Compositores rusos

DUOC UC − VIÑA DEL MAR
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LENGUAJE DEL SONIDO
FECHA ENTREGA: 24/5/2000
COMPOSITORES MUSICA DOCTA RUSOS
INDICE
Que es Música Clásica 3
Breve Historia de la Música Clásica 3
Medieval 3
Renacimento 4
Barroco 4
Clásico 5
Primer Romántico 5
Segundo Romántico 6
Los Años de las Post−Guerra 7
Música Docta Rusa 7
Introducción 7
La Escuela Rusa 8
Nacionalitas 12
Compositores Nacionalistas Rusos 12
Los Cinco 14
Otros Nacionalistas 18
Musica Docta Rusa Del Siglo XX 24
Post Modernistas 24
Otros Modernistas 25
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Otros Compositores Rusos del Siglo XX 28
Paralelo con el Folklore Ruso 29
Antecendentes del folklore ruso 29
Algunas Precisiones Musicales 32
Instrumentos Populares Rusos 32
Comparación 34
ANEXO − Categorías Musicales Clásicas 35
Bibliografía 37
¿Qué es Música Clásica?
El término música clásica tiene muchos significados: música de la época clásica (período de Mozart,
Beethoven, etc.); música ancestral china antes de las influencas del mundo occidental: o el sinónimo de
música artística, en contraste con la popular o folklórica. Esta última es la que llamamos música clásica
o música docta, que comprende todos los períodos de la música (desde la Edad Media) hasta nuestros
dias y es en la cual enfocaremos nuestro trabajo.
Breve Historia de la Música Clásica
Hemos visto como compositores a través de los años han escrito en una amplia variedad de estilos, y para una
aún más grande variedad de instrumentos musicales y las combinaciones de ambos, para ser concretos. Pero,
exactamente... ¿cómo esta montaña de material musical nació y cómo todo se relaciona? El siguiente resumen
nos permite visualizar la hitoria de la música, desde sus comienzos con el canto Gregoriano, hasta hoy,
nombrando también de paso, los más conocidos compositores de este tipo de música: la clásica o música
docta.
• Medieval (1150 − 1400)
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Este es el primer período en que podemos conocer con exactitud la música de la época y cómo ésta sonaba. La
primera música secular escrita se remonta a los trobadores del siglo XII, pero los manuscritos más notables
emanaron de lugares de aprendizaje usualmente conectados de alguna forma con la iglesia, por ésto,
inevitablemente la música medieval tiene bases religiosas.
Cantos Gregorianos y Melodías Planas, que son monofónicas (escritas como una línea musical) gradualmente
se desarrollaron durante los siglo XI, XII y XIII hasta llegar al Organum (dos o tres lineas musicales
moviéndose simultaneamente pero independientemente, por lo tanto casi innadvertidamente representando los
inicios de la armonía musical). El Organum estaba, empero, inicialmente enmarcado por rígidas leyes de la
melodía y el ritmo, que al final lo llevaron al muy renombrado período Ars−Nova (o arte nuevo) del siglo
XIV, principalmente representado por compositores como De Vitry, Machaut y Landini.
• Renacimiento (1400 − 1600)
El siglo XV fue testigo de una variedad creciente de libertades, particularmente en términos de lo que
realmente se percibía de la armonía y la polyfonía (las tendecias simultaneas de movimiento de dos o tres
partes interrelacionadas entre sí). Los compositores (aunque apenas se les percibía como tales) estaban aún
casi enteramente devotos a escribir música coral, y pocas composiciones instrumentales han sobrevivido para,
comunmente, crear la impresión (en muchos caso muy certera) de ser trabajos vocales en desgracia, pero sin
las palabras.
Hay, obviamente, una variedad textural y de contraste, por eso, por ejemplo, una parte particular de la
composición era subrayada por una parte vocal cayendo momentaneamente, sólo volviendo en momentos
especiales para dar énfasis. Los cuatro más influyentes compositores del siglo XV eran: Dunstable,
Ockeghem, Despres and Dufay.
La segunda parte del siglo XVI fue testigo de los comienzos de la tradición que muchos amantes de la música
asocia con la percpción comun de la música clásica. Gradualmente, los compositores de alejaron del sistema
armónico, que había predominado por más de 300 años (y todavía suena arcaico para algunos oídos
modernos), hacia la organización de susu trabajos en mayores y menores escalas, impartiendo así la fuerte
sensación de que cada pieza tenía un tono central definitivo o llave.
Este fue también una época dorada para la composición coral, en un fluir sin fin de la capela (sin
acompañamiento), misas, motetos, himnos, salmos y madrigales que florecieron desde los lápices de los
maestros de la época. En adición, la música instrumental nació como una sóla por primera vez, especialemte
la música de teclado en formas de fantasías, variaciones y bailes movidos. Los compositores de notación
particular incluyen a Dowland, Tallis, Byrd, Gibbons, Frescobaldi, Palestrina, Victoria, Lassus, Lobo,
Cardoso and Gesualdo.
• Barroco (1600 − 1750)
Durante el período Barroco, los logros obtenidos duraron 300 años después de expresión musical: la idea de la
orquesta moderna nacía, en conjunto con la Opera (incluyendo la overtura, preludios, aria, recitativo y coros),
el concierto, la sonata, etc. La delgada familia de las cuedas de violas del Renacimiento, gradualmente se
conviertieron en violines más gruesos, violas y chelos, el arpa fue inventada, e importantes avances se
hicieron en todos los grupos instrumentales.
Hasta el 1700, los viejos modos musicales se mostraban de vez en cuando al colorear ciertas lineas melódicas
o progresiones vocales, pero desde el principio del siglo XVIII la moderna armónica basada en escalas altas y
bajas se usaba en toda Europa. La música coral ya no dominaba, y a medida que los compositores cada vez
escribían más trabajos instrumentales idiomáticos para semblanzas de creciente color y variedad, la llamada
música clásica (en oposición con popular) gradualmente se hizo camino en la sociedad, siendo tocada al aire
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libre, en fiestas y funciones especiales, o como espectáculos en formas de ópera. En un nivel puramente
doméstico, todas las damas de buen estatus tendrían a instrumento para tocar, y a las horas de comida las
grandes y ricas mansiones contrataban músicos para tocar los que popularmente se llamaba tafelmusik (o
música de mesa) en Alemania, entre los cuales Telemann fue quizás el compositor más famoso.
De los muchos compositores del siglo XVII que pasaron por esta explosión de la música docta, los siguientes
fueron increíbles: Monteverdi, Corelli, Alessandro Scarlatti, Schutz, Buxtehude, Purcell y Lully. Aún, los
compositores más populares de este período, aquellos que parecen definir por sus mismos nombres el
verdadero sonido de la música barroca en su mayor colorido y sofisticación son: Johann Sebastian Bach,
Handel, Telemann, Rameau, François Couperin, Domenico Scarlatti, y Vivaldi, todos ellos estubieron en su
máxima expresión creativa durante la primera mitad del siglo XVIII.
• Clásico (1750 − 1830)
La era Barroca, fue testigo de la creación de un número de géneros musicales que mantendrían una pauta en la
composición en años aún por venir, es más, fue el período clásico quien vió la introdución de una forma
musical que ha dominado la composición instrumental hasta la actualidad: la sonata. Con ella vino el
desarrollo del concierto moderno, de la sinfonía, del trio y cuarteto a un nuevo nivel de estructuración y
refinamiento expresivo. Si la música del Barroco es notable for su estructura intrínse, entonces el período
Clásico se caracteriza por una casi obsesión por la claridad estructural.
La semillas de la era Clásica fueron plantadas por un npumero de compositores cuyos nombres ahora están
largamente olvidados como Schobert y Honnauer (ambos alemanes que trabajaron en París), como también
por nombres históricamente más respetados, incluyendo Gluck, Boccherini y los últimos tres hijos de Johann
Sebastian Bach: Carl Phillip Emmanuel, Wilhelm Friedmann y Johann Christian (el llamado 'Londres' Bach).
Ellos fueron representantes de un período que es variadamente describido como rococó, implicando un
alejamiento gradual del artificio del Alto Barroco, el más tarde estilo novelezco basado en simetría y
sensibilidad, que vino a dominar la música en la segunda mitad del siglo XVIII mediante dos compositores de
significancia extraordinaria: Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart.
• Primer Romántico (1830 − 1860)
A medida que la época clásica llegaba a su total desarrollo, se veía crecientemente claro (especialmente con
los últimos trabajos de Beethoven y Schubert) que la cantidad y la intensidad de los compositores
expresionistas que buscaban alcanzar ir más allá de lo clásicamente designado orquesta/piano, podrían
posiblemente lograr. El siguiente período en la historia de la música entonces, encontró compositores tratando
de balancear la expresividad y la formalidad de la música con una serie de aproximaciones que pudieron dejar
a los compositores de cualquier época anterior disgustados. A medida que el mapa musical se habría, con
escuelas nacionalistas comenzando a surgir, fue la búsqueda por originalidad e individulidad de expresión que
comenzó aquí, y que luego sería una obsesión sobre−manejada en el siglo XX.
La era Romántica fue la edad dorada para el virtuoso, dónde la más dificultosa música sería performada con
una facilidad increíble, y el tema más innocuo en composición sería desarrollado en gran escala para el
disfrute de la aduladora audiencia. El rango emocional de la música durante este período fue aumentado,
como lo fue su vocabulario armónico y el rango y número de instrumentos que eran considerandos para ser
tocados. La música comunmente cuenta con un programa adjunto a ella, algunas veces de una naturaleza
desvanecedora o trágica, ocasionalmente representando tal fenómeno natural como rios o caballos al galope.
Los siguientes cien años encontrarían compositores acuñando con todo su corazón los ideales del
romanticismo, o en alguna forma reaccionando en contra de ellos.
De los compositores del Romántico Temprano, dos nacionalistas merecen una mención especial, el ruso
Glinka y el bohemio Smetana. De todas formas, los seis líderes de esta época fueron: Berlioz, Chopin,
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Mendelssohn, Schumann, Liszt y Verdi.
• Segundo Romántico (c.1860 − c.1920)
Con las excepciones honorables de Brahms y Bruckner, los compositores de este período compartían la
tendencia general hacia dejar su inspiración fluir naturalmente, libremente, a menudo marcando sus
composiciones más en términos de contenido emocional y continuidad dramática que el crecimiento orgánico
estructural. Esta fue una era alumbrada por la extraordinaria aparición rápidamente de las escuelas
nacionalistas, y la supremacía operaria de Verdi y Wagner. El eventual término del Romanticismo vino con la
fragmentación del estilo básico, los compositores pertenecientes a escuelas de composición, cada una de ellas
con estilos que estuvieron de moda sólo por un corto período de tiempo.
