Fotografía Arquitectónica: Historia y Figuras Clave

Fotografía de arquitectura
Origen
El fotógrafo de arquitectura trata de captar los espacios creados por el hombre, y como se
relacionan estos con su entorno más inmediato. La relación entre un edificio y la ciudad o la relación
entre el interior de este, como continente y los elementos contenidos en él. Volúmenes, llenos y
vacíos. Juego de luces y de sombras. Ángulos. Simetrías. Formas.
La fotografía arquitectónica está ligada a la época en la que el artista vive, los cambios sociales,
políticos, culturales estarán presentes la mayoría de su obra.
Louis Daguerre en 1838 fotografía una calle de París completamente vacía salvo por una persona y el
limpiabotas que apenas pueden distinguirse. En realidad, había muchos transeúntes en esta escena,
simplemente que no podían ser capturados ya que debían de permanecer inmóviles más de 10
minutos.
En 1850, Charles Marville fue el elegido por el ayuntamiento para inmortalizar una ciudad que estaba
a punto de desaparecer bajo las demoliciones planteadas por el urbanista a cargo, lo que supondría
la definitiva transformación del viejo, oscuro y medieval París en una urbe moderna, luminosa y
totalmente saneada.
Realizó cientos de fotografías de las angostas calles medievales de la capital gala y de sus desoladas
afueras. Aunque también tuvo tiempo para retratar los bulevares y las avenidas de la renovada
ciudad. Fue nombrado fotógrafo oficial de París.
Principios del siglo XX
Eugène Atget emprendió una febril actividad que le llevaría a realizar más de 10.000 instantáneas en
las calles de París durante las dos primeras décadas del siglo XX. Palacetes, calles, puertas, fachadas,
escaleras…
Atget ha pasado a la historia gracias (en gran medida) a sus fotografías de arquitectura. Realizadas
en las primeras horas del día y totalmente carentes de presencia humana a causa del uso de tiempos
de exposición muy elevados, las imágenes de Atget están cargadas de misterio y poseen un extraño
lirismo que fascinó a algunos de los referentes del movimiento surrealista, entre ellos al mismísimo
Man Ray.
La estadounidense Berenice Abbott abandonó una incipiente carrera como retratista en París para
dedicarse a fotografiar la “gran manzana” en los años 30.
En su proyecto documental “Changing New York”, Abbott logró plasmar con una mirada
absolutamente moderna y precisa los primeros pasos de la megalópolis que acabaría por convertirse
en la capital de la economía mundial. Las composiciones matemáticas, los violentos contrapicados y
las líneas oblicuas y dinámicas son algunos de los rasgos estilísticos de su obra fotográfica.
Padre de la fotografía documental y gran cronista de los Estados Unidos profundos, Walker Evans
realizó en los inicios de su carrera cientos de fotografías de la arquitectura del sur de Estados Unidos.
Retrató los palacios, casas, comercios y calles de una sociedad en pleno proceso de desintegración.
Su mirada cruda y áspera y su gusto por el realismo y la precisión fueron toda una revolución en los
años 30 y 40, una época en la que la fotografía norteamericana se abordaba desde una óptica más
romántica y emotiva.
Años 50
Lucien Hervé quedó impresionado por el estilo Moderno del arquitecto Le Corbusier el cual al ver sus
fotografías le dijo: ‘’Tienes alma de arquitecto’’. Los dos trabajaron juntos hasta la muerte de Le
Corubusier en 1965.
Hervé mostró un gran dominio del espacio y la composición de las imágenes, cargadas de luces
oblicuas y sugerentes sombras.
En la Capilla de Ronchamp se centró en los detalles, en la textura rugosa del hormigón, en las
sombras proyectadas en las fachadas, en la dramática curva de la cubierta… creando imágenes que,
vistas fuera de contexto, parecen más figuras abstractas que una iglesia, pero que vistas como parte
una secuencia ayudan a experimentar mejor el espacio de una manera que a las imágenes generales
se les escapa.
Famoso por su habilidad para fotografiar los edificios siempre desde el mejor ángulo y con la luz más
adecuada, el estadounidense Ezra Stoller supo capturar como nadie la esencia de la arquitectura
moderna de las décadas de los años 50 y 60 del siglo XX. Se dice que los más brillantes arquitectos de
la época soñaban con conseguir que sus creaciones fueran stollerizadas.
