://rockenlasamericas.b...pajaros-la.html
100
Hombres G
Hombres G (1985)
Tras la pobre acogida que tuvieron sus primeros singles, Hombres G se vio en la calle
sin el auspicio de ninguna compañía tanto independiente como multinacional. Tras ese
momento de incertidumbre, Paco Martín decide ficharles y editarles su primer LP bajo
el sello Twins que acababa de fundar bajo el autotitulado "Hombres G". Se trataba de un
disco de rock/pop con letras simples y entretenidas revestidas con efectivas melodías
amigables para la radio; el cuarteto logra recuperar uno de sus primeros singles
previamente editados ("Venezia"), que junto a la archifamosa "Devuélveme a mi chica"
los catapultaría de la noche a la mañana en la nueva sensación pop del momento.
También se atrevieron con algunas baladas como "No Llorare", "Vuelve a Mi", o "Hace
un Año".
Entre las curiosidades esta la inespeada ficción política "Matar a Castro", la cual
describe con lujo de detalles como una niña le asestaría el golpe mortal al dictador
liberando al pueblo cubano de la opresión. El resultado de Hombres G fue abrumador y
lo suficiente para convertirlos en un fenómeno social que llena estadios al margen de la
Movida madrileña.
http://rockenlasamericas.b...-hombres-g.html
99
Dug Dug's
Smog (1972)
Los ritmos heterodoxos se mezclan en el infinito: lisérgicos, psicodélicos,
transformados en colores que giran cíclicos, involuntariando a las víctimas de un ritmo
pegadizo, incoherente, fugaz. Una mezcla exquisita de pies negros, de grito sublevado.
Evocación abstracta del viaje por el subconsciente, montado en las barbas de Freud, en
los lentes de Sartre y en las pestañas de Camus: como orfebres mecánicos de la
simulación. Dug Dug´s sumergen su cabeza en la alcantarilla roquera, en el peliagudo y
obsceno mundo de las tragedias y las fobias musicales. Piedra insoslayable de la música
latina, del rock en libertad absoluta, en psicotrópico anhelo descolonizado, el grito tribal
del México feto (bebé rock), México recién nato, México infante.
Dug Dug´s y su humeante música (vaya a saber uno de que sustancia específica), es el
eslabón principal en la cadena de acontecimientos para el crecimiento revitalizante de la
música roquera mexicana. En completa y sincronizada independencia, pero con
reminiscencias identificables: Grateful Dead, Cream, Iron Butterfly o The Who.
Excelente e imprescindible. (Imfreakalot)
http://rockenlasamericas.b...smoke-1974.html
98
Todos Tus Muertos
Dale aborigen (1994)
Cultura popular, mate. Cultura aborigen, raíces. Cultura subasfalto, Todos Tus Muertos.
Conectadas con raíces negras, aborígenes, gauchescas, lo que sea. Fidel Nadal y
compañía, en su tercer disco, "Dale Aborigen", siembran la última semilla punk: el grito
de rebeldía, de suciedad en los codos, y amenazan con no volver a pronunciarse nunca
más. Anarquía vuelta canción, el espacio se abre entre gritos sublevados, de redención.
La canción trasciende cualquier espacio, tiempo: oscilación etérea que nos une, nos hace
hermanos. Somos los negros pies de plomo, los latinos que tocan bombos y hacen
rituales. Los que tienen las mismas fachas, los mismos nombres. Los que luchan contra
el imperio, en la narcotizante conexión a la estupidez. Todos tus Muertos reafirman, en
este disco, el más importante de su carrera, su lucha eterna, su mensaje en los brazos de
abrazo, en los lienzos con que se escriben las pancartas. Y suelta, como epílogo, a ritmo
punk, hardcore, y por momentos rastafari, que hay que seguir luchando por la libertad
espiritual. Manu Chao y Fermin Muguruza dieron la mano. (Imfreakalot)
http://rockenlasamericas.b...rigen-1994.html
97
Los Fabulosos Cadillacs
La marcha del golazo solitario (1999)
Hacía falta que sean conscientes de la calidad musical que su banda compone gracias a
que Flavio Cianciarullo y Ariel Minimal formaban parte activa despojando a la clásica
fórmula. El resultado es una mezcla de ritmos de variada intensidad, una poética
infinitamente distanciada de la anterior (metafórica, metafísica, oscura) y arreglos de
toda índole; una presencia más aceitada de los instrumentos centrales, bajo y guitarra, y
un adoctrinamiento necesario a la aguardentada voz de Vicentico.
Todo eso y una paleta inusitada de sensaciones es "La marcha del golazo solitario". De
manera selectiva: postura tanguera, las bases melódicas jazzeras, la guitarra tintineante
del funk, canciones con reminiscencias a la chanson francesa y el lujo prominente
(necesario) del glam rocker. Es, la huella necesaria para una carrera con altibajos,
marcada por el éxito abrasivo que, por momentos, los desvió del camino musical,
llevándolos al hit radial de dudosa calidad técnica. Es, además, el perfecto
acompañamiento a su predecesor disco "Fabulosos Calavera", como muestra tangible de
un cambio rapaz. Ahh...también reconciliación con su público. (Imfreakalot)
http://rockenlasamericas.b...-la-marcha.html
96
Maná
¿Dónde jugarán los niños? (1992)
Maná es la banda más "sistema" que ha tenido el género sin lugar a dudas. Su búsqueda
por acomodarse en el lugar más placentero del mainstream los hizo romper con el tabú
de la industria de la música en español de que una banda no vocal jamás podría superar
en ventas lo conseguido por los solistas que suelen llenarnos las radios. Y es que la
fórmula se concentraba en llevar el rock pachanguero a un nuevo standard ("Como te
deseo", "La chula") acompañada de baladas romanticas de guitarra acústica ("Vivir sin
aire", "Te lloré un río") y algunos temas sin potencialidad de sencillos donde había
cierta crítica social. En momentos donde el rock buscaba influencias más profundas
liderados por Mano Negra, ellos se conformaron con retransformar el concepto digerible
de The Police. La fórmula funcionó tan bien, que no se atrevieron a cambiarla a lo largo
de su discografía, y este disco se convirtió en el primero hecho por una banda en romper
el millón de copias y es uno de los 100 discos más vendidos de los 90's en los Estados
Unidos (de hecho el más vendido de los que contienen solo canciones en castellano).
Respaldaron la comercialidad del "rock en español" aunque su credibilidad será
discutible. (J.L. Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-ninos-wea.html
95
Kinky
Kinky (2002)
Sucio, desprolijo, caliente, fuerte, distorsionado. La música de Kinky es una
desembelesada versión de los hechos a través de una candente mirada explosivamente
atrapante. Un sin cesar de sonidos producidos a través de varios instrumentos,
sobretodo, la marca indeleble de la guitarra que nos hace recordar que este es un
subgénero del rock; fuera de ello creeríamos que esta banda de Monterrey ha
descubierto una forma de entregarnos música bajo un nuevo rótulo. Fusionando música
electrónica con rock, se animan a entrarle sin escrúpulos a la cumbia, el funk, el techno
más insostenible y las canciones románticas.
En su primer trabajo, nos entregan en generoso muestrario el alcance musical que los
engloba. No tan desenfadados ni histriónicos como sus coterráneos de Plastilina Mosh,
pero igualmente se animan a ironizar la realidad con pinceladas de humor, a través de
una lírica bastante pegadiza. Mezclando eclécticos movimientos con bailables melodías
conjugan un innovador sonido que le dio fama internacional. "Kinky" de 2002 es un
breve muestrario, primitivo desde donde despegará la banda para desencajarnos con su
alocada música. (Imfreakalot)
http://rockenlasamericas.b...kinky-2002.html
94
Ángeles del Infierno
Pacto con el diablo (1984)
Si Barón Rojo fue la banda española de heavy metal que conquistó la parte sur de
Latinoamérica, los Angeles del Infierno sería los que conquistarían la parte norte (al
punto de ser más adorados en México y parte de Centroamérica que en su España natal).
La influencia de Judas Priest en su sonido era evidente aunque destacaron por ser los
primeros en usar referencias diabólicas en el mainstream y su canción "Maldito sea tu
nombre" podría sugerir ello, jugando con cierta ambigüedad; sin embargo, nada fue
impedimento para que se convirtiera rápidamente en un himno headbanger hispano.
Otras grandes canciones son "Rocker" y "Sombras en la oscuridad". Aunque su
popularidad se mantiene en los círculos metaleros, es casi unánime que su disco debut
ha sido difícil de superar para la banda. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...cto-con-el.html
93
Los Pericos
Mystic Love (1998)
La recuperación sonora y estética de una banda que permanecía díscola en las radios de
quinceañeras con póster en las manos y frenesí desmedido. "Mystic Love" representa el
cambio, no tan radical, pero cambio al fin, de Los Pericos. ¿Es experiencia vivida o
hastío? Es afrontar el cambio con madurez y solidez interpretativa. Es dar vuelta una
página en la que los encontrábamos dando recitales en discotecas juveniles a los gritos
desesperados (y desgarbados) del Bahiano.
Debiendo reeditar en nuestro subconsciente cualquier prejuicio pasado, lo cierto y lo
bueno del disco es que huele más a porro: en el sentido más rastafari. Esa recuperación
mencionada tiene que ver con esto. Con volver a los valores por los cuales alguna vez
fueron catalogados bajo el rótulo "banda de reggae". Canciones tímidas, atisbos de
grandilocuencia rasta, dejan sorprendido a más de uno y hacen levantar el oído para
prestarle más atención. De paso se ganaron la atención internacional. (Imfreakalot)
http://rockenlasamericas.b...-love-1998.html
92
Sui Generis
Pequeñas anécdotas sobre las instituciones (1974)
Sui Generis siempre fue la banda diferente, pero esa diferencia lo puso a un mayor
contacto popular que otros grupos de aquellos tiempos. En el tercer trabajo de “Sui
Generis” se la jugó: fue a lo complejo, se impuso retos e ir a lugares adonde nadie quien
los había encuadrado como unos hippies folkies se hubiera imaginado.
"Pequeñas anécdotas sobre las instituciones" fue en muchas maneras el disco evolutivo
en la carrera de Charly García, y también fue el que los reconectó con la escena.
Irónicamente no eran los mejores momentos para hacer música abiertamente crítica, y el
precio de la censura (o autocensura desde su compañía discográfica) le terminaría dando
un mayor crédito en el paso del tiempo. Coqueteos progresivos, rock n' roll salvaje, y
música folk con más pies sobre la tierra que nunca, terminaría cerrando de manera
majestuosa el recorrida de una de las bandas más importantes de la primera gran era del
rock hispanoamericano. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...otas-sobre.html
91
Divididos
La era de la boludez (1994)
Es uno de los discos que son capaces de adquirir forma antropoide, de saltar de los
parlantes para dar pelea al oyente. "La era de la boludez" es un muestrario inagotable de
sonidos eclécticos, de forma repetitiva, incansable. Mollo, Arnedo y Gil Solá pueden
desplegar su estado puro de fiebre estética; cada arreglo minucioso es perseguido por
una suerte de margen para el delirio (aunque se trate de la canción más melosa y
silenciosa), siempre latente la sensación de poder, en donde despliegan su verba
estrepitosa, su rima incongruente, su poder de aprehensión a las nuevas normas, su
hilaridad, su compromiso ineludible por el sólo hecho de ser latinoamericanos.
Se combina en un cóctel explosivo a Hendrix, Atahualpa Yupanqui, Parliament
Funkadelic y a sus orígenes -Sumo- en la batidora musical, que adquiere la forma de
nuestra cabeza, de nuestros sentidos. De ser barro y tierra aborigen, de ser uña de
civilizaciones colonas, de ser parte del mercado industrial, de ser hombres de opinión y
bandera. Firma Santaolalla. (Imfreakalot)
http://rockenlasamericas.b...ludez-1993.html
90
Gustavo Cerati
Ahí vamos (2006)
Tras una larga temporada de lanzar álbumes experimentales que le costaron a Cerati un
poco su aceptación por los críticos como ícono del rock latinoamericano, el rockero
argentino finalmente decide volver apostar por un álbum que no solo es lo
suficientemente rockero sino también comercial y accesible para complacer a todos los
fans, desde los más recalcitrantes hasta los recién llegados.
"Ahí Vamos" es una colección de 13 temas que hablan de amores, desamores, tristezas,
melancolía, arropadas con potentes guitarrazos que nos traen de regreso a un Cerati que
ya habíamos olvidado. Quizá el éxito de la placa radica en el buen desempeño que
tuvieron sus cuatro sencillos entre los que están la elegante balada "Crimen", algo
inusual en su carrera, y "Adiós", elegante y memorable a la vez por sus hermosas
melodías. El reconocimiento se vio reflejado no solo en que la industria de la música
pop finalmente pudo desligarlo de su trabajo con Soda Stereo sino de las distintas
premiaciones y ensalzamiento por parte de la crítica internacional. (David Delio)
http://rockenlasamericas.b...avo-cerati.html
89
Babasónicos
Infame (2004)
La carrera de Babasónicos tiene un parte aguas tras el lanzamiento de "Jessico", la placa
que les ganó fama, notoriedad y otorgó el respeto de la crítica, el dilema entonces era
como debía sonar su siguiente trabajo. La banda optó por continuar con la fórmula
exitosa de la anterior y aunque en apariencia se decantaron por sonar simples y hacerse
mucho más accesibles, la verdad es que con "Infame" se pulieron y perfeccionaron las
letras y su sonido hasta hacerlo una marca registrada.
El álbum tiene una mágica y elegante gracia natural y su sonido deambula entre el glam,
el pop, el rock, y las típicas baladas latinas alcanzando su cota máxima entregando
buenas canciones una tras otra, no solo logrando sobreponerse al éxito comercial de
"Jessico" sino que alcanzaron la merecida consolidación estableciendo un sonido propio
que daría la pauta a seguir en el futuro, simplemente una joya de nuestros tiempos.
Destacan "Putita", "Irresponsables" y "¿Y qué?". (David Delio)
http://rockenlasamericas.b...cos-infame.html
88
Rodrigo González
Hurbanistorias (1984)
Tristemente las leyendas del rock pasan sea por una trágica vida llena de excesos de
drogas y alcohol o por los azares de una muerte igual de trágica. Pero por alguna razón
el legado que dejan puede ser tan profundo y significativo que ni siquiera el pasar del
tiempo puede borrar sus huellas (en el invierno). Este es el caso de Rockdrigo Gonzales,
quien con solo un disco de estudio ha influenciado a tantos artistas y bandas
particularmente en México. Sus canciones siguen creando eco y moviendo filas de
apasionados melómanos.
"Hurbanistorias", le hace justicia a un músico entregado y empecinado a contar sus
propias historias y refinar el insípido rock mexicano de principios de los ochentas.
Quizá la canción más popularizada del disco sea "Estación Del Metro Balderas", aunque
irónicamente no fue el propio Rockdrigo quien la hiciera conocida sino su amigo Alex
Lora de El Tri.
Con su voz ronca y aguardentosa, Rockdrigo era capaz de recitar melodiosos y
contestatarios poemas urbanos. Más cercano al folk y al blues que al rock mismo, doce
canciones redondas y sacras, que marcan el pulso y el nuevo rumbo de la canción
urbana en Latinoamérica. Sin lugar a dudas hace falta más de un terremoto y una pila de
escombros para sepultar el alma indómita y consecuente de un artista que pintaba para
convertirse en una gran estrella, al cual solo le alcanzó para convertirse en leyenda.
(Demon Balooni)
http://rockenlasamericas.b...anistorias.html
87
Héroes del Silencio
El mar no cesa (1988)
Entrando en la última parte de los ochenta, el panorama musical en español estaba
dominado por bandas de plasticina y de hits fáciles como G.I.T o Neón, además del
inicio del burdo "Rock en tu Idioma", y La Movida en España había comenzado a dar
muestras de flaquezas. Entonces aparecía en el horizonte para hacerle frente a tanta
frivolidad una banda originaria de Zaragoza que venía de grabar unos EP que
sorprendieron a todos incluso a la EMI por lo que la disquera les apresuró para
completar el material y convertirle en un LP: nace entonces "El Mar No Cesa".
El álbum se convierte en multiplatino en ventas en España y los coloca a la altura de
supervendedores como Mecano y Hombres G. El tema central del disco yace en su
título ya que todos los temas radican de alguna manera alrededor del mar, tal y como
diría el propio Bunbury que en cada uno de los textos salía el mar o el agua. Es un
trabajo bastante sólido, muy ochentero, en donde las guitarras tienen un papel
fundamental, arpegios con influencia new wave llenas de eco, buenas armonías, ciertos
matices de pop con cierta potencia que llega a merodear dentro de las fronteras del
metal junto a la voz de Bunbury que aun se estaba puliendo pero que ya daba muestras
de la enorme calidad que atesoraba, fue un disco fundamental para que la banda tomara
la confianza necesaria para poder perfeccionar sus futuras entregas. El disco cuenta con
la joya atemporal "Héroe de Leyenda" que se volvería básica e infaltable dentro de su
carrera. (David Delio)
http://rockenlasamericas.b...ar-no-cesa.html
86
Miguel Ríos
Rock & Ríos (1982)
Es curioso referirnos a un personaje tan ambiguo como Miguel Ríos, pese a presentarse
como uno de los próceres del rock en español, es más bien característico su
acercamiento a la música ligera (sus canciones más memorables son "El río" y "Santa
Lucía", dos buenos temas pero lejos de la estratósfera del rock; y es bien conocida su
acercamiento artístico a artistas emblema de la música española como Ana Belen,
Victor Manuel o Serrat). Sin embargo, ¿por qué hay que buscarle razones para
cuestionarle? Probablemente no haya otro tipo que se haya esforzado por hacer del rock
un género popular en Iberoamérica como Miguel Ríos, y es que dejándose llevar por
esos años de rock and roll, el español prácticamente luchó contra todo para consagrar el
"rock de estadio" y vaya que la respuesta fue notable.
"Rock n Ríos" es la concreción grabada de un proyecto por conquistar el mundo con el
rock, su sueño también incluía darle la mano a otros artistas que por ese entonces poco
conocidos como Leño (del cual incluía "Maneras de vivir") u homenajear a otros que
merecían mayor crédito popular como Moris (incluyendo "Sábado a la noche"). Incluía
la participación de músicos de gran nivel como Tato Gómez (que fue parte de los
chilenos Embrujo) y Thijs Van Leer (de Focus). Las canciones fueron una gran
"bienvenida" a una generación hispanoparlante que aún no relacionaba bandas locales
con el género y consagró a Ríos como un verdadero showman del rock. Luego Ríos, se
concentraría en la búsqueda del talento latinoamericano para consagrar una gran escena
(incluyendo a Charly García y a El Tri) y aunque su sueño de unidad rockera la
terminarían sembrando otros, el disco quedó como fiel vestigio del principio de un
futuro boom que nadie se atrevió a predecir... (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...lydor-1982.html
85
Zurdok
Hombre sintetizador (1999)
"Hombre sintetizador", disco de 1999, grabado, editado y distribuido por Zurdok es la
mejor muestra de esta nueva idea de rock universal, ya no como representación fija de
un lugar en el mundo, de una idea nostálgica en pancarta.
Si existe una línea auditiva, imperceptible, que traza y engloba el rock en nuestro
idioma, esa, es entendida con influencias omniscientes de las raíces de canciones
remotas, de folclóricas invenciones que amasaron y redefinieron el concepto. Con el
correr de los tiempos, esta música se metamorfoseó y atomizó en infinitos subgéneros
que le otorgaron aliento, nuevos aires y fricciones carnales a la música latinoamericana.
Esas influencias provenientes principalmente del norte o del otro lado del charco,
otorgaron tecnología, mecánica y valores que, en algunos casos (muy pocos diría con
certeza), desprendieron nuevas bandas, nuevos conceptos, nueva música, música
revitalizante. Zurdok es el ejemplo más actual de esta teoría. Una banda que reivindica
la música de nuestro idioma desde la Avanzada Regia pero que dota a sus canciones de
cierto aire anglosajón: en la arquitectura, en la hechura poética, en el sentimiento
arraigado de sus odas. Sin temerle al intento fallido, desvelan sus rostros ante los
principios tecnológicos y ante los arreglos fulgurantes, megalomaníacos, apoteóticos.
Las cuerdas, nuevos instrumentos no convencionales (escuchar sino el bluegrass de
"¿Cuántos pasos?") y las invenciones electrónicas, imperceptibles que acallan y
proclaman: - "somos lo nuevo, escúchenme".
http://rockenlasamericas.b...zador-1998.html
84
Los Amigos Invisibles
The New Sound of the Venezuelan Gozadera (1998)
The New Sound Of The Venezuelan Gozadera es el perfecto ejemplar de la mezcla del
funk, bossa nova, dance, electro eclético y gozón que ofrecen Los Amigos Invisibles.
Viva muestra de su humor negro y erótico, de sus pegajosos ritmos que invitan al
pecado. Pecado sería no escucharlos y reconocer su fabuloso talento. Canciones como
"Ponerte en cuatro" o "El disco anal" se han convertido en clásicos del latin alternative,
pero este disco es amplio y generoso en todos los sentidos. No por nada Los Amigos
son la banda más sobresaliente de Venezuela.
¿Qué puedes esperar de este disco? La risa y la sorpresa fortuita, una delirante
combinación de ritmos latinos apropiados para cualquier hora del día pero que
seguramente ven su máxima euforia en una noche bajo la luz de una bola de espejos.
Agradecimiento aparte a David Byrne por darles el espaldarazo (aparte de ser el
productor ejecutivo del disco), así como a Andrés Levin que tenía un papel más
importante en la música alterlatina y a músicos de sesión entre lo que se encuentra Arto
Lindsay. (Demon Balooni)
http://rockenlasamericas.b...w-sound-of.html
83
Soda Stereo
Doble vida (1988)
Grabado y mezclado en Nueva York y con producción del guitarrista de David Bowie
en aquel entonces Carlos Alomar, la banda edita un álbum donde su coqueteo con los
ritmos latinos y el funk arrojaron resultados disparejos. Cuando se lanzó "Doble Vida",
Soda Stereo era considerada la banda de rock más importante de Latinoamérica, por lo
cual se esperaba un trabajo que estuviera a la altura de tal distinción; y a pesar de que el
álbum carece de la consistencia de su entrega anterior, eso no le resta el mérito e
importancia que se merece.
La placa contiene algunas de las más memorables y hermosas canciones de la banda
como la introspectiva "Lo Que Sangra (La Cúpula)", la genial "Corazón Delator", la
curiosa "Picnic en el Cuarto B", y la archifamosa "En La Ciudad De La Furia" cuyo
excelente video fue nominado a los MTV Video Music Awards en su categoría
internacional. Alomar logró darle al álbum un tímido y leve sonido similar a lo que
hacía Duran Duran por aquel entonces de la mano de Nile Rodgers, y como peculiaridad
se incluyó una sección de instrumentos de viento en muchas canciones para darle un
sabor a la banda que no había tenido antes y que nunca más volvería a tener. Así Soda
decía adiós a los 80’s y preparaba el camino para su obra cumbre que vendría dos años
después. (David Delio)
http://rockenlasamericas.b...doble-vida.html
82
Los Prisioneros
Pateando piedras (1986)
Llegados los 80’s para Latinoamérica habían pasado años de encarnizadas luchas,
represiones y desigualdades sociales; eran las épocas en que las dictaduras militares
regían y sometían con mano dura y todo lo que atentara contra ellos estaba mal visto.
Surgen entonces movimientos musicales contestatarios que buscaban eso, contrarrestar
la fuerte represión que el gobierno tenía sobre la gente. Y es en medio de todo este caos
que Los Prisioneros emergen en la escena musical de un convulsionado Chile, su
mensaje social y su desafiante postura les valió la férrea censura de la dictadura militar
de Pinochet. Sin embargo no fue impedimento para que la banda vaya ganando cada vez
más adeptos y es que la gente se sentía fuertemente identificada con el mensaje de
rechazo al régimen militar que la banda pregonaba y que por aquel entonces mantenía
subyugado al país.
