historia vanguardias

EL FAVISMO
El fauvismo o fovismo fue un movimiento pictórico
de vanguardia que tuvo su origen en 1905 en París,
Francia. La máxima plástica del fauvismo fue la
exaltación del color, sustentada en la idea de que la
creación surgía del instinto más que del intelecto o
de los sentimientos.
CARACTERISTICAS:
Exaltación del color
Instinto e impulsividad
Desinterés por la perspectiva y el modelado
Trazos espontáneos y sueltos
Ausencia del trabajo al aire libre
EL EXPRESIONISMO
El expresionismo fue un movimiento de vanguardia surgido en Alemania a principios del
siglo XX, coincidiendo con el fauvismo francés, con el que tiene no pocos puntos en común
(rechazo de la mímesis, colores violentos…)
Sin embargo difiere de este movimiento por tener un matiz más pesimista, más feo, por así
decirlo, ya que los expresionistas alemanes no escatimaron en mostrar lo morboso, lo
prohibido, lo obsceno…El expresionismo viene a ser una deformación de la realidad para
expresarla de forma más subjetiva (aunque en definitiva, esa puede ser una definición válida
del arte: una deformación de la realidad…). Se quieren mostrar sentimientos, emociones,
algo que ilustre la naturaleza y el ser humano.
DIE BRÜCKE
Die Brücke "El Puente" es la tendencia artística de un
grupo de pintores alemanes expresionistas reunidos en
Dresde entre 1905 y 1913. En 1913 "La crónica" de
Kirchner provoca la disolución de este grupo de artistas.
La pintura del grupo Die Brücke es una de las primeras
expresiones de las vanguardias del siglo XX. Busca
experimentar e innovar, pero también efectuar una
protesta
contra
academicismos
y
ciertos
«ablandamientos» y rebuscamientos típicos de la Belle
Époque. En rigor Die Brücke, como Der Blaue Reiter,
señala el fin de tal época y trasunta el inicio de un
periodo de crisis, dicho movimiento se caracterizara por
su fuerza a la hora de pintar, narrando lo revelador en
lugar de lo "lindo" colores fuertes, patrones estridentes.
La Escuela Ashcan no era un movimiento
organizado. Los artistas que trabajaron en este
estilo no emitieron manifiestos ni se vieron a sí
mismos como un grupo unificado con
intenciones u objetivos idénticos. Algunos tenían
mentalidad política y otros eran apolíticos. Su
unidad consistía en el deseo de contar ciertas
verdades sobre la ciudad y la vida moderna que
sentían habían sido ignoradas por la influencia
asfixiante de la tradición en las artes visuales.
Robert Henri, en cierto modo el padre espiritual
de esta escuela, "quería que el arte fuera similar
al periodismo... quería que la pintura fuera tan
real como el barro, como las bóñigas de mierda
de caballo y nieve, que se congelaron en
Broadway en invierno".
ESCUELA ASHCAN
DEUTSCH WERKBUND
El Werkbund era un movimiento artístico que
buscaba integrar los oficios tradicionales con
las técnicas industriales de producción en
masa a fin de poner a Alemania en un lugar
competitivo con otras potencias tales como
Gran Bretaña o los Estados Unidos. Su lema
era "Vom Sofakissen zum Städtebau" (desde
los cojines de los sofás a la construcción de
ciudades) indica su amplio abanico de
intereses
EL CUBISMO
El cubismo fue un movimiento artístico
desarrollado entre 1907 y 1917, creado por
Pablo
Picasso
y
Georges
Braque,
continuado en sus albores por Jean
Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay,
Juan Gris, María Blanchard y Guillaume
Apollinaire.1​Es una tendencia esencial, pues
da pie al resto de las vanguardias europeas
del siglo XX. No se trata de un ismo más,
sino que es considerado la ruptura
definitiva con la pintura tradicional.
EL FUTURISMO
El futurismo fue un movimiento de vanguardia italiano que se dio a
conocer el 20 de febrero de 1909, cuando el diario Le Fígaro publicó
en París el Manifiesto futurista, escrito por el poeta Filippo Tommaso
Marinetti. Pretendía expresar los valores y experiencias de la era de la
máquina —velocidad, energía y fuerza—, revolucionando las técnicas
y el lenguaje de la literatura y las artes. Por ello, asumió como nombre
el término futurismo, que significa 'movimiento orientado hacia el
futuro'.
CARACTERISTICAS:
Exaltación de la originalidad.
Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza,
etc.
Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los
automóviles, su bullicio y dinamismo. ...
Utilización de formas y colores para generar ritmos.
Colores resplandecientes.
Transparencias.
DER BLUE RITER
Der Blaue Reiter (El Jinete Azul en español) fue el
nombre de un grupo de artistas expresionistas,
fundado por Vasili Kandinski y Franz Marc en Múnich en
1911 que transformó el expresionismo alemán.1​
También formaron parte del grupo, entre otros, August
Macke, Gabriele Münter, Alexei von Jawlensky, Marianne
von Werefkin y Paul Klee. A todos ellos les unía su
interés común por el Arte medieval y primitivo, así
como los movimientos coetáneos del fovismo y el
cubismo
EL SINCROMISMO
El sincromismo o pintura sincromista (en inglés,
Synchromism) fue un movimiento artístico fundado en 1912
por los artistas estadounidenses Stanton MacDonald-Wright
y Morgan Russell.