La exposición desprende la nostalgia de un país perdido, un territorio que fue pero ya no es poblado
por los productos constructivos surgidos del boom económico e industrial posterior a la II Guerra
Mundial.
Lejos de caracterizarse por ser un fotógrafo intuitivo, sus instantáneas siempre eran el fruto de un
meticuloso y obsesivo proceso que incluía largas jornadas de pura observación, escrutando el edificio
desde todos los ángulos posibles y analizando minuciosamente la trayectoria de la luz en las
diferentes fases del día.
Julius Shulman no se conformaba con revelar las ideas y los conceptos puramente arquitectónicos y
su relación con el entorno, sino que sus fotografías trascendían más allá para convertirse en
perfectos reflejos de una época y un modo de vida.
Fue uno de los primeros en fotografiar las viviendas con sus habitantes, en escenas cotidianas, y
trabajaba sobre el terreno para dotar a los edificios de un entorno adecuado para el encuadre. Sus
instantáneas reflejan la esencia del sueño californiano, logrando presentar las frías arquitecturas
modernistas en acero y cristal como cálidos y confortables hogares, bordeando a veces la
incongruencia al presentar un ambiente doméstico y acogedor en espacios que no parecen pensados
para ello.
Finales del siglo XX y principios del siglo XIX
Hélène Binet Ha trabajado para grandes arquitectos dando como resultado imágenes que crepitan
con luz, sombra y textura, siempre formando una investigación íntima del edificio en cuestión.
Fiel aún al medio analógico y al gran formato, su obra se centra fundamentalmente en los aspectos
sensoriales del espacio arquitectónico a través de imágenes en blanco y negro que revelan la
importancia de la luz y la materia en arquitectura.
Iñigo Bujedo Aguirre trabaja la arquitectura como un espacio que compone con naturaleza y,
normalmente, con personas que están disfrutando de ese lugar, aportando una idea de escala para
comprender la magnitud de los edificios.
Trabaja sobre el concepto de como los edificios forman parte de paisaje y lo transforman al mismo
tiempo.
Alex Fradkin fotografío la arquitectura de ciudades como Nueva York o Cuba. Edificios en mal
estado, paredes urbanas futuristas y estructuras arquitectónicas.
Mezcla la fotografía de arquitectura con la foto documental, donde sus obras muestran el tiempo,
memoria, historia y tranquilidad; mundos encantados y olvidados mostrando un paisaje narrativo.
Las fotografías de Miguel de Guzmán están protagonizadas por multitud de agentes inesperados en
las imágenes habituales de arquitectura. Se alejan de la concepción del edificio como protagonista
único, brillante y solitario, desconectado en un tiempo irreal y una atmósfera perfecta.
Sus fotografías son elaboraciones narrativas y atmosféricas con influencias del cine de David Lynch,
las fotografías de Gregory Crewdson, Cindy Sherman o el manga japonés.
Candida Höfer es una fotógrafa alemana considerada uno de los máximos representantes de la
corriente alemana Nueva Objetividad. En sus fotografías más características pone de manifiesto las
cualidades del espacio y la arquitectura marcado por la desnudez, la simplicidad y la objetividad.
Ha capturado retratos de numerosos edificios emblemáticos, verdaderos tesoros alrededor del
mundo, grandes teatros, bibliotecas, museos, etc. Espacios de representación y utilidad pública,
vaciados de toda presencia humana.
Iñaki Bergera es un fotógrafo que trabaja las relaciones entre fotografía, arquitectura y paisaje
contemporáneo.
En el verano de 2012 fotografió veintiséis gasolineras abandonadas en su viaje por el suroeste de
Estados Unidos, que expuso bajo el nombre: Twentysix (Abandoned) Gasoline Stations
“apropiación” u “homenaje” a Ed Ruscha quien hace exactamente cincuenta años fotografió
veintiséis gasolineras de la mítica Ruta 66 que publicó en el libro Twentysix Gasoline Stations.
