ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA PHILOLOGICA 93 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA PHILOLOGICA 93 ROMANICA XIX ESTUDIOS EN HOMENAJE AL PROFESOR JIŘÍ ČERNÝ Univerzita Palackého v Olomouci Olomouc 2007 En esta miscelánea extraordinaria, dedicada a prof. PhDr. Jiří Černý, CSc., jefe del Departamento de las Lenguas Románicas desde hace muchos años, contribuyeron con sus trabajos los docentes, los doctorandos y algunos estudiantes de las cuatro secciones del Departamento. Los artículos y las reseñas fueron ordenados en forma indicada. Cada autor asume responsabilidad de su propio texto. En el caso de los trabajos de los estudiantes, asumen corresponsabilidad sus tutores. 1. vydání Editors © Marie Voždová, Slavomír Míča, Radim Zámec, 2007 ISBN 978-80-244-1816-2 ISSN 1802-8713 Sumario Jan Holeš Professeur Jiří Černý septuagénaire . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 13 Jan Holeš Bibliographie des œuvres du professeur Jiří Černý (1967–2007) ........... 15 ARTÍCULOS Jan Holeš Créoles à base française . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 25 Jiří Chalupa Las garras de Leviatán. Los rasgos totalitarios de la inquisición española Jiří Chalupa En defensa del trono y del altar. El ideario carlista en el siglo XIX . . . 35 . . . . . . . . . 47 Eva V. Johnson ¿Reconquista o asimilación? Problemática de la (in)migración de los Chicanos/Mexicanos a los EE.UU. en su contexto histórico . . . . . . . . . . . . . . . . 57 Jaromír Kadlec La Mauritanie, pays francophone ? . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 67 Lenka Kováčová Riflessioni sul valore semantico dei comparativi e superlativi duplici degli aggettivi buono, cattivo, grande e piccolo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 77 Eduard Krč Elementos absurdos/fantásticos y su organización en Preparativos de viaje de Javier Tomeo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 91 Alessandro Marini Appunti per una breve storia del cinema italiano: poetiche, autori, tendenze Slavomír Míča L’origine et la signification des noms des personnages queniens 103 . . . . . . . . . . . . 127 Daniel Nemrava Escrituras del exilio en la narrativa Argentina comtemporánea: conflicto de discursos (en busca de las delimitaciones conceptuales y metodológicas) . . . . 137 5 Markéta Riebová Ariel y Calibán. El pensamiento filosófico de José Ortega y Gasset en el contexto hispanoamericano . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 147 Kateřina Ritterová Especificidade da tradução musical nas canções infantis e o problema da cantabilidade . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 159 Jiří Špička Liolà di Luigi Pirandello e la sua fortuna scenica in Italia . . . . . . . . . . . . . . . . . 165 Jiří Šrámek La conscience du mythe familial dans Le mystère Frontenac de François Mauriac . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 185 Jitka Uvírová Les mots en campagne : la présidentielle 2007 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 193 Marie Voždová L’apprenti et son maı̂tre – Anouilh et Giraudoux . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 199 Lenka Zajícová El reciente desarrollo en las políticas lingüísticas en Paraguay . . . . . . . . . . . . . 207 Radim Zámec Controversias de las negociaciones de paz con las Autodefensas Unidas de Colombia (AUC): perspectiva política . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 223 Klára Bachurková El proceso histórico de la construcción del Estado de Colombia y sus fracasos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 231 Kristýna Křeháčková « Qui, parmi vous, mérite la vie éternelle ? » . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 245 Martin Kučera François d’Assise : un exemple du héros bobinien . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 253 Petr Šelepa L’appellativisation des noms propres d’origine mythologique en français Pavla Volenová O tribo Mbyá, o seu modo de ser e a sua mitologia . . . 261 . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 269 Jan Zatloukal Jan Čep face aux tendances modernistes de la littérature française d’après-guerre . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 277 6 TRADUCCIÓN Jarmila Petříková Le baiser papillon/Polibek motýla – Colette Guedj . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 287 RESEÑAS Jiří Chalupa Jordi Canal: El carlismo. Dos siglos de contrarrevolución en España, Alianza Editorial, Madrid, 2000, 2004, 479 págs. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 299 Jiří Chalupa José Álvarez Junco: Mater Dolorosa. La idea de España en el siglo XIX, Taurus, Madrid, 2001, 684 págs. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 300 Jiří Chalupa Helena Zbudilová y Luis Jaraquemada Bueno: Introducción al mundo hispano: América Hispánica. Jihočeská univerzita, České Budějovice, 2006, 182 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 302 Jaromír Kadlec Edmond Biloa : Le français en contact avec l’anglais au Cameroun. Munich, Lincom, 2006, 194 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 304 Jaromír Kadlec Emmanuel Kwofie : La diversité du français et l’enseignement de la langue en Afrique. Paris, L’Harmattan, 2004, 179 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 306 Jaromír Kadlec Thierry de Samie : Essais d’Afrique en sciences du langage. Paris, L’Harmattan, 2005, 135 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 307 Lenka Kováčová Cecilia Andorno: La grammatica italiana. Bruno Mondadori, Milano 2003, 167 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 309 Eduard Krč A. Rey Hazas (dir.): Mostrar con propiedad un desatino. Eneida, Madrid, 2004. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 309 Eduard Krč Javier Tomeo: Homenatge/Homenaje (ACEC, núm. 25, julio 2006) . . . . . . . . 313 Eduard Krč José Luis Calvo Carilla: La mirada expresionista: Novela española del siglo XX. Mare Nostrum Comunication, 2005, 248 págs. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 314 7 Slavomír Míča Jean-Pierre Longre : Raymond Queneau en scènes, PULIM, Limoges 2005, 285 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 315 Slavomír Míča Jacqueline Villani : Le roman, Belin, Paris 2004, 239 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 316 Petra Svobodová Maria de Fátima Néry-Plch – Silvie Špánková – Zuzana Burianová: Portugalština pro pokročilé. Mgr. Anton Pasienka vydavatelství a nakladatelství AP, Brno 2006, 238 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 317 Jitka Uvírová Loı̈c Depecker : L’invention de la langue : le choix des mots nouveaux. Armand Colin – Larousse/HER, Paris, 2001, 720 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 320 Jitka Uvírová Montserrat López Díaz, María Montes López (éds.) : Perspectives fonctionnelles : emprunts, économie et variation dans les langues. Actes du XXVIIIe Colloque de la Société internationale de linguistique fonctionnelle. Axac, Lugo, 2006, 544 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 324 Marie Voždová Pierre Brunel : Voix autres, voix hautes. Onze romans de femmes au XXe siècle. Paris, Klincksieck, 2002, 221 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 331 Marie Voždová Jacques Lorcey : L’homme de chez Maxim’s. Georges Feydeau, sa vie. Du mariage au divorce. Georges Feydeau, son œuvre. Anglet, Atlantice-Séguier, 2004, tome I, 291 pp., tome II, 244 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . 332 Marie Voždová Magali Boursier, Morgan Batoz (éds.) : Études françaises en Slovaquie, Volume X, Bratislava, Institut français de Bratislava, 2005, 164 pp. . . . . . . . . 334 Marie Voždová Patrice Pavis : Dictionnaire du théâtre [Divadelní slovník], Divadelní ústav, Praha, 2003, 493 pp. (Traduction de Daniela Jobertová) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 336 Jana Doležalová Jérôme Wannepain : Francophonie et diversité linguistique, Opera romanica 7. České Budějovice, Jihočeská univerzita, 2005, 272 pp. . . . . . . . . . 337 Jana Doležalová Javier Suso López – Rodrigo López Carillo : Le français face aux défits actuels. Histoire, langue et culture. Grenade, APFUE – GILEC Universidad de Granada, 2004, 2 volumes, 850 et 788 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . 339 8 Martin Kučera Marie Voždová, Slavomír Míča (éds.) : Romanica Olomucensia XVII, Université d’été Langue(s) et langages, Philologica 90. UP, Olomouc, 2006, 221 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 340 Martin Kučera Anne Ubersfeld : Paul Claudel poète du XXe siècle. Mayenne, Actes Sud – Papiers, 2005, 286 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 342 Blanka Kulhajová Ivana Čeňková – Miroslava Sládková – Jovanka Šotolová : Dialogue des cultures : interprétation, traduction. Praha, Univerzita Karlova, 2006, 210 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 343 Blanka Kulhajová Ivo Buzek : Studia Romanistica 5. Ostrava, Ostravská univerzita, 2005, 225 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 344 Blanka Kulhajová Jaromír Kadlec – Jan Holeš : Francouzština na americkém kontinentě. Univerzita Palackého v Olomouci, Olomouc 2006. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 345 Zuzana Raková Jan Holeš – Jaromír Kadlec : Francouzština v Evropě. Olomouc, Univerzita Palackého, 2005, 204 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 346 Zuzana Raková Magdalena Paluszkiewicz-Misiaczek – Anna Reczyńska – Anna Śpiewak : Place and Memory in Canada : Global Perspectives/Lieu et mémoire au Canada : Perspectives globales. Kraków, Polska Akademia Umiejȩtności, 2005, 593 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 347 Zuzana Raková Ivo Buzek – Jana Veselá : Studia Romanistica 6. Ostrava, Ostravská univerzita, 2006, 272 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 348 Jan Zatloukal Tzvetan Todorov : La littérature en péril, Flammarion (Café Voltaire), Paris 2007, 95 pp. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 349 9 Prof. PhDr. Jiří Černý, CSc. Professeur Jiří Černý septuagénaire Le 29 février 2006, prof. PhDr. Jiří Černý, CSc., éminent savant et pédagogue tchèque, a atteint sa soixante-dixième année. D’autres auteurs ont déjà décrit ses travaux et ses activités professionnelles en d’autres lieux.1 Néanmoins, cet important anniversaire est l’occasion de rappeler les points principaux de sa carrière et ses récentes réussites. Jiří Černý est né à Hradec Králové le 29 février 1936. Après les études au lycée J. K. Tyl à Hradec Králové, il a poursuivi ses études en philologies espagnole et russe à la Faculté des Lettres de l’Université Palacký à Olomouc, ayant pour maı̂tres des personnages comme O. Bělič, O. Tichý, E. Spálený, A. Isačenko et d’autres. De 1959 à 1963, prof. Černý a travaillé comme lecteur de la langue tchèque, donnant des cours de tchèque pour les étudiants étrangers à Mariánské Lázně. De plus, en 1961–1962, il a séjourné à La Havane, où il a été employé comme traducteur et interprète au Ministère de l’éducation. Depuis 1963, il enseigne à la Faculté des Lettres de l’Université Palacký à Olomouc, d’abord à la Chaire des langues romanes et, après sa dissolution, également à la Chaire des études tchèques et slaves (1972–1989). Depuis 1989, il est directeur de la Chaire des langues romanes à Olomouc. En 1993, il a été nommé maı̂tre de conférences et en 1998 professeur de linguistique générale de la même faculté. Cependant, ses activités dépassent largement le cadre de sa faculté. Jiří Černý est bien connu en Pologne, où il a contribué au développement des langues romanes dans trois universités. De 1976 à 1981, il a enseigné à l’Université Maria Curie-Sklodowska à Lublin, collaborant à l’institution de la chaire des langues romanes. Pour cette aide et d’autres mérites, il a reçu, en 2003, le titre de professeur honoraire. En 1984–1986, il a dispensé des cours à l’Université de Silésie à Katowice. En 2004, il donne des cours à l’Université de Bielsko-Biala. En dehors des universités polonaises, il ne faut pas oublier ses activités en Espagne : en 1995–1996, il a collaboré à la fondation de la section tchèque de la Chaire des langues slaves à l’Université de Granada, où il revient annuellement encore aujourd’hui en tant que pédagogue. Enfin, en 2002–2004, il a consolidé les études espagnoles à la Faculté de Philologie de l’Université Matej Bel à Banská Bystrica, en Slovaquie. Il a également donné des conférences dans plusieurs universités espagnoles et portugaises, au Mexique, au Chili, au Brésil, en Pologne et aux États-Unis. En 2003, il a été décoré de la haute distinction Isabel la Católica d’Espagne, une reconnaissance royale de son œuvre de rapprochement entre l’Espagne et la République Tchèque. L’activité scientifique de prof. Černý est très large, comprenant la linguistique espagnole, portugaise et surtout générale. La grande « Histoire de la linguistique » (Dějiny lingvistiky, 1996a) est son œuvre fondamentale. Sa première version a été publiée en quatre volumes polycopiés, à une époque idéologiquement peu favorable aux études de ce type (1975, 1980a, 1983a, 1989a). La traduction de ce livre – 1 Mištinová, A. – Reska, J. (2002) : « Los estudios hispánicos en la República Checa », in : Estudios hispánicos 10, Acta Universitatis Wratislawiensis, 185–194. Krč, E. (2004): « Španělská sekce katedry romanistiky », in : Romanica Olomucensia 13, Philologica 85, AUPO, Olomouc, 77–79. Holeš, J. (2006) : « Jiří Černý sedmdesátiletý », Časopis pro moderní filologii 88, 124–126. Holeš, J. (2006) : « Výběrová bibliografie prací profesora Jiřího Černého », Časopis pro moderní filologii 88, 126–128. 13 ou disons plutôt son adaptation espagnole, Historia de la lingüística (1998a) a reçu une attention méritée, comme en témoignent plusieurs comptes rendus.2 Jiří Černý est récemment revenu à ce même sujet en publiant une « Petite histoire de la linguistique » (Malé dějiny lingvistiky, 2005a)3. Avec son « Introduction à l’étude de la langue » (Úvod do studia jazyka, 1998b), également publiée en Espagne (Introducción al estudio de la lengua, 2002), elle représente un manuel d’une valeur inestimable pour les étudiants de première année des programmes philologiques. Son autre domaine de prédilection est la sémiotique. Après plusieurs articles sur les théories du signe (1998d,f ; 2003a), il a publié la « Sémiotique » (Sémiotika, 2004a), résumant les problèmes principaux de la sémiotique et sémantique4 . Ses idées sont toujours exprimées avec une clarté et une concision toute particulières, toujours compréhensibles même si abstraites et complexes. C’est probablement la raison principale du succès exceptionnel des publications de Jiří Černý en République Tchèque et à l’étranger. D’autres travaux, que nous énumérons dans la Bibliographie, concernent les catégories grammaticales (1969a ; 1970a,b,c ; 1971a,b ; 1972a,b ; 1973a,b ; 1976 ; 1984a ; 1989b) et toute la morphologie espagnole (2000a), l’espagnol et le portugais utilisés en Amérique Latine (1991a ; 1998c; 1999a ; 2000b; 2001a,b,c), la linguistique textuelle (1990a, 1994a), l’école linguistique de Prague (1992a, 1994b), etc. Ses publications ont été maintes fois citées, leurs comptes rendus ont été publiés en République Tchèque, en Pologne, en Espagne et en Slovaquie. Pour terminer ce court aperçu des activités de Jiří Černý, il faut mentionner encore les centaines de bourses négociées pour les étudiants, ses activités dans divers comités pédagogiques et scientifiques, les projets de recherche dirigés. Il faudrait évoquer encore ses conférences, ses éditions (une dizaine de Romanica Olomucensia qui font partie de la série Acta Universitatis Palackianae Olomucensis), etc. La liste est loin d’être complète : Jiří Černý est en train de finaliser une vaste publication collective intitulée « Qui est qui dans la linguistique tchèque », un grand dictionnaire élaboré avec le soutien de la Fondation Scientifique de la République Tchèque (GAČR), comportant les biogrammes de centaines de grands personnages de la linguistique tchèque. Il pense déjà à de nouveaux projets, comme un dictionnaire des américanismes. . . Nous sommes heureux d’avoir l’occasion de lui exprimer toute notre admiration pour son travail. Nous lui souhaitons encore beaucoup d’années d’activités productrices. Jan Holeš 2 Muljačič, Ž. (2004) : « Černý Jiří (2000) : Historia de la lingüística », Estudios Romànicos XXVI, Barcelona, 287–290. Salazar García, V. (1999) : « Jiří Černý : Historia de la lingüística, Cáceres, Universidad de Extremadura, 1998, 532 págs », in : Estudios de lingüística 13, Alicante, 311–318. 3 Holeš, J. (2007) : « Černý, Jiří : Malé dějiny lingvistiky », Časopis pro moderní filologii 89, 39–41. 4 Sobotíková, K. (2004) : « Jiří Černý, Jan Holeš, Sémiotika », Bohemistyka IV, 219–221. 14 Bibliographie des œuvres du professeur Jiří Černý (1967–2007)5 (1967, avec Lubomír Smiřický): Lecturas I, Praha : SPN, 157 p. (1967/1968): «K problematice terminologie španělských slovesných časů a modů», CJŠ XI, no. 4, 153–161. (1968a): «Robert P. Stockwell, J. Donald Bowen, John W. Martin: The Grammatical Structures of English and Spanish», PP 11, no. 1, 60–61. (1968b): «El pretérito español y la categoría del aspecto», in: Rapports et communications (Résumés), XIIème Congrès International de Linguistique et Philologie Romanes, Bucarest, 42–43. (1968c): «José Roca Pons: Introducción a la gramática», PP 11, no. 3, 189–190. (1969a): «Sobre la asimetría de las categorías del tiempo y del aspecto en el verbo español», PP 12, no. 2, 83–93. (1969b): «Gregorio Escudero, Dumitru Copceag: Gramatica limbii spaniole», ČMF 51, no. 1, 63–64. (1970a): «O vzniku a vývoji gramatických kategorií», SaS 31, no. 3, 207–222. (1970b): «El pretérito español y la categoría del aspecto», in: Actes du XIIe Congrès International de Linguistique et Philologie Romanes I, Bucarest, 787–792. (1970c): «Sobre el origen y la evolución de las categorías morfológicas», Español actual 17, Madrid, 1–13. (1970d): «Ramón Cerdà Massó: Lingüística – hoy», PP 13, no. 3, 172–173. (1970e): «Fernando V. Peixoto da Fonseca: O português fundamental», ČMF 52, no. 3, 175–176. (1970f): «Problemas y principios del estructuralismo lingüístico», PP 13, no. 4, 224–225. (1970g): «Kurs portugalského jazyka a kultury v Lisabonu», ČMF 52, no. 1, 47–49. (1971a): «Dos niveles temporales del verbo español y la doble función del pretérito imperfecto», Estudios Filológicos 7, Valdivia: Universidad Austral de Chile, 173–195. 5 AUPO: Acta Universitatis Palackianae Olomucensis; CJŠ: Cizí jazyky ve škole; ČMF: Časopis pro moderní filologii; LP: Linguistica Pragensia; PP: Philologica Pragensia; RomOl: Romanica Olomucensia; SaS: Slovo a slovesnost; UP: Univerzita Palackého. 15 (1971b): «La categoría de actualidad en el verbo español», Résumés des communications, Québec, 18. (1971c): «Lingvistický postgraduální kurs OFINES v Madridu», ČMF 53, no. 2, 89–90. (1971d): «Antonio Quilis: Album de fonética acústica» (compte-rendu), PP 14, no. 2, 79. (1972a): «Tiempos pretéritos compuestos y la estructura del sistema verbal», Español actual 22, Madrid, 1–10. (1972b): «El verbo español y sus tiempos pretéritos», in: RomOl I, AUPO, Praha : SPN, 7–27. (1972c): «Ana María Barrenechea y Mabel V. 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De toute façon, leur étude aurait probablement été vouée à l’échec, vu l’inaccessibilité du matériel linguistique et la nécessité de se fier aux sources de seconde main. Particulièrement dans le cas des créoles, qui n’existaient presque pas sous forme écrite, cela représentait un problème sérieux. Aujourd’hui, les linguistes sont d’accord pour admettre que les créoles sont des langues distinctes et que leur analyse pourrait contribuer à une meilleure compréhension des problèmes généraux du langage. On rédige leurs grammaires et vocabulaires. Or, même si les études créoles ont beaucoup progressé, il y a toujours beaucoup de travail à effectuer. Le lecteur trouvera une liste assez longue des langues créoles et des pidgins dans la publication de Hancock (1977), qui en répertorie 127. Malheureusement, leur vrai nombre n’est pas et ne sera jamais connu. Parfois, il est difficile de dire s’il s’agit vraiment d’un créole, parfois, il est impossible de décider si l’on a affaire à deux créoles distincts ou à deux dialectes d’une seule langue créole. D’autres créoles n’ont jamais été décrits ou enregistrés. Il existe un nombre considérable de créoles et pidgins à base non-indo-européenne, mais les créoles à base de langues indo-européennes sont le mieux décrits. À part le français, ce sont surtout l’anglais, le portugais, l’espagnol, le néerlandais et certaines autres langues qui servaient comme langues-bases. Les créoles formés à partir du français (portugais, espagnol) étaient parfois classés parmi les langues romanes, même si une telle classification est contestable, si nous considérons le fait que les langues romanes n’ont fréquemment fourni que leur vocabulaire. Doit-on les considérer comme langues africaines ou plutôt comme langues à double origine génétique ? Ainsi, quelques auteurs préfèrent les qualifier de créoles à vocabulaire français ou, encore plus prudemment, de créoles à base de vocabulaire français (Vintilă-Rădulescu, 1979, 15). 25 2 Créole, pidgin, sabir, lingua franca, . . . Le lecteur tchèque trouve relativement peu d’informations sur les créoles1 et pidgins2 à base de français. On trouve des renseignements élémentaires dans Šabršula (1980, 262–264). On peut mentionner également une actualité de Kadlec (2001/2002) sur le projet du ministère français de l’éducation concernant l’enseignement du créole dans les départements français d’outre-mer. Le pidgin est caractérisé comme une langue à vocabulaire et grammaire restreints utilisée dans certains cas par des sujets parlant une autre langue. Lorsqu’un pidgin devient langue maternelle des sujets parlants, on a affaire à un créole qui remplit, par contre, toutes les fonctions de langue naturelle. Pour remplir cette fonction, il faut que ses moyens d’expressions deviennent plus complexes. Il est naturel qu’au cours du passage d’un pidgin au statut de langue créole, les deux états doivent coexister chez plusieurs générations, créant ainsi un continuum linguistique. En comparaison avec les langues créoles, les pidgins français sont trop peu décrits. Selon divers témoignages, il y avait, au temps de la colonisation, un pidgin français dans les Caraı̈bes. Dans la région de Montréal, il y avait des pidgins nés au contact du français et des langues indiennes. De ces parlers, il ne subsiste qu’un créole cris-français. Parmi les pidgins plus récents, on mentionne surtout le petit-nègre ou le petit-français, répandu jadis dans les unités coloniales en Afrique (appelé aussi français-tirailleur). Les autorités coloniales publiaient des manuels de petit-nègre à l’intention des officiers et des sous-officiers des corps contenant une forte proportion de troupes africaines. Les langues pidginisées à base française contiennent certains traits communs : (1) l’absence de distinction de genre et de marques du pluriel (le maison, le largent, le chameaux etc.), (2) l’agglutination du déterminant au nom (zhomme, duvin, un l’os etc.), (3) la simplification morphologique des verbes (gadé < fr. regarder, trapé < fr. attraper, pond < fr. répondre etc.), (4) la préposition pour employée dans l’expression de la possession (dans pays pour lui au lieu du fr. dans son pays), (5) certaines unités lexicales ou changements sémantiques spécifiques (moyen au lieu du fr. pouvoir, content au lieu du fr. aimer, gagner au lieu du fr. avoir etc). Bien sûr, tous les pidgins se distinguent aussi par la présence de leurs propres traits caractéristiques (Valdman, 1978, 39–48). Le mot sabir n’est plus guère utilisé. Les auteurs anglo-saxons entendent par ce terme la lingua Franca, attestée du XIIIème au XIXème siècles dans les ports 1 Le mot créole est emprunté à l’esp. criollo, lui-même emprunté au port. crioulo au sens « métis noir né au Brésil ». Le mot est dérivé de cria, dérivé régressif de criar « élever », issu du lat. creare « créer ». Le mot était d’abord appliqué à un Espagnol de race blanche né aux colonies. Il désigne une personne de race blanche née aux Îles (Rey, 2000, 945). En Louisiane, le mot désigne encore aujourd’hui les descendants des colons français et espagnols. Plus tard, le mot commence à désigner les habitants noirs ou métis. Pour les distinguer des habitants blancs, on dit les créoles de couleur. Encore plus tard, le mot créole désigne les langues pratiquées par ces habitants, c.-à-d. les langues créoles. 2 Valdman (1978, 3–4) cite plusieurs hypothèses sur l’origine du terme pidgin. Il est très probable que le mot pidgin proviendrait d’une déformation du mot anglais business, même si l’on a proposé aussi d’autres hypothèses plausibles, comme la déformation du port. ocupação employé dans les colonies portugaises avec le sens de « affaire », « commerce », ou du port. pequeno « petit » provenant de pequeno português (cf. fr. petit français et petit nègre ou angl. little language, également employés pour les pidgins ou créoles). Les étymologies hébreuse ou indienne semblent moins probables. 26 méditerranéens. Cette langue, dont nous n’avons que des preuves assez réduites, a été popularisée surtout par Molière dans la pièce Le Bourgeois Gentilhomme. On distingue parfois les parlers « endogènes » provenant du contact d’une population autochtone avec un groupe immigré. Un tel contact crée des parlers qui sont proches des langues vernaculaires. Les créoles français de ce type-là sont rares. Ils ont existé dans les comptoirs ayant pour but le négoce avec les indigènes.3 Pour une période relativement courte, ils ont dû exister aux Antilles, naissant du contact entre les Caraı̈bes et les Européens. De ce point de vue, pratiquement tous les créoles français sont « exogènes », c.-à-d. nés du contact entre les Européens et une autre population transportée sur un certain territoire. Dans les créoles de ce type, les langues autochtones ne jouent qu’un rôle plutôt marginal (Chaudenson, 1979, 21–22). 3 Créoles à base française Les créoles à base française sont pratiqués usuellement par plus de sept millions de personnes. Ils forment deux groupes de dialectes, l’un englobant le territoire s’étendant du sud-ouest de l’état de la Louisiane jusqu’en Guyane française en passant par les Grandes et les Petites Antilles, l’autre regroupant les archipels des Mascareignes et des Seychelles. Pour le moment, les créoles à base française ne jouissent d’un statut officiel qu’en Haı̈ti et aux Seychelles. D’abord, nous allons brièvement énumérer les territoires où l’on emploie les créoles à base française pour ensuite présenter, en illustration, un texte en créole louisianais. À part les antologies des textes créoles, dont quelques-unes sont comprises dans notre bibliographie, le lecteur trouvera des exemples de tous les créoles importants aussi chez Chaudenson (1979, 61–68). La Louisiane a été territoire français entre 1672–1763. Ensuite, jusqu’en 1800, elle a été espagnole. En 1800, Bonaparte força Charles IV d’Espagne à rétrocéder la Louisiane et celle-ci a été rendue à la France. Trois années plus tard, Bonaparte vend toute la Louisiane aux États-Unis pour 15 millions de dollars. Le créole y est parlé par 20 à 30 milles personnes, mais il est rapidement remplacé par l’anglais (Holeš, 2003 ; Griolet, 1986; Kadlec – Holeš, 2006; Read, 1931, Valdman – Klingler – Marshall – Rottet, 1998). On en reparlera plus en détails dans la section 4. L’anglais a éliminé les parlers créoles des ı̂les de Grenade, françaises jusqu’en 1762 et membre indépendant du Commonwealth aujourd’hui. De petits groupes créolophones vivent encore à l’ı̂le de la Trinité, faisant partie de la République de Trinité-et-Tobago (1,2 mil. habitants).4 La Trinité n’a jamais été un territoire français et le français y a été importé par les immigrants de la Martinique et de Haı̈ti vers la fin du XVIIIème siècle. Encore dans les années 70 du XXème siècle, 50 à 75 % de la population pratiquaient un créole à base française à la Dominique (71 mille habitants) et à Sainte-Lucie (160 mille habitants). Toutefois, le créole y est en nette régression derrière l’anglais. Par contre, en Haı̈ti (7 mil. habitants), république indépendante depuis 1804, le créole conserve une position stable. Les trois quarts des créolophones du monde 3 Ils sont néanmoins plus fréquents dans le cas d’autres langues de base. Plusieurs créoles anglais ou portugais sont endogènes. 4 Données démographiques de 2000–2002. Dans certains cas, les données sont approximatives. 27 vivent dans ce pays. Même si Haı̈ti est souvent désigné comme un état francophone, seulement 10 % de la population, selon les estimations les plus optimistes, pratiquent couramment le français, le reste parlant le créole (Kadlec, 2002a). Le parler de la capitale Port-au-Prince représente la variante la mieux décrite du créole local (Bentolila, 1976 ; D’Ans, 1968 ; Hall, 1953 ; Kadlec – Holeš, 2006). Le créole est également pratiqué dans les départements et régions d’outre-mer de Martinique (422 mille habitants) et Guadeloupe (435 mille habitants). Dans la plupart des cas, les habitants sont bilingues et parlent aussi français, même si l’on trouve des groupes unilingues créolophones dans les zones rurales (Jourdain, 1956 ; Kadlec – Holeš, 2006 ; Poulet – Telchid – Montbrand, 1984 ; Tourneux – Barbotin, 1990). Le créole est pratiqué plus ou moins aussi dans les dépendances de la Guadeloupe, c.