Es un período muy rico en nombres famosos de compositores, por ésto hemos decidido nombrar sólo los que
nos conciernen a nosotras: los rusos.
Rusia
De todos los países que lograron reconocimiento internacional de composición durante el siglo XIX, ninguno
se hacerca a la extrordinaria aparición de talentos como Rusia en la segunda mitad del siglo. Desde 1860 en
adelante una rama de atractivos e inspiradoras composiciones fluyeron de los lápices de la escuela de San
Petersburgo que incluía nombres como Alexander Borodin (1833−1887), Mily Balakirev (1837−1910)
compositor de Islamey y lider del grupo conocido como 'Los Cinco', Nikolay Rimsky−Korsakov (1844−1908)
el compositor de Sheherazade, y Modest Mussorgsky (1839−1881) famoso por Cuadros en una exhibición y
Noche en Monte Calvo.
Pre−eminente, fue el moscovita Peter Tchaikovsky (1840−1893), posiblemente el más popular de los
compositores románticos y responsable por tan amadas obras de arte como los balets El Lago de los Cisnes,
Cascanueces y La Bella Durmiente, también como por sus overturas de 1812 y de Romeo y Julieta. La
tradición de San Petersburgo fue luego principalmente sostenida por Alexander Glazunov (1865−1936),
siguiendo la herencia de Tchaikovsky: Alexander Scriabin (1872−1915) en sus primeros años, y en
particularel último de los grandes románticos, Sergey Rachmaninov (1873−1943).
• Los Años de la Post Guerra (1920 hasta el presente)
El período desde la Primera Guerra Mundial es sin dudas en más alocado de todos, a medida que los
compositores se separaron en varias y aparentemente contradictorias direcciones opuestas. Típico del dilema
de los años entre las guerras, por ejmeplo, son los austríacos, Webern y Lehar, el primero estaba
experimentando con grandes compresiones y formas avanzadas llamadas estructura en serie, mientras
simultáneamente Lehar estaba aún trabajadno en un estilo de pequeña ópereta que no parecía fuera de lugar
medio siglo después.
Tan diversoso son los estilos adoptados a lo largo del siglo XX que sólo por experimentación los escuchas
podemos descubrir por nosotros mismos si ciertos compositores son a nuestro gusto particular o no.
MÚSICA DOCTA RUSA
Introducción
Ya que los instrumentos musicales estaba prohíbidos en los servicios religiosos Ortodoxos, la música rusa y
consequentemente la opera estubieron retrasadas en su desarrollo como formas de arte hasta tiempos más
recientes. Típicamente, los coros rusos cantaban sin acompañamiento excepto por el ocasional sonido de un
tambor. La música vocal secular no se desarrolló hasta los 1800s. Desde entonces las operas rusas, las
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sinfonías, las composiciones instrumentales, y canciones artísticas en general, han florecido. La mayoría se
basa en patrones melódicos y rítmicos de la música folklórica rusa y temas nacionalistas. Los últimos fueron
particularmente demarcados durante el período Soviético.
El instrumento folklórico más ancestral era un tipo de zítara, el gusli. Otros instrumentos de cuerda
tradicionales son: la domra, gudok, y la balaika. Este último, triagular, con tres cuerdas , con un corto cuello y
muy popular durante los 1800s en los salones de ciudad como en el campo. Los instrumentos de viento
incluían la dudka y el suirel (ambos como flauta).
La música rusa maduró en 1836 con Una Vida para el Czar de Mikhail Glinka, luego llamada 'Ivan Susanin'.
Glinka tambien produjo un cuento de hadas musical basado en el poema de Pushkin 'Ruslan and Lyudmila'
(1842), pero las operas de Glinka's contienen muchos ejemplos de estilo italiano.
La escuela rusa nacionalista fue fundada por Modest Musorgski con la producción de la ópera 'Boris
Godunov' (1869). Musorgski era uno del grupo que luego los críticos llamaron Los Cinco . Este grupo incluía
a: Mili Balakirev, Nikolai Rimski−Korsakov, Aleksandr Borodin, y Cesar Cui. Balakirev se destacó por su
música clásica de influencia floklórica. Rimski−Korsakov desarrolló el orientalismo a su perfección con sus
óperas de cuentos de adas y en la brillante suite sinfónica 'Sheherazade'. Borodin siguió los mismos pasos en
su ópera 'Principe Igor'. Cui compuso formas perqueñas.
No es miembro de Los Cinco, pero el compositor ruso más famaso es Peter Ilich Tchaikovsky, quien hizo la
bien conocida Overtura de 1812, y muchos otros trabajos, incluyendo sinfonías, poemas simfónicos, operas,
balets, conciertos, y piezas para piano. Indiscutiblemente ruso, con influencia Tchaikovscoviana, es el
liricismo melancólico perpetuado por en la música de Sergei Rachmaninoff, el último de los compositores
romásnticos rusos.
Compositores famosos rusos del siglo XX son: Igor Stravinsky, Sergei Prokofiev, Nikolai Miaskovsky,
Nikolai Medtner, Aleksandr Scriabin y Dimitri Shostakovich. Stravinsky, empero, vivió en Francia y en los
Estados Unidos en la mayor parte de su vida creativa. Prokofiev dejó Rusia en 1918 después de conducir su
primera actuación en su ya conocido Sinfonía Clásica. No volvió ha quedarse en Rusia hasta 1932.
Shostakovich compuso 15 sinfonías y dos óperas, alguna de las cuales recibieron una fuerte crítica por no
seguir la linea del realismo socialista.
La Escuela Rusa
• Primer periodo
Después de Pedro el Grande, todo el arte erúdito, oficial, estaba confiado a los extranjeros, italianos, alemanes
y algunas veces franceses.
Esta xenofilia no concernía solamente a la música, sino también a las demás artes y al conjunto de la vida
cultural del país, ya que, en la época romántica, Alexandr Pushkin, el máximo poeta ruso, confesará: La
lengua de Europa (es decir el francés) me es más familiar que la nuestra.
El arte popular o de inspiración popular no tenía derecho de ciudadanía: es cierto que los señores disponían de
capillas reclutadas entre sus siervos, que ejecutaban admirablemente los canto populares, pero se trataba de
amores culpables: gustaban estos coros lo mismo que gustaba la música cíngara, como una diversión de poca
categoría que no había que tomar en serio. Glinka debió de darse cuenta de ello cuando, después de haber
hecho interpretar su primera ópera, Iván Susanín, en 1836, supo que se le reprochaba que los cocheros no
cantaban otra cosa en la calle.......
Ciertamente, las guerras de Napoleón habían provocado un despertar del patriotismo, obligando a los rusos a
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volverse hacia el patrimonio nacional, y conduciendo a los propios extranjeros a utilizar temas folklóricos en
sus composiciones; pero, según la expresión de un crítico de la época, se apresuraban a mojar sus temas en
una salsa a la moda italiana. Ya que todavía no se le había ocurrido a nadie proclamar, como la hará más tarde
Glinka: Somos autores de arreglos al servicio del pueblo, y la música rusa, en estas condiciones, tuvo muchas
dificultades para sus títulos de nobleza.
Glinka es considerado generalmente como el padre de la música rusa.
En efecto, Glinka, con su Iván Susanin e incluso con Ruslán y Ludmila, sólo encontró verdaderos partidarios
en algunos jóvenes y en la persona de Dargominski. Este último, por una parte, decidió también seguir el
camino nacionalista trazado por Glinka; por otra, sin haberlo deseado expresamente, se convirtió en el polo de
atracción, el confidente y el guía artístico de un grupo de audaces autodidactas compuesto por Balakirev,
Cesar cui, Borodín, Musorgsky y Rimski−Korsakov: el célebre grupo de los cinco.
Glinka y Dargomijski han dominado el primer período de la escuela rusa, esencialmente colocada bajo el
signo de una fórmula grata a Glinka: Con los mismos lazos legítimos del matrimonio, quisiera poder unir el
canto popular ruso con la vieja fuga de Occidente. El segundo período será el del grupo de los Cinco y de
Tchaikovsky.
• Segundo Período
Los jóvenes rusos de 1860 se encuentran entre diversos fuegos. Por una parte existe el eterno conflicto, entre
los eslavófilos y los occidentalista.
Unos están ligados al genio ruso, a la cultura autóctona; desconfían de las importaciones occidentales, que no
responden a los aspectos del alma eslava, y juzgan que el patrimonio nacional, en todos los campos, es lo
suficientemente rico para bastarse a sí mismo.
Los occidentales, apelan al deseo de civilización universal, a las tradiciones de Pedro el Grande y a su ventana
abierta sobre Europa, y pretenden considerar a Rusia como un país de Europa occidental. Este conflicto
aparecerá también en la música rusa.
Otra fuente de conflictos es la inquietud moral, social y política que reina en los senos de la joven generación.
La Revolución francesa primero, la revuelta de los decabristas seguidamente han producido sus frutos: reina
un espíritu liberal cada vez más intenso que terminará, el 19 de febrero de 1861, la abolición de la
servidumbre. Muchos pequeños propietarios se arruinan de la noche a la mañana; se abre un abismo entre los
absolutistas y los liberales, que contribuye a incrementar las inquietudes de la juventud; algunos (como
Dostoievski y Musorgski) prevén ya cierto trastornos singularmente profundos.
Finalmente, una pregunta maldita atormenta al ruso de 1860: la de la utilidad práctica y social de su propia
existencia; no se trata de vivir para los placeres de la vida, sino de servir, a fin de no encontrarse entre la
categoría de los hombres en número excesivo, de los Oblómov. El hombre es un animal sociable, y no podría
ser otra cosa declara Musorgski: debe, pues, tratar de vivir en sociedad, de hacer de la sociedad el sólo objeto
constante de todas sus preocupaciones. Salir de su concha y perfeccionarse para la mayor gloria de la suma
humana, tal es el objetivo de una juventud que, antes de haber leído a Tolstói, se apasiona por Proudhon y por
una novela filantrópica de Chernisheveski: ¿Qué Hacer?...
En resumen, idealistas y materialistas populistas se oponen, y este otro conflicto se reflejará en la literatura, en
el arte, en la música...
Situación Musical
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No era brillante, si juzgamos por el testimonio de Antón Rubinstein, músico cortesano y no sospechosos de
parcialidad: La ópera rusa tenía entonces, y tuvo todavía durante bastante tiempo, muy mala prensa. Yo
escribí mis óperas en italiano y en alemán precisamente porque el teatro ruso era refractario a la ópera y
porque la elite de la sociedad no tenía ninguna cultura musical. Había muchos aficionados cuyos juicios sobre
la música eran totalmente estrechos y falsos. No se pedía a las artes, y particularmente a la música, más que
cosas capaces de adular el gusto por la trivialidad. Las melodías de las obras que estaban de moda, de Piccini,
Rossini, Bellini y Tutti quanti, pasaban por modelos incomparables de gracia, de belleza, de profundidad. Se
era incapaz de comprender otras bellezas que las melodías simples y fáciles de esas obras. No quería
reconocer a la música una misión seria...
