Festival Punto Aparte Bendita locura 25 Mayo/16 Junio 09 Festival Punto Aparte Bendita locura www.festivalpuntoaparte.com Benditos los cuerdos, porque sólo ellos pueden descubrir la locura, el frenesí, el miedo. Benditos los cuerdos que se cuestionen su propia cordura. Benditos los cuerdos que no se escondan ante su insensatez. Benditos los cuerdos que se aparten de la normalidad. Benditos los cuerdos que pierdan el control, que se abandonen a sus sentimientos... Benditos los cuerdos que no tengan en cuenta las consecuencias de sus propios actos. Benditos los cuerdos que se pierdan en la frontera de lo real y lo irreal. Benditos los cuerdos que abracen la locura, porque este es el primer paso para alcanzar la genialidad. Benditos los cuerdos que se enfrenten con locura a este mundo loco... Benditos los cuerdos enajenados que quieran cambiar esta aburrida y cuerda realidad. Benditos los cuerdos que se den cuenta de que la locura es algo que todavía nos va haciendo mucha falta para curarnos de la peste del sentido común, que descubran que la locura cambiará el mundo, que es el único modo de plantar en el cielo estrellas danzantes... Benditos los cuerdos que pongan un PUNTO APARTE a su cordura, que se abracen a la pequeña locura de este festival, que se sumerjan en la genialidad de quienes se han abandonado a la locura para retar a un mundo terriblemente cuerdo... Benditos los cuerdos que se vuelvan locos. Benditos los locos. Bendita locura. Dirección y programación Jorge Martínez Diseño Germinal Comunicación Web Paula Paje Prólogo Juan Manuel Soriano Fotografía de portada y contra Roger Ballen Traducción Lola Vidal 25 Mayo Grido Un film de: Pippo Delbono Cine. (Italia) 21:00 h. Museo Arqueológico de Murcia Salón de Actos Una autobiografía filmada del director y realizador Pippo Delbono sobre los encuentros y los momentos importantes de su vida. Relato poético y retrato de su recorrido a través del teatro y de la realidad. Evoca particularmente su encuentro con Bobó y sus espectáculos donde se mezclan arte y vida. Pippo Delbono, autor y director italiano, es un artista múltiple. Se rodea de actores, bailarines y otros personajes de un universo atípico, para crear un lenguaje narrativo original. Ha creado con su compañía numerosos espectáculos presentados en el mundo entero. ‘Grido’ es su segundo largometraje. “Grido nace de la necesidad de contar una experiencia que me ha traspasado la vida. Un trabajo de dos años para extraer la esencia de una historia que es mucho más larga. No quería escribir un guión ni inventar personajes. La historia estaba allí, como las personas, vivas. Y con ello mi deseo de buscar en el lenguaje del cine la libertad del vuelo, de lo irreal, del sueño, de la poesía. Sin perder la conciencia de la verdad.” (Pippo Delbono) “En la Fiesta del Cinema di Roma descubrimos una perla, Grido, autoretrato del director teatral Pippo Delbono. Una película a la medida del artista: sorprendente, insólita, alteradora. Evoca a través de la locura su encuentro con un hombrecillo llamado Bobó, el sentido del compañerismo artístico y humano que los une.” (Jacques Mandelbau, LeMonde) Sobre el escenario una mesa, una silla y un vaso. Lo esencial. Solo en escena, Pippo Delbono se entrega y se libera a través de palabras y de pequeños gestos, singularmente aptos para captar y transmitir la intensidad de un recorrido dedicado a la necesidad de los hombres y del teatro. Como un funámbulo, camina por el hilo de sus pensamientos, evocando la “memoria física de la herida”, base de sus espectáculos, y se despliega a través de una escritura escénica poética, elaborada a partir de los cuerpos. Generando una intimidad que se fue desarrollando en la presentación de estos encuentros y con la presencia de sus cómplices de creación -como Pepe Robledo, Bobó, el hombrecito sordomudo que el actor sacó del hospital psiquiátrico en el que vivía-, Delbono cuenta su propia historia y la de ellos entremezclada con fragmentos de otras obras: “Urlo, il tempo degli assassini”, “La rabbia” y “Enrique V”. A mitad de camino entre la confidencia y conferencia, “Racconti di giugno” expone esta búsqueda íntima, existencial, y la celebra en el pudor o la impudicia, entre silencios elocuentes y un decir, a veces, improvisado. De esta manera el espectáculo confirma la verdad del creador y del actor sin máscara, en un conmovedor momento de abandono sobre el escenario. 26 Mayo Raconti di Giugno Pippo Delbono Teatro. (Italia) Photos: Jean Louis Fernandez 21:00 h. Centro Párraga Esp 0 Autor, actor, director de cine y narrador innato, Pippo Delbono es uno de los más importantes directores de teatro italiano de la actualidad. Delbono puede evocar a Pasolini o a Beckett, pasar de la anécdota a la alegoría. Para él es la manera de poner en escena un teatro de la diferencia y del compartir con el que se comprometió desde sus inicios junto con sus colaboradores. Unido para siempre a la existencia del Festival Punto Aparte de Murcia, donde Pippo ha presentado en otras ediciones trabajos teatrales como “Guerra” o “El tiempo de los asesinos”, donde ha realizado la premiere española de su primer film “Guerra”, y presentado el único libro editado en castellano sobre su teatrografía “El teatro de la rabia”, la Compañía Pippo Delbono fue creada en 1986 por Delbono y Pepe Robledo, y está compuesta en parte por personas marginadas por la sociedad. Desde “Il tempo degli assassini” (1987) hasta “Urlo” (2004), pasando por “Il silenzio, Guerra o Gente di plastica”, este teatro de la necesidad se impuso gracias a la intensidad de sus imágenes que surgen de verdaderas experiencias de vida. Del burlesco a los rituales, de la danza al texto, sus espectáculos nacen de múltiples relatos testimoniales, experimentados y transfigurados sobre el escenario. “La curiosidad sobre otras personas. El significado oculto de las relaciones. La delgada línea que separa el enamoramiento de la actuación. La conciencia de una belleza sin límites en las historias. Una pasión casi inmoral por la escena en la vida y la vida en la escena. El aspecto del deseo que no es expresado aunque sí mostrado. El éxtasis de las cosas por las que te perdono y por las que no. Las coincidencias (tantas) en junio, el mes en que nací. Algo dentro nuestro de lo que nunca hablamos, quizá, porque nunca nos preguntan.” (Pippo Delbono) 28 Mayo Roger Ballen Retrospectiva Fotografía. (Sudafrica) Inauguración 20:00 h. Sala de Exposiciones Archivo Regional Hasta el 30 de junio Fotógrafo norteamericano. Roger Ballen crece en el seno de una familia vinculada a la fotografía: su madre, Adrienne Ballen, es editora en la agencia Mágnum, y los fotógrafos Bruce Davidson y Andrè Kertesz -a quien considera su principal inspiradorson amigos de la familia. ellas personas y animales aparecen en posturas inquietantes en composiciones formadas por alambres, sombras, sábanas, paredes manchadas, dibujos y desechos. Estas imágenes de tintes surrealistas comunican sensaciones de confusión psicológica y abandono físico. En su adolescencia realiza fotografías por afición, al tiempo que estudia la carrera de geología en la universidad de Berkley, California. La muerte de su madre y un general descontento con los valores occidentales le empujan a abandonar Estados Unidos y a embarcarse en un viaje de cinco años que le lleva hasta El Cairo, Grecia, Nepal e Israel, estableciéndose definitivamente en Sudáfrica en 1974. Entre las monografías publicadas por Ballen destacan Boarding House (Phaidon, 2009), Shadow Chamber (Phaidon, 2005), Fact or Fiction (Galerie