El sincromismo se basa en la idea de que el color y el sonido
son fenómenos similares, y que los colores en un cuadro
pueden organizarse de la misma manera armoniosa que un
compositor organiza las notas en una sinfonía. MacdonaldWright y Russell creían que pintando en escalas cromáticas,
su obra evocaría sensaciones musicales
EL ORFISMO
El orfismo (infrecuentemente llamado orficismo; en griego
antiguo, Ὀρφικά, romanizado: Orphiká) es el nombre dado
a un conjunto de creencias y prácticas religiosas,1​una
corriente religiosa de la antigua Grecia y el mundo
helenístico, así como entre los Tracios,2​ asociada a la
literatura atribuida al mítico poeta Orfeo, maestro de los
encantamientos, que descendió al inframundo griego y
regresó. Al poseer elementos propios de los cultos
mistéricos, se le suele denominar también como misterios
órficos.
Los órficos veneraban a Dioniso (que una vez descendió al
inframundo y regresó) y a Perséfone (que descendía
anualmente al inframundo durante una temporada y luego
regresaba).
EL RAYONISMO
Rayismo o cubismo abstracto es un movimiento
artístico, síntesis de las primeras vanguardias del siglo
xx, como el cubismo y el futurismo. Se puede considerar
iniciado en el Salón de la libre Esthétique de Moscú, en
1909, por Mijaíl Lariónov y Natalia Goncharova, que
profundizaron en el estilo a partir de 1913. También se
le ha asociado al Orfismo de Robert Delaunay (desde
1912).1​
Los "rayos de colores" que denominan el estilo,
ordenados en rítmicas y dinámicas secuencias
(paralelos,
perpendiculares
o
convergentes
y
divergentes), construyen el espacio pictórico.
EL SUPREMATISMO
El suprematismo fue un movimiento artístico
enfocado
en
formas
geométricas
fundamentales (en particular, el cuadrado y el
círculo), que se formó en Rusia entre 1915 y
1916. Fue fundado por el artista ucranianopolaco Kazimir Malévich.​
Se evita cualquier referencia de imitación de la
naturaleza recurriendo a módulos geométricos
y el uso del blanco y negro
EL CONSTRUCTIVISMO
El constructivismo es una corriente pedagógica basada en la teoría del conocimiento
constructivista, que postula la necesidad de entregar al estudiante las herramientas
necesarias (generar andamiajes) que le permitan construir sus propios procedimientos
para resolver una situación problemática, lo que implica que sus ideas puedan verse
modificadas y siga aprendiendo.
El constructivismo propone un paradigma donde el proceso de enseñanza se percibe y se
lleva a cabo como un proceso dinámico, participativo e interactivo del sujeto, de modo que
el conocimiento sea una auténtica construcción operada por la persona que aprende (por
el «sujeto cognoscente»)
LA PINTURA METAFISICA
La pintura metafísica (en italiano, Pittura metafisica) es el
nombre de un movimiento artístico italiano, creado por Giorgio
de Chirico y Carlo Carrà. Sus pinturas como sueños de plazas
típicas de ciudades italianas idealizadas, como también las
aparentemente casuales yuxtaposiciones de objetos,
representaron un mundo visionario que se entrelazaba casi
inmediatamente con la mente inconsciente, más allá de la
realidad física, de ahí el nombre. El movimiento metafísico
proveyó de significante ímpetu para el desarrollo del Dadaísmo
y el Surrealismo.
EL VORTICISMO
El vorticismo fue un movimiento artístico británico de
corta duración a principios del siglo XX. Se considera
que es el único movimiento británico significativo de
aquella época, pero duró menos de tres años.
El grupo vorticista comenzó con el Rebel Art Centre
que Wyndham Lewis y otros fundaron después de
mostrarse en desacuerdo con Roger Fry, fundador de
Omega Workshops, y hunde sus raíces en el Grupo
de Bloomsbury, el cubismo, y el futurismo
EL ACTIVISMO HUNGARO
El Salón Universal de Budapest de 1913, en el que se mostraban trabajos
futuristas y expresionistas, podrí­a haber sido un acicate, y aglutinador de lo
que se ha venido en llamar el „Activismo Húngaro“. Según el diccionario de
arte del siglo XX, de Oxford-Complutense (una cosa rara pero bastante
completa), los activistas, eran un grupo artí­stico, literario, y político húngaro
activo desde 1914 a 1926.La asociación artí­stica más importante húngara
surgida tras la ruptura de los ocho.
Los activistas eran mucho más políticos que los ocho y tenían como centro
de sus ideas y de su acción la „agresiva y violenta transformación de la vida
cotidiana … sus acciones tenían su origen en la actualidad, sobretodo se
relacionaban con las protestas en contra de la guerra, y la cuestión de los
trabajadores y la revolución.
LA ESCUELA DE AMSTERDAM
Se trata de un grupo de arquitectos con inquietudes
comunes, unidos estilísticamente con los arquitectos
expresionistas alemanes, con quienes compartían el gusto
por el ladrillo visto y un diseño innovador y vanguardista.
