Análisis de "El Espacio Vacío" de Peter Brook

FACULTAD: EDUCACIÓN Y CIENCIAS SOCIALES
Escuela Académico Profesional de Educación Inicial Intercultural Bilingüe, Primera y
Segunda Infancia - Abancay
“EL ESPACIO VACIO”
PETER BROOK
Habla sobre algunos aspectos que debemos cuidar cuando hacemos teatro, que vienen siendo los “espacios
vacíos” por medio de experiencias y anécdotas que ayudan a explicar lo que piensa y las conclusiones a las que
ha llegado.
El espacio vacío, da un parámetro que permite ver en qué punto nos encontramos con respecto al teatro que
estamos haciendo y que tan vivo es nuestro teatro, dividido en 4 secciones:
EL TEATRO MORTAL
Llama particularmente la frase que da inicio a este libro:
“Puedo tomar cualquier espacio vacío y llamarlo un escenario desnudo, lo único que necesito es alguien que
camine en este espacio y otro que lo observe para llamarlo un acto teatral.”
Los 4 teatros de los que hablaremos, coexisten y se relacionan. Cuando hablamos del teatro mortal, es
importante tomar en cuenta que mortal, no es lo que está muerto, sino lo que está por morir y tiene posibilidad
de refrescarse para levantarse.
El teatro mortal, es el teatro malo, hablamos del teatro engañoso. Hoy en día, el teatro no aporta porque es
insuficiente para la sociedad. No hay una relación establecida entre la gente y el teatro, qué da inicio a esta
relación a partir de la escena. En este tipo de teatro, los creadores trabajan por dinero, como los llamaba
Stanislavski “actores payaso”, que como en Brodway, el teatro se convierte en un negocio que vaya la gente o
no vaya, el equipo de trabajo no pierde(actores, directores, escenógrafos, tramoyeros, etcétera). Todo esto, ha
contribuido a que la gente deje de asistir al teatro, la razón es que se encuentran decepcionados del teatro y por
eso ya no quieren arriesgarse a pagar un boleto, mejor esperan a que se presente gratis: “por si las dudas, no sea
que no valga la pena”.
Menciona Peter Brook textualmente lo siguiente: “Si el buen teatro depende de un buen público, entonces todo
público tiene el teatro que se merece. No obstante, debe ser duro para los espectadores que les hablen de la
responsabilidad de un público”.
En un espectáculo, si la gente no se lleva nada, es mortal, empieza a aburrirse, a toser, a atender a necesidades
externas a la presentación y los perdemos. Los que mejor nos muestran esto, son los niños, pues a veces , entre
nosotros también cuesta trabajo ver donde deja de ser inmortal para hacerse mortal, ya que nos dejamos de
tomar en cuenta la chispa, la magia del teatro y lo suplimos por una técnica muy bien ejecutada por ejemplo.
Quienes nos pueden dar la respuesta con respecto a lo vivo que es el espectáculo, son los niños.
Cada vez buscamos acercarnos más a la verdad, por eso cuando vemos un texto serio o rebuscado, nos cuesta
trabajo representarlo orgánicamente y terminamos por imitar la forma, sin darle vida, intención ni sentimiento.
¿Cómo logramos esto? Antes de hablar, el actor debe analizar y crear mediante la exploración una serie de
estímulos que llenen el espacio vacío que hay entre el texto y la acción. Ayudaría también que en los textos no
haya tantas acotaciones para abrir paso a la imaginación. Para hacer teatro ,no podemos encasillarnos en 1 solo
estilo, porque es ponerle límites al teatro, y esto, lo hace mortal, debemos ser versátiles y estar abiertos a
nuevos paradigmas y a estar constantemente refrescando la informaciones tenemos, aunque a veces es difícil
saber qué cosas se pueden cambiar y que cosas son imprescindibles.
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El teatro busca comunicar. El director, tiene un mensaje en común con los actores y el director encuentra la
forma de comunicar al espectador este mensaje por medio del actor. En ocasiones, ésta comunicación es posible
incluso aunque el espectáculo no esté en el idioma del espectador, y aun así puede transmitir, pero en otras aun
compartiendo el mismo contexto social, no se logra.
Otro factor importante que debemos tomar en cuenta, es la cultura de los espectadores, porque mientras para
unos es un espectáculo perfecto y magnifico, para otros, en un contexto distinto, puede resultar un fracaso
rotundo. El teatro ha ido perdiendo importancia alrededor del mundo porque no tiene un objetivo preciso ni
constante.
Esta inconstancia se ve desde la formación. Cuando el estudiante deja de estudiar y se estanca en un estilo, en un
tema, en un método que se hace arcaico y obsoleto, no distribuye bien su tiempo, haciendo que cada vez se aleje
más de un progreso como actor y como persona.
¿A QUE ATRIBUIMOS QUE EL TEATRO SEA MORTAL?
La respuesta es muy corta y clara: la incompetencia.
EL TEATRO SAGRADO
El teatro debe llevar a la escena lo que no se ve de la vida, lo que no apreciamos. Para llevar a cabo un proyecto,
debemos apasionarnos todos por ese proyecto y tener algo que decir. Si por ejemplo, el director siente, contagia
a los demás y estos reflejan esta conmoción a los espectadores. Peter Brook dice para aclarar este punto, que en
Europa, el objetivo era recuperar de entre las ruinas, las esperanzas de un pueblo desolado, que trae el
existencialismo con el Expresionismo por ejemplo. Esto nos enlaza con el teatro mortal, que si no tenemos un
objetivo, no podremos hacer que el teatro deje de ser mortal.