Kamel Mennour, 2003) y Outland (Phaidon, 2001). Photos: Roger Ballen Durante este tiempo se gesta su primer libro Boyhood. Su denuncia del régimen de apartheid cristaliza en el libro Platteland (1995), que despierta una gran controversia en todos los ámbitos. Formado por una serie de impresionantes retratos en blanco y negro de la gente de esta región sudafricana, la visión de Ballen evita cualquier resquicio de romanticismo o sentimentalidad, ofreciendo una realidad cruda y descarnada. Los modelos son captados casi siempre en sus casas: parejas mixtas, mineros, funcionarios... y aparecen unidos por el nexo común de la soledad y la miseria. En los noventa se aleja de la fotografía documental para explorar la ficción con imágenes compuestas en las que convive la hermosura y la angustia. En Ballen es fundador de la Roger Ballen Foundation que promueve la educación de la fotografía en Sudáfrica mediante la organización de cursos impartidos por fotógrafos internacionalmente reconocidos. Su obra ha sido expuesta en diversos países desde 1997 y forma parte de colecciones y museos e instituciones como son el Museum of Modern Art de Nueva York, Centre Georges Pompidou de Paris, Victoria and Albert Museum de Londres o el Stedelijk Museum de Ámsterdam, y fue nombrado Fotógrafo del Año en Les Recontres d’Arles de 2002 por su trayectoria artística. Durante su estancia en Murcia, con motivo de la restrospectiva que le dedica el Festival Punto Aparte, Roger Ballen desarrollará un taller de fotografía con los internos del Hospital Psiquiátrico “Román Alberca” de El Palmar. El 7 de Agosto de 1.974 puedo verse en Nueva York un espectáculo memorable. Un joven francés llamado Phillipe Petit, ayudado por sus más próximos colaboradores y amigos, había tendido un cable entre las Torres Gemelas para, a más de 400 metros de altura, cruzarlo haciendo ejercicios de funambulismo. 02 Junio Man on Wire Este acto, calificado como el crimen artístico del siglo XX, dió la vuelta al mundo. Pero ¿qué motivó a Petit y a sus colaboradores ha realizar esta aparente locura?. La respuesta a esta pregunta tiene que ver más con la actitud ante la vida de cada uno. Ese día de 1.974, al levantar la vista en la ciuda más importantes del mundo, se pudo contemplar en su cielo la respuesta a todos los sueños. Jean L. Blondeau Fotografía. (Francia) Photos: Jean Louis Blondeau Inauguración 21:00 h. Galería La Aurora Hasta el 30 de junio Para algunos fue una locura, un riesgo, un sinsentido. Para otros fue una obra de arte, una llamada de atención, un acto salvaje, chocante, fuera de lugar y terriblemente sentimental. Para sus autores, fue la culminación de un sueño. Uno por el que merecía la pena vivir y luchar y tal vez, si hubiera sido necesario, morir. Para Petit, aún hoy apasionado con su experiencia, la vida no tiene sentido si no se vive para alcanzar los sueños. O mejor aún, el único sentido de la vida es alcanzarlos. ¿Cómo vivir el día a día, enclaustrado en el sinsentido, en la mediocre monotonía, sabiendo que con cada segundo que pasa esas ilusiones se hacen cada vez más distantes? ¿Más improbables?. La película Man on Wire, dirijida por James Marsh, y ganadora de un Oscar al mejor largometraje documental, narra la historia de Petit y sus colaboradores, pero no va sólo de un hombre que camina por un cable. Man on Wire, aunque suene exagerado, habla del sentido de la vida. De intentar dejar una marca no ya tanto en los demás, sino en uno mismo. De alcanzar una plenitud personal aunque sea arriesgándolo todo. Y como dice Petit, de vivir cada día como un desafío. De vivir cada día en la cuerda floja y saber que el riesgo merece la pena. El Festival Punto Aparte inaugura la primera exposición en España de Jean Louis Blondeau, fotógrafo, amigo y fiel