Los propósitos que le guiaron fueron su atracción por los coches, los viajes por carreteras
secundarias, la vida al borde de la carretera, el interés por las estructuras arquitectónicas comerciales
e industriales, asuntos que, junto a su atención por los procesos de construcción y destrucción, y el
análisis del deterioro, contribuyen en cierto modo a perfilar un mapeado sociológico.
Fotografía Social
¿Qué entendemos por social?
Todo lo que está relacionado con el ser humano y el modo en el que vive.  Aumenta o cambia de
valor con el tiempo.  Recuerdo.
Puntos de vista en la fotografía social
•Conciencia social: Usan el potencial de la fotografía para generar una conciencia social con idea de
reforma
Jacob Riis
Lewis Hine
Walker Evans ( crisis del 29 y sur de america)
Dorothea Lange
Ben Shahn
Russell Lee
Sol Libsohn
Walter Rosenblum
Sid Grossman
•Humanista: La fotografía podía ayudar a revelar lo mejor de las personas y transmitir esperanza
Paul Martin
André Kertész
Martin Munkacsi
Brassaï
Paul Strand
Manuel Álvarez-Bravo,
Henri Cartier-Bresson
W. Eugene Smith
•Gestual: Se centra en el interior del hombre y sus problemas existenciales para transmitir una
realidad psicológica
Robert Frank
Lee Friedlander
Garry Winogrand
Diane Arbus
•Intimista: Los fotógrafos se centran en fotografiar su círculo más íntimo, amigos y familia
Larry Clark: Hace una fotografía muy directa, muy espontánea. Fotografía situaciones de su vida
cotidiana, a sus familiares y amigos.
Nan Goldin: Hace fotografías de su vida: peleas, drogas, sexo... Retrata su vida, su día a día y las
cosas que le suceden en ella.
Richard Billingham: Fotografía principalmente a su madre y a su padre. Utiliza materiales muy
baratos para atrezzo y materiales de fotografía. Hacia escenas cotidianas.
Larry Sultan: sus fotografías hablan de su familia, la cual aparece posando en todas sus fotografías.
Cuida mucho la luz, el encuadre, la pose…
Mitch Epstein (Family Business): Muestra, como los demás, a su familia y los negocios que tiene esta.
Introduce objetos en sus fotografías.
Apropiacionismo
Definición
Apropiacionismo se refiere al uso de elementos de una obra de arte para fines propios.
Este movimiento que surge a finales de los años 70 y es uno de los más controversiales en el arte
contemporáneo, pues tomar prestados elementos de una obra de arte ha llegado a llamarse plagio.
El término fue acuñado por el crítico de arte Douglas Crimp, quien organizó la exposición Pictures a
la que invitó a artistas como Cindy Sherman, Richard Prince y Sherrie Levine, quienes no trabajaban
con imágenes originales, sino que se apropiaban de las de otros autores para reinterpretarlas desde
su punto de vista.
Características
•Los artistas buscan reinterpretar la realidad para crear un nuevo concepto sobre esta.
•Las piezas apropiadas suelen ser, por regla general, obras icónicas, pues mientras más popular sea
la cosa fagocitada, mayor será el efecto. Este es uno de los motivos por los que el apropiacionismo
nada tiene que ver con el plagio.
•Buscan desacralizar la obra de arte para equipararla al resto de objetos.
•Quieren romper con los cánones tradicionales, generar polémica, poner en evidencia conceptos
como la originalidad y la autoría.
Sherrie Levine
Sus obras se han interpretado como un comentario sobre la muerte de la tradición artística.
La obra de arte pasa a ser una mercancía.
Su trabajo más importante es el llamado After Walker Evans, donde la artista fotografió las
fotografías de Walker Evans y las exhibió sin ninguna manipulación en 1980 en la galería de arte de
Nueva York, bajo la idea de “Una imagen no es sustituta de nada”.
Causó mucha polémica: primero, porque al fotografiar fotografías, homologaba la obra de arte al
resto de objetos del mundo, y en segundo lugar, por los problemas legales que le comportaron.
Richard Prince
Su trabajo se caracterizará en una primera etapa por creó una serie de collages hechos a base de
fotografías que iba tomando de distintos anuncios y otros medios.
Untitled Cowboy, 1975.