El secreto está en no “imitar” algo de lo que no se tiene idea, debemos ser capaces de encarnar lo invisible.
Como ejemplo tenemos al kathakali*, entre otras teatralidades orientales, que aun funcionan porque estudian
no solo las formas que en si son complejas, sino todo lo que hay detrás, desde el origen y logran llenar el espacio
entre el actor y la acción, siendo que son representaciones que llevan haciéndose muchos años, siguen vigentes.
En occidente, necesitamos un objetivo, mismo que debe hacernos ver el teatro como algo de suma importancia.
Para esto es necesario que el actor estudie y sea capaz de adquirir una conciencia de lo que hace y así poder usar
la imaginación como una herramienta. Todos ir hacia el mismo objetivo juntos, porque el ritual por el ritual, sólo
lo deterioramos, ya que no sabemos qué celebrar ni cómo hacerlo y lo hacemos porque sí, perdiendo con esta
pseudo representación, la capacidad de apreciar el silencio.
En lo personal creo que es una cuestión cultural el que ahora no nos permitamos apreciar aquellas cosas que
también se necesitan, como la respiración y el simple hecho de escuchar el silencio. Claramente podemos ver
esto en el teatro cuando por inercia aplaudimos, siendo que a veces es necesario el silencio, que puede decir
mucho más que un aplauso si se siente de verdad.
Peter Brook menciona que evitamos lo sagrado porque nos ha decepcionado y con el teatro sagrado, hemos
dejado en el olvido a la poética* y hace referencia a Antonin Artaud, que decía que tampoco con el texto
podemos llenar esta parte de sentimientos y significado, por eso decía que si no sientes la necesidad de hablar,
no hables, porque es como irse por el camino fácil de la expresión .Sin creatividad. En el caso de Bertolt Brecht, la
palabra es un auxiliar de la imagen. Para contribuir a la construcción de una carga emocional con qué llenar el
texto y la acción, Peter Brook cuenta sobre algunos ejercicios y dinámicas que utilizaba con sus alumnos, todo
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para alcanzar una verdadera expresión y una vez que tenemos la capacidad de sentir y recibir, sigue la parte en la
que nos convertimos en reflectores de estos impulsos y emociones, eso es la acción.
TEATRO TOSCO
La diferencia entre el teatro sagrado y el teatro tosco, es que el teatro sagrado, se enfoca en la parte interna y
cubre lo invisible, la parte emocional, mientras que el teatro tosco es rustico*, directo e impactante; busca algo
más de fiesta. Es el teatro popular. Se ocupa de las cosas que hacemos los hombres diario, así como el
happening*, que se apoya en la sorpresa, interceptando al público que no tiene idea de que se convertirá en
espectador. Brecht habla sobre la alienación.
¿EN QUE SE RELACIONAN LA ALIENACION Y EL TEATRO TOSCO?
En que la alienación, es un estímulo al pensamiento del público (transfiere a escena lo mejor de la razón) y el
happening elimina las reglas de la razón que rigen al pensamiento y provocan al espectador a dejarse llevar y
salir de su rutina.
Ambos usan la sorpresa y el ataque al espectador.
Con Chejov por otro lado, vemos que aunque pareciera ir en contra de Brecht al dar la ilusión de la realidad, no
es así, ya que es otra forma de lograr la reflexión del espectador.
Hemos visto que ahora la respuesta la buscamos en los orígenes del teatro, es decir, nos estamos lleno a buscar
en el ritual, pero necesitamos una belleza que nos convenza .El teatro debe estar en constante revolución y entre
más nos acercamos a la esencia del teatro su campo se hace más amplio y se hace tan vigente como el cine o la
televisión.
En el teatro contemporáneo la tosquedad está más viva y lo agrado está casi muerto.
Debemos convencer de que no estamos fingiendo en la escena, que la magia realmente ocurre y no “abaratar
nuestro trabajo”. Sólo así podemos atraer al espectador y lograr su permanencia.
El actor que impacta: El actor debe estar al tanto de todo lo que ocurre en su entorno para poder hacer un teatro
de calidad, acertivo, propositivo, eficaz y útil (inmortal).
Nosotros consideramos esto un aspecto importante para lograr captar la atención del espectador, porque no
podemos transmitir, provocar ni conmover si no tenemos idea de las cosas que les afectan. Con esto quiero decir
que debemos analizar el entorno del espectador y el terreno en el que nos estamos metiendo. Debemos
comparar y hacernos de una opinión y un criterio propio sobre lo que está pasando en el país, ir atando cabos,
sacar conclusiones, relacionar y aplicar los conocimientos que se adquieren a diario, aprender a escuchar lo que
dice alguien más, incluso si es de una clase social distinta, si su vida es muy distinta a la mía,… Tomar lo que creo
que es importante ver desde otro ángulo y llevarlo a escena.
REFERENCIAS Y TERMINOLOGIA
Kathakali: Tiene su origen en Kerala, India. Es una teatralidad oriental donde se necesita un entrenamiento de
entre 8 y 10 años. Consiste en un lenguaje muy complejo de gestos tanto de la cara como de manos y pies. Para
poder alcanzar la flexibilidad y el control muscular, para un bailarín de Kathakali es necesario seguir un
entrenamiento extenuante, riguroso acompañado de masajes.
Poesía: Manifestación de la belleza o del sentimiento estético por medio de la palabra en verso o en prosa.
Cuando hablamos de algo poético en el trabajo teatral, nos referimos a la forma de darle vida a la poesía.