colaborador de Philippe Petit durante más de cuarenta años. Jean Louis era el encargado de documentar las peripecias y acciones del grupo que Petit lideraba, desde su accion en la catedral de Notre Dame, el teatro de Sydney, o el ya histórico paseo por las nubes de Petit atravesando un cable entre las desaparecidas Torres Gemelas de Nueva York. 18 fotografías, que se convierten en documento, en testigo para la historia, de uno de los acontecimientos más increíbles de todos los tiempos, un maravilloso y genial acto de locura, que sirve de estímulo y ejemplo a este festival que en su edición de 2009 tiene por título “Bendita locura”. Desgraciadamente, durante la producción de la película y la promoción de la misma, la relación entre Philippe Petit y Jean Louis Blondeau se rompio para siempre, el cable, de acero, que sustentaba su relación y complicidad, y que fué testigo de un encuentro memorable, se quebró lanzando su amistad al abismo. Durante los primeros pasos de esta creación, los bailarines y yo trabajamos sobre las Goldberg Variations de Bach tal y como las interpretó Glenn Gould en 1981, así como la voz del pianista, con sus cadencias orales durante una entrevista de radio dedicada a esta particular interpretación. 03 Junio La Verdad Grupo Multimedia presenta: Body Remix Emprendí el trabajo con una mezcla de los cuerpos de los bailarines, a través del uso de varios elementos de apoyo: muletas, picos, arneses, etc. Una barra de ballet fue trasformada en un material musical. Pedí también al compositor Louis Dufort que usara un “apoyo”, concretamente una interpretación de Gould y su voz, y a proponer variaciones sobre las Variations. Diez de las treinta variaciones, así como las dos Arias, fueron remezcladas o incluso recompuestas. Otras tres variaciones se ofrecen en su versión original. (Marie Chouinard) Marie Chouinard Danza. (Canada) Photos: James Viveiros y Kirsten Andersen / Carol Prieur 21:00 h. Auditorio Víctor Villegas Sala Narciso Yepes ImPulsTanz de Viena, el Teatro de la Villa de Paris, la Fundación Gulbenkian de Lisboa, Movimentos Festwochender Autostadt en Wolfsburg, etc. Quince años después de su creación, la obra maestra La Consagración de la Primavera, se continúa representando. Otro trabajo de Marie Chouinard, 24 Preludios de Chopin, se convirtió en parte del repertorio del Ballet Nacional de Canadá en 2008. Durante los últimos años, Marie Chouinard ha diseñado ella misma, la iluminación de sus coreografías, así como elementos escenográficos y dibujos para sus producciones. Su obra cuenta, a menudo, con trabajos multimedia (la instalación interactiva de Cantique no 3, la instalación de vídeo Icônes, creada con Luc Courchesne) y la película (Body_Remix/Goldberg_Variations). De 1978 a 1990, Marie Chouinard, creó e interpretó más de 50 solos, performances, trabajos vocales, instalaciones y películas. Sus viajes por Nueva York, Berlín, Bali y Nepal, su curiosidad, sus eclécticos estudios y su entendimiento de las diversas técnicas, la permiten explorar el cuerpo de diferente manera. Marie Chouinard fue nombrada Oficial de la Orden de Canadá en 2007. Ha recibido premios por su contribución al mundo de la danza y las artes: en 2006, el Grand Prix du Conseil des Arts de Montreal, en 2003, los Premios de Artes Escénicas en Ottawa, en 2000, un Premio Bessie en Nueva York y en 1994, el Premio Barco de papel en Glasgow. En 1990 creó la Compagnie Marie Chouinard. Desde su creación, la compañía ha presentado más de 900 representaciones por todo el mundo, y realizando coproducciones con algunas de las citas más importantes del panorama internacional, como la Bienal de Venecia, el Festival de Danza Internacional Una producción de la Compagnie Marie Chouinard, en co-producción con the National Arts Centre (Ottawa), Montréal High Lights Festival (Montréal), Schlossfestspiele (Ludwigsburg), Théâtre de la Ville (París), Venice Biennale (Venecia), White Bird (Portland), y el apoyo de ImPulsTanz (Viena). 