Programa de La pantalla convulsa . Historias del cine. Colección 3 (1962-1982).

Ciclo de cine y vídeo del 23 de abril al 4 de junio de 2012
Edificio Sabatini, Auditorio
La pantalla convulsa
Historias del cine. Colección 3
(1962-1982)
Costa-Gavras. Z, 1969
Historias del cine es un programa que desarrolla las líneas
discursivas de la Colección del Museo en el ámbito del cine.
La pantalla convulsa, primer ciclo de este programa, recorre
en once sesiones el proceso de descolonización, los nuevos
cines militantes, el antagonismo y los movimientos sociales,
la antipsiquiatría como crítica a las instituciones y lo popular
vinculado a la subversión identitaria, entre otras nociones.
Las décadas de los 60 y los 70 fueron un periodo de agitación
y cambios, en los que el cine participa de manera activa.
La pantalla convulsa. Historias del cine. Colección 3. (1962-1982)
Jean-Luc Godard. 2 o 3 cosas que sé de ella, 1967
La presencia del cine en las sucesivas relecturas de la Colección del
Museo Reina Sofía alude a la crisis en la distinción de jerarquías y
narraciones artísticas, pero también a la idea de que una colección
supone una trama de historias, memorias y tiempos inseparables
de la práctica fílmica. El cine, lejos de ser un mero testimonio de
las décadas de los años 60 y 70, cuestiona las pervivencias y contestaciones a la hegemonía colonial; debates que a su vez propugnan la aparición de una estética geopolítica altermundista en los
cines del sur, descrita por Fredric Jameson, o que contestan a un
nuevo régimen de conocimiento frente a las viejas instituciones
del Estado. En este sentido, el cine es a la vez documento y monumento, memoria y acción de un tiempo determinado, retomando
la distinción que propusiera Hannah Arendt a comienzos de 1960.
La pantalla convulsa sitúa la práctica cinematográfica en el terreno ambivalente entre narrar y fabular, entre la escritura y la
oralidad, entre el inglés history y story, recorriendo un periodo
inestable que desestabiliza al sujeto enunciador y los forma-
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23 abril - 4 junio 2012
William S. Burroughs y Antony Balch. The Cut-Ups, 1967. Cortesía del British Film Institute
tos de presentación. Así, géneros tradicionalmente separados,
como el cine-ensayo, el documental, el cine de estudio o el cine
de exposición, coinciden en pretensiones y expectativas: David
Lamelas comparte con Frederick Wiseman la crítica a las instituciones a través del movimiento clínico de la antipsiquiatría, al
igual que Costa-Gavras y Jorge Semprún participan con Jonas y
Adolfas Mekas en el escepticismo y la militancia antisistema que
conduciría al mayo del 68. La pantalla convulsa también busca
plantear el cine como un ámbito desde el que volver a mirar al
arte desde 1960, potenciando los ecos del espacio de exposición
en la sala de cine. Como ejemplo, el atavismo religioso y el primitivismo antimoderno de Pasolini en La ricotta (1963), parecen resonar en las Trompetas del Juicio (1968) de Pistoletto. De
la misma manera, la pintura de historia congelada de Gerhard
Richter desfila ante el elegíaco filme colectivo Alemania en otoño
(1978), manifiesto del repliegue subjetivo ante el trauma de una
historia que escapa a la capacidad de acción de artistas y cineastas, idea con la que concluye el ciclo.
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La pantalla convulsa. Historias del cine. Colección 3. (1962-1982)
Lunes 23 de abril
Jueves 26 de abril
El fin del orden colonial
19:00 h
Cuba: las contradicciones de la utopía
19:00 h
J’ai huit ans
Yann Le Masson y Olga Poliakoff. Francia, 1961.
Formato original: 16 mm; formato de proyección:
DVD, color, VOSE, 8’. Cathy Aubry y Cinémathèque de
Toulouse
PM (Pasado Meridiano)
Orlando Jiménez Leal y Sabá Cabrera Infante.
Cuba, 1961.
Formato original: 16 mm; formato de proyección:
DVD, b/n, sonido, 14’. Orlando Jiménez Leal
La batalla de Argel
Gillo Pontecorvo. Italia / Argelia, 1965.
Formato original: 35 mm; formato de proyección: DVD,
b/n, VOSE, 121’. Creative Films, Barcelona
L.B.J.