No había conservatorio en Rusia, por falta de clientela: a los nobles les repugnaba transformarse en
historiadores, y, en cuanto a los demás... nadie se preocupaba de ellos. Aparte de que, para adquirir un mínimo
de conocimientos teóricos, había que ir a estudiar a Europa, como Glinka. Por la fuerza de las cosas, los
jóvenes rusos a los que atraía la composición tenían que ser autodidactas, y éste fue el caso de Dargomijski, el
primero de los grandes empíricos rusos, precursor de tantos otros, empezando por los miembros del grupo de
los Cinco.
Dos Clanes Rivales
Por una coincidencia singular, durante el mismo año 1862 fueron fundados el grupo de los Cinco y el primer
conservatorio ruso, el de San Petersburgo, dirigido por Antón Rubinstein.
Desde el principio, la enseñanza que se practicaba en este conservatorio provocó una autentica revuelta por
parte de los nacionalista eslavofilos. De todos modos, no dejaban de tener razón. Ciertamente era difícil
recomendar otros manuales que los tratados de Marx o de Bellermann, pero la enseñanza, en sí, podía tener en
cuenta la existencia de una escuela rusa. Ahora bien, la composición estaba confiada a Zaremba, un alemán
rusificado pero que seguía siendo alemán de pies a cabeza, una especie de predicador capaz de inflamar a sus
alumnos, pero muy mediocre como pedagogo. Además, para Zaremba, la historia de la música terminaba con
Mendelsshon: Schumann ya no existía, y en cuanto a Glinka y a los demás rusos, no eran otra cosa que
salvajes. Al hacerse campeón de esta escuela, Antón Rubinstein fundó toda una red de conservatorios,
empezando por el de Moscú, cuya dirección confió a su hermano Nikolái, gran pianista. Tchaikoski fue uno
de los primeros productos del conservatorio de San Petesburgo, antes de convertirse en profesor del de Moscú.
Frente a estos académicos se erigía el grupo dinámico de los autodidactas, conducidos por Balakirev y por
Vladimir Stásov. Éste había tenido la idea de bautizarlo como El poderoso grupito; los del Conservatorio
trataban desdeñosamente de vocingleros a sus miembros.
• Tercer Periodo
Precediendo la aparición de Stravinski y Prokófiev, este periodo debe ser considerado como una síntesis.
Los Cinco y Tchaicovsky acaban de imponer la existencia de una joven escuela musical rusa. Terminada la
época de las batallas espectaculares, con todo lo que pudo haber comportado de excesivo por parte de los
Balakirev, los Musorgski, los Stásov, exhaustivos íntegros e integrales, románticos en la vida más todavía que
en su música. El fanatismo no tiene ya salida, pues, antes de embarcarse en nuevas corrientes las mismas que
serán descubiertas por Stravinski. Prokófiev−, conviene hacer una pausa y consolidar las posiciones
adquiridas. Todo un grupo de jóvenes se esforzará en demostrar que la música rusa puede existir como música
simplemente. No se trata ya de los autodidactas apasionados, sino de profesionales serios formados en el
conservatorio de San Petersburgo o de Moscú, sirviendo la amistad de Rimski−Korsakov y de Tchaivkosky
como lazo de unión entre las dos escuelas.
Cada una de ellas conserva su personalidad. Los moscovitas, alumnos de Tchaivskosky y de Serguei Taneiev,
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son más occidentales en sus gustos, y, lo quieran o no, sufren la influencia del romanticismo retrasado de sus
maestros. Los petersburgeses, formados bajo la dirección de Rimski− Korsakov y de Liádoy, conservan un
fondo nacionalista y folclórico, aman lo fantástico en música. Dos músicos representan perfectamente y
encarnan estas dos escuelas: del lado petersburgués, Alexandr Glazunov, que condujo la empresa de los Cinco
al culto del clasicismo; frente a él, Alexandr Scriabin, que, después de haber admirado a Chopin, descubre los
poemas sinfónicos de tendencias filosófica de Richard Strauss y quiere sublimar sus partituras hasta el punto
de hacerles expresar un mensaje teosófico.
Estos dos, el prudente y el innovador, aparecen como los campeones de una escuela donde− bastante
arbitrariamente, como siempre que se produce a una clasificación− podrían reunirse, por una parte, Liádov,
Grecháninov, Nikolái Cherepnín, Soloviev; y por la otra parte (del lado moscovita), Tanéiev, Arenski,
Rachmáninov, Medtner, Kalínnikov, Liápunov, los Conus, Vasilenko...
Nacionalistas Rusos
En rusia, la música nacionalista comenzó con Mikhail Glinka, quien es recordado por la opera 'Una Vida Para
el Czar'. Glinka y Aleksandr Dargomyzhski inspiraron a un grupo de compositores a juntarse y más tarde ser
conocidos como Los Cinco para crear música basada en la cultura rusa. La ópera de Dargomyzhski El
Convidado de Piedra fue como una biblia para la nueva escuela.
De los cinco compositores, Cesar Cui y Mili Balakirevlos únicos músicos profesionales del gruposon poco
conocidos hoy. Un tercero, Aleksandr Borodin, es recordado fugazmente por su poema orquestal En las
Estepas de Asia Central y por Bailes Polovtsian de su ópera 'Principe Igor'.
El cuarto compositor, quien fue el que más se hacercó a crear una verdera música de origen ruso, fue Modest
Musorgski. Ritmos floklóricos y escalas inusuales de música de la iglesia ortodoxa rusa caracterizan sus
piezas. Sus trabajos incluyen una pieza para orquesta titulada Noche en Monte Calvo, y Cuadros en una
Exhibición, un set de dos piezas de piano que fueron más tarde arregladas para orquesta por el compositor
impresionista francés Maurice Ravel.
El quinto miembro del grupo, Nikolai Rimski−Korsakov, escribió composiciones dramáticas de fuerza rítmica
y color orquestral vívido. El es recordado por su ópera El Gallo De Oro y su suite orquestal Scheherazade. En
su poderosa overtura Gran Pascua Rusa el uso temas de la iglesia rusa.
Peter Ilich Tchaikovsky fue otro de los compositores rusos que usaban una brillante tono y color. Su sexta
sinfonía (Pathetique) es muy conocida, y realizó, también la música de tres famosos balets: El Cascanueces,
La Bella Durmiente y El Lago de los Cisnes. La overtura de 1812, la Marcha Slava, Y Capricho Italiano han
sido programadas tan a menudo que se consideran Caballos de Guerra
COMPOSITORES NACIONALISTAS RUSOS
• Glinka, Mikhail Ivanovich (1804 − 1857)
Glinka es comunmente recordado como el fundador de la música nacionalista rusa. Sus influencias en
Balakirev, quien se autodenominó lider del grupo de cinco compositores nacionalistas, fueron considerables.
De niño tomó lecciones de piano de un pianista irlandés, John Field, pero en aquel entonces su relación con la
música se mantubo puramente a nivel amateur, hasta su visita a Italia y en 1833 a Berlin, las cuales
permitieron que concentrara sus estudios y consecuentemente un grado mayor de seguridad en sus
composiciones, las cuales ganaron una real atención en su país como en en extranjero.
Sus operas rusas ofrecían una síntesis de la manera de operar del occidente pero con melodía rusa, mientras
que su música orquestal, con una instrumentación excelente, ofrecía una combinación de lo tradicional y lo
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exótico. Glinka murió en Berlin en 1857.
Operas
Su primera opera Una Vida para el Tzar fue muy bien recibida en su debut en 1836. Su segunda opera
completa Ruslan y Lyudmila con un libreto de Pushkin, porvó menor acceptación en su debut en San
Petersburgo en 1842. La overturas para estas operas fueron extraordinarias.
Música Orquestal
Viajar fuera de su país inspiró su influencia española de la Jota Aragonesa, un Capricho Brillante también
conocida como La Primera Overtura Española. La segunda serie se expandió desde Recuerdos de Castilla
hasta Souvenir d'une nuit d'été à Madrid (Memorias de una Noche de Verano en Madrid). Kamarinskaya
escrita en Varsovia, usa material temático slavo.
• Dargomyzhski, Alexandr (1813 − 1969)
Muy ligado a los principios de su predecesor, Dargomyzhski se distinguió de él por sus gustps en materia de
música extranjera. Glinka prefería loa alemanes y los italianos y sus dioses eran Beethoven y Bellini;
Dargomyzhski se inclinaba gustosamente hacia los franceses , hiacoa Auber, Halévy e incluso Adolphe
Adam, por lo menos en sus comienzos. Después de emprender la composición de una gran opera, Esmeralda,
según Nuestra Señora de París, apareció grandilocuente Triunfo de Baco; después aparece de pronto una obra
maestra lírica Rusalka (1853), de Pushkin; y finalmente el notable Convidado de Piedra, su ópera póstuma
terminada por Rimsky−Korsakov, en la que se encuantran numerosísimas páginas que se anticipan a Boris
Gudonov.
Por lo demás, Mosorgski consideraba a Dargomyzhski como el verdadero padre del realismo en música:
quiero la verdad; quiero que el sonido exprese directamente la palabra, preconizaba Dargomyzhski. Ha
aplicado este principio en melodías realistas como La Lombriz, El Viejo Cabo, El Consejero Titular, cuya
influencia sobre las de Musorgski fue inmenza (quizás inclusolas han suscitado); y en Rusalka y sobre todo en
El Convidado de Piedra.
Glinka componía su música antes que las palabras, obligando al libretista a plegarse a sus ritmos verbales. En
cambio, Dargomyzski es Rusalka y En El Convidado de Piedra, no ha cambiado ni una coma del texto de
Pushkin. De este modo, paralelamente a los de Glinka, a trazado un tercer camino a la música rusa: el de la
melodía motivada por el significado. En los rusos, ha inspirado El Casamiento, Boris Godunov y Jovanchina
de Musorgski, Mozart y Salieri de Rimsky Korsakov, Mavra de Stravinsky, todas las operas de Prokoviev,
desde El Jugador hasta La Historia de un Hombre Auténtico, Katherina Izmailova de Shostakoviv. En el
extranjero, se encuentran prolongaciones en la obra de Debussy, Ravel y en la mayor parte de los músicos de
la nueva escuela (romántica).