11 Junio ¿Quién es el loco aquí? Actitudes y comportamientos “desviados” en el mundo (y la prensa) de hoy Charla/Proyección 20:30 h. Centro Párraga Esp 0 Photo: Glynnis Mc Daris Intervienen: Toni L. Querol (Editor de Vice España) Jesús Brotons (Redactor) Lo que empezó hace 15 años como un fanzine punk en Montreal (Canada) con el que tres punks justificaban un subsidio del estado que percibían, se ha convertido en la revista gratuita e independiente más importante -y controvertida- del mundo, así como en un grupo mediático que engloba también una televisión online (VBS.tv), una editorial de libros, una agencia de publicidad, un sello discográfico y una productora cinematográfica. como la multipremiada Heavy Metal In Baghdad, una crónica de las aventuras y desventuras de “Acrassicauda”, el único grupo heavy de Irak intentando sobrevivir a la guerra y a los fanatismos. Con delegaciones en 20 países, Vice aborda temas como la política, el arte, el sexo y las drogas con un estilo muchas veces imitado, pero nunca igualado: directo, deslenguado e irreverente. Como revista ha acogido algunos de los nombres referenciales de la fotografía actual (Richard Kern, Terry Richardson, Ryan McGinley) y como televisión online -bajo la dirección artística de Spike Jonze (Cómo ser Jon Malkovich, El Ladrón de Orquídeas, Jackass) produce algunos de los programas más rompedores que puedan verse e internet, desde reportajes en Corea del Norte o Afganistán hasta crónicas de la América Profunda, una Guía de Sexo o canales especializados en skate, surf, música, ecologismo y tecnología. Programa: El sello discográfico de Vice ha acogido a grupos como Black Lips, King Khan & The Shrines, Chromeo, Justice, Japanese Motors o Raveonettes. Pero en los últimos años el grupo Vice ha destacado aún más si cabe como editora de libros (“True Norwegian Black Metal” de Peter Beste, “Skins & Punks” de Gavin Watson) y productora de películas, Vice aterrizó en España hace poco más de dos años y desde entonces se ha granjeado muchas adhesiones (y alguna que otra repulsa para dar color). 1ª parte Charla/presentación Proyección de: Alarma! (Reportaje sobre el principal diario de sucesos mexicano) The Vice Guide to North Korea (Uno de los fundadores de Vice se cuela en Corea del Norte y nos cuenta lo que ve) Toxic Napoli (En Nápoles, la Camorra lo controla todo, hasta la recogida de basuras) Duración total: 1 h 45 min 2ª parte Proyección de: 'Heavy Metal in Baghdad' Película documental dirigida por Eddy Moretti y Suroosh Alvi Duración: 90 min 12 Junio mPalermu Emma Dante Teatro. (Italia) 21:00 h. Centro Párraga Esp 0 mPalermu en dialecto siciliano significa "En Palermo" con el sentido de estar «en el corazón de la ciudad», y esta pieza de Emma Dante es un estudio de la mente rústica que prevalece en una sociedad estancada en el tiempo, que se defiende con estrategias hipócritas como el ritual de la conspiración del silencio u "omerta", que ha hecho tan célebre a Sicilia y su mafia. El espectáculo versa sobre este silencio y la estruendosa esquizofrenia social que le acompaña. El montaje muestra a cinco miembros de una familia listos para salir de paseo, colocándose con sumo cuidado sus mejores atuendos antes de exponerse a las miradas de sus vecinos y conciudadanos, de exponerse al chismorreo y los susurros. Por una razon u otra esta salida no se logra. El esquema se repite en la pieza y cada vez que ellos piensan salir de la casa, un incidente, una complicación o un malentendido pospondrá el encuentro con el mundo allá afuera. Esta es una obra que nos muestra las ligaciones