Santiago Álvarez. Cuba, 1966.
Formato original: 35 mm; formato de proyección:
DVD, b/n, sonido, 18’. Instituto Cubano del Arte e
Industria Cinematográficos (ICAIC), La Habana
El proceso de independencia de Argelia, marcado
por la violencia del terrorismo y la represión francesa, define el inicio de un nuevo orden geopolítico
entre el norte y el sur.
J’ai huit ans, filmada de forma clandestina en un
campo de refugiados en Túnez, tiene como agentes
de la obra a un grupo de niños, desplazados por la
guerra de Argelia. Sus dibujos infantiles sirven de
nexo al relato y constituyen un ejemplo de narración
subalterna del trauma, así como del despertar de
una conciencia ajena a las estructuras e instituciones del orden colonial.
La película La batalla de Argel, coproducción italoargelina, ha sido considerada un hito dentro de la
cinematografía encargada de configurar la imagen
del proceso de descolonización. La clave del filme
reside en la búsqueda de Pontecorvo de localizaciones auténticas y actores no profesionales, testigos
del hecho histórico, ocurrido tan sólo ocho años
antes. La película ejerció una enorme influencia
sobre la cinematografía argelina, en especial sobre
el denominado cinéma moudjahid, caracterizado
por la representación de la lucha armada, con un
carácter político radical, una fuerte carga nacionalista y una crítica a la hegemonía occidental.
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De cierta manera
Sara Gómez. Cuba, 1974.
Formato original: 16 mm; formato de proyección:
35 mm, b/n, sonido, 79’. ICAIC y Filmoteca Española
Esta sesión aborda las tensiones entre el deseo
de un sistema emancipatorio y las exclusiones
y límites que éste comienza a encarnar. Supone
una mirada a una cinematografía heredera de los
presupuestos de vanguardia, revisados desde el sur.
PM marca la primera crisis entre la clase política y
artística cubana. El filme, retrato de la nocturnidad
habanera, fue censurado para sorpresa de buena
parte de la intelectualidad del momento. Producido
por el suplemento Lunes del periódico Revolución,
provocó el cierre de este magazine literario. En contraposición, L.B.J. es un cortometraje paradigmático del antiamericanismo cubano. Creador de los
noticiarios del Instituto Cubano de Arte e Industria
Cinematográficos (ICAIC) y ávido montador, Álvarez se sirve del collage de imágenes de archivo y el
uso experimental de la banda sonora para realizar
documentos donde la sátira se convierte en el
mejor instrumento de combate antiimperialista. En
último lugar, Sara Gómez, la primera mujer de color
realizadora del ICAIC, plantea desde una mirada de
filiación feminista, aspectos controvertidos dentro
de la sociedad revolucionaria cubana como el
machismo o la marginalidad.
23 abril - 4 junio 2012
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Jueves 3 de mayo
Lunes 7 y jueves 10 de mayo
1967 y las fronteras del objeto
19:00 h
La revolución imposible. Jorge Semprún
y el cine
19:00 h
2 o 3 cosas que sé de ella
Jean-Luc Godard. Francia, 1967.
Formato original: 16 mm; formato de proyección: DVD,
color, VOSE, 87’.Video Profilmar, Barcelona
La lección de lectura
Johan van der Keuken. Holanda, 1973.
Formato original: 16 mm; formato de proyección: DVD,
sonido, VOSE, 10’. Noshka van der Lely, Ámsterdam
Esta sesión aborda la relación entre poética y
política, planteada en el ámbito artístico a finales
de los años sesenta. A través de la historia de una
mujer burguesa que se prostituye para mantener su
nivel de vida, Jean-Luc Godard realiza un análisis
del capitalismo en Francia, al mismo tiempo que
cuestiona las técnicas de la representación del
cine. Godard, en voz alta, se pregunta “¿qué es un
objeto?” A lo que responde: “Tal vez un objeto sea
lo que permite unir, pasar de un tema a otro, vivir en
sociedad…”.
Junto a esta película, se presenta La lección de
lectura, en la que Johan van der Keuken explora la
disociación entre la palabra y el objeto en un collage
de imágenes que es tanto una crítica al sistema de
enseñanza tradicional neerlandés como un retrato
de la realidad política y social de su tiempo.