-à-d. l’ı̂le de Marie Galante, l’ı̂le de La Désirade, l’ı̂le de Saint-Barthélémy et les ı̂les des Saintes. Le créole est utilisé par la majorité de la population de la Guyane française (182 mille habitants), département et région d’outre-mer français. Le sous-groupe le plus important de la population guyanaise est constitué des créolophones mulâtres. Autrefois majoritaires dans le pays, ils ne représentent plus maintenant que 38 % de la population, soit environ 71 mille personnes (Leclerc, 2007a ; Kadlec – Holeš, 2006). Parmi les ı̂les de l’Océan Indien, il faut mentionner l’ı̂le de la Réunion, l’ı̂le Maurice, l’ı̂le Rodrigues et l’archipel des Seychelles. L’ı̂le de la Réunion (anciennement Île Bourbon, 744 mille habitants) est un département et région d’outre-mer français. Les blancs d’origine européenne constituent environ 20 % de la population. On y retrouve une diglossie français-créole (Kadlec, 2002b ; Beniamino 1996). L’ı̂le Maurice (anciennement Île de France, 1,2 mil. habitants) est restée sous administration française jusqu’en 1814 où elle est devenue britannique. Aujourd’hui, l’ı̂le est une république indépendante. Malgré son évolution politique mouvementée, le créole à base française y survit, pratiqué par tous les habitants, dont la majorité est d’origine indienne. Bien que l’anglais et le français soient des langues officielles, plus de la moitié de la population pratique couramment le créole local, tandis que l’on estime que deux tiers de la population sont capables de s’exprimer en créole (le morisyen). On retrouve un créole similaire au morisyen à l’ı̂le Rodrigues, jouissant d’une autonomie administrative, tout en faisant partie de l’ı̂le Maurice (Baker – Hookoomsing, 1987 ; Bollée, 1993). L’archipel des Seychelles (80 mille habitants) a été colonisé par les Français à partir de 1770. Après 1814, les Seychelles sont devenues britanniques jusqu’en 1976 où elles deviennent une république indépendante. La quasi-majorité de la population y pratique un créole à base française, tandis que l’anglais et le français représentent ensemble les langues maternelles de 5 % de la population (Bollée, 1977; Corne, 1977 ; D’Offay, 1982). 4 Créole louisianais Le créole louisianais est appelé parfois Gombo French, nigger French, nèg, français nègre ou courimavini (péjoratif). Il est surtout parlé par de petits groupes de Noirs, mais aussi par un certain nombre de Cadiens dans le sud de la Louisiane, 28 notamment dans la paroisse de Saint-Martinville. Tous ces habitants maı̂trisent également l’anglais ou le français. Selon l’estimation de Klingler (2003, xxviii), il peut y avoir moins de 50 mille personnes parlant le créole louisianais. Nous allons présenter un passage du conte Tit Jean et Géant-la, repris du livre Louisiana Creole Dialect (Broussard, 1942, 65–66), accompagné d’une transcription française, pour illustrer quelques-uns des traits de cette langue créole. Tit Jean té pitit mais li té smatte. Li té gain ain frè yé té pélé Gros Jean qui té fort comme ein choual mais li té béte comme ein cabri. Géant-la volé yé papa passequé li té ein bon coupè desconnes. Ça fait Gros Jean parti chécher so papa mais li plis révini. Tit Jean dit li li sé couri chécher yé et li sé réménain so papa et Gros Jean. So moman té p’olé laissé li fait ça à cause li té si piti et si chétif. Mais li parti qua’ même et li galpé dans chimin la plairie. Quand li rivé prés ein nabbe pou’ réposer li, li oua ein gros tig’ qui t’apé licher so patte qui té gain di sang. Tit Jean oua li té gain ein garofié et li desçonne et li sorti garofié-la. Tig’-la té content et li donne Tit Jean ein moceau so poil et li dit li, « Si to bésenne vini fort, to ca pronne poil-la et quand t’a lévé li t’a tournein ein tig’. » Tit Jean ‘merci li et li continié so chimin. Li oua ein bougue avec ein fisil qui t’apé viser ein gros calencro. Li cogné bougue-la et ça fait li raté so coup. Gros calencro-la té si content li desçonne et li donne Tit Jean ein laplime. Li dit li : « Si to bésenne voler, t’a lévé la plime-la et t’a tournein colencro. » Tit Jean était petit mais il était rusé. Il avait un frère qu’on appelait Gros Jean qui était fort comme un cheval mais bête comme un cabri. Le Géant avait enlevé leur père parce qu’il était bon coupeur de cannes (à sucre). Alors Gros Jean est parti chercher son papa mais il n’est pas revenu. Tit Jean a dit qu’il irait les chercher et qu’il ramènerait son papa et Gros Jean. La mère ne voulait pas le laisser faire cela parce qu’il était si petit et si chétif. Mais il est parti quand même et il a couru sur le chemin de la prairie. Quand il est arrivé près d’un arbre pour se reposer, il a vu un gros tigre qui léchait sa patte dont le sang coulait. Tit Jean a vu qu’il avait une épine (dans la patte) et il est descendu (de l’arbre) et l’a enlevée. Le tigre était content et il a donné à Tit Jean un poil (de sa peau) et lui a dit : « Si tu as besoin de devenir fort, tu prendras ce poil et quand tu le lèveras, tu te transformeras en tigre. » Tit Jean l’a remercié et a continué son chemin. Il a vu un homme avec un fusil qui visait un gros carencro. Il frappe cet homme et lui fait manquer son coup. Le gros carencro était si content qu’il est descendu et a donné à Tit Jean une plume. Il lui a dit : « Si tu as besoin de voler, tu lèveras cette plume et tu te transformeras en carencro. » Dans le vocabulaire, on observe une agglutination de plusieurs mots dans une seule forme, comme passequé (fr. parce que), desconnes (fr. des cannes), tournein (fr. tourner en), laplime (fr. la plume) etc., ainsi qu’une simplification de la prononciation de verbes, comme chécher (fr. chercher ). La consonne [r] est souvent remplacée par la consonne [l], comme dans plairie (fr. prairie), calencro (fr. carencro) etc. On ne distingue pas le genre et les articles, les pronoms et adjectifs sont invariables (à quelques exceptions près, comme move/movez ). L’article défini s’emploie même dans le cas où le nom est précédé d’un adjectif possessif. Au singulier, il a la forme la, posée après le nom déterminé, comme géant-la (fr. le géant ), poil-la (fr. la poil ). Au pluriel, il a la forme yé, identique au 29 pronom personnel de la troisième personne du pluriel, comme einne des so pattes-yé (fr. une de ses pattes). L’article indéfini ein précède le nom, comme ein choual (fr. un cheval ). Les pronoms personnels sont mo (fr. je), to (fr. tu), li (fr. il, elle), nou (fr. nous), vou, zo (fr. vous) et ye (fr. ils, elles). À la troisième personne du singulier, on emploie l’adjectif possessif so. Les autres adjectifs possessifs ont les mêmes formes que les pronoms personnels. Tout le système pronominal est fortement simplifié. Une même forme s’emploie tant comme pronom personnel sujet, comme li té smatte (fr. il était rusé ), que comme objet direct, comme laissé li fait (fr. le laisser faire), et indirect, comme dit li (fr. lui a dit). Les verbes n’ont pas de désinences et la plupart des verbes possèdent une ou tout au plus deux formes pour toutes les personnes et tous les temps et modes. L’élément té (du fr. était) marque le passé. Dans le texte, on rencontre les verbes modaux olé (du fr. vouloir ) et bésenne (du fr. avoir besoin de) employés avec le sens du verbe devoir. Comme dans la majorité des langues créoles, la réduplication en tant que moyen d’expressivité joue un rôle important dans le créole louisianais, comme li cho cho (fr. il fait très chaud ), yé galpé, galpé, galpé (fr. ils ont longtemps couru) etc. 5 Conclusion Pour beaucoup de raisons, l’étude des langues créoles est intéressante et utile. Outre la spécification des limites et des possibilités de la typologie génétique des langues, elle permet à la linguistique générale de mieux connaı̂tre les phénomènes du contact des langues et des langues mixtes, le bilinguisme, la diglossie et surtout l’évolution des langues (Hagège, 1985, 36–53). La linguistique française peut utiliser les langues créoles, préservant maints traits conservateurs au niveau du lexique, de la grammaire et de la prononciation, pour une meilleure description de l’état du français au temps de la colonisation. De plus, si nous admettons que ce sont des langues romanes, elles peuvent élargir le domaine d’intérêt de la dialectologie française. Enfin, ce sont les langues maternelles de millions de sujets parlants et méritent donc une étude approfondie. BIBLIOGRAPHIE Baker, Philipp – Hookoomsing, Vinesh Y. (1987): Dictionnaire du créole mauricien. Paris : L’Harmattan, 365 p. Bavoux, Claudine – Robillard, Didier de (2002): Linguistique et créolistique. 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We mention the main creolophone territories and comment on a sample of text written in Louisiana creole. Jan Holeš Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc République Tchèque 33 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 Las garras de Leviatán. Los rasgos totalitarios de la inquisición española Jiří Chalupa El fuego está encendido y quemará hasta. . . que non quede ninguno. Andrés Bernáldez, Historia de los Reyes Católicos Prólogo En la actualidad, una mayoría abrumadora de los historiadores, filósofos y politólogos están perfectamente de acuerdo con que la Inquisición marcó de una manera trascendental la historia de España. Y tal vez no solamente la historia; Julio Caro Baroja afirma que el legado de la Suprema forma parte de la identidad española hasta nuestros días, y habla de «hábitos de soplonería, denuncia secreta, ventajismo oficial, fanatismo y otras lacras que conocemos por experiencia larga».1 Américo Castro, una de las leyendas de la historiografía hispana, estaba convencido de que el fenómeno de la limpieza de sangre2 junto con la persecución inquisitorial de todos los «herejes» posibles e imposibles provocaron una atmósfera que hizo de España, sobre todo en el campo ideológico y cultural, un país distinto del resto del Occidente.3 Semejantes juicios generalizadores suelen ser polémicos y discutibles, no obstante, es evidente que la labor de la Inquisición fue afectando la vida española de un modo muy intenso y durante muchísimo tiempo. Fundada en 1478, la Suprema no desaparecerá definitivamente antes de 1834. Y lo cierto es que con el tiempo el tribunal irá desarrollando unas características que presagiarán las peores pesadillas del totalitarismo del siglo XX. Joseph Pérez incluso llega a la conclusión de que la Inquisición española se puede considerar como la «primera forma de totalitarismo de los tiempos modernos».4 A un lector de nuestros tiempos, sanamente desconfiado ya que hoy en día suele describirse con un dramatismo patético cualquier trivialidad, tal vez se le ocurra la pregunta: ¿no es una afirmación exagerada? A modo de respuesta, hagamos, entonces, una pequeña indagación en lo que podrían —o no— ser las raíces inquisitoriales del totalitarismo moderno. 1 Caro Baroja, J., «Soliloquio sobre la Inquisición y los moriscos», en: La Inquisición. Represión en España, pág. 50. 2 «Los escrúpulos de limpieza crearon una atmósfera cargada de recelos en que los individuos que se sabía o sospechaba ser de origen judío se hallaban constantemente vigilados.» Sicroff, A., Los estatutos de limpieza de sangre, Madrid, 1985, pág. 308. 3 Cit. en Riu Riu, M., Edad Media (711–1500), Manual de Historia de España 2, págs. 452–453. 4 Cit. en Valdeón, J., Los Reyes Católicos, pág. 14. 35 ¿Un tribunal religioso o una herramienta de la unificación estatal? En primer lugar deberíamos intentar descubrir los motivos que condujeron a los Reyes Católicos a la creación del tribunal inquisitorial en 1478. En este sentido, se habla frecuentemente de una larga campaña antisemita que nace ya a principios del siglo XIV, y a través de la gran matanza de 1391 se desarrolla —más o menos lógicamente— mediante la fundación de la Inquisición hasta la «solución final» del problema judío, es decir, hasta la expulsión de todos los judíos del reino en el verano de 1492. ¿Un caso ejemplar de la fiebre antisemita, entonces? Ricardo García Cárcel pone en tela de juicio esta interpretación tradicional y se hace una pregunta pertinente: ¿cómo es posible que la Inquisición surja tan sólo a finales del siglo XV si un antisemitismo agresivo y brutal por primera vez aparece ya en los siglos VI y VII dentro de la monarquía visigoda y si las conversiones masivas de los judíos a la fe cristiana se producen más que nada después del gran pogromo de 1391, sobre todo en el periodo de 1391–1415?5 ¿No era acaso la «cuestión judía» (y la conversa) más bien un pretexto para echar cimientos de una institución de ambiciones mucho más extensas? La verdad es que ni a Isabel de Castilla ni a Fernando de Aragón podemos sospecharlos de un antisemitismo innato y visceral. El rey Fernando, en cuestiones de salud, plenamente confiaba en su médico personal, el judío David Abenasaya, y alrededor de la pareja reinante siempre pululaban consejeros, sabios y hombres de finanzas de origen judío o converso. El converso Gabriel Sánchez manejaba la Hacienda real en el reino de Aragón, el cronista preferido de la reina Isabel era el converso Fernando del Pulgar6 . Son frecuentes las noticias de las intervenciones reales a favor de los comerciantes judíos acosados por sus competidores cristianos o por los municipios, los cuales de alguna manera —a veces poco lícita— trataban de frenar o perjudicar las actividades de los mercaderes hebreos.7 Por otro lado, está claro que ni siquiera los monarcas tan autoritarios como eran los RR.CC. podían pasar por alto la creciente aversión —o, en muchos casos, incluso un odio abierto— que la sociedad mayoritariamente cristiana sentía hacia los judíos y conversos. En las Cortes de Madrigal de 1476 aparece ya una larga serie de medidas segregacionistas para con la minoría judía, incluida la obligación de marcar su vestido con una señal amarilla (el color que simbolizaba la traición de Judas Iscariote). Los judíos pronto acabarán encerrados tras los muros de sus aljamas y proliferarán los ataques de los «buenos cristianos» contra los despreciados «asesinos de Jesús». Henry Kamen escribe sobre un «espíritu de Cruzada» que rápidamente iba sustituyendo el anterior ambiente de pacífica convivencia, y añade que los finales del siglo XV son tiempos en los que empieza a triunfar claramente la «intolerancia religiosa»8 . En todo caso, el «problema judío» se resolverá de una manera definitiva con la expulsión de 1492. Los judíos se verán obligados a abandonar su Sefarad, y ya no 5 García Cárcel, R., La Inquisición, pág. 13. mismo confesor de la Reina Católica, Hernando de Talavera, igualmente provenía de una familia conversa. Lo cual no era obstáculo para que en 1492 fuera nombrado el primer arzobispo de Granada y le fuera encargada la misión de evangelizar a la población musulmana de aquella ciudad (¡!). 7 Muchos ejemplos concretos los ofrece, p. ej., el excelente libro de Pérez, J., Isabel y Fernando, los Reyes Católicos. 8 Kamen, H., La Inquisición española, pág. 14. 6 El 36 volverán. Hay que subrayar, además, que la Inquisición tampoco fue creada como un tribunal para perseguir a los judíos.9 La idea original era hacer surgir una institución que vigilara sobre los judíos (o los musulmanes) que se iban convirtiendo a la fe católica a medida que aumentaba la represión. Sobre la sinceridad de la conversión de aquellos nuevos cristianos reinaban dudas fuertes y generales. Hoy en día, es absolutamente imposible cuantificar con exactitud la proporción entre los conversos «sinceros» y los «falsos», no obstante, para nosotros es muy importante tener en cuenta que desde la perspectiva de los «cristianos viejos» se trataba de unos individuos altamente sospechosos, por más que muchos de ellos hicieran todo lo posible para convencer a sus prójimos de la fuerza inquebrantable de su nuevo credo religioso. Uno de estos nuevos cristianos, Alonso de Espina, en su obra Fortalicium Fidei, acumuló una increíble cantidad de chismes y calumnias sobre los judíos, incluidas las habladurías sobre un pacto secreto entre los judíos y el mismísimo Anticristo en el cual los judíos se comprometían a colaborar activamente en la preparación de un cataclisma que haría desaparecer el mundo tal como lo conocemos. Durante siglos enteros, los sabios de la España católica defendían la obra de la Inquisición argumentando que la mayoría de los conversos se dejaban seducir por las tentaciones de su antigua fe, y volvían a profesar la ley mosaica, es decir, judaizaban. En tales circunstancias, la única defensa eficaz de un cristianismo puro y ejemplar la ofrecía la Inquisición. En la actualidad, prevalece entre los historiadores una interpretación más bien contraria, es decir, la mayoría de los conversos respetaba su nueva religión, mas el aparato inquisitorial pronto llegaría a un tamaño tan considerable que sería necesario exagerar el peligro de los falsos conversos para justificar su propia razón de ser. Eloy Benito Ruano afirma: «No fue la existencia de un alto número de falsos cristianos lo que justificó la aparición del Santo Oficio, sino a la inversa, el volumen hipertrófico alcanzado por éste, quien precisó del pretexto de una imaginaria masa de criptojudaísmo para explicar su propia magnitud.»10 Sea lo que fuere, los inquisidores se ensañaron con los conversos —tanto con los judaizantes como con los sinceros— de un modo espectacularmente brutal. A lo largo de las primeras dos décadas de su existencia, el santo tribunal devoró a casi 50 000 conversos, una quinta o tal vez incluso una cuarta parte de todos los judíos bautizados de la Península. Para algunas familias significaba esto un auténtico genocidio. Pensemos en el caso de Juan Luis Vives, quien en total perdió a diez de sus familiares más cercanos, celebrándose incluso un proceso contra su madre muerta cuyos restos mortales fueron exhumados y condenados a ser quemados en la hoguera. ¿A qué se debía tanto fervor inquisitorial? ¿Por qué era tan importante acabar con cualquier sospecha concerniente a los conversos, destruyendo la vida de decenas de miles de personas? Estamos firmemente convencidos de que el principal motivo consiste en el hecho de que la Inquisición debía servir —y servía— sobre todo para homogeneizar a la sociedad española e imponerle luego un control muy estricto respecto a los resultados de dicha homogeneización. Joseph Pérez resume la importancia de tales procesos de una manera elocuente y elegante: «La característica de 9 Los judíos no eran perseguidos por la Inquisición porque fueron considerados infieles y por lo tanto no podían caer en el pecado de herejía. 10 Benito Ruano, E., De la alteridad en la historia, cit. en: Contreras, J. – Ladero Quesada, M. A. – Romano, D., La expulsión de los judíos, pág. 9. 37 los países cristianos se resumía en tres palabras: una fe, una ley, un rey. En el caso de la monarquía hispánica, la fórmula se reduce a dos términos: una fe y un rey, porque la ley varía según las coronas —Castilla, Aragón— y según los territorios: no es la misma para un castellano, un navarro, un aragonés, un catalán, un valenciano, etc.; en cambio, todos reconocen a un único soberano y han de profesar una única religión. La Inquisición se encarga de asegurar la homogeneidad ideológica de la monarquía, objetivo eminentemente político.»11 Esta afirmación podría ser válida también fuera de las fronteras del Imperio español, a un nivel europeo o incluso occidental. Benazzi y D’Amico opinan: «Hay que comprender el surgimiento de la Inquisición, su alcance y la duración de su acción, en un trasfondo que vive la diversidad en la fe, las opiniones o las costumbres como potencialmente capaces de disolver el sistema social, de abrir en éste fisuras peligrosas e insalvables. . . Si la universalidad y homogeneidad de la fe es garantía de orden social, moralidad, control de disenso político e ideológico, es evidente que los Estados tenían interés en mantener con vida este precioso instrumento de presión sobre las conciencias y de represión de las diversidades. Para las frágiles identidades estatales de los siglos XV y XVI, la igualdad de credo religioso se convirtió en un insustituible pegamento social y político.»12 Mas volvamos a la Península Ibérica. La fe en el reino-mosaico de los RR CC —quienes, por cierto, unieron sus coronas, pero en ningún caso unificaron España— debía ser la principal base de la identidad nacional de los castellanos, andaluces, extremeños, aragoneses, catalanes, valencianos, vascos y un larguísimo etcétera. Debido a este valor unificador de la fe, era una cuestión vital mantenerla intacta, pura y ejemplar. Pero hay más, el concepto mismo de la monarquía absoluta en España se identificó con un catolicismo castizo. A los protestantes se los juzga enemigos mortales del imperio hispano no tanto por las diferencias religiosas —que siempre eran más bien insignificantes— como más bien por su postura revisionista. Si hoy se protesta por los detalles del rito cristiano, mañana, sin duda, se protestará contra la administración, las leyes o hasta contra el mismo monarca. Así habrán meditado los reyes austrias en Toledo y Madrid, y por lo tanto no es de extrañar que, como consecuencia, pidieran a la Inquisición una persecución eficaz e inmisericorde de toda la disidencia, tanto la real, como la potencial o incluso la imaginaria. En palabras de Joseph Pérez: «Para los monarcas, un hereje no podía ser otra cosa que un rebelde en potencia.» Recordemos la reacción de Carlos V cuando se entera, desde su retiro en Yuste, de que acaban de descubrir unos focos luteranos en Valladolid, y apremia a su hija Juana, que por aquel entonces estaba al frente del Estado, a que actúe con rigor: «Hay que tratar a esos herejes como si fueran sediciosos, provocadores, dispuestos a crear desorden y agitación en la sociedad, como si fueran personas decididas a atentar contra la seguridad del Estado.»13 Felipe II anunció varias veces que no estaría dispuesto a gobernar «a los herejes». Y como los Austrias nunca pensaban en dimitir, era inevitable purgar a la masa de los súbditos. Ésta era la principal tarea de la Inquisición, y en el fondo tenía más bien poco que ver con la fe y la religión. 11 Pérez, J., Breve historia de la Inquisición en España, pág. 182. N. – D’Amico, M., El libro negro de la Inquisición, pág. 11. 13 Pérez, J., Breve historia de la Inquisición en España, pág. 179. 12 Benazzi, 38 La policía imperial A partir de la segunda mitad del siglo XVI, a los inquisidores empiezan a escasearles «casos religiosos»: la mayoría de los conversos sospechosos ya han pasado por la maquinaria inquisitorial,14 y tras los espectaculares autodafés de Sevilla y Valladolid, del peligro protestante en la Península no ha quedado prácticamente nada. Es por aquel entonces cuando la Inquisición inicia su gran metamorfosis histórica: un tribunal religioso que tenía como misión vigilar la pureza de fe de los nuevos cristianos ahora se está convirtiendo en una especie de «policía moral y ética» (más tarde también política), una institución que irá ampliando sus incumbencias hasta llegar a controlar a toda la población del Imperio. Y será un control increíblemente vasto y extenso, se perseguirá tanto la blasfemia como las perversiones y aberraciones sexuales, se censurará tanto la «literatura perjudicial» como las «conductas disidentes» (casi siempre siguiendo el lema ultraconservador que unía a los inquisidores con las élites gobernantes del poder civil: Bona non nova, nova non bona.) Aquí ya se bifurcarán, de una manera definitiva, los caminos de la inquisición medieval y de la Suprema española. Los inquisidores medievales, pertenecientes a la llamada inquisición pontificia o apostólica, se dedicaban casi exclusivamente a la implacable lucha contra haereticam pravitatem. Los inquisidores españoles —frente a la evidente escasez de los herejes auténticos— con el tiempo desempeñarán un papel mucho más amplio, el de una policía imperial. La relación entre la Inquisición y el Estado —en España siempre muy estrecha— se convertirá en una verdadera simbiosis cuyo objetivo primordial será mantener el statu quo político y social. La Inquisición empezará a investigar, perseguir y castigar cualquier conducta que pueda resultar «desagradable» desde el punto de vista de las oligarquías dominantes, tanto las eclesiásticas como las estatales. No por casualidad las galeras estatales serán propulsadas por centenares de remeros mandados allí por las sentencias de los tribunales inquisitoriales. Con el tiempo, el Estado y la Inquisición se fusionarán de una manera casi perfecta surgiendo un poder bicéfalo, temible y temido casi por todos. El campo de acción del tribunal se hace cada vez más extenso: los inquisidores castigarán a un pobre pastor extremeño que, a falta de mujeres, allí en el aislamiento del monte, sacia su apetito sexual abusando de sus ovejas, censurarán los libros escritos y por escribir, amonestarán a los intelectuales «extraviados», perseguirán a los masones —incluso allí donde no los haya—, velarán sobre la lealtad de los maestros y profesores y así podríamos seguir casi ad infinítum. La lógica de aquel procedimiento era perfecta y sigue siendo comprensible hasta nuestros días: quien comete pecados y no respeta la ley divina puede considerarse automáticamente un rebelde potencialmente peligroso también en lo político y social, pues es de esperar que tarde o temprano deje de respetar igualmente las leyes terrenales de la monarquía. Pensándolo bien, en el fondo casi todos los pecados se pueden entender en dos sentidos: como una flaqueza natural humana, hasta cierto punto comprensible y perdonable, o un acto de rebeldía abierta, mortalmente peligrosa para las élites gobernantes. Mientras que lo primero frecuentemente se solu14 «Grandes ciudades comerciales, como Sevilla y Barcelona, quedaron arruinadas por la labor de la Inquisición y muchas ciudades medianas y pequeñas del interior del país se despoblaron a causa del procesamiento de los conversos y la expulsión de los judíos.» Baer, Y., Historia de los judíos en la España cristiana, pág. 776. 39 cionaba mediante la confesión y el debido arrepentimiento, para lo segundo a veces se aplicaba la cárcel o la hoguera. Pongamos por caso un pecado eterno, presente en todas las sociedades de todos los tiempos, la fornicación. Si los pecadores que mantenían relaciones sexuales fuera del matrimonio se arrepentían de su «crimen» y prometían solemnemente que no iban a repetir semejante inmoralidad, la Inquisición (o la Iglesia, en general) se mostraba tolerante y en la mayoría de los casos el asunto se zanjaba con unos cuantos rezos adicionales. Al contrario, si los pecadores intentaban justificar su conducta, amenazaban con repetirla, o incluso expresaban la opinión de que tenían derecho a fornicar según sus propios gustos, la represión llegaba con toda la dureza imaginable puesto que se trataba de un desprecio abierto hacia la ley divina (y la imperial, al mismo tiempo).15 Lo cierto es que una buena parte de las acciones humanas se puede interpretar y valorar en estos dos sentidos diferentes, no sorprende, por lo tanto, que a partir de la segunda mitad del siglo XVI, la Inquisición comience a intervenir en las vidas de los súbditos de los reyes españoles con una frecuencia e intensidad inaudita hasta entonces. Por supuesto, los españoles, potenciales «clientes» del tribunal, aprenderán a ocultar sus pecados y flaquezas y tratarán de guardar las apariencias en todo momento y en cualquier situación. El aparentar y demostrar ser un «buen cristiano» se convertirá en una constante expresión de su «adhesión al Régimen». Joseph Pérez busca interesantes paralelismos: «En la Alemania nazi o en los regímenes comunistas, para ser considerado un buen ciudadano, no bastaba con pagar los impuestos y respetar las leyes vigentes; había que expresar, además, la adhesión a la ideología dominante, so pena de pasar por sospechoso. Del mismo modo, en la España del Antiguo Régimen no era recomendable apartarse del dogma católico; un buen español había de ser forzosamente un buen católico; ¡ay de aquél que lo olvidara!»16 Mas no era todo, ya que la gente también aprenderá a denunciar a sus vecinos, a veces en un intento desesperado de adelantarse a los demás soplones. A lo largo del siglo XVI la práctica inquisitorial relativamente benévola del llamado tiempo de gracia será reemplazada por el procedimiento muchos más duro de los edictos de fe. Este edicto era una lista —bastante detallada — de todas las formas conocidas de herejía, una lista que se leyó durante la misa de domingo, y luego los habitantes del pueblo tenían el plazo de una semana para denunciarse a sí mismos y para delatar a todos los sospechosos de la localidad, tanto vivos como muertos, incluidos sus propios familiares. El castigo inmediato para los que no cumplieran con su deber era la excomunión, en muchos casos seguía el proceso inquisitorial ya que de acuerdo con la lógica de los inquisidores el que no delataba a un sospechoso, automáticamente pasaba a ser un delincuente. Siguiendo este modelo, en España pronto se desatarán unas verdaderas orgías de denuncias. Es sorprendente el número de sinónimos del que en este campo el castellano dispone hasta hoy: soplón, delator, confidente, acusador, acusica, acusique, acusón, chivato, denunciante, fuelle. Y por supuesto malsín, un tipo humano bastante asqueroso, un soplón que delata a sus prójimos por dinero, por ganarse las simpatías de los poderosos, por enemistad hacia el denunciado, o simplemente por el regocijo que le ofrece la 15 De la ingrata tarea de distinguir entre un «simple pecado» y un verdadero «acto de herejía» se ocupaban, dentro del tribunal inquisitorial, los llamados calificadores, unas auténticas autoridades en el campo de «teología aplicada». 16 Pérez, J., Breve historia de la Inquisición en España, pág. 197. 