y constricciones que no nos permiten cambiar pues somos todos prisioneros de nuestros temores. Emma Dante estudió en "Teatés", en la ciudad de Palermo y en la Accademia d´Arte Drammatica "Silvio D´Amico" de Roma. Comenzó su carrera de actriz en teatro, televisión y cine. En el año 1999, fundó la Compagnia Sud Costa Occidentale en Palermo, con la cual creó sus primeras producciones, basadas principalmente en sus propios textos. En breve tiempo, la compañía obtuvo un reconocimiento extraordianario de parte del publico y de la critica. Obtiene el premio "Scenario" por el espectaculo mPalermu y tambien el prestigioso premio UBU de la asociacion de la critica teatral. En 2002 con la creacion del espectáculo "Carnezzeria" gana una vez mas el premio UBU, y en 2004, gana el premio de la Crítica italiana y el "Best Director" ("Donnadiscena"). Este éxito y reconocimiento permite hoy a Emma Dante inaugurar la prestigiosisima temporada del teatro Alla Scala de Milan con la puesta en escena de La Carmen de Bizet el proximo 7 de dicembre 2009. En las artes escénicas La compañía Sud Costa Occidentale está considerada hoy como de las que más innovadoras companias de teatro y esto se ha logrado atraves de un "cortocircuito" que sus interpretes producen entre el teatro de lo físico y el de la palabra que lleva a considerar la "simplicidad" como elemento esencial de sus propuestas. 15 Junio Híbridos Nueva dramaturgia murciana Charla presentación de libro Laboratorio Tabatha: Esther Ruiz Blás Martínez Miguel Ángel Hernández Marta Zafrilla Crsitina Morano Remedios Perni Rachid Mountasar 21:00 h. Centro Párraga Esp 0 ¿Qué mundo representamos? ¿Qué convenciones culturales aceptamos para poder representarlo? ¿Hasta dónde el creador está sujeto a una visión convencional absurda que le impide mirar con sus propios ojos? Y ya para acabar, una última pregunta estúpida más: ¿Dónde están las personas, dónde sus conciencias?. Reflexionando, he decidido partir de la necesidad de construir, por eso intento hablar de lo que me importa, sin dejarme arrastrar por ese maldito lastre informativo asumido como nuestra identidad. Yo soy ahora, aquí, este es mi espacio-tiempo. Mi pensamiento es un pensamiento sin mapas, de ahí que la dramaturgia que me interesa, o lo que es lo mismo, el teatro que defiendo, no puede hacer de la historia de las formas y de las palabras su propia cárcel. Esto sucede en todas las manifestaciones artísticas, auténticas claro. Pero volviendo al teatro que es la herramienta que manejo ahora. Si el espectador va al teatro sólo para reconocer las habitaciones, las cortinas y el cenicero de su casa, estamos jodidos, fracasados, antes del propio inicio. Debido al asco que siento por esto, hemos decidido, crear un laboratorio propio. TÁBATHA, parte de la idea de hibridación, no la hibridación en sí, como algo estético. Hibridación como algo mental, casi universal. Antes he hablado del asco que sentía por la cultura, por ese flujo de interacciones, apropiaciones y traspasos que lo obstaculizan. Lo que entendemos por unidad de la cultura, es mentira, es una puta telaraña de contradicciones, un estar siempre en la identidad falsa, una máscara absurda que se alimenta siempre de la conciencia de los mediocres. Por poner un ejemplo, ahí tenéis la excitada indiferencia de las televisiones, asco, asco a la indiferencia de los idiotas. Diversidad. La diversidad, es la primera de nuestras pulsiones al enfrentarnos al hecho creativo. Explorar, tejer, transformar la cortina que nos divide de los otros, en un velo a través del cual, esos otros puedan mirar y descubrir su propia visión. Para esto se hace necesaria la idea de devastación, intentar escuchar esa voz extraña que no es nuestra y no es no-nuestra a la vez. El lenguaje, siempre ha de