Aun así, se contraponían al coetáneo movimiento De Stijl y
su uso de nuevos materiales como el acero y el vidrio. Su
estilo artístico estaba influido en buena medida por el
racionalismo de Hendrik Petrus Berlage, del que sin
embargo rechazaban su sobriedad, y del que adoptaron
principalmente su empleo del ladrillo combinado con el
hormigón. También recibieron cierta influencia del Art
Nouveau, especialmente Henry van de Velde y Antoni
Gaudí, de los que asimilaron su gusto por las formas
naturales y los estilos exóticos de fuera de Europa
EL DADAISMO
El dadaísmo fue un movimiento cultural y
artístico creado con el fin de contrariar las
artes, que surgió en 1916 en el Cabaret
Voltaire en Zúrich. Fue propuesto por Hugo
Ball, escritor de los primeros textos
dadaístas; posteriormente, se unió el rumano
Tristan Tzara, que llegaría a ser el emblema
del dadaísmo. Una característica fundamental
del dadaísmo es la oposición al concepto de
razón instaurado por el positivismo. El
dadaísmo se caracterizó por rebelarse en
contra de las convenciones literarias, y
especialmente artísticas, por burlarse del
artista burgués y de su arte
EL PURISMO
Purismo es la denominación de un movimiento artístico francés
de la época de las vanguardias históricas (la primera mitad del
siglo XX). Abarcaba todas las posibles expresiones estéticas,
desde la pintura hasta el urbanismo.
Entre 1918 y 1925, el pintor Amédée Ozenfant (1886-1966) y el
pintor y arquitecto Charles Jeanneret, más conocido como Le
Corbusier (1887-1965), desarrollaron en la Francia de la
posguerra de la Primera Guerra Mundial un movimiento pictórico
que plantean explícitamente como una superación del cubismo.1​
Su manifiesto fundacional, de 1918, redactado por Paul Dermeé y
Le Corbusier, se tituló Après le Cubisme ("Después del Cubismo").
El resto de la obra teórica se desarrolló en la revista L'Esprit
nouveau ("El espíritu nuevo"2​) y en el libro La peinture moderne
(París, 1925, también corredactado por Le Corbusier y Ozenfant).
DE STIJL
De Stijl ('El Estilo', pronunciado [də ˈstɛɪl]) era un movimiento
artístico cuyo objetivo era la integración de las artes o el arte total, y
se manifestaban a través de una revista del mismo nombre que se
editó hasta 1931. Constituido en Leiden, Países Bajos, en 1917,
pertenecían a este movimiento Vilmos Huszár, Cornelis van
Eesteren, Antony Kok, Piet Mondrian, Bart van der Leck, Gerrit
Rietveld, Jacobus Johannes Pieter Oud y Theo van Doesburg Los
pintores Piet Mondrian y Bart van der Leck, el arquitecto J.J.P. Oud y
otros se unieron a Theo van Doesburg fundador y guía espiritual de
este grupo. De todos sus miembros, van der Leck ya creaba diseños
gráficos con franjas negras sencillas, organizando el espacio y
utilizando imágenes de formas planas con una paleta de colores
que ejerció fuerte influencia en Mondrian.2​ Las pinturas de
Mondrian constituyen la fuente a partir de la cual se desarrollaron
la filosofía y las formas visuales de De Stijl
LA BUSQUEDA DE
UN NUEVO ORDEN
1918-1945
ARBEITSRAT KUNST
Arbeitsrat für Kunst (en alemán, 'Consejo de
trabajadores
del
arte')
fue
un
movimiento
arquitectónico ligado al expresionismo, fundado en
1918 en Berlín por el arquitecto Bruno Taut y el crítico
Adolf Behne. Surgido tras el fin de la Primera Guerra
Mundial, su objetivo era la creación de un grupo de
artistas que pudiese influir en el nuevo gobierno
alemán, con vistas a la regeneración de la arquitectura
nacional, con un claro componente utópico. Sus obras
destacan por el uso del vidrio y el acero, así como por
las formas imaginativas y cargadas de un intenso
misticismo
EL NOVEMBERGGRUPPE
El Novembergruppe (Grupo de Noviembre, por la
revolución alemana de noviembre de 1918) fue un
movimiento artístico alemán ligado al expresionismo,
fundado en Berlín el 3 de diciembre de 1918 por Max
Pechstein y César Klein con el objetivo de reorganizar el
arte alemán tras la guerra. Entre sus miembros figuraron
pintores y escultores como Vasili Kandinski, Paul Klee,
Lyonel Feininger, Heinrich Campendonk, Otto Freundlich y
Käthe Kollwitz; arquitectos como Erich Mendelsohn y
Ludwig Mies van der Rohe; compositores como Alban Berg
y Kurt Weill; y el dramaturgo Bertolt Brecht. Más que un
grupo con un sello estilístico común, fue una asociación de
artistas con el objetivo de exponer conjuntamente, cosa
que hicieron hasta su disolución con la llegada del nazismo.
LA BAUHAUS
El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras
en alemán Bau, "construcción", y Haus, "casa";
irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que
su fundador fuera arquitecto, la Bauhaus no tuvo un
departamento de arquitectura en los primeros años de
su existencia.
Sus propuestas y declaraciones de intenciones
participaban de la idea de una necesaria reforma de las
enseñanzas artísticas como base para una consiguiente
transformación de la sociedad burguesa de la época, de
acuerdo con el pensamiento de su fundador. La
primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica; la
segunda (1923-1925), mucho más racionalista, y en la
tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento,
coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau.