EL GRUPO LOS CINCO
• Cui, César (1835 − 1918)
César Cui, miembro del grupo nacionalista ruso de compositores los Cinco, hijo de un oficial francés que se
quedó en Rusia después de la retirada de Napoleón en 1812. En común con otros compositores de su
generación e historia, tenía una carrera a parte de la música, en su caso era profesor de la Academia de
Ingeniería Militar, experto en fortificaciones. Esto no lo detubo en sus ambisiosas actividades como
compositor y una importante carrera como crítico, generalmente muy duro e intolerable en sus judgamentos.
Se le conoce por sus piezas para piano cortas y coloridas.
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Operas
Su primera opera Un Prisionero en el Caucaso, con un libreto basado en Pushkin. Particularmente
saltisfactoria para sus amigos y seguidores fue la opera William Ratciff, basada en una obra de Heine. Otras
operas siguieron, con mucho éxito, seguidas por cuatro operas para niños.
Música Orquestal
En sus cuatro suites orquestales, Cui demuestra sus habilidades en el manejo de pequeñas y lindas piezas, en
contraste con acusaciones en la época de no tener habilidades en la orquestación. La Suite No. 4 ofrece
areglos orquestales para piezas de piano escritas originalemnte por su patrona Belga, la Condesa de
Mercy−Argenteau. La Suite para violín y orquesta hace una inusual adición al repertorio del violín solista.
Música de Cámara
Su música de cámara incluye varias piezas cortas para violín y piano, o chelo y piano, notablemente dos sets
de Miniaturas par violín y piano, como también quartetos de tres cuerdas. En su música de piano, Cui muestra
nuevamente sus cualidades como miniaturista, exhibiendo una gran cantidad de piezas cortas muy atractivas.
Música Coral y Vocal
Cui dice que el estaba predispuesto, en general, en sus operas, evitar temas de caracter ruso, ya que él era de
hecho mitad francés y mitad lituano. Sus canciones, por supuesto, si tratan temas rusos e incluyen reseñas de
Pushkin, Nekrasov y A.K. Tolstoy, mientras que en su música coral está en general en una escala más
mabisiosa.
• Balakirev, Mily Alexeyevich (1837 − 1910)
Balakirev fue el lider del grupo Los Cinco, un grupo de compositores nacionalistas rusos durante la segunda
mitad del siglo XIX, que incluye a César Cui, Mussorgsky, Borodin y Rimsky−Korsakov.
Su propio éxito como compositor fue eminente, largamente debido a sus exentricidades de caracter y su
tendencia a hacer enemigos por su puro entusiamo devastador e intolerancia de otras ideas. Él estaba
particularmente opuesto a lo establecido en conservatorios de música en Rusia por los hermanos Rubinstein y
fue acusado por ésto mismo de ser un amateur.
Música de Piano
El trabajo más conocido de Balakiev hoy es su fantasía oriental Islamey
• Borodin, Alexander Porfir'yevich (1833 − 1887)
Los Cinco, tan renombrados por los críticos rusos y el escritor Vladimir Stasov, fueron los principales
compositores nacionalistas del siglo XIX en Rusia, siguiendo el ejemplo de Glinka, su precursor. Borodin,
como otros colegas músicos, tambipen tubo otra profesión aparte de la música, ganado distinción como
profesor de química. Su trabajo fue limitado a la cantidad de atención que pudo dedicarle a la composición y a
la hora de su muerte dejó un número de composiciones sin terminar, que luego fueron terminadas por su
amigo Rimsky−Korsakov y otros.
Operas
La opera más famosa de Borodin Principe Igor fue terminada por Rimsky−Korsakov y Glazunov. Incluye las
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famosas danzas corales Las Danzas Polovtsianas con las cuales el Príncipe cautivo es entretenido por Khan
Konchak.
Música Orquestal
El mejorejemplo de la música orquestal de Borodin es En Las Estepas de Asia Central, una vívida evocación
de una región exótica. La segunda de sus tres sinfonías, la última sin terminar, lo ocupó intermitentemente por
siete años, y es un trabajo muy atractivo y muy ruso. Las tres forman una importante adición al repertorio
sinfónico nacionalista.
• Mussorgsky, Modest Petrovich (1839 − 1881)
Mussorgsky fue otro compositor nacionalista ruso miembro del grupo Los Cinco, toscamente agrupado bajo la
influencia del poco fiable Balakirev. Inicialmente un oficial de la armada, intermitentemente, un servidor
civil, Mussorgsky dejó mucho sin terminar a la hora de morir en 1881, de todas maneras su influencia en
compositores como Janácek fue considerable. Rimsky−Korsakov, un músico que había adquirdo una técnica
convencional de orquestación y composición, revisó y completó un número de los trabajos de Mussorgsky,
versiones que no parecen inferiores a las originales e innovadoras composiciones que Mussorgsky concivió.
Operas
La más grande de las creaciones de Mussorgsky's fue la opera Boris Godunov, basada en Pushkin y
Karamazin, con un tema histórico ruso. El completo la primera versión en 1869 y la segunda en los 1870, pero
la versión de Rimsky−Korsakov fue la que fue performada fuera de Rusia. Otras operas de Mussorgsky
incluyen: Khovanshchina, completada y orquestada por Rimsky−Korsakov. Una versión más nueva de
Shostakovich restaura la mayor parte del texto original. La opera Hada Sorochintsy, después Gogol, terminada
por Lyadov y otros, incluyen la recordada orquestación Noche en Monte Calvo.
Música Orquestal
La suite de Mussorgsky de 1874 Cuadros en una Exhibición, un tributo a la versatilidad del artista Hartman,
ha demostrado ser la más popular de los trabajos de todos los compositores, ya sea en sus versiones originales
para piano y coloridas versiones orquestales, de las cuales la versión de Maurice Ravel ha sido la más
aceptada por la audiencia. Mussorgsky representa en la música una colección variada de interpretaciones de
arte, desde el Mercado de Limones y las Catacumbas hasta la final Gran Perta de Kiev, un monumento en la
traducción a música de un diseño arquitectónico para un arco triunfal.
Música Vocal
Mussorgsky escribió un número de trabajos y canciones, mucho de las últimas de interés considerable,
incluyendo el grupo La Enfermería. la Canción de la Mosca, basada en un trabajo de Goethe, es una favorita.
• Rimsky−Korsakov, Nikolay Andreyevich (1844 − 1908)
Nació el 18 de marzo de 1844, en Tkhvin, al este San Peterburgo. En 1856 entró la academia naval en San
Peterburgo, siguiendo la tradición de su familia, y se graduó de ella en 1862. Tomó lecciones de piano y se
hizo amigo de Mili Balakirev, quien lo convenció de estudiar música y componer. Durante un viaje de tres
años, Rimski−Korsakov compuso la mayor parte de su Primera Sinfonía, la cual fue tocada a su regreso en
1865, cuando él tenía sólo 21 años. La pieza fue bien recibida como la primera gran sinfonía de un compositor
ruso. En 1871 fue nombrado profesor de composición y orquestación en el Conservatorio de San Petersburgo,
aunque él no se consideraba calificado para aquel trabajo, por lo que no abandonó su carrera naval hasta 1873.
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Uno de los cinco, el grupo líder de los compositores rusos del siglo XIX. El fue un maestro orquestador y se
dedicó a editar y suavisar algunas de las aparentes asperezas de los trabajos de sus amigos compositores,
completando y revisando trabajos como la opera Príncipe Igor de Borodin y la mayoría de la supuesta
escritura no pareja de Mussorsky.
Fue respetado como profesor, sus pupilos incluyeron, entre otros al joven Igor Stravinsky. Generalmente es
conocido por sus composiciones orquestales, Rimsky−Korsakov escribió canciones y música coral, música de
cámara y trabajos para piano. Su libro de orquestaciones a sido muy, y no siempre bien, utilizado. También
trabajó como conductor.
Operas
De las quince operas de este autor, debemos mencionar La Soltera Nieves La Criada de Pskov (1868−72),
'Noche de Mayo' (1880), 'Sadko' (1898), y El Gallo Dorado (1909).
Orquestal
Sus piezas más famosas son: 'Overtura en Temas Rusos' (1866), 'Capriccio espagnol' (1887), 'Scheherazade'
(1888), y 'Czar Saltan' (1903), que incluye la muy nombrada 'Vuelo de la Abeja'.
Otros
'Canción de India', de 'Sadko', se convirtió en música bailable popular en Rusia. El también escribió música de
cámara, vocal y para piano.
OTROS NACIONALISTAS
• Tchaikovsky, Pyotr Il'yich (1840 − 1893)
Tchaikovsky nació el 7 de mayo de 1840, en Votkinsk en las Montañas Urales. Empezó a tomar lecciones de
piano a los siete años. Cuando la familia se trasladó a San Petersburgo en 1850, el joven Tchaikovsky se
inscribió en la Escuela de Leyes. En 1859 se graduó y se conviertió en un clérigo en el Ministerio de Justicia.
Tchaikovsky fue uno de los primeros estudiantes del conservatorio de San Petersburgo establecido por Anton
Rubinstein, una vez completados sus estudios allí se conviertió en uno de los profesores en una institución
similar establecida en Moscú por el hermano de Anton Rubinstein, Nikolay. Un hombre tímido, expresaba sus
emociones en la música. El pudo retirarse como profesor cuando una millonaria viuda, Nadezhda von Meck,
le ofreció ayuda finaciera la cual continuó por la mayor parte de su vida, aunque, en acuerdo con las
condiciones originales de la pensión, ellos nunca se conocieron. Tchaikovsky era un hombre de defidencia
neurótica, su inseguridad se acrecentó con su homosexualidad. Ahora se sugiere que un escándalo causó que
él tomara su propia vida en tiempos en que se encontraba en la cúspide de sus poderes como compositor. Su
música es enteramente rusa en caracter, pero, aunque fue influenciador de Balakirev y sus ideales llegó a Los
Cinco, perteneció a una escuela algo más internacional de composición apoyado por los conservatorios que el
mismo Balakirev criticó tanto. Tchaikovsky murió el 6 de Noviembre de 1893.
Operas
Dos, más que otras, de la operas de Tchaikovsky se han mantenido a nivel de reportorio internacional: Eugene
Onegin, basada en un trabajo de Pushkin, fue escrita en 1877, el año en que el compositor trató
(desastrosamente) casarse. El volvió a Pushkin en 1890 con su poderosa opera La reina de Espadas.
Balets
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Tchaikovsky, un maestro en las formas de miniaturas necesarias para el balet, triunfó en subir la calidad de
música dada por un arte que se había desarrollado técnicamente en el siglo XIX en rusia bajo la supervisión de
un coreográfo francés llamado Marius Petipa. El primero de los balets de Tchaikovsky El lago de los Cisnes,
fue completado en 1876, seguido en 1889 por La Bella Durmiente. Y su último balet, basado en la historia de
Hoffmann, fue el El Cascanuecesr, por primera vez presentada en San Petersburgo en Diciembre de1892.