Godard en París y Van der Keuken en Ámsterdam
exploran las transformaciones de la vida cotidiana y
la aparición de unas nuevas reglas que la determinarán en adelante.
Lunes 7
Z
Costa-Gavras. Francia / Argelia, 1969.
Formato original: 35 mm; formato de proyección:
DVD, color, VOSE, 127’. KG Productions, París
Jueves 10
La confesión
Costa-Gavras. Francia / Italia, 1970.
Formato original y de proyección: 35 mm, color, VOSE,
139’. KG Productions, París
Fallecido el pasado 2011, estas dos sesiones se
plantean como un ciclo dentro del ciclo, buscando
rendir homenaje al político, activista y novelista
Jorge Semprún (1923-2011), testimonio de las
transformaciones de la izquierda a lo largo de la
segunda mitad del siglo XX. Se muestra una de las
facetas menos conocidas del autor de El largo viaje
y, sin embargo, tan cercana a su experiencia política
como la literatura: el Semprún guionista y cineasta.
Junto al director de origen griego Costa-Gavras,
Semprún adaptaría y guionizaría varias películas,
que van desde la denuncia del autoritarismo del comunismo bajo el estalinismo (La confesión), hasta
la crisis de la nueva izquierda y de los movimientos
sociales frente a los aparatos del Estado, herederos del totalitarismo filtrado tras la posguerra (Z).
Esta última película constituye uno de los escasos
intentos de facturar un cine de género y de estudio
capaz de hacer frente a algunas de las tensiones
que conducirían irremisiblemente al Mayo del 68.
La pantalla convulsa. Historias del cine. Colección 3. (1962-1982)
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Jueves 17 de mayo
Lunes 21 de mayo
El autor en ausencia
19:00 h
Una desesperada vitalidad. El caso italiano
19:00 h
The Cut-Ups
William S. Burroughs y Antony Balch. Reino Unido,
1967.
Formato original y de proyección: 16 mm, b/n, sonido,
18’. British Film Institute, Londres. Copyright © the
William S. Burroughs Trust, proyectada con el permiso
de The Wylie Agency LLC.
La ricotta
Pier Paolo Pasolini. Italia / Francia, 1963.
Formato original: 35 mm; formato de proyección: DVD,
color y b/n, VOSE, 30’. Motion Pictures, Barcelona
Not I
Samuel Beckett. Reino Unido, 1977.
Formato original: 16 mm; formato de proyección: DVD,
b/n, VOSE, 13’. BBC Active, Londres
Entrance to Exit
George Brecht. Estados Unidos, 1965.
Formato original y de proyección: 16 mm, b/n, sonido,
7’. Colección del Museo Reina Sofía, Madrid
And So on, End So Soon: Done 3 times
Robert Filliou. Canadá, 1977.
Formato original: ½ pulgada; formato proyección: DVD,
color, sonido, VOSE, 30’. Western Front, Vancouver
La finalidad de esta sesión es presentar en el campo
fílmico el discurso sobre las nuevas poéticas del
lenguaje, mostrado en las salas de la Colección.
Las cuatro películas comparten un mismo punto
de partida: la experimentación con el lenguaje y la
percepción. Ejemplos de una práctica artística expandida, estas películas son adaptaciones al cine/vídeo de una técnica literaria, en el caso de William S.
Burroughs; un monólogo dramático, en el de Samuel
Beckett; una performance, en el de George Brecht, y
proyectos anteriores sobre el principio de equivalencia, en el de Robert Filliou. Adaptaciones que están
planteadas como un ejercicio de desbordamiento
de las fronteras de las disciplinas, los medios y los
géneros. Toda lógica queda diluida y es el azar el que
actúa como creador, el autor está ausente.
Trevico-Torino: Viaggio nel Fiat-Nam
Ettore Scola. Italia, 1972.
Formato original: 35 mm; formato de proyección:
Betacam, color, VOSE, 95’. Archivio audiovisivo del
movimento operaio e democratico, Roma, y Museo
Reina Sofía, Madrid
El verso de Pasolini que da título a la sesión funciona como metáfora a las ideas contenidas en el arte
povera y en la práctica cinematográfica italiana de
estas décadas: el primitivismo y el retorno a la materia como atavismo anticivilizatorio, la inescapable
condición humana y las tendencias antimodernas
en el seno del industrializado norte italiano.