40 desgracia ajena. En España de esta manera crece y se intensifica una atmósfera lúgubre de permanente sospecha, desconfianza y miedo, un ambiente al que el historiador Bartolomé Bennasar se refiere como a la «pedagogía de miedo».17 En este sentido, el legado de la Inquisición española, sin duda, se parece considerablemente a lo que dejaron tras sí, en el siglo XX, los grandes totalitarismos nazi, fascista y comunista. A efectos prácticos, no hay mucha diferencia entre un cristiano viejo español que el día de sábado observa cuidadosamente la chimenea de su vecino converso controlando si la dueña cocina, o si los vecinos judaizan descansando durante el sabbath, y entre un joven comunista o nazi que delata a un profesor suyo que no se expresa con el debido respeto sobre la política del Partido. Gracias a la Inquisición, los españoles aprendieron a vigilar a sus prójimos fijándose en si el señor Fulano no hace asco a la carne porcina, si el señor Mengano viene suficientemente acicalado a la iglesia para oír misa, o si el señor Zutano no se lava las manos antes de rezar. Los buscadores de la Verdad Unos claros rasgos totalitarios podemos encontrarlos, por supuesto, también en la misma tecnología de la máquina inquisitorial. Los alguaciles de la Suprema a veces solían efectuar sus detenciones por la noche o de madrugada para lograr el deseado impacto psicológico, no solamente en los detenidos y sus familias, sino también en el vecindado. De la misma manera procederá siglos más tarde la Gestapo nazi o la KGB soviética. El secreto que envolvía la cárcel inquisitorial era absoluto y los presos literalmente desaparecían de la faz de la tierra, mientras que los inquisidores no informaban a nadie sobre el destino de los detenidos. La obsesión por ocultarlo todo hacía que ni siquiera a la víctima se le informara de los motivos concretos de su detención. La Inquisición no se contentaba con una simple confesión, el objetivo primordial era «saber toda la verdad». En otras palabras, conocer también a los «cómplices» que indujeron a la víctima al delito y a otros «sospechosos». En las salas de tortura los inquisidores de esta manera preparaban el terreno para su futura labor: las víctimas, locas de dolor, nombraban a más y más «herejes» y los procesos podían multiplicarse. El mismo proceso en muchos aspectos era una triste parodia de lo que hoy en día entendemos por una verdadera justicia. El inquisidor cumplía tres papeles al mismo tiempo: como un detective moderno buscaba a los sospechosos, como un fiscal de nuestros tiempos formulaba la acusación, y al final, desempeñando el papel de juez, decidía sobre la culpa y anunciaba la sentencia. El abogado —no siempre se le dejaba participar— pronto descubría que se enfrentaba con una misión casi imposible de cumplir puesto que era imposible defender de verdad al acusado. Como se trataba de algo tan delicado como «herejía», si el abogado «abogaba» demasiado, fácilmente podría convertirse en la próxima víctima. La confesión de la culpabilidad —aun aquélla lograda a consecuencia de tortura— se consideraba la «reina de las pruebas» y tras obtenerla, el inquisidor ya podía finalizar el proceso y decidir sobre el castigo. Mas este principio carecía de validez al revés, es decir, incluso si el acusado aguantó el tormento sin haber confesado nada, 17 Cit. en Escudero, J. A., La Inquisición en España, pág. 16. 41 podía ser condenado a base de pruebas indirectas y/o testimonios adversos.18 Todo lo mencionado convertía el proceso inquisitorial en una trágica farsa que en parte puede recordar los procesos políticos de varios países comunistas de los años cincuenta del siglo XX en los cuales los acusados recitaban sus «confesiones», aprendidas de memoria, redactadas por el mismo fiscal. A fin de cuentas, el balance de aquella «justicia» inquisitorial habla por sí mismo. Según las cifras que tenemos del tribunal valenciano del siglo XVI, menos de un 3 por ciento de los acusados fueron «hallados inocentes».19 Un dato que corrobora la extrema severidad del tribunal, mas despierta muchas dudas respecto a su imparcialidad. Por otro lado, un balance de esperar, aplicando la lógica inquisitorial, puesto que si los detenidos sabían ya de antemano que difícilmente escaparían de algún castigo, estarían más dispuestos a colaborar con los inquisidores. En los regímenes totalitarios, tarde o temprano, se conforma una sociedad en la que las capas gobernantes usurpan unos privilegios cuya ostentación hace de ellas unas élites fuera de toda competencia no sólo en el terreno de la economía y del poder ejecutivo, sino también en cuanto a su posición ante la ley. Algo muy parecido estaba ocurriendo asimismo en España con la Suprema y su personal. Beatriz Comella escribe al respecto: Los Inquisidores Generales pusieron empeño en conseguir un fuero especial para sus subalternos, es decir, un conjunto de privilegios y exenciones que les protegieran ante otros poderes, garantizando de este modo su independencia y ascenso social. El Inquisidor general y, con el tiempo, los inquisidores de distrito tenían el privilegio de no poder ser excomulgados mas que por el Papa. El fuero inquisitorial daba facilidades a los magistrados y oficiales para cumplir su misión, tantas veces temida por el pueblo. Llegó así a institucionalizarse el delito de resistencia al Santo Oficio, juzgado por el propio tribunal y castigado, en ocasiones, con la confiscación de bienes. Por otro lado, aunque al principio el personal de distrito no gozaba de fuero, pronto se benefició también con privilegios el estamento más numeroso de la Inquisición, siempre que permanecieran en el territorio de su distrito; su fuero garantizaba inmunidad ante otros tribunales, exención de algunos tributos y de ser llamados a filas en caso de guerra. Tales privilegios suscitaron una fuerte oposición y constantes protestas, ya que algunos cometían delitos comunes bajo el amparo del fuero.20 Un ejemplo ilustrativo para la posible interpretación de la Inquisición como un medio de ascenso social era el fenómeno de los llamados familiares. El término proviene de los tiempos de la inquisición medieval cuando los inquisidores a veces se rodeaban de los miembros de su propia familia que les servían como fuente de información, como ayudantes, pero también desempeñaban el papel de unos guardaespaldas cuando, armados, protegían a los miembros del tribunal de los potenciales ataques de la gente desesperada que trataba de deshacerse de la odiada institución por vía de la lucha violenta. En España estos familiares —quienes a diferencia de los tiempos medievales no solían tener lazos de parentesco con el 18 Muchos más detalles acerca de la práctica del procedimiento del tribunal inquisitorial los ofrece, p. ej., Tomás y Valiente, F., «El proceso penal», en: La Inquisición. Represión en España, págs. 21–22. 19 Escudero, J. A., La Inquisición en España, pág. 19. 20 Comella, B., La Inquisición española, págs. 133–134. 42 inquisidor, mas el nombre se conservaba por tradición— gozaban de una vasta serie de privilegios: podían llevar espadas aun cuando no ostentaran un título nobiliario, se veían exentos de ciertas obligaciones tributarias, no podían ser juzgados por la justicia ordinaria, sino que estaban sometidos exclusivamente a la jurisdicción del tribunal inquisitorial, etc. Todo esto convertía las familiaturas —a pesar de que los familiares por sus servicios en general no cobraban ningún sueldo— en una mercancía tan apreciada y codiciada que una gran parte de los cristianos viejos con el tiempo aspiraría a esta categoría. Las filas de los familiares crecerán con tal rapidez que ya a mediados del siglo XVI la Corona pide al Santo Oficio que reduzca su número. Y desde comienzos del siglo XVII la familiatura llega a ser un valor tan lucrativo que con frecuencia se convierte en parte íntegra de la herencia, y los padres en sus testamentos legan el cargo a sus hijos. La semejanza entre la Inquisición y los peores totalitarismos del siglo XX salta a la vista también, por ejemplo, pensando en la proyección social de los castigos. La condena inquisitorial no recaía solamente en la víctima, sino también en toda su familia. Si un «hereje» fue condenado a llevar el sambenito en público, la vergüenza afectaba igualmente a su mujer, a sus padres y a sus hijos. De ahí los intentos, por parte de los parientes afectados, de robar los sambenitos colgados en las iglesias, sambenitos con el nombre del condenado y con una enumeración de sus delitos que permanecían allí incluso después de la muerte del «hereje». Es uno de los muchos ejemplos de la mentalidad inquisitorial que pretendía perpetuar la deshonra —y los sufrimientos que aquella conllevaba— para generaciones enteras. Podríamos seguir durante mucho tiempo más buscando semejanzas entre la práctica inquisitorial y las terribles tecnologías de los totalitarismos contemporáneos. No nos lo permite el espacio adjudicado a este texto, ni consideramos prudente poner a más pruebas la paciencia de un potencial lector. A modo de conclusión cedemos la palabra a Manuel Aguirre, un militar ilustrado del siglo XVIII, quien en su artículo (más tarde censurado) titulado Sobre el tolerantismo (mayo de 1788, El Correo de los Ciegos, Madrid) resume de un modo convincente, según nuestra opinión, el principal problema de la mentalidad inquisitorial, una mentalidad que desde lejos no es exclusiva de los inquisidores, sino que forma base imprescindible de todos los totalitarismos y autoritarismos, sea cual sea su signo ideológico o político: La pretensión del escolástico resulta peligrosa, no por sus pretensiones pseudocientíficas, afirmando la solidez del cielo o que los astros fueran impulsados por los ángeles, sino por la aspiración de mantenerse como única ortodoxia reprimiendo a este fin todo signo de tolerancia civil. Además, la intolerancia se mantiene exclusivamente porque sirve a los intereses de un grupo social privilegiado. . . La intolerancia encuentra entonces una fundamentación obvia en la conveniencia del clero que se halla dispuesto a mantener a cualquier precio —incluso por la violencia de los tormentos y la fuerza de la muerte— su condición privilegiada en lo económico y la reputación de santidad y monopolio de los saberes.21 21 Elorza, A., La Inquisición y el pensamiento ilustrado, p. 123, en La Inquisición. Represión en España, Madrid, 1976. 43 El amable lector, ya por su propia cuenta y siguiendo sus criterios intelectuales e ideológicos, podrá sustituir el término «clero» por cualquier sustantivo de acuerdo con las coordenadas características de un régimen autoritario en una época histórica concreta. BIBLIOGRAFÍA Baer, Y.: Historia de los judíos en la España cristiana. Ropiedras, Barcelona, 1998, p. 776. Benazzi, N. – D’Amico, M.: El libro negro de la Inquisición. Ediciones Hermética, Barcelona, 2000. Benito Ruano, E.: De la alteridad en la historia. Real Academia de Historia, Madrid, 1988. 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Espasa-Calpe, Madrid, 1976, págs. 19–36. Valdeón, J.: Los Reyes Católicos. Azcona, Madrid, 1995. Spáry Leviathanovy. Totalitní rysy španělské inkvizice Resumé Autor článku se pokouší obhájit teorii spočívající na tvrzení, že španělská inkvizice v mnoha ohledech předznamenala velké totalitní režimy 20. století. Nachází společné rysy a charakteristiky jak v oblasti ideologické – instituce, které měly 44 za úkol udržet mocenské a sociální status quo – tak v oblasti samotného praktického fungování totalitní mašinérie. Dochází k závěru, že existuje fenomén, jenž je možno pojmenovat jako „inkviziční mentalita . Její nositelé jsou potom ideálními budovateli nejrůznějších autoritativních a totalitních systémů. Leviathan’s claws. Totalitarian features of the Spanish inquisition Summary The author of the article is trying to defend a theory consisting of the following affirmation: the Spanish Inquisition foreshadowed, in many aspects, the great totalitarian regimes of the 20th century. He finds common features and characteristics both in the field of ideology — institutions protecting power and the social status quo, and in the field of the practical functioning of the totalitarian machinery. The author reaches the conclusion that there is a phenomenon which may be called the “inquisition mentality”. Representatives of such a mentality become perfect constructors of various authoritarian and totalitarian regimes. Jiří Chalupa Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc República Checa [email protected] 45 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 En defensa del trono y del altar. El ideario carlista en el siglo XIX Jiří Chalupa Una grey y un pastor sólo en el mundo. Un monarca y un imperio y una espada. Hernando de Acuña, 1540 Prólogo Durante la mayor parte del siglo XIX, los carlistas —con su oposición, feroz y violenta, a la instalación de la ideología liberal y del capitalismo moderno en la Península Ibérica— contribuían de un modo muy importante a definir los principales rumbos de la historia española decimonónica. Entre los años 1833–1876, el carlismo era capaz de reclutar a centenares de miles de partidarios y provocar dos grandes guerras (1833–1840, 1872–1876), un conflicto bélico menor (1846–1849), y un sinnúmero de levantamientos y rebeliones de carácter local y de intensidad variada, mas siempre de gran fuerza destructora y devastadora, tanto para la economía como para la demografía. Las consecuencias de las «guerras carlistas» eran tan graves que hay historiadores que no dudan en interpretar el siglo XIX en España como un «siglo de una gran guerra civil», abierta en ocasiones, latente en otros momentos.1 Cabe preguntar: ¿en qué consistía la ideología carlista?, ¿cuáles eran las ideas y las recetas que ofrecían los carlistas para curar los males del naciente mundo moderno?, ¿en qué se basaba el proyecto carlista? Un proyecto capaz de animar a miles y miles de españoles a que se resistieran, con las armas en las manos, a la arrolladora presión del Estado liberal, ese gran Estado con su administración, su ejército y con todas las palancas imaginables que formaban —y siguen formando— la gran máquina del poder político moderno. ¿En nombre de qué morían miles de carlistas? Una pregunta interesante y tal vez hasta un poco actual, pensando en que hace poco tiempo el pueblo portugués ha elegido a Antonio de Oliveira Salazar como el hombre más importante de la historia de Portugal; a aquel Salazar quien con su autoritarismo y con su ideario ultraconservador y ultracatólico probablemente bien se hubiera entendido con los carlistas españoles del siglo XIX. 1 Esta es, p. ej., la postura de Julio Aróstegui en el prólogo a su libro: Aróstegui, J. – Canal, J. – González Calleja, E., El carlismo y las guerras carlistas: hechos, hombres e ideas, pág. 13. 47 En busca de una definición Leyendo y estudiando las obras historiográficas dedicadas al carlismo —ya bastante numerosas en los umbrales del siglo XXI—2 podríamos encontrar decenas de definiciones del carlismo. Raymond Carr entendía el carlismo como «una forma clásica de contrarrevolución», otro historiador británico, Martin Blinkhorn, escribía sobre un «movimiento legitimista de masas sin equivalentes estrictos en el extranjero», Jordi Canal opina que se trata de un «movimiento sociopolítico de carácter antiliberal y contrarrevolucionario», nacido a finales del Ancien Régime, Jaume Vicens habla de un «movimiento armado del catolicismo español» que se niega rotundamente a aceptar cualquier novedad ideológica, Julio Aróstegui defiende la teoría de que el carlismo no es otra cosa que una «respuesta del Ancien Régime a la revolución liberal» que hizo de la liquidación del Antiguo Régimen su principal razón de ser.3 Hoy en día, la mayoría de los historiadores están de acuerdo en que el carlismo sin duda fue uno de los grandes protagonistas de la historia moderna de España; y esto a pesar de que durante décadas enteras los historiógrafos liberales y ultraliberales no escatimaron esfuerzos para presentar el carlismo como un fenómeno más o menos marginal, reaccionario hasta lo ridículo, un mero paréntesis de la siempre triunfante revolución liberal. Se afirmaba que el carlismo carecía de una base popular auténtica, y el incómodo hecho de que el movimiento contaba con simpatías y apoyo de centenares de miles —en algunos periodos hasta millones— de españoles comunes se explicaba, de una manera bastante torpe, alegando la extrema pobreza de las masas populares españolas, manipuladas hábilmente por los «ingenieros sociales» de entre los intelectuales ultraconservadores y el clero. Dejando a un lado estas «explicaciones» que en nuestros días parecen más bien burdos residuos de la propaganda liberal que una historiografía seria, podemos observar que en la actualidad los autores que aspiran a cierta imparcialidad y objetividad reconocen que el carlismo decimonónico era un movimiento masivo, con un apoyo popular mucho más grande del que hubiera podido vanagloriarse cualquier otro movimiento ultraconservador español o europeo. Pensándolo bien, no es de extrañar; el proyecto liberal de la transformación social pretendía confiar la dirección económica y política en manos de una nueva clase dominante, la burguesía. Aunque en la España decimonónica una metamorfosis completa de este tipo es todavía imposible ya que la burguesía no es suficientemente fuerte y madura para poder desempeñar el papel del único líder y se aliará con ciertos sectores de la oligarquía tradicional, aun así es lógico y natural que las clases que estaban un tanto fuera del juego histórico 2 El muy breve espacio destinado a nuestro texto no nos permite un repaso detallado de la bibliografía pertinente; por lo tanto, podemos mencionar solamente unas cuantas obras que consideramos las más importantes y/o interesantes de las muchísimas que se han ido publicando en los últimos veinte años. Alférez, G., Historia del carlismo; Aróstegui, J. – Canal, J. – González Calleja, E., El carlismo y las guerras carlistas: hechos, hombres e ideas; Canal, J., El carlismo: dos siglos de contrarrevolución en España; Clemente, J. C., El Carlismo. Historia de una disidencia social (1833–1976); Ferrer Bonet, X., En torno a una ideología: el Carlismo; Payne, S. G. ed., Identidad y nacionalismo en la España contemporánea: el carlismo, 1833–1975; Pérez-Nievas Borderas, F., Contra viento y marea. Historia de la evolución ideológica del Carlismo a través de dos siglos de lucha; Wilhelmsen, A., La formación del pensamiento político del carlismo (1810–1875). 3 Un brillante resumen de las posibles interpretaciones ideológicas del carlismo lo ofrece Jordi Canal en el prólogo a su libro El carlismo: dos siglos de contrarrevolución en España, págs. 9–27. 48 liberal se sintieran amenazadas por una futura marginalización, tanto social y política, como ideológica y hasta económica. Una buena parte de la sociedad española entiendia e interpretaba el liberalismo como un peligro mortal para su propia supervivencia. A diferencia de lo que se sostenía durante generaciones enteras, en absoluto se trataba exclusivamente de unos campesinos mental y culturalmente atrasados, manipulados e instigados por la Iglesia; el carlismo llegará a ser también una ideología atractiva para relativamente amplios sectores de la población urbana, incluida la clase media de los artesanos y pequeños comerciantes.4 Sería incorrecto —e ingenuo, además— tratar de interpretar las guerras carlistas como una «lucha del campo contra la ciudad». Si el carlismo siempre podía contar sobre todo con el apoyo de los campesinos, eso se debía mayoritariamente al desprecio e indiferencia que hacia el campo y todo lo rural sentían y manifestaban los liberales de las grandes urbes. El liberalismo español tradicionalmente subestimaba la importancia de la «cuestión rural» y algunas medidas suyas —mencionemos sólo el ejemplo de las malogradas desamortizaciones realizadas por Mendizábal y Madoz— incluso notablemente empeorarían la situación en el campo ibérico. Un No muy rotundo El principal problema de cualquier estudioso que intente descifrar los códigos del ideario carlista estriba en el hecho de que los ideólogos de la Tradición siempre destacaban qué era lo que no querían, fracasando casi regularmente a la hora de verse obligados a formular un programa político «positivo». Pongamos como ejemplo el famoso Manifiesto de Maguncia, publicado por el pretendiente carlista Carlos VI el 16 de marzo de 1860: «Veinticinco años de un Gobierno parlamentario han debido convencer a la nación de los pocos resultados beneficiosos que podía dar este sistema de gobierno, tan encontrado con nuestras antiguas leyes y costumbres.» Carlos describe el liberalismo parlamentario como «un nuevo feudalismo de la clase media, representada por abogados y retóricos», y añade: «la empresa más honrosa para un Príncipe es librar a las clases productoras y a los desheredados de esa tiranía con que las oprimen los que invocando la libertad gobiernan la nación.» Sigue una crítica demoledora del parlamentarismo liberal: «Es muy raro o casi imposible encontrar un solo diputado que represente los intereses de sus electores, representando en cambio los suyos propios o los del grupo político a que pertenece. ¡Triste espectáculo el que han ofrecido y ofrecen las Cortes españolas, sin prestar jamás atención a las cuestiones que a la Patria interesan, malgastando su tiempo en luchas estériles y personales por quien ha de ocupar el poder, y votando los impuestos no los que los pagan, sino los que se los comen!» Sin duda una muy interesante interpretación de la maquinaria tributaria por parte de un representante de la «antigua España» en la que sobre los impuestos siempre decidían casi exclusivamente la Corona y los nobles, es decir, precisamente las capas sociales que se veían exentas de cualquier obligación en este terreno. A continuación, Carlos expresa su «deseo programático»: «Yo quiero para España un gobierno representativo, en que los diputados, con el mandato imperativo, vengan a las Cortes a representar los 4 Un hecho que de un modo muy convincente han demostrado con sus investigaciones historiadores como Julio Aróstegui, Martin Blinkhorn, Jordi Canal, Eduardo González Calleja, Stanley G. Payne, Pedro Rújula Torres, Rosa María Lázaro Torres, y un largo etcétera. 49 intereses de sus electores y no los suyos, o los de una parcialidad o camarilla.»5 Igualmente hoy en día sería muy difícil encontrar a electores que no desearan tal cuerpo legislador, el problema de Carlos —y del carlismo, en general— era la total ausencia de recetas concretas de cómo realizar la maravilla descrita. La vaguedad del ideario carlista expresado por los mismos pretendientes es sorprendente. Cuando en el verano de 1826 el rey Fernando VII tiene que enfrentarse con una grave y urgente crisis, tanto económica, como social y política, su hermano Carlos —el posterior padre-fundador del carlismo— le dirige una carta en la que le da unos «consejos» dignos de recordar: Lo primero, la gloria de Dios, el fomento y esplendor de su santa religión, que haya santo temor de Dios, y con esto haya buenas costumbres, virtudes, paz, tranquilidad, alegría y todo; esto es lo que debes procurar por todos los medios y modo, y consiguiendo esto [. . . ] verás qué vida tan dulce, tan tranquila y tan larga te concede el divino Maestro.6 Cuanto más escaseaban propuestas concretas acerca de la solución de los problemas de la nación, con más éxtasis y furia se ensañaban los propagandistas del Altar y el Trono con sus enemigos, invocando un maniqueísmo auténticamente alucinante. Así rezaba la Proclama de Verástegui, dirigida a los vascos alaveses y fechada el 7 de octubre de 1833, es decir, a principios de la Primera guerra carlista: Ha llegado por fin aquel día tan deseado por los buenos como terrible para los malos: aquel día, que con tan justos motivos presagiaron vuestros corazones al ver que el impío sistema abolido por vuestras armas, comenzaba a renacer de entre sus mismas cenizas; pero día en que la perfidia liberal ha de ser exterminada para siempre del suelo español [. . . ] no ha terminado aún en nuestra patria la tiranía de los pérfidos españoles, indignos a la verdad de este nombre; no han desaparecido de nuestro suelo aquellos segundos vándalos, que por más de tres años han hollado sacrílegamente nuestra Santa Religión.7 Abriéndose paso por entre la maraña de semejante propaganda panfletaria, virulenta, mas al mismo tiempo muy vacía, paso a paso podremos llegar a algo más concreto.8 Ésta es la visión de una «verdadera libertad» que nos ofrece el carlista Antonio Taboada de Moreto en 1834: La libertad de los Españoles es muy antigua, y el despotismo, con que se les oprime, muy moderno. La libertad nacional, que proclaman, y a que aspiran los defensores de la legitimidad, se halla consignada en las leyes fundamentales de la monarquía: es obra de sus abuelos, que la han conservado y transmitido intacta de una generación 5 Cit. en Ferrer, M. – Tejera, D. – Acedo, J. F., Historia del tradicionalismo español, t. 21, págs. 202–205. 6 Cit. en Junco, J. Á., Mater Dolorosa. La idea de España en el siglo XIX, pág. 360. 7 Cit. en Pirala, A., Historia de la guerra civil y de los partidos liberal y carlista. Tercera edición corregida y aumentada con la historia de la Regencia de Espartero, t. 1, págs. 604–606. 8 Para el análisis del ideario carlista pueden servir como fuente p. ej. las siguientes obras: Bullón de Mendoza, A., Las guerras carlistas en sus documentos; Burgo, J. del, Bibliografía de las guerras carlistas y de las luchas políticas del siglo XIX; Clemente, J. C., Bases documentales del carlismo y de las guerras civiles de los siglos XIX y XX; Ferrer, M. – Tejera, D. – Acedo, J. F., Historia del tradicionalismo español. 50 a la otra, bajo la protección de su religión y de sus reyes legítimos. El santo temor de Dios, y la fe en su eterna sabiduría, el respeto y la veneración a su legítimo Soberano, que debe gobernar con arreglo a las leyes, costumbres, y privilegios, la obediencia y sumisión, que marcan los preceptos de su religión católica, la seguridad, que atribuye la justicia, y la independencia nacional son las bases sólidas, en que estriban su libertad, y sus leyes fundamentales.9 En otras palabras: tradición, religión y un monarca legítimo; pero también otros términos dignos de atención: temor a Dios, veneración al Soberano, obediencia y sumisión, seguridad. Éste es el mundo al que nos invita el carlismo decimonónico: el universo de las «jerarquías naturales», es decir, una sociedad estamental dentro de la cual cada uno sabe perfectamente cuál es el sitio que le corresponde, la total pasividad de los súbditos que en vez de tratar de cambiar las cosas y medrar deben confiar en la buena voluntad de las clases dirigentes, una «seguridad» que se basa en una inercia casi absoluta. Y la religión, antes que nada la Santa Religión, como en un estilo muy elocuente lo expresa Vicente Pou en 1843: La Religión Santa en toda su dignidad y pureza; la Soberanía del Rey sin división que la destruya, o inutilice su acción benéfica; la conservación de la dinastía reinante según la ley de su Augusto Fundador; el vigor de las leyes y fueros antiguos; la extirpación de abusos y vicios de administración, que una larga serie de errores y vicisitudes calamitosas habían introducido; la noble y honrosa independencia de la Nación con la prosperidad de todas las clases del Estado, he aquí sus deseos y su objeto. Ellos [los carlistas] profesan como un dogma, que todo poder viene de Dios, condenando como un absurdo poco menos que impío la doctrina de la soberanía del pueblo. Invocan la Religión como primer bien de la sociedad, y en el poderoso y saludable influjo que ejerce en los corazones miran la mejor y más segura salvaguardia, el Príncipe la de su autoridad legítima, contra el desenfreno de las pasiones populares, y los súbditos la de su justa libertad y del goce tranquilo de sus derechos contra los excesos de un poder tiránico. Un gobierno paternal y verdaderamente sabio respeta y hace respetar la Religión como primera base de la sociedad, y el más rico manantial de todo bien; protege la moral pública por medio de una educación castiza y esmerada; se hace una ley de conservar los buenos usos y saludables costumbres que son como una segunda naturaleza de los pueblos; fomenta la agricultura, promueve el comercio, alienta la industria, y alivia las cargas de los súbditos en cuanto permite el buen servicio público [. . . ] He aquí todo su programa. ¿Qué hay en él de irracional y exagerado?10 Pues bien, la Religión como «primera base de la sociedad, y el más rico manantial de todo bien»; pero ¿qué hacer? cuando la fe poco a poco se está perdiendo y el número de los descreídos se está haciendo alarmante. Ante un aparente callejón sin salida el carlismo ofrecerá una receta sorprendente y original: primero detener y luego «rebobinar» el tiempo histórico. 9 Taboada de Moreto, A., El fruto del despotismo, o sea, consecuencias indispensables de la escandalosa usurpación, con que han sido vulneradas las leyes fundamentales de la Monarquía Española, dedicado al Rey N. S. D. Carlos V de Borbón por [. . . ] antiguo fiscal de la Real Audiencia de Galicia, autor de la obra titulada el Grito de la España, págs. 22–23. 10 Pou, V., La España en la presente crisis. Examen razonado de la causa y de los hombres que pueden salvar aquella nación, págs. 136–138. 