EL PRECISIONISMO
El precisionismo, también llamado realismo cubista, fue
un movimiento artístico desarrollado en Estados Unidos
en los años 1920. Los precisionistas aglutinaron la
composición cubista con la estética futurista, aplicada a
una iconografía inspirada en los ambientes rurales e
industriales norteamericanos. El término fue acuñado
por el pintor y fotógrafo Charles Sheeler, que describió
así su estilo pictórico, de gran detallismo y precisión.
Sheeler recibió la influencia de Cézanne, Matisse,
Picasso y Braque, y junto a Morton Schamberg, otro de
los exponentes del movimiento, desarrollaron una
imaginería basada en la maquinaria agrícola, que
plasmaban en obras de aspecto casi fotográfico.
EL ART DECO
El art déco1​ (también art decó o incluso art deco)
fue un movimiento de diseño popular a partir de
1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende
hasta la década de 1950 en algunos países) que
influyó a las artes decorativas mundiales tales
como arquitectura, diseño interior y diseño
gráfico e industrial; también a las artes visuales
tales como la moda, pintura, grabado, escultura y
cinematografía.Después
de
la
Exposición
Universal de 1900 de París, varios artistas
franceses (Hector Guimard, Eugène Grasset,
Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrène y
Émile Decour) formaron un colectivo formal
dedicado a las artes decorativas de vanguardia.
LA ESCUELA DE PARIS
Se denomina Escuela de París a un grupo heterodoxo de
artistas que trabajaron en París (Francia) en el periodo de
entreguerras (1915-1940), vinculados a diversos estilos
artísticos como el posimpresionismo, el expresionismo y el
surrealismo. El término engloba a una gran variedad de
artistas, tanto franceses como extranjeros, que residían en
la capital francesa en el intervalo entre las dos guerras
mundiales En aquella época la ciudad del Sena era un fértil
centro de creación y difusión artística, tanto por su
ambiente político, cultural y económico, como por ser el
origen de diversos movimientos de vanguardia como el
fauvismo y el cubismo, y lugar de residencia de grandes
maestros como Picasso, Braque, Matisse y su discípulo
japonés Yoshio Aoyama, Léger, etc.
EL ESTILO INTERNACINAL
Es un estilo de la arquitectura moderna, encuadrable
dentro
del
funcionalismo
arquitectónico,
que
propugnaba una forma de proyectar "universal" y
desprovista de rasgos regionales. Comenzó a tomar
forma a partir de 1920. • Se consolida en1932. • Fue el
resultado de varios factores que tuvieron lugar en el
mundo occidental que la industrialización, la mecánica,
la ingeniería y la ciencia de los materiales estaban
revolucionando la arquitectura.
Búsqueda de la estética racionalista
Programas funcionalistas
Regularidad de las composiciones
Exactitud de las proporciones
Subordinación a los materiales
Énfasis en la técnica
EL
NOVECENTO
ITALIANO
Se denomina Novecento (por alusión al siglo XX, y
siguiendo la tradición del Quattrocento y el Cinquecento)
a un movimiento artístico desarrollado en Italia en los
años 1920-1930. El grupo se fundó en 1922 en torno a
una serie de artistas vinculados a la Galería Pesaro de
Milán, entre los que se encontraban Anselmo Bucci,
Leonardo Dudreville, Achille Funi, Gian Emilio Malerba,
Piero Marussi, Ubaldo Oppi y Mario Sironi. Dichos artistas
pretendían renovar el arte italiano entroncando con el
Renacimiento, de ahí el nombre del grupo. Estaban
liderados por la escritora y crítica de arte Margherita
Sarfatti, amante de Mussolini, estando alineados de forma
clara con el fascismo. El propio Mussolini inauguró la
primera exposición del grupo, realizada en la Galería
Pesaro en 1923, participando igualmente en la Bienal de
Venecia de 1924.
DER RING
El origen del Ring se encuentra en las reuniones
organizadas en torno a 1924 por los arquitectos Mies van
der Rohe y Hugo Häring en la oficina que por entonces
estos dos arquitectos compartían. Inicialmente el grupo se
llamó "Der Zehnerring" o "el Anillo de los Diez", por estar
compuesto por diez arquitectos: además de los ya
mencionados Mies y Häring, formaban parte del grupo:
Peter Behrens, Erich Mendelsohn, Hans Poelzig, Bruno Taut,
Max Taut, Walter Schilbach, Otto Bartning, y Martin Wagner.
Uno de los motivos de la fundación del grupo era la
destitución de Ludwig Hoffmann, arquitecto jefe de Berlín,
de perfil conservador, y su sustitución por Martin Wagner,
objetivo que se logró en 1925.
NEUE SACHILICHKEIT
La nueva objetividad (en alemán: Neue Sachlichkeit) fue un
movimiento artístico surgido en Alemania a comienzos de
los años 1910 que rechazaba al expresionismo. El
movimiento acabó, esencialmente, en 1933 con la caída de
la República de Weimar y la toma del poder por los nazis.
El término se aplica a obras de arte pictórico, literatura,
música, arquitectura, fotografía o cine.
La nueva objetividad en arquitectura, como ocurre en la
pintura y en la literatura, describe la obra alemana de los
años de transición a principios de los años veinte en la
cultura de Weimar, como una reacción directa a los
excesos estilísticos de la arquitectura expresionista y el
cambio en el estado de ánimo nacional.