New Portraits, 2014. Habla sobre los nuevos tipos de retratos que están surgiendo gracias a las redes
sociales. Esta exposición está hecha con capturas de pantalla directamente de fotografías de
usuarios de Instagram que el artista modifica levemente incluyendo un comentario inexistente en la
fotografía original. Richard quiere poner de manifiesto como perdemos el control con los contenidos
que subimos a internet.
Axiomas de la comunicación
Axioma: Afirmación o postulado que es tomado como una verdad incuestionable, que no necesita
demostración previa.
Comunicación: La acción y el efecto de transmitir información, ideas o sentimientos de una entidad o
persona a otra.
Las dos son verdades incuestionables que forman parte de la comunicación.
1 º Axioma
La imposibilidad de no comunicar
En la relación social es imposible no comunicarse, es decir, la comunicación se produce siempre. Cada
comportamiento, consciente o no, intencional o no, puede ser interpretado y es, por tanto, un
mensaje. Cualquier actividad e, incluso, la inactividad, las palabras o el silencio, tienen valor de
mensaje.
¿En fotografía siempre que haya un espectador hay mensaje?
2º Axioma
Toda comunicación tiene un nivel de contenido y un nivel de relación
Contenido: lo que queremos decir, la información.
Relación: el vínculo que existe entre los interlocutores.
La relación va a condicionar la comunicación y va a provocar un comportamiento u otro en las
personas.
¿De qué manera se entiende el aspecto relacional en la fotografía?
3º Axioma
La relación depende de cómo se ordene la secuencia de actos comunicativos
Las personas interpretan lo que ocurre, básicamente ordenando los hechos en secuencias
coherentes, pero de forma arbitraria. No todo el mundo ve la realidad de la misma manera. Esto
puede causar problemas o conflictos.
¿De qué forma podría entenderse esta relación entre el fotógrafo y los espectadores?
4º Axioma
Los seres humanos se comunican tanto digital como analógicamente
La digital se refiere al lenguaje verbal. La analógica, en cambio, es todo el comportamiento no verbal
como un dibujo, una fotografía o un gesto.
Analógica
Nivel de relación
Intuitivo
Ambiguo
Digital
Nivel de comunicación
Complejo
Preciso
¿Cómo puede aprovechar estos dos fenómenos un fotógrafo para optimizar su eficacia
comunicativa?
5º Axioma
Todos los intercambios comunicacionales son simétricos o complementarios
La comunicación se puede desarrollar desde una perspectiva jerárquica en la que por un lado los
participantes se encuentren en igualdad de condiciones, y por otro lado en la que los participantes
tienen roles distintos y se complementan existiendo una «desigualdad».
¿En qué casos la fotografía tiene un rol complementario?
Narratividad fotográfica
¿Qué es la narración?
Se denomina narración a la manera de contar una secuencia o una serie de acciones realizadas por
unos personajes en un lugar determinado a lo largo de un tiempo, es decir, se refiere lingüística o
visualmente a contar una historia.
Tina Barney: Hace fotografías preparas, en la que todos los detalles tienen una importancia. Suele
contar en la vida de personas adineradas. Crea una distancia con el espectador, el cual se siente
inferior al rango social que establecen sus fotografías.
Chris Killip: muestra aquello que se dice ‘’no es más rico el que más tiene sino el que menos
necesita’’. Es lo contrario a Tina Barney, ya que Killip muestra un calor humano en sus fotografías.
Muestra más cercanía con el espectador.
Hay cuatro maneras de narrar en fotografía
1.
Una única fotografía que debe leerse secuencialmente. En general la narración tiene tres
partes: inicio, desarrollo y desenlace.
2.
Varias fotos (una serie) contando diferentes momentos que desarrollan una historia. Puede
ser lineal o no lineal.
Duane Michalls
Susan Derges: trabaja mucho con el agua de una forma muy artística.
José Navarro: retrata en una de sus obras, un viaje de 5000 ovejas por pueblos y ciudades
distintas.
3.
Una única foto que se centre en un momento importante de la historia que cuentas,
introducción, nudo y desenlace.