51 Una vuelta a los tiempos dorados En plena Primera guerra carlista, el 20 de febrero de 1836, Carlos V se dirige, desde su cuartel real de Durango, «a los españoles» en uno de sus manifiestos con las siguientes palabras: ¿Se podrá temer que la hez del pueblo, los hombres más desmoralizados, los malvados y asesinos tomen el carácter de representantes y jueces de la Nación, para dictar leyes o absurdas y ridículas, o duras e injustas, que opriman al inocente y salven al reo? Léase la historia de todas las monarquías y en especial la nuestra, y se encontrarán libres de tales horrores: se verá que sin las teorías democráticas ha florecido la paz, la industria, el comercio, las ciencias, y que a la sombra de la religión la España ha sido feliz con sus reyes, y con sus leyes patrias.11 En fin, después de la cháchara inicial, antiliberal y por lo visto indispensable, llega el meollo del discurso del pretendiente al trono español: la Felicidad no está en el presente o en el futuro, sino que hay que buscarla en el pasado. Si los españoles quieren vivir en un país poderoso y respetado en la escena internacional, un país próspero en lo económico y estable en lo político, si quieren «ser felices», no deben mirar hacia el futuro sino hacia el pasado. En realidad, ésta es una de las principales constantes del ideario carlista, cuarenta años más tarde (en 1873) Leandro Herrero escribe: ¿Será preciso repetirlo hasta la saciedad? No somos estacionarios; no somos retrógrados; no somos hombres del siglo XIII; no somos siquiera lo que fuimos el año 33; somos demócratas católicos. Nuestra monarquía no es absoluta, sino paternal, tal como la modela el derecho divino enseñado por la Iglesia. Nuestro monarca no es un mito endiosado como los antiguos califas de Bagdad o los emperadores chinos, a quienes no era lícito mirar de frente aunque se dignaran levantar el velo que de ordinario cubría su semblante, sino el tipo de un príncipe sencillo, afable, indulgente, accesible al cariño de sus súbditos, como lo era aquel buen San Luis de Francia que administraba justicia bajo la encina tradicional de Vicennes [. . . ] No queremos el régimen del feudo y del terruño, base de esclavitud y de barbarie, ni las leyes de composición, ni el diezmo, ni los señoríos. No queremos la Inquisición porque, aun siendo como fue, un progreso en los tiempos en que vino a reemplazar con ordenados procedimientos jurídicos los degüellos en masa de los pueblos que se exterminaban recíprocamente, lo mismo en nombre del principio católico que en el de la libertad de conciencia, que también la estableció, serían un anacronismo inútil, dadas las condiciones de la presente edad, y un monólogo que alteraría el concierto de Europa. Nuestra afición a las instituciones libres llega hasta el punto de preferir el fuero vasco, como ley del reino, a todas las Constituciones españolas, por ser la más tutelar; las Cortes de Aragón a las de Castilla, por ser mayor su independencia, y la descentralización castellana al centralismo de la casa de Austria, por su equidad; prueba de que amamos la libertad verdadera, la libertad racional, hija del Evangelio, que no es veneno que mata, ni medio para envenenar. Nuestro criterio para las cuestiones sociales se ajusta al de San Agustín, filósofo superior a Platón, que resolvió todos los problemas de la familia y 11 Cit. en Pirala, A., Historia de la guerra civil y de los partidos liberal y carlista. Tercera edición corregida y aumentada con la historia de la Regencia de Espartero, t. 2, págs. 435–437. 52 del Estado; y para las políticas al de Santo Tomás, que, eclipsando para siempre a Aristóteles, halló la fórmula positiva del gobierno.12 Por mucho que Herrero insista en que los carlistas no son hombres del pasado, su texto es un claro testimonio de todo lo contrario: un monarca ideal —«el buen San Luis de Francia», una ley ideal— el antiguo fuero vasco, una estructura estatal ideal —la «descentralización castellana», históricamente anterior al «centralismo de la casa de Austria», y los filósofos ideales— San Agustín y Santo Tomás. Si no se reclama la restauración de la Inquisición, no es porque según los carlistas sea una institución obsoleta, sino simplemente porque la Europa contemporánea ya no está dispuesta a digerir tal «progreso». La defensa del monarca «legítimo», uno de los pilares del mundo carlista, pertenece al mismo fenómeno de la búsqueda del «paraíso perdido». Un rey legítimo, es decir, un monarca bueno, es el que proviene de la dinastía tradicional y busca los modelos y las pautas para su gestión política en los grandes ejemplos de la historia monárquica de Europa; aparte del ya mencionado San Luis de Francia, se habla a veces del emperador Carlos V o el rey Felipe II; y sobre todo, un soberano «legítimo» debe ser un auténtico soberano, en otras palabras, nunca debe aceptar una limitación de su poder por parte de un cuerpo legislativo salido de elecciones o una limitación introducida por una Constitución. Esto, en el fondo, equivale al absolutismo. Y puesto que el término absolutismo desde los tiempos de Fernando VII no sonaba muy atractivo ni siquiera a muchos españoles conservadores, había que «taparlo» de alguna manera. A veces se necesitaban unos auténticos juegos malabares, como podemos observar en el peculiar sofisma que ofrecía la princesa de Beira en su Carta a los españoles del 25 de septiembre de 1864: A estas ideas, pues, tan anárquicas como antirracionales, y anticatólicas [es decir, las liberales], nosotros oponemos nuestros principios monárquico-religiosos, contenidos sumariamente en aquella nuestra antigua divisa: Religión, Patria y Rey. Esta divisa la heredamos de nuestros mayores como rico patrimonio, como ley fundamental de nuestra España católica, como lema glorioso de nuestras banderas, como grito de guerra contra nuestros enemigos. En las actuales circunstancias ella es la única áncora de salud en medio de la deshecha borrasca que excitó el liberalismo moderno con sus ideas disolventes. Según nuestros principios monárquico-religiosos, un Rey católico no puede ser propiamente absoluto. Su poder, primeramente, está limitado por todos sus deberes para con el Señor Supremo, y por sus deberes para con sus súbditos. En segundo lugar, tiene una limitación general que abraza mil y mil casos particulares, pues antes que Rey es padre de los pueblos que Dios le ha confiado, y como Rey y como padre debe querer todo el bien posible a su pueblo y alejar de él, en lo posible, todo mal. Es decir, en este caso sería un poder absoluto para el bien y un poder nulo para todo lo malo.13 Una palabrería elegante y sofisticada, pero al fin y al cabo solo esto, una palabrería. Lo cierto es que cuando los carlistas tengan la posibilidad real —aunque, hay que reconocer, bastante limitada por las difíciles condiciones de la situación 12 Herrero, L., El gobierno carlista, lo que es en teoría y práctica, págs. 96–97. en Ferrer, M. – Tejera, D. – Acedo, J. F., Historia del tradicionalismo español, t. 22, págs. 233–255. 13 Cit. 53 bélica— de demostrar la viabilidad de sus conceptos y erigir su propio «Estado ideal», es decir, entre los años 1873–1876, en el transcurso de la Segunda guerra carlista, fracasarán. La estructura administrativa fabricada alrededor de Estella, Durango y Oñate no se sostendrá por mucho tiempo. Ni económicamente, ni políticamente, ni socialmente. El principal problema del Estado carlista —y allí la guerra no jugaba papel alguno— era la falta de algún pilar sobre el que podría haberse apoyado. Un pilar semejante al que en el campo del rival, del Estado liberal, era la Constitución. Se demostró claramente que a base de manifiestos patéticos y vagos no era posible construir un Estado sólido y estable.14 Después de la derrota militar de Carlos VII, sin duda el más simpático y competente de entre los pretendientes carlistas a lo largo del siglo XIX, el carlismo definitivamente dejará de ser una opción política capaz de conseguir un apoyo auténticamente masivo dentro de la sociedad española. El liberalismo y el capitalismo seguirán presionando y las filas de los descontentos y frustrados incluso aumentarán, pero habrá nuevos credos y nuevas religiones políticas: el anarquismo, el anarcosindicalismo, el socialismo, el comunismo, etc. Unos movimientos orientados más bien hacia el futuro, hacia una Revolución, hacia un Gran Cambio (la verdad que a veces no menos utópico que la Gran Vuelta carlista al pasado). Otros soñarán con la República, aquella hermosa chica semidesnuda, como se la imaginaban los pintores de la época. Y otros, más tarde, mirarán incluso hacia Italia y el Duce y su falsa panacea llamada fascismo. La fuerza del carlismo brevemente renacerá durante la Guerra Civil y las boinas rojas una vez más demostrarán a España y al mundo entero que en el campo de batalla nunca les falta valor. Pero ideológicamente el carlismo muere ya a finales del siglo XIX. Las posteriores metamorfosis del ideario carlista —la difícil convivencia con los integristas, el coqueteo con Juan Vázquez de Mella, el pragmatismo agresivo y a veces cínico de Fal Conde, y al final hasta las aventuras socialistas y federalistas de Carlos Hugo— son un claro testimonio de que la tradicional receta del carlismo decimonónico, es decir, la vuelta al paraíso perdido del gran pasado, en los tiempos modernos difícilmente puede prosperar. En el norte de España, entre los campesinos, se mantendrá el mito del «pueblo sano» y un peculiar mundo de los símbolos, tradiciones, recuerdos e historias nostálgicas, trasladado todo esto oralmente de una generación a otra. Éste, probablemente, es el único «carlismo puro» que ha sobrevivido hasta nuestros tiempos, como han demostrado, p. ej., las investigaciones de Jeremy MacClancy a principios de los años noventa.15 Cuando se les preguntaba a los aldeanos a qué se debía su identidad carlista, respondían: a la fe, a la tradición familiar, a las hazañas de los abuelos, a los 14 El historiador Miguel Artola no se va con escrúpulos a la hora de valorar el programa político del primer don Carlos y escribe que su ideología „es de una pobreza que no admite exégesis posible. No aparece ni una sola idea fuera de la total entrega a la voluntad de Dios. Artola, M., La España de Fernando VII, Madrid, 1992, p. 884. Muchos ejemplos concretos del insuficiente funcionamiento y desarrollo del protoestado carlista surgido a lo largo de la Segunda guerra los ofrece el libro Montero, J., El Estado Carlista. Principios teóricos y práctica política (1872– 1876), Madrid, 1992. 15 Véase MacClancy, J., «Navarra», en Lisón Tolosana, C. (ed.), Antropología de los Pueblos del Norte de España, Madrid, 1991, pp. 115–130, y también un texto muy interesante de Jordi Canal, «La gran familia. Estructuras e imágenes familiares en la cultura política carlista», en Cruz, R., y Pérez Ledesma, M. (eds.), Cultura y movilización en la España contemporánea (1800–1950), Barcelona, 1992, págs. 481–512. 54 lazos de sangre. Pero esto ya es otra historia, la historia del clan familiar, del círculo carlista, de la comunidad. La historia, o mejor dicho las historias del Tío Tomás, del Tigre del Maestrazgo, del Cura Santa Cruz, historias que durante las largas y frías noches de invierno cuentan, junto a la chimenea, los ancianos a los niños que tienen los ojos brillantes y las bocas abiertas. Y aquí inevitablemente termina nuestro texto puesto que éste es un carlismo que más que un estudio historiográfico se merecería una novela de Ramón del Valle-Inclán. BIBLIOGRAFÍA Alférez, G.: Historia del carlismo. Actas, Madrid, 1995. Aróstegui, J. – Canal, J. – González Calleja, E.: El carlismo y las guerras carlistas: hechos, hombres e ideas. La esfera de los libros, Madrid, 2003. Artola, M.: La España de Fernando VII, Espasa Calpe, Madrid, 1992. Bullón de Mendoza, A.: Las guerras carlistas en sus documentos. Ariel, Barcelona, 1998. Burgo, J. del: Bibliografía de las guerras carlistas y de las luchas políticas del siglo XIX. 5 vols. Instituto del Príncipe de Viana, Pamplona, 1964. Canal, J.: «La gran familia. 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Wilhelmsen, A.: La formación del pensamiento político del carlismo (1810–1875). Actas Editorial, Madrid, 1995. Obrana trůnu a oltáře. Karlistická ideologie v 19. století Resumé Článek analyzuje základní body karlistické ideologie v průběhu 19. století. Ideologie vágní, patetické, mnohdy manichejské, přesto však schopné vyburcovat statisíce obyvatel Španělska k ozbrojenému vystoupení proti liberálnímu státu a kapitalistickému uspořádání společnosti. Jádrem karlistické ideologie je návrat do minulosti, do „ztraceného ráje přirozeně hierarchizovaného a srozumitelného světa středověké stavovské společnosti. Defending the Throne and the Altar. The Carlist Ideology in the 19th Century Summary The article analyses the main points of the Carlist ideology in the course of the 19th century. It was a vague, pathetic and frequently Manichean ideology, but still it was able to arouse hundreds of thousands of the inhabitants of Spain into armed insurrection against the liberal state and the capitalist social order. The substance of the Carlist ideology is a return to the past, to the “lost paradise” of the comprehensible world of the medieval corporative society with its natural hierarchy. Jiří Chalupa Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc República Checa [email protected] 56 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 ¿Reconquista o asimilación? Problemática de la (in)migración∗ de los Chicanos/Mexicanos a los EE.UU. en su contexto histórico Eva V. Johnson En los últimos años, el debate sobre inmigración, sobre todo, la inmigración ilegal de los latinos a los Estados Unidos, ha llamado mucha atención de los medios de comunicación. El debate ha causado entre la población estadounidense una ola de sentimientos de simpatía con los inmigrantes, pero también creció la ansiedad y hostilidad hacia ellos. En este artículo voy a comentar la Ley de Protección de la Frontera, Antiterrorismo y Control de Inmigración Ilegal del 2005, HR 443, y resumir en breve las reacciones a ella. Basándome en el libro de Gilda L. Ochoa del 2004 llamado Becoming Neighbors in a Mexican American Community. Power, Conflict and Solidarity y la teoría del conflicto del poder (power conflict theory) voy a analizar el debate sobre la inmigración en el contexto histórico, político y económico, tomando en cuanta la relación compleja entre los Estados Unidos y México. En los EE.UU. hay tres grupos de latinos más grandes: los chicanos/mexicanos, puertorriqueños y los cubanos. Tradicionalmente, los tres grupos han sido asociados con tres zonas geográficas. El suroeste de los EE.UU., Nueva York y Florida. Cada uno de estos grupos tiene su historia de la (in)migración particular.1 El gobierno de los EE.UU. estima que hay alrededor de ocho millones de los inmigrantes ilegales en los Estados Unidos, de los cuales el 70 por ciento han llegado, probablemente, a través de la frontera con México2 . Otras fuentes calcularon que ∗ El término (in)migración está utilizado tomando en consideración varios patrones de la migración latina. 1 La migración de los puertorriqueños de la isla al continente, los que desde el final de la guerra entre España y los Estados Unidos en el 1898 gozan del estatus de los ciudadanos de los EE.UU. Por otro lado, los EE.UU. han ganado a través de varios convenios el control económico y político. La (in)migración de los cubanos que se instalaron en Florida después de la revolución cubana en el 1959 y durante las olas consecutivas, y la de los (in)migrantes documentados y no documentados de México. 2 MacNeil, R. – Cran, W., Do you speak American?, pág. 101. 57 en marzo de 2006 vivían en los Estados Unidos aproximadamente hasta 11.5 ó 12 millones de personas indocumentadas.3 También se calcula que en el año 2005, el 56 por ciento de ellos era de México y el 22 por ciento de otros países de América Latina; los inmigrantes indocumentados provenientes del sur y el este de Asia también representan un número importante. El enfoque de este trabajo está en casi tres cuartos de la población latina que proviene de México. Este grupo está formado por los descendientes de los inmigrantes mexicanos y también por los mexicanos californios, que se han convertido de noche al día en los ciudadanos estadounidenses como consecuencia del tratado de Guadalupe Hidalgo.4 El 16 de diciembre 2005 la Ley de Protección de la Frontera, Antiterrorismo y Control de Inmigración Ilegal de 2005 (HR 443, Border Protection, Antiterrorism, and Illegal Immigration Control Act of 2005), también conocida como el proyecto de ley Sensenbrenner, fue aprobada por la asamblea legislativa de los EE.UU. Con esta iniciativa se abrió uno de los debates más feroces sobre la inmigración. Las respuestas a la HR 443 por parte de los grupos que luchan por los derechos de los inmigrantes han sido inmediatas. El Consejo Nacional de La Raza (NCLR, The National Council of La Raza), que es la organización hispana de derechos civiles más importante de los Estados Unidos, anunció que el proyecto de ley criminaliza a los inmigrantes, niega derechos al debido proceso legal y daña a las comunidades, familias y comerciantes. Según el Consejo Nacional de La Raza, la ley HR 4437 aumentaría las repercusiones contra los inmigrantes ilegales y podría: 1. Hacer más difícil para los inmigrantes legales convertirse en ciudadanos de los Estados Unidos. 2. Dañar a comunidades americanas y poner en riesgo a todos los americanos al hacer más amplia la definición de contrabando al incluir a cualquiera que ayude o transporte a un inmigrante indocumentado. 3. Hacer que cada persona que venga a trabajar a los Estados Unidos esté sujeta no sólo a deportación sino también a encarcelamiento. 4. Dañar la economía de los Estados Unidos al crear un sistema de verificación de empleo demasiado amplio y retroactivo sin crear vías legales para que trabajadores que son necesarios trabajen legalmente.5 Durante el año 2006, millones de personas protestaron contra dicha ley. La protesta más grande a nivel nacional ocurrió el 10 de abril del 2006 en 102 ciudades estadounidenses. El 1 de mayo de 2006 tuvo lugar El Gran Paro Americano (The Great American Boycott), también conocido como El día sin inmigrante (Day Without An Immigrant). Este día los inmigrantes indocumentados junto con sus partidarios promocionaron el paro con su ausencia en el trabajo y escuela y organizaron las marchas por las ciudades. La intención fue demostrar que los inmigrantes 3 Pew Hispanic Center, Inmigration and Naturalization Services. tratado del 1848 con el que acabó la guerra entre México y los EE.UU, estableció la frontera entre los dos estados con la mayor discrepancia económica del mundo, la frontera creada por el Río Grande. En este acto, México perdió casi la mitad de su territorio y los residentes de estas zonas pasaron a ser de noche al día ciudadanos de los EE.UU. 5 Para más información, véase la página oficial del Consejo Nacional de la Raza (NCLR, The National Council of La Raza), la organización hispana de derechos civiles más importante de los Estados Unidos. http://www.nclr.org/content/news/detail/35482 4 El 58 ilegales tienen un papel importante en la economía norteamericana. Las marchas más grandes tuvieron lugar en Los Ángeles, Nueva York y Chicago. Entre la gente estadounidense surgió una solidaridad enorme, por otro lado, aparecieron los sentimientos de la ansiedad y hostilidad. ¿Reconquista o asimilación? En su libro titulado Do you speak American?, Robert MacNeil y William Cran intentan responder a la pregunta que también ha dado el título al capítulo cinco del dicho libro: «Hispanic Immigration: Reconquest or Assimilation?». Los autores presentan diferentes puntos de vista de la polémica sobre la inmigración hispana. Uno de ellos, representado por Victor Davis Hanson, el autor del libro titulado Mexifornia, dice que si la situación presente de la inmigración continuará, o sea, si las fronteras con México permanecerán «abiertas» y si el multiculturalismo promocionado en las escuelas no desaparecerá, los EE.UU. estarán en frente de la desaparición del modelo tradicional asimilacionista. Así mismo, según él, surgirá una cultura híbrida en la que: «Spanish has equal status with English and there is little Americanization».6 Desde el año 1981 existe un movimiento al nivel nacional que promueve la aceptación de la lengua inglesa como la única lengua nacional. Unos de los representantes más significativos del dicho movimiento han sido el senador S. I. Hayakawa y Alistair Cooke. Cooke escribió: «The day that the immigrant’s tongue becomes the first language of any community or —God forbid— a state, the American experiment will be in serious jeopardy of falling apart».7 Una de las controversias más fuertes ha surgido en el año 1988 cuando uno de los fundadores del movimiento, doctor John Tanton, estaba promoviendo la esterilización forjada, como el remedio para el control de la población e inmigración.8 Otro personaje que representa el ambiente en contra la inmigración es Samuel P. Huntington, él opina que «the single most immediate and most serious challenge to America’s traditional identity comes from the immense and continuing immigration from Latin America, especially Mexico». En su libro Who Are We? constata que los inmigrantes mexicanos son unos emigrantes «especiales» y que su situación contradice la tradición asimilacionista de los EE.UU. En su artículo llamado «The Hispanic Challenge», Huntington acusa a los latinos de ser los traidores del sueño americano, representado, según él, por los valores anglo-protestantes. The persistent inflow of Hispanic immigrants threatens to divide the United States into two peoples, two cultures, and two languages. Unlike past immigrant groups, Mexicans and other Latinos have not assimilated into mainstream U.S. culture, forming instead their own political and linguistic enclaves —from Los Angeles to Miami— and rejecting the Anglo-Protestant values that built the American dream. The United States ignores this challenge at its peril.9 6 MacNeil, R. – Cran, W., Do you speak American?, pág. 104. pág. 105. 8 Íbid., pág. 106. 9 Huntington, S. P., «The Hispanic Challenge», Foreign Policy X, March/April 2004, pág. 1. 7 Íbid., 59 Según Huntington, los inmigrantes son «persistentes en la inmigración (inmigración ilegal), excesivamente fértiles, sin interés por educación, resistentes a aprender el inglés y a la asimilación».10 Las fobias hacia los recién llegados no es nada nuevo. El miedo de que los inmigrantes van a destruir los valores de América del Norte con sus costumbres (o por falta de ellos) tan diferentes de los de «Good Old America»; el miedo de que van a imponer su idioma o contagiar el inglés, existe desde hace muchos años. Históricamente, uno de los grupos inmigrantes que sufrió dichas acusaciones han sido los alemanes, que durante la formación de la nación ocuparon una posición especial entre otros grupos inmigrantes.11 En el año 1860 se publicaron en los EE.UU. unos veintiocho periódicos en la lengua alemana. Durante este tiempo, uno de cada diez americanos hablaba el alemán, lo que supone casi el mismo porcentaje de los hablantes que hoy en día en los EE.UU. hablan el español.12 Muchos años antes de las dos guerras mundiales que más adelante intensificaron las fobias y un clima de hostilidad e histeria hacia los alemanes en los EE.UU., Benjamin Franklin, ya en el año 1751, expresó su miedo de que Pennsylvania: «will in a few years become a German Colony: Instead of their learning our language, we must learn their’s, or live as in a foreign country.»13 Según él, los alemanes trabajaban por menos dinero y de este modo quitaban el trabajo a los anglos. Esta ideología persiste hasta hoy en día. Lo único que ha cambiado es el grupo étnico en cuestión. Aunque como tantas veces se ha dicho, la nación americana costa de los inmigrantes, con excepción de la población nativa, los sentimientos hacia los recién llegados han sido siempre más bien negativos. «We didn’t cross the border, the border crossed us» ¿Cómo ven la situación desde su perspectiva los chicanos/as? Su historia empieza con el Aztlán. Muchos creen que Aztlán es el mítico lugar del antiguo imperio Azteca, la cuna de la cultura náhuatl. Podría estar localizado en lo que ahora es el norte de México, o en el sudeste o centro de los Estados Unidos de hoy. Según la leyenda, los primeros mexicas emergieron desde Aztlán al valle de México, y fundaron Tenochtitlán, la capital del imperio mexica/azteca, la ciudad de México de hoy. En Náhuatl la palabra azteca significa «procedente de Aztlán». A fines de los años sesenta, Aztlán ha dado nombre a varios movimientos políticos de los latinos en los Estados Unidos, tales como el consejo revolucionario y Gobierno provisional de Aztlán y de MEChA,14 que es el acrónimo para el Movimiento Estudiantil Chi10 Para más detalles, véase Johnson, E. V., «L@s poch@s, los traidores de la lengua traicionados», en: Romanica Olomucensia XVIII, Grandeur et décadence de la parole au XXIe siècle/Grandeza y decadencia de la palabra en el siglo XXI, UP Olomouc, Olomouc 2007, págs. 137–146. 11 MacNeil, R. – Cran, W., Do you speak American?, pág. 94. 12 Íbid., pág. 94. 13 Íbid., pág. 94. 14 MEChA fue fundada a finales de los 1960s como resultado de dos conferencias: la Primera Conferencia Nacional Juvenil para la Liberación Chicana (the First National Chicano Liberation Youth Conference), celebrada en marzo de 1969 en Denver, Colorado, en la que se elaboró el documento El Plan Espiritual de Aztlán. Gracias a un simposio realizado al mes siguiente en la Universidad de California, Santa Barbara, salió el documento El Plan Espiritual de Santa 60 cano de Aztlán. MEChA como una organización estudiantil promueve la educación superior, cultura e historia. La organización cree que por medio de la participación en la política y la educación surgirá el cambio en la sociedad norteamericana. En esta conexión se habla a menudo sobre la coincidencia aproximada con los Estados que fueron objeto de anexión del Tratado de Guadalupe Hidalgo en el 1848, o sea, la antigua Nueva España, norte de México o el actual sudoeste15 de los EE.UU. Ed Morales en su libro Living in Spanglish: The Search for Latino Identity in America aclara la pregunta de los asimilacionistas porqué los latinos no pueden hacerse americanos como todos los inmigrantes de más, y dice que la respuesta es que los latinos ya son americanos, porque América es un continente y no tan solo un país.16 Gloria Anzaldúa, poeta, activista, escritora feminista y una figura importante de estudios postcoloniales de América del Norte escribe en su colección de ensayos llamada Borderlands/La Frontera: The New Mestiza lo siguiente: «[this] borderland between Nueces and the Río Grande. This land has survived possessions and ill-use by five countries: Spain, México, the Republic of Texas, the US, the Confederacy, and the US again. It survived Anglo-Mexican blood feuds, lynches, burning, rapes, pillage».17 Y sigue: This land was Mexican once, Was Indian always and is. And will be again.18 Según Gloria Anzaldú, con la que muchos chicanos y chicanas comparten la misma ideología, los chicanos y chicanos siguen siendo extranjeros en su propia tierra. Parece que la situación de la (in)migración de los latinos es un poco más compleja, y no se puede explicar como la de mayoría de los inmigrantes que han llegado a New York a través de la puerta icónica al «sueño americano». Aunque es verdad que la causa principal del influjo de los inmigrantes latinos a los EE.UU. hoy en día es la misma que para los demás inmigrantes, es decir, la promesa de un futuro en Gringolandia, como algunos de ellos llaman los EE.UU., Huntington tiene razón que la situación de ellos es realmente «especial». Para poder entender mejor la compleja situación de la inmigración latina de hoy hay que acudir a la historia. Barbara. En la constitución del MEChA se definen cuatro objetivos organizativos: 1. Fortalecimiento social, político, económico, cultural y educativo de los chicanos. 2. Mantenimiento de la identidad chicana y ampliación del conocimiento cultural. 3. Ampliar el acceso de los chicanos a la educación superior. 4. Implementación de planes de acción para ayudar a la comunidad. http://www.nationalmecha.org/ 15 Por el sudoeste se entiende: Arizona, California del Sur, Colorado, New Mexico, Texas 16 Morales, E.: Living in Spanglish: The Search for Latino Identity in America, pág. 8. 17 Anzaldúa, G.: Borderlands/La Frontera: The New Mestiza, pág. 90. 18 Íbid., pág. 91. 61 Un repaso histórico de la (in)migración de los latinos Las relaciones entre México y los Estados Unidos tienen una larga historia. Uno de los momentos cruciales ha sido la guerra entre México y los EE.UU. (1846–1848) que acabó con el mencionado tratado del Guadalupe Hidalgo del 1848 y con la pérdida de casi la mitad del territorio mexicano. La ideología de la doctrina del destino manifiesto (Manifest Destiny)19 ha servido como la base teórica para la expansión estadounidense y para justificar la conquista del Norte de México. Dicha ideología proclama que el pueblo estadounidense es un pueblo elegido por Dios, y le es permitido apropiarse del territorio destinado a formar parte de los Estados Unidos.20 La misma ideología de la doctrina del destino manifiesto influye hasta hoy en día la política estadounidense y promueve la misión de los EE.UU. como defensor de la democracia en el mundo entero. Desde de segunda guerra mundial apareció la perspectiva asimilicionista que desde entonces se ha convertido en el marco teórico más influyente y prevaleciente en los EE.UU. La idea principal de dicha perspectiva es que «todos somos iguales» y que no depende de dónde uno proviene. Aprendiendo el inglés junto con los valores y tradiciones de los blancos de la clase media y olvidando la lengua materna junto con las costumbres de la tierra de donde uno proviene supuestamente garantizan la integración en la sociedad dominante. Ochoa habla sobre la «Anglo conformity». Muchos de los inmigrantes aceptan el anglo-conformismo que proclama que el inglés y las costumbres de los anglos son las mejores y deben mantenerse como dominantes y estándar para todos los que quieran formar parte de los Estados Unidos. Además Ochoa destaca el concepto de «color blind» o «pover-evasive». Este concepto supone que el sueño americano es accesible a todos aquéllos que quieran trabajar duro, educarse y ganar dinero. Reivindica que en los EE.UU. todos tienen la misma oportunidad de no solo aprender el idioma de América, el inglés estándar que representa el lenguaje no marcado, sino también tener la identidad americana, no marcada, lo cual para un latino no es siempre posible.21 Bonnie Urciuoli en su libro Exposing Prejudice Puerto Rican Experiences of Language, Race, and Class revela que hagan lo que hagan, los grupos étnicos (se entiende otros que los WASP, o sea, white anglo-saxon protestant), en el mejor escenario, pueden tener éxito como un grupo étnico bueno que más o menos se asimila o como un grupo étnico que fracasa. De todas formas, por muchas razones muy obvias, nunca pueden lograr ser no-marcados.22 19 Por primera vez el término Manifest Destiny ha sido empleado por el periodista O’Sullivan’s en el 1845 en el periódico New York Morning News, durante la disputa con Gran Bretaña sobre las fronteras de Oregon. «And that claim is by the right of our manifest destiny to overspread and to possess the whole of the continent which Providence has given us for the development of the great experiment of liberty and federated self-government entrusted to us.» 20 Ochoa, G. L., Becoming Neighbors in a Mexican American Community: Power, Conflict, and Solidarity, pág. 25. 