EL SURREALISMO
El surrealismo1​ (del francés surréalisme) fue un movimiento
cultural desarrollado en Europa tras la Primera Guerra
Mundial, influenciado en gran medida por el dadaísmo.2​ La
RAE lo describe como "movimiento artístico y literario que
intenta sobrepasar lo real impulsando lo irracional y onírico
mediante la expresión automática del pensamiento o del
subconsciente"
El movimiento es conocido por sus artes visuales y su
escritura mezclado a una imaginación inusual. Los artistas
pintaban imágenes desconcertantes e ilógicas, a menudo con
una precisión fotográfica, creando extrañas criaturas de
objetos cotidianos y desarrollando técnicas pictóricas que
permitían desvelar el subconsciente.​ El objetivo era, según
André Breton, "convertir las contradicciones de los sueños y la
realidad en una realidad absoluta, una súper realidad".
EL ELEMENTARISMO
A mediados de la década del 20, cuando Van
Doesburg tomó la decisión de romper la
ortogonalidad dogmática del neoplasticismo, produjo
el mayor punto de inflexión en el movimiento
neoplásico desde que redactara los primeros
manifiestos del grupo De Stijl.
Van Doesburg sentía que el neoplasticismo se
encontraba estancado en una rigidez creativa, a la que
había llegado por la ortodoxia del dualismo horizontal
–lo físico- y vertical –lo espiritual-. Para Van Doesburg,
ese equilibrio de tensiones ya no instauraba un
principio inalterable. Alega que la pintura de
Mondrian, al exaltar ese patrón de manera estricta,
mantenía un concepto clásico de composición
inadmisible para un arte de ruptura.
EL FUTURO DE LA
MODA CIRCULAR
Gruppo 7 también conocidos como Gruppo Sette y
Gruppo Como fue un grupo de arquitectos italianos cuyo
objetivo era renovar el pensamiento de la arquitectura y la
investigación formal y funcional de la construcción italiana
a través de la adopción del racionalismo, grupo del que
surgió más tarde el Movimento Italiano per L'Archi-tettura
Razionale (MIAR).
Este grupo se formó en 1926 por Luigi Figini, Guido Frette,
Sebastiano Larco, Gino Pollini, Carlo Enrico Rava, Giuseppe
Terragni, Castagnola Ubaldo, reemplazado al año siguiente
por Adalberto Libera y Giuseppe Pagano, figura clave de la
crítica arquitectónica de la época, quien no se adhiere
directamente al grupo, si bien apoyó sus posiciones,
compartiendo las ideas del movimiento.
EL M.I.A.R.
El MIAR (Movimiento Italiano por una Arquitectura
Racionlista) fue una coalición de arquitectos
racionalistas de corta duración que se organizó
durante el periodo de entreguerras, que fundada en
1930 se disolvió en 1931. Sucesora de dos
asociaciones previas de arquitectos racionalistas, el
GRUPPO 7 y el Movimento dell 'Architettura Razionale
(MAR), se componía de una serie de grupos
regionales entre los que figuraban Piero Bottoni, Luigi
Figini, Gino Pollini, Giuseppe Terragni y Pietro Lingeri
Giuseppe en Milán, Bruno Lapadula, Luigi Piccinato y
Mario Ridolfi en Roma, Gino Levi Montalcini, Giuseppe
Pagano y Ettore Sottsass en Turín, así como un grupo
mixto compuesto por Alberto Sartoris, Mario Labò y
Adalberto Libera, que era el secretario nacional.
EL ARTE CONCRETO
El arte concreto o concretismo es una tendencia
dentro de la pintura abstracta que se desarrolló
durante los años 1930 a partir de la obra de De
Stijl, los futuristas y Kandinsky en torno al pintor
suizo Max Bill (1908-1994). La expresión arte
concreto fue introducida por primera vez por Theo
van Doesburg en su «Manifiesto de arte concreto»
(1930). Tal como él lo entiende, esta forma de
abstracción debe liberarse de cualquier asociación
simbólica con la realidad, argumentando que las
líneas y los colores son concretos por sí mismos.
Predomina la forma sobre el color; se usan colores
planos.
EL REALISMO MAGICO
El realismo mágico se define como una preocupación
estilística y el interés de mostrar lo irreal o extraño como
algo cotidiano y común. No es una expresión literaria
mágica, su finalidad no es suscitar emociones sino, más
bien, expresarlas, y es, sobre todas las cosas, una actitud
frente a la realidad.
Contenido
de
elementos
mágicos/fantásticos,
percibidos por los personajes como parte de la
"normalidad".
Elementos mágicos tal vez intuitivos, pero (por lo
general) nunca explicados.