Dentro de este turbulento panorama aparece en el verano de 1986 la segunda
producción de la banda llamada "Pateando Piedras" Aquí la banda da un gran paso en
cuanto a evolución musical ya que el uso de los sintetizadores le da nuevos brillos al
sonido de la banda apartándose del típico cliché de guitarra-bajo-batería. La nueva
propuesta los lanza al estrellato y los posiciona como una de las mejores bandas
sudamericanas del momento, tal era su popularidad que muchas de las canciones del
álbum se convirtieron en himnos de protesta gracias a la fuerte crítica social que
contenían, ante lo cual el gobierno militar los considera como una mala influencia a la
juventud, desencadenando una fuerte censura en contra de la banda dentro de los medios
de comunicación al extremo de impedir uno de sus conciertos. Destacan los temas
"Muevan Las Industrias", "Por Qué No Se Van" y la joyita de la placa que es "El Baile
De Los Que Sobran", el cual irónicamente era un tema de relleno pero que por azares
del destino resulto ser el más emblemático en la carrera de la banda. Una banda camino
a la consolidación. (David Delio)
http://rockenlasamericas.b...do-piedras.html
81
Los Planetas
Una semana en el motor de un autobús (1998)
Los Planetas eran considerados una de las cartas principales dentro de la escena
independiente española que luchaba por establecerse y alcanzar mayores audiencias. Si
bien sus álbumes anteriores eran buenos, fue con "Una Semana en el Motor de un
Autobús" de 1998 que lograron unos de sus mejores y muy bien balanceados trabajos; el
sonido es peculiar, no hay una guitarra rítmica o principal distintiva, ni tampoco hay
solos. Claro que se pueden escuchar pinceladas de psicodelia sesentera muy a The
Birds, un poco de R.E.M. por aquí, otro poco de Ramones o Lou Reed por allá. Además
el bajo le da un elemento melódico extra a las canciones, arropadas consistentemente
por la batería como el motor sonoro que termina de agregarle dinamismo a los temas.
Las letras son muy consistentes por lo que se percibe la evolución de la banda, y cabe
destacar "La Copa de Europa” cuyo encanto es la sección de cuerdas, "Ciencia Ficción"
de sonoras y vibrantes guitarras melódicas que le brindan un acertada similitud al
sonido de la guitarra de Peter Buck, así como "Cumpleaños Total" y "La Playa" que son
dignos ejemplos de una placa cuyo esfuerzo ha valido la pena y que los volvería en
referentes a seguir en años venideros para bandas de Granada y toda España. (David
Delio)
http://rockenlasamericas.b...n-el-motor.html
80
Enanitos Verdes
Big Bang (1994)
Cuando la banda parecía perderse en los márgenes que significaba ser una banda radial
del rock en español, aparecen con un disco que les devuelve a una segunda vida. Las
canciones son más guitarreras y potentes pero sin perder los característicos ganchos que
se asocian a la banda. Algunos se atrevieron a comparar esta producción con el disco
"Canción animal" de Soda Stereo, pero sería injusto decir que este se deba únicamente
al primero.
Con este disco, no solo pudieron conquistar el mercado hispano en Estados Unidos
(algo inusual para las bandas de rock en español) si no que canciones como "Mi primer
día sin ti", "Celdas" o "Mejor no hablemos de amor" fueron coreadas por la gira
continental a la que se montó la banda en los meses siguientes. Aunque, sin dudas, la
canción más exitosa sería "Lamento boliviano", un tema que evoca cierto misticismo, y
que en realidad se trata de un cover perteneciente a una banda de rock ochentera de su
ciudad local Mendoza llamada Alcohol Etílico. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...g-1994-emi.html
79
Plastilina Mosh
Aquamosh (1998)
Cuando una propuesta como la de Plastilina Mosh aparece en la escena no parecían
encajar con algunos de sus contemporáneos. Sin embargo, se colaron entre la llamada
escena "latino alternativa" y aprovechando su cercanía a la frontera estadounidense, se
convirtieron en una curiosidad de culto (que se gozó hasta en Japón) donde en vez de
hispanizar un concepto a lo Beck lo hicieron spanglish, lo que era tan bizarro a uno
como a otro lado de la frontera. Pero con ello había una carga lúdica muy fuerte, y eso
se hacía evidente en los diferentes videoclips que acompañaron los sencillos
desprendidos, donde destacó la casi inintendible "Mr P. Mosh", canción que con el
apoyo de la entonces más alternativa MTV Latinoamérica y se convirtió un éxito en los
circuitos del "rock en español", hasta ahora recordada.
Si bien el disco en su conjunto juega con la música electrónica, en realidad existe mucha
experimentación con el jazz, el funk, el soul, o simplemente jugando a ser raperos entre
sampleos. Toda esa mezcla la convertía en una fiesta bizarra que cuenta como productor
a Jason Roberts (relacionado a trabajos de rap como de bandas como Cypress Hill,
Delinquent Habits o Control Machete) y la colaboración de Café Tacuba en "Bungaloo
Punta Cometa". El disco definió la llamada "Avanzada Regia" y aunque no hubo algún
otro artista que se los acercara, probablemente bandas como Kinky le deben mucho bajo
la evolución del alternativo bailable. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...h-emi-1998.html
78
Various Artists
Amores perros (2000) [Compilation]
La banda sonora de Amores Perros marcaba un nuevo hito en el irregular historial de los
soundtracks de películas latinoamericanas. La producción giraba en 2 álbumes distintos.
El primero que era básicamente las canciones incluidas en la propia película (y que
incluía famosas canciones como "La vida es un carnaval" de Celia Cruz o "Long cool
woman" de The Hollies, asi como temas instrumentales a cargo de Gustavo Santaolalla
-que junto al director de la película Gonzáles Iñarritu escogieron todas las canciones del
film). Pero es el segundo disco, el que trae cola (y que en edición limitada se vendió por
separado como "Tributo a Amores Perros").
Este disco trae temas inéditos de la escena que giran con la temática oscurista de la
película. Es así como podemos oír a una catártica Julieta Venegas, o escuchar los temas
siameses de Café Tacuba "Aviéntame" y "Dog:God", entre otros artistas que
representaban una etapa de transición para la escena rockera donde pocos sobrevivirían,
y el mainstream cobraría el precio de la década pasada. Un deleite variopinto que
reflejaba los sonidos álgidos que terminaban con la era Santaolalla dentro del rock en
español, y que lo llevaba al productor hacia una carrera como instrumentalista de lujo en
Hollywood. Asimismo, el rock y la música alterlatina paso a ser canción obligada en
cada banda sonora en la región. Bonito legado. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-sonora-de.html
77
Café Tacuba
Café Tacuba (1992)
Esta es su carta de presentación: "Esto somos. Somos Café Tacuba". Hacen eso y no
hay nada para reprocharle. El mensaje es claro: son una mezcla deforme de la
maquinaria underground que en su sangre tienen clavado el ritmo mariachi, el agite
corporal, la variedad de ritmos bailables. Si bien, con el correr de los años su mutación
periódica excede cualquier tipo de comentarios porque, cada vez que se reinventan lo
hacen de una manera formidable. Esa metamorfosis anacrónica que acaba con los
mismos resultados: la variedad, la variación, pero que siempre guarda un lugar estelar
esa fórmula indeleble, el ritmo sostenido.
La imposición coral que acompaña los histéricos gritos de Rubén (el entonces Pinche
Juan, y futuros Cosme, G3, Gallo Gass, Sizu Yantra, etc), las huellas tintineantes de una
guitarra en marcapasos, los arreglos folclóricos y la rima, prosa, pegadiza, capaz de
crear nuevos vocablos, nuevas terminologías para hablar sobre ese lenguaje mismo: el
metalenguaje cafetacubiano. Entonces, esta carta de presentación es su más pulida obra,
el Café Tacuba invisible, transparente, el primitivo, el diorama tangible. No es la bestia
magnética de estos tiempos, no es el identificable por sobre la mutación. Grandes
clásicos prematuros: "María", "Chica banda", "Las batallas". (Imfreakalot)
http://rockenlasamericas.b...afe-tacuba.html
76
Sumo
Divididos por la felicidad (1985)
Luca Prodan fue un italiano que vivió intensamente una parte de su vida en Londres
drogándose hasta reventar y asistiendo a cuanto concierto de rock pudo. Llegó el
momento en el que su organismo no pudo más, por lo que a manera de terapia es
invitado por un colega a que visite la Argentina como escape a su adicción. Años
después, establecido, formaría una de las más grandes y legendarias bandas: Sumo.
Uno de sus directos fueron vistos por un productor de la CBS que les ofrece un contrato,
y es así como llega el debut discográfico "Divididos por la Felicidad", el trabajo salió en
formato de vinilo pero previamente se había editado en casete. Curiosamente el título
del álbum hacía referencia a una de las bandas preferidas de Luca (Joy División); vaya
ironía la que el destino le jugó al pelado.
El disco es una combinación bizarra, un híbrido de todas las influencias de Luca y de la
banda en general. Reinventaron a su modo géneros como el new wave, el punk, y
especialmente el reggae, descargando mucha ironía y sobre todo excelente rock, bien
compactado con la punzante y garrasposa voz bañada en alcohol de Luca interpretando
esas raras pero a la vez encantadoras letras principalmente en inglés en este recordado
debut, aunque destaca "La Rubia Tarada", hit indiscutible con reminiscenias a The
Clash, y la mítica "Mejor No Hablar de Ciertas Cosas", básica en cualquier recopilación
iberoamericana que se jacte de conocedora de buen rock.
Comenzaba asi la leyenda de uno de los personajes más emblemáticos y pintorescos del
rock. Por desgracia y al igual que figuras como Cazuza o Ian Curtis, fallecerían en
forma trágica y prematuramente dejando ese sentimiento de orfandad con la certeza de
que tenían tanto que ofrecer, de ahí la inmortalidad pero es otra cosa. (David Delio)
http://rockenlasamericas.b...-felicidad.html
75
Los Locos del Ritmo
Rock! (1960)
Antes que Soda Stereo, antes que Charly García, o Spinetta en Almendra. Antes que
Los Gatos, antes que Miguel Ríos saliera a escena como Mike Ríos y poquísimo antes
que Los Teen Tops lancen su primer LP donde contenían "La Plaga", traducción del
"Good Gooly, Miss Molly" que hizo bailar a todas las fiestas juveniles clasemedieras
hispanoamericanas, Los Locos del Ritmo aparecían a la escena con la primera
producción que contenía temas en castellano y que podía resultar como un efecto
gratificante luego del éxito del chicano Ritchie Valens, en su adaptación de "La
Bamba".
Pese a que es una producción fundacional (es el primer LP de rock en español de...LA
HISTORIA de cualquier lugar del mundo), muchos contadores de la historia del rock lo
han depreciado acusando al álbum como un mero recopilado de refritos o en su lugar
canciones demasiado inocentes que poco tiene que ver con la actualidad. Lo peor de
todo es que muchos de estos tipos, ni siquiera le dieron una oída al disco antes de emitir
una opinión. ¿Aciertan con sus afirmaciones? Con el mismo argumento, podríamos
tirarnos abajo la mitad de producción de rock n roll de toda la historia. Asi que veamos..
La grabación se realizó entre finales de 1958 y mediados de 1959, en una época donde
había una curiosidad de los jóvenes latinoamericanos por grabar canciones de aquel
ritmo proveniente de Estados Unidos, pero que en cuyas tierras aun la industria no le
llamaba mayor atención, porque lo de aquí era el bolero, Javier Solis, o sino el mambo.
Una vez grabado Orfeón, decidió guardar el master del disco y no le prestó mayor
atención. Permanecería asi cerca de un año, hasta que se decidió lanzar timidamente la
canción "Yo no soy un rebelde" de la radio, teniendo mayor recepción de lo que se
pensaba y animando a la disquera a lanzar el álbum en 1960. Su competencia, la CBS,
en contra-respuesta lanza a Los Teen Tops, pero con toda la maquinaria multinacional
que tenían en la época. El resto, es historia...
El álbum contiene 12 temas, de los cuales la mitad si son covers (incluyendo "La
Cucaracha" y "Pedro Pistolas"), pero que se han convertido en un testimonio
fundamental para comprender como el género fue asimilado en la región, y como el
impetu del rock trascendió época y actitud. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...960-orfeon.html
74
Ozomatli
Ozomatli (1998)
Como un ritual pagano donde algunos hombres ennegrecidos bailan descalzos una
danza sin fin. Este disco es representación de nuestra vida (la de los tercermundistas, los
denigrados, nosotros) en este mundo. El grito primitivo de la revolución: de almas, de
idiosincrasias, de esperanza. La cumbia de todos tus muertos.
En ese recuadro áurico se encuentra el disco debut, homónimo, de Ozomatli. El ritual, la
música que bailan incansablemente en esas murgas prodigiosas, sincopadas, que se
repiten infinitas como un diorama incandescente. Es la versión primitiva de nuestra
esencia, la que nos mancomuna como parte de una misma enseña: como la letra ñ (pero
en un mundo spanglish), como el color de nuestra piel, como la simbiosis explosiva que
nos une en el grito de libertad siempre incierta, infringida por el imperio. La expresión
más tenue y simplona, la naturaleza versus la invención humana. La sutil y libre
expresión conferida cognitivamente a los sentimientos más intrínsecos que,
indefectiblemente, chocan contra la maquinaria, contra la fuerza de gravedad. En ese
colapso se encuentra su música, el intermedio exacto entre la más primitiva sensación y
la rudimentaria invención del hombre.
"Melting pot", mezcla infecciosa que los convertiría en la respuesta norteamericana de
lo que sucedía en Latinoamérica. (Imfreakalot)
http://rockenlasamericas.b...matli-1998.html
73
Los Rodríguez
Palabras más, palabras menos (1995)
Este disco es un álbum de fotografías, coleccionables imágenes de pegatina. Al
recorrerlo figurativamente se nota (la mano de Calamaro) que toda esa colección no fue
colocada caprichosamente, es parte de una selección concienzuda, específica, apuntada
a redefinir vaivenes emocionales. Como cuando se recorre un álbum familiar: los
recuerdos, las vivencias, los anhelos y el devenir microscópico de ese momento lejano,
pero tácitamente sin igual, donde se presta a dislocaciones emotivas y un "tira y afloje"
de sensaciones experimentadas.
Probablemente la pluma de Andrés Calamaro, todavía no reconocida con lauros en su
propio país, se vio potenciada con el soporte de una banda sin fisuras: pareja, compacta.
Pareciera, al escuchar "Palabras más, Palabras menos" que preso de una ósmosis
espiritual, fluye la tinta y música en una completa armonía. Es, sin dudas, el disco
imprescindible de la banda ibero-argentina. El sello culmina impreso en canciones de
tratamiento pegadizo, apuntadas, inherentemente al éxito, a un infinito devenir,
incansable, inclaudicable.
¿Argumentos? Las baladas indisolubles, poética próspera y esperanzadora, mensaje
culmine. El beatnik recuperado, la marcha conocida del rocanrol en su faceta bailable.
El último registro antes de una separación inesperada. (Imfreakalot)
http://rockenlasamericas.b...s-palabras.html
72
Los Fabulosos Cadillacs
El león (1992)
Álbum básico tanto dentro de la historia de la banda como de la historia del rock
argentino, gracias a la encantadora fusión entre el rock, el reggae y los ritmos latinos
como la salsa.
Lanzado en agosto de 1992, "El León" en su momento no fue un éxito de ventas,
aunque su singular encanto no necesariamente radicaba en lo comercial sino en la
transición que marcó en la carrera de la banda y, por supuesto, en la calidad de las letras
y el dinamismo creativo de las melodías, cuya muestra contundente arrojó varios
clásicos dignos del género como el drama urbano en "Manuel Santillán, el león" de
donde se extrae el nombre del álbum. Su coqueteo con la salsa en tracks como
"Carnaval Toda La Vida" y "Gitana", así como su adaptación del tema "Desapariciones"
del maestro Rubén Blades, influencia total presente a lo largo del disco, y cuya canción
habla acerca de las víctimas de la represiva dictadura argentina. Definitivamente, de los
tracks más conmovedores del álbum. "Soledad" tiene cierta líneas de guitarras sacadas
de algún track de U2 de la época, "Cartas, Flores y Un Puñal", una graciosa parodia a la
new wave con una burlona y sarcástica letra que recuerda el sonido de aquellas bandas
británicas de ska de principios de los 80’s.
Cabe destacar que la edición limitada en vinilo contenía unicamente 12 tracks a
diferencia de la edición en CD que es la que contiene los 15 tracks que aparecen
acontinuación, con todo y la versión salsa de "Manuel Santillán, El León". (David
Delio)
http://rockenlasamericas.b...cs-el-leon.html
71
El Último de la Fila
Enemigos de lo ajeno (1986)
El Último de la Fila es una banda que iba creando gran expectativa en la medida que
Quimi Portet y Manolo García habían pasado a ser creadores de hits de verano (desde su
banda anterior Los Burros) a una banda más interesada en como cruzar su sonido pop de
guitarras con un encubrimiento de influencias notoriamente andaluzas. Aunque no eran
los primeros en traer la fusión flamenca a la música contemporánea, si eran los primeros
en la época que acontecía en España la movida madrileña y su agresivo impacto pop a la
sociedad post-franquista.
El disco componen 10 temas que destacan por la madurez de sus letras y las inquietudes
musicales mencionadas previamente; muchas canciones fueron considerados
rapidamente como himnos, en especial, "Insurrección", una declaración de intenciones
que se ha convertido en la canción más emblemática de su carrera. Letras que cruzaban
entre la reflexión y el pesimismo hacían identificar a un público que recibía música rock
de tendencia más bailable y de mensaje más directo. La crítica adoró el disco, que
destacaba en el boom, aunque muchos de los temas serían regrabados en "Nuevas
mezclas" editado al año siguiente. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...igos-de-lo.html
70
Zoé
Memo Rex Commander y el Corazón Atómico de la Vía Láctea (2006)
Tras haber logrado la consolidación y obtenido el beneplácito de la crítica, la banda
mexicana se encierra por casi un mes a grabar su siguiente placa de la mano del
productor inglés Phill Vinall con el que logran darle forma al "Memo Rex Commander
y El Corazón Atómico de la Vía Láctea", un largo y curioso nombre difícil de recordar
el cual tiene una onda muy psicodélica que gira en torno a tópicos como la depresión, la
melancolía, la apatía, la tristeza, y el desencanto. El disco está basado en las peripecias
del personaje "Memo Rex" que se lo representa por el primer track del álbum y cuya
bizarra imagen fue obra del diseñador Iván Krassoyevitch quien lo plasma en la portada.
Aquí las letras son más profundas que las anteriores entregas e inspirada casi en su
totalidad por la ciencia ficción y el mundo totalmente digitalizado en el que vivimos.
A pesar de las opiniones divididas de la crítica de que el álbum era muy homogéneo y
carecía de potencia y textura, este tuvo la capacidad de lograr debutar en el primer lugar
de las listas mexicanas en donde permaneció por casi un mes, en parte gracias a la
buena acogida que tuvo el primer single "Vía Láctea", que dicho sea de paso ha sido el
álbum más ambicioso y exitoso de la banda y por ende el que les permitió por fin
trascender más allá de las fronteras mexicanas. (David Delio)
http://rockenlasamericas.b...el-corazon.html
69
Sui Generis
Confesiones de invierno (1973)
Para muchos, este disco significa el punto cumbre del folk rock en América Latina,
¿pero se puede decir lo mismo de Sui Generis? La verdad es que no resulta ni tan
intimista como el "Vida" ni tan atrevido como el "Instituciones..", pero no por ello
resulta genial y que en la actualidad pareciera vérsele más como un conjunto de
clásicos.
En este segundo disco de la banda, se iba a ir notando la efusividad de Charly García,
no solo por escribir las mejores letras sino por su mayor disposición a salirse de lo
cuadriculado del folk y jugar con el progresivo o las raíces del rock n' roll. Todo ello
mientras la popularidad de la banda crecía y de hecho, que terminaría opacando otro
disco supremo de la época: Artaud.
Entre las canciones destacan "Bienvenidos al tren", el tema homónimo del disco y el
rockerísimo "Mr Jones...", que se hizo a propósito para demostrar el lado salvaje de la
banda (con mucha carga humorística) y que sería versionada en España unos años
después por Tequila. Aunque no hay duda que la que trascendió el tiempo y las
fronteras fue "Rasguña las piedras", un tema que comenzaba con el jadeo de un tipo y
que evocaba a alguien que había sido enterrado vivo. Nada mal para un clásico.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...e-invierno.html
68
Charly García
Yendo de la cama al living (1982)
El letargo de las horas muertas, y Charly García, tras los parlantes, incitando al
levantamiento espiritual de la raza humana (su raza, argentina), a despertarse del sopor
monstruoso de la ignominia fascista, del régimen que cae como una taza al suelo. ¿El
contenido? La furia de un pueblo, en hervor, a punto de desparramarse en el suelo, en el
cielo, en las calles, en el mundo. Tras haber estado tras el barrote bastardo y maula
(gracias Larralde) de la negación; del vacío interior.
Carlos García Moreno es por historia, por tradición y encanto, el rocker más influyente
en la música (¿y por qué no?), del pensamiento contemporáneo argentino. "Yendo de la
cama al living" es su obra analítica, la fundamental, para desentrañar el enigma
cascarudo de la sociedad de su país. Esa misma que se escuda tras los relicarios
católicos aunque le den la espalda y los conviertan en victimario; esa misma que sufre y
se desgrana parcialmente, ambivalente, de cualquier sacrificio monumental por seguir
viviendo en un país libre, pero que permanece sosegada ante el poder catastrófico de la
bota y la chapa militar.
Esta obra de Charly refleja el comportamiento, la adaptación (casi darwiniana) de la
forma evolutiva de su nación sin complejos ni pensamiento corrosivo. La que
permaneció en silencio, en el sueño gris mientras las pesadillas las vivían otros. Y, el
retrato, cual pintor, a cargo de García es ni más ni menos acertado: un año después,
1983, las máscaras caían. (Imfreakalot)
http://rockenlasamericas.b...la-cama-al.html
67
Control Machete
Artillería Pesada: Presenta (1999)
Si recargamos un fusil, invisible, para dar diatribas y dictámenes a un pueblo apagado
(en off), probablemente las municiones serían poesía, al menos, esas municiones serían
la poesía de Control Machete. Retroalimentación de energía sulfúrica, que se conecta
con los pasillos de cualquier barrio postergado: del de la vuelta de tu casa, de la mía.
Esa sensación de mundo apocalíptico, a punto de explotar en rebelión.
Lluvia ácida de lamentos y de clemencia, en pleno ruego a la "maravillosa" empresa con
luces de neón que posterga, que elimina al no apto y lo devuelve en migajas,
aprovechando su energía para construir muros y explanadas, para aumentar su imperio,
para fortalecer su empresa fálica. Parientes directos de Cypress Hill. "Artillería pesada,
presenta…" es su segundo disco de estudio donde, elaboración de por medio, logran
darle nuevos ribetes a esa protesta (que hasta ese momento era grito y repetición, nada
más).
Toy, Pato y Fermín resuelven en forma calculadora y como nunca más lo volverán a
hacer (Fermín abandonaría la banda a finales del 2000); los invitados son de lujo. El
resultado se manifiesta sobre la fosa siniestra de la protesta para proyectar imágenes de
ese mundo perdido, de esas caras de dolor.
htmlhttp://rockenlasamericas.b...ria-pesada.
66
Jaguares
El equilibrio de los Jaguares (1996)
Jaguares, se creaba en la confusión de la disolución de Caifanes, ante la frustración de
Saúl Hernández de no poder mantener el nombre de su anterior banda cuando hasta
hacía poco tiempo atrás parecía que se alejaría de la música por siempre, tras habérsele
encontrado un mal en las cuerdas vocales.
Pero luego del caos viene la calma, como dice el dicho, y eso parece concretarse en este
disco, que pese a que marcaba una nueva etapa para Hernández, musicalmente parecía
conectarse con lo mejor de la discografía pasada de Caifanes, entre la búsqueda mística
psicodélica de retazos post-punk pero abierto a las influencias tradicionales de los
ritmos mexicanos. Y ello no se hubiera concretado, de no haber convocado una
alineación de lujo: José Manuel Aguilera, Federico Fong y su amigo de Caifanes,
Alfonso André. Por supuesto, hablamos de La Barranca.
El disco tuvo una respuesta positiva debido a la expectativa de lo que sería a la
continuación de Caifanes, algo muy frecuente en la percepción de los fans. "Detrás de
los cerros" se convirtió en su carta de presentación, y la banda tomaría otros causes mas
comerciales que aunque los consolidaría en el mainstream en México perdería algo del
encanto de sus comienzos, y sustituyendo a casi la banda original. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...rio-de-los.html
65
Los Toreros Muertos
30 años de éxitos (1986)
Garantía de confianza, fiabilidad con un solo movimiento: el agite pendular de la
muñeca que rasga sobre las cuerdas de una histriónica guitarra. Es ska, es pop, y todos
sus vicios, sus lugares comunes e imprescindibles. Los Toreros Muertos tienen un pacto
silencioso con sus seguidores que sienten la presunción de su música al instante que se
escucha sordamente el 1, 2, 3. Pacto, además, signado por un código en clave
humorística en donde esbozan todas sus premoniciones de un mundo caótico, del
mundo de las alteraciones humanas, de la locura intransigente que conmueve las ánimas
vívidas.