21 Johnson, E. V.: «L@s poch@s, los traidores de la lengua traicionados», en: Romanica Olomucensia XVIII, Grandeur et décadence de la parole au XXIe siècle/Grandeza y decadencia de la palabra en el siglo XXI, UP Olomouc, Olomouc 2007, págs. 137–146. 22 Urciuoli, B.: Exposing Prejudice Puerto Rican Experiences of Language, Race, and Class, pág. 38. 62 Bajo dicha visión de la realidad estadounidense, el mantenimiento del idioma, en este caso del español junto con las costumbres, representa los obstáculos para la asimilación y perjudica al individuo en el proceso de hacerse americano de verdad. Generalmente, el concepto asimilacionista se basa en el modelo de meritocracia, y como escribe Ochoa: «[Thus], by failing to consider the larger societal factors that impact people’s lives differently depending on their social locations – their position in society based on race/ethnicity, class, gender, etc., this discourse blames people of color for their positions in society and reinforces the prevailing notions of rugged individualism and meritocracy». Entonces, para ser aceptado en la sociedad estadounidense, «to become american», o sea, hacerse americano de verdad (sin tener en cuenta el hecho de que América no comprende tan solo Estados Unidos) esta creencia conlleva a menudo una ideología de la superioridad blanca. Muchas veces la percepción del español y las costumbres mexicanas como inferiores en comparación con los valores anglosajones y el inglés llevan a los padres latinos a no enseñar el español a sus hijos, creyendo que el conocimiento del idioma les perjudicaría. La teoría asimilacionista niega por completo el contexto histórico, económico y político y las relaciones complejas entre los EE.UU. y México. Ochoa destaca el malfuncionamiento de ese sistema que supone que los mexicanos han inmigrado voluntariamente. En su libro, Ochoa revela que la (in)migración mexicana está marcada por el colonialismo y la explotación, el racismo y la exclusión. Como ejemplos pone la situación de los (in)migrantes mexicanos a los que a veces no les ha sido permitido comprar las viviendas en ciertos barrios, y se han enfrentado con la discriminación en los lugares públicos como cinemas, piscinas públicas o autobuses. Los trabajos designados tradicionalmente a los inmigrantes mexicanos han sido peligrosos, difíciles, temporales o mal pagados. Las «escuelas mexicanas» han sido de calidad inferior con un currículum básico enfocado en las asignaturas vocacionales sin el objetivo de poder acceder a las universidades. Ochoa parte de «power conflict theory», la teoría del conflicto de poder, que se basa en la justicia social. Esta teoría toma en consideración el contexto de la historia de la colonización del México por los EE.UU., el patrón de la explotación laboral, la existencia del racismo individual e institucional, la discriminación y la historia de la resistencia. Apoyándome en esta teoría voy a hacer un breve repaso de las relaciones entre los EE.UU. y México. A través de la historia de la relación entre los EE.UU. y México podemos observar cierto patrón de la explotación laboral de los (in)migrantes mexicanos. Siempre cuando los EE.UU. necesitaban la mano de obra, acudían a México y cuando entraron en la depresión económica, los mexicanos han sido muchas veces acusados de ser la causa de los problemas económicos y han sido perseguidos y deportados. Este círculo ha causado que los mexicanos sean considerados en los EE.UU. los extranjeros permanentes y mano de obra explotable y aprovechable. La primera ola de la inmigración —contratación mexicana— ocurrió durante la primera guerra mundial y acabó con la Gran Crisis. Los inmigrantes han sido contratados para trabajar tanto en la agricultura como en la industria. En marco de la Ley de la Inmigración para los Inmigrantes Mexicanos (Inmigration Act for Mexican inmigrants), del año 1917 hasta el 1921, alrededor de 72 000 de mexicanos 63 furon contratados para trabajar en las minas, mataderos, en la construcción de los ferrocarriles y para los trabajos temporales en la agricultura. Con la llegada de la Gran Crisis de los años 30, los (in)migrantes han sido acusados de ser la causa de los problemas económicos del país. Siguieron los sentimientos de hostilidad y las acusaciones de que los mexicanos trabajaban por menos dinero y así quitaban el trabajo a los verdaderos americanos. La histeria diseminada por los medios de comunicación ha causado muchas deportaciones y repatriaciones. Unos años más tarde, durante los años 40, la situación se repite: otro colapso creó nuevas necesidades de la mano de obra barata. Así se inició el programa Bracero (Bracero program, 1942–1964). El programa conocido también como el «Emergency Farm Labor Act» del 1942 fue promovido por el gobierno y fue creado para contratar a los trabajadores temporales de México para ayudar a la economía estadounidense a salir de la crisis causada por la segunda guerra mundial. El año 1953, debido a los sentimientos anti-comunistas y la recesión económica después de la guerra en Corea, la INS (Inmigration and Naturalization Service) está marcado por la operación wetback.23 Durante el proyecto, acerca de 1,2 millones de los inmigrantes ilegales fueron deportados del sudoeste de los Estados Unidos. Entre los «wetback» deportados a México hubo también personas políticamente activas. Sin embargo, el programa se mantuvo activo hasta el 1964. En este período, millones de mexicanos, con o sin permisos de trabajo, entraron a los Estados Unidos. Durante estos veintidós años se crearon unos fuertes lazos familiares y redes entre la comunidad mexicana en los EE.UU. y México. En el año 1994 ha entrado en vigor la proposición 187. Esta proposición prohíbe a los inmigrantes indocumentados recibir la educación pública, los beneficios médicos y muchos otros. En el 2005 la «Ley de Protección de la Frontera, Antiterrorismo y Control de Inmigración Ilegal de 2005» abre otra vez el tema complicado. ¿Reconquista, asimilación o el tercer camino? Los sociólogos y sociolingüistas solían describir los Estados Unidos como el «melting pot» de rasas, culturas y lenguas, donde a través de la fusión-asimilación surgía una identidad única. Junto con la crisis postmoderna de la sociedad existe una fuerte tendencia de reconsiderar la metáfora de «melting pot» que evoca una nación, una cultura y una lengua. Aparecen unas metáforas que parecen más sútiles para reflejan la situación estadounidense de hoy. Entre ellas la metáfora de «salad bowl», el mosaico o el caleidoscopio que quizás mejor refleja las realidades que siempre están en el proceso del cambio y evolución. Volvamos a la pregunta de Robert MacNeil y William Cran sobre la inmigración hispana: ¿reconquista o asimilación? Para poder responder esta pregunta hay que tener en cuenta la compleja situación de la relación entre los EE.UU. y México sin dejar de lado el aspecto histórico, político y económico. Ed Morales en su libro Living in Spanglish: The Search for Latino Identity in America ofrece su respuesta; dice: «I embrace the contradiction of miscegenation 23 Wetback es un término despectivo que denomina a un mexicano o a una persona de América central que está en los Estados Unidos ilegalmente. El término se basa en la presunción que la persona para entrar a los Estados Unidos nadó y se mojó en el Río Grande. 64 as a potential solution. This miscegenation is the true embodiment of the revolutionary dream that has always been the root of the American psyche.»24 BIBLIOGRAFÍA Anzaldúa, G.: Borderlands/La Frontera: The New Mestiza. Aunt Lute Books, San Francisco, 1987. Anzaldúa, G.: Making Face, Making Soul – Haciendo Caras. Creative and Critical Perspectives by Feminists of Color. Aunt Lute Books, San Francisco, 1990. Huntington, S. P.: «The Hispanic Challenge», Foreign Policy, March/April 2004, págs. 1–12. Johnson, V. E.: «L@s poch@s, los traidores de la lengua traicionados», en: Romanica Olomucensia XVIII, Grandeur et décadence de la parole au XXIe siècle/Grandeza y decadencia de la palabra en el siglo XXI, UP Olomouc, Olomouc 2007, págs. 137–146. Johnson, F. J.: Speaking culturally: language diversity in the United States. Sage Publications, Thousand Oaks, 2000. MacNeil, R. – Cran, W.: Do you speak American? Neely Production, Inc., Orlando, FL, 2005. Morales, E.: Living in Spanglish: The Search for Latino Identity in America. St. Martin’s Press, New York, 2002. Ochoa, G. L.: Becoming Neighbors in a Mexican American Community: Power, Conflict, and Solidarity. University of Texas Press, Austin, 2004. Urciuoli, B.: Exposing Prejudice Puerto Rican Experiences of Language, Race, and Class. Westview Press, Colorado, 1996. http://www.nationalmecha.org/ [cit. 7–6–2007]. http://www.nclr.org/content/news/detail/35482 [cit. 10–6–2007]. Znovudobytí nebo asimilace? Čikánská a mexická (i)migrace do USA v hitorickémm kontextu Resumé V článku představujeme debatu zvláště o nelegální imigraci Latinoameričanů do USA. Zaměřujeme se hlavně na imigraci Mexičanů, kteří tvoří 56 % všech osob nelegálně žijících v USA. Problematiku otevíráme komentářem zákona Border Protection, Antiterrorism, and Illegal Immigration Control Act of 2005, HR 443 a shrnujeme komentáře na něj. 24 Morales, E., Living in Spanglish: The Search for Latino Identity in America, pág. 29. 65 Vycházíme z příkladů uvedeným v knize Roberta MacNeila a Williama Crana Do you speak American? a shrnujeme názory zastánců asimilačního modelu. Ukazujeme, že negativní postoje k nově příchozím existují od vzniku amerického národa a jako příklad poukazujeme na situaci Němců v USA. Po připomenutí historie amerického jihozápadu zmiňujeme legendu o Aztlánu a její politické konotace pro chicanské hnutí. Ukázky ze spisů Glorie Anzaldúa a Eda Moralese představují pohled Latinoameričanů. Na základě knihy Gildy L. Ochoa z roku 2004 Becoming Neighbors in a Mexican American Community. Power, Conflict and Solidarity a teorie mocenského konfliktu analyzujeme debatu o imigraci v jejím historickém, politickém a ekonomickém kontextu na pozadí složitých americko-mexických vztahů. Zdůrazňujeme také vykořisťování mexických imigrantů v pracovních vztazích. Na závěr nastolujeme potřebu hledání nových teoretických modelů odrážejících lépe současnou situaci americké společnosti. Reconquest or Assimilation? Chicano/Mexican (In)Migration to the United States in Its Historic Context Summary This paper exposes the debate on immigration, in particular the illegal immigration of Latin Americans to the United States. Furthermore, the focus is on the (in)migration of Mexicans, who form approximately 56 percent of the total number of undocumented persons in the country. The introduction includes comments on the Border Protection, Antiterrorism, and Illegal Immigration Control Act of 2005, HR 443, and reactions to this project are briefly summarized. Using examples presented in the book titled, Do You Speak American?, by Robert MacNeil and William Cran, the opinions of subscribers to the assimilation model are discussed. These state that negative feelings towards newcomers have existed since the very creation of America; German immigrants to the United States are used as an example for the purpose of this paper. Reviewing the history of the Southwest territories of the United States, the legend of Aztlán, along with the political role it played during the Chicano Movement, is mentioned. The writings of Gloria Anzaldúa and Ed Morales are used to exemplify Latino points of view. Based on Gilda L. Ochoa’s book from 2004, Becoming Neighbors in a Mexican American Community: Power, Conflict, and Solidarity, and applying the power conflict theory, the immigration debate is analyzed within its economic, political, and historical contexts, taking into account the complexity of relations between the United States and Mexico. Emphasis is placed on patterns of labor exploitation of Mexican (in)migrants. To conclude, the need is expressed for new theoretical models capable of better reflecting the current situation of society in the United States. Eva V. Johnson Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc República Checa [email protected] 66 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 La Mauritanie, pays francophone ? Jaromír Kadlec 1 Situation géographique La République islamique de Mauritanie se trouve dans le Nord-Ouest du continent africain. D’une superficie de 1 030 700 km2 , elle constitue la zone de transition entre le Maghreb et l’Afrique noire. La Mauritanie, située dans la partie occidentale du Sahara, est baignée à l’ouest par l’océan Atlantique et limitée au nord-ouest par le Sahara occidental, au nord par l’Algérie, à l’est et au sud-est par le Mali et au sud-ouest par le Sénégal. Le «pays des Maures» est divisé en douze régions (Adrar, Assaba, Brakna, Dakhlet Nouadhibou, Gorgol, Guidimaka, Hodh el Gharbi, Hodh el Charghi, Inchiri, Tagant, Trarza, Zemmour) et un district comprenant la capitale et la plus grande ville de la Mauritanie, Nouakchott. 2 Population La Mauritanie compte environ 3,1 millions d’habitants. Avant la déclaration d’indépendance en 1960, la Mauritanie était un pays de nomades qui représentaient plus de deux tiers de la population. À cause de la sécheresse et de la politique de l’État qui a délimité les territoires pour l’élevage, le pourcentage des nomades a considérablement diminué et aujourd’hui ils ne représentent que 5 % de la population mauritanienne. Le taux d’urbanisation, égal à 10 % en 1960, est passé à plus de 50 %. La capitale Nouakchott, nouvelle ville construite à partir de 1960, située au bord de l’océan, compte environ 900 000 habitants. Les habitants du pays se divisent en deux groupes principaux. La majorité de la population (environ 65 %) est constituée des Maures qu’on peut subdiviser en deux parties. Les Maures « blancs » (30 % de la population) sont d’origine arabo-berbère et les Maures noirs sont les descendants des esclaves des Maures « blancs » qui ont adopté la langue de leurs maı̂tres, donc la variété locale de l’arabe appelée hassanya. Le reste de la population mauritanienne est constitué des Négro-Africains (les Peuls, les Soninkés et les Wolofs). L’arabe est la langue maternelle d’environ 65 % de la population du pays. Les autres communautés linguistiques emploient surtout le pulaar (19 %), le soninké (11 %) et le wolof (6 %). Dans la capitale, pratiquement 67 toutes les ethnies mauritaniennes sont représentées et c’est l’arabe hassanya qui est utilisé comme langue véhiculaire. La connaissance de la langue française représente un avantage pour les diplômés qui cherchent un travail dans l’administration et particulièrement dans les institutions financières. Selon les estimations, 5 % de la population maı̂trise bien le français (les diplômés des écoles arabes ou bilingues qui ont appris le français à l’école) et 4 % des habitants (surtout les immigrés du Sénégal et de la Guinée non arabophones qui travaillent dans les villes mauritaniennes et sont en contact avec les Européens ou les Maures) connaissent au moins les bases de la langue française. Le français standard n’est employé que par un groupe restreint de fonctionnaires qui ont fait leurs études à l’étranger, essentiellement en France. Le français est utilisé évidemment beaucoup plus par les Négro-Africains que par les Maures qui préfèrent l’arabe. Le choix de la langue dépend aussi du sujet de la conversation. Les intellectuels négro-mauritaniens se servent du français surtout dans la communication concernant la vie politique ou économique tandis que dans la communication quotidienne, ils emploient leurs langues ethniques. 3 Histoire Pendant le premier millénaire av. J.-C., les Berbères nomades se sont installés dans cette région en voie de désertification. Les agriculteurs noirs sont devenus leurs esclaves et ont dû se retirer dans la partie méridionale du pays. Au XVIe siècle, les Berbères ont été assujettis par les Arabes. L’arabe hassanya, variété d’arabe parlée par la majorité des habitants de la Mauritanie, est né du contact entre l’arabe et les dialectes berbères. Les Portugais sont arrivés sur la côte au XVIe siècle, suivis par les Espagnols, les Néerlandais, les Britanniques et les Français. Les soldats de Louise Faidherbe (1818–1889), gouverneur français du Sénégal, ont pénétré dans le pays en 1858. En 1902, la Mauritanie a été déclarée protectorat français et en 1920, elle est devenue colonie française, rattachée à l’Afrique occidentale française. En 1946, la Mauritanie a obtenu le statut de territoire d’outre-mer. La France a officiellement aboli l’esclavage traditionnel mais l’esclavage est toujours pratiqué dans le pays et touche aujourd’hui encore 10 % de la population mauritanienne. La présence négligeable des Français dans la colonie a contribué à maintenir l’organisation sociale traditionnelle, basée sur le tribalisme. Le système éducatif en Mauritanie était structuré de la même manière que dans les autres colonies faisant partie de l’Afrique occidentale française. À la base, se trouvaient les écoles préparatoires, dites aussi écoles de village. Ces écoles étaient dirigées par un moniteur indigène sans formation pédagogique. Les écoles préparatoires étaient subordonnées aux écoles élémentaires qui comprenaient deux maı̂tres et deux niveaux (cours préparatoire et cours élémentaire) et qui étaient réservées aux élèves sélectionnés dans les écoles préparatoires. Dans les grandes villes, l’administration coloniale a créé des écoles régionales, comprenant au moins trois classes et dirigées par un instituteur français. La situation spécifique en Mauritanie a obligé les administrateurs coloniaux à ne pas respecter les règles valables dans toutes les colonies africaines et à les adapter aux conditions locales. Les colonisateurs ont abandonné le principe d’emploi exclusif de la langue française dans les écoles et ont intégré dans l’enseignement les cours d’islam et d’arabe qui ne deviendra une matière faculta- 68 tive qu’en 1945. Les médersas ont été créées dans les zones maures ou fortement arabisées. La France a essayé d’attirer les enfants de l’élite sociale qui n’avait pas confiance dans les écoles administrées par les «paı̈ens» et envoyait les jeunes plutôt dans les écoles coraniques. Mais le nombre de jeunes Mauritaniens qui fréquentaient les écoles françaises était largement inférieur aux effectifs dans les autres parties de l’Afrique occidentale française. Par exemple en 1932, parmi 48 000 élèves que comptait l’Afrique occidentale française, 439 seulement étaient Mauritaniens. Cette situation catastrophique est due à la conquête tardive du pays, à l’économie peu développée, à l’indifférence des Maures envers l’enseignement réalisé dans les écoles françaises et aussi au fait que la colonie était administrée depuis la ville de SaintLouis, située à l’extérieur de la Mauritanie. La colonie ne disposait pas de maı̂tres en nombre suffisant. Les enseignants étaient recrutés surtout parmi les Noirs (en Mauritanie et surtout au Sénégal) qui ne voulaient pas travailler avec les Maures. Le système éducatif commence à se développer après la Seconde Guerre mondiale. Quelques dizaines d’élèves seulement fréquentaient les écoles coloniales avant la guerre, tandis que pour l’année scolaire 1947–1948 on compte déjà 930 élèves en Mauritanie. Les effectifs ont continué à augmenter. En 1955, 5 000 élèves et en 1960 11 000 élèves (donc 7,3 % de la population mauritanienne) fréquentaient les écoles françaises. Mais le pays ne disposait que de deux écoles secondaires. Après la Seconde Guerre mondiale, l’administration coloniale a considérablement réduit l’enseignement de l’arabe, réalisé seulement dans les zones à population arabophone majoritaire. De plus, les Maures ont fréquentaient beaucoup moins les écoles que les Noirs qui avaient plus de chances d’occuper des postes dans le service public. En 1957 la nouvelle ville de Nouakchott est devenue capitale de la Mauritanie au lieu de Saint-Louis faisant partie du Sénégal. L’indépendance de la Mauritanie a été déclarée en 1960 et l’avocat Moktar Ould Daddah (1924–2003) a été élu président de la République. Moktar Ould Daddah a d’abord essayé de transformer la Mauritanie en zone de transition entre les parties arabe et noire de l’Afrique et de développer les relations avec la France. Les représentants des Négro-Africains occupaient les postes importants dans l’administration et ont réussi à maintenir les privilèges de la langue française dans la République islamique. La politique d’arabisation ayant pour objectif de déclarer l’arabe langue officielle du peuple mauritanien a été lancée au milieu des années soixante. Mais le pays souffrait d’un manque de maı̂tres capables d’enseigner l’arabe classique et la Mauritanie a dû les recruter dans d’autres pays de langue arabe. En 1966, le gouvernement a étouffé une révolte de la population noire qui s’est produite à la suite de l’introduction de l’arabe dans les écoles. En 1972, la Mauritanie a quitté la zone franc et a créé sa monnaie nationale. En 1973, le pays a résilié les accords de coopération avec la France et a intégré la Ligue arabe. Les accords de Madrid décidant du partage du Sahara occidental entre le Maroc et la Mauritanie qui occupait le sud de ce territoire ont entraı̂né la Mauritanie dans la guerre contre le Front Polisario. Le conflit avec le Front Polisario a destabilisé, économiquement et politiquement, le régime de Moktar Ould Daddah, renversé en 1978 par le Comité militaire de redressement national, dirigé par Ould Mohamed Salek (né en 1936). Un cessez-le feu a été déclaré avec le Front Polisario et la Mauritanie a retiré ses troupes du Sahara occidental, occupé par le Maroc. 69 La grande sécheresse a obligé les nomades maures et la population noire installée à la campagne à déménager dans les villes ce qui a encore augmenté la tension existant entre les Maures et les Négro-Africains et a engendré plusieurs coups d’État militaires. En 1979, après avoir écarté du pouvoir certains hommes politiques noirs, l’armée a mis en place le Comité militaire de salut national, dirigé par le colonel Ahmed Ould Bouceif (1934–1979) qui a trouvé la mort dans un accident d’avion un mois après sa prise de pouvoir. Il a été remplacé par le colonel Mohamed Ould Louly (né en 1943), renversé par le colonel Mohamed Khouna Ould Haidallah (né en 1940). En 1984, le colonel Maaouiya Ould Sid‘Ahmed Taya (né en 1943) s’impose par un coup d’État à la tête du pays. Une série de coups d’État et l’arabisation de la vie politique ont encore renforcé la domination de la population arabo-berbère sur les ethnies noires dont les révoltes ont toujours été brutalement réprimées. En 1991, la Mauritanie a été obligée d’installer le multipartisme. En 1993, la terminologie de l’administration a été arabisée et le gouvernement a interdit d’employer des mots comme gouverneur, préfet, juge, région ou département, remplacés par les termes arabes wali, hakem, qadi, wilaya et muqataca. En 2005, Maaouiya Ould Taya a été renversé par le Comité militaire pour la justice et la démocratie, dirigé par le colonel Ely Ould Mohamed Vall (né en 1953), ancien responsable de la police mauritanienne. Sidi Ould Cheikh Abdallahi (né en 1938) a été élu en 2007 président de la Mauritanie. L’administration, l’armée et la vie politique sont contrôlées par les Maures et la dictature portant sur les castes et la discrimination raciale gouverne le pays. 4 Politique linguistique Après la déclaration d’indépendance, le français est resté la seule langue officielle du pays. Selon l’article 3 de la Constitution de 1959, le français est devenu langue officielle et l’arabe a obtenu le statut de langue nationale. En 1968, l’arabe a accédé au statut de langue co-officielle avec le français. Le Comité militaire de salut national a déclaré en 1980 l’arabe seule langue officielle du pays, le pulaar, le soninké et le wolof ont été retenus avec le statut de langues nationales et le français est devenu la langue étrangère privilégiée. Cette politique a été confirmée par la Constitution de 1991. L’article 6 de cette Constitution stipule que l’arabe, le pulaar, le soninké et le wolof sont les langues nationales et l’arabe (standard) est la langue officielle. Malgré cela, le français garde encore des privilèges et il est plus visible dans les villes mauritaniennes que les langues nationales qui ne sont pas employées à l’écrit (publicité, affichage). Le français est utilisé avec l’arabe dans l’administration, dans les institutions financières, dans les entreprises publiques, dans l’armée et dans la police. La communication en français est typique particulièrement pour les fonctionnaires négro-africains. Les lois se préparent souvent en français ou en arabe hassanya mais elles ne sont finalement publiées qu’en arabe standard. Le français est utilisé également au parlement. Dans la justice et dans l’administration locale, on emploie de plus en plus l’arabe. Les langues nationales ne sont employées que dans les prêches. Dans la première moitié des années soixante, l’enseignement dans les écoles mauritaniennes était réalisé exclusivement en français mais les réformes scolaires adoptées dans les années 1967, 1973 et 1979 ont renforcé la position de l’arabe dans 70 le système éducatif mauritanien. Déjà en 1959 (après l’adoption de la Constitution qui a promu l’arabe au statut de langue nationale), le nombre d’heures d’arabe dans l’enseignement primaire est passé de six par semaine (sur trente au total) à huit ou dix. Mais 23 ou 25 heures de cours par semaines étaient toujours enseignées en français. Néanmoins, les parents avaient le droit de demander une dispense des cours d’arabe pour leurs enfants. Cette réforme n’a satisfait ni les Maures qui l’ont trouvée insuffisante, ni les Négro-Africains qui n’avaient pas envie d’étudier l’arabe. En 1965, l’arabe est devenu la matière obligatoire dans toutes les écoles mauritaniennes. Les étudiants, soutenus par les hauts fonctionnaires qui ont publié le « manifeste des 19 » accusant le régime de racisme, ont déclenché dans les lycées de Nouakchott et de Rosso une grève qui s’est transformée en conflit racial. Le bilan officiel fait état de 6 morts et 30 blessés. Les écoles dans la capitale sont restées fermées pour le reste de l’année. Le 2e Congrès du Parti du peuple mauritanien tenu en 1966 a adopté un programme fondé sur le bilinguisme arabe-français. À partir de 1967, le nombre d’heures consacrées à l’arabe a sensiblement augmenté. L’enseignement primaire a vu sa durée portée de 6 à 7 ans, avec l’horaire hebdomadaire suivant : Année Arabe Français Total Cours Init. arabe 30 – 30 Cours Init. français 10 20 30 Cours Prépar. Cours Élém. 1 Cours Élém. 2 Cours Moyen 1 Cours Moyen 2 10 20 30 10 20 30 10 20 30 10 20 30 10 20 30 Dans les écoles secondaires, de quatre à neuf heures de cours par semaines étaient données en arabe. Cette deuxième réforme s’est révélée également un échec. Les Négro-Mauritaniens ont considéré le renforcement de la position de l’arabe dans le système éducatif comme un outil d’assimilation linguistique menaçant leur identité culturelle. Les élèves entrant dans enseignement secondaire ne maı̂trisaient bien aucune des deux langues. Après le divorce avec l’ancien colonisateur au début des années soixante-dix, le gouvernement mauritanien a décidé d’intensifier la politique d’arabisation. Le bilinguisme n’était plus perçu que comme une étape provisoire de l’arabisation et la Mauritanie a commencé à se préparer pour l’unilinguisme arabe. Une nouvelle réforme éducative qui a renforcé la position de l’arabe dans l’enseignement primaire a été adoptée en 1973. Elle a ramené le primaire de 7 à 6 années et dans les deux premières années, on n’enseignait qu’en arabe, conformément à la répartition horaire suivante : Année Arabe Français Total Première 30 – 30 Deuxième 30 – 30 Troisième 20 10 30 Quatrième 15 15 30 Cinquième 15 15 30 Sixième 10 20 30 Le second cycle a été également ramené à six années et comportait deux filières: une arabe et l’autre bilingue. Dans la filière arabe, tous les cours étaient donnés en arabe et le français n’avait que le statut de langue étrangère obligatoire, conformément à l’horaire suivant : 71 Année Arabe Français Total Première 25 5 30 Deuxième 25 5 30 Troisième 25 5 30 Quatrième 27 3 30 Cinquième 27 3 30 Sixième 28 2 30 Dans la filière bilingue, les disciplines scientifiques et techniques étaient enseignées en français tandis que l’enseignement des sciences humaines et sociales était réalisé en arabe, conformément à la répartition suivante : Année Arabe Français Total Première 11 19 30 Deuxième 11 19 30 Troisième 11 19 30 Quatrième 6 24 30 Cinquième 6 24 30 Sixième 6 24 30 Le baccalauréat conçu jusqu’ici à Dakar est passé dans la compétence de l’État mauritanien. L’École Nationale d’Administration et L’École Normale Supérieure sont devenues également bilingues. La réalisation de la réforme a été interrompue par la guerre avec les séparatistes du Sahara occidental. À la suite d’un mécontentement de la population négro-africaine, le Comité militaire de salut national a approuvé en 1979 la quatrième réforme, appliquée à partir de 1985. Selon cette réforme, chaque Mauritanien était censé devoir parler deux langues nationales (dont évidemment l’arabe). Pour une période transitoire, on a adopté pour l’enseignement primaire le modèle existant depuis 1973 dans l’enseignement secondaire. Les enfants maures devaient fréquenter la filière arabe avec un enseignement réduit de la langue française, conformément à l’horaire suivant : Année Arabe Français Total Première 30 – 30 Deuxième 30 – 30 Troisième 25 5 30 Quatrième 25 5 30 Cinquième 25 5 30 Sixième 25 5 30 Les enfants négro-mauritaniens pouvaient fréquenter les écoles arabes ou les écoles « bilingues » avec la première année complètement arabisée. La majorité a opté pour la filière « bilingue » bien que la connaissance de l’arabe classique soit importante pour la réligion et facilite l’apprentissage de l’arabe hassanya, employé dans la communication avec les Maures. La répartition horaire dans la filière « bilingue » qui est (excepté la première année) plutôt française est indiquée dans le tableau suivant : Année Arabe Français Total Première 30 – 30 Deuxième 5 25 30 Troisième 5 25 30 Quatrième 5 25 30 Cinquième 5 25 30 Sixième 5 25 30 La solution retenue pour la période transitoire a satisfait les deux composantes principales de la population mauritanienne. Mais les Négro-Africains avaient de plus en plus le sentiment que l’intégration des langues africaines dans l’enseignement avait pour objectif de chasser le français des écoles. De plus, l’enseignement 72 des langues nationales ne se réalisait pas dans toutes les écoles et ne représentait aucune perspective d’avenir parce que les langues des Négro-Mauritaniens sont restées – malgré les promesses du gouvernement – en marge de la société. Par exemple, pour l’année scolaire 1995–1996, toutes les écoles enseignant en pulaar, soninké ou wolof ne comptaient que 1 750 élèves. Les chiffres relatifs aux années scolaires 1984–1985 et 1995–1996 prouvent l’arabisation progressive de l’enseignement en Mauritanie. Pour l’année scolaire 1995–1996, la filière bilingue du primaire ne totalisait que 7 % des élèves tandis que pour l’année scolaire 1984–1985 cela représentait 21 % des élèves. La filière bilingue du secondaire comptait pour l’année scolaire 1984–1985 34 % des étudiants et pour l’année scolaire 1995–1996 seulement 15 % des étudiants. Une situation plus favorable pour le français persistait dans l’enseignement supérieur où les étudiants francophones représentaient pour l’année universitaire 1995–1996 environ un tiers de l’effectif. Parallèlement à l’arabisation de l’enseignement, l’emploi de l’arabe s’est élargi dans les autres domaines de la vie sociale, particulièrement dans l’administration. En 1999, la Mauritanie a adopté la dernière réforme scolaire ayant pour objectif d’unifier le système éducatif et de mettre fin à l’existence des écoles bilingues. Le français est introduit dès la deuxième année du primaire et est la langue d’enseignement des matières techniques tandis que l’arabe est la langue d’enseignement des sciences littéraires et humaines. La réforme a également retiré les langues nationales de l’enseignement. Au total, on peut dire que l’arabe domine dans le primaire et le secondaire et les positions de l’arabe et du français sont équitables dans le supérieur. Mais plus de 60 % de la population de plus de 15 ans restent toujours analphabètes. Le français est présent dans la presse mauritanienne avec plusieurs titres. À la différence de la presse dans laquelle la différence entre l’arabe et le français n’est pas importante, les émissions de télévision et de radio sont en grande partie en arabe et une petite place est réservée au pulaar, au soninké et au wolof. 