Presencia de lo sensorial como parte de la percepción
de la realidad
LA AMERICAN SCENE
El Regionalismo estadounidense es un movimiento de arte
moderno realista estadounidense que incluye pinturas, murales,
litografías e ilustraciones que representan escenas realistas de
la América rural y de pequeñas ciudades, principalmente en el
Medio Oeste y el Sur. Surgió en la década de 1930 como
respuesta a la Gran Depresión, y terminó en la década de 1940
debido al final de la Segunda Guerra Mundial y la falta de
desarrollo dentro del movimiento. Alcanzó su mayor
popularidad desde 1930 hasta 1935, ya que fue muy apreciado
por sus tranquilizadoras imágenes del corazón de Estados
Unidos durante la Gran Depresión. A pesar de las grandes
diferencias estilísticas entre artistas específicos, el arte
regionalista en general tenía un estilo relativamente
conservador y tradicionalista que apelaba a las sensibilidades
populares estadounidenses
EL REALISMO SOCIAL
Realismo social es una expresión asociada a una corriente
con el propósito de expandir y hacer énfasis a problemas
sociales para sus cuadros, los escritores realistas usaban las
problemáticas de la sociedad para realizar sus novelas,
designando muy diferentes conceptos en la historia del arte
y de la literatura, mediante la asociación de los términos
"realismo" y "social", especialmente la denominada "cuestión
social" (la situación de los más desfavorecidos).
El realismo literario busca sus temas en la vida cotidiana.
Especialmente se identifica con lo social su derivación más
extrema, el naturalismo. Los temas más frecuentes del
realismo social en la literatura son: la vida en el campo (Los
bravos), el trabajo (La zanja), la juventud burguesa (Fin de
fiesta) y la guerra (Duelo en el paraíso).
EL REALISMO SOCIALISTA
El realismo socialista es una corriente artística cuyo
propósito es expandir la conciencia de clase y el
conocimiento de los problemas sociales y las vivencias
de las personas. Fue la tendencia artística impuesta
oficialmente durante gran parte de la historia de la Unión
Soviética, particularmente durante el gobierno de Iósif
Stalin, en la República Popular China y, en general, en la
mayoría de los países socialistas. rante el año siguiente a
la Revolución rusa, las corrientes vanguardistas eran
vistas como un natural complemento para las políticas
revolucionarias; en las artes visuales florecía el
constructivismo y en poesía y música se elogiaban las
formas no tradicionales y vanguardistaS.
EL NEOROMANTICISMO
El Romanticismo es un movimiento cultural que se originó en
Alemania y en Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción
revolucionaria contra la Ilustración y el Neoclasicismo, confiriendo
prioridad a los sentimientos.1​ Es considerado como el primer
movimiento de cultura que cubrió el mapa completo de Europa. En
la mayoría de las áreas estuvo en su apogeo en el período
aproximado de 1800 a 1850.2​ Luego, cedió su lugar al positivismo,
que fomenta el pensamiento crítico y el empirismo como bases del
conocimiento y la sociedad
La conciencia del Yo como entidad autónoma y, frente a la
universalidad de la razón dieciochesca, dotada de capacidades
variables e individuales como la fantasía y el sentimiento.
La primacía del genio creador de un Universo propio, el poeta
como demiurgo.
MAS ALLA DE LAS
VANGUARDIAS
1965-HOY
EL MINIMALISMO
El término minimalismo, en su ámbito más general, es la
tendencia a reducir a lo esencial (lo útil, y lo
embellecedor sin decorar de más), a despojar de
elementos sobrantes. La frase que resume la filosofía
minimalista es la famosa «menos es más», atribuida al
arquitecto moderno Mies Van der Rohe. Es la traducción
del término inglés minimalism, puesto que surge en los
Estados Unidos a comienzos de la década de 1960,
continuando la tradición geométrica estadounidense y
reaccionando contra el abusivo predominio de las
corrientes realistas y el arte pop por parte de museos y
coleccionistas. Esta tendencia supuso la última etapa del
reduccionismo propuesto en su día por Kazimir Malévich,
por los constructivistas rusos y por el movimiento
artístico De Stijl.
EL ARTE CONCEPTUAL
El arte conceptual, también conocido como idea art,
es un movimiento artístico en el que las ideas dentro
de una obra son un elemento más importante que el
sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra
prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos
casos la idea es la obra en sí misma, quedando la
resolución final de la obra como mero soporte.
El artista Sol LeWitt likzae describió así el arte
conceptual: «En el arte conceptual la idea o el
concepto es la parte más importante del trabajo.
Cuando un artista utiliza una forma conceptual de
arte, significa que todo el planteamiento y las
decisiones están hechos de antemano; la ejecución
es un asunto superficial. La idea se convierte en una
máquina que hace el arte».
EL BODY ART
El arte corporal (o en inglés, body art) es un estilo enmarcado
en el arte conceptual, de gran relevancia en los años 1970 en
Europa y, en especial, en África.
Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta
(pintura corporal), se tatúa, se añaden piercings, se calca, se
ensucia, se cubre, se retuerce; el cuerpo es el lienzo o el molde
del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o
performance, con una documentación fotográfica o
videográfica posterior. En ocasiones con procesos lesivos,
heridas leves, o marcas corporales.
El arte corporal también destaca a menudo los aspectos
viscerales o abyectos del cuerpo, centrándose en sustancias
corporales o el tema de la nutrición. Los contrastes como los
de vestido y desnudo, interno y externo, partes del cuerpo y el
todo también son un tema común
LA INSTALACION
La instalación artística, el arte instalación o el instalacionismo, es un
género de arte contemporáneo que surge en la década de los años
1960 en la idea de que la obra prevalece sobre sus aspectos
formales. Es parte del arma experimental artística, puede ser
temporal y se puede representar en cualquier espacio. Una
instalación se realiza en un contexto y espacio determinado.1​ Por
definición, tiene una duración determinada y, por ende, entra dentro
de lo que se conoce como arte efímero. En la mayoría de los casos
permite una interacción activa con el espectador.La intervención
artística de espacios es una manifestación propia del arte
contemporáneo conceptual. El artista propone el concepto dentro de
un contexto dado; las instalaciones pueden presentarse en cualquier
espacio y ser realizadas con los más variados materiales, medios
físicos, visuales o sonoros, incluso en ocasiones intervienen otras
disciplinas artísticas como la fotografía, el videoarte o la performance.