Música Orquestal
Sinfonías
Tchaikovsky escribió seis sinfonías. La primera, conocida como Sueños de Invierno, fue terminada en su
primera versión en 1866 pero luego revisada. La segunda, llamada Pequeño Ruso fue compuesta en 1872 pero
revisada ocho años después. De la otras sinfonías, la quinta, con su tema motor y su movimiento de vals en el
lugar de un scherzo fue escrita en 1888, mientras que la última sinfonía completada, conocida como
"Pathétique", fue por primera vez performada bajo la dirección de Tchaikovsky's poco antes de su muerte en
1893.
Overturas de Fantasía y Otros
Su primera Overtura de Fantasía basado en Shakespeare Romeo y Julieta, fue escrita en 1869 y luego revisada
dos veces. Bunya es una fantasía sinfónica inspirada en La Tempestad y la última de las overturas
Shakespeareanas, Hamlet, fue escrita en 1888. Francesca da Rimini translada a términos musicales el amor
ilícito de Francesca y Paolo, como sale en la obra de Dante Infierno y Manfred, escrita en 1885. La Voyevoda
es descrita como la balada sinfónica y se basa en un poema de Mickiewicz. Otras, composiciones orquestales
de menor escala incluyen Serenada para cuerdas, la italiana popular Capricho, menos conocida, cuatro suites
orquestales. Tchaikovsky pensó poco de su Overtura de 1812, con su patriótica celebración de victoria contra
Napoleon setenta años antes, mientras que la Marcha Slava tenía un propósito patriotico corriente. Recuerdo
de Florencia, originalmente un sexteto de cuerdas, fue completada en 1892 en su versión final.
Concertos
El primero de Tchaikovsky's de los conciertos para tres pianos se ha convertido en el más popular de todos los
conciertos románticos de piano. El segundo, es menos conocido, mientras que el tercero, comenzado en 1893,
consiste de un movimiento único en Allegro de concierto. El concierto de Tchaikovsky para Violín, fue
rechazado por los líderes violinistas de rusia por ser encontrado muy dificultoso. Para chelo solista,
Tchaikovsky escribió las Variaciones Rococo y el Pezzo Crapichoso. Piezas más cortas para violín y orquesta
incluyen: Serenata Melancólica y el Valse−scherzo. Souvenir d'un lieu cher, escrita como expresión de
gratitud por la hospitalidad de Madame von Meck, era originalmente para violín y piano.
Música de Cámara
Esta música en Tchaikovsky incluye tres cuartetos para cuerdas. El lento movimiento de la primera de las tres
provó ser muy popular en su forma original como en un arreglo por el compositor para chelo y orquesta de
cuerdas. El Andante Fúnebre del trecer quarteto existe en un areglo del compositor para violín y piano.
Música de Piano
Tchaikovsky proveyó con una gran catidad de música para piano, particularmente en la forma de cortas piezas
adecuadas para un mercado amateur lucrativo. Colecciones de piezas publicadas por el compositor incluyen:
Las Estaciones, un set de doce piezas, una para cada mes, y un número de sets de piezas de distintas
dificultad.
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Vocal Music
Tchaikovsky escribió una cantidad considerable de canciones y duetos.
• Rachmaninov, Sergey (1873 − 1943)
Nació el 1 de abril de 1873, en Oneg, cerca de Semyonovo, Rusia. Su talento musical se manifestó
tempranamente, y fue enviado a Muscú a estudiar piano con Nikolai Zverev. Se graduó del conservatorio de
Moscú a la edad de 19. Muchos compositores de la primera parte del siglo XX trataron de desarrollar nuevos
idiomas musicales, pero las composiciones de Rachmaninoff, por el contrario, están firmemente basadas en
los trabajos románticos del siglo XIX, y como los trabajos de Peter Ilich Tchaikovsky, son exuberantemente
melódicos. En esta respecto Rachmaninoff representa la culminación del período ruso tradicional romántico.
Luego de estudiar en los conservatoris de San Petersburgo y Moscú, Sergey Rachmaninov se embarcó en una
carrera en rusia como compositor, pianista y conductor. Exiliado de su país luego de la Revolución Comunista
de 1917 forzó e incrementó su concentración en la ejecución, como uno de los pianistas más distinguidos de la
época, actividad que le ayudó a mantener a su familia pero le dejó menos tiempo para trabajar como
compositor. Por razones prácticas él se estableció en los Estados Unidos, mientras mantuvo una casita en
Suiza. Murió en Beverly Hills en marzo 28 de 1943.
Música Orquestal
El segundo concierto para cuatro pianos mantiene una posición inalcanzable entre los trabajos de los
románticos de este tipo, su popularidad cercanamente es rical de Rapsodia tema de Paganini, para piano y
orquesta. Mientras que las Danzas Sinfónicas de 1940 disfrutan de alguna popularidad, como también el
poema sinfónico La Roca y la Isla de la Muerte, con su recurrente motivo de la misa latina Requiem, la
segunda de sus tres numeradas sinfonías es la más familiar.
Música para Piano
El Preludio en C menor de Rachmaninov ganó temprana popularidad que largamente contrapesó sus méritos.
Otros trabajos para piano incluyen Etudes−tableaux de 1911 y 1916−17, dos sonatas, sets de Preludios y
Momentos Musicales, transcripciones, incluyendo incluyendo las dos piezas de Kreisle Liebesleid y
Liebesfreud, y las dos impresionantes variaciones del tema de Corelli, su última composición original para
piano solista, compuesta en 1931 y basada en la popular danza barroca llamada La Follia, también usada por
Corelli en sonata para violín.
• Rubinstein, Anton (1829 −1894)
No debe ser confundido con el gran pianista Artur Rubinstein, nacido en 1887, Anton Rubinstein, un
compositor más grandioso en su época y un claro rival de Liszt y otros grandes pianistas del siglo XIX, tuvo
un marcado efecto en el desarrollo de la música en rusia, estableciendo el primer sistema de entrenamiento
musical profesional en el conservatario de San Petersburg en 1862. Su hermano Nikolay puso una institución
similar en Moscú. Los conservatorios no fueron bien recibidos por los compositores nacionalistas, quienes los
vieron como una intrusión alemana, Aunque los Rubinstein eran rusos, y de extracción Alemana−Judía. Como
compositor, Anton Rubinstein fue prolífico, escribiendo, como su hermano lo sugirió, más que suficiente
música para ambos. Sus facilidades técnicas lo delataron ya que a la hora de su muerte, su trabajo no fue
apropiadamente valorado por sus partidarios de la música nacionalista rusa.
Operas
Rubinstein escribió diesiciete operas. Esta no son parte del repertorio general, pero extractos de la fantástica
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opera El Demonio y la opera Feramors pueden ser escuchadas ocacionalmente de extractos de conciertos.
Música Orquestal
Las composiciones orquestales de Rubinstein incluyen seis sinfonías, de las cuales la segunda, "Oceano", es la
más conocida. Escribió cinco conciertos para piano y otros trabajos para piano y orquesta, además de
conciertos para violín y para chelo.
Música de Cámara
Prolífico aquí también, Rubinstein escribió un número de quartetos para cuerdas, tres sonatas para violín y dos
sonatas para chelo, en adición a otros trabajos de cámara, no muy escuchados, exepto por posiblemente la
sonata para viola y piano, una útil adición a useful addition a lo de otra manera exiguo repertorio para la viola.
Música para Piano
Rubinstein, como un líder virtuoso en este instrumento, escribió una cantidad de música para piano. De todas
las sonatas, suites, serenatas y otras piezas, la Melodía en F se mantiene la más notoria en su popularidad.
• Ippolitov−Ivanov, Mikhail Mikhaylovich (1859 − 1935)
Después de entrenamiento musical en el conservatorio de Moscú, Ippolitov−Ivanov fue elegido director del
conservatorio de Tbilisi en Georgia. En 1905 volvió a Moscú a enseñar en el conservatorio, dónde trabajo
hasta su muerte en 1935. El sirvió como consuctor y continuó la tradición nacionalista impuesta por Los
Cinco, con las bases más técnicas proporcionadas por el conservatorio. Compartió con Rimsky−Korsakov y
Balakirev un interés en la relativamente exótica, an interest in the relatively exotic, realzada por su
experiencia de la vida musical en Georgia.
Música Orquestal
Trazos Caucásicos, escrito en 1894, seguida de la Rapsodia Armenia e Iveriya, son evidencia del interés de
Ippolitov−Ivanov en la música de los distintos grupos étnicos que conformaban el imperio ruso, en los cuales
ejemplos posteriores se encuentran en Las Estepas de Turkmenistan y Cuadros Musicales de Uzbekistan.
• Arensky, Anton Stepanovich (1861 − 1906)
Compositor, consuctor y pianista ruso, Arensky fue pupilo de Rimsky−Korsakov en el conservatorio de San
Petersburgo y luego enseñando en el conservatorio de Moscú, dónde sus pupilos incluyen a Rachmaninov y
Scriabin. Sus composiciones comunmente reflejan la influencia de otros compositores, más particularmente la
de Tchaikovsky. Fue director musical de la Capilla Imperial en San Petersburgo desde 1895 hasta 1901 y
luego continuó su carrera como compositor, pianista y consuctor, viajando ampliamente entre las dos últimas
facilidadesd. Murió en 1906.
Música Orquestal
Arensky escribió dos sinfonías y un concierto para violín, así como un set de variaciones para cuerdas en un
tema de Tchaikovsky, un trabajo originalmente para un quarteto de cuerdas.
Música de Cámara
La composición de Arensky más conocida para piano Trio en D Menor, el primero de dos de este tipo de
trabajos. Esta fue escrita en 1894 y muestra algo de la influencia de Mendelssohn.
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• Glazunov, Alexander Konstantinovich (1865 − 1936)
Glazunov, pupilo de Rimsky−Korsakov, recibió ánimo también de Belyayev, un patrocinador influencial y
publicador, cuyas actividades superaron y reemplazaron los tempranos esfuerzos de Balakirev para inspirar la
creación de la música nacionalista rusa. Se sumó a los profesores del conservatorio de San Petersburgo en
1899 y luego de las protestas estudiantiles y desturbios de 1905 fue elegido como director, posición que
conservó hasta 1930, aunque desde 1928 había vivido en el extranjero, mayormente en Paris, dónde murió en
1936. Su música muestra la síntesis entre los rusos y los llamados alemanes, una certeza técnica introducida
por los hermanos Rubinstein en los conservatorios de San Petersburgo y Moscú en la mitas del siglo.