5 Conclusion La politique linguistique mauritanienne privilégie l’arabe moderne (et non l’arabe classique) au détriment du français et des langues nationales. Après la déclaration d’idépendance, tous les États situés en Afrique du Nord ont envisagé de soutenir l’arabe classique qui est devenu aussi langue officielle de la Mauritanie. Mais l’arabe classique ne s’est pas répandu dans le pays et la population a préféré l’arabe moderne et surtout sa variété dialectale dite hassanya. Les langues nationales étaient – à cause de la domination des Maures sur les Négro-Mauritaniens et également à cause d’un intérêt insuffisant de la part des élites noires privilégiant le français qui pourrait selon elles faire concurrence à l’arabe – complètement négligées. Pour des raisons politiques et idéologiques le français est en déclin et est chassé du pays par l’arabe. La population noire qui l’a défendu dans le passé, mais sans soutien suffisant de la France et de la Francophonie, commence à s’orienter plutôt vers l’amélioration de la position de ses langues que vers la défense du français. 73 BIBLIOGRAPHIE Diagana, S. O.: «Le français et les langues de la Mauritanie.» In: Juillard, C., Calvet, L.-J. : Les politiques linguistiques, mythes et réalités. AUPELF-UREF, Beyrouth 1996, p. 167–174. Diagana, S. O. : « Usage d’un français oral en Mauritanie. » In : Queffélec, A. : Alternances codiques et français parlé en Afrique. 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For political and ideological reasons, the use of French is declining and it is being replaced by the Arabic language. The black population, who defended the French language in the past, did not feel sufficient support from France. It is currently concentrating rather on the improvement of the position of its own languages than on the defense of the French language. Jaromír Kadlec Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc République Tchèque 75 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 Riflessioni sul valore semantico dei comparativi e superlativi duplici degli aggettivi buono, cattivo, grande e piccolo Lenka Kováčová Gli aggettivi italiani appartengono tra le parti del discorso variabili e possono quindi essere flessi non soltanto nella categoria di genere e di numero, ma la maggior parte di essi anche nella categoria di grado. Ovviamente, la gradazione si può applicare solamente a tali aggettivi che esprimono una qualità graduabile. Esclusi dalla gradazione, tranne alcune eccezioni e usi traslati, sono dunque gli aggettivi determinativi (*più questo, *più qualche, ecc.) ed alcuni aggettivi qualificativi, tra cui quelli relazionali (*più psichico, *più cartaceo, ecc.), alterati (p. es. *più caruccio, *più grandicello ecc.) e gli aggettivi che già da soli esprimono una maggiore intensità di una data qualità (p. es. *più colossale, *più eccezionale, ecc.) o una qualità che non permette una gradazione (p. es. *più unico, *più terrestre, ecc.). In base alla misura della qualità espressa dall’aggettivo, si distinguono tre gradi principali: positivo, comparativo e superlativo. L’aggettivo al grado positivo esprime l’esistenza di una qualità, senza precisarne la misura. La sua forma di base viene modificata soltanto in riferimento alle categorie di genere e di numero: (1) Franco è un bravo studente. Il comparativo stabilisce un confronto tra due termini riguardo alla qualità posseduta da entrambi (a) o in relazione a qualità diverse di un unico referente (b). Il comparativo si dice poi di uguaglianza (2), di maggioranza (3) o di minoranza (4), in base all’intensità della qualità posseduta, che può essere, rispettivamente, uguale, più alta o più bassa: (2a) (2b) (3a) (3b) (4a) (4b) Franco Franco Franco Franco Franco Franco è è è è è è uno uno uno uno uno uno studente studente studente studente studente studente (tanto/cosı̀) bravo quanto/come Giovanni. tanto/cosı̀ bravo quanto/come intelligente. più bravo di Giovanni. più bravo che intelligente. meno bravo di Giovanni. meno bravo che intelligente. 77 Il grado superlativo è di due tipi: relativo e assoluto. Il superlativo relativo serve a esprimere la qualità massima (5) o minima (6) di un referente rispetto a un gruppo di altri referenti, mentre invece il superlativo assoluto (7) indica la qualità al massimo grado di intensità senza istituire un confronto con altri referenti: (5) Franco è lo studente più bravo del liceo. (6) Franco è lo studente meno bravo del liceo. (7) Franco è uno studente bravissimo. A differenza del latino e di alcune altre lingue indoeuropee, tra cui il ceco, l’inglese o il tedesco, le quali formano i comparativi/superlativi di maggioranza prevalentemente attraverso i processi di derivazione,1 l’italiano e le altre lingue romanze ricorrono in genere alle forme analitiche, e cioè modificando l’aggettivo di base con l’avverbio di quantità al grado comparativo: La lingua Positivo ceco inglese latino tedesco italiano francese portoghese spagnolo jasný clear clarus klar chiaro clair claro claro Comparativo di maggioranza jasnější clearer clarior klarer più chiaro plus clair mais claro más claro Superlativo relativo di maggioranza nejjasnější the clearest clarissimus der klarste il più chiaro le plus clair o mais claro lo más claro Da questo punto di vista è diverso il caso dei comparativi di uguaglianza e di quelli di minoranza, in quanto tutte le lingue suddette usano più o meno gli stessi meccanismi di tipo analitico come l’italiano, e cioè adoperando le espressioni correlative corrispondenti a quelle italiane.2 In italiano, il comparativo di uguaglianza è caratterizzato dall’aggiunta dell’avverbio quanto o come davanti al secondo termine di comparazione. Se si mettono a confronto due diverse qualità dello stesso referente (o due verbi), poi l’aggettivo corrispondente deve essere inoltre introdotto dall’avverbio tanto o cosı̀ (2b) che invece in altri casi viene di solito omesso (2a). Il comparativo di minoranza si ottiene con l’avverbio meno posto davanti all’aggettivo; il secondo termine di paragone è introdotto dalla preposizione di (4a) o dalla congiunzione che (4b). 1 Anche queste lingue, in certe condizioni, si avvalgono della gradazione di tipo analitico. Per es. in inglese la gradazione di tipo sintetico riguarda soltanto gli aggettivi mono e bisillabici, mentre gli aggettivi più lunghi sono sottoposti ai meccanismi di tipo analitico: popular > more popular > the most popular; in latino i comparativi/superlativi analitici sono costituiti da tali aggettivi che contengono una vocale davanti alla terminazione -us (-a, -um): dubius > magis dubius > maxime dubius, ecc. 2 Cfr.: it. Maria è cosı̀ intelligente come suo fratello, port. María é tão inteligente como o seu irmão, ceco Marie je tak chytrá jako její bratr, ingl. Mary is as clever as her brother; it. Maria è meno intelligente di suo fratello, port. María é menos inteligente que o seo irmão, ceco Marie je méně chytrá než její bratr, ingl. Mary is less clever than her brother, ecc. 78 Confrontando gli esempi (3a), (3b) con (5) e (4a), (4b) con (6), constatiamo che l’unico elemento a distinguere formalmente il superlativo relativo dal comparativo di maggioranza/minoranza è la presenza dell’articolo determinativo davanti al nome (o aggettivo). Il secondo termine di confronto può essere itrodotto, oltre che dalla preposizione di, anche dalla preposizione tra/fra, mentre l’uso della congiunzione che risulta inammissibile in tutti i contesti. D’altro canto, il superlativo assoluto si differenzia sia dal comparativo sia dal superlativo relativo, in quanto è una forma derivata dall’aggettivo, tramite il suffisso -issimo (o gli allomorfi -errimo e -entissimo). Un numero limitato di aggettivi italiani è segnato dall’influsso latino che si riflette nella formazione irregolare dei comparativi e superlativi sintetici (organici). Dal punto di vista formale è interessante il fatto che a differenza dei comparativi/superlativi di maggioranza, i comparativi/superlativi di minoranza sono in italiano esclusivamente analitici senza un’unica eccezione. Ciò non sorprende se si considera che anche in latino troviamo il procedimento uguale, e cioè l’uso dell’avverbio minus davanti all’aggettivo: altus > minus altus, che corrisponde all’italiano alto > meno alto. Un’evidente traccia latina si nota negli aggettivi indefiniti di quantità molto/ tanto e poco, i quali sono di norma gli unici aggettivi determinativi graduabili. Essi consentono la sola gradazione sintetica, alternando le forme regolari e irregolari: molto/tanto–più–moltissimo/tantissimo; poco–meno–pochissimo. Un caso a parte sono i comparativi e i superlativi organici di tipo posteriore– postremo (postumo), che mancano del grado positivo e alcuni anche del comparativo (per es. prossimo) o del superlativo (per es. anteriore). A volte, le forme superiore, inferiore, interiore, esteriore; supremo (sommo), infimo, intimo, estremo, appartenenti a questo gruppo, vengono attribuite in qualità di comparativo o superlativo, rispettivamente, agli aggettivi alto, basso, interno, esterno, ma nell’italiano contemporaneo si adoperano piuttosto come aggettivi autonomi al grado positivo. Diversamente dagli aggettivi precedenti, gli aggettivi buono, cattivo, grande e piccolo si distinguono per una duplice gradazione, vale a dire che, accanto ai comparativi/superlativi regolari, dispongono anche di forme irregolari, organiche3 , che rispecchiano le corrispondenti forme latine: 3 Belletti chiama queste forme anche “aggettivi comparativi”. Cfr.: “Esistono alcune forme aggettivali intrinsecamente comparative. Cosı̀, accanto alla forma analitica più buono (da intendersi in senso lato anche come equivalente di più bello o aggettivi semanticamente vicini, o come equivalente di più bravo per i nomi animati), esiste la forma sintetica migliore; accanto a più cattivo (più brutto, meno bravo, ecc.), peggiore; accanto a più piccolo, minore; accanto a più grande, maggiore; accanto a più alto, superiore; accanto a più basso, inferiore. Gli aggettivi comparativi possono essere seguiti da una struttura comparativa allo stesso modo degli aggettivi modificati da più o meno” (Renzi, L. – Salvi, G. [a cura di]: Grande grammatica di consultazione. Il Mulino, Bologna 1991, Vol. II, p. 850). 79 Positivo buono cattivo grande piccolo Comparativo Superlativo relativo di maggioranza regolare/irregolare regolare/irregolare più buono/ il più buono/ migliore il migliore più cattivo/ il più cattivo/ peggiore il peggiore più grande/ il più grande/ maggiore il maggiore più piccolo/ il più piccolo/ minore il minore Superlativo assoluto regolare/irregolare buonissimo/ ottimo cattivissimo/ pessimo grandissimo/ massimo piccolissimo/ minimo Dal punto di vista semantico, gli italianisti considerano di solito queste coppie di comparativi/superlativi più o meno sinonimi, sottolineando però un valore piuttosto traslato delle forme organiche. A questo proposito scrive Serianni: Forme organiche e forme non organiche sono, nella maggior parte dei casi, semanticamente equivalenti. Nelle prime notiamo però un prevalere dei significati astratti: «il minore dei mali» («mentre D’Annunzio definiva questo trattato ‘un tradimento’, Mussolini sul “Popolo d’Italia” lo salutava come ‘il minore dei mali’» Montanelli, L’Italia in camicia nera, 12), «il massimo dirigente della Banca d’Italia», «un pessimo suggerimento» (tutte locuzioni in cui non adopereremmo le forme regolari corrispondenti più piccolo, grandissimo, cattivissimo ecc.).4 Cosı̀ Dardano e Trifone: Nella maggior parte dei casi i due tipi si equivalgono, anche se si può notare nelle forme organiche una prevalenza del senso figurato [. . . ] Sono da evitare le “forme miste” più migliore, più ottimo, ottimissimo, in quanto migliore è già comparativo di maggioranza e ottimo è un superlativo assoluto.5 Hamplová approfondisce: Massimo a minimo mají většinou význam superlativu relativního [. . . ] Stojí-li bez členu, mohou mít i platnost superlativu absolutního [. . . ] Formy opisné i jednoduché jsou zpravidla významově rovnocenné. Forem opisných se však užívá více s konkrétními substantivy, kdežto forem jednoduchých se substantivy abstraktními nebo k označování povahových vlastností. Kromě toho existují určitá ustálená spojení, v nichž se dává přednost formám jednoduchým.6 4 Serianni, L.: Grammatica italiana. Italiano comune e lingua letteraria. UTET Libreria, Torino 1989, pp. 217–218. 5 Dardano, M. – Trifone, P.: La nuova grammatica della lingua italiana. Zanichelli, Bologna 2003, p. 207. 6 Trad. it.: “Massimo e minimo hanno in gran parte il significato del superlativo relativo [. . . ] Se usati senza articolo, possono avere anche il valore del superlativo assoluto [. . . ] Le forme analitiche e organiche sono di norma semanticamente equivalenti. Le forme analitiche si adoperano però prevalentemente con i sostantivi concreti, mentre le forme organiche si usano con i sostantivi astratti o per indicare le qualità caratteriali. Esistono inoltre certe locuzioni nelle quali si dà la precedenza all’uso delle forme organiche” (Hamplová, S.: Mluvnice italštiny. Grammatica italiana. LEDA, Voznice 2004, p. 102). 80 Dalle osservazioni precedenti ricaviamo le seguenti affermazioni: • nella maggior parte dei casi, i due tipi si equivalgono; • le forme organiche si riferiscono piuttosto ai concetti astratti; • si dà la precedenza all’uso delle forme organiche in locuzioni di vario tipo non ben specificate; • le forme irregolari massimo e minimo, pur essendo originariamente superlativi assoluti degli aggettivi grande e piccolo, vengono impiegate innanzitutto nelle veci del suparlativo relativo. Salvo la menzione dell’atteggiamento particolare delle forme massimo e minimo, le definizioni appaiono troppo generiche per poter illustrare in modo sufficiente la varietà d’impiego delle due forme, come per esempio nelle frasi successive: (8) È il mio fratello più grande/maggiore. (9) Francesco è cattivissimo/(=) pessimo. (10) Non fare capricci! Sta’ più buono/*migliore! Perché nell’esempio (8) le due forme di comparativi si possono alternare senza cambiare il senso della frase, mentre invece il significato della frase (9) cambia in dipendenza dall’uso dell’una o dell’altra forma di superlativo, e nell’esempio (10) è la sola forma regolare ad essere accettabile? È proprio il caso delle forme massimo e minimo, il quale ci ha portato all’idea che si possano riscontrare ancora delle altre anomalie individuali e che quindi sarebbe opportuno prendere in esame le singole forme regolari e metterle a confronto con le corrispondenti forme irregolari, cercando di individuare cosı̀ le eventuali restrizioni contestuali in rapporto all’uso delle une e/o delle altre. 1 Più buono/migliore – buonissimo/ottimo Analizzando la coppia PIÙ BUONO – MIGLIORE, scopriamo che la forma organica si adopera nella maggior parte dei contesti, come per es.: (11) Branciforte è ritenuto dal governo il miglior uomo in campo. (REP, 5/6/07) (12) E si trovò anche un modo migliore di ammazzarlo [. . . ]. (TESORO) (13) Migliore occasione di quella non poteva darsi. (NOVELLE) (14) Il risultato avrebbe anche potuto essere migliore, dice l’esordiente. (REP, 9/6/07) Negli esempi (11), (12), (13) e (14) il comparativo/superlativo migliore ha il valore, rispettivamente, di “il più bravo”, “più adatto”, “più favorevole” e “più soddisfacente”. Adesso vediamo le stesse frasi, sostituendo però la forma organica con la corrispondente forma analitica: (15) (=) Branciforte è ritenuto dal governo l’uomo più buono in campo. (16) (=) E si trovò anche un modo più buono di ammazzarlo [. . . ] (17) Più buona occasione di quella non poteva darsi. (18) Il risultato avrebbe anche potuto essere più buono, dice l’esordiente. 81 L’impiego della forma analitica ha cambiato il senso delle prime due frasi, per cui Branciforte si trasforma dall’uomo più bravo all’uomo più bonario (15), e invece di un modo più adatto di ammazzare il tempo si trovò un modo più innocuo (16). Al contrario, le frasi (17) e (18) hanno un valore semantico assolutamente identico a quello delle frasi originali. Adesso esaminiamo i seguenti esempi: (19) Quanto sei buona! Ma più buono sono io che t’ho sposata. (NOVELLE) (20) Io sono più buono di tutti e dico sempre la verità. (PINOCCHIO) (21) Panettone che bontà! Ma se è firmato Loison, è ancora più buono . . . (INTERNET) Il comparativo regolare esprime qui il significato di “più bonario, gentile” (19), “più obbediente” (20) e “più gustoso” (21). Vediamo di nuovo fino a che punto le due forme sono interscambiabili: (22) *Quanto sei buona! Ma migliore sono io che t’ho sposata. (23) (=) Io sono migliore di tutti e dico sempre la verità. (24) Panettone che bontà! Ma se è firmato Loison, è ancora migliore . . . Questa volta riveliamo un’inammissibilità della frase nel contesto dell’esempio (22) e una dissomiglianza di significato tra le frasi (20) e (23), ma troviamo un’equivalenza assoluta nelle frasi (21) e (24). Riassumiamo: Dalle nostre analisi risulta che nonostante l’effettivo uso prevalente della forma organica in vari tipi di contesto (senza distinguere tra il concreto e l’astratto), la stessa è inaccettabile lı̀ dove l’aggettivo buono ha il significato di “obbediente, disciplinato; calmo, tranquillo; gentile, bonario, di buon cuore”. In questo caso si può impiegare soltanto la forma analitica. Le due forme sono poi interscambiabili solo se esprimono il significato di “gustoso; favorevole; soddisfacente”. Come accennato sopra, il comparativo/superlativo migliore viene inoltre adoparato in alcune locuzioni, come per es.: la migliore società, nel migliore dei modi, passare a miglior vita, nella migliore delle ipotesi, ecc. I superlativi assoluti BUONISSIMO e OTTIMO vengono usati con la frequenza più o meno uguale. Vediamo gli esempi: (25) Ero di ottimo umore. (ZENO) (26) Di buonissimo umore, egli mi raccontò [. . . ] (ZENO) (27) [. . . ] ma a questi ottimi principii era mancata l’occasione di rassodarsi. (TESORO) (28) Casa Malombra, già, non se ne parla, principii buonissimi. (MALOMBRA) (29) Ci sono ottimi film ogni tanto, ma i generi non esistono più. (REP, 2/5/07) (30) [. . . ] per quanto fosse notoriamente un buonissimo italiano, [. . . ] (ZENO) (31) [. . . ] e invita a gustare ottime omelettes o uova strapazzate [. . . ] (REP, 25/5/07) (32) Ho mangiato tantissime aragoste buonissime [. . . ] (REP, 5/5/07) 82 A differenza della coppia precedente, le due forme si sovrappongono in tutti i contesti. Troviamo addirittura una certa sinonimia anche in corrispondenza al significato di “obbediente, disciplinato; calmo, tranquillo; gentile, bonario, di buon cuore”, benché in quest’ultimo caso si dia la precedenza all’uso della forma regolare: (33) [. . . ] non era altro, in fin dei conti, che una buonissima Fata, [. . . ] (PINOCCHIO) (34) Ah, ottima figliuola, nessuno lo nega! (NOVELLE) Riassumiamo: I due superlativi assoluti si equivalgono perfettamente sia dal punto di vista di frequenza sia dal punto di vista semantico, malgrado un uso prevalente della forma regolare nei contesti nei quali l’aggettivo buono ha il significato di “obbediente, disciplinato; calmo, tranquillo; gentile, bonario, di buon cuore”. Inoltre, di fronte alla forma latineggiante, buonissimo si distingue per una sfumatura leggermente più enfatica. Tra le locuzioni, che preferiscono l’uso della forma latineggiante, ricordiamo ottimo partito, in ottimo stato, ottimo carattere, ecc. In molte di esse, però, incontriamo di frequente anche le forme regolari. 2 Più cattivo/peggiore – cattivissimo/pessimo Visto che gli aggettivi buono e cattivo sono antonimi, ci aspettiamo di trovare certe analogie con il gruppo precedente. Vediamo prima i comparativi/superlativi PIÙ CATTIVO e PEGGIORE. In primo luogo notiamo l’occorrenza prevalente di peggiore rispetto alla forma regolare, cosı̀ come anche nel caso dei loro contrari. Riprendiamo gli esempi (11)–(14) e (19)–(21) e trasformiamoli nel modo seguente: (35) Branciforte è ritenuto dal governo il peggiore uomo/(=) l’uomo più cattivo in campo. (36) E si trovò anche un modo peggiore/più cattivo di ammazzarlo [. . . ] (37) Peggiore occasione/occasione più cattiva di quella non poteva darsi. (38) Il risultato avrebbe anche potuto essere peggiore/più cattivo, dice l’esordiente. (39) Quanto sei cattiva! Ma più cattivo/peggiore sono io che t’ho picchiata. (40) Io sono più cattivo/peggiore di tutti e non dico mai la verità. (41) Panettone che schifo! Ma se è firmato XY, è ancora più cattivo/peggiore. . . Soltanto nella frase (35) notiamo uno spostamento di significato analogo a quello della frase (15), in quanto l’uomo “più incompetente, incapace” diventa l’uomo “più temuto, spietato”; mentre invece negli altri esempi le due forme si possono scambiare senza modificare il senso dell’enunciato. Confrontiamo gli esempi successivi: (42) Spalletti sostenne che il Manchester è la peggior squadra che la Roma poteva incontrare, ma è disposto anche a rovesciare il ragionamento [. . . ] (REP, 4/4/07) (43) (=) Spalletti sostenne che il Manchester è la squadra più cattiva che la Roma poteva incontrare, ma è disposto anche a rovesciare il ragionamento [. . . ] 83 Il superlativo relativo peggiore della frase (42) significa “più difficile da combattere”, mentre invece la forma regolare dell’esempio (43) descrive la squadra cui ci si riferisce piuttosto come alla “più feroce, crudele”. Riassumiamo: In riferimento agli esseri animati, la forma regolare è legata soltanto a tali significati dell’aggettivo cattivo quali “disubbidiente, capriccioso, scontroso; feroce, crudele, tendente all’ira; amorale” e simili. La si può usare quindi se si desidera esprimere le suddette caratteristiche in maniera univoca, altrimenti è possibile ricorrere alla forma organica che è applicabile in tutti i contesti. In riferimento a cose o concetti le due forme sono interscambiabili anche se l’occorrenza del comparativo/superlativo analitico è piuttosto rara. Tra le locuzioni con peggiore vanno menzionate per es. nella peggiore delle ipotesi, rendere peggiore, situazione peggiore, ecc. Anche i superlativi assoluti CATTIVISSIMO e PESSIMO hanno delle caratteristiche particolari: (44) Se un cattivo tedesco diventa improvvisamente buono e un buon olandese cattivissimo, ciò non ha tanto a che vedere con l’umana ambiguità, quanto invece con le convenzioni più semplicistiche e manichee del genere. (REP, 2/2/07) (45) E ora m’accusano che non faccio più il mio dovere; che sono un pessimo professore; [. . . ] (NOVELLE) (46) Ah, certo, Saro sarebbe stato un pessimo marito; ma che marito era questo, adesso? (NOVELLE) (47) Vedo che al mio garbatissimo amico dottore ci fai una pessima impressione. (MALOMBRA) Nell’esempio (44) viene adoperato il superlativo assoluto regolare in uno dei suoi significati principali, e cioè “molto crudele”. In questo contesto specifico l’uso della forma irregolare è piuttosto inaccettabile. L’utilizzo della forma regolare al posto della latineggiante comporterebbe invece uno spostamento di significato nelle frasi (45) e (46) da “molto incapace” a “molto crudele, spietato”. A proposito della frase (47) constatiamo però l’ammissione di tutte e due le forme. Riassumiamo: Il superlativo assoluto cattivissimo si usa soprattutto nelle circostanze in cui si desidera definire in modo univoco una persona (o un animale) come “molto disubbidiente, capricciosa, scontrosa; feroce, crudele, tendente all’ira; amorale” ecc. In altri contesti si dà la precedenza alla forma latineggiante che appare più spesso poi anche in diverse locuzioni di tipo avere un pessimo carattere, avere una pessima reputazione, essere di pessimo livello e altre. 3 Più grande/maggiore – grandissimo/massimo Entrambe le forme dei comparativi/superlativi PIÙ GRANDE–MAGGIORE appaiono in una varietà di contesti con la frequenza più o meno uguale. 84 Vediamo ora se si equivalgono anche dal punto di vista semantico: (48) Le più grandi soddisfazioni le hanno quando capiscono un turista che parla inglese o quando imparano ad usare un programma di informatica. (REP, 27/10/06) = le maggiori soddisfazioni (49) Da oggi a domenica, alla nuova Fiera di Roma, si svolgerà una delle più grandi esposizioni dedicata al mondo dei cosiddetti mezzi pesanti. (REP, 7/6/07) = delle maggiori esposizioni (50) Era nubile e viveva con un’unica serva di cui parlava sempre come della sua più grande nemica. (ZENO) = della sua maggiore nemica (51) Non è possibile non notar subito che quelle due sorelline più grandi non hanno nulla, proprio nulla, di comune con la più piccola, venuta parecchi anni dopo. (NOVELLE) = due sorelline maggiori (52) E qui l’avvocato Zummo, con drammaticissima eloquenza, entrò a parlare delle più meravigliose manifestazioni spiritiche, attestate, controllate, accettate dai più grandi luminari della scienza [. . . ] (NOVELLE) = dai maggiori luminari della scienza (53) Un tavolino più grande, intanto, non sarebbe entrato nella celletta. (NOVELLE) (=) un tavolino maggiore Analizzando i nostri esempi, abbiamo scoperto che le due forme sono veramente interscambiabili in tutti i casi, con un’occorrenza prevalente (ma non esclusiva) di forme analitiche nell’esprimere le dimensioni concrete. Vedi i seguenti esempi: (54) Era pallida, aveva gli occhi assai più grandi del solito e velati da un languore attonito. (MALOMBRA) (55) A destra si vedeva la striscia biancastra delle ghiaie perdersi per campagne sterminate; a sinistra e di fronte umili colline appoggiate ad altre maggiori [. . . ] (MALOMBRA) Riassumiamo: Le due forme sono quasi totalmente equivalenti sia dal punto di vista di occorrenza, sia da quello semantico, benché si noti una certa tendenza a impiegare di meno la forma organica nei significati concreti. Occorre ricordare l’uso del comparativo/superlativo latino nelle locuzioni e denominazioni come altar maggiore, forza maggiore, la maggior parte, stato maggiore, Orsa maggiore, maggiore età, ecc. Di gran lunga diverso è il caso dei superlativi assoluti GRANDISSIMO e MASSIMO. Come si è detto già prima, la forma irregolare viene adoperata quasi esclusivamente con il valore di superlativo relativo (usato però in modo assoluto, e cioè senza istituire un paragone): (56) Già quello che ho registrato in questi fascicoli prova che in me c’è e c’è sempre stato – forse la mia massima sventura – un impetuoso conato al meglio. (ZENO) 85 (57) Io sono quasi sicuro d’esser riuscito a dimostrare la massima sorpresa e la massima compiacenza. (ZENO) (58) Il suo lavoro, da eseguire con la massima attenzione. (NOVELLE) Spetta alla forma regolare esprimere il valore di superlativo assoluto in tutti i contesti, mentre l’occorrenza di massimo appare da questo punto di vista piuttosto insignificante: (59) Io sono un grandissimo camminatore [. . . ] (MALOMBRA) (60) I commenti furono infiniti e grandissimo lo stupore. (NOVELLE) (61) Nella strada c’è una pozzanghera, grandissima. (REP, 18/6/07) Riassumiamo: Si è confermato l’uso prevalente della forma irregolare con la funzione di superlativo relativo (il paragone deve rimane implicito), il che si riflette sull’applicazione quasi esclusiva di grandissimo, quale superlativo assoluto, nella maggior parte dei casi. Massimo si usa inoltre in varie locuzioni, tra cui pontefice massimo, pesi massimi, ecc. 4 Più piccolo/minore – piccolissimo/minimo Contrariamente alla coppia degli antonimi più grande–maggiore, i comparativi/superlativi PIÙ PICCOLO e MINORE sono interscambiabili solo in parte: (62) Uscı̀ dalla casa il più piccolo dei bambini che allora avrà avuto sei anni. (ZENO) (63) Le galline che devono cantare troppo forse hanno fatto un ovetto un po’ più piccolo di quello che speravano. (REP, 29/5/07) (64) Ma non questa notte perché farò tutto un sonno, senza il più piccolo pensiero. (ZENO) Gli esempi riportati qui sopra rappresentano i contesti caratteristici per l’uso prevalente della forma regolare, e cioè con significati dell’aggettivo quali “più giovane d’età” (62), “di dimensioni minori” (63) e “di poco conto, di scarsa importanza” (64); negli altri casi si dà la precedenza all’uso della forma irregolare. Nei primi due esempi è possibile sostituire la forma regolare con quella organica senza spostamenti di significato: (65) Uscı̀ dalla casa il minore dei bambini che allora avrà avuto sei anni. (66) Le galline che devono cantare troppo forse hanno fatto un ovetto un po’ minore di quello che speravano. Nel significato dell’ultimo esempio invece la forma regolare di superlativo relativo usato in assoluto, cioè senza stabilire un paragone, può essere sostituita solo con la forma irregolare di superlativo assoluto minimo: (67) *Ma non questa notte perché farò tutto un sonno, senza il minore pensiero. (68) Ma non questa notte perché farò tutto un sonno, senza il minimo pensiero. 