Aaron Tilley
Gregory Credwson: es un fotógrafo que ambienta fotografías como si fuesen escenas de
películas, en las cuales aparece mucho attrezzo.
4.
La fotografía con varios planos de lectura en la que se muestran, en una única fotografía,
varios momentos diferentes de la historia.
Duane Michalls
Aspectos que hay que tener en cuenta acerca delas técnicas narrativas:
•¿Qué grado de control tenemos sobre el orden en que serán vistas las imágenes?
•¿El público verá todas las imágenes a la vez?
•¿El público seguirá una secuencia determinada?
•¿Algunas imágenes tendrán más importancia que otras?
•¿Necesitamos una imagen “líder” que resuma nuestra intención?
Puntuación visual
Se emplea cuando queremos resaltar subrayar un punto clave en la secuencia utilizando un tamaño o
forma particular de la imagen, conjuntos dentro de una serie o la yuxtaposición de imágenes para
generar una cuestión positivo negativo, interior exterior…
Edward Burtynsky: trabaja principalmente con vistas aéreas. Muestra en sus fotografías como el ser
humano destroza la naturaleza.
Alec Soth:
Agencias fotográficas
¿Qué es una agencia fotográfica?
Es una empresa que representa y comercializa las fotografías de diversos fotógrafos profesionales,
colecciones de imágenes, archivos fotográficos etc.
¿Cómo funcionan?
Antes de la revolución digital cuando las fotografías tenían un soporte físico las agencias
intermediaban entre el fotógrafo y el consumidor final de imágenes (libros, revistas, televisión,
publicidad etc). Ambos firmaban un contrato en el que se establecían las condiciones que regulaban
la relación comercial.
La agencia se encargaba:
•La comercialización
•Temas burocráticos y legales
•Duplicado de los originales
Después de la revolución digital se transforma radicalmente el modelo de negocio que había
funcionado hasta entonces. El soporte digital e internet van a generar grandes cambios:
•La forma de archivar imágenes
•Digitalizar archivos
•Tienda on-line
•Proliferación de nuevos tipos de agencias en internet
Tipos de agencias
•Royalty Free: Agencia libre de derechos, no gratis. Ofrece precios bajos por lo que hay mayor
demanda. Shutterstock, iStock, fotolia, 123RF…
•Derechos gestionados: Basadas en el modelo tradicional. Garantiza exclusividad. Getty, Magnum
Photos
•Libre de derechos: Son imágenes de uso libre. No se gana dinero, se gestiona gracias a voluntarios.
Wikimedia Commons.
Agencia Magnum
•Fundada en 1947 por los fotógrafos Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, George Rodger and David
“Chim” Seymour.
•Para mostrar de una manera diferente el mundo convulso que dejó tras de si la segunda guerra
mundial.
•Con la intención de preservar la independencia del reportero y defender sus derechos como artista.
Trabajan en los temas que ellos consideren interesantes, sin encargos predeterminados y sin
imposiciones técnicas-estéticas, y pueden vender sus reportajes sin ceder sus derechos de autor a las
publicaciones y así preservar su copyright.
Agencia Magnum. Proceso de selección:
Enviar un portfolio  Miembro candidato  Miembro asociado  Miembro pleno derecho
George Rodger: es miembro fundador de Magnum. Fotografió la 2º guerra mundial y
posteriormente, con su descontento por el país, se fue a África donde realizó numerosas fotografías.
David Seymour: Estuvo en la guerra civil española. Retrata la vida que hay durante esa etapa en
España, el día a día de la sociedad.
Después se centra en la post guerra y después viaja por Grecia, Italia…
Chien-Chi Chang: Es miembro de Magnum. Trabaja la temática del matrimonio y todo lo relacionado
con él. Desde dos puntos de vista:
-
La venta de novias en Vietnam
El novio y la novia, su boda…
Trabaja también fotografiando a los inmigrantes asiáticos en Nueva York.
Cristina García Rodero: ‘’España oculta’’ es uno de sus proyectos en los que hay la mayoría de las
fotografías que ha realizado en su vida.
A ella lo que le interesa es el comportamiento humano, la cultura, los rituales…
También ha salido de España y ha ido a sitios como Haití donde también ha reflejado la cultura, como
se comporta allí el ser humano…