Música Orquestal
En adición a sus nueve sinfonías y una variedad de otros trabajos, Glazunov escribió un Concierto para
Violín, terminado en 1904, cuando estab en su mejor momento como compositor. Las sinfonías han ganado
menor popularidad, pero en poema sinfónico de Stenka Razin, escrito en 1885, retiene su lugar en los
repertorios rusos nacionales.
Balets
Los balets de Glazunov incluyen Raymonda, por primera vez llevada al escenario en San Petersburgo en
1898,con una coreografía por Marius Petipa. Les ruses d'amour, y Las Estaciones sigieron a Raymonda en
1900. El orquestó música de Chopin para Les sylphides. El coreografo Fokin también hizo uso en Stenka
Razin para un balet del mismo nombre.
• Gliere, Reyngol'd Moritsevich (1875 − 1956)
Pupilo en el conservatorio de Moscú de Hrimaly y Taneyev, Arensky, Konyus y Ippolitov−Ivanov, Glière
continuó la tradición romántica rusa, ganando inmenza popularidad por sus balets soviéticos La Amapola
Roja y El Jinete de Bronze, dónde también pudo demostrar su interés en una más amplia tradición musical
eslovaca.
MUSICA DOCTA RUSA DEL SIGLO XX −
LA CONTINUACION DE LA TRADICION ROMANTICA
POST MODERNISTAS
• Stravinsky, Igor (1882 − 1971)
Nació el 17 de junio de, 1882, en Oranienbaum, cerca de San Petersburgo.
Hijo de un distinguido cantante ruso, Stravinsky vivió sus primeros años en Rusia, ya se en San Petersburgo o
en el verano en el campo con sus parientes. Estudió música brevemente con Rimsky−Korsakov, pero creo su
propio nombre en Paris con comisiones del empresario Dyagilev, para quien escribió una serie de balets. Pasó
los años de la revolución rusa de 1917 en Europa Occidental y en 1939 se fue alos Estados Unidos. Un
compositor versatil en cambios de estilos, se puede ver como la parte musical del pintor Picasso.
El recobró el pulso ondeante esencial para el balet; fue meticuloso sobre los grados de articulación y énfasis;
creó un sonido limpio. Escribió para distintas agrupaciones instrumentales y creó un sonido distinto en cada
trabajo; Revivió las formas musicales de su pasado e hizo una contribución duradera a la serial p música de
doce tonos.
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Trabajos de Escenarios
Stravinsky hizo una inmediata impresión en Paris con su trabajo para L'oiseau de feu El Pájaro de Fuego, para
los balets rusos de Dyagilev. Luego siguieron Petrushka rusas, y el succès de scandale de Le sacre du
printemps El bien de la Primavera. Otros trabajos más tarde fueron a menor escala durnte tiempos de guerra,
Stravinsky volvió a hacer balet para Dyagilev en Pulcinella, basado en la música erroneamente atribuída a
Pergolesi. Otros balets incluyen: Apollon Musagète, Le Baiser de la fée, Jeu de cartes y Agon. El operatorio
latino, con el texto traducido desde Cocteau, Oedipus Rex fue puesto en escen apor primera vez en 1928,
mientras la opera El Rastro del Progreso, dde forma neo−clasica y basada en los gravados de Hogarth, con un
libreto de Auden y Chester Kallman, fue llevada al escenario en Venecia en 1951.
Música Orquestal
La música orquestal de Stravinsky incluye sinfonías, suites para algunos de los balets, y dos suites suites
aregladas de sets de piezas de piano. Conciertos de variados tipos incluyen un Concierto de 1936 para piano,
viento y bases dobles, un El Concierto del Ebano para una banda de jazz y un concierto de violín.
Música de Cámara
La música de cámara de Stravinsky incluye algunos areglos orquestales, en particular dos versiones de
Pulcinella, una para violín y piano y una segunda para chelo y piano, bajo el título de Suite italienne.
OTROS MODERNISTAS
• Prokofiev, Sergey (1891 − 1953)
Traviesos brincos en la melodía, inesperados cambios de llaves, y los burlones sonidos de instrumentos de
caña son típicos de la música de Sergei Prokofiev, uno de los grnades compositores de la Unión Sovietica. Sus
cuentos de adas musicales escritos para los niños en 1936 Pedro y el lobo, es frecuentemente usado para
introsucir a la gente joven en los sonidos diversos de los instrumentos orquestales.
Sergei Sergeevich Prokofiev nació el 23 de abril de 1891 en Sontsovka, Ukrania. A temprana edad fue
enseñado a tocar el piano por su madre. Era un niño lleno de bendiciones y cualidades musicales, a los seis
años ya componía música.
Sergey Prokofiev, entró en el conservatorio de música de San Petersburgo en 1904, tiempo en que había
escrito ya mucha de su música. En el conservatorio, anonadó al director más conservador, Glazunov, pero
aprendió mucho más de un estudiante que llevaba ya cierto timepo en el conservatorio, el compositor
Myaskovsky, se graduó del conservatorio en 1914. Después de la revolución se le dió permiso para viajar al
extranjero y permanecia intermitentemente en Rusia, América y Paris, hasta que finalmente retornó a Rusia en
1936. En casa, en contacto denuevo con la raíz de su inspiración, se encontró sin apoyo de las autoridades y
en 1948 se le aplicó a sus trabajos censura. Cabe señalar que el compositor ganó premios Stalin por su trabajo.
En 1945 tuvo un ataque cardíaco. Sus actividades fueron limitadas después, pero continuó escribiend. En su
cumpleaños número 60 fue públicamente honorado. Murió en Moscú el 5 de marzo de 1953. Su merte en
1953, en el mismo dia que Stalin, lo impidió de gozar la más tardía relajación en la censura musical que tomó
lugar. Su estilo es irónico, escribiendo en un estilo de música que es a menudo acérbico.
Música de Escenario
Prokofiev intentó escribir una opera por primera vez a los nueve años. Sus operas incluyen El Amor para las
Tres Naranjas, escrita en 1919 para Chicago, El Angel Feroz y Guerra y Paz, la última basada en la novela de
Tolstoy. Un balet para Dyagilev fue rechazado, pero otros balest, una vez rechazados como no bailables,
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incluyen a Romeo y Julieta, y en 1944 Cenicienta.
Música Orquestal
Sinfonías
Escribió siete sinfonías. De éstas La Sinfonía Clásica, escrita entre 1916−1917 con el trabajo de Haydn en
mente, es la mejor concida. La Quinta Sinfonía de 1944 es un trabajo a escala mucho más grande.
Conciertos
De sus cinco conciertos, el tercero es el más conocido, escrita en el lenguaje musical instantanemente
reconocible del compositor. Más románticos son los dos conciertos para violines.
Música Coral y Vocal
En adición a una vasta variedad de éstos tranajos, que incluyen una versión de concierto de una película para
Alexander Nevsky, Prokofiev escribió muchos otros trabajos sin tanta importancia, muchos de los cuales de
importancia política.
Música de Cámara
Incluye dos sonatas para violín y piano, la segunda originalmente para flauta y piano y revisada por el
compositor, con la ayuda del violinista David Oistrakh. Completó su Sonata en C Mayor para Chelo en 1949
pero una segunda sonata para el instrumento fue dejada sin terminar a la hora de sus muerte. Las cinco
melodías para violín y piano, basado en canciones anteriores, estan igualmente en el repertorio general.
Música para Piano
Prokofiev, un pianista formidable, completó nueve sonatas para piano de once projectadas. Su música para
piano también incluyen versiones de los balets Romeo y Julieta y Cenicienta.
Música para Niños
Una de las más conocidas composiciones de Prokofiev es su cuento para niños Pedro y el Lobo.
• Shostakovich, Dmitry (1906 − 1975)
Nació el 25 de septiembre de 1906 en San Petersburgo. Dmitry Shostakovich pertenece a la generación de
compositores entrenados después de la Revolución Comunista de 1917. Se graduó del conservatorio de San
Petersburg como pianista y compositor, su Primera Sinfonía fue un inmediato éxito. Su subsigiente carrera en
rusia varió con el clima político. El éxito inicial de su opera Lady Macbeth del distrito de Mtsensk, basada en
Leskov, y luego revisada al tiempo en que Katerina Ismailova, fue seguida por condena oficial, emanando
aparentemente por el mismo Stalin. La quinta sinfonía del compositor, en 1937, trajo una rehabilitación
parcial, mientras que los años de guerra ofrecían propaganda en la sinfonía de Leningrado, performada en la
ciudad bajo dominio alemán. Sintió una libertad relativa seguida de la muerte de Stalin en 1953. Información
póstuma sugiere que Shostakovich siguió muy crítico de la ditaduras Stalinistas, particularmente en cuanto a
la música y las artes. El ocupa una posición significante en el siglo XX como sinfonista y compositor de
música de cámara, escribiendo en estilosque aunque distintos en textura pero simpre accesible como una
extención del lenguaje de la música tonal. Muere en Moscú el 9 de agosto de 1975.
Música de Escenario
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Katerina Ismailova aún es la principal opera de Shostakovich, con la más temprana opera La Nariz, basada en
Gogol, y el ballet La Edad Dorada. Música incidental para teatro incluye pieza para Hamlet y para el Rey
Lear.
Música Orquestal
Sinfonías
La quince simfonías de Shostakovich van desde La Primera Sinfonía de 1925, una composición gradual a La
Catorce, que contiene pedazos de varios poemas y que se escribió dos años antes que la Quince de 1971, la
última. La Quinta, la post−guerra Bueve t la Diez de 1953 son escuchadas a menudo. Mientras que la Dos y la
tres con la Once y la Doce tiene sugerencias más patrioticas.
Conciertos
Shostakovich escribió im concierto para piano, trompeta y cuerdas, y un segundo concierto para piano
dedicado a su hijo Maxim, en 1957. Escribió dos conciertos para violín y dos para chelos.
Música Coral y Vocal
Trabajos corales de Shostakovich incluyen, entre otras, La Ejecución de Stepan Razin. Sus canciones solistas
son más sobre política.
Música de Cámara
Los quince Cuartetos de Cuerdas son un trabajo remarcable, textura lúcida, comunmente moviendo un motivo
musical. La intensa sonata Viola Sonata de 1975 es la tercera de sus sonatas de duos, precedidas por la de
1934 para Chelo y Violín y la de 1968 para violines. A éstas podemos adherir en segundo trio para pianos y
un quinteto en G Menor para piano escrito en 1944.
Música para Piano
Testa incluye, en adición a dos sonatas para piano, un ingenioso set de 24 preludios y fugas, como también un
set previo de 24 preludios.