86 Notiamo invece che se il significato dell’aggettivo piccolo è quello di “scarso, esiguo di numero e di consistenza; meno intenso”, è possibile usare la forma minore anche con valore assoluto di superlativo relativo. Vediamolo sull’esempio della frase (48) trasformata nel modo seguente: (69) Le più piccole soddisfazioni le hanno quando non capiscono un turista che parla inglese o quando non imparano ad usare un programma di informatica. = le minori soddisfazioni Riassumiamo: L’uso della forma analitica si limita a esprimere le caratteristiche piuttosto concrete, e cioè in riferimento all’età, alle dimensioni, ecc., mentre invece in altri contesti si dà la precedenza all’impiego della forma organica che può utilizzarsi anche in rapporto ai significati concreti. Se però l’aggettivo viene adoperato al grado relativo con un valore assoluto esprimente il significato “di poco conto, di scarsa importanza”, poi ci si avvale della forma regolare più piccolo la quale può alternarsi in questo caso con la forma irregolare di superlativo assoluto minimo. Il superlativo/relativo minore occorre in numerose locuzioni e denominazioni, spesso in opposizione a quelle che contengono il suo antonimo maggiore, come per es. la minor parte, a minor ragione, frati minori, Orsa minore, Asia Minore, la minore età, scala minore, accordo minore, ecc. La coppia PICCOLISSIMO–MASSIMO si comporta ugualmente alla coppia opposta analizzata sopra. Anche qui la forma irregolare si adopera in gran parte come superlativo relativo (in modo assoluto e con un paragone implicito): (70) “Sono a Galway in Irlanda – scrive Chiaretta – mancano venti giorni e non c’è la minima voglia di tornare a casa e ritornare nei ranghi.” (REP, 10/5/07) (71) Ma sentı̀ addirittura artigliarsi le dita nel vedere che colui lo accoglieva senza il minimo riguardo. (NOVELLE) Il valore di superlativo assoluto viene espresso spesso dalla forma regolare: (71) Egli trasse di tasca un guanto piccolissimo. (MALOMBRA) (72) È solo un piccolissimo gesto – spiega il sindaco Alessandro Cosimi [. . . ] (REP, 3/2/07) ma talvolta anche dalla forma irregolare, soprattutto dopo le congiunzioni come neppure, anche e simili: (73) Si capiva che avrebbero sofferto e si sarebbero offesi d’una trasgressione anche minima a quelle regole. (NOVELLE) (74) [. . . ] avendo studiato in tutti i sensi il cielo, non vi aveva trovato neppur una minima traccia dell’esistenza mia. (NOVELLE) (75) Chi può dire d’aver mai ricevuto un anche minimo incitamento da loro? (NOVELLE) Riassumiamo: Il valore di superlativo assoluto si esprime prevalentemente con la forma regolare. La forma latineggiante svolge di frequente la funzione del superlativo relativo, se usato in assoluto senza stabilire un confronto. Non appare inrrilevante 87 l’occorrenza di minimo nemmeno nel suo significato originario, cioè quello di superlativo assoluto, soprattutto dopo le congiunzioni di tipo neppure, anche, malgrado, ecc. Ricordiamo ancora alcune locuzioni contententi la forma irregolare, quali ottenere il massimo risultato con il minimo sforzo, ridurre ai minimi termini, minima unità colturale, ecc. Riteniamo la nostra analisi tutt’altro che esauriente, ma speriamo di aver sviluppato almeno alcuni punti utili per ulteriori approfondimenti di questo fenomeno. Fonti per lo spoglio: INTERNET http://www.vinoalvino.org/2006/12/panettone che bonta ma se e fi.html MALOMBRA Fogazzaro, A.: Malombra. Mondadori, Milano 1986. NOVELLE Pirandello, L.: Novelle per un anno. Newton, Roma 1993. PINOCCHIO Collodi, C.: Le avventure di Pinocchio. Theoria, Roma 1992. REP La Repubblica TESORO Barrili, A. G.: Il tesoro di Golconda. Marco Valerio Edizioni, Torino, 2003. ZENO Svevo, I.: La coscienza di Zeno. Newton, Roma, 1995. BIBLIOGRAFIA Andorno, C.: La grammatica italiana. Bruno Mondadori, Milano, 2003. Dardano, M. – Trifone, P.: La nuova grammatica della lingua italiana. Zanichelli, Bologna, 2003. Hamplová, S.: Mluvnice italštiny. Grammatica italiana. LEDA, Voznice, 2004. Renzi, L. – Salvi, G. (a cura di): Grande grammatica di consultazione. Il Mulino, Bologna, 1991. Serianni, L.: Grammatica italiana. Italiano comune e lingua letteraria. UTET Libreria, Torino, 1989. 88 Úvahy nad sémantickou hodnotou dvojích komparativů a superlativů adjektiv buono, cattivo, grande a piccolo Resumé Autorka ve svém článku analyzuje komparativní a superlativní tvary italských adjektiv buono, cattivo, grande a piccolo. Na rozdíl od obecného pojetí, které definuje pravidelné i nepravidelné formy jako celek, bez přihlédnutí k eventuálním odchylkám v použití individuálního charakteru, jsou zde naopak jednotlivé tvary konfrontovány odděleně s cílem poukázat na některé sémantické rozdíly omezující výskyt jedné či druhé formy v daném kontextu. Reflections on the Semantic value of the Double Comparative and Superlative Forms of the Adjectives Buono, Cattivo, Grande and Piccolo Summary This paper analyzes the comparative and superlative forms of the Italian adjectives buono, cattivo, grande and piccolo. In contradistinction to the general theories which study all the regular and irregular forms as a whole, not considering the eventual anomalies of an individual character, the single forms are here confronted separately with a view to underlining certain semantic differences among them which may affect their occurrence in specific cases. Lenka Kováčová Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc Repubblica Ceca 89 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 Elementos absurdos/fantásticos y su organización en Preparativos de viaje de Javier Tomeo∗ Eduard Krč J. Tomeo es un escritor contemporáneo español que se dedica, entre otras cosas, a analizar una variante del mito acerca del hombre y su eterna búsqueda de sí mismo, su probable transición personal. También en el libro Preparativos de viaje (cuya primera versión sale en 1969 bajo el título Ceguera al azul), el narrador se centra, en primera persona, en sí mismo, aprovechando de las conversaciones con otros personajes un carácter particular dialogístico con el interlocutor mudo.1 El objetivo de nuestro interés es buscar la presencia de elementos fantásticos y su incorporación concreta en esta novela. El narrador orienta al lector ya desde el comienzo sobre la misión que tiene que cumplir el protagonista para demostrar su eficacia como vendedor solvente de sillones: Aquel día primero de enero, el Señor Consejero Delegado para la Investigación de Nuevos Mercados (alto, violáceo y siniestro), me encomendó oficialmente la misión de introducir nuestro último modelo de sillón giratorio en el pequeño estado montañoso de Benujistán.2 El héroe se encuentra en una situación complicada; según la índole de la misión podemos intuir que puede tratarse de un juego sucio de la Empresa. Encima, podemos suponer tres posibilidades que expliquen esta situación anormal: a) huida posible al mundo absurdo/fantástico; el héroe hace todas las gestiones necesarias, inteligentes, sumamente lógicas; sin embargo, el tipo absurdo de la misión traspasa constantemente los márgenes de lo real y se dirige hacia lo imaginario e inquietante, como sostiene T. Todorov: [. . . ] lo fantástico implica la percepción ambigua [. . . ]3 ∗ Research for this article was done within the research “Plurality of Culture and Democracy” provided by the Ministry of Education, Youth and Sports (MSM6198959211). 1 El protagonista, Luis Murrieta, está encargado de abrir en un país raro, llamado Benujistán, un nuevo modelo de sillones. Como desconoce dónde se encuentra este país, busca informaciones en agencias turísticas, en la literatura, en una biblioteca, etc., pero no consigue lograr la localización del país. A medida que se desarrolla la anécdota, el protagonista se encuentra con más problemas y trucos que le convencen de una estrategia maléfica por parte de la Empresa. La anécdota, harto trivial, se convierte en una lucha implacable. 2 Tomeo, J., Preparativos de viaje. Anagrama, Barcelona 1991, pág. 9. 3 Todorov, T., Introduction à la littérature fantastique. Seuil, París, 1970, pág. 36. 91 b) alegoría de la situación actual político-económica que, de hecho, no permite ningún tipo de resistencia individual en este estado superorganizado dictatorial c) búsqueda de la propia felicidad individual Teniendo en cuenta el desarrollo argumental del libro, intentemos prestar nuestro interés en los siguientes elementos absurdos/fantásticos: a) Misión Ya a partir de la primera frase introductoria, en la que se explicita la misión, se incorpora un «elemento marginal, extraño, singular». El protagonista da una serie de pasos razonables para localizar el lugar determinado y abrir el nuevo mercado. Bajo el encadenamiento de pasos lógicos y plenamente responsables, estamos, de repente, ante una situación irresoluble: el héroe es un vendedor de buen prestigio, de buen futuro profesional, social. Sin embargo, para no desprestigiarse, para no hacer el ridículo, demuestra timidez y miedo personal de preguntar, lo que le empuja en una situación absurda, fantástica. Su credo es: si se le encarga una misión, por muy difícil que sea, hará todo lo posible para cumplirla. Resulta que el protagonista aprovecha las experiencias personales adquiridas durante su carrera profesional, no obstante su rutina no vale. Con el tiempo nos lleva a un mundo delirante y a la vez intrincado. La complicada situación influye decididamente en el desplazamiento del protagonista, y, seguidamente, en la organización de las secuencias. La red sucesiva de objeciones que funciona como su oposición, cumple la función anecdótica y multiplica el elemento absurdo después de la iniciación de la tarea. En esta cronología de reducido tiempo (se le da un plazo de cinco días) se instala una situación paradójica: la misión lanza al protagonista en la lucha de uno contra otro, en nuestro caso, se trata más bien de la lucha de uno contra todo el mundo. El héroe recibe la misión como un desafío, lo que significa una lucha gigantesca, en la que no se puede ganar. En este desafío él tiene que oponerse a varios individuos, y a la red de órganos y organizaciones burocráticos de origen a menudo desconocido. Para resolver su tarea, recurre a la agencia de viajes, después a otra serie de agencias, emplea servicios bibliotecarios, consulta con los responsables de la Empresa, con sus secciones distintas, con la escuela, la familia, discute con camareros, detectives, etc., y, paulatinamente, se incorpora en un mundo intrincado de máquina burocrática. Sigue buscando, ya que su propia Empresa confía en su eficiencia. Si hiciera preguntas, disimularía la ignorancia personal, etc. La propia lucha simboliza aquí un acto heroico elevado en una hazaña romántica, parecida a las hazañas de las novelas caballerescas. Las intrigas con las que el héroe tiene que combatir, la forma sofisticada de objeciones que tiene que superar, llegan a revelar que no es una misión cualquiera; en el fondo hay una gama rica de trampas enigmáticas; el proceso de su superación se convierte poco a poco en conjeturas cada vez más complicadas. Pueden clasificarse como un mundo que dispone de un «gran secreto» y de «personas enigmáticas», cuya función tiende a despertar la curiosidad del lector. De ahí que la misión como problema cíclico plantee el carácter argumental de la historia. 92 b) Espacio Otro elemento de gran interés es el espacio. En la novela podemos distinguir dos tipos de espacio: el espacio en el que actúa el protagonista es un lugar urbano, a primera vista, un espacio abierto. Sin embargo, el héroe se mueve entre la biblioteca, la Empresa, la casa y la escuela. Es decir, toda la acción se lleva a cabo, de hecho, en un espacio cerrado, bien acotado y aparentemente predeterminado para abrirse paso a otro espacio (Benujistán). En la historia, el lugar ilusorio que debe conquistar el protagonista es un país desconocido por todo el mundo, sin embargo, Murrieta logra reunir anotaciones detalladas y bien contradictorias sobre el tema: Benujistán: a) País arrocero. b) País montañoso.4 No obstante, si el lugar destinado juega con la fantasía del lector, lo absurdo resulta también en los siguientes ejemplos: Pero no es la primera vez que me envían a países extraños y que, al final, consigo encontrar el camino. Hace cuatro años estuve, por ejemplo, en Yuisteyof. He ahí un lugar auténticamente remoto. Vaya usted a Yuisteyof, me dijeron. Y yo supe ir.5 – Todo lo que usted me cuenta – dijo, sin apartar todavía la mirada del mapa – me recuerda lo que me ocurrió hace años, al salir de la Facultad. Me concedieron una beca en Hasertsuiop. ¿Sabe usted dónde está Hasertsuiop?6 Queda bien claro que el autor aprovecha perfectamente el más mínimo elemento para superponerlo fuera del orden de la realidad cotidiana. Referente al espacio podemos hacer constar que la reaparición y descubrimiento de Benujistán, meta del protagonista, es el vehículo del argumento, que toma una parte activa en la transformación personal y convierte al protagonista disciplinado en una persona singular y auténtica. Su búsqueda del lugar (desconocido a todo el mundo) es el eje en torno al que gira el argumento, este elemento espacial absurdo influye y determina la formalización de las secuencias. La estrategia del autor indica que, dentro de un mundo plenamente verídico, creíble, sucede un sólo hecho increíble que da pie a la concatenación de la historia. Cabe mencionar la existencia de la «atmósfera» angustiosa que se está creando en la mente del protagonista a medida que se está acercando la fecha límite de su misión. c) Biblioteca como un lugar absurdo y los libros como un laberinto El lugar que concentra gran cantidad de elementos absurdos es la biblioteca. Este lugar, tan predilecto por J. L. Borges, debería ofrecernos informaciones necesarias gracias a los libros y otras fuentes. Pero según el mismo Borges, el libro es muy parecido al laberinto; si hallamos una salida del laberinto, eso no significa nada, ya que después de un laberinto sigue otro, etc. En el libro de Javier Tomeo, la biblioteca, como fuente de conocimientos, informaciones, explicaciones, etc., genera 4 Íbid, 5 Íbid, pág. 62. pág. 30. 6 Íbid. 93 una función plenamente opuesta, no facilita las informaciones deseadas. El héroe hace todo lo posible para encontrarlas; el personal de la biblioteca hace todo lo posible para negárselas. El protagonista, para consultar un libro, tiene que escoger el tipo de sección, rellenar la solicitud y esperar. La solicitud se manda por un tubo neumático, es decir, a partir del momento de entregar la solicitud, ésta se convierte en algo anónimo, si deniegan la solicitud, el lector no se entera de la razón por qué le niegan el libro. Después de un largo tiempo de espera, el lector puede enviar el impreso de reclamaciones, etc., vuelve a esperar y, seguidamente, tiene que superar un montón de objeciones. . . La atmósfera de la biblioteca es deprimente, el héroe no puede creer que ELLOS se hayan preocupado tanto para camuflar informaciones: He aquí todo lo que pude leer: Entrando por XXXXXX, lo primero que ocurre es Benujistán, cuyas ciudades, según Plinio, Lib. 5, Cap 9, fueron diez mil en tiempos del rey XXXXX, que empezó a reinar allí en el año XXXX del período XXXX. Gran parte de Benujistán es inculta, desierta y estéril, con altas cordilleras de montes. Por el septentrión confina con XXXX; por el occidente con XXXX;, por el mediodía con XXXXd y por el oriente con la dilatada cordillera de montes de XXXX y con el reino de XXXX.7 Como se puede ver, la biblioteca cuenta con secciones que se dedican a la intriga (pedir un certificado de estudios primarios. . . ). En la biblioteca se crea una atmósfera demasiado sofocante para poder hablar del ambiente académico y cultural, lo que se debe a una evidente rareza contradictoria: – Observará usted – le hice notar – que mientras la Enciclopedia de Wassermann sitúa a Benujistán en el hemisferio norte, el Diccionario de Nederlinden lo hace en el su.8 – Nuestros lectores – añadió – se limitan a leer lo que tienen más a mano. Véalos usted mismo, casi todos son ancianos. ¿Se imagina usted a cualquiera de esos viejecitos pidiéndome un libro sobre Benujistán?9 La información sobre la clientela viene acompañada por la siguiente información: De vez en cuando saltaba al aire una tos larga y, casi de inmediato, otras toses dulces y quejumbrosas respondían a la primera, estableciéndose entre ellas una especie de tierno diálogo. El viejecito de mi derecha se había quedado dormido frente a un gran libro de pájaros y respiraba con fatiga por la nariz.10 Otro ejemplo: . . . me contó que los de la Sección B eran gente aficionada a la chanza y que negaban un mismo libdro varias veces sólo para comprobar hasta dónde llegaba la insistencia del lector.11 7 Íbid, pág. 59. págs. 43–44. 9 Íbid, pág. 56. 10 Íbid, pág. 57. 11 Íbid, pág. 61. 8 Íbid, 94 El protagonista intenta resistir y esclarecer la atmósfera extraña de la biblioteca, sin embargo, su lucha es vana. Volví al pupitre y observé que mi certificado y mi última solicitud, cosidos con una grapa, continuaban en el cesto de las peticiones no tramitadas. No quise, sin embargo, protestar. Pese a todo, pensé, ella [la bibliotecaria] parece ser aquí mi única aliada [. . . ]12 Para salir de esta situación anómala y perturbadora, se decide a escalar el muro y penetrar ilegalmente en la biblioteca para robar la enciclopedia necesaria. La trampa se acaba y en la biblioteca: [. . . ] ya es demasiado tarde para hacerle comprender que nuestras razones pueden no ser las suyas. Imagínese, de todas formas, lo que significaría para nosotros admitir que todos nuestros lectores frustrados tienen la razón de su parte. No quedaría más remedio que variar nuestro sistema.13 d) La Empresa La estructura de la Empresa es un modelo ejemplar de laberinto, lugar de disciplina férrea y de organización que obligatoriamente despierta inguietud, temor. Entre otras cosas, podemos encontrar algunas menciones, comunes o misteriosas, acerca de las distintas secciones: Jefatura de Servicios Varios, Jefatura de Ventas, Sección A, B del Negociado de Contabilidad, Departamento de Personal, Círculo, La Habilitación, Brigada Especial, Departamento de Impulsión Psicológica. La evidente desproporción dramática surge entre el sistema perfectamente organizado de la Empresa y la destinación inventada e inexistente. Nos referimos a la desproporción entre el funcionamiento de la Empresa, tan riguroso y preciso, y la vaguedad del destino. A pesar del caos que se apodera del héroe, éste sigue obsesionado con descubrir el país, porque la Empresa motiva y obliga a sus trabajadores. El caos mental, en que vive los cinco días, le convierte en una persona que cae cada vez más en un laberinto sin salida. El protagonista se ve cada vez más manipulado y sometido a una serie de acciones extrañas, la Empresa es como fuente petrificada de la perturbación del protagonista. En este proceso de búsqueda, reconstruyendo y penetrando en el funcionamiento de las extrañezas, Murrieta va pasando del estado presente (el empleado disciplinado y confuso) al estado personal completamente distinto (el rebelde cabezón). El héroe, hundido desde el comienzo, en un misterio sin salida, se convierte en un ser que vive continuamente su ambigüedad, un mundo de contrarios; él procura encontrar una explicación vital, mientras que se le aleja más y más una fórmula razonable para sobrevivir. No es solamente la organización laberíntica e incomprensible de la Empresa, sino también el misterio que reina y determina los contactos entre la Empresa y los trabajadores: 12 Íbid, 13 Íbid, pág. 72. pág. 102. 95 [. . . ] solicité permiso para adquirir el billete en otra agencia. . . Pasaron dos o tres minutos (me pareció oir al otro lado un cuchicheo de apresuradas consultas) [. . . ]14 Los superiores le repiten varias veces que no le quieren enviar a un país fantasma, que: Usted no puede ahora traicionar esta confianza. . . el Señor Consejero Delegado tenía puestas en mí sus mejores esperanzas [. . . ]15 El cuadro enigmático que caracteriza la Empresa surge ya en la parte inicial de la novela (Benujistán existe fuera de las coordenadas espaciales) se instala así el desequilibrio, se realiza el binomio absurdo/lógico que estimula la anécdota. Lo absurdo es aceptado por el protagonista, pierde esa connotación absurda porque se convierte en una realidad cotidiana, se convierte en una tarea de honra. La estructura de la Empresa es mágica, secreta, la conoce sólo un equipo limitado de gerentes. Salí del despacho y atravesé el enjambre de mecanógrafas. Era la primera vez que estaba en aquel departamento y me sentí maravillado por los movimientos precisos [. . . ]16 El protagonista debe obedecer un montón de instrucciones, entregar con una regularidad férrea informes detallados, pedir permisos oficiales, entre una pléyade numerosa de puertas, tiene que respetar cuál de las entradas queda secreta y cerrada para él. El misterio de las oficinas es potenciado por un número alto de empleados, en la mayoría de casos anónimos, sin nombre, sin historia personal. En la Empresa el personal no tiene permitido el acceso a otras secciones excepto la de su puesto de trabajo, eso significa que en la Empresa están ubicados seres que mayormente se desconocen (surge aquí otro laberinto de trabajadores que se desconocen). La Empresa y su disposición geográfica sirve de contraste con el espacio libre y amplio de Benujistán. d) Las agencias de viajes Al haberse informado en una cadena de agencias de viajes, el protagonista pierde toda la certidumbre y se le ocurren ideas de alguna diabólica conjura entre ellas, de una maquinación entre bastidores, del divertimiento e ironía de los empleados, de un posible enemigo que probablemente mueve los hilos para desconcertarle, etc.17 Algunas puntualizaciones acerca de lo arquitectónico en la literatura fantástica Según Luis Vax, la literatura fantástica comprende: 1. literatura tradicional (leyenda, etc.) 2. literatura que incorpora sensaciones como terror, miedo, extrañeza, etc. 14 Íbid, págs. 12–13. pág. 52. 16 Íbid, pág. 52. 17 Íbid, pág. 14. 15 Íbid, 96 3. literatura poética (las imágenes poéticas se vinculan con una realidad rara, incluso mágica) 4. literatura metafísica18 En el Prólogo a la Antología de la literatura fantástica, Bioy Casares afirma que: Atendiéndonos a Europa y a América, podemos decir: como género más o menos definido, la literatura fantástica aparece en el siglo XIX y en el idioma inglés.19 Conforme con sus afirmaciones, podemos decir que hay varios tipos de relatos fantásticos, aunque es bastante difícil definir leyes generales (a veces varios tipos de elementos absurdos/fantásticos se entrelazan, hay imprecisiones teóricas en la narratividad fantástica, etc.). Según la tipología argumental, podemos distinguir: lo maravilloso, lo mágico, lo sobrenatural, lo raro o lo extraño, lo sorprendente; hay argumentos en que aparecen fantasmas, vampiros, castillos, viajes por el tiempo, el infierno, temas metafísicos, los de la inmortalidad, del personaje soñado, de la metamorfosis o de los tres deseos, etc.20 En la ficción de Javier Tomeo no aparecen monstruos, vampiros, magos o dañeros, ni poderes de hechicería. Sí que hay espíritus maléficos, pues dormitan en las cabezas de los protagonistas, en las relaciones mutuas y en la convivencia entre el mundo humano y el universo que lo rodea. Como resultado de los pasos particulares del protagonista de Preparativos de viaje se gradúa un ambiente propicio al miedo, se acumula la densidad y la tensión, ya que se pone fecha límite y de ella depende la angustia existencial del protagonista, su perspectiva del futuro. La realidad/irrealidad como sistema bidimensional está basada en la hipérbole, en el mundo de espejos, de tareas imposibles, en él prevalecen las dudas internas, el alienamiento y el desdoblamiento. En este tipo de convivencia se produce una dimensión específica, que parte de una ficción verosímil (Benujistán traspasa la linde de la imaginación), de una hipótesis que va a desarrollarse, añadiendo en cada capítulo una pequeña dosis más de lo absurdo. La situación se hace extrema, el héroe entra en un mundo improbable, exagerado, increíble y depresivo. Es inútil buscar respuestas, no hay nadie que pueda contestar, porque son preguntas que se dirigen a la médula de la existencia humana, a la ontología del ser humano: [. . . ] quién me señala a mí el camino?21 Pensé que era ya imposible continuar anclado en aquel mundo insulso [. . . ]22 El héroe acepta la derrota, pero sólo en parte, porque logra desconcertar a los gerentes cuando emprende el viaje sin llegar a enterarse de dónde se encuentra el lugar en cuestión. Su actitud intenta demostrar su victoria y su valentía. 18 Vax, L.: Las obras maestras de la literatura fantástica, págs. 20–45. Casares, A., «Prólogo», en: Antología de la literatura fantástica, http://www.ciudadseva.com/textos/teoria/opin/bioy2.htm, pág. 1 [cit. 23–4–2007]. 20 Íbid, págs. 2–4. 21 Tomeo, J.: Preparativos de viaje, pág. 75. 22 Íbid, pág. 115. 19 Bioy 97 El aspecto compositivo/arquitectónico Está bien claro que el relato fantástico como subgénero prosaico, requiere, igual que otros relatos prosaicos, un cierto tipo de formalización más o menos regular y rigurosa (lo compositivo). Para recordar la «dimensión configuracional», podemos subrayar aquí la investigación de Jean-Michel Adam, o Paul Larivaille, quienes afirman la existencia de cinco macroproposiciones mínimas como orientación, complicación, evaluación, resolución y moraleja y sus funciones determinadas en un relato fantástico.23 Esta forma compositiva/arquitectónica está concretizada también en la obra escogida de Javier Tomeo. Cabe decir que la organización formal en Preparativos de viaje funde, de una manera sustancial, el trío de complicación– evaluación–resolución. Son justamente estos pasos compositivos que sostienen la reaparición de lo absurdo/fantástico en la obra mencionada y, consiguientemente, la estructuración del relato, es decir lo «arquitectónico» de las secuencias. [. . . ] me llenó de inquietud, porque la misión me parecía difícil, no sólo por las rudas costumbres y las escasas preocupaciones en materia de confort que atribuía intuitivamente a los habitantes de Benujistán, sino porque ni siquiera sabía dónde estaba Benujistán.24 De cualquier forma, no he perdido todavía la esperanza de encontrar Benujistán. Diría incluso que cada vez lo presiento más cerca.25 El cuerpo total del relato está compuesto por catorce capítulos, de ellos una gran mayoría (doce en total) describen las acciones que el héroe tiene que llevar a cabo para cumplir su misión. La composición circular inicia su devenir en la parte orientativa, que es enormemente breve y lacónica, y pone sólo la destinación y la fecha de la marcha omitiendo otros detalles inútiles. Desde este momento se desarrolla, de una manera repetida, el trío configuracional de complicación–evaluación–resolución, de acuerdo con las reacciones del protagonista, a primera vista, lógicas, racionales: el protagonista debe, primero, localizar el lugar de la oferta y abrir un nuevo mercado. La historia de la novela está dirigida, según la focalización del protagonista, hacia cinco instituciones: 1. Agencia de viajes 2. Biblioteca y varias secciones 3. Empresa y Peribáñez como mensajero de la Empresa 4. Casa 5. Escuela En cada una de las instituciones, el héroe realiza la investigación, la extensión de los trámites difiere según la relevancia de las oficinas burocráticas. 23 Larivaille, P.: «L’analyse (morpho)logique du récit», Poétique 19. pág. 9. 25 Íbid, pág. 128. 24 Íbid, 98 La búsqueda en la biblioteca . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 70 en la Empresa . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 22 en la escuela . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 7 en las agencias . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 5 en la casa . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 12 páginas páginas páginas páginas páginas La estructura compositiva dispone así de un conjunto de tres macroproposiciones (después de la fase orientativa): referente a la Empresa, las secuencias van distribuidas a lo largo del texto; el protagonista tiene que presentar solicitudes, dar explicaciones a sus superiores, presentar informes sobre los resultados conseguidos, etc. El contacto con la Empresa es obligatorio, no puede cortarse hasta el momento final. La Empresa encarga y pone tareas. Pues, en nuestro libro, el leitmotiv (Benujistán), presentado ya en la parte introductoria, da orientación al héroe mediante una información crucial, y su solución aparece en la parte final. Esta información atraviesa por la materia textual como eje central que da sentido al final. A la vez, es la línea divisoria que revela el universo real e irreal, abriendo paso a la extrañeza desde el principio. Las siguientes secuencias abarcan una repetición constante y regular y, de hecho, condensan o sincopan las macroproposiciones (complicación, evaluación, resolución). Se alternan las salidas y retornos a la biblioteca (cuatro veces), a la Empresa (cuatro veces), a la escuela (una vez), a la casa (cuatro veces). Sin embargo, la extensión textual concerniente a la biblioteca es primordial, con cada vuelta se establece una situación más y más sorprendente (hermética). Así se aplica en el texto una esquematización relativa que se fundamenta en la repetida negatividad de respuestas. De este modo se está creando una antítesis típica, que hace mover al protagonista a otra dimensión espaciotemporal. Lo extraño se hace cada vez más palpable, la lógica se aplica para una situación arbitrariamente improbable, por lo tanto, el proceso de acciones personales indica que: [. . . ] la verdadera grandeza de mi viaje estuviese precisamente en la soledad [. . . ]26 El paso de un mundo a otro lo tiene que probar el protagonista por su propia cuenta; la Empresa no permite oposición, rebelión de otras personas; hay que mantener el mismo grado del laberinto, mantener dos niveles de existencia profesional: el mundo de aquí y el mundo de allá, el estado de la gente trabajadora/la gente dirigente, la gente que sabe/la gente que ignora. Si alguien procura cambiar el status quo, entra en un terreno peligroso, extraño, fantástico (aparte de eso, lo extraño se nota en toda la organización institucional). No obstante se encadenan los fenómenos absurdos, hasta que llegamos a una verdadera contradicción en la que se desvanece el devenir lógico. A medida que el relato progresa, suceden cambios y transformaciones (la bibliotecaria, el héroe, su compañero de trabajo). Durante la búsqueda existencial cambian las características personales, lo que se refleja en la moraleja final: 26 Íbid, pág. 127. 99 Han pasado ya cinco años, pero continúo viajando. Conservo sin abrir el sobre lacrado que a última hora me entregó el Habilitado. He llegado a la conclusión de que no contiene ningún mensaje. Tal vez, como máximo, encuentre una cuartilla en blanco. Puede que lo único que ellos se propusieron al dármelo fue gastarme un último y definitivo bromazo.27 El motivo de la reaparición del protagonista, que coincide con el mito del eterno retorno humano y la búsqueda del mundo interior, se refleja fuertemente en el fenómeno espacial. El fenómeno de otra dimensión espacial determina una serie de actos personales que desembocan en la tranformación del protagonista: se rebela contra sus compañeros de trabajo, las instituciones burocráticas, contra la unión matrimonial. Para caracterizar las cinco consecuencias, la introducción es puramente argumentativa, el leitmotiv de Benujistán causa la ida y vuelta del héroe. La constante negación de informaciones es una complicación que genera la repetición de los pedidos y de las intrigas. El carácter misterioso no pierde el enigma, así que el suspense sigue hasta la parte final del libro. El enigma se descubre en el momento cuando la Empresa da al héroe la oportunidad de resignarse: a Murrieta le puede sustituir otro empleado. No aceptando su oferta, el protagonista da a entender el fracaso total de su vida personal y profesional. En el epílogo, tan breve como la introducción, se sostiene la decisión del héroe: emprender un nuevo viaje a base de una nueva evaluación, así se terminan las intrigas. Él logra salir del mundo real y abrir su nueva historia personal, y, paralelamente, aclarar su propia peregrinación. BIBLIOGRAFÍA Bioy Casares, A.: «Prólogo», en: Antología de la literatura fantástica, http://www.ciudadseva.com/textos/teoria/opin/bioy2.htm [cit. 23–4–2007]. Larivaille, P.: «L’analyse (morpho)logique du récit.» Poétique 19, 1974. Todorov, T.: Introduction a la littérature fantastique. Seuil, París, 1970. Tomeo, J.: Preparativos de viaje. Anagrama, Barcelona, 1991. Vax, L.: Las obras maestras de la literatura fantástica. Ed. Taurus, Madrid, 1981. Absurdní a fantastické elementy a jejich organizace v díle Preparativos de viaje Javiera Tomea Resumé Cílem této studie, zaměřené na J. Tomea, současného španělského autora, a jeho román Příprava na cestu, je ukázat na některé podstatné momenty z oblasti fantasticko absurdní, které charakterizují zajímavou existenci protagonisty na hranici reálného/ireálného světa. Souběžně s analýzou podniku, cestovních kanceláří, prostoru a typu práce, kterou musí Murrieta vykonat, se pozornost zaměřuje na kompoziční strukturu s odkazem na morfologickou analýzu Paula Larivailleho. 27 Íbid, 100 pág. 128. Absurd and Fantastic Elements and Their Organization in Preparativos de Viaje by Javier Tomeo Summary The objective of the study is to analyze the novel Preparativos de viaje, by the contemporary Spanish writer J. Tomeo. Some substantial fantastic moments showing the coherent/incoherent realities in the life of the protagonist are presented. The type of mission that must be fulfilled by Murrieta is connected with the fantastic world of the Enterprise, the Travel Agencies and of space. Attention is also centred on the structure of the composition, in reference to Paul Larivaille’s morphological analysis. Eduard Krč Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc República Checa krc@ffnw.upol.cz 101 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 Appunti per una breve storia del cinema italiano: poetiche, autori, tendenze Alessandro Marini 1 Gli inizi. Il cinema sotto il fascismo La diffusione del cinema, nell’Italia dei primi anni del Novecento, è un fenomeno incontenibile. Annunciata dai cinema ambulanti, strutture provvisorie di piazza che spesso accompagnavano i baracconi delle fiere e le feste popolari, la cinematografia mette ben presto solide radici nelle grandi città italiane, dove le sale di proiezione si moltiplicano con velocità impressionante. Il cinema è uno spettacolo popolare, capace di attrarre un pubblico eterogeneo e poco esigente in materia di ricerca estetica, attratto dal fascino della semplice immagine in movimento. Tra intellettuali e letterati si apre un acceso dibattito, che vede da una parte entusiasti sostenitori, conquistati dal fascino della nuova arte, e dall’altra impietosi detrattori, che non nascondono un atteggiamento di aperto rifiuto e disprezzo. In alcuni casi, però, la diffidenza si unisce a una forte curiosità verso le potenzialità espressive del nuovo mezzo: è questo anche il caso di Luigi Pirandello, che, pur condannando il cinema narrativo sul piano teorico, si orienta verso una collaborazione abbastanza intensa con il mondo dei pur disprezzati “cinematografari”. Il cinema italiano delle origini è caratterizzato da un forte policentrismo geografico, effetto della frantumazione linguistica e culturale del paese. Case produttive nascono un po’ dappertutto, nelle grandi città come nei piccoli centri. Torino, fino agli anni della prima guerra mondiale, è la città nella quale si producono più film; seguono Milano, Napoli e Roma, che prenderà il sopravvento solo nel 1917. Capace di produrre film storici e adattamenti letterari, la produzione cinematografica italiana si propone risultati ambiziosi, riuscendo ad esportare i propri prodotti in Europa e in America, in particolare negli Stati Uniti, contemporaneamente alla grande emigrazione di inizio secolo. Particolari investimenti vengono riversati nel film storico, che negli anni ’10, celebrando le glorie dell’impero romano, sostiene ideologicamente l’espansionismo giolittiano e l’interventismo bellico, e, anche se per una breve stagione, fa di Torino e Roma le capitali mondiali della cinematografia, prima del definitivo affermarsi di Hollywood. Opere come Quo vadis? (1913) di Enrico Guazzoni e poi soprattutto Cabiria (1914) di Giovanni Pastrone, di cui Gabriele 103 D’Annunzio, autore delle didascalie, assume la paternità, testimoniano l’egemonia del prodotto italiano, la sua ricchezza espressiva e la sua maturità narrativa. È in questi anni che cresce anche il fenomeno del divismo cinematografico, legato alla diffusione e al successo di un cinema al femminile, che riproduce personaggi e situazioni di aperta matrice letteraria. Nel 1918, alla fine della Prima Guerra Mondiale, il cinema italiano inizia un rapido declino sulla scena internazionale. La crisi ha più di una causa, e non è certo solo dovuta alla irresistibile ascesa del cinema americano, che nel corso degli anni ’20 conquista i mercati europei. Incidono infatti anche fattori interni, tra cui un notevole dilettantismo organizzativo e un certo tradizionalismo espressivo, che vede ancora il cinema italiano legato a doppio nodo alle arti della parola, la letteratura e il teatro. Anche la nascita dell’UCI (Unione Cinematografica Italiana), nel 1919, che unisce vari marchi di produzione, potenzia una cinematografia stereotipata, di matrice letteraria e popolare, che va per altro incontro a una rapida crisi nei primi anni della dittatura fascista. Con Mussolini al potere la situazione non cambia. Gli anni ’20 sono forse i meno interessanti della storia del nostro cinema, e a stento potremmo trovarvi un’opera capace di imporsi per le sua qualità artistiche e di resistere all’oblio. Degno di nota è tuttavia l’entusiasmo che Mussolini dimostra nei confronti della cinematografia. Nel 1924 nasce l’Unione Cinematografica Educativa – Luce, che nel 1925 diviene un ente parastatale alle dirette dipendenze del governo. Cosı̀, con i cinegiornali, obbligatoriamente proiettati nelle sale italiane prima di ogni film, il fascismo si assicura il supporto di una propaganda capillare, fine esplicito del Luce, che pure produce un consistente e interessantissimo materiale documentario sulla vita quotidiana dell’Italia. Il Luce ricostruisce la storia del tempo: quella ufficiale, seguendo le varie fasi del potere mussoliniano, dalle esibite radici popolari dei primi anni ai fasti dell’impero e al declino della guerra, e quella popolare, volta alla rappresentazione di un’Italia profonda, spesso assai lontana dalle mitologie del ventennio. Negli anni della dittatura fascista il cinema supera un’importante frontiera tecnologica: nasce il film sonoro. Mussolini in persona vaglia il primo lungometraggio italiano, La canzone dell’amore di Gennaro Righelli (1930), tratto dalla novella In silenzio di Luigi Pirandello. Rapidamente si diffondono nuovi canoni espressivi e di recitazione: le didascalie si riducono, la gestualità assume un ruolo non più esclusivo nella rappresentazione dell’interiorità, il paesaggio del volto, liberato dalla responsabilità di comunicare, senza fraintendimenti, i sentimenti e le passioni più elementari, si apre alla dimensione simbolica. La voce aggiunge un nuovo spessore alla recitazione dell’attore, rendendone la rappresentazione più intensa e meno dipendente dagli stereotipi del gesto, nonché assai più rispondente al bisogno di “impressione di realtà” che da sempre caratterizza il pubblico cinematografico. Sui costi di esercizio, il sonoro consente inoltre un rilevante risparmio: la musica dal vivo, che accompagnava la proiezione del film muto, lascia il campo alla riproduzione tecnica del suono. Aggiungiamo infine che, nel caso italiano, la novità del cinema sonoro si colloca sullo sfondo delle politiche autarchiche del regime, che interviene in tal senso anche in campo linguistico, censurando i termini stranieri e incoraggiando l’uso dell’italiano come lingua di identità nazionale. Tale politica ha una diretta e pesante conseguenza sul cinema: già nel 1930 sono fortemente osta- 104 colati i film in lingua straniera, nel 1932 si introduce il doppiaggio (pratica assai discutibile, per altro tutt’oggi dominante nella distribuzione dei film non italiani), nel 1938 con la legge Alfieri il protezionismo fascista blocca praticamente l’accesso al mercato italiano della produzione hollywoodiana, finora giudicata tollerabile per il suo scarso spessore ideologico e politico. Complessivamente, i due cineasti più significativi del periodo fascista sono Mario Camerini e Alessandro Blasetti, nelle cui opere, seppure in modalità assai diverse, prendono forma cinematografica lo spirito e l’orizzonte del tempo. Camerini è prevalentemente autore di commedie, in genere leggere e piacevoli, come Gli uomini che mascalzoni. . . (1932), Ma non è una cosa seria (1936), Il signor Max (1937) e Grandi magazzini (1939), in cui rappresenta con indulgenza, mantenendosi tutto sommato distante dai miti del tempo, le miserie e le virtù dell’italiano medio. Blasetti guida la rinascita del cinema italiano contro lo strapotere di Hollywood, è autore eclettico e geniale, volto ad una ricerca espressiva sensibile all’influenza delle cinematografie straniere, capace di cimentarsi in più generi e di distanziarsi progressivamente dall’ideologia di regime, di cui pure aveva esplicitamente celebrato le gesta in Vecchia guardia (1935). Tra le sue opere, meritano di essere ricordate Sole (1929), Terra madre (1931), entrambe molto vicine all’ideologia di regime, e ancora Resurrectio (1931), Ettore Fieramosca (1938), Un’avventura di Salvator Rosa (1940), La corona di ferro (1941), Quattro passi tra le nuvole (1942). Collaborano con Camerini e Blasetti due dei personaggi più significativi del cinema italiano di questi e dei successivi decenni: Vittorio De Sica, già attivo come regista dal 1940, e Cesare Zavattini, sceneggiatore, teorico, figura di grande rilievo professionale e umano. Del cinema di finzione il fascismo non sembra comunque voler fare a ogni costo uno strumento esplicito e sistematico di propaganda. Fanno ovviamente eccezione opere volte alla celebrazione del presente nelle vesti del passato romano (Scipione l’Africano di Carmine Gallone, 1937). Ma in genere l’intento principale del cinema fascista, ormai abbandonato, anche in politica, il ribellismo pseudopopolare delle origini, sembra quello di rappresentare un’Italia piccolo-borghese, serena e priva di conflitti. Pur essendo la cinematografia economicamente sostenuta dal regime, nella produzione sonora degli anni ’30 convivono diverse anime, spesso aperte all’influenza di modelli stranieri e caratterizzate da un notevole eclettismo ideologico e stilistico. Nel 1935 apre a Roma il Centro Sperimentale, sotto la guida di intellettuali come Luigi Chiarini e Umberto Barbaro (antifascista); nel 1937 si inaugura Cinecittà, su cui il regime riversa considerevoli investimenti, e che diviene rapidamente un polo di attrazione per molti autori stranieri. Alla fine del decennio e nei primi anni del secondo conflitto mondiale la produzione italiana si intensifica notevolmente. Attraverso il cinema, il fascismo vuole da un lato mettere in mostra il proprio potenziale organizzativo, con prodotti capaci di competere con la concorrenza straniera, dall’altro si propone di dare l’immagine di un paese felice e ricco, stornando l’attenzione delle masse dagli insuccessi del conflitto bellico. Tali obbiettivi sono perseguiti nel cosiddetto cinema dei telefoni bianchi (citiamo Mille lire al mese di Max Neufeld, 1939 e Ore 9 lezione di chimica di Mario Mattoli, 1941), in cui l’esigenza di illusione cancella ogni traccia di un paese in camicia nera, e lo sfoggio di bellezza e ricchezza sublima nella fantasticheria i sacrifici di guerra e l’austerità forzata, rivelando il reale orizzonte di attesa del popolo italiano. Non a 105 caso, è proprio negli anni in cui l’Italia sta sprofondando nella tragedia della guerra, che si assiste a una vera e propria euforia produttiva. Dal ’39 al ’43 si girano in Italia centinaia di film, che conquistano ampie fette di mercato, anche grazie al filtro delle politiche protezionistiche sopra ricordate. Il divismo nostrano riprende piede, dopo anni di strapotere americano, e l’autarchia prova a fare di alcuni attori, come Amedeo Nazzari, Isa Mirando, Massimo Girotti, le nuove stelle dell’Italia fascista. Un fenomeno particolare di questi anni, sicuramente incoraggiato dall’affermazione del sonoro e anch’esso leggibile nella prospettiva di popolarizzazione della produzione di massa propria del tempo, è il passaggio dai teatri regionali al cinema di attori che avranno anch’essi uno spazio di rilievo nello star system nazionale, primi fra tutti Anna Magnani, Aldo Fabrizi e Totò. In alternativa alla tendenza dominante, volta esplicitamente all’intrattenimento popolare e alla semplificazione della realtà sociale rappresentata, nel variegato panorama del cinema italiano del tempo si distinguono altri due filoni di ricerca, per certi aspetti tra loro opposti. Il primo è costituito da un gruppo di giovani autori come Mario Soldati, Alberto Lattuada, Luigi Chiarini, caratterizzati da una scrittura elegante e raffinata, densa di echi letterari e figurativi, e attenta alla rappresentazione dell’interiorità. Il secondo comprende autori eterogenei per formazione e poetica o, meglio, una parte della loro produzione, complessivamente caratterizzata da una scrittura diretta e immediata, volta alla rappresentazione di un’Italia cinematograficamente poco esplorata. Si tratta di una produzione assai varia che potremmo definire, con inevitabile approssimazione, protoneorealista. Rientrano in essa opere come Il canale degli angeli (1934) di Francesco Pasinetti, La fossa degli angeli (1937) di Carlo Ludovico Bragaglia, e poi, soprattutto, il già citato Quattro passi tra le nuvole di Alessandro Blasetti, I bambini ci guardano (1943) di Vittorio De Sica, Avanti c’è posto. . . e Campo de’ Fiori (anch’essi entrambi del 1943) di Mario Bonnard. Una vera svolta è rappresentata da Ossessione (1943), opera prima di Luchino Visconti, che riesce a rappresentare come mai prima d’ora la realtà profonda e tragica della provincia italiana, saldando il canone verista del documento umano con la lezione del cinema francese e di quello americano. Con Ossessione si apre indubbiamente un’epoca del cinema italiano, segnata dal rifiuto di ogni visione consolatoria e da una tensione etica che non hanno precedenti nella nostra cinematografia d’anteguerra. Poche cose restano da dire sul cinema di Salò. Come è noto, con il ’43 Cinecittà venne smantellata e il regime cercò di spostare la produzione a Venezia. L’intento di mettere nuovamente in piedi la cinematografia italiana si scontra con l’emergenza storica di un potere ridotto allo stremo. Prevale cosı̀ la produzione documentaria del Luce, che, pur mostrando gli esiti dei bombardamenti sulle opere d’arte delle città italiane, omette di rappresentare l’avanzata degli alleati e solo eccezionalmente accenna alla presenza, in Italia, di una guerra civile. I film di finzione non superano la ventina, e sono quasi tutti commedie sentimentali, avulse dalla tragedia del presente. 2 Il Neorealismo Dopo il crollo del Fascismo e la fine della Seconda Guerra Mondiale, la cinematografia italiana, pur abbattuta economicamente dal dramma della guerra, dimostra una 106 inaspettata vitalità. Pervaso da un’urgenza espressiva e comunicativa – raccontare le vicende della guerra –, il cinema italiano di questi anni è una delle più intense manifestazioni di quell’ “immediatezza di comunicazione”, di quella “tensione morale” di cui scrive Italo Calvino nella sua Presentazione a Il sentiero dei nidi di ragno: la vita sembra “qualcosa che può ricominciare da zero”, e cosı̀ il cinema.1 È Cesare Zavattini a individuare le basi teoriche del Neorealismo in una “poetica dell’immediatezza”, finalizzata alla diretta rappresentazione dell’esperienza umana. Nelle sue posizioni più estreme, Zavattini arriva a negare anche la dimensione narrativa del cinema, il suo bisogno di storie che soffoca l’urgenza della rappresentazione diretta della sofferenza e dell’ingiustizia. Proprio per questo, il Neorealismo aspira a tagliare i ponti con la letteratura: un film adattato non è un film vero, ma solo una trasposizione di una storia già pensata e costruita, quindi intimamente falsa. Gli americani osteggiano apertamente la produzione italiana, identificata col fascismo, e si preparano a invadere il nostro mercato nazionale. Ai nostri registi, privi di mezzi economici, non resta che volgere lo sguardo intorno a sé e rappresentare la strada. La riproduzione di un reale non convenzionale, riconoscibile da un pubblico come proprio, vissuto, sofferto costituisce la cifra del Neorealismo e dei suoi capolavori, capaci di restituire dignità e prestigio internazionale a un popolo umiliato dalla guerra. Un piccolo gruppo di capolavori come Roma città aperta (1945, Gran premio internazionale a Cannes), Paisà (1946), Germania anno zero (1948) di Roberto Rossellini, Sciuscià (1946) e Ladri di biciclette (1948) di Vittorio De Sica propongono agli italiani il volto di una realtà ben conosciuta ma finora irrappresentabile, e divengono, all’estero, un modello etico ed estetico capace di influenzare generazioni di cineasti. Roberto Rossellini in particolare opera una vera e propria nobilitazione del quotidiano. Roma città aperta è il film che segna la sua svolta dal cinema di propaganda alla consapevolezza del male storico rappresentato dal fascismo e dalla guerra. Proponendosi di mostrare il diffuso antifascismo del popolo romano, Rossellini abbassa la macchina da presa ad altezza d’uomo, rappresenta miserie, illusioni e ideali. Paisà è un viaggio attraverso l’Italia dei dialetti. Costituito da sei episodi, rappresenta il polittico variegato del sentire popolare italiano, della sua carica etica e civile, in un viaggio da sud a nord che è anche metafora di un riscatto morale contro la barbarie storica del fascismo. Edmund, il giovane protagonista di Germania anno zero, assorbe il cinismo del contesto in cui si trova a vivere, uccide il padre e si suicida. Il film, pur segnato anch’esso dal rigore espressivo e morale dei precedenti capolavori, testimonia cosı̀ del pessimismo di chi sente che, nello spazio del moderno, una vera ricostruzione morale è impossibile, e apre all’evoluzione del cinema di Rossellini verso tematiche psicologiche e religiose, verso una nuova sensibilità espressiva e uno sperimentalismo che lo accompagneranno per tutta la sua carriera. Dalla collaborazione tra Vittorio De Sica e Cesare Zavattini nascono Sciuscià e Ladri di biciclette, che ottennero entrambi un vastissimo successo internazionale. Più orientati all’apologo, al coinvolgimento affettivo e psicologico, i film di De Sica e Zavattini ricercano una loro spontaneità non tanto nel distacco drammatico proprio di Rossellini, quanto in una recitazione non professionale e nella leggera 1 I. Calvino, 1964, Presentazione a Il sentiero dei nidi di ragno, Einaudi, Torino, p. 7. 107 semplicità degli intrecci e delle soluzioni narrative. Il loro successivo film, Miracolo a Milano (1951, Gran premio internazionale a Cannes), è non a caso una sorta di favola metropolitana, in cui la materia potenzialmente ancora “neorealista” viene sottoposta a una rielaborazione espressiva ormai lontana dallo spirito dei precedenti film, cui appare decisamente più vicino il successivo Umberto D. (1952). Negli stessi anni, Luchino Visconti gira due film importanti. Il primo, La terra trema (1948), ispirato a I Malavoglia di Giovanni Verga, condivide col clima del tempo l’attenzione per il mondo popolare, in questo caso quello dei pescatori siciliani, intervenendo però su di esso con una scrittura non spontanea ma costruita, capace di avvalersi di un uso potente del montaggio e della colonna sonora. Anche in Bellissima (1951) il Neorealismo di Visconti si ferma all’ambientazione della vicenda e alla capacità di osservare da vicino il vissuto e l’immaginario della protagonista, impersonata per di più dalla stessa Anna Magnani di Roma città aperta. Le soluzioni strutturali e formali mettono ancora in luce una scrittura personale e ricca di riferimenti letterari e pittorici, che assumeranno un rilievo dominante a partire dal successivo Senso (1954), che rielabora una novella ottocentesca di Camillo Boito. Ormai lontano dal pattern neorealista, il progetto di Senso è quello di recuperare l’interpretazione che Antonio Gramsci aveva dato del Risorgimento e della nascita dello Stato italiano nel 1861 (una rivoluzione mancata, secondo Gramsci, che aveva lasciato inalterati i veri rapporti di potere), collocandola sullo sfondo del melodramma e dell’opera lirica, di cui Visconti utilizza temi e aspetti della rappresentazione. Con il Neorealismo si afferma dunque un canone espressivo volto all’esplorazione etica di un reale non banale, un canone capace di attrarre una buona parte dei cineasti del tempo, non esclusi lo stesso Blasetti, Giorgio Ferroni, uno dei pochi che pure avevano risposto all’appello di Salò, e Giuseppe De Santis, autore di Riso amaro (1949), film di grande successo e di buona fattura che rilanciò il fenomeno del divismo nostrano, grazie all’esordiente Silvana Mangano, la prima “maggiorata” del nostro cinema, icona di un’abbondanza e di un benessere che l’Italia di quegli anni poteva solo sognare. Respirano il clima del Neorealismo molti registi esordienti negli anni Cinquanta, autori che ben presto differenzieranno la propria ricerca prendendo strade tra loro ben diverse. Francesco Maselli dirige Gli sbandati (1955), concentrando la sua attenzione sul comportamento e la morale borghese. Prima di loro Mauro Bolognini esordisce come autore di commedie e di adattamenti letterari, mentre Carlo Lizzani con Achtung! Banditi! (1951) e poi con Cronache di poveri amanti (1954) appare impegnato a mantenere vivo un legame con i principi profondi del Neorealismo, evitando la stilizzazione e l’agiografia. Il Neorealismo è insomma un modello di grande forza, che per alcuni anni riesce a emarginare alcuni pur apprezzabili non allineati, come Lattuada e Soldati, confinati nel limitativo cliché del calligrafismo. Ben presto però il cinema d’autore del secondo dopoguerra si orienta verso percorsi divergenti e originali, e la produzione commerciale privilegia film di più facile consumo. Gli anni Cinquanta sono infatti caratterizzati dalla progressiva affermazione del cinema comico. Julien Duvivier, un regista francese, gira una serie di film di successo ispirati alla figura di Don Camillo, adattando per lo schermo i romanzi di Giovanni Guareschi. Antonio De Curtis, in arte Totò, è il volto più conosciuto del cinema comico del tempo. Il successo commerciale dei suoi film porta allo sfruttamento intensivo della sua maschera, quella 108 dell’italiano costretto ad arrangiarsi per sopravvivere ai soprusi del potere, di cui si ridicolizzano i falsi miti e l’intima vuotezza. L’anarchismo di fondo dei molti personaggi interpretati da Totò si esprime nell’inventiva linguistica e gestuale, nella loro imprevedibilità e irriverenza. Sarebbe impossibile fornire in questa sede un elenco dei film interpretati da Totò (circa un centinaio nell’intero dopoguerra): l’entità del fenomeno testimonia comunque della sua capacità di fotografare le contraddizioni italiane, il nuovo benessere, l’individualismo, la sopravvivenza di modelli di comportamento arcaici e clientelari. Affianca il genere comico nelle classifiche di incassi il filone storico-mitologico, volto a una rivisitazione e a una spettacolarizzazione del mito in prospettiva popolare e avventurosa. Le fatiche di Ercole (1958) di Pietro Francisci è forse il film più fortunato nell’ambito del genere, ma non è certo l’unico grande successo di pubblico. L’affermazione del film storico-mitologico, che, si noti, fuoriesce dai confini nazionali, è sicuramente dovuta alla semplicità della dimensione psicologica dei suoi intrecci, alla riconoscibilità in essi di un rassicurante principio del Bene. Solo la critica italiana, tradizionalmente poco propensa a valorizzare il cinema popolare e di genere, condanna in blocco una produzione di grande valore artigianale e di grande inventiva, spesso ironica, colta e orientata a una riflessione sul presente tutt’altro che superficiale. Alcuni registi, come Vittorio Cottafavi (La rivolta dei gladiatori, 1958; La vendetta di Ercole, 1960 e molti altri), ottengono addirittura ampi riconoscimenti all’estero. 3 Il tempo degli autori Tra la fine degli anni Cinquanta e l’inizio degli anni Sessanta si consuma una nuova breve stagione in cui il cinema italiano conosce un grande successo a livello sia nazionale che internazionale. Gli incassi astronomici determinano una diffusione capillare della distribuzione sul territorio italiano: la sala cinematografica diviene uno spazio simbolico dell’immaginario popolare, un luogo di incontro e di avventura. All’estero i film italiani sono apprezzati sia per la loro qualità cinematografica ed artigianale, sia per la sensibilità con cui alcuni autori riescono a cogliere le problematiche del cambiamento in un’Italia in rapida trasformazione. La produzione, sulla spinta del successo economico, sforna all’inizio degli anni Sessanta una quantità impressionante di film. La recessione inizia alla metà del decennio, e appare dovuta a varie ragioni. Soprattutto, influenza e condiziona la produzione cinematografica l’affermarsi della televisione come strumento popolare di comunicazione. Il linguaggio visivo del nuovo mezzo, la proposta di un intrattenimento facile e immediato, la fruizione privata dello spettacolo televisivo determinano un progressivo ma inarrestabile declino del cinema: dal 1965 le sale iniziano a chiudere