Ambas películas ofrecen una imagen crítica del
contraste entre la sociedad tradicional, rural y
empobrecida, frente a la progresiva modernización
e industrialización del país, que sin embargo
desemboca en la explotación y alienación del
individuo. Scola lo hace desde un cine militante, en
el marco del giro maoísta del Partido Comunista
italiano, quien produjo el filme; Pasolini lo hace
desde la sátira, el pathos y el abuso de la religión. A
partir de esta película, Susan Sontag considerará a
Pasolini la figura más destacada en el arte italiano
desde la Segunda Guerra Mundial. El contexto de
la Fiat en Turín y su entorno obrero y sindicalista
entroncan de forma directa con los postulados de
los artistas povera, quienes también defendieron
posturas radicales en contra de prácticas imperialistas americanas como la invasión de Vietnam,
referencia implícita en la película de Scola.
23 abril - 4 junio 2012
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Jonas Mekas. The Brig, 1964
Jueves 24 de mayo
Construcciones de lo real
19:00 h
Time of the Locust
Peter Gessner. Estados Unidos, 1966.
Formato original: 16 mm; formato de proyección: DVD,
b/n, VOSE, 12’. Icarus Films, Nueva York
The Brig
Jonas y Adolfas Mekas. Estados Unidos, 1964.
Formato original: 16mm; formato de proyección:
Betacam digital, b/n, VOSE, 65’. Colección del Museo
Reina Sofía, Madrid
Esta sesión trata sobre el uso subversivo de los
lenguajes de representación de lo real al servicio de
la crítica al conflicto armado y al militarismo en los
años sesenta. Por un lado, Time of the Locust
inaugura el uso político del metraje encontrado, montando en colisión archivos del American
Newsreel con un discurso de Lyndon B. Johnson,
puntuado por una banda sonora compuesta por la
atonalidad y la percusión de Morton Feldman y Max
Neuhaus, junto al rock underground del momento.
Por otro, Jonas Mekas, defensor teórico de The
Newsreel, el colectivo fílmico de Gessner, realiza una
crítica al estilo del cinéma-vérité utilizando sus mismos recursos: cámara al hombro y ausencia de plan
de rodaje. En este caso utiliza ambos al servicio de la
representación de una ficción: la realidad cotidiana
de una prisión militar de los marines de EE.UU., igual
de cercana a la situación retratada por Gessner.
La pantalla convulsa. Historias del cine. Colección 3. (1962-1982)
Lunes 28 de mayo
Jueves 31 de mayo
Antipsiquiatría y la crisis del sistema
disciplinario
17:00 h
Lo popular como mascarada
17:00 h
Titicut Follies
Frederick Wiseman. Estados Unidos, 1967.
Formato original: 16 mm; formato de proyección: DVD,
b/n, VOSE, 84’. Cortesía de Zipporah Films, Cambridge,
Massachusetts
19:30 h
Reading film from Knots by R.D. Laing
David Lamelas. Reino Unido, 1970.
Formato original y de proyección: 16 mm, b/n, VOSE,
15’. LUX Distribution, Londres
Asylum
Peter Robinson y Richard Adams. Estados Unidos,
1972.
Formato original: 16 mm; formato de proyección: DVD,
color, VOSE, 96’. Surveillance Films, Nueva York
Una de las revueltas contra la autoridad, fundamentada en la crisis de valores del sistema sociocultural, es la planteada por la antipsiquiatría,
movimiento con una influencia determinante en
la contracultura de los años 60 y en numerosas
prácticas artísticas de la década posterior. La
antipsiquiatría entiende la esquizofrenia como
una defensa del yo frente al exceso autoritario
de la institución familiar o social. Esta sesión
doble, centrada en su fundador, Ronald D. Laing,
establece una relación entre la antipsiquiatría y
las denuncias contemporáneas a las interpelaciones del poder de aparatos e instituciones de
la vida pública y privada. Titicut Follies muestra
el psiquiátrico como un espacio de degradación
emocional y conceptual, mientras que Asylum documenta los efectos del movimiento en la trama
urbana. En su pieza, David Lamelas argumenta,
al igual que el ensayo leído de R.D. Laing, cómo
el propio desorden de la enunciación da lugar a
significados fuera de marco.