intentar llenar el vacío, construyendo grandes muros hechos de grandes significados, frente al estruendoso silencio sin más. Ya lo dijo Shakespare: “nada humano me es ajeno”. Pues eso. Hablamos acerca de los procesos de cambio de mentalidad, es decir, una mayor conciencia del teatro como lenguaje múltiple… la interpretación del teatro como dramaturgias contaminantes. La recepción teatral, implica siempre una capacidad de comunicación que desafía y destroza los esquemas de análisis previos. De ahí que el significado de cualquier propuesta, está no sólo en la propuesta en sí misma sino también en el que la recibe e interpreta. Esto sin pretender obviar que la propuesta escénica, deba ser también una continua provocación, un desafío o un enfrentamiento con la concepción del público. De todos modos nunca renunciaremos a las pretensiones del YO, a su autenticidad. 16 Junio Gitánforas El escaparate de la locura Laboratorio Tabatha Teatro. (España) 21:00 h. Centro Párraga Esp 0 Caos mental. Cierto desorden. Gritar. Buscar. Incidir en la intención última del grito. Imágenes que nos han habitado internamente, casi fragmentándonos. Imágenes que han transformado la corporeidad de nuestra conciencia, casi rompiéndola, siendo marionetas casi. Imagen de un grito contenido. Cuando el grito logra hacerse palabra, entonces algo empieza a construirse. Palabra que es también cuerpo, cuerpo compartido, Palabra necesaria, MELODÍA, en medio de este gran Teatro del Mundo, lleno de ruido y de furia. El gran escaparate del mundo. Habitar este escaparate se hace cada vez más inhumano. Este es el germen, la idea generadora de la propuesta. Insisto, lo que veamos dentro del escaparate es lo que verdaderamente somos. Por eso la constante idea del escaparate, escaparate como algo trasparente, como algo que nos coloca frente al otro sin poder evitar ser vistos, observados, analizados y sobre todo manipulados. Y que aunque lo queráis obviar, os aseguro que todos estáis dentro del escaparate, todos. Una gran crítica social. Un punto de partida para rehacernos, reconstruirnos dentro de esta locura lúcida. Limpiándonos desde muy dentro de después. Adquiriendo conciencia de la sociedad, desde el inconsciente, para que no nos afecte esta gran manipulación universal del sistema que nos impulsa a ser un producto y nos estropea el humanismo. Desde lo bufonesco, desde la locura, desde el escaparate, se dicen verdades que no pueden dejar de escucharse, una y otra vez. Atacamos contra la ignorancia y construimos una gran estructura de conciencia donde todos y digo todos, seremos reflejo, de este espejo que nos muestra la vida. Es esta una propuesta donde se establecen unas relaciones dinámicas, con una fuerte hibridación de lenguajes como consecuencia de la incorporación de teatralidades de otras disciplinas (flamenco- danza interpretación “texto poético” - percusión- video arte, etc…) que potencian procedimientos contaminantes donde la imagen adquiere una alta densidad de fuerza. RODEÁNDONOS. La dimensión corporal ocupa también un lugar privilegiado. El cuerpo se presenta como espacio, desde donde captar poderosamente la atención del espectador. Esta propuesta en concreto intenta llevar al actor-bailarín, hasta sus límites de resistencia y concentración, para entrar en un estado de percepción, separándose del propio cuerpo hasta los contornos de la oscuridad de donde emerge la vida, dando como resultado el nacimiento de otro cuerpo que ya no es el mismo. El énfasis está puesto en la transformación, en la Catarsis. En definitiva, se trata de un viaje abierto a múltiples interpretaciones, sin tener un significado excesivamente cerrado. “La finalidad del viaje, puede ser el viaje mismo” donde inevitablemente la Catarsis, se instala en nosotros, en nuestra mente.