EL HIPERREALISMO
El hiperrealismo es un género de pintura y
escultura que se asemeja a la fotografía. El
hiperrealismo es considerado un avance del
fotorrealismo por los métodos utilizados.1​ El
término se aplica a un movimiento y estilo de arte
independiente que surge en Estados Unidos y
Europa a finales de 1960 y a principios de 1970.
El hiperrealismo actual se fundó en los principios
estéticos
del
fotorrealismo.
El
pintor
estadounidense Denis Peterson, cuyas obras
pioneras son universalmente vistas como una
rama del fotorrealismo, utilizó por primera vez el
término "hiperrealismo" para aplicar al nuevo
movimiento y su grupo disidente de artistas.
EL ANTIDISEÑO
Opuesto al racionalismo y a la primacía del diseño sobre la función social y
cultural de la arquitectura, el antidiseño puso énfasis en el estudio de las
necesidades de los individuos por sobre cualquier otra consideración.
El pionero dentro de esta tendencia fue el grupo inglés Archigram (19611974), formado por Peter Cook, Warren Chalk, Ron Herron, Dennis
Crompton, Michael Webb y David Greene. El nombre es una contracción
de los términos ingleses Architecture y Telegram, y quería expresar la idea
de que enviaban un nuevo mensaje al anquilosado mundo arquitectónico.
Inspirados en la visión innovadora de arquitectos como Bruno Taut,
Antonio Sant'Elia y Richard Buckminster Fuller, así como diversas obras
teóricas como Teoría y diseño en la primera era de la máquina, de Reyner
Banham (1960), este grupo creó una nueva perspectiva para la
arquitectura del futuro, marcada por el reciclaje y la portabilidad, así como
el predominio de la tecnología.
EL VIDEO ARTE
El videoarte, arte video o arte audiovisual es una
forma de expresión que se basa en el uso de
tecnología de video como medio visual y audible.
El videoarte surgió a fines de la década de 1960
cuando la nueva tecnología de video de
consumo, como las grabadoras de video, se hizo
disponible
fuera
de
las
transmisiones
corporativas. El videoarte puede tomar muchas
formas: grabaciones que se emiten; instalaciones
vistas en galerías o museos; obras transmitidas
en línea, distribuidas como cintas de video o DVD;
y actuaciones que pueden incorporar uno o más
televisores, monitores de vídeo y proyecciones,
que muestran imágenes y sonidos en directo o
grabados.
EL EARTH ART
El Land art , conocido como Earth art , arte ambiental y
Earthworks , es un movimiento artístico que surgió en las
décadas de 1960 y 1970, [1] asociado en gran parte con
Gran Bretaña y los Estados Unidos [2] [3] [4]pero eso
también incluye ejemplos de muchos países. Como
tendencia, el "land art" amplió los límites del arte por los
materiales utilizados y la ubicación de las obras. Los
materiales utilizados eran a menudo los materiales de la
tierra, incluidos el suelo, las rocas, la vegetación y el agua
que se encontraban en el sitio, y los sitios de las obras a
menudo estaban alejados de los centros de población.
Aunque a veces era bastante inaccesible, la
documentación fotográfica solía llevarse a la galería de arte
urbano.
LOS SIETE WORKS
La huida de Caravaggio de Roma se produjo tras
el asesinato de un hombre. Con una orden de
aprehensión a sus espaldas y fuera de la ley,
Caravaggio huyó a Nápoles. Allí, bajo la
protección de los Colonna, la autoridad romana
veía mermado su poder. Es en esta ciudad que
comienza también la madurez pictórica de
Caravaggio, convirtiéndose en la estrella de la
pintura napolitana.
En esta etapa realizó las Siete obras de
misericordia y la Madonna del Rosario. Luego de
este suceso, Caravaggio permaneció unos meses
más en Nápoles y finalmente marchó a Malta,
sede de los Caballeros de Malta.
EL ARTE POVERA
Denominación creada por el crítico de arte italiano
Germano Celant bajo la cual se integran actividades
artísticas muy variadas pero que en general todas tienen
en común la utilización de materiales pobres como paja,
arena, piedras, ramas, hojarascas, fragmentos u objetos
de metal, piezas de loza o vidrio, aunque los artistas del
movimiento usaron también oro, seda, mármol o cristal
de Murano
Surge en 1967 en Italia, año en el que se organizaron dos
importantes exposiciones, y alcanzó una gran
repercusión internacional en 1972 por el protagonismo
que tiene en la quinta edición de la Documenta de Kassel.
Los artistas más representativos del movimiento son:
Kounellis, Anselmo, Zorio, Pistoletto, Merz, Boetti, Penone
y Fabro.