8
Rocío
Fernando Ruiz Vergara. España, 1980.
Formato original: 16 mm; formato de proyección:
Betacam Digital, color, 68’. Hamaca Media & Video
Art Distribution from Spain, Barcelona
19:30 h
Ocaña, der Engel der in der Qual singt
Gérard Courant. Francia, 1979.
Formato original: Súper 8; formato proyección: DVD,
color, 10’. Les Amis de Cinématon, Montreuil
Tam-tam
Adolpho Arrietta. Francia, 1976.
Formato original: 16 mm; formato de proyección: Betacam, color, VOSE, 60’. Colección del Museo Reina
Sofía, Madrid
Aquí se plantea el uso de lo popular como un juego
de ficciones en la base de la construcción de la
subjetividad, el imaginario colectivo y los comportamientos identitarios. Por un lado, Rocío, plantea
los aspectos que rodean a la devoción rociera: el
montaje económico y las relaciones de poder institucionales que convierten la tradición popular en un
mecanismo de control social. La película presenta
la historia del catolicismo en España y la devoción
popular como continuismo de estructuras arcaicas
durante la Transición española.
En la segunda parte se plantea un diálogo entre la
figura de Ocaña y el cine de Arrietta, que muestra
lo popular como un espacio para la reinvención de
la subjetividad, adoptando diversas estrategias de
travestismo, metáfora de un deseo imposible de ser
contenido. Ocaña invierte los valores políticos de lo
popular desde el Muro de Berlín, mientras Arrietta
filma los modos de vida underground de artistas,
escritores y exiliados como Severo Sarduy o Enrique
Vila-Matas, en un relato con referencias a Beckett.
23 abril - 4 junio 2012
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Gérard Courant. Ocaña, der Engel der in der Qual singt, 1979
Lunes 4 de junio
El impulso alegórico
19:00 h
Toda revolución es una tirada de dados
Jean-Marie Straub y Danièle Huillet. Francia, 1977
Formato original: 35 mm; formato de proyección:
DVD, color, VOSE, 11’. Prodimag, Barcelona
Alemania en Otoño
VV.AA. Alemania, 1978.
Formato original: 35 mm; formato de proyección:
DVD, color, VOSE, 113’. Cortesía del Goethe Institut,
Madrid
Esta sesión se abre con la nueva posición del
artista a finales de los años 70, cuando se produce
un repliegue subjetivo hacia un lenguaje que, en su
versión tardomoderna, solo puede ser expresado
como ruina, ya que carece de cualquier principio de
transformación y acción social. La alegoría, como
cadena continua de significantes que aluden a un
significado hermético, es la estrategia de representación que, en formas cada vez más divergentes,
representa esta totalidad imposible. La sesión se
abre con la metáfora de Mallarmé sobre el artista
buscando un carácter absoluto en un lenguaje opaco.
En Straub y Huillet, nueve personas lanzan dados
con gravedad sobre un montículo, lugar donde los
comuneros fueron masacrados en 1870. La lectura,
en su carácter distanciado, remite a los experimentos de poesía fonética y visual en los 70. Alemania
en otoño aglutina al nuevo cine alemán en torno a
la crisis desatada tras las acciones terroristas de la
Baader Meinhof y, al igual que la obra contemporánea de Gerhard Richter, muestra un cine de historia
en el que el sujeto está escindido del acontecimiento.
Museo Nacional
Centro de Arte Reina Sofía
La pantalla convulsa
Historias del cine. Colección 3. (1962-1982)
Edificio Sabatini
Santa Isabel, 52
Edificio Nouvel
Ronda de Atocha
(esquina plaza del
Emperador Carlos V)
28012 Madrid
23 abril - 4 junio 2012
Tel. 91 774 10 00
Fax 91 774 10 56
Horario Museo
De lunes a sábado
de 10:00 a 21:00 h
Domingo
de 10:00 a 14:30 h
Martes, cerrado
Edificio Sabatini, Auditorio
Comisarios:
Cristina Cámara, Chema González, Lola Hinojosa
Agradecimientos
Filmoteca Española, Filmoteca Catalana, Goethe
Institut de Madrid, Prodimag, Salomé Le Masson.
Imágenes
© Los autores
Entrada libre hasta completar aforo
www.museoreinasofia.es
NIPO: 036-12-024-0
Auditorio