• Khachaturian, Aram Il'yich (1903 − 1978)
Khachaturian, un compositor soviético de origen americano, fue entrenado en el conservatorio de Moscú,
dónde estudió composición con Myaskovsky. Luego asumió importantes posiciones en la unión de
compositores soviéticos y continuó la implementación de un aspecto de la póliza de cultura oficial en uso de
material regional Armenio.
Trabajos de Escenario
El balet de 1942 Gayane contiene los trabajos más populare de Khachaturian, y La Danza Sabre. El balet
Spartaco de 1954 contiene un bien conocido Adagio de Espartaco y Phrygia. Hay suites de conciertos para
ambos balets.
Música Orquestal
El Concierto de Violín de Khachaturian, escrito en 1940, es un trabajo característico y ha sido transcribido
para solos de flauta por el flautista francés Jean−Pierre Rampal. El compositor escribió en Concierto para
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Piano en 1936 y diez años después un efectivo Concierto para Chelo.
OTROS COMPOSITORES RUSOS DEL SIGLO XX
• Miaskovsky, Nikolai Yakovlevich (1881− 1950)
Miaskovsky, amigo y mentor del joven Prokofiev en el Conservatorio de San Petersburgo, dónde él fue
enseñado por Liadov y Rimsky−Korsakov, luego de obtener lecciones privadas de Glière. Sus 27 sinfonías,
dentro de un período desde 1908 a 1950, tratba de mostrar y expresar las variadas fortunas de Rusia y la
Unión Sovietica. Otro aspecto de su trabajo se escuha en sus sonatas para nueve pianos.
• Scriabin, Alexander (1872 − 1915)
Amigo y estudiante de Rachmaninov en Moscú, el compositor ruso Alexander Scriabin disfrutó de una carrera
diferente y mucho más corta , primero como concertista de piano, con el apoyo de Belyayev, quien publicó
sus primeras composiciones. Su interés en filosofía y teorías teofísicas de Madame Blavatsky lo influenciaron
en su última forma de componer, particularmente los grandes trabajos orquestales, mientras que su música de
piano exploraba un nuevo territorio musical. Su vida fue vitalizada por su absorción introspectiva y
exentricidades en sus creencias.
Música Orquestal
Scriabin gozó de un temprano suceso con su comcierto para piano de 1896. De major significancia, son sus
trabajos posteriores, la Sinfonía No. 3, "Le divin poème", poème de l'éxtase y Prométhée, Le poème du feu.
Música para Piano
Su primera música para piano fue escrita mientras era estudiante en el conservatorio de Moscú, llevandolo a
una serie de cinco sonatas que partieron en 1911. Las otras siete sonatas fueron escritas durante los años 1886
y 1907. Otras piezas cortas de piano incluyen estudios m preludios, etc. en un estilo que se desarrolló de la
influencia de Chopin a un idioma distinto enteramente propio.
• Medtner, Nikolai Karlovich (1880 − 1951)
Medtner estudió en el conservatorio de Moscú, dónde luego enseñó piano intermitentemente, antes de dejar
Rusia en 1921 para establecerse en Paris y luego, en 1935, en Inglanterra, dónde se quedó hasta su muerte. La
mayoría de las composiciones de Medtner son para piano, aparte de un gran número de canciones para textos
rusos y una pequeña cantidad de trabajos de cámara. Particularmente notable son sus sonatas para piano,
alguna de las cuales, como la Sonata−Skazka (La Sonata de Cuentos de Hadas) y la Sonata−Idilio tienen
títulos explicables.En estilo su música es generalmente comparada con la de Rachmaninov, aunque él escribe
con un lenguaje musical distintivo que se reconoce por ser de él, único.
PARALELO CON EL FOLKLORE RUSO
ANTECEDENTES DEL FOLKLORE RUSO
Los eslavos − más tarde los rusos− son esencialmente, y casi exclusivamente, agricultores. Esta actividad es
la determinante del carácter primordial de los cantos populares y el de las prácticas paganas de las que han
surgido(estas han sobrevivido a la conversión al cristianismo transformadas en tradiciones, fiestas o ritos; el
ultimo testimonio, absolutamente verídico, de esta evolución, es la del musicólogo y folklorista Yacushin, que
pudo comprobarlo en 1849). Bastante rudimentarios, el olimpo de los eslavos se funda en la adoración del
sol y de la tierra.
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De estas creencias nace un pateismo prodigiosamente poético y musical. El bosque, la llanura, el río, el mismo
quijarro, tienen un alma. De estos sentimientos poéticos y agrícolas, surge todo el calendario de cantos
estacionales tan exactos que, después de la conversión al cristianismo, las autoridades se ven obligadas a
tenerlo en cuenta y a tratar de hacer coincidir las fiestas de la iglesia con las tradiciones paganas.
El ciclo de los cantos empieza en la noche siguiente del equinoccio de invierno, la del 24 y 25 de
diciembre(convertida luego en la noche de Navidad). La tradición asegura que, en esta noche, el sol se vuelve
hacia el verano y es prudente ganar su benevolencia. En los pueblos (esta costumbre se mantiene todavía en
Ucrania), grupos de gente joven van de casa en casa, recibiendo regalos y cantando las Kolida, de una gran
belleza (palabra de origen romana).
Le siguen las grandes fiestas del equinoccio de primavera con los cantos del carnaval, luego los sortilegios y
rondas primaverales, que Stravinski ha sabido evocar con tanta maestría en la consagración de la primavera.
Las rondas de primavera, contrariamente a lo que se cree, son lentas y graves: se trata de un rito de gran
importancia para la comunidad. Paralelamente a ella, existe una pintoresca tradición; habiendo percibido que
la llegada de la primavera coincide con la de los pájaros, o bien −si falta la harina− los modelan en barro,
lanzándolos después hacia el cielo mientras cantan y bailan, provocando de este modo la llegada de los
pájaros.
Las fiestas del carnaval(la futura tercera semana de cuaresma) son fiestas móviles y comienzan ocho semanas
antes de la primera luna llena de primavera. Se trata en ellas de echar al invierno, y para ello, un gran
espantapájaros que lo simboliza es arrojado al fuego con gran pompa, en medio de danzas y cantos.
Siete semanas después de la primera luna llena de primavera se celebra la Russalia(día de la rosa); mas tarde,
esta fiesta coincide con la de pentecostés. Se trata, según la creencia del pueblo, de vaciar los bosques de
Russalkí y de genios maléficos que puedan atrapar a los pascantes en esta bella estación.
El equinoccio de verano(el 24 de junio se convierte más tarde en la fiesta de san Juan) esta consagrado a
Kupalo. Ligado al antiguo culto del fuego, da a lugar a grandes festejos públicos, cantos rituales que proceden
a los importantes trabajos de la siega.
Conjuntamente con estos cantos estacionales existen los que van ligados a los ritos familiares. Los eslavos
practican un culto ferviente a los antepasados, que, según creencias, no mueren sino que permanecen en el
seno de la familia. Durante las comidas, se bebe a su salud y se canta para ellos; durante la Russalia − también
en pentecostés− se reúnen en los cementerios, organizan verdaderos festines sobre sus tumbas; algunas veces
se lamentan, pero con notable preferencia, ejecutan cantos irresistiblemente alegres y danzas para distracción
del difunto. La presencia de los antepasados es tan viva que cuando una joven se casa se despide de sus padres
y de todos sus antepasados.
Por otra parte una boda da lugar a un rito musical extremadamente complejo; veintiún números de música
vocal proceden la bendición nupcial. Se canta y se baila largamente; pero la novia − por muy enamorada que
este de su prometido− debe lamentarse. Los dos personajes obligados de este aparato escénico(ya que de esto
se trata, perfectamente inmutable, y el pueblo aprecia una boda según la calidad de éste) son la
novia(secundada por una plañidera, que la dobla en algunos episodio), el casa mentero, la casamentera, la
dama de honor del novio y las amigas de la futura esposa. Empiezan los esponsales; la casamentera se arregla
con los padres sin consultar siquiera con la principal interesada. Luego el pretendiente es recibido
solemnemente, se enciende un cirio delante de los iconos, se dan las manos en señal de asentimiento, y la
prometida canta su primer lamento.
Al día siguiente se reúnen para la bendición del noviazgo, y la prometida se lamenta aún en dos ocasiones(la
segunda vez, las quejas duran unos cuarenta minutos). Siguen − siempre cantando− las visitas a los padres, a
la futura suegra, a los amigos y la recepción del novio en la casa, a la que se deleitaba al modo dorico y frigio;
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las reuniones con las amigas, donde se canta, se bailan rondas, etc.
He aquí los elementos más pintorescos del montaje escénico. En la víspera del gran día la joven es conducida
al baño con gran pompa. Antes de la salida, canta para sus amigas; luego la bañista le acoge con una bella y
larga cantinela, a la que la cliente responde con una canción corta y lírica. Y, en el camino de vuelta, se para
delante de la isba de sus padres y ejecutan un nuevo lamento.
A estos veintiún números de música prenupcial suceden las fiestas de la boda, en el curso de las cuales se
destaca la vena popular, sin olvidar el carrillon de la iglesia que suena sin parar mientras el cortejo se dirige a
la casa y dura festín. Resumiendo, Stravinski en sus bodas ¡no ha inventado nada!
ALGUNAS PRECISIONES MUSICALES
¿Qué podemos decir sobre estos cantos populares desde un punto de vista musical? La mayoría de las veces su
línea melódica, muy simple, se movía en los limites de las terceras, cuartas y excepcionalmente de las quintas.
Nacía de una célula por lo general breve, como una señal, y probablemente derivada de formas cabalísticas o
de hechizos de los primeros ritos paganos. En los cantos de las mujeres observamos con frecuencia una escala
petantonica por tonos enteros aproximativos.
De echo la línea melódica en los cantos más antiguos se reduce a veces a simples interjecciones, a
exclamaciones, alrededor gira la frase rudimentaria. Para que esta se ordene y desarrolle, hará falta la
influencia de los chantres originarios de la ciudades que introducirán también el concepto de nota sensible,
que, sorprendentemente, es llamada en Rusia la nota azul desde el siglo XIX.
Los cantos populares rusos no conocen ni mayor, ni menor, ni tónica, ni dominante: utilizan tres escalas de
cuatro tonos, que pueden superponerse en siete grados con intervalos rigurosamente diatónicos.
En terreno del ritmo reina una anarquía total, ya que la prosodia popular, muy libre, no se adapta a ningún
sistema; y la melodía, al hacerlo, adquiere la, misma libertad. Resultado de ello son los cambios frecuentes de
compás en un solo fragmento, así como un culto a los impares.
La enorme variedad de los ritmos populares ha dado lugar a estudios substanciales. Por lo general los cantos
populares utilizan versos asontonados, cada verso conteniendo dos o tres grupos silábicos.