EL
MOVIMIENTOPOSMODERNO
Posmodernidad puede referirse tanto al proceso de
transformación cultural de la modernidad a partir de
la década de 1970, y especialmente 1980, como a
los diferentes movimientos culturales, filosóficos y
artísticos de ese período que cuestionan los
paradigmas de la modernidad, así como su vigencia
universal y atemporal
Si la partícula post significa 'después', ¿hablar de
posmodernidad implica admitir que la modernidad y
sus valores han terminado?
EL HIGH-TECH
El high-tech («alta tecnología») es un estilo arquitectónico que se desarrolló durante los años
setenta. Toma su nombre del libro The Industrial Style and Source Book for The Home,
publicado en 1978 por Joan Kron y Suzanne Slesin. El libro muestra abundantes ejemplos de
obras donde priman los materiales industrializados particularmente utilizados en techos,
pisos y muros.
Otro término utilizado para identificar este estilo es el de Tardo Modernismo, de cualquier
forma, inicialmente la arquitectura High Tech implicó una revitalización del Movimiento
Moderno; un desarrollo natural de las ideas precedentes pero apoyado en la innovación y la
tecnología. Este período hace de puente entre el Movimiento Moderno y el
Postmodernismo; se insinúa en uno de esos períodos grises donde no hay un límite claro
entre el fin de un período y el inicio de otro. Podría decirse que se retoma un estilo que
agonizaba como el Movimiento Moderno, se lo reinterpreta a partir de darle una fuerte
imagen tecnológica y se lo lanza persistiendo hasta el presente.
EL NEOEXPRESIONISMO
El neoexpresionismo es un movimiento pictórico
surgido a finales de los años sesenta y principios de los
años setenta en Alemania, desde donde se extendió
por el resto de Europa y Estados Unidos.
Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y
la figuración libre francesa, este estilo surgió como una
reacción contra el minimalismo y el arte conceptual
que predominaron durante los años setenta. El
neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad,
sus descarnados temas, la forma en que estos son
tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles
como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de
manera muy burda
EL ARTE NEOPOP
El neo pop es un movimiento artístico que data de los
ochenta del siglo XX. Al contrario de lo que se cree
habitualmente, el neo pop (o neopopart) no es solo una
versión actualizada del movimiento artístico Arte pop que se
dio en los años sesenta y setenta. Aunque las bases son muy
parecidas en muchos casos, principalmente el uso de
imágenes de la cultura popular y de los medios de
comunicación de masas, lo cierto es que el neo-pop va mucho
más allá. Debido a la disponibilidad de imágenes mediáticas
desde el arte pop ha crecido exponencialmente, también lo
ha hecho las maneras de usarlas. No solo hay más fuentes,
sino que el arte en general ha cambiado mucho en estos
treinta años, y actualmente todo es posible. No solo los
nuevos materiales aplicados, sino también la combinación de
imágenes de diferentes periodos de la historia.
LA TRANSVANGUARDIA
La Transvanguardia (en italiano, Transavanguardia, «más allá
de la vanguardia») es un movimiento artístico italiano de la
postmodernidad. El término fue acuñado en 1979 por el
crítico italiano Achille Bonito Oliva, para una serie de pintores
italianos1​ originado en el "Aperto '80" en la Bienal de
Venecia,2​3​.
Nació en los años de los ochenta, en contraposición al arte
povera, movimiento anterior de moda hasta entonces en
Italia. La transvanguardia teorizaba el regreso a la alegría y a
los colores de la pintura después de algunos años de
dominación del arte conceptual. El movimiento tuvo como
protagonistas a un sexteto de artistas: Sandro Chia, Horacio
de Sosa Cordero, Enzo Cucchi, Francesco Clemente, Nicola De
Maria y Mimmo Paladino. Aparte puede mencionarse al artista
griego Jannis Kounellis.
EL SOUND ART
Como muchos géneros del arte contemporáneo, el arte
sonoro es interdisciplinario por naturaleza, tomando formas
híbridas. El arte sonoro se ocupa frecuentemente de
aspectos como la acústica, la psicoacústica, la electrónica, el
noise, los medios de audio y la tecnología (tanto analógica
como digital), el sonido encontrado o ambiente, la
exploración del cuerpo humano, la escultura, la película o el
vídeo y un abanico de temas creciente.
Desde el punto de vista de la tradición occidental, los
primeros ejemplos de este arte incluyen a Luigi Russolo y su
Intonarumori, y los experimentos que a continuación
realizaron los dadaistas, surrealistas y situacionistas. Dada la
diversidad del arte sonoro, existe a menudo un debate sobre
si el arte sonoro cae dentro y/o fuera tanto del arte visual
como de la música experimental.
EL ARTE EN INTERNET
El arte de Internet (también conocido como net art ) es una
forma de arte de los nuevos medios que se distribuye a través
de Internet . Esta forma de arte elude el dominio tradicional del
sistema físico de galerías y museos. En muchos casos, el
espectador se ve atraído por algún tipo de interacción con la
obra de arte. Los artistas que trabajan de esta manera a veces
se denominan artistas de la red .
Los artistas de la red pueden usar tradiciones sociales o
culturales específicas de Internet para producir su arte fuera de
la estructura técnica de Internet. El arte de Internet es a
menudo, pero no siempre, interactivo, participativo y basado en
multimedia . El arte de Internet se puede utilizar para difundir
un mensaje, ya sea político o social, mediante interacciones
humanas.