El descontrol es la premonición del siempre ponderado y estupidizante lema: "sexo,
drogas y rock and roll" en los que Los Toreros Muertos en su debut llamado "30 años de
éxitos" agregan grandes dosis de hiperhumor. No hay búsqueda mecánica ni esteticista
de la música, es estado puro, fanfarria gallega, circo o vodevil, en cuantiosas sumas
retóricas. Acompañada por una díscola voz, al límite con la desafinación, que otorga
otro carácter de interpretación, de interpelación al oyente. Este disco pide a gritos la
alegría descomedida, el fulgor suntuoso escondido tras tres o cuatro notas que
estructuran toda la obra. Gracias, Pablo Carbonell. (Imfreakalot)
http://rockenlasamericas.b...30-anos-de.html
64
Robi Draco Rosa
Vagabundo (1996)
Aquel niño flacuchito, con semi afros y bigotín de pelusa que agitaba sus caderas
emulando a un vigoréxico Elvis Presley al ritmo de "Súbete a mi moto", era Robi Rosa.
Es inconcebible pensar que aquel niño ochentoso, víctima de la explotación infantil por
parte de las megaproductoras discográficas, hoy es Robi Draco Rosa, el multifacético
artista, EL artista.
Creador de discos tan dispares como increíbles. Poeta, pintor, poeta-pintor, creador de
monstruos, maquinista de la bestia pop (y no tanto). Ya mayor, preso de alguna
alucinación psicotrópica fue piloteando la nave (su nave, su música) hacia insondables
lugares. En 1996, atravesó mares y catástrofes para aparcar junto al rock, masticable,
profano, alucinógeno, y creó uno de los discos más increíbles pergeñados en los últimos
tiempos en lengua hispana: “Vagabundo”. Son pequeños (por no decir gigantes)
monumentos de música que remiten a lo mejor de una época que parecía morir de pie,
con honores, pero muerta al fin, en los vinilos y en las lágrimas de nuestros padres.
Mezcla, sin licencias, el rock psicodélico de Woodstock y sus secuaces, con oscuridades
obscenas, pornográficamente correctas de rock gótico, gélido, cercano a Escandinava,
allá lejos, al norte norte. Su inconfundible voz (aunque muchos intentan confundirla con
su "primo" ulter-dimensional, Ricky Martin) y su pluma prodigio dan vida a este
monstruo rock, a esta oda "revival" con autoridad y atino. (Imfreakalot)
http://rockenlasamericas.b...bundo-1996.html
63
Aterciopelados
Gozo poderoso (2001)
El quinto disco de Aterciopelados se cocina a fuego lento, que prepara el campo desde
la primera pista, que, con poética la melancólica voz de Andrea Echeverri ensaya
lacrimosas melodías sobre el vinilo. Y de esa forma el disco va recobrando la fuerza,
supeditado a los vaivenes emocionales y a la conjunción arrítmica de sus tonalidades.
Sigue, "Luz Azul", que despierta imágenes celestiales a medio tempo, dándole carácter
y forma a la concepción de la obra para despojarnos sobre la planicie musical, para
preparar auspiciosamente ese "Gozo Poderoso" que parece explotar en cualquier
momento, algo que siempre permanece latente, siempre expectante, a cada tema.
El dúo colombiano se propone encarar esta obra de manera juiciosa, para nada
ambiciosa, combinando su más primitivo sonido (o el de toda Colombia), el de su ADN,
del que no pueden escapar por más que se crea posible; con las nuevas técnicas
tecnológicas: los sintetizadores acompañantes que crean una atmósfera de despojo, de
armonía coral, de clímax musical. Y finalmente, el disco nunca explota en términos
estentóreos. Pero estalla a su modo, en el rechino vacilante del color de voz de
Echeverri, en la retórica vengativa, por momentos, y la etérea figuración metafórica de
un movimiento subrepticio, una poética cósmica, etérea. Les dieron un Grammy Latino
por la producción pero ello no significa mucho en comparación a la grandeza del propio
disco.
http://rockenlasamericas.b...eroso-2001.html
62
Illya Kuryaki & the Valderramas
Chaco (1995)
Este disco presenta una faceta diferente de los Kuryaki, que, hasta ese momento, era un
dúo de raperitos auspiciados por el flaco Spinetta con la única virtud que uno de sus
miembros es descendiente directo del gran poeta argentino. A partir de "Chaco", se
despegan de ese karma para brindarnos un disco que mezcla una ecléctica gama de
sonidos, sustentados por un funk primitivo, crudo, y que combina canciones donde
ambos cantantes (Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur) demuestran su sensibilidad
artística y poética, donde la simplicidad recobra nuevos valores de emotividad sonora.
El recorrido a través del disco nos brinda diferentes momentos en los que nos
predisponen a una serie de sentimientos, de circunstancias introspectivas; nos obligan,
casi de manera aleatoria, a prestarnos a un compromiso auditivo y concienzudo con la
obra. Nos llevan por momentos de naturalidad musical en los que el arreglo vocal y la
poesía surrealista (legado directo de Spinetta padre) evocan imágenes nostálgicas; hasta
atraernos a un magnetismo brutal por los funks rapeados, característicos de la banda, en
los que no dejan de lado el compromiso social y el poder automático de un intento de
hardcore. Esa búsqueda musical hacia un sonido pulido, característico, lo llevarán más
tarde a ser identificado con un movimiento arraigado y particular, estética mediante: las
películas de Bruce Lee, las pandillas de los barrios marginales, los colores vivos y el
erotismo. Éxito comercial y reconocimiento internacional. (Imfreakalot)
http://rockenlasamericas.b...chaco-1995.html
61
Los Teen Tops
Rock en español con Los Teen Tops (1960)
El primer LP de Los Teen Tops se convierte en el primer disco de larga duración que se
vende a nivel internacional en todo el territorio hispanoamericano. Aunque son los
próceres de la historia del rock de la grabación, la oportunidad no era tan fácil. La CBS
los audicionó con un Enrique Guzmán que entró a cantar de pura casualidad, y del cual
los ejecutivos encontrarían un gran atractivo como para comercializar.
Fue lanzando en los primeros meses de 1960 con bombos y platillos, al punto que la
radio ponía en el mismo tiempo varios sencillos a la vez, dejando casi relegado a Los
Locos del Ritmo en popularidad. Entre las versiones de éxitos de rock'n'roll
estadounidense y los temas originales, terminaron por destacar las primeras que eran lo
suficientemente rebeldes para una generación latinoamericana que por primera vez oía
ese estilo de música pero lo suficientemente apto para que los padres lo pudieran
aprobar en una sociedad mucho más conservadora de la época.
Muchas de las canciones entraron al repertorio popular de la música en Latinoamérica y
con ello marcaba el inicio del consumo del rock n'roll por el público de la región y el
final de la era dorada de los boleros o la música más orientada al público adulto,
particularmente por "Rock de la cárcel" original de Elvis Presley y "La plaga" de Little
Richard, que en vez de hacer referencia a una desenfrenada jóven afroamericana de la
letra original, hacía referencia a una tipa que solo quería gozar del rock and roll. Las
mayorías de las traducciones estarían a cargo del propio Guzmán, que no tardaría más
de un año para abandonar la banda y comenzar una exitosa carrera solista por lo que una
banda latinoamericana no volvería a tener una popularidad internacional tan grande
hasta luego de algunas décadas después, aunque no sin antes haber sido parte clave de la
asimilación del rock en personajes primigenios de la historia como Miguel Ríos, Charly
García o Lito Nebbia.
http://rockenlasamericas.b...-tops-1960.html
60
Tequila
Rock and Roll (1979)
Sobresaliente segunda entrega de la legendaria banda hispanoargentina en donde se
puede apreciar la esmerada y cuidada producción lo cual significó tremenda evolución
especialmente si se compara con su álbum debut.
Surgidos en una época de cambios y contrastes en el marco de una España post
franquista que, influenciada por el punk, comenzaba a moldearse y definir el panorama
musical rockero que posteriormente se conocería como La Movida. Aunque la banda
permaneció al margen de la misma, además que establecería su sonido a partir de las
influencias provenientes del rockabilly y de la crudeza brutal de los Rolling Stones, las
cuales quedaron plasmadas en los 10 temas de "Rock And Roll", que van del blues al
power pop y cuyas letras invitaban al descontrol total, a pasarla bien sin darle más
vueltas al asunto, despues de todo para eso sirve el Rock. Vendrían otros discos de igual
calidad pero aquí marcaron la diferencia, se catapultaron a la fama y de igual manera se
condenarían tras las constantes discusiones y desacuerdos motivados por la heroína, que
fue lo que termino de matar a la banda. (David Delio)
http://rockenlasamericas.b...-roll-1979.html
59
Andrés Calamaro
Honestidad brutal (1999)
Para cuando el disco fue lanzado en la Argentina era considerado el más largo de la
historia del rock de ese país ya que contaba con 37 tracks que justamente obedecía a la
edad que Calamaro tenía cuando el disco fue terminado.
El álbum reflejaba un intenso, doloroso e intricado momento en la vida del músico
como fruto de la ruptura con su novia, los continuos desvelos y los agotadores viajes, lo
cual a la larga resultó en el trabajo más completo de su carrera debido a la diversidad de
estilos musicales que abarcaba como el tango, el bossa, el ska, el blues, y suficiente
experimentación que fueron el ingrediente perfecto para acompañar sus clásicas baladas
y tonadas rockeras. Sin embargo pese a contar con el beneplácito de la crítica (más en
España que en Argentina) no se vendió tan bien como su álbum predecesor. Cabe
destacar dentro de las curiosidades del álbum el tema dedicado a Maradona, así también
como la dedicatoria a Miguel Abuelo, quien fuera el maestro de Calamaro en los
Abuelos de la nada. En alguna entrevista, Calamaro reconoce que "Te quiero igual", la
canción más emblemática del disco, es un tributo a Joaquín Sabina pensando en Van
Morrison.
Al final de cuentas, puso a Calamaro en lo más alto de la escena musical
iberoamericana. (David Delio)
http://rockenlasamericas.b...dad-brutal.html
58
Los Brincos
Los Brincos (1964)
La explosión mediática de los Beatles a principios de los 60’s revolucionó la lúgubre
imagen que se tenía del pop hasta entonces. Los cuates no solo se convirtieron en
clásicos sino que también inspiraron a centenares de bandas alrededor del mundo a
copiar su imagen y sonido. Entre esas bandas estaban los Brincos, que con el marchar
de la década pasarían a convertirse en la mejor banda española.
Se podría decir que en cierta forma estaban adelantados a su época, tanto en su concepto
como en los instrumentos que usaban siempre a la vanguardia de las tendencias por lo
cual no tenían sinceramente nada que envidiarle a los Beatles, Animals, Gerry & The
Peacemakers, y sin duda este álbum es considerado piedra angular del pop español. Este
se grabó en octubre del 64 en Madrid y contó con la producción de Maryni Callejo, y
abría con la frenética "Dance The Pulga". También venían dos exquisitas baladas como
"Es Para Ti" y "Es Como un Sueño", considerada una de las mejores canciones de toda
su carrera. "Cry" que fue su primer single y el adelantado “Flamenco” su primer número
1.
Pero llaman mucho la atención las sucias y desprolijas "Shag It" y "What' The matter
With You” en donde su encanto queda en evidencia sonando al más puro estilo de los
Beatles en su época de Hamburgo o al de cualquier banda posterior a 1977 que se
jactara de llevar la etiqueta de independiente. Por algo es que Los Brincos y en
particular este álbum son el punto de partida e inspiración para muchas bandas de la
movida que se mantiene en el sonido indie español. (David Delio)
http://rockenlasamericas.b...964-zafiro.html
57
Julieta Venegas
Bueninvento (2000)
Producido también por Gustavo Santaolalla, "Bueninvento" es el segundo álbum de la
mexicana Venegas y presenta ciertos cambios orientados hacía un rock mas subterráneo
y conceptual lo cual significó una evolución en su carrera, quizás menos atrevido y
directo que su predecesor pero si mucho más consistente de principio a fin.
La mayoría de las canciones están arropadas y dirigidas por baterías a menudo
programadas, muy buenas acentuaciones de su inseparable acordeón, mucha guitarras
eléctrica, claros y destacados coros y muchos teclados descartando las canciones del
piano que se caracterizaron en su debut, todos estos factores hacen de esto un material
bastante versátil para el oyente de hecho a medida que el álbum progresa los ánimos e
intensidades entre canción y canción se vuelven mas evidentes lo cual es uno de los
aspectos destacables de la placa, de canciones con un ritmo relajado a canciones mas
intensas y rápidas, de claros y fuertes coros a calmados versos con finales casi caóticos
en la mayoría de los temas, lo cual le da al álbum su sabor especial haciéndolo difícil de
digerir a la primera pero conforme las escuchadas se le va tomando cariño.
Definitivamente no es pop facilón como muchos hubieran querido de parte de la Julieta,
aquí se apuesta por lo difícil lo cual se le agradece. ¿"Sería feliz"? (David Delio)
http://rockenlasamericas.b...o-2000-rca.html
56
Bunbury
Flamingos (2002)
Para discutir sobre este disco o, si se quiere, sobre toda la discografía en solitario de
Enrique Bunbury, hay que despegarse de los trabajos de la súper banda ibérica Héroes
del Silencio. En solitario, trata a cada uno de sus discos de darle un sonido único, muy
dispares de los antecesores inmediatos. Pero siempre guardan su impronta: el sello
bunburyano que guarda una voz característica, y trasciende la pose de Morrison y el
glam de Bowie. "Flamingos" es el disco más glamoroso de todos, en el cual explota su
inspiración (o devoción, quizás) por El Duque Blanco.
Luego de la prolongada y exitosa gira "Pequeño Cabaret Ambulante", Bunbury se
refugió en los estudios de grabación para retomar una esencia perdida. Trata de su
costado más escéptico con el sexo opuesto, donde echa a rodar su juicio, su pesimismo
y el arrepentimiento por el tiempo perdido. Juntando una big band, una especie de
dream team de la música española contemporánea, ungió en quince pistas una serie de
reglamentos a seguir para conocer mejor al artista. Abocado al éxito dinámico, dio
forma a algunas canciones populistas, de rima fácil, como "Lady Blue" o "Enganchado
a ti".
Sin embargo, este disco refleja como pasa imperceptible la rudimentaria arquitectura de
una obra, que disimula constantemente a favor de buenos matices musicales, solventado
en la facilidad poética de Bunbury. Un disco de temas hiteros, pero que se dejan
escuchar todos. Fue el disco que lo definió como solista pero también vale la pena
mencionar que tuvo como invitados a Jaime Urrutia, Quimi Portet, Carlos Ann entre
otros amigos de su largo sendero. (David Delio)
http://rockenlasamericas.b...s-2002-emi.html
55
Mägo de Oz
Finisterra (2000)
Con ese ritmo ultrasónico y carrasposo que caracteriza desde sus entrañas al género
heavy metal, los Mago de Oz (banda ibérica referente del género) propone abrir un libro
cualquiera, una fábula extraña y nos adentra en la historia de Diego Cortés, un
espadachín futurista que lucha contra el vaciamiento espiritual, por mantener el valor
preciado de la humanidad. Remitiéndome a la voz en off del niño que abre el disco,
entre flautas medievales y fábulas apócrifas: "por eso, es mejor forjar el alma, que
amueblarla".
La pista preliminar para agolparnos a un proyecto ambiciosos, que por tal, parece
pender de una débil soga trazada a lo largo de una cornisa. El abismo. Ni todos los
arreglos expuestos en el material, ni la magia oscurantista que esconden las vibraciones
musicales, ni siquiera la parábola espiritual de Mago de Oz puede arremeter de lleno a
favor de un concepto demasiado osado. Cada capítulo se tiñe del mismo ribete, la
diferenciación entre aventura es casi transparente, de tal modo, la música ocupa un mero
espacio funcional a la historia narrada, a lo cantado. El resto es puro achaque y amasijo
de guitarras. Es notoria la lucha entre la catástrofe que proponen las guitarras disparadas
al aire en un cierto tiempo, con el poder necesario que requiere el metal, unos gritos
agudos acorde y mucha suntuosidad musical; algo barroco escondido tras la plegaria
suicida que despierta tal empresa: el contar canción tras canción una historia algo
vermicida como la metáfora demodé de la historia del hombre y sus demonios.
Disco doble, "Fiesta pagana", "Satanía", obra maestra de folk metal asegurado.
(Imfreakalot)
http://rockenlasamericas.b...terra-2000.html
54
La Polla Records
Salve (1984)
El primer LP de La Polla Records marcaría un antes y un después en la música belicosa
hecho en Hispanoamérica.
Empapados de lo que sucedía en Gran Bretaña lo llevaron a una realidad donde el País
Vasco escupía gargajos cargados de una represión socio-cultural como consecuencia de
las políticas del dictador Franco. Siendo una de las obras más recordadas del rock
radical vasco (movimiento cuyos integrantes siempre rechazaron como tal porque fue
una camada de bandas espontáneas que no solían tener mayor relación cercana entre
ellas excepto por surgir entre el País Vasco y Navarra) terminaron siendo empapados en
el otro continente por la universalidad de su anti-discurso. Y es que en el disco se habla
de todo lo que era tabú o simplemente a nadie se le había ocurrido (desde la industria
musical, pasando por la iglesia, los poseros, la pornografía, el abuso laboral, el
apartheid, la prensa farandulera y la lista sigue), cargados de un humor negro antes de
que un discurso político.
La banda llegó a alcanzar una popularidad sin precedentes para ser una banda cuyas
canciones se vetaban en la radio, y su "Opus Dei,¡oh no!" del tema homónimo del disco
quedó casi inmortalizado en el mundo underground de los 80's que puede ser
comparado con el "Gracias totales" de Cerati que en el mundo mainstream una década
después (como cuando lo cita Jorge Gonzáles en el Viña del Mar en la última
presentación de Los Prisioneros en el 2003). Y es que toda banda punk contestaría que
saldría posterior al impacto de este álbum no podrá dejar de ser comparado
inevitablemente con la obra que permitió alzar la voz de los que siempre serán
considerado los abyectos de una sociedad que no ha cambiado mucho en 25 años.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...sonua-1984.html
53
Caifanes
Caifanes (1988)
Surgidos de los resabios de las Insólitas Imágenes de Aurora, los Caifanes debutan en
1987 haciéndose con un demo de cuatro temas como carta de presentación para hacerse
de un contrato con alguna disquera entre las que se encontraba la extinta CBS México,
en donde el director los recibe con la sarcástica y ahora legendaria frase: "que ellos
vendían discos y no ataúdes" y para rematar termina con "parecen putos".
La cosa pintaba mal, pero no por mucho tiempo. Por ese entonces, la BMG estaba
convocando a un concurso para promover el "Rock En Tu Idioma", siendo Caifanes y la
banda Neón las elegidas que competirían por ver quién se ganaría el derecho de abrirle
el concierto de Miguel Mateos y un contrato discográfico. Tras haber ganado pudieron
tener un acercamiento con el productor de Mateos (un tal Oscar "Cachorro" López)
quien se ofreció a producirles su primer disco el cual se llamaría simplemente
"Caifanes" y saldría a la venta en 1988.
Se puede catalogar el debut como la quintaesencia del rock mexicano: un disco rudo,
crudo, propositivo, metafórico y auténtico marcando la pauta a seguir en los años
venideros por muchas bandas inspiradas por el sonido de este álbum. Además su look a
The Cure fue un punto a favor porque en ese momento no había inadvertido en la ciudad
de México. De los once cortes producidos cabe destacar los siguientes: "Mátenme
Porque Me Muero", el primero en desprenderse y que a la postre llegaría a vender 300
mil copias algo insólito para el rock mexicano en aquel entonces, la archifamosa "La
Negra Tomasa" que los catapultaría a la fama, este curioso hibrido de cumbia gótica
traspasó las fronteras e incluso los ecos de su sonido llegaron a países tan dispares como
Italia o España (además que la versatilidad del arreglo permitía que fuera tocada tanto
en radios tropicales como en radios rock), y el eterno clásico "Viento" cuyo original
punteo de guitarra destaca la creatividad de Saúl Hernández que a pesar de sus carencias
sabía como explotar bien los recursos sin contar los aciertos del resto de la banda. El
disco también contaría con la participación de Gustavo Cerati que tocaría la guitarra en
"La Bestia Humana".
En retrospectiva y viéndolo desde el punto de vista técnico puede que el álbum no fuera
gran cosa si se compara con los discos que vendrían después pero su contribución para
romper paradigmas dentro del rock mexicano es lo que lo eleva a categoría de clásico,
este inmaculado debut de una de las bandas mexicanas más representativas de los
últimos veinte años. (David Delio)
http://rockenlasamericas.b...s-1988-bmg.html
52
Los Gatos
Los Gatos (1967)
¿Realmente el primer LP se merece todo el reconocimiento que le han dado desde
Argentina considerándole como el disco fundacional del rock en español? No hay duda
que su éxito marcó un hito en el rock hecho en Sudamérica, y es que hasta antes de ello
una banda de rock no podía vender tanto por un LP aunque ya lo habían logrado Los
Teen Tops en México y Los Brincos en España anteriormente.
Pero este disco se diferenciaba de los predecesores por su ausencia de temas en inglés
así como de versiones de temas grabados anteriormente. Los Gatos, era una deudora del
caldero nacido en La Cueva, el primer reducto de la vida bohemia donde se desarrolló el
primer rock fuera de la industria musical. Así que su relación con otros músicos como
Tanguito o Moris serían fundamental para la concreción de algunos de los temas más
significativos del disco. A ello se le añade lo melódico del disco por la fuerte influencia
beat que genera una serie de canciones de corte pop de la más alta manufactura.
La canción más emblemática fue sin lugar a dudas "La balsa", un éxito inmediato que
afirmó la fuerza comercial y cultural de la música particularmente producida en
Argentina, y cuyo paso del tiempo ha alimentado una serie de leyendas que incluyen si
la verdadera inspiración de la canción incluía una alusión a las drogas. Otros temas que
sobresaldrían serían "Ayer nomás" (que se dice que la letra fue cambiada de la pensada
originalmente por temas de censura) así como "El vagabundo". Aunque la banda
alcanzaría el éxito internacional posteriormente con "Viento, dile a la lluvia", no hay
duda que en el disco debut de Los Gatos será el que terminará trascendiendo a nivel
latinoamericana, por su búsqueda de idealismo bohemia de aquel tiempo así como por
tomar con suma elegancia las más atractivas influencias pop que lo hacían un disco de
melodías exuberantes y cancionero por igual. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...rca-victor.html
51
Botellita de Jerez
Botellita de Jerez (1984)
Botellita de Jerez aterrizaba en el panorama con una buena dosis blues rock urbano y
mucho humor aprovechado los excesos de las bandas heavys para crear un concepto a lo
Spinal Tap, solo que esta vez sin ficción y aterrizando a una estética que guardaba la
Ciudad de México de los años 80's.
Y es que el disco está lleno de historias de una ciudad con personajes que uno puede
encontrarse todos los días, y usando un lenguaje netamente coloquial, el cual fue uno de
los más grandes atractivos de la banda, en una época donde aún la fiebre del rock en
español no había tenido el estallido que ya golpeaba España y Argentina.
Las canciones que en su momento fueron básicamente himnos de la juventud
underground, terminarían en ser los principales motores del concepto propio que
desarrollarán el rock mexicano en el futuro con El Personal, Tex Tex o Maldita
Vecindad y los Hijos del Quinto Patio. Las canciones más rescatables son
"Charrocanrol" y "Alármala de tos", esta última, inspirada en una revista sensacionalista
conocida por sus historias macabras y policiales, y que sería versionada por Café
Tacuba en los 90s.
Vale la pena considerar que los miembros de la banda siempre estuvieron relacionados a
la vida cultural de la Ciudad de México, sobre todo en el cine. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...tellita-de.html
50
Puya
Fundamental (1999)
Puya era una banda que pasaría a la historia por buscar la concreción de dos géneros que
simplemente parecían no tener manera de coincidir un punto de encuentro. Y es que la
tradición de la salsa y metal podían calzar dentro de una buena dosis de funk. La era
dorada del nu-metal los introduciría a codearse con las bandas top del género a nivel
internacional y el álbum "Fundamental" sería el trabajo de esa experiencia, que pasaría
tras las manos del productor argentino Gustavo Santaolalla.
La banda puertorriqueña que se había establecido en Florida hacía gala de un sonido
limpio pero fuerte que permitía oír con claridad el sonido de los vientos con la de las
guitarras en su modo más crudo, mientras el vocalista Sergio Cobelo combinaba sonidos
desgarrados con rapeos o soneos con gran destreza y las canciones tenían letras que
combinaban el inglés con el español, en algunos casos ininteligibles o escondidos tras la
música.
El disco fue comparado con el "Roots" de Sepultura, aunque la influencia lo acerca más
hacia el rock de base afro-caribeña del Santana de los 70's. Los temas destacaron fueron
"Keep it simple", "Oasis" así como la canción homónima. Canciones donde también
había un acercamiento al rap asi como al son cubano aunque siempre dentro del
concepto crítico que mantenían las líricas de la banda. Por otro lado, recibió una
excelente crítica por parte de los medios especializados en nu-metal y fueron invitados
al Ozzfest. Sin embargo, en algún momento quedaron en el limbo entre la escena de las
bandas de "rock en español" y la escena estadounidense; algo frecuente para las bandas
que quieren romper barreras, por lo que luego de un disco adicional se disolverían,
aunque no definitivamente ya que regresaron en el 2010. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...l-1999-rca.html
49
Los Rodríguez
Sin documentos (1993)
Un par de canciones con posteridad invulnerable, unos sonidos poco pulidos y esa rima
híbrida entre lo absurdo, lo genial y lo estúpido, le valieron a Andrés Calamaro para
regresar a su continente con más glorias y esperas que en cualquier otro momento de su
carrera. Es que, ya parecía perder el barco de la vigencia post muerte de Miguel Abuelo,
post desmembramiento de sus Abuelos de la Nada, algunos discos que lo convirtieron
un irreverente creador de éxitos de moda ("Sin gamulán" o "Mil horas"), pero tras el
ocaso, un olvido prematuro que deseaba venir por él.
También, el valor de algunos hits pasajeros, sufrieron algunas heridas de gravedad.
Entonces, Andrés, viajó a España para cultivar su prosa sin miedo a equivocaciones,
errores ni mensajes solapados por la crítica. Años más tarde, como una extraña
coincidencia o un elemento incidental, Andrés Calamaro presentaba a sus Rodríguez,
con un ritmo que extraía el veneno canario del flamenco en tempo de candombe
rioplatense, como fusión de esa identidad, presentaban: “Sin documentos”. Éxito
arrollador, de nuevo a los aplausos, etcéteras. Ya había pasado la tormenta.
El componente principal de este disco, una sumatoria de canciones roqueras (algo
kitsch), poesías hilvanadas con la prosapia de un Calamaro todavía no consciente de su
capacidad creadora, y el resto, canciones armónicas: algunas baladas con un sentido de
coraje autocrítico y demás aventuras que resumen el espectáculo que pronto, Calamaro
y Rot (Ariel, guitarrista argentino de enorme pasado español), desarrollarían por unos
años más.
Entre las canciones destacadas están los temas "Dulce condena", "7 segundos" y "Salud,
dinero y amor", aparte del conocídisimo tema homónimo, clásico rockero de carga
sexual. Las canciones siguen la línea del primer disco, en un Tequila mestizo formando
un empalme simbiótico del piano rock que Calamaro importaba de su tierra a continente
europeo. El legado de este disco es indiscutible. (Mr Imfreakalot)
http://rockenlasamericas.b...entos-1993.html
48
La Revolución de Emiliano Zapata
La Revolución de Emiliano Zapata (1971)
Con el tiempo, dicen, madura la fruta. Con el tiempo, las cosas buenas adquieren su
mejor color, sabor, intensidad. Con ese tiempo, los elementos de una biología indefinida
se tornan especiales, adquiriendo el punto justo, para convertirse en piezas de colección,
en estampillas de un álbum de colección. Eso pensamos hoy, cuando la maquinaria del
rock se ha convertido en mercantilismo, en espejismos, en pura espuma y pose.
Allá, en aquellos años de exploración, de fiebre sincronizada por la urgencia del
autodescubrimiento, se sembraban semillas - pequeñas pistas - que hoy recogemos
como la fruta más sacra. Es que en aquellos tiempos, no había roedores publicitarios
encima de las bandas, y esto, posibilitaba al desenfreno, a la prueba, al inocente ensayo.
Este disco, inicial de La Revolución de Emiliano Zapata, es un convite a esas aventuras.
A esas pequeñas huellas, diría mesozoicas, que hoy analizamos con tanto detenimiento,
con tanta puntillosidad y cientificismo. Pues quiero decirles, mis amigos, que aquí no
hay nada que decir. Esto es estado puro de inconsciencia sobre la música. Estado puro
de imaginación, de desvarío, de irresponsabilidad. Ese germen que hoy tomamos como
una obra de arte, no es más que el rock inocente de la primera época. Que trae aparejado
las pifias del iniciado, que suena a lata por los sedimentos del vinilo mal grabado, que
tiene la urgencia del éxito, pero sobretodo, y lo más valioso, esconde la llama inaugural
de una época en fiebre, esas que parecen principiar un algo que todavía no tiene forma y
se despierta lentamente.
Ese rock – el de búsqueda – es el que mejor suena a rock. Para eso, no hay palabras que
valgan. No es cuestión de una postura, ni de un look, ni de cuan graves suenen las
guitarras, ni cual fuese o no la melodía. El rock fue la novedad: esa de ahí, que
escucharán en el disco de 1971 de La Revolución de Emiliano Zapata. El resto, hasta
hoy, es imitación o réplica. Aquellos tiempos, acá, en Latinoamérica, allá, en Reino
Unido o Estados Unidos, o en cualquier lugar del mundo donde las guitarras
experimentaban, eso era rock. ¿Y "Nasty sex" les suena familiar? Quizás porque fue
parte de la banda sonora de la película "Y tú mamá también".
http://rockenlasamericas.b...-zapata-la.html t47
47
La Ley
Invisible (1995)
Cuarto álbum oficial en la carrera de la banda La Ley considerado por sus más
acérrimos fans como su obra cumbre. "Invisible" fue lanzado al año siguiente de la
trágica muerte del miembro fundador Andrés Bobe, y si bien la muerte del compositor
principal de La Ley enlutó al rock chileno, para la banda era un giro radical en su
carrera que obligaba al ingreso de Pedro Frugone y el inicio de otra etapa, empezando
por el estilo de tocar ya que Bobe se decantaba más por un sonido new wave el cual es
evidente en los primeros álbumes de La Ley mientras que Frugone era más glam.
A partir de este momento la banda deja por un lado la estética new wave y los cambia
por una tendencia más ecléctica y gótica tanto en imagen como en su sonido. El aspecto
visual se vio reforzado por letras un tanto oníricas y abstractas cargadas de guitarras
más distorsionadas, las canciones tienen profundidad y la música es limpia y aguda con
canciones tanto en inglés, español y francés gracias a los años que Cuevas pasó
viviendo en Canadá lo cual hace que el disco sea la perfecta combinación de melódicas
y obscuras baladas de corte más alternativo llevadas a nuevas alturas gracias a su
sofocante voz. El álbum es un tributo a Bobe pero también el producto tras el rol
preponderante que toma Cuevas como líder dejando al lado la implacable sombra del
otrora líder de la banda.
Entre los datos curiosos del disco cabe destacar que algunas eran composiciones que el
grupo ya venía tocando cierto tiempo atrás como la célebre "El Duelo" y "Animal", y
aparte, se rescataron algunas composiciones gracias al regreso del tecladista Rodrigo
Aboitiz como "Corridor" y "1-800 Dual". De "Invisible" se lanzaron 5 singles oficiales,
siendo el primero la exitosa y póstuma composición de Bobe "El Duelo" que vino a
establecerles como una banda de la altura de Soda Stereo o Héroes del Silencio. El éxito
en ventas del álbum los llevó a una extensa gira de casi 3 años siendo una de las más
completas y exitosas realizadas por una banda latinoamericana hasta entonces, e incluso
el disco superó en ventas a "Sueño Stereo" que había sido lanzado por las mismas
fechas.
Hasta la fecha el cuestionamiento de cual hubiera sido el rumbo de la banda de haber
vivido Bobe sigue en pie, y es que durante su época, la banda hacía una música mas
oscura mientras que durante la etapa de Cuevas el sonido se volvió más pop, aunque
habría que preguntarse si la banda hubiera cosechado el mismo éxito masivo de haber
seguido el camino de Bobe. (David Delio)
http://rockenlasamericas.b...e-1995-wea.html
46
Radio Futura
La canción de Juan Perro (1987)
Es curioso ver la crítica española y su visión de las cosas cuando enarbolaron a Radio
Futura como una banda de rock latino. Y claro que en este caso la visión de "latino" está
relacionada a ese imagen caribeña que enarbola un paraíso tropical. Se siente cierta
lascividad y evocación a gente caliente pero la banda tenía un desarrollo paralelo a la
evolución del rock mestizo que se daba en América Latina.
En "La Canción de Juan Perro", disco grabado en Nueva York, incluía percusión afrocubana y una sección de vientos, pero en síntesis no tomaba gran diferencia de muchas
banda de pop-rock a nivel mundial aquellos tiempos. El nivel de la banda se apreciaba
más bien en su dedicación por hacer buenos temas pop, que tenían pegada pero siempre
fueron en busca de trascendencia. El tratamiento de las letras y la sofisticación
demostraban que habían superado la gracia juvenil de "Escuela de calor", el juego de lo
"latino" no pasa de ser un recurso más en ese concepto.
Y es esa calidez que toma por asalto gran parte de la región americana que los abrazó en
el mismísimo boom del rock en tu idioma, y si bien la competencia era reñida, la banda
supo tener un lugar para una generación que le agradece canciones como "A cara o
cruz" o "La negra flor", clásicos instantáneos, o temas como "37 grados" o la adaptación
de "Anabel Lee" que empezaron a dar el crédito a Santiago Auserón, como un
compositor a tener en cuenta, y que por cierto tomaría el pseudónimo de Juan Perro a
partir del título del álbum. Aunque unos años después lanzarían "Veneno en la piel" que
es la canción que terminaría en el consciente colectivo, no hay duda que "La canción de
Juan Perro" terminó siendo el álbum con el que se les identificará para la posteridad.
(J.L. Mercado)
http://rockenlasamericas.b...on-de-juan.html
45
Soda Stereo
Sueño Stereo (1995)
"Sueño Stereo" se trató de una colección de doce canciones impecables, sólidas, parejas
y más que dignas para finalizar una exitosa carrera de una de las más completas y
variopintas bandas que el rock latinoamericano hubiera logrado parir. Era ampliamente
conocido el malestar de los integrantes; sin embargo, pudieron limar las asperezas y
presiones del momento y el resultado fue este formidable disco que es la culminación, el
estado absoluto de su sonido a medio camino entre la experimentación de "Dynamo" y
la contundencia de "Canción Animal": la dosis perfecta en un álbum que suena más que
completo hasta la fecha.
El melancólico lado de "Sueño Stereo" contenía lo típico en los discos de la banda.
Había un par de hits que llegaron a ser éxitos masivos como la célebre y universal “Ella
Usó Mi Cabeza Como Un Revólver”; solo esta canción vale por completo la placa ya
que es considerada entre lo más relevante que hiciera la banda, un single poderoso
arropado con un correcto manejo de las cuerdas y samples extraños que le otorgan una
absoluta distinción más allá de los clásicos más populares como "Persiana Americana" o
"La Ciudad de la Furia". El otro hitazo fue el encantador y ecléctic "Zoom" que alcanzó
la plena difusión gracias al video que invita al libre amor como en los viejos 60’s. Otras
canciones que sobresalen son "Pasos" y la celestial “Crema de Estrellas” donde los
arreglos de cuerdas vuelven a darle sabor a los vastos paisajes sonoros del álbum, Cabe
destacar también "Paseando por Roma" que obedecía a las tendencias brit-poperas del
momento o la alucinante "Disco Eterno", por mencionar solo algo del potencial de un
álbum excelso indiscutible. Sueño Stereo fue la obra sonora meticulosa que Cerati
buscó incansablemente durante mucho tiempo: Brian Eno, y evocaciones a Echo & The
Bunnymen en un sample de batería plasmado en "Efecto Doppler", o al Depeche Mode
más artificial y electrónico de los 80’s.
Al final de cuentas el disco cumplió con lo que tenía que hacer, despedir de la manera
más digna a una banda que había cumplido un ciclo, que había pasado por todas las
fases que una banda de rock podría haber pasado incluyendo un éxito masivo en ventas,
un monstruo llena estadios y levanta pasiones por doquier. La banda ya había alcanzado
la cúspide con la que toda banda sueña, ahora si ya podían descansar en paz. (David
Delio)
http://rockenlasamericas.b...-1995-sony.html
44
Café Tacuba
Avalancha de éxitos (1996)
Después del arrollador éxito y aclamadas críticas de "Re", Café Tacuba se vio en la
tarea de conseguir un disco que continuara el camino ecléctico de su antecesor. Para
esto, recurrió al inagotable almacén de hits populares y de mezclas inimaginables que
marcan la pauta de la banda en el terreno de la fusión. Aunque la idea solo fuera
disfrutar haciendo covers de canciones de dominio público, este disco marcaría el
regreso de la banda por el sendero de momentos memorables: "Como Te Extraño Mi
Amor" y la reversión de "Chilanga Banda", canciones que se han convertido en parte
imprescindible de su discografía, así no hayan sido creadas, más bien recreadas, por
ellos.
La avalancha comienza con "Chilanga Banda" de Jaime López. El manejo del lenguaje
en este track subversivo es deslumbrante; la CH como herramienta que presentaba la
realidad mexicana desde un enfoque popular y crítico. Dentro de las reversiones más
populares encontramos ese hit de música para planchar generalmente llamada música de
AM están "No controles", que es redibujada en tono agresivo y rebelde en la voz de
Rubén. La famosa "Ojalá Que Llueva Café", esta vez en compañía del maestro
Alejandro Flores para crear un huapango revestido de encanto y picardía.
"Alármala de Tos" y "Metamorfosis" son cuentos macabros narrados con un trasfondo
súper eléctrico y apropiado para los mensajes que transmiten. Los momentos de calma
llegan con el bolero "No me comprendes", para el cual se acompañaron de un piano que
nos regala notas tropicales capaces de envolver la explosión que supone el
acompañamiento acústico y eléctrico interpretados de forma magistral. "Perfidia", por
su parte está marcada por el bajo y una espesa capa de loops y experimentos sonoros.
Pero, la canción del disco que se ganó al público es ese otro éxito radial de la onda AM
de Leo Dan.
Tal vez el logro más grande de este disco, fue que nos permitió entender que Café
Tacuba tiene un don para apropiarse de canciones que no son de su autoría, cosa que
reivindicarían con su homenaje a Los Tres en el EP "Vale Callampa". Un gran disco que
vale cada segundo y cada nota, lleno de éxitos para el disfrute de las masas y de
melodías exquisitas para los amantes de la buena música. (Demon Balooni)
http://rockenlasamericas.b...xitos-1997.html
43
Héroes del Silencio
El espíritu del vino (1993)
Héroes del Silencio iba abriéndose por buen camino en su búsqueda de conquistar el
mundo y demostrar que las barreras del idioma podían romperse incluso con el prejuicio
de que el rock y el idioma español podían ir de la mano (y no hablo del mundo
hispanoparlante). Las intensas giras también habían ayudado a generar una mayor
seguridad sobre lo que ellos querían y todo apuntaba a acercarse al espíritu del rock.
Phil Manzanera volvió a trabajar con ellos y la grabación fue en los estudios Gallery (en
Chertsey, Londres), pertenecientes al propio productor. El título del disco hacía una
referencia a los excesos que se dieron en todo sentido, desde la búsqueda de dar el
mayor número de tracks posible hasta el uso de drogas durante la grabación, y todo ello
sin contar lo gran ególatras que se habían vuelto, la misma imagen de la estrella de rock
que muchos fanáticos acá y allá adoran. Pero es el sendero hacia donde giraban los que
hacía de su trabajo algo de trascendencia.
El abandono total al new wave y la apuesta mayor por las guitarras (lo que
practicamente obligaría la entrada del guitarrista mexicano Alan Boguslavsky) fue
asociada con una búsqueda por lo místico, algo totalmente contradictorio si
consideramos lo mencionado previamente, pero es que precisamente esa lucha de
extremos parecía recubrir la temática que terminaba por cerrar el círculo de aquella
etapa.
Canciones como "Nuestros nombres", "La herida" o "Flor de loto" se convirtieron en
himnos de los fans (a diferencia de "La sirena varada" que tuvo un poco más de suerte
comercial, sobre todo en América Latina), sin embargo, sería sensato decir que no era
precisamente el álbum de donde se podía desprender sencillos.
El tiempo lo ha consolidado como el disco favorito entre los fanáticos porque aunque no
tuvo la potencia de su sucesor "Avalancha" ni el toque sofisticado de "Senderos de
traición" terminó siendo el gran testimonio del pico de una banda de rock, que marcaba
la mitad de una carrera que bajo su grandeza terminaría por iniciar la chispa incendiaria
de un fin previsible que muchos no aceptaban ver. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...piritu-del.html
42
Bersuit Vergarabat
Libertinaje (1998)
Esto es un juicio de valor: "Libertinaje" es un disco 100 % efectivista. El resultado de
un manojo de vicisitudes atravesadas a lo largo de un tiempo de mareas, de ocasos, de
máscaras carnavalescas, de excesos. La reversión de la historia de Bersuit Vergarabat se
empieza a contar a partir de este disco, y, de un capitán de mareas que supo rescatarlos
del naufragio: Gustavo Santaolalla.
Corrían los vertiginosos años noventa en la Argentina. Un derroche de fiesta neoliberal,
de viajes a Miami y plata dulce; por un lado, algunos músicos corrían a través y para el
éxito oportuno, sumidos a una especie de cresta contestataria de doble faz, de indiscreto
pensamiento hacia el ascenso directo. Por otro lado, una resistencia débil y ambivalente,
que pregonaba ante los oídos todavía tapados por el dulce de una época en receso de
análisis, reflexión y lucha. Para aquellos músicos, la suerte era esquiva, altanera y
malintencionada. Entre ese grupo desfavorecido se encontraban los Bersuit Vergarabat.
Una banda que coleccionaba entre su itinerario ese irrefrenable mensaje contestatario,
ese deseo tácito por creer que la música es el medio para la reflexión. Pero claro, el
público estaba encapsulado en el plástico recipiente oscuro y cegador de la fiesta
menemista. Entonces, ¿cómo descubrir los ojos de la gente contra un velo tan
hermético? Entreguémosle fiesta en clave Morse, en mensaje solapado (y no tanto), para
aquellos que, de alguna manera entenderán, con el tiempo, que son parte de esa ola que
crece y que algún día, en la lejanía, morirán aplastados por ella: y así, en un futuro
remoto reivindicarán la poesía, el mensaje, entenderán, nos entenderán, etcétera.
Por eso ratifico mi sentencia previa. Efectivizar a través de la música: reuniendo todas
las cualidades posibles, agrupando en dosis exageradas los ritmos escondidos que una
banda (hablamos de muchas personas) puede ejecutar y, sobretodo, aprovechar un
momento de duda, de abismo intelectual y colocarlo entre el público como una pieza
infaltable de dominio popular. Y el mérito (reafirmo, es un mérito) de Santaolalla, de
lograr percibir sobre el horizonte inextinguible de posibilidades la verdadera naturaleza
y razón de Bersuit Vergarabat: la efectividad en "Libertinaje", de las necesidades de una
época determinada, de una demanda que parecía silenciada por una mordaza popular.
Desde la estrepitosa, directa y pornográfica reversión de “Señor Cobranza” de Las
Manos de Filippi, pasando por la emocionante “Vuelos” – en el giro alegórico más
excelso – y los himnos (pre-destinados a ello): "Murguita del sur", "Se viene", "Yo
tomo" y "¿Qué pasó?", repasando por un repertorio ecléctico, sabroso y por demás
provechoso para cimentar las bases de una nueva versión de la banda: la adaptación
como forma principal de comercio, como un escudo de auto-realización para
contraatacar en el momento preciso, como una forma ambigua de concientizar y recibir
algo a cambio. (Imfreakalot)
http://rockenlasamericas.b...inaje-1998.html
41
Gustavo Cerati
Bocanada (1999)
Cuando Cerati deja Soda parece que no solo se deshizo de su melena y de la ropa
pasada de moda sino que tomó un nuevo rumbo desde lo musical que desentona un poco
con la etiqueta de rock en español. Primero se embarca con Melero en un rollo
electrónico-experimental que hasta la fecha sigue siendo tierra desconocida para
muchos de sus fanáticos. El viaje experimental continuó y tuvo su pico más alto en
1999 cuando publica su primer disco en solitario: Bocanada; una exquisita fuente de
melodías de pop distorsionado a las cuales se suma la maestría de Cerati para crear
letras poéticas y profundas.
"Tabú" abre el disco con aires de free jazz al cual se le une una especia de trivialidad
salvaje que no puede acompañar de mejor manera la poesía armoniosa del maestro.
Canciones como "Engaña" y "Puente" quedaron como el gran legado de este disco;
temas de amor envueltos con palabras justas para desatar el encanto, notas que rozan el
pop y que se alejan de él con una facilidad provocada por el indudable talento de Cerati
con la guitarra.
La diversidad reina en las primeras ocho canciones del disco donde la calma lo envuelve
todo de manera gloriosa y en instantes caótica. "Bocanada" por ejemplo es un severo
viaje introspectivo donde la voz se convierte en el puente entre la perdición sónica y la
realidad absurda. "Río babel" y "Beautiful" vienen con claras influencias electrónicas
que no abandonan del todo la calma pero que vislumbran una frescura pueril. Sin duda
el track del disco es "Verbo carne". Seguramente esta canción fue la que prendió la
chispa de los Once episodios sinfónicos. Una pieza que mezcla todos los elementos de
Bocanada y le agrega un sabor indescriptible. Sinfonías, guitarras, secuencias
electrónicas casi imperceptibles y una letra intensa que hace justicia a tan buena música.
El descaro comienza a apoderarse del disco a partir de la canción numero 9. La hermosa
lírica y los acordes medidos de la guitarra dan paso a la experimentación con sonidos de
ambiente y electrónicos, tal vez por esto, "Bocanada" es un disco apetecido por DJs. Si
escuchamos "Paseo inmoral" por ejemplo, podríamos sorprendernos con la similitud de
los beats bailables de finales de los noventas con los que muchas bandas están
empleando en la actualidad. ¿Visionario o descarado? Para nadie es un secreto que
Cerati está más allá del bien y del mal y con Bocanada no hizo más que darnos una
prueba de las texturas de su cielo sónico y de su lirica inigualable. (Demon Balooni)
http://rockenlasamericas.b...99-sonybmg.html
40
Manu Chao
...próxima estación...Esperanza (2001)
Luego del éxito avasallador del disco "Clandestino", Manu Chao se dirigía a terrenos
muy conocidos para él mismo. Y ese mundo consistía en la vida del caminante que iba
grabando con un pequeño aparato sus recorridos por el planeta. Pero a la hora de que
ello se materializó tenía un elemento que pese a que primera oída no suele llamar la
atención lo diferenciaba. Y es que dentro de ese mundo de samples desordenados que
evocan distintos momentos y sensaciones había una dirección más cosmopólita y
positiva.
A diferencia del antecesor, el español había perdido el liderazgo en ser la lengua
principal de los mensajes de Manu, y había entrado a tener una mayor participación el
inglés, el portugués y el francés. Ello podría no tener mayor reconocimiento,
considerando que el público destinatario siempre ha sido de lo más variado. Pero es la
comprensión y asimilación de los estribillos de los oyentes lo que causa cierta empatía
de consecuencias globalizadoras.
Y claro que el más grande manifiesto fue el extremamente simplón y pegajoso "Me
gustas tú", un tema que en algún momento podría haber sido repudiado por
programadores radiales por su cuota "freak" y que terminó convirtiéndose en un himno
pop alternativo de éxitos desmedidos incluso en los circuitos menos pensados a nivel
mundial.
La dirección la cual mencionó al principio se plasma en la pérdida del mensaje político
(matizándolo con el social) en pro de darle una cadencia rítmica entre los giros
minimalistas que genera un viaje entre lo exótico y lo divertido. La conciencia espiral
del disco también puede jugar en contra de oídos vírgenes pero es innegable que esta
consagró a Chao a la escena mundial al punto que llevaría la siguiente etapa de su
carrera a la producción en vivo que le llevarían incluso a encabezar una de las noches de
Lollapalooza del 2006 y pasaría a hacer un referente global del lado más anarquista de
la música alternativa. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-esperanza.html
39
Charly García
Piano Bar (1984)
Fue el cuarto disco de estudio en la carrera del siempre controversial Charly García,
grabado en su totalidad en Buenos Aires y mezclado en el Electric Lady Studios en la
ciudad de Nueva York. Se trata de un disco redondo, crudo y bastante visceral, de esos
que rompen parámetros tradicionales y que se cuentan por pocos. Charly que por 1984
se encontraba en su mejor forma, sin caer preso de los excesos en su vida y carrera
profesional, el resultado entonces fue abrumador: melodías pegajosas y letras que
criticaban la pasmosidad de la sociedad de aquellos años. "Piano Bar" está basado en un
sonido netamente pop-rock arropado con la sutileza y simpleza primordial que Charly
solía usar por aquel entonces en sus obras; el disco abre con "Demoliendo Hoteles",
seguida de la encantadora "Promesas Sobre el Bidet" y luego, la que obedecía a esos
tiempos ochenteros tan eclécticos "Raros peinados nuevos", para darles nuevos aires a
una escena musical argentina que venía de salir de la crisis de las Malvinas.
Por supuesto que como buen argentino no podía dejar atrás su cuota tanguera en “No te
Animás a Despegar” y su infaltable vena humorística en “No Se Va a Llamar Mi Amor”
cuentan que era una crítica a los que no dejaron ponerle de nombre “Mi Amor” a un
tema porque ese título tan manoseado ya estaba registrado.
Para las sesiones de "Piano Bar", Charly se hizo acompañar de músicos como Pablo
Guyot en la guitarra, Alfredo Toth en el bajo, Willi Iturri en la batería y Fito Páez en los
pianos, aquella formación de GIT que fue punta de aquel movimiento fresón llamado
"Rock En Tu Idioma" y cuyo primer álbum sería producido por Charly.
Por desgracia el disco va tomando fuerza con la época en la que el público comenzaba
ver más a Charly como el hombre-escándalo sobre el músico completo que era, lo cual
marcaría a Charly para siempre pese a estar en su pináculo creativo y, toda esa locura y
desenfreno no reduce a "Piano Bar" sino que lo lleva al grado de clásico para la
posteridad no solo del rock argentino sino del iberoamericano en general. Sin duda la
mejor etapa en la carrera del pintoresco Charly que entre los problemas y casi que sin
ensayos logró sacar adelante uno de los álbumes pilares del movimiento. (David Delio)
http://rockenlasamericas.b...o-bar-1984.html
38
Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota
Oktubre (1986)
Oktubre fue el segundo disco de la banda Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota, la
banda independiente más masiva que tuvo Latinoamérica durante los 80's, una década
que estaba dando oportunidad a una cultura que ofrecía resistencia a esa movida
mediática que estaba atrapando a la nueva generación, pero que contradictoriamente,
también permitía abrir los espacios que este tipo de bandas necesitaban.
Y es que el profesionalismo que se plasma al disco también va acorde con el oscurismo
y encriptación que solo un disco del underground podría haber emergido. Y es que el
Indio Solari, buscaba imprimir a la banda un sello personal que lo distinguiera del
simplismo lírico que abundaba en aquellos tiempos y cuyo aborrecimiento hacía
público. Ello lo encontró en un concepto que rodeaba el interés de la banda por la Unión
Soviética, aunque con mucha ambigüedad, al punto de dudar si se trata de una crítica o
una elegía al mismo.
Asimismo, las canciones buscaban tomar distancia de cualquier banda de new wave de
aquel entonces, y buscaban un medio entre el rock n roll y el blues rock, aunque siempre
con el corte interpretativo del Indio Solari cuya voz recogía otras influencias y
terminaba cuajando el distintivo de la banda que ya se venía trabajando desde el otro
disco.
El trabajo marca un inicio y un precedente para el mundo independiente, sobre todo
para Argentina, que junto a Sumo, se convertirían en los fenómenos que más
influenciarían partiendo desde fuera del mainstream (por lo menos en un principio).
Canciones como "Fuego de octubre", "Música para pastillas" o "Preso en mi ciudad"
calaron en su público férreo aunque sería "Jijiji", el clásico inevitable y conocido por la
voz final gritando: "Chernobyl". (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-de-ricota.html
37
Fobia
Amor Chiquito (1996)
Por 1995, Fobia era una banda en crecimiento en cuanto a aceptación, su pop psicótico
y de líricas sarcásticas estaban aterrizando a términos más concisos, aunque no por ello
menos interesantes. Quizás también se pueda dar el crédito al productor Gustavo
Santaolalla quien junto a Anibal Kerpel estaría tras del disco.
Y es que para el disco "Amor Chiquito" cambiaron la rutina como habían grabado
discos anteriores. Incluso se hablaba de una presión por parte de la disquera. El
resultado fue el de un integro y excelso disco pop que aún cuesta ser entendido en los
mismos términos como rock, pese a que los fanáticos del mismo no niegan en adorar
cada uno de los 11 temas que integran el álbum (12 sin incluimos el bonus track).
¿Cómo es posible eso?
Las razones pueden encontrarse en las expectativas que esperaban los fanáticos del rock
en ese entonces: un disco trasgresor y que escupiera furia maldita que aquí nunca existe.
Porque las canciones han sido pensadas en forma calculadora desde el inicial
"Revolución sin manos" pasando hasta el pop de referencias a Pixies como en
"Descontrol". Se pensó el disco en un largo plazo, y el tiempo ha demostrado ello. La
mayoría de los temas terminaron en el colectivo de los fanáticos del género por sobre
otros temas de sus anteriores discos que gozaron de mayor popularidad en su momento.
Y es que Fobia nunca supuso forzarse a entrar a un cuadriculado comercial, pero sí a
una serie de cambios que terminarían por forzar la salida del baterista "Chiquis" Amaro
poco tiempo después de la salida del disco(siendo reemplazando por Jay De La Cueva)
y que generarían una buena recepción de canciones como "Veneno Vil", "Vivo" y la
aparentemente cursi "Hipnotízame". Ni la referencia implícita a la pedofilia de la
portada como del título sería impedimento de ello. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...o-bmg-1995.html
36
Soda Stereo
Comfort y música para volar (1996)
En la serie Unplugged que ofrecía la cadena de videos MTV en los 90s, era una buena
oportunidad para que las bandas se expongan al desnudo dejando la complejidad, el
ruidismo o toda la parafernalia y se acerquen a lo orgánico y simple de la música. Ello
iba simplemente en contracorriente con lo que Soda Stereo quería plasmar en su
concierto "Plugged" que para evitar problemas con el resto de la serie en su versión
latinoamericana se le prefirió llamar como "Comfort y música para volar".
Y no es precisamente porque las canciones quieran presentar distorsiones y carga brutal,
pero era inevitable negar la etapa de experimentación eléctrica por la que pasaban
sumado al cada vez mayor amor de Cerati por las máquinas, que parece haber
encontrado mejor escenario como para mostrar ese acercamiento.
Del concierto original solo entrarían 7 temas (aunque 10 años después ha salido una
nueva versión donde se incluye los 13 temas) y 3 de ellos que correspondía a "Sueño
Stereo" que tan solo había sido editado un año atrás pero los puntos más altos estaban
en los temas más viejos que eran reinventados. Por ello, quedó inmortalizada la versión
de "Un misil en mi placard", casi irreconocible comparando al tema original 12 años
atrás, y el de "En la ciudad de la furia" cuya versión acompañada por Andrea Echeverri
terminó convirtiéndose en uno de los momentos icónicos del rock en español en los
años 90's. En algunos temas se deja acompañar la viola, el violoncello y el fagot a cargo
de los hermanos Fainguersch.
Otra curiosidad del disco es la segunda parte es que se trató en realidad de temas de
estudio que se pensaron lanzar como un lado B de "Sueño Stereo" y cuyos temas
variaban entre el shoagaze y la electrónica como un rezago de lo que ya venía de
"Dynamo". El empalme entre ambos contrastes del disco está sujeto por una suerte de
pestañeo que parece aterrizar el viaje al cual nos quieren llevar.
Sería la última producción que contendría temas de estudio de la banda y con ello, la
colocación de disco clásico quedó en la posteridad. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...usica-para.html
35
Triana
El patio (1975)
Triana parecía ser el punto cumbre de una experimentación que buscaba fusionar el rock
con el flamenco en España. Y "El Patio" buscaba ser la consagración de ello, el trabajo
que mejor aglomeraba el término de "rock andaluz."
El trío conformado por Jesús de la Rosa Luque (voz y teclados), Eduardo Rodríguez
Rodway (Sevilla) (voz y guitarra) y Juan José Palacios "Tele" (percusión) encontró su
base a partir del rock progresivo (aunque con el apoyo de Manolo Rosa al bajo y
Antonio García de Diego en la guitarra eléctrica) pero eran las raíces de su natal Sevilla
lo que permitía una amalgama casi mágica, permitiéndose lucirse con grandes solos.
El disco cortaba con unos 70's, donde muy pocos grupos habían podido enrumbar el
movimiento del rock tan rápidamente coincidiendo con una época democrática tras la
caída de Franco, que de paso significaba el fin del centralismo y la celebración de
ciudades consideradas periféricas hasta ese entonces dentro de la nación española.
Los 2 más grandes clásicos de la banda estarán contenidos en esta producción: "Abre la
puerta" y "En el lago", canciones que superan los 6 minutos y donde dan gran proeza de
las más grandes habilidades para gustar así como para sorprender. Pero hay que dejar en
claro que pese a la invención, el rock siempre fue el género bajo cual ellos se manejaba
e inclusive al punto de reconocer influencias como la de Vanilla Fudge o King Crimson.
La banda seguiría manejando esa línea (aunque con acercamientos a formatos más
comerciales que les permitiría llegar a un público mayor) hasta el fallecimiento de Jesús
De La Rosa en 1983 por un accidente automovilístico. Sin embargo, ninguna de sus
obras se pudo acercar a esta, al punto que incluso su repercusión ha superado
largamente el mundo hispanoamericano y es considerado una joya dentro del progresivo
mundial. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-movieplay.html
34
Los Tres
La espada y la pared (1995)
Uno de esos discos que cualquier fanático del rock en español debe escuchar por lo
menos una vez en la vida. "La Espada y La Pared" marcó su camino como el disco que
internacionalizó a Los Tres, un éxito de ventas en Chile y un compilado de
composiciones frescas de las cuales "Déjate Caer”" es solo el abrebocas. A diferencia
del título anterior, "Se Remata el Siglo", la banda abre sus parajes sonoros pero no deja
de lado esas raíces que la caracterizaron.
La primera canción del disco se siente como híbrido de música folklórica chilena a la
que se le suma un jazz pervertido por el skabilly; por su parte, la letra nos deja todo a la
imaginación y unas ganas locas de darle besos a la madre. No es hasta que comenzamos
a pisar el terreno del resto del material cuando nos damos cuenta del potencial
inagotable del que está hecho.
"Hojas de té" tiene esa esencia de juventud rebelde al igual que el absurdo de fusionar la
razón y el olvido para acabar con las ataduras: "los recuerdos harán que te olvide… que
no se te olvide acordarte que me tienes que olvidar" ..simplemente genial. "La Espada y
la Pared" es una joya indiscutible, constatado desde las evidentes influencias del punk
hasta en el uso de acordeones; todo encaja magistralmente en un track que se extiende
por cinco minutos de adrenalina elegante. "Tírate", por su parte es otra canción obligada
del disco, decadente y cruel, descorazonada y apasionada, llena de furia, visceralidad
que deambula como perro callejero por sendas desoladas donde los músicos tocan
piezas de jazz a media noche.
En el trayecto del disco encontramos más de esas fusiones bien logradas y nada
pretenciosas de la banda, un sonido tan único, alimentado por años de experiencia y por
qué no, por la decadencia noventera, más explícita en un corte de influencias eléctricas
como "Tu cariño se me va" (cover de Buddy Richard), y hasta el cover de Velvet
Underground que tiene tanto de grunge como de pieza experimental, conjurando
sintetizadores y secuencias que al sumarse la voz crean un ambiente envolvente ante el
cual es imposible resistirse. El legado conjunto de este disco es invaluable. (Demon
Balooni)
http://rockenlasamericas.b...pared-1996.html
33
El Tri
Simplemente El Tri (1984)
En una época que el rock en español estaba despegando en México pero aún no había
llegado al climax comercial (que alcanzaría en 1987), El Tri aparecía con su disco
debut, o en todo caso renacía con un nuevo concepto tras el rompimiento de Three
Souls In My Mind (aunque si se le pregunta a Alex Lora, se trata de la misma banda).
Viéndose en retrospectiva la discografía de El Tri, lo que diferenciaba "Simplemente"
de todo lo que vendría por delante, es que en esta producción si había una verdadera
vocación de trabajar como banda antes que de un grupo opacado por el protagonismo de
su líder. Sergio Mancera en guitarra principal y Arturo Labastida en el saxo, que venían
de la agrupación anterior tenían participación en la composición de los temas y ello se
siente en la oída final. Lo mismo sucedía con el batero Mariano Soto.
Las canciones pasean entre el rock and roll y el blues rock con pequeños pero
interesantes acercamientos al hard rock. Entre los temas más destacados están el cover
de Rockdrigo Gonzáles del "Metro Balderas" (que ayudaría a popularizar el tema
original) y el hard blues "San Juanico" (basado en un tragedia real). Pero la canción que
terminó por consagrarse al punto que ha sido versionado en un sinnúmero de veces es
"Triste canción de amor", un blues rock que en la voz de un Lora menos alborotado
pero con un final in crescendo y digno de clásico instantáneo.
Vale recordar que la recepción del disco no fue rápida. De hecho, su éxito tuvo que
esperar un tiempo luego de la salida del álbum y luego que la Warner vio que algunas
canciones funcionaban bien en otros países (como sucedió en Perú), ral como sucedería
con otras producciones de rock mexicano que fueron considerados como "bichos raros"
por un público local incrédulo, que con el tiempo termina por rendirse ante los mismos.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...arner-1984.html
32
Alaska y Dinarama
Deseo carnal (1984)
Hasta antes de Alaska y "Deseo carnal" era muy difícil entender al pop como trasgresor,
y es que sus melodías melosas y no muy complejas las hacen muy asimilables por
cualquier tipo de público. Sin embargo, dentro de todo ello había una cuota de
manifiesto, deudora del mundo clandestino del cual alguna vez fueron parte.
Con una estética alusiva a la homosexualidad, la reinvindicación de la mujer, lo
andrógino y a lo radical, Alaska y compañía se postulaban como ídolos generacionales
de una España que ya había pasado por la transición y ya estaba en las puertas de su
inserción en la Europa desarrollada.
El disco tiene un himno llamado "Ni tú ni nadie", una canción que tras el intro potente
de la guitarra que llama la intención de inmediato, luego se convierte en un colorido
tema bailable que guerrea en nombre del amor propio. Pero el disco abría como otra
canción, quizás algo opacada en cuanto masividas por la anterior, pero no menos
importante: "¿Cómo pudiste hacerme esto a mi?"
Las referencias del álbum parecían más cercana a la música disco que cualquier otra
banda del momento, y que solo se puede entender como natural si se había oído el tema
"Bailando" de la etapa con Los Pegamoides. Sin embargo, era la forma en como
tomaban géneros musicales inocuos con actitud punk lo que vitalizaba su acto. Por otro
lado, el legado del disco se sintió básicamente en la apertura mediática a las referencias
sexuales (y no solamente homosexual como se los suele asociar, para muestra, la
portada misma del disco), más evidente en su imagen que en las letras, y pusieron su
granito de arena en la revolución liberal, tanto en España (donde Alaska pasó a
convertirse en ícono) como en América (donde fueron vistos en un principio como una
sensación freak para luego ser entendidos por la propuesta que representaban).
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...arnal-1984.html
31
Rata Blanca
Magos, espadas y rosas (1990)
Rata Blanca jamás pensó que con su segundo disco terminaría convirtiéndose en el
fenómeno metalero más exitoso de América Latina ¿Cómo pudo pasar ello? Para aquel
entonces muchas bandas del rock duro español que habían llegado a continente
americano estaban de retirada y muchas bandas de su género en su país jamás pensaron
en la posibilidad de que su música podía trascender las fronteras.
En un momento donde el rock en español caía en el debacle del formulismo y Metallica
iba tomando el mainstream a nivel internacional, aparece "Magos, espadas y rosas",
primer álbum con la voz de Adrián Barilari. Precisamente la fuerza de su voz
cohesionaba una propuesta que aún tenía problemas internos por no encontrar el
vocalista que llevara la posta en su sonido.
Lanzado con bombos y platillos, la reacción al disco fue casi inmediato. En las radios
comerciales entró el tema "Mujer amante", una balada rockera que no tenía similar a
otra en la música en español por aquel entonces, y encajó perfecto en un grupo de
público alejado a esta música. Sin embargo, hay que entender que el mundo del metal
también celebró la consagración de la banda. Medios especializados, la crítica y los
amantes de rock enarbolaron la producción; canciones como "Haz tu jugada" o "Días
duros" fueron muy oídos (así como los temas "Preludio obsesivo" y "Otoño medieval"
que venían del disco pasado), pero sería "La leyenda del hada y el mago", la que se
convertiría en un colosal himno metalero internacional con un solo de guitarra que hasta
ahora es recordado.
El tiempo ha ubicado a "Magos, espadas y rosas" como un notable disco clásico y las
referencias a las grandes bandas de metal se sienten presente sin una preponderancia en
particular (aunque las referencias a la Nueva Ola del Metal Británico ochentero están a
la orden del día), y es la mayor prueba de que en algún momento el metal hecho en casa
también fue popular y de calidad. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...da-y-rosas.html
30
Mecano
Descanso dominical (1988)
Mecano se empezó a escuchar en Latinoamérica dentro de la primera camada del boom
del rock en español. Y de los aquellos primeros temas con alta remiscencia al
denominado "new romantic" con identificación a la pubertad y adolescencia a los
tiempos de "Descanso Dominical" la banda ya había pasado con un respaldo comercial
que parecía comerse la Europa entera.
Y es que mientras en América se los veía con notable respeto, en su natal España su
éxito era una excusa para rebatir su credibilidad como banda y cuestionar cada intento
de reinventarse de los hermanos Cano con Ana Torroja. Sin embargo, el paso de los
años ha terminado por revertir la opinión de escépticos y demostrar que la crítica solo
había sido víctima de sus propios prejuicios.
Y es que este disco termina siendo una obra maestra del pop, canciones fabulosamente
pegajosas y de referencias líricas poco frecuentes en el mainstream (literatura, historia,
arte en general). Musicalmente aunque la base de los temas está en un new wave poco
rebuscado, es el juego de la combinación de otros estilos lo que la da un aire muy
agradable a la producción: música barroca, flamenco, jazz.
Muchas de las canciones tomaron rápidamente el nivel de clásicos y se instalaron en el
inconsciente colectivo. La balada "Mujer contra mujer" rompió esquemas en su
momento por hablar abiertamente de un amor lésbico, y en su momento fue muy
polémico. "La fuerza del destino" es el tema pop por excelencia del disco, que pese a
durar un poco más de los temas de su estilo, se convirtió en uno de los temas frecuentes
de su repertorio. Por otro lado, crítica la exacerbación hispana por los Estados Unidos
en "No hay marcha en Nueva York" e invitan al guitarrista de flamenco Tomatito para
el instrumental "Por la cara".
El disco fue uno de los más vendidos que ha tenido España en su historia, pero su
trascendencia está en haber podido reinventar la música pop y demostrar que se puede
vender un producto original y llegar a las masas. Su influencia incluso persigue a
muchas bandas de corte indie en la actualidad. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...l-1988-bmg.html
29
Fito Páez
El amor después del amor (1992)
"El Amor Después del Amor" marca un antes y un después en la carrera de Fito Páez. El
artista que durante años había sido estado resguardado en un mundo de culto tras la
protección de mecenas de la talla de Charly García y Spinetta estaba a punto de
despegar, y se dirigía a un mundo pop que buscaba un nuevo prócer que se convierta en
la estrella que salvara al rock en español de su ínfulas autocomplacientes.
También habría que anotar la vida personal del cantautor, y es que Fito siempre se
caracterizó por buscar reflejar sus estados sentimentales en sus producciones y para el
disco del año 92 se encontraba en su mejor momento al estar sosteniendo una relación
maravillosa (por aquel entonces) con Cecilia Roth. El efecto romántico y de mucho
positivismo es prácticamente consecuencia natural de ello.
Canciones como "Dos días en la vida", "Tumbas de la gloria", "La rueda mágica" o
"Brillante sobre el mic" son temas que pasarían a convertirse parte del repertorio natural
del músico. La excelsa metáfora se contrapone al juego entre el absurdo y la realidad
como parte de un nuevo código que el letrista quiere crear. El disco no tardaría en
convertirse en un éxito de ventas a nivel argentino (llegando a ser el disco local más
vendido de los 90's) y le abre las puertas a nivel internacional al punto de convertirse en
un referente reflexivo de lo que sucedía con el rock hispanoamericano en aquel
entonces.
Uno de los atributos adicionales de la producción es el acercamiento de los invitados. Y
es que sumados al visto bueno de García-Spinetta, la voz de Mercedes Sosa en "Detrás
del Muro de los Lamentos" termina por cerrar el ciclo del entendimiento del disco a
simplemente "clásico inmediato". También participaban Ariel Roth y Calamaro por los
separados aunque antes del disco el nombre de Fito era mucho más resonante que la
banda de ambos (Los Rodríguez).
El tiempo ha terminado por ubicar al disco como un encuentro necesario entre el rock,
la música de cantautor y el pop para la música latinoamericana, ya que los dos primeros
encontraron una bocanada en momentos donde se cuestionaba su pérdida de empatía
social en aquellos tiempos, y Páez quedó en deuda con el disco al llevarlo hacia
senderos que lo pusieron en el Olimpo de la música contemporánea (sobre todo luego
que Ricardo Arjona lo haya puesto en duda). (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...s-del-amor.html
28
Serú Girán
Serú Girán (1978)
Serú Girán nacía básicamente como un proyecto alterno a La Máquina de Hacer Pájaros
pero las circunstancias así como curiosidades musicales de Charly García y David
Lebón terminó por convertirlo en su mayor prioridad. Ello se manifestaría en el álbum
debut de la banda. Brasil se había convertido en la tierra que vería desarrollarse el
proyecto, donde alcanzarían su mayor interés por el jazz-rock. Atrás habían quedado
esos amores por el rock sinfónico, ahora se trataba de un regreso a la canción, con su
ornamentación, deudora de las experiencias previas.
Esa podría haber sido la clave que en este disco se encontrarán mucho de los himnos
que conectaron con un público argentino que los adoptó cuando el rock buscaba
expandir sus pequeños circuitos, aunque aún estaba lejos de alcanzar el boom que
tomarían en los 80's.
Oscar Moro y Pedro Aznar solo terminarían por darle sofisticación a canciones que en
su conjunto sonaba lo suficientemente sólidas para sostenerse en el tiempo. Temas
como "Eiti Leda" y "Autos, jets, aviones, barcos" se insertaron perfectamente en el
repertorio local, e incluso siguieron a los integrantes de la banda al término de la banda.
Pero sería el tema lento "Seminare" el que terminaría por darle su mayor respaldo
popular.
Contaron con la colaboración de una orquesta a cargo de Daniel Goldberg, y la
grabación se hizo entre Buenos Aires y Los Angeles. Todo ello muestra de lo ambicioso
del proyecto. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...music-hall.html
27
Los Prisioneros
La voz de los '80 (1984)
A solo un año que Charly García lanzaba "Clics Modernos" desde Argentina e iniciaba
el boom del rock en español, una banda aparecía desde el vecino Chile. La nueva onda
del rock se acercaba a la gente, pero faltaba el lado más irreverente, el que contenía un
pensamiento, algo que diera que hablar.
Los Prisioneros debutaban lejos de las multinacionales y con canciones más políticas de
los que estaban sonando bajo países donde ya se había restaurado la democracia. "Todo
comenzó con un puñado de canciones que hicimos para nosotros (..) tocábamos en una
pieza de mi casa, actuábamos esporádicamente pensando que siempre nos iba a ir mal.
Hasta que de repente nos descubrió un tipo al que le interesaba hacer esto y vio que lo
que hacíamos podía tener alguna importancia, algún éxito." decía Jorge González . El
tipo al que se referían era Carlos Fonseca, que percibió perfectamente ese vacío en la
escena.
El disco jugaba con la actitud del punk pero renegaban del punk. "Los hippies y los
punk ya tuvieron la ocasión" cantaban en "La voz de los 80s", un himno de
universalidad latinoamericana a la nueva juventud. Y como ese, eran muchos los
himnos presentes en el disco, y que hacían que un público más allá de su país natal se
interesaran por ellos, cuajando perfectamente con los tiempos de expansión del rock en
español. Por otro lado, "Sexo" fue durante años el tema más popular en las radios
sudamericanas, que traía el gancho perfecto para hacerlo atractivo a la nueva generación
más abierta a las temáticas que eran tabú hasta ese entonces.
Su sonido variaba entre el post-punk, el rockabilly y el reggae, con alguna remembranza
a The Clash. Apenas se notaban los teclados que en los discos siguientes irían ganando
fuerza. Y a pesar de ser la fotografía de un momento, muchos de sus mensajes aún
ganan receptibilidad por los amantes del género, que han demostrado que el disco ha
resistido los tiempos de mayor desconfianza, donde muchos son acusados de darse de
mesiánicos sin piedad alguna. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-de-los-80.html
26
Soda Stereo
Signos (1986)
Cuando hablas con jóvenes promedios de distintas ciudades latinoamericanas que
vivieron a flor de piel los 80's reconocerán de inmediatamente algo del álbum "Signos".
Puede ser la portada, las presentaciones en vivo del disco, y algunas más fanáticos te
comentaran tema por tema.
Hay que ponerse en ese momento para poder reconocer el impacto que tuvo el disco
desde que salió a finales de 1986, ¿Pero el disco no le debe a generaciones venideras o
acaso ha envejecido en el tiempo? La prolija discografía de Soda Stereo podría poner a
tener a muchos rockeros discutir por horas, pero no cabe duda que "Signos" marca un
antes y un después en la música pop latinoamericana.
En primer lugar se tiene que reconocer el crecimiento de la banda en cuanto madurez
artística, y el talento para poder trabajar las canciones con el poco tiempo que tenían. La
disquera presionaba ante la demanda popular y los chicos salieron del estudio con la
seguridad que el trabajo los llevaría mucho más allá.
El detonante sencillo de "Persiana americana" no solo terminaba convirtiéndose en un
hito sino que se encargaba de despejar naturalmente a los detractores que aminoraban el
impacto del rock en español. Desde el riff inicial hasta la letra atrapante terminaron por
dictar cátedra sobre como escribir una buena canción en el new wave. Temas como
"Prófugos" o el tema homónimo al disco también se han perpetrado de la radio y el
inconscientes colectivo, pero una muestra de la trascendencia del disco es que otras
canciones como "El rito" o "En camino" siguen siendo coreadas a pesar del apabullantes
número de sencillos de la banda en su historia.
A partir de esta producción los críticos más ácidos de la banda empezaron a
reconocerles el crédito. Vale mencionar que la propia banda realizó la producción. El
sonido puede haber envejecido pero es incuestionable que es un disco básico para toda
banda que quiere empezar. Ni hablar del nivel de profesionalismo al cual habían
llegado, la banda supo crear un nivel de comunicación con el público de distintos países
(eso de hablarle a todos como uno mismo y no ser la banda de rock lejana que solo se la
conoce por la radio y la TV hablaba bien de ellos) y ello sería retribuido con la empatía
que se formaría ante la creación de una verdadera identidad del rock latinoamericano
más allá de modas comerciales y la gran prueba se mantiene la sostenibilidad de la
propuesta hasta el día de hoy. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...sony-music.html
25
Caifanes
Caifanes Vol. II [El Diablito] (1990)
El segundo disco de Caifanes tiene un profundo significado para la escena del rock
mexicano. La industria local estaba en crecimiento y si bien había encontrado en
Caifanes una banda de solidez que gozaba del visto bueno de gran parte de los músicos
de base así como del gusto popular, era un reto poder superar el agigantado éxito de "La
Negra Tomasa".
¿Ser tropical es malo? No, pero lo popular es fácilmente cuestionable en la escena
mexicana y relacionado con lo vendible. Caifanes no tenía que dar un giro de 180
grados, simplemente mostrar el concepto completo del grupo; ese que aveces es
ocultado por un megaéxito y el público pecando de conocedor termina por sentenciar a
artistas que no han ofrecido todo lo que tiene por hacer.
Para ello convocan a Alejandro Marcovich con lo que terminan remarcando el aspecto
guitarrero en el sonido de las canciones. Se seguía la línea del post-punk pero había
mayores matices que se acercaban a la música tradicional mexicana (ciertas estructuras
en las canciones o el uso de vientos, por ejemplo). Canciones como "Detrás de ti",
"Antes de que nos olviden" o "Los dioses ocultos" fueron las que destacaron, no sin
dejar de mencionar el misticismo que cada vez se hacía más concurrente en las letras y
le dio cierto nivel de gurú a Saúl Hernández dentro del público. Sin embargo, el tema
más recordado sería el tema romántica "La célula que explota", una oda metafórica a los
sentimientos encontrados.
Cabe destacar que en un año donde otras bandas empezaban a dar giros de madurez
artística (Soda Stereo lanzaba "Canción animal" y Héroes del Silencio "Senderos de
Traición"), Caifanes luchaba palmo a palmo para tener un lugar en el Olimpo de la gran
escena, aunque el disco no tuvo mucho impacto en Sudamérica, región reacia a las
propuestas del norte. Sin embargo, su trascendencia para la historia del rock
hispanoamericano es indiscutible. Como dato anecdótico es que el nombre "El Diablito"
fue dado por el público por la curiosa figura en la portada, ya que originalmente se le
llamaba como "Volumen II" (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...o-rca-1990.html
24
Sui Generis
Vida (1972)
"Vida" fue la primera muestra de Sui Generis, aquel grupo que comandaban por igual
Charly García y Nito Mestre. Si se quiere rastrear cierta historia de donde parte una de
los mayores aportadores a la producción del rock hispanoamericano, se tiene que llegar
hasta aquí. Un disco que aunque a primera oída puede ser enmarcado dentro del folk
rock, puede denotar la línea de curiosidad de Charly que perseguiría a lo largo de su
carrera (sin desmerecerle el crédito a Nito Mestre que es parte cerebral en muchas de las
canciones).
Editados por Microfón, salen en 1972 con "Canción para mi muerte" como la canción
que sería la carta de presentación de la banda. Pero tener una canción perfecta para un
momento puede ser razón para que el público termine por crear ciertos presupuestos
sobre lo que es "Vida", pese a que lo pudieron haber oído completo en alguna ocasión.
Canciones como "Dime quien me la robó" o "Mariel y el capitán" superan de largo la
etiqueta del género que se le suele enclavar el disco. Pero es precisamente la generación
hippie quien adopta el álbum tomando sus canciones y mensajes más idealistas y
risueñas.
El tiempo ha terminado ubicar al disco como muy adolescente, y hasta desfasado con
los tiempos de mayor confrontación a nivel socio-política que vendría en Argentina. Sin
embargo, poniéndonos en el momento, hay que considerar que tanto Mestre como
García supieron encumbrar y darle una forma a la letra castellana en el género, cosa que
era poco atrevida en el resto de la región. Si bien aún el rock en la propia Argentina,
estaba lejos de ser popular (en cierta manera estaban representando a una forma
contracultural, que estaba empezando a ser aceptada en ambientes como los
universitarios), estaba dando al inicio a una pequeña bola que en el tiempo iba a tomar
forma. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...2-microfon.html
23
La Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio
El circo (1991)
Durante 1991, una banda hizo que muchos jóvenes de clase media baja puedan soñar
con ser exitosos haciendo ska, y eso era toda una revolución en aquel momento. "El
Circo" de Maldita Vecindad traía un sonido muy fresco, pero sobre todo, demostraba el
gran poder de atracción que tenía una banda de su estilo.
Y claro que todo no era ska, sino que apartir de allí se podían cruzar distintos ritmos
afrocaribeños con el rock y en algunas veces, con el funk. Había un cierto aroma a los
ritmos de antaño que hacían bailar a los mexicanos por los 50's, pero sobre ella se
plasma críticas a esa misma generación o se hacía referencias a las diferencias sociales,
algo que no se decía, a menos que fuera una banda underground.
Asimismo había una búsqueda de reivindicación con la cultura popular a diferencia de
otros discos de rock que parecían estar peleados con eso, a pesar que contrariamente
querían llenar recintos y ser masivos, y la prueba de ello está en el tema "Pachuco", que
terminó siendo el clásico que inmortalizó a la banda, o en el cover de "Querida" de Juan
Gabriel o las "bombas" de Carlos Monsivais. Otros temas como "Kumbala", "Un gran
circo" o "Un poco de sangre" también son recordados por sus letras o los pegadizos
solos del saxo.
Su impacto en Sudamérica no fue tanto como en Norteamérica, donde solo en México
vendieron 800 mil copias en corto tiempo y puso a la ciudad estadounidense de Los
Angeles de cabeza donde la crítica ensalzó la producción (la revista SPIN lo escogió
uno de los discos del año) y la comunidad méxico-estadounidense los cobijó en su seno
reconociéndolos como el grupo musical que representaría a la nueva generación lo que
los llevó a largas giras que duraron años, mientras sostendrían un problema con la
disquera que congelaría el lanzamiento de nuevo material ese tiempo. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-hijos-del.html
22
Los Jaivas
Alturas de Machu Picchu (1981)
En un tiempo donde el rock progresivo iba de bajada, ante la cada vez mayor cantidad
de bandas de rock de canciones de corte de 3 minutos, Los Jaivas deciden nadar
contracorriente con lo que el tiempo ha terminado por concederle el título de su "obra
magna". Estamos hablando del disco "Alturas de Machu Picchu" de 1981
Sin embargo, la idea original no partió de la propia banda sino del productor peruano de
cine Daniel Camino que tenía en mente un megaproyecto de corte audiovisual donde se
tributaría a Sudamérica y contaría con las participaciones de Mercedes Sosa y Chabuca
Granda. Lamentablemente el fallecimiento de esta última así como el frustrado contacto
con la argentina evitó que ambas participaran. Los hermanos Parra deciden tomar la
posta al ver la posibilidad de efectivamente musicalizar los poemas de Pablo Neruda,
que dan el título al disco, y que empezaba a tomar forma el concepto.
Los Jaivas en los últimos años se habían estado involucrando tanto con el folklore
andino así como la nueva canción chilena que ya se los etiquetaba en esa línea y aunque
no se concibió a "Alturas.." como un disco de rock, era evidente que tomaba son
conceptualismo del progresivo y sónicamente estaba relacionado con bandas que había
hecho fusión en los 70's como los bolivianos Wara. Basta oír la potencia de una canción
como "La Poderosa Muerte" donde el primer plano se lo gana el baterista Eduardo
Parra. Sin embargo, la canción más popular "Sube a Nacer Conmigo Hermano" tiene
una mayor influencia de la llanera venezolana.
Aunque el disco sigue siendo alabado por la crítica especializada en rock progresivo a
nivel mundial, aún esta gema no ha sabido encuadrar en el entendimiento histórico del
rock hispanoamericano con la excepción de su local Chile terminó por encumbrarlos
como los artistas contemporáneos más importantes del género, opacando a Los
Prisioneros cuando el público rescata la estética sobre el momento, y sinceramente, este
disco no tiene edad. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...chu-picchu.html
21
Babasónicos
Jessico (2001)
Babasónicos para inicios de los 2000's ya había recorrido mucho como banda aunque
aún no tenía el reconocimiento que merecía. En un momento de transición para el rock
en general, la banda despega hacia terrenos más atractivos para un público mayor
aunque no necesariamente masivo.
"Jessico" en retrospectiva se le suele ver como el disco exitoso comercialmente a nivel
internacional. Sin embargo, la crisis por la que pasaba Argentina había generado que se
pusiera mayor atención sobre otras escenas. El verdadero best-seller fue "Infame"
(2003), pero es inevitable hacer el rastreo hacia su disco anterior para entender la base
sónico bajo el cual había evolucionado su propuesta y también hay que entender que el
tiempo permitió el encumbramiento de los sencillos del disco que terminaron cobrando
vida propia al punto de reconocerlo como el sonido más estimulante hacia donde se
dirigía el rock hispanoamericano.
El disco tenía varios matices, desde un juego arriesgado con la electrónica hasta un
homenaje al glam rock, pero siempre con un matiz hacia la sensualidad masculina. Y es
que el tratamiento de las canciones así como las letras parecía tener una carga que
generó atención por el público femenino (algo obvio en temas como "Rubi" pero
inclusive notorio en esas voces impostadas en canciones menos obvias como
"Pendejo").
Mucha de la crítica habla del concepto pop en el disco imposible otorgarle la cuota
experimental (en cuanto al a búsqueda de cohesión de sonidos que jugaban a ser rock) y
vanguardista (en cuanto a la calidad del sonido, por el papel del productor Andrew
Weiss conocido por su trabajo con Ween). Algunos le han dado la etiqueta de neopsicodelia.
Moderno, artificial y lúdico, aún a algunos les cuesta llamarle obra maestra, no hay
duda que el disco los puso en el primer plano del sonido que tomaría el rock
hispanoamericano en el siglo XXI lejos de la onda alterlatina y que sería inspirador para
el camino de bandas que seguirían aquel sendero como Café Tacuba. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...01-pop-art.html
20
Héroes del Silencio
Avalancha (1995)
"Avalancha" significaba a muchos niveles el comienzo del fin. Héroes del Silencio
empezaba a pasar por problemas internos, pero los muchachos siempre guardaron
discreción. Por otro lado significaba su renuncia total al pop (cuyos rezagos aún se
podían notar en ciertos momentos del enigmático disco "El espíritu del vino") para
entregarse de lleno al hard rock (y con influencia del heavy metal), pero no por ello su
ímpetu por querer terminar de conquistar al mundo.
Y es que el reto de este disco era conquistar a un público que siempre les fue adverso,
que es muy difícil y no se deja seducir fácilmente: El público "heavy". El tiempo fue
capaz de encumbrar esta producción al punto que mucho cuestionadores de la época
terminaron por arrepentirse. Se trata de un disco complicado, de guitarras poderosas (es
más importante el juego de guitarras de Juan Valdivia con Alan Boguslavsky), un
mayor juego de los tiempos, y un Bunbury dispuesto a echar vocales que iba de acuerdo
con el nuevo sonido. Un disco lleno de himnos que el tiempo pondría en su respectivo
lugar.
¿Sería acaso la furia interna de la banda que se supo encausar en pura música? Aunque
en su momento habría sido muy difícil responder a ello, solo basta escuchar una canción
como "Parasiempre" para resolverlo. Y en todas esas ideas atormentadas, se encontró a
Bob Ezrin como tipo que encerraría toda esa dispersión, y que como productor tenía
como respaldo trabajos como "The Wall" de Pink Floyd o "Berlin" de Lou Reed.
Las canciones enarbolaban ideas de rebeldía así como de protesta y el nuevo sonido
edificaba lo que muchos fanáticos habían esperado que llegara a sonar Héroes. Por ello,
temas como "Iberia sumergida" o "La chispa adecuada" se convirtieron en clásicos que
más allá de su separación han resistido muy bien el paso del tiempo, sumado a los
adeptos que se fueron sumando luego.
Hay que considerar que Héroes del Silencio marcaría un ciclo con este disco y es que si
bien postulaban a alcanzar otros hitos como banda, en el fondo cada integrante ya sentía
que estaba tomando su propio rumbo. Lo implacable que sonaba el disco en su conjunto
daba la sensación de que la banda iba por más, bastaba ver la prensa musical a inicios de
1996 para entender que las malestares de la banda ya eran evidentes. No hubo con ellos
giras de despedidas ni un último adiós publicitado (aunque decidieron darse una
oportunidad en una tour único en el 2007), y ya Bunbury pensaba como romper con su
imagen de rock star a partir de su "Radical Sonora" que lanzaría solo un año después.
España no tuvo mucho sentimentalismo con ello (su prensa musical siempre los
subestimó dándole mayor cobertura a las bandas de corte indie, encima de que ya había
encontrado en Extremoduro su banda de rock duro a enaltecer y se contentarían con los
álbumes en vivo y de rarezas que lanzarían poco después) y Latinoamérica se quedó
prácticamente boquiabierto al percatarse que una banda transcontinental que había sido
suya se había esfumado en el momento que todos hablaban del momento del rock en
español (y a solo meses de la futura separación de otra banda fundamental, Soda
Stereo). Sin embargo, "Avalancha" fue la mejor obra con la que una banda podía
terminar un ciclo, que el tiempo le ha dado su lugar como uno de los esenciales para una
generación de rock que no volverá a repetirse. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...ancha-1995.html
19
Café Tacuba
Cuatro caminos (2003)
Café Tacuba lanzaba en 2003 "Cuatro Caminos", que era su primer LP con una nueva
disquera, pero que era la última parte de una evolución sónica que se remontaba desde
el disco debut de 1992 y que tenía que oírse correlativamente la discografía en el tiempo
para ser entendida.
Y como cualquier banda que llegaba al climax evolutivo no pretendía ser entendida,
simplemente quería expresar un momento que no podía ser visto más que una banda que
hacía música desde otra visión e influencia. Café Tacuba había pasado de ser la banda
mexicana que quería reinvindicar un sonido que consideraba como subestimado en el
mundo urbano a ser una banda que pretendía ser respetada por su sonido sin tener que
estar delimitada por alguna carga geográfica.
Siguen comandados por la producción de Gustavo Santaolalla, pero es la intervención
de Dave Fridmann y Andrew Weiss como ingenieros de sonido los que terminan siendo
protagonista de la carga final del disco. La experimentación de Reves/YoSoy aterriza en
14 temas de pop atípico en la región y que parecía más deudora a bandas como
Pavement o Flaming Lips que cualquier producción hispanoamericana de su tiempo.
La voz de Rubén Albarrán (que utiliza en aquel entonces el seudónimo de Elfego
Buendía, quizás con referencia a la obra "Cien Años de Soledad) pasa a ser un
instrumento más en un juego inteligente entre el teclado, la guitarra y el bajo en la
confección de las canciones y con la utilización por primera vez de una batería real en el
estudio lo que a su vez daba una mayor profundidad a las capas sonoras de los temas.
Aunque al comienzo las canciones tuvieron un tibio recibimiento (el primer sencillo fue
"Eo (El sonidero)" que si bien sonó bastante no tuvo la misma aceptación que las viejas
canciones), el tema de bandera sería "Eres", la canción romántica del disco con la
interpretación vocal de Emmanuel Del Real aunque con una linea de guitarra muy
atractiva. Por otro lado, la crítica no se cansó de elogiar la producción, aunque los más
necios fans de los 90's cuestionaron la pérdida de su acercamiento folklórico. Sin
embargo, el público indie terminó por acoger bien el disco, incluyendo otras canciones
como "Mediodía" o "Puntos cardinales" con proyección a futuros clásicos.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-universal.html
18
Andrés Calamaro
Alta suciedad (1997)
Hasta antes de Andrés Calamaro no había habido otro músico latinoamericano en
España que haya podido juntar por igual credibilidad y popularidad. Tras la disolución
de Los Rodríguez, había terminado por robarle el protagonismo a Ariel Rot, que
supuestamente debía ser la estrella del show en la banda, y había una gran expectativa
por el gran disco como solista.
Lo que muchos no sabían es que Calamaro no debutaba en solitario, sino que había
hecho una serie de discos desde los 80's. Sin embargo, esta vez era diferente porque su
nombre lo había puesto en la expectativa de la crítica, la industria y por supuesto, las
fanáticos de Los Rodríguez.
Calamaro aprovecha la situación para hacer el disco como se le antojó: Se tomó su
debido tiempo, lo hizo en constantes viajes a la ciudad de Nueva York donde solicitó
los servicios de músicos de sesión que trabajaron con artistas como Keith Richards o
Aretha Franklin y tomó la molestia de regrabar uno que otro tema que había hecho en
años pasados en su estudio casero con todas las facilidades que un músico curioso ansía.
El disco desde el principio juega con la intencionalidad de sonar a clásico pese a la gran
paleta de géneros encontrados pasando por el funk, el blues así como cierta
reminiscencia latina en algún momento. Pero todos los temas pasan por el filtro del pop,
y es que las canciones son pensadas en una estructura pop, en dar mensajes concisos en
estribillos y coros; y toda esa amalgama es la magia de la producción.
Por otro lado, Calamaro había sabido muy bien guardar cierto misterio (lejos de sus
excesos mediáticos desafortunados que le han invadido en los últimos tiempos) y con un
aura a lo Bob Dylan (demasiado reflejada en la portada del disco) que habían hecho de
"Alta Suciedad", el disco que el público quería oír de un Mesías musical. El tiempo ha
sabido poner en un lugar mucho más alto al disco que al propio Andrés (aunque es
innegable que su contribución pasada a la música es irrebatible haga lo que haga).
Canciones como "Loco" o "Media Verónica" cuajaron rápidamente en el repertorio
básico del rock en español, pero será "Flaca", el tema por excelencia que terminará por
encumbrar al argentino mismo, un juego cadencial de rhythm & blues en clave jazz pop,
con una letra que sin decir mucho termina siendo mensaje total para muchísimas
personas. El conjunto de toda esa alineación entre texto, contexto y sonoridad terminó
por definir un antes y un después en la historia del rock de cantautor. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...iedad-1997.html
17
Barón Rojo
Volumen brutal (1982)
En 1982, Barón Rojo impone cátedra al mundo hispanoamericano con el primer gran
disco de heavy metal en la región. "Volumen Brutal" marca un antes y un después en el
rock duro pero también marca un despegue del género en cuanto popularidad. Cada
canción del disco es un clásico instantáneo.
Luego del primer disco, ya había una gran expectativa sobre el potencial que tenía la
banda así que decidieron apostar por la banda en cuanto sea posible. Es por ello que
viajan a Londres para grabar el disco en los estudios Kingsway de Ian Gillan, cantante
de Deep Purple, en sólo dos semanas. Asimismo preparan simultaneamente una versión
en inglés con las mismas canciones y que la compañía Kamaflage adquiriría los
derechos para su venta en Europa. La misma fue la que le permitió la portada de la
Kerrang! en Inglaterra durante los años dorados de la revista heavy de mayor
popularidad.
Pero el gran peso de la producción se sostenía en las propias canciones al punto que
hasta muchos medios europeos preferían la versión en español que en inglés (con buena
críticas). Su sonido que tenía una influencia enorme a las bandas de la Nueva Ola del
Heavy Metal Británico, había podido codearse en gente como Hawkwind o Iron Maiden
en las giras (de hecho el propio Bruce Dickinson alguna vez afirmó que gustaba del
sonido de la banda, hecho que lo animó a participar en las adaptaciones de las letras al
inglés).
Las letras hablaban del inconformismo y llamaban a la rebeldía y el cuestionamiento.
Junto con los riffs vibrantes se construía un nuevo lenguaje de la crítica social. Temas
desde "Incomunicación" a "Concierto para ellos" (este último un tributo a los rockeros
fallecidos). Pero sin duda los temas que quedaron para la posteridad serán "Los rockeros
van al infierno", que desde que fue sencillo se convirtió en un tema esencial que
jugando con las armonías guitarreras de los hermanos De Castro contenía una letra que
atraía a los jóvenes desde el principio, y "Resistiré", una canción rápida que tras su
pasiva introducción, arrasa con punteos de guitarra sobre los estribillos, y que sería la
primera gran canción a la resistencia en el rock hispano.
El disco pondría a la banda en un lugar donde nunca una banda de la región había
podido y abriría la brecha para el desarrollo del heavy metal que tomarían la posta otras
bandas como Angeles del Infierno o mucho después, Rata Blanca, en Argentina. Las
ventas tampoco serían nada malas donde la suma de tanto la versión en castellano como
en inglés habrían superado los 2 millones de copias a nivel mundial. El tiempo
definitivamente dio más fuerza a los fanáticos de este disco que podrán corear todos
juntos: "¡Mi rollo es el rock!" (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...1982-chapa.html
16
Los Fabulosos Cadillacs
Fabulosos Calavera (1997)
El disco lanzado en 1997 interrumpe abruptamente el desarrollo de la carrera que había
tenido los Fabulosos Cadillacs. El disco abandona los cánticos de estadios y de onda
popular que habían caracterizado a la banda poniendo en riesgo su propia fanaticada
base. Sin embargo, es la aclamación del disco por una parte de la crítica la que le dará el
espaldarazo a la banda que lo necesitaba cuando llegaba el fin de la era dorada del rock
en español.
Aunque los créditos de ese sonido los tendría en su momento el productor
guatemalteco-estadounidense KC Porter (quien usaría la credibilidad del mismo para
llevarlo por aires más comerciales en las producciones de tracks del "Supernatural" de
Santana o de discos de Ricky Martin), los años demostrarían que sería el recién
ingresado guitarrista Ariel Minimal (que con su proyecto Pez ha demostrado su afinidad
hacia el jazz y el rock progresivo) el que cohesionaría el caos bajo la que se construye el
disco. Un caos que solamente funciona a través de la polarización. Es de ese modo que
funciona juntos la seriedad y la ironía, lo denso y lo ligero; en algunos momentos
personalizándose a través de los carácteres de Cianciarullo (que por ese entonces,
denotaba su cercanía a bandas como Brujería o Rage Against the Machine y es la
expresión de los momentos más rockeros así como dementes de la producción) y
Vicentico (donde por primera vez se le nota su acercamiento a los crooners
latinoamericanos que luego emularía en forma equívoca en su carrera solista).
El juego bipolar bajo la que se sostiene el álbum es la única forma que permite que el
oyente pueda entender hacia donde gira la radicalización de sonidos en forma impuras
de ska o raggae. Incluso la introducción al disco a partir de "El muerto" que es la
canción más cercana a su carrera pasada es un accidente donde el Santana del
Woodstock parecería resucitar a partir de un enamoramiento por el hardcore. El
momento diferente se encontraría en "Hoy lloré canción" que es una canción escrita por
Cianciarullo pensada en Blades de principio a fin y cuyas vocales solo terminan por
configurar un tributo adelantado a la etapa más consciente de la banda y que poco o
nada repitiría en adelante. Pero el tema más popular del disco sería "Calaveras y
diablitos", un tema lento con mucho sabor nostálgico.
El disco funcionó muy bien sobre todo en Norteamérica; incluso se les concedió el
primer Grammy a mejor álbum de Rock Latino de 1997. Asimismo, la producción ha
cuajado muy bien en el tiempo al punto de reconocérsele en distintos ámbitos como el
mejor de la discografía de la banda teniendo en cuenta los riesgos y el resultado final.
(J.L. Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-fabulosos.html
15
Soda Stereo
Dynamo (1992)
Luego de que Soda Stereo haya girado al lado contrario de la industria musical y se
imponga con un concepto guitarrero con "Canción animal" en 1990 (con buena
aceptación, sobre todo en su natal Argentina, donde se ganó al público más localista)
decide ir mucho más allá y hacer un álbum dejando las presiones de tener que gustar a
la gente, coincidiendo con un apasionamiento que la banda tenía por My Bloody
Valentine y el shoegaze (género que ni en su natal Inglaterra jamás fue de éxito de
ventas).
El juego de las guitarras con las máquinas era algo que Cerati quería experimentar venía
inmediatamente de su disco con Melero "Colores Santos" (y que del tiempo de la salida
de uno y el otro solo fueron algunos meses). La diferencia es que ahora plasmado desde
la propia banda tenía que haber un sonido más complicado y contradictorio (armonía vs.
distorsión).
Daniel Melero también es parte importantísima en la concepción del disco, al punto que
Bosio y Alberti quedan como meros ejecutores (en especial este último, el cual se
sometía al sonido que había pensado Cerati y originaba la primera gran confrontación
entre ambos dentro de la banda). Las canciones no estuvo pensado en sencillos aunque
destacaron "En remolinos", "Claroscuro" y en especial, "Primavera 0", cuyo riff
introductorio quedó inmortalizado en las personas que la oyeron, y el cual abre el inicio
de la música alternativa en América Latina.
La búsqueda de experimentación los puso de desubicados en un tiempo donde la
industria parecía más desencajada con las buenas propuestas, y de hecho, la radio
abandonó a Soda, un público aletargado acusó a los Soda de volverse aburridos, y las
ventas infimas enloquecieron a Sony, de los cuales salieron para grabar posteriormente
con BMG (aunque ambas fusionarían años después). Sin embargo, es el tiempo el que
luego hará que la crítica haga reinvindicar el disco, por el riesgo así como su actitud a
plasmar algo del cual ellos mismos contaron que reflejaba su momento. El egoísmo
puro hecho arte. ¿Bailando entre la distorsión?¿Corear voces perdidas entre capas
sónicas?¿Saturaciones para un público simplón? Los de la banda no jugaron a ser los
desentendidos, era que estaban en el lugar y tiempo equivocados. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-1992-sony.html
14
Mano Negra
Puta's Fever (1989)
El disco con que Mano Negra se introdujo a Latinoamérica no era precisamente el disco
de influencia más latinoamericana de su carrera y la canción con que se presentaron al
público continental, ni siquiera era parte de la edición original del álbum, pero marcaba
el inicio de un contacto con la región como ninguna otra banda europea lo había hecho
hasta aquel entonces.
Sin embargo, Mano Negra buscaba traer una consigna que si bien ya existía en algunas
bandas contemporáneas aún no había calado como debía. Se trataba de la
reinvindicación del mestizaje a partir de la concepción de los ritmos considerados como
marginales (sobretodo para el mundo del rock). Había mucho del concepto de The
Clash, pero ellos daban un paso más allá: ellos hablaban desde allá para poder hablarle
al de acá. Su base en París les quedaba cortos y pretendían ahondar en las tierras donde
provenían muchos de los migrantes que vivían en la periferia de la ciudad.
Pero todo no era sobre la mezcla; si no más bien de poder plasmar actitud y entender los
diferentes ritmos que pasan desde ska a música raï, sin abandonar las bases del rock n
roll y coquetear con el rap (para lo cual era prematuro para la música de estos lares),
todo ello en combo bailable que lo hacía atractivo a un público importante y
acompañado con letras que iban del castellano, inglés, francés o árabe.
Asimismo, en su plan de aculturación regional, la banda decidió hacer las cosas al revés
como se hacían hasta ese momento. En vez de buscar asimilarse en las 2 grandes ciudad
donde se cubría el rock (Buenos Aires y Ciudad de México), deciden tocar en lugares
donde la industria del rock era virgen e inhóspita: Cusco y Cuenca, motivados más por
un contacto diferente a los que los grupos del momento esperaban, y mismos
revolucionarios buscaron inyectar con el concepto un nuevo aire a la camada de bandas
que tomarían la escena alterlatina en los 90's a partir del apadrinamiento de estas,
buscando la cohesión de una generación de artistas transnacionales unidos por sus
ritmos festivos, actitud de resistencia y letra de denuncia.
El título del disco hacía referencia a una enfermedad venérea en clave de argot
dominicano (aparentemente), y temas como "King Kong Five", "Sidi h'bibi" y
"Guayaquil city" fueron las grandes muestras del sonido como "la banda" (algo que
cambiaría tiempo después). Aunque para Latinoamérica, el disco tuvo una versión
incluyendo "Mala vida" (originalmente de "Patchanka"), vendería cerca de 800 mil
copias a nivel mundial y la crítica mundial los ubicaría como los líderes del nuevo
sonido del rock. Un disco que pudo ser opacada en su momento por la comercialización
de otras bandas en plena era dorada del rock en español pero que el tiempo ha terminado
por darle un lugar preferencial en el entendimiento del género. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...irgin-1989.html
13
Café Tacuba
Revés/Yosoy (1999)
Revés/YoSoy representaba muchos pasos más allá del sonido que aun podía identificar
al rock en español de los 90's, querían demostrar a su vez la importancia de la música
electrónica para el futuro del rock. Se adelantaron a lo que Radiohead quería demostrar
y lo plasmaría un año después con su aclamadísimo "Kid A".
Sin embargo, las nuevas latitudes hacia donde se dirigía la banda tuvieron que pasar un
gran obstáculo que terminó por modificar la idea original de la banda: su disquera
Warner. El disco que debería haber aparecido en 1998 no gustó para nada a los
ejecutivos desde que se enteraron que se iba a tratar de un disco lleno de temas
instrumentales. La banda y su manager tuvieron que negociar el proyecto hasta que
llegaron a un acuerdo que habría disco de temas no comerciales si había un disco con
canciones más convencionales.
El disco contó con la producción de Gustavo Santaolalla (en un año excepcional para su
carrera) y contaría con invitados de lujo como el Kronos Quartet o la Compañía de
Danza Folklórica, antojos de la banda que se esforzaba porque la nueva idea cierre la
misma concreción que habían anticipado. La primera parte del disco estaba compuesta
por temas que habían sido dejado de lado en los álbumes anteriores en su mayoría y
volvieron a ser regrabadas para la ocasión. La coherencia entre el orden de los tracks y
las letras (un trasfondo psicológico) es tal que no da esa impresión. Destacaron los
temas de "La locomotora" y "La muerte chiquita", los únicos temas que calaron en un
público escéptico frente al nuevo sonido de la banda.
La segunda parte es la que se debe meramente a la experimentación que va por
descomponer las grabaciones creadas por los invitados a referencias al new age o la
música industrial. La banda en un fin de promocionar las canciones les dió un video
musical a cada uno, donde destacó el hipnótico "13". Asimismo el disco traía otras
sorpresas que hacía la delicia de los melómanos (como los juegos de los tracks entre
otras cosas).
El disco pese a los esfuerzos de promoción fue un rotundo fracaso comercial y la crítica
se dividió respecto al mismo. Una parte lo consideró como una renuncia a sus raíces
folklóricas por pretenciosos. La disquera no les rescindió contrato hasta que años
después la banda pasa a Universal. El tiempo se encargó de darle su lugar como el disco
que marcaba un antes y un después en la última etapa de la música contemporánea en
Hispanoamérica donde se ha perdido el temor por jugar con las máquinas y plasmarlo
en nuevas formas de música. Asimismo es imprescindible para poder entender como la
banda que tocaba "María" terminó tomando como referencia directa a The Flaming
Lips. Una vez más rompían con su noción de lo establecido y ofrecían la posibilidad de
ser lúdicos en una forma como pocas bandas del continente se atrevieron a hacerlo.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-warner_25.html
12
Almendra
Almendra (1969)
A 9 años desde que se editó el primer LP con rock en castellano ("Rock!" de Los Locos
del Ritmo) y 2 años del primero con música completamente original (el homónimo de
Los Gatos), se lanzaba un disco que marcaba un antes y un después. El aspecto
fundacional que prácticamente abría la década de los 70's ha terminado por hacerle
perder el otro lado que lo hacía brillar: su contraculturalidad.
Y es que esta producción chocaba contra los axiomas bajo los cuales se entendía el rock
en ese momento. Para la gran mayoría del rock hecho en América Latina, cantar en
castellano era una renuncia al rock; a esas alturas, significaba ser parte del
"establishment". A esas alturas "La plaga" era un tema de fondo para chicos narcisistas
modernos que se jactaban de divertirse y las bandas que quería incursionar en la
experimentación aseguraban que la única manera de serle fiel a las nuevas lecturas del
rock era siéndole fiel a su propio idioma. Para finales de los 60's, decenas de bandas por
toda la región hacían discos complejos que no vendieron mucho en su momento pero el
tiempo los ha reivindicado. Sin embargo, todos se caracterizan por sus pésimas vocales
en inglés, algunos incluso más ilusos, pensando que ello les daría la carta abierta para
conquistar el mundo anglo.
Por ello, reducir el primer disco de Almendra a la lenta (y digerible) "Muchacha ojos de
papel" sería un craso error y no permitiría entender las diferentes aristas del disco que
en su conjunto se resumía a cuatro muchachos que buscaban crear un lenguaje propio a
través del rock. A diferencia de las otras bandas contemporáneas, ellos no subestimaron
al público local y se dirigían a ellos. Un joven Luis Alberto Spinetta reconoce sus
influencias intelectuales y su admiración por grandes letristas ajenos al rock como Joan
Manuel Serrat.
Pero hay que reconocer que el conjunto de la banda también trabajaba excelente y
Edelmiro Molinario, Emlio Del Guercio y Rodolfo García en su aprendizaje
demostraron gran madurez y curiosidad para incursionar por igual en el hard rock, el
progresivo y el folk.
El disco otorgaría canciones que son reconocidísimas en el Cono Sur como "Ana no
duerme" o "Color humano", pero ello no se construyó de un día a otro. De hecho, el
primer tiraje del disco que no tenía ningún desbordante número no llegó a agotarse ni en
los primeros seis meses. Pero una vez más el tiempo pone todo en su lugar, y el álbum
se convierte en un referente necesario para poder explicar el nacimiento de un código de
rock en nuestro idioma, a más de una década que estallara el boom comercial.
Lo que vendría después con Almendra no sería muy bueno (a menos de un año del
lanzamiento ya estaban separados). Sin embargo, desde los caminos que tomaron los
músicos hubo una intencionalidad de querer superarse a sí mismo. En el caso particular
de Spinetta, iniciaría una carrera contra el viento por buscar crear un concepto propio de
hacer música y que sentaría un precedente para el rock argentino en el futuro junto a
otro colega que el destino los pondría bajo el mismo estudio de grabación
ocasionalmente: Charly García. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...a-rca-1969.html
11
Aterciopelados
El Dorado (1995)
Una banda cuya especialidad era transformar canciones de alma punk en hermosas y
pegadizas melodías pop recubiertas con moderado aroma tradicional colombiano se
convierte en una de las bandas favoritas de la generación MTV de los 90's y con "El
Dorado" inmortaliza su música para siempre.
El segundo trabajo de la banda ponía a Colombia en el mapa internacional del rock
hispanoamericano (de donde trabajo más reconocido por aquel entonces era el de Carlos
Vives, a quien se le atribuía de haber modernizado el vallenato) y ponía en alto a las
bandas de vocalistas femeninas (y es que la presencia de las mujeres en el rock popular
era ínfimo, y cuyo vacío habían tomado artistas de pobre concepto como Alejandra
Guzmán).
El disco es más conceptual de lo que su simpleza parece denotar a primera oída. Y es
que había un juego por explotar al máximo las características de la Bogotá más
alternativa, la que reconocía sus raíces, pero era a la vez crítica o pícara en su sentido
más urbano. Hay muchos ganchos de guitarras en las diversas canciones pero nunca se
abusan de ellas y de hecho empalman perfectamente con los coros de Andrea.
Cada canción mostraba una personalidad definida que atraía a un público que buscaba
cosas más inesperadas. El tema de la fusión penetra a partir de la percusión o en
determinados arreglos, pero aún estaban distantes de las posturas más alterlatinas que
tomarían en los años siguientes.
Las dos canciones más populares del disco son 2 canciones que definieron los 90's
como una década de rock en Latinoamérica: "Bolero falaz" y "Florecita rockera"; la
primera, basada en un bolero para introducirse en un empalme de pop perfecto bajo una
letra suculenta de amor dudoso; la otra, una canción directa que reivindicaba el "girl
attitude" de una manera directa y saludable.
Está de más decir que el disco tuvo un éxito de ventas increíble (se dice que las ventas
totales hasta el día de hoy ya habrían superado el millón de copias). Inmediatamente
Soda Stereo invita a Andrea Echeverri para su concierto MTV de su serie Unplugged y
Héroes del Silencio los invita a girar con ellos a España. Y aunque nunca hubo en su
Colombia una banda de relevo que tuviera la misma credibilidad y éxito comercial a la
vez, prácticamente activaron la industria del pop-rock allí y de no ser por ellos
fenómenos de corte mas pop como Juanes o Shakira nunca hubieran sido conocidos.
Reinsertaron la actitud a la estructura de la canción pop: melodicamente eléctricos
cuando lo debían y aportadores de una evolución al folk pop hispanoamericano que en
la posteridad marcaría el sendero de la música alterlatina. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...o-bmg-1995.html
10
Molotov
¿Dónde jugarán las niñas? (1997)
El tiempo suele ser el gran juzgador, y en la música no hay excepción. "¿Dónde Jugarán
Las Niñas?" es un disco que ha dividido a la crítica. Para algunos quedo un disco banal
de temas para adolescentes que cualquiera puede grabar; para otros significa un
parteaguas en la cultura pop musical de América Latina con canciones más importantes
de lo que a primera oída pueden sonar.
Antes que nada hay que entender que detrás de Molotov nunca hubo un discurso
político ni ideológico como muchos vieron en ellos (al punto de que algunos
consideraron que algunas de sus canciones eran una nueva forma de "canción protesta"
y otros veían una versión más mexicana que perseguía el discurso de bandas como Rage
Against the Machine). Más bien, liricamente sus antecedentes se pueden rastrear a las
bandas incorrectas del pop español de inicios de los 80s como Los Nikis o Siniestro
Total, pero llevados a la generación MTV, donde recubiertos de un funk metal potente
les daba una potencia que el público masivo jamás había visto en una banda de la
región.
Y es que hay que tener en cuenta cuanta
cucufatería ha habido en los medios masivos
latinoamericanos que se espantaban porque los
Hombres G decían "Mamón" en "Devuélveme a mi
chica" y así los convirtieron en un fenómeno.
Mientras canciones de amor o melodías simplonas
retransmitidas para toda la región desde Miami con
Univisión o Ciudad de México con Televisa,
Molotov explotó hasta el tuétano los medios
alternativos e hizo que su humor sin desparpajo
encuentre una identidad distinta en la gente que
hizo de las canciones verdaderos clásicos.
Pero la revolución de Molotov desde sus letras también tenían se caracterizaron por
demostrarle a la industria musical que el uso de modismos no generaban menor
identificación en países no habituados a los mismos. La industria había obligado o
perseguía que los exponentes internacionales usaran un castellano uniforme para que
puedan ser entendidos por todos (y lo hicieron desde los "artistas" Televisa hasta los
exponentes del rock en tu idioma de Argentina que cambiaban el "vos" por el tú"). Sin
embargo, Molotov pudo vender solo en Argentina más de 100 mil copias diciendo
"gacho" o "chinga tu madre".
Y Molotov pudo hacer de la contradicción una virtud, o quizás demostrar que el mundo
no se dividía tan simple como blanco y negro. Una canción como "Gimme the power",
pudo ser coreada hasta por grupos anti-norteamericanos que nunca se quejaron de que
hubiera términos en inglés en la canción; o que gente en Bolivia, Uruguay o El
Salvador, coreara el "Viva México, cabrones!" como si se la cantasen a sus propios
países, sin perder el poder que llevaba la misma canción.
El poco humor con que se lo tomarían los medios masivos, sobre todo en su natal
México, solo terminó dando más crédito así como un carácter político al disco (que
también se relacionaba con los tiempos que el PRI dejaba el poder), lo cual Universal
sabría explotar a nivel mundial, y otorgaría a Gustavo Santaolalla verdadero status de
Rey Midas (si es que aún dudaban tras el disco "Re" de Café Tacuba). Por cierto,
Santaolalla, es el artífice de haber llevado el sonido de la banda a terrenos más
alterlatinos y poder emalgamar ese sonido corajudo llevado por un bajista subestimado
quien es Micky Huidobro.
Referencias a personajes de televisión, a la suegra, a los chicanos, a las perras, a los
narcos, a los putos y a los gordos terminaron recreando a los personajes de los cuales se
pueden seguir contando chistes dentro del folclor urbano, que en su mal gusto y
visceralidad, podía terminar generar un éxito desbordante. Pesados pero enarbolando el
espíritu juvenil que los acercaba a un público mundial que gustaba del rapcore (y que
los hizo inesperadamente conocidos por un momento en países que no entendían las
letras como Alemania o Japón).
La banda jamás se jactó de no ser comercial (y muchos fans que recién entendían con el
tiempo el concepto de la banda terminarían desilusionándose). Sin embargo, es
imposible poder subestimar el impacto de "¿Dónde jugarán las niñas?" que por donde se
lo vea es un disco que generó un cambio para bien en la mentalidad del público masivo,
la industria y la escena; y por otro lado que supo imprimir canciones que van desde lo
más simplista (como "Puto") a lo más complejas (como la subestimada "Más vale
cholo", que tiene un desarrollo narrativo comparado con "Pedro Navaja").
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...ninas-1997.html
9
Héroes del Silencio
Senderos de traición (1990)
"Senderos de traición", un álbum trascendental en un momento que definiría a la música
española en el panorama internacional. La banda optó por su sonido duro con
influencias de las grandes bandas clásicas así como el rock gótico, y los hizo
abanderados únicos para las masas.
Para la crítica especializada española para 1990, la era dorada de la música
contemporánea local había muerto. Para llegar al mainstream, se había perdido la
espontaneidad que habían caracterizado a las bandas de inicios de los 80's y había
mucho escepticismo sobre nuevos actos. Por otro lado, el rock duro en ese país había
perdido a los aliados mediáticos que los habían apoyado durante años y muchas bandas
habían regresado al underground, desde donde se forjaban.
En ese sentido, Héroes del Silencio quedaba en una suerte de limbo, donde si bien se
cerraban muchas puertas, se abrían otras. Una de ellas significaba de liderar el nuevo
camino de la escena rockera en ese país. Pese al éxito de "El Mar No Cesa", se sentían
en la obligación de abandonar el sonido casi básico del disco para tomar posturas más
épicas, de rock de estadio, para abanderar multitudes. La banda requirió la ayuda de Phil
Manzanera, quien decidió rescatar influencias que la banda había tenido pero que había
dejado de lado en su disco debut. El disco sería grabado entre Madrid y Londres durante
setiembre y octubre de 1990 y el título del disco haría referencia a una película del
director francés Costa Gavras.
En "Senderos de Traición" nos muestra dominio del sonido y loable trabajo grupal; y
aunque no fue concebido como una unidad, el disco toma una coherencia lineal a la
primera oída. Canciones como "Entre dos tierras" o "Maldito duende" habían sido
rescatadas de demos y maquetes de 1987, pero que bajo la nueva producción tomaban
cuerpo y eran propicias para el momento de su lanzamiento. El disco se pensó en los
conciertos (y eso se agradecería en las extensas giras que le seguirían al lanzamiento del
álbum). La ecualización de la batería es impecable, pero las guitarras de Valdivia se
oyen más fuertes, y por encima pasa la voz de Enrique.
La elegancia ante todo. Las dos canciones mentadas previamente se convirtieron en
parte de la cultura pop de los 90's (aunque los fanáticos también tendrán en cuenta "La
carta", "Malas intenciones" y "Con nombre de guerra"). "Entre Dos Tierras", el tema
más largo del disco, se convertiría. La canción empalma con "Maldito Duende", que
toma una dirección más pausada más no lenta.
Bunbury gana potencia en la voz (llegando a las notas que tenía que llegar), ideal para el
hard rock y los solos de guitarras toman protagonismo (cambiaría su Fender Stratocaster
por diferentes modelos de Gibson Les Paul). Las letras siguen proyectando tristeza,
aunque hay ciertas frases que juegan entre lo ridículo y lo enigmático.
La recepción del disco sería excelente, y con ello, la banda se embarcaría en una gira
impresionante para aquellos tiempos por toda América y gran parte de Europa, teniendo
un éxito nunca antes visto para una banda de rock que interpretaba música en español en
países como Italia o Alemania (en este último país tienen una dedicación de culto que se
ha mantenido en el tiempo). En el continente americano, se los vio como los redentores
del rock llenando un vacío que habían dejado las bandas del otro lado del charco, tras el
boom de las bandas españolas de los 90's, al punto que fueron la única banda de rock
que pudo recibir la misma atención que las bandas latinoamericanas en la próxima era
de la generación MTV Latino.
"Senderos de Traición" marcó un momento en el que la historia del rock
hispanoamericano exigía a las bandas que tenían que cambiar. Muchas desaparecieron y
se perdieron en la nostalgia. En tanto, Héroes del Silencio terminó por registrar los
temas más emblemáticos de su carrera. Canciones que han tomado postura legendaria a
través del tiempo, reivindicando el sonido duro a nivel masivo pero enarbolando los
principios que toda banda pop que deja huella tener. A partir de este álbum, el público
les otorgó un lugar en la historia que hasta ahora nadie ha podido superar.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...enderos-de.html
8
Caifanes
El silencio (1992)
En 1992, Caifanes había pasado el dilema del segundo álbum, con aceptación del
público y la crítica (particularmente en México, su tierra natal). Ello les otorgaba más
libertad para poder encomendarse a su siguiente trabajo. Es así como convocan al exKing Crimson Andrew Belew para que se encargue de la producción.
La concepción de "El Silencio" era buscar lo mejor de los anteriores trabajos pero desde
una óptica distinta. Caifanes parecía ser una banda bipolar hasta ese entonces: Por un
lado mostraba esa cara tradicionalista que gozaba con las influencias místicas
mexicanas o cubanas, y tenías esa otra cara rockera y frontal que parecía negarlo. En
este álbum se busca congeniar estas dos facetas de la banda y el engranaje es tan
perfecto que el tiempo lo ha ensalzado como un disco aún no superado en su conjunto.
El resultado final es un disco redondo y sumamente cuidado, y en su país en particular,
se terminó por darles la categoría de banda épica y a la altura de las bandas
hispanoamericanas de otros países (recogiendo las críticas locales de ese momento). Y
es que era una época donde las bandas como Héroes del Silencio o Soda Stereo se
exigían para hacer un trabajo a posterior respecto a los discos (los primeros reventaban
aún en la radio con "Senderos de Traición" del '90 mientras Soda Stereo lanzaba
"Dynamo" importándoles un carajo la masividad). Es inevitable mencionar que los egos
nacionalistas también estaban en juego, pero el resultado es de disfrute universal y
compagina en los tesoros que consagra el rock hispanoamericano.
La banda nunca sonará tan cohesionada y aparecía en un momento de transición para el
rock mexicano (Maldita Vecindad había lanzado un año antes "El Circo" con
grandísima atención y Café Tacuba debutaba). El disco lo grabaron en Estados Unidos,
luego de haber armado los temas previamente. La característica principal era tomar las
texturas de la música tradicional latinoamericana pero sin perder las armonías así como
sonoridad y potencia de una banda de rock. Es así como puedes encontrar la canción
más poderosa de su carrera ("Metamorfeame") y enpalma perfectamente con las matices
de huapangos y música banda sinaloense que aparecen en temas como "Piedra".
Este empalme entre las capas sonoras y las atmósferas hace dudar si se trata de un disco
de fusión. No hay reminiscencia a Santana. Ni siquiera se puede encontrar una
referencia de Mano Negra (salvo el paralelismo cronológico) en el concepto. Se trata de
un disco cuya base el rock, aveces con una estructura más pop, aveces con ligeras
reminiscencias a la música progresiva e inclusive a la música funk.
Aunque se puede darle el crédito de haber recibido influencias del movimiento
alternativo que sucedía en los Estados Unidos por aquel entonces, la inspiración de este
venía desde su ideología de ser originales rompiendo el modelo de "estandarización" en
vez de tomar de una forma "copiosa" los sonidos de las bandas del momento. El juego
sincrético gana fuerza y hasta se puede hablar de música alterlatina con actitud, donde
las guitarras aún eran las más usadas y revestían a las canciones, a diferencia de lo que
sucede en los últimos años.
El disco se encargó de darle un sello al rock mexicano y fue uno de los fundamentales
en la segunda mitad de la era dorada del rock en español. El tiempo ha terminado por
inmortalizarlo y hacer de la banda su ejemplar discográfico más representativo. Aunque
aún merece mayor reconocimiento en parte de Sudamérica, las razones de que sea
subestimado no responden a su calidad, demostrada hasta el hartazgo sino a esa
ignorancia cínica de parte de los que cuentan la historia del rock hispanoamericano, que
no advierten que bandas más internacionales como Café Tacuba o Molotov estaban
tomando la posta de la herencia de estos. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...o-1992-bmg.html
7
Pescado Rabioso
Artaud (1973)
Los 70's fueron una década mala para hacer rock en Latinoamérica, que no quiere decir
que haya sido una década que hubo mala música. De hecho, en muchos sentidos, es una
década excelsa, de cual muchos fanáticos de la música suelen disfrutar llena de
experimentaciones donde el rock siempre estuvo involucrada de manera más indirecta
en algunas ocasiones que otras.
La salsa se nutría de los sonidos de Nueva York, y la nueva canción dejaba las posturas
rurales para construir sus propios códigos con referencias a la música occidental. Luis
Alberto Spinetta se encontraba en ese contexto, sumado a su vida como ciudadano de
una Argentina compleja. Pescado Rabioso, reconocido como banda de blues rock, en
esta ocasión no era Pescado Rabioso ni una banda de blues rock. Spinetta reconstruye la
banda que abandonó Amaya, Lebón y Cutaia y convoca a dos de sus viejos amigos de
Almendra así como a su hermano.
Pese a los cambios, Spinetta se maneja como líder nato. De hecho, la crítica lo considera
como su primer disco solista (pese al "Spinettalandia y sus amigos" de 1971), y se
maneja bajo la concepción que tenía del rock. Mientras los distintos movimientos en
Latinoamérica negaban la inevitable influencia del rock en su evolución, el más bien la
reconocía y le otorgaba un intelectualismo de impronta personal, que seguía el sendero
marcado por el álbum Almendra de fines de 1969.
Ello le permitió ser cobijado por los circuitos universitarios del Cono Sur de los 70's y
fue en gran parte, el gran causante del atesoramiento del rock argentino por un público
que le dio la talla de patrimonio local y negó el carácter de "música extranjerizante" que
ensombrecía a toda la región. Fue la primera vez que el rock podía ser entendida como
parte de la música latina, como parte de una nueva cultura popular que estaba en plena
formación.
Las canciones aunque son en su mayoría acústicas, también hay experimentación con el
pop progresivo, el jazz y el avant-folk. La canción más conocida del disco es un tema
cantada a la mujer que es madre: "Todas las hojas son del viento" que incluye una
referencia anti-drogas. También destaca el psicótico "Starosta el idiota" que incluye un
sample de "She loves you" de The Beatles. Las referencias a este disco a lo largo del
tiempo han sido varias. Las más destacadas vienen de Gustavo Cerati quien en su disco
"Amor amarillo" versionó el tema "Bajan" y en el disco (Un)Plugged de Soda Stereo
incluyen un fragmento de "Cementerio Club" dentro de "Té para tres".
En síntesis, el álbum es el punto climático en la carrera de un músico que supo construir
un lenguaje que terminó haciendo de un disco de culto, el medio necesario para que
músicos populares construyeron un movimiento que si bien tomaba los preceptos de la
música que alimentaba al mundo tuviera su propia personalidad. El rock
hispanoamericano aprendió a que escarbar en el intelectualismo y la vanguardia no iba
en contra de reconocer su territorio. Cuando el rock recibía las peores embestidas, solos
los mejores sobrevivieron, y los 70's demostraron por qué Spinetta sobrevivió y terminó
por enaltecer el imaginario rockero de América Latina. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...3-microfon.html
6
Manu Chao
Clandestino (1998)
Manu Chao había pasado por un largo recorrido para llegar a "Clandestino", desde un
punk que se entía identificado con la ideología de The Clash por haber sido un marginal
extranjero en París (que pese a ser parisino de nacimiento siempre fue tratado como
forastero por su origen español) a un aventurero que recorría medio Tercer Mundo en
busca de nuevas respuestas.
El entendimiento del rock para Manu Chao venía con una mentalidad para los tiempos
de la globalización. La occidentalización y el capitalismo salvaje se estaba comiendo los
últimos refugios de resistencia, y su trabajo toma como núcleo central los discursos del
Comandante Marcos, presentes a lo largo del disco.
El álbum en sí, es un viaje y a partir del minimalismo busca confeccionar un
rompecabezas tomando desde estilos musicales tradicionales a hilos experimentables;
todo desde una grabadora que recoge los distintos sonidos de su recorrido. Hay que
reconocer que las canciones suelen tener ganchos que atrapan rápidamente pero el
conjunto del disco puede no ser digerible tan fácilmente en tanto transita como un
espiral.
Como los trabajos de Mano Negra, "Clandestino" está en varios idiomas, siendo el
castellano el principal, incluida la canción principal, un himno para los inmigrantes en
situación ilegal. Otras canciones que también calaron fueron "Mentira" y
"Desaparecido". Una canción está conectada a otra, muchas veces enlazadas por los
samples.
La hazaña de poder etiquetar el disco por la crítica (¿es música latina?¿es reggae?¿es
electrónico?) ha terminado por darle un lado más ecléctico que su filosofía ha querido
dejar en claro. Para el público internacional, el disco ha terminado siendo consagrado
por su hazaña de hacer canciones pop a partir de collages (con una preferencia en
particular por "Bongo Bong") y el público hispanoamericano ha recogido el lado
cancionero del mismo (llamado por algunos como canción protesta de vanguardia).
Lo que no queda mayor duda es que en un tiempo donde el rock había empezado a ser
cuestionado por su imposibilidad a ser crítico y directo sin dejar los clichés,
"Clandestino" marcaba un nuevo tiempo para la música en América Latina. Inauguraba
una era para la música alterlatina que bandas como Calle 13, Aterciopelados (en su
segunda etapa) o Bomba Estéreo han tomado la posta adaptándola en diversas formas y
a nivel mundial se encumbró como un lider de la música worldbeat (que a diferencia de
la entonces conocida world music no eran música para restaurantes finos sino que era
música con actitud) para artistas como Gogol Bordello, Asian Dub Foundation o Diplo.
La inserción del sonido rezagado en el mundo del rock, modernos pero diferentes.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...998-virgin.html
5
Santana
Abraxas (1970)
Durante casi 10 minutos un guitarrista de origen mexicano pudo convertirse en el rey
del rock y poner a miles de hippies drogados alucinar a otro nivel en un festival que la
historia ha terminado por inmortalizar.
Pero claro que no todo era Carlos, había un grupo fenomenal que hizo que la música
tuviera el impacto que hizo, sobre todo por el percusionista José "Chepito" Areas y el
batero Michael Shrieve. Sin embargo, Carlos tenía la visión y el concepto. Un sonido
que bajos otras bandas hubiera sido un mero recurso esotérico e instantáneo, era en ella
un precedente que terminó otorgando una nueva forma de identidad para el rock del sur.
Desde la impresionante cubierta a los riffs de guitarra eléctrica vertidas influencias de
jazz, Carlos tiene esta sensación conmovedora que sólo unas pocas leyendas de la
guitarra pueden dar la impresión que crean sin esfuerzo y Santana no dejaba de cautivar,
mostrando una versatilidad muy interesante cuya mezcla entre sonidos que muy pocas
veces se habían cohesionado atraían a un público norteamericano que se quedaba
boquiabierto. Escuchar a alguien que domina la guitarra como él, pueden hacer olvidar
lo difícil que algunos de los acordes son en realidad. El juego de lo suave con la
cadencia rítmica que le da una aura mística dentro de la potencia que se mueve en el
rock termina redondeando lo que significa "Abraxas".
El disco se grabó en Wally Heider Recording Studio en un poco de más de dos semanas
durante la primera mitad de 1970. Se tomaron dos canciones prestadas ("Oye como va"
o "Black magic woman") y bajo las nuevas versiones cobraron otra vida. El tema
original de Tito Puente es cantada por Rico Reyes. El órgano y guitarra brillan gracias a
Carlos y Gregg Rolie con momentos donde se luce cada uno.
Otro de los títulos en castellano del disco, "Se acabó" (que aparece en el disco original
como "Se a cabo"), son un juego de jolgorio en el disco donde convulsiona el bloque
percusivo con la dupla guitarra-teclado que produce un tema de latin jazz muy potente
como fascinante. En "Samba pa ti", Santana imprime su sello en guitarra acústica con
un tema instrumental que ha terminado inmortalizándose hasta en las clases más básicas
del instrumento.
Por otro lado significó la entrada de la cultura latina a la música moderna y con ello,
hacía callar a muchos rockeros en América Latina que se negaban a cantar en castellano
porque consideraban que era un idioma ilegítimo para hacerlo (y eso incluía a bandas
que ya habían integrado ritmos latinos y afrocaribeños). Introdujo a una persona de
origen latinoamericano al mundo del rock anglo y se dio el lujo de cambiar las reglas de
juego.
Aunque el impacto en el Sur tomó un poco más de tiempo, se adelantó a la introducción
de ritmos caribeños a la música popular como luego lo haría Bob Marley con el reggae
(y que a la larga tendría un poco más de credibilidad debido a lo que representó para su
país Jamaica). Sin embargo, es innegable que en conjunto plantó la semilla que luego
artistas como Los Fabulosos Cadillacs o Mano Negra (o inclusive Maná, para hablar en
términos de la música pop) terminarían trabajando desde diversas ópticas y
reminiscencias. Y en los Estados Unidos aportó enormemente en la reivindicación de la
cultura chicana en la Costa Oeste y abrió una conversación con la escena de la Costa
Este que bajo influencias un poco menos "descontaminadas" terminarían creando el
boom de la salsa con La Fania All Stars. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...s-cbs-1970.html
4
Mano Negra
Casa Babylon (1994)
"Casa Babylon" es el disco latinoamericano de Mano Negra. Punto.
Sin embargo, a lo largo del recorrido que la banda francesa había hecho por el mundo
había dejado de funcionar como banda para trabajarse como un colectivo, con liderazgo
de Manu Chao, algo que poco a poco había comenzado a abrir las grietas que llevarían a
la separación final.
Durante este álbum hacen gala de todo lo que habían ido aprendiendo en el camino. Los
sonidos empiezan a ensamblarse a partir de un sound system que se compone a partir de
samples de discursos y canciones grabadas así como potentes sonidos bailables en vivo.
Manu juega entre ser un intrépido MC en unas canciones y en otras ser cantautor
intermediario entre una realidad oculta y una audiencia ignorante.
Es así como la búsqueda de Mano Negra de Latinoamérica no se da en un sentido
folklórico ni recogiendo ese sentimentalismo tradicionalista que otros músicos han
buscado imprimir a lo largo del tiempo, sino a partir de un collage urbano donde se
pierden los gritos de revolución, los cánticos futboleros o las locuciones de divertidos
DJ de radio que buscan atraer sintonía. Si el oyente busca encontrar raggae o ska podría
decepcionarse porque el disco le escupirá un sonido corrompido que hasta le puede
parecer repulsivo sino entiende el contexto.
El contexto era una realidad convulsionada entre una lucha contra el narcotráfico cada
vez más violenta y que incluía la muerte del capo de la droga Pablo Escobar, a los
gobernantes latinoamericanos que llevaban a los países hacia el libre mercado y la
resistencia por algunos grupos como el EZLN en México. En el fondo, cosas que siguen
pasando bajo otras formas y otros personajes, pero que en ese momento, la banda pensó
que era el momento para inmortalizarlo.
Debido a los problemas internos que la banda sufrió, personajes externos tuvieron
importancia en la concepción del disco. En particular, el argentino Fidel Nadal,
miembro de Todos Tus Muertos, que hace apariciones en varios tracks del álbum y
trabajó en la composición de los mismos.
La canción bandera del disco, "Señor Matanza", marcó todo una tendencia en su
momento en cuanto a sonido (y también por el recordado videoclip filmado en
Colombia con la estética urbana latinoamericana). Y aunque por tratarse de un disco
cuya inspiración se encontró en la región con canciones tan distintas como "El alakrán",
"Santa Maradona", también hay canciones con temas en inglés como "Drives me crazy".
El disco juega con un paseo que va de un estado eufórico a la parsimonía y a lo
apocalíptico (con el fatal "This is my world"), poniendo cerradura a este sub-mundo
sonoro donde la banda se jacta de celebrar entre pesimismo y denuncia, sin advertir la
postura minimalista que luego tomara Manu Chao en "Clandestino".
En síntesis, "Casa Babylon" se adelanta a la onda alterlatina que entrará con fuerza a
partir de finales de los 90's y toma por sorpresa a una escena latinoamericana que estaba
buscando su propia identidad sin dejar de lado los principios del rock que hacían
hincapié en el cambio generacional. Mano Negra pasó de ser una banda mestiza
francesa de base punk para convertirse en la plataforma que Manu Chao necesitaba para
sembrar la semilla de un movimiento desde América Latina que recogía los sonidos e
ideas de los rechazados pero expulsado a un solo chorro. Ahi están los preceptos:
energía y rebeldía de una manera que otros artistas están tratando de emular.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...994-virgin.html
3
Charly García
Clics modernos (1983)
1983 es un año trascendental para la música latinoamericana contemporánea. Era el
inicio de una revolución donde una juventud tenía voz mientras la sociedad vivía
momentos de progreso. La voz de los 80s era llevada por un viejo rockero que no moría,
sino más bien que se reinventaba. "Clics modernos" era la banda sonora de ese
momento.
Charly García se pone al servicio del new wave y los sonidos bailables. El nunca negó
que se inspiró de alguna manera en el funk y la música que se encontró en Nueva York
cuando grabó el disco. De alguna manera, Joe Blaney que había trabajado como
ingeniero en "Combat Rock" de The Clash y que ahora hacía de productor junto a
García, puso su grano de arena en el conjunto sónico.
Sin embargo, Charly rompía con la emulación de lo anglo al proponer algo más que ser
el importador de los nuevos sonidos al rock latinoamericano, sino que más bien procura
que el mismo no pierda a la tradición lírica que había construido desde los 70's con Sui
Generis y aún mantenía en el predecesor "Yendo de la cama al living". Remarcar la
importancia de la letra en el nuevo sonido, era darle una marca fundacional a los
tiempos que luego se conocería como la "era dorada del rock en español".
Y es que hay un cuidado por el cual se procura que cada una de las canciones se
consolide como un himno. Es asi como detrás del beat pegajoso de "Nos siguen
pegando abajo (pecado mortal) -por ejemplo- hay una canción de protesta social casi
inconsciente, las referencias a la represión, a las drogas y el impacto de la sociedad ante
la tabú era descrito de una manera corta y directa al oyente popular. Canciones
digeribles fundacionales de un movimiento que sobrepasaba la escena argentina. Otras
canciones inmortalizadas son "No me dejan salir" y "Báncate ese defecto". Claro que el
piano rock no está dejado de lado completamente y hace de sus delicias en el ahora
clásico tema "Los dinosaurios", una canción dirigada a los dictadores del régimen
militar argentino.
Entre los músicos colaboradores destacan su amigo de Serú Girán Pedro Aznar en el
bajo así como el guitarrista Larry Carlton. Hay que recordar que debido a los
presupuestos que se costeaban por ese entonces no era posible llevar a músicos locales
hasta Nueva York donde con la excepción de Aznar, se armó una banda llena de
músicos norteamericanos. Para las presentaciones en vivo contaría con sus músicos que
al poco tiempo formarían a G.I.T.
La recepción del álbum no fue positiva inmediatamente. De hecho gran parte de la
crítica y su público se sentía abandonados. Pero ha sido el tiempo y la visión en
retrospectiva el que ha permitido entender que este disco es el eslabón perdido para
entender como Latinoamérica respondería a la música pop y como el fenómeno del rock
popular en los 80's y década venideras cambiarían la gran escena así como la
consagración del cronista del rock en un ícono internacional y que otros artistas
tomarían para llevarlo por aires más comerciales y masivos a lo largo del tiempo.
(J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...ernos-1983.html
2
Soda Stereo
Canción animal (1990)
Cuando Soda Stereo había hecho con nombre propio una labor que la enarbolaba como
la banda más importante a lo largo de la región "Canción animal" reconstruye los
preceptos del rock latinoamericano.
Soda nunca negó que hacía un pop-rock estilizado pero siempre se sintió en la
obligación a adelantarse a sus colegas, porque el encanto en un género limitado es tomar
los riesgos antes que los demás. En este disco los sintetizadores pasan a un segundo
plano para darle protagonismo a las guitarras. El disco gana terreno en la diversificación
de su sonido pero jamás pretende ser pretencioso y ahi radica su gusto popular en el
tiempo. A lo que si renunció Soda fue a la concesión a dar temas fáciles para la radio
que por ese entonces había terminado por prostituir la etiqueta del "rock en tu idioma"
con el fin de maximizar su masividad.
Es así como una banda masiva piensa en un disco a largo plazo con temas de
trascendencia. Una canción como "De música ligera" no se hizo un clásico de la noche a
la mañana, fue su confección la que la hizo resistente y le dio la inmortalidad bajo la
cual ahora se pasea por cuanto aparato de sonido tenga el latinoamericano promedio. Y
lo mismo sucedía con canciones como "Un millón de años luz" o "Hombre al agua".
Por otro lado, se busca un mensaje más directo, pensado pero nunca complejo,
respuestas al momento de creatividad que estaban pasando. El trabajo de la lírica
buscaba armonizar el concepto de una canción de rock. En "Té para tres" se puede ser
melancólico o en "Sueles dejarme solo" se puede ser pesado. No se puede hablar de una
sola dirección pero si se puede entender perfectamente que lo que querían. Para las
presentaciones en vivo sería la última vez que trabajaría con sus músicos invitados, ya
que pasarían por una etapa de minimalismo sónico.
El impacto de "Canción animal" fue primordial para Soda Stereo tanto para Argentina
como para el rock hispanoamericano en general. En su país natal, la banda pudo
consolidarse y terminar con esa condena que hacía el público local al abandonar a los
artistas que habían logrado la internacionalización (y que había generado un cierto culto
a un rock de códigos netamente argentinos como a Patricio Rey y sus Redonditos de
Ricota, entre otros). Dentro de la escena del rock hispanoamericano pudo reinvindicar la
importancia del trabajo del concepto del disco (que aunque se percibe desde los 80's con
álbumes como "Signos", terminaron siendo opacados por la importancia del sencillo,
producto de las compilaciones de "Rock en tu idioma") y también otorgarle una
bocanada de aire fresco a la escena en un momento donde la historia se lo pedía. Ello le
permitió ser una de las pocas bandas que pudo pasar con éxito el cambio de década, y
con ello coser la costura de una era en Hispanoamérica que visto en retrospectiva jamás
podrá alcanzar el mismo nivel de trascendencia en la cultura popular. El rock como
esencia de millones de almas que superaron sus fronteras para alzar a una sola voz el
coro de una canción. (J.L.Mercado)
http://rockenlasamericas.b...-sony-1990.html
1
Café Tacuba
Re (1994)
En el año 2006, la revista angelina Al Borde publicó la lista de los 250 álbumes del rock
iberoamericano el cual otorgó a "Re" el primer lugar afirmando que “Re” es una obra
fundamental dentro de la música latina donde el eclecticismo deja de ser un tabú y se
convierte en herramienta de creatividad. Mucha gente reaccionó confirmándolo y otra
gente cuestionó que ello sea una razón válida para poder otorgarle el lugar del disco más
importante de la historia.
Decir que "Re" es el disco más trascendental en el rock hispanoamericano meramente
porque hace "20 géneros en 20 canciones diferentes" suena sacado de un promocional
de disquera multinacional. Evidentemente hay mucho más allá de aquella afirmación, y
para ello es necesario entender el panorama bajo cual yacía el rock hispanoamericano,
sus miedos, sus contradicciones, su búsqueda por no ser una copia al rock anglo a la vez
que negaba o viciaba los intentos de un nuevo rock desde la crítica o el
conservadurismo de un público rockero que más bien parecía hacerle un favor al
formato radial que lleva a un patético etiquetaje que lo que no encaja no sirve.
Café Tacuba no fue el primero en pensar una idea de ese tipo, pero la diferencia partía
en como la misma se plasmaba. Había un entendimiento del mestizaje muy distinta a los
de sus predecesores. Santana era parte de una comunidad hispana en EE.UU que
clamaba por un sonido de identidad, Mano Negra había sufrido el escarnio del racismo
y entendía en el mestizaje la reinvindicación de lo rechazado y Los Fabulosos Cadillacs
era una banda que quiso emular el ska británico y estaba en pleno aprendizaje de la
cultura caribeña. Café Tacuba era una banda de clase media cuyos integrantes tenían
poco contacto con la cultura tradicional de su país. Vivían en Ciudad Satélite, un lugar
cuyo modelo era ser una ciudad moderna a la estadounidense. Tanto ellos como sus
amigos toda la vida solo oyeron bandas de rock británicas y norteamericanas y, poco era
el contacto con los sonidos tradicionales.
Café Tacuba buscaba hacer un sonido "mexicano" a partir del rock. Los elementos, los
instrumentos, las influencias no escondían las influencias del pop y el rock. Pero
partieron por hacer algo distinto, desde la estética hasta la investigación casi empírica se
buscaba aterrizar en un concepto de reinvindicación de la importancia del sincretismo
como fórmula de vanguardia. Jamás sonaron a tradición (ellos comentan que en algunas
oportunidades los puristas de los géneros que experimentaban se les acercaban para
decirles lo mal que tocaban).
Asimismo, Rubén Albarrán pensó que las letras así como el sonido debía basarse en lo
cíclico. Una metáfora que solo pretendía decir que el mestizaje era un proceso circular
cuyo recorrido terminaba al punto inicial. El gran recorrido sónico solo pretendía volver
a la base, al origen. Es así como entre las canciones hay una extraña conexión pese a
que algunas pueden oírse completamente antagónicas. Y es que todas giran bajo un
núcleo conceptual, un concepto funk (donde la canción "El ciclón" tiene un papel
preponderante en la oída del disco más importante de lo que suele estimar) que se
sumergía en canciones que no suelen superar los 3:30 minutos.
Cada canción del disco tiene un impacto que es percibido hasta la actualidad. La parodia
a la música norteña, "La ingrata", se metió en la cultura pop; mientras que "Las flores",
es el tema más recordado por el público rockero; aunque los fanáticos de la banda se
rinden más ante "El baile y el salón", mientras el público ligado más al world music
rescata uno de los temas de mayor feeling tradicional: "Esa noche".
Sin embargo, hay que reconocer que los éxitos no fueron inmediatos, y de hecho hubo
mucha resistencia por parte del público rockero a aceptarlo, sobretodo en su natal
México, donde se los consideraba como "bichos raros." En Sudamérica, fueron
aceptados por la generación MTV Latino, y luego medios internacionales terminarían
por ensalzar el disco como la mítica reseña en el New York Times. Café Tacuba estuvo
dispuesto a romper con los patrones que consideraban le hacían mal al rock mexicano (y
que de hecho, están presentes en todo el rock hispanoamericano, en su temor a que el
acercamiento a lo popular, erróneamente significaba aliarse a lo comercial y a la
plasticidad) y abrieron una brecha que luego tomarán otras bandas para la música
alterlatina (a diferencia de la propia banda, que más bien tomaría otros senderos).
Por otro lado, Gustavo Santaolalla terminó por coronarse como el productor esencial de
la era dorada del rock en español, y terminó haciendo de los nuevos sonidos un
concepto que llevó a la banda a la boca de los más prestigiosos críticos alrededor del
planeta. Y también llevó al replanteamiento de lo que significa el rock y de que manera
el mismo puede ser la base de recrear movimientos que reconozcan la pluralidad
cultural de Hispanoamérica y gocen del mismo espíritu que empujaron los grandes
momentos del rock n' roll. "Re" es la obra maestra del rock hispanoamericano.
(J.L.Mercado)