INSTRUMENTOS POPULARES RUSOS
El instrumento más viejo (el más antiguo, ya que el "kantele" mencionado en el "Kalevala" le debe su origen),
es la guzla (deberíamos decir "los guslis"; en ruso esta palabra es plural). Consiste en una tabla de madera,
con preferencia de abedul o plátano, sobre la que se tensan siete u ocho cuerdas afinadas en "dos" mayor sin
grados cromáticos; con el tiempo, el número de cuerdas llega a setenta y seis. El tocador de "guzla" acompaña
su canto mientras desgrana arpegios con sus dedos, uñas o un plectro.
Prácticamente es imposible poder ejecutar una melodía.
A partir del siglo XII, importado de Bizancio, aparece un modelo de "gusli salterio", réplica perfecta del
salterio. Bajo su influencia los "gulis" se perfeccionan: la madera es vaciada, se pulsan las cuerdas con
macillos grandes: nace de este modo el "cymbalum" (utilizado acertadamente por Stravinski en su arcaico
"Renard").
Otro instrumento de cuerda han hecho su aparición posteriormente: la "domra", la "balalaika", la "cobza", la
"bandura", el "torban", luego la guitarra.
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La domra era una especie de laúd importado de Asia por los kirguises, los mongoles y los persas. Al ser ser
adoptada por el pueblo se convirtió en balalaika": en efecto, los"violeros" pueblerinos, al hallar dificultades
para fabricar cajas de resonancia ovaladas, las sustituyeron con otras triangulares, al tiempo que reducian el
número de cuerdas. La balalaika era el instrumento nórdico por excelencia, fabricado en madera de abeto. En
el Mediodía, y sobre todo en Ucrania, se prefería la "cobza", usada por los polovitsianos y tártaro, y la
"bandura"de importación occidental (cf. la "bandurria" española). Ambos instrumentos recordaban, por una
parte, la guitarra española, y por la otra la "biwa" china; tenían de siete a veinticuatro cuerdas.
El torban, venido de Polonia, era una derivación de la tiorba pudiendo llegar hasta sesenta el número de sus
cuerdas. A estos instrumentos añadiremos la "lira" ( una viella con tres cuerdas y once teclas) y el "gudok"
(viola con tres cuerdas, de origen tártaro; se utilizaba un arco curvado; las dos primeras cuerdas emitían al
unisono un sonido fijo que hacía de bajo continuo).
Los instrumentos de viento eran claramente los mismos que en Europa occidental: desde el siglo XIII existían
orquestas en las que había hasta sesenta trompetas. Tenían además el caramillo, "jaleika" (especie de siringa
utilizada en los entierros:["jalnik"− que ha dado lugar a "jalet", conpadecer− designando una tumba en viejo
idioma eslavo] ), las flautas con cañas, las dobles faltas con cañas (diatónicas), la flauta de pan, la flauta
bretona, la zurna, especie de oboe rudimentario, de origen tártaro.
Otros instrumentos de percusión: los "nacres", vasijas de tierra conocida recubiertas con pergamino,
golpeadas con bastones o con bolas atadas a correas; las "cucharas" piezas de madera, después de cobre,
imitando la forma de una gran cuchara, adornada con campanitas en sus extremos; se golpeaban unas contra
otras.
COMPARACION
La música clásica rusa, al igual que la folklórica, tienen raíces basadas en la naturaleza, en lo pagano. La
música folklórica, nace de la naturaleza, de la admiración que tiene el pueblo por la fuerza del medio
ambiente, es de origen pagano; y así también lo han tomado los compositores de música docta rusa,
especialmente los nacionalistas, que por supuesto admiraban las costumbres y la historia de su país. Luego los
compositores rusos del siglo XX (que tenían una fuerte influencia nacionalistas de sus escuelas y
conservatorios) también basan la música en la naturaleza, un claro ejemplo de ésto es Consagración de la
naturaleza de Stravinsky.
Ejemplos de compositores nacionalistas que basaron obras en temas de la naturaleza son, por ejemplo, En las
Estapas de Asia Central de Borodin, Las Estaciones de Tchaivskosky, Oceano de Rubenstein, Las Estepas de
Turkmenistan de Ippolitov−Ivanov, entre otros.
Los compositores rusos eran muy apegados a sus raíces, uno más que otros, mucho más Los Cinco, cuyo
director, Balakirev, estaba totalmente encontra de cualquier influencia no rusa en la música y en las
enseñanzas en los conservatorios.
La historia del país, muy importante también, se ve reflejada en el folklore y en la música docta, por ejemplo,
el folklore nació poco a poco entorno a la admiración de los fenómenos climáticos y en el cosmos, que luego
fueron adaptadas sus celebraciones y creencias paganas con la llegada del cristianismo. La música docta basa
su escencia misma en esto también, en los cambios que vivió rusia, no sólo en cuanto a religión, sino también
en cuanto a política. La Overtura de 1812 es el más claro ejemplo de ésto, o la represión de muchos
compositores durante el gobierno de Stalin, muchos de los cuales se vieron obligados a abandonar su patria.
La iglesia ha tenido una influencia fundamental en toda la música rusa, ya sea ésta: folklore, clásica, popular,
etc... la iglesia desde que se instaló en rusia en la época de la llegada del cristianismo, a controlado la
expresión musical, y es más, la expresión artística en general, junto a muchos otros aspectos de la vida
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cotideana. La iglesia ortodoxa acuñó las fiestas paganas y las transformó en las propias, por estar éstas cerca
de fechas importantes religiosas. La iglesia, también, prohibió el uso de instrumentos músicales, es por esto
que la música no se desarrolló plenamente en Rusia hasta el siglo XIX, dónde encontramos los primeros
exponentes de música docta.
El folklore es aún muy popular en Rusia, tiene una fuerte influencia y forma parte fundamental de las vidas de
estas personas soviéticas, que son, en general, muy tradicionalistas. Los instrumentos musicales folklóricos se
usan incluso en interpretaciones de composiciones clásicas.
Por último cabe señalar una gran diferencia entre estos dos tipos de música. Esta diferencia es la
estructuración musical, el folklore, a difencia de lo clásico, es de una escritura anárquica, sin rigidez; en
cambio, la música docta, sigue un estilo y una composición de ciertos parámetros, a excepción de algunos
compositores (como Stravisky, considerado El Picasso de la música), pero en general, sobre todo los
nacionalistas, siguieron entre sí ciertas normas en la elaboración de sus composiciones.
ANEXO
Categorías Musicales Clásicas
En los últimos mil años la música clásica ha estado compuesta por una variedad de géneros. Cualesquiera sea
la forma o descripción de una pieza musical determinada, cae siempre en una de éstas categorías: orquestal, de
cámara, instrumental, coral y opera.
• Orquestal
La típica orquesta como la conocemos hoy, puede ser remontada hasta la mitad del siglo XVII, pero no fue
hasta mediados del siglo XIX que finalmente la orquesta se estableció como una patrón regular y básico de
cuerdas, instrumentos de viento, acero y percución, con la adición de varios instrumentos exóticos de tiempo
en tiempo.
Los distintos tipos de música orquestal son:
Sinfonía
Comunmente en cuatro, pero ocasionalmente en tres, movimientos contrastantes, Los de afuera comunmente
de caracter vivaz, con un movimiento de reflección más lenta y contrastando con el minuet.
Poema Sinfónico
Un trabajo de un movimiento durante el siglo XIX, con un programa detallado por el compositor.
Overtura
Usualmente sólo el orquestal levantamiento de cortina durante una ópera, que comunmente se usa para abrir
conciertos. Estubo muy de moda durante el siglo XIX componer overturas independiantes, con títulos
pinturescos.
Concierto
Evolucionado de varias formas de trabajos musicales utilizando instrumentos solistas durante el Barroco y a
fines del siglo XVIII denotaban tres movimientos (rápido, lento, rápido). Fue diseñado para mostrar la
viertuosidad de un solista.
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Balet
Evolucionó de pasajes de música danzable, usualmente en contexto a lo popular, muy de la era romántica
(Tchaikovsky, Stravinsky y más).
Música Incidental
Compuesta en secciones cortas, con temas recurrentes, para una opuesta en escena.
Suite
Una selección de movimientos cortos tomados de un balet o música incidental, algunas veces orquestaciones o
trabajos de otros compositores, aunque comunmente originales.
• Música de Cámara
Comprendida como un tipo de música para pequeñas semblanzas de aproximadamente dos a quince músicos.
Grupos más grandes sería comprendidos como orquestada.
El tipo más básico de música para acompañamiento de teclado. Los Duetos existen en este tipo de música para
instrumentos de la misma familia musical.
Otros de estas composiciones son para: trios de cuerdas (violín, viola, chelo), piano trio (piano, violín, chelo),
quarteto de cuerdas (2 violines, viola, chelo), quarteto de piano (piano, violín, viola, chelo), etc...
• Música Instrumental Solista
En esta categoría cabe cualquier música compuesta para un sólo instrumento sin acompañamiento. Aunque
hay muchos ejemplos de los distintos trabajos solistas, los más comunes son para: órganos, guitarra, etc.
• Música Vocal
Es el tipo más antiguo, la voz humana viene desde el desarrollo vocal del hombre.
En su forma simple era una única, línea monodica (canto gregoriano). Luego vinieron los coros, catos,
baladas, melodías, etc...
• Opera
De invención italiana, nació al principio de la era barroca y auqnue ha cambiado desde aquel entonces, su
concepción central se ha mantenido increíblemente consistente.
La opera típica abrirá con una overtura o preludio, la acción se esegmente en escemas y actos y dentro de
éstos están los principales vehículos de expresión (a) el solo aria, dueto, trios, etc. Para los principales; (b) el
coro, para grupos más grandes que comentan la acción (c) recitativo, una técnica formal similar a la
conversación cantada.
BIBLIOGRAFIA
Sitio Web http://www.hnh.com/qcomp.htm
The Classical Music Website
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La Música en Rusia César Cui
Editorial: Colección Austral
Pág. 17−27, 131−139 y 143−151.
Música Folklórica y Tradicionales Bruno Netli
De los Continentes Occidentales Editorial: Alianza Música
Pág. 94−103
Los Grandes Maestros de la M.D. Calvocoressi, Gerald Abraham
Música Rusa Editorial: Schapire
Pág. 51−59
Los Cinco Músicos Nacionalistas Carmen Monell
Rusos Editorial: SAETA
Pág. 51−35, 97−148, 152−190
Enciclopedia Interactiva Compton Edición 1997, inglés.
La Música, Los Hombres, Los Michel Rostislaw Hofman
Instrumentos y las Obras Tomos 3 y 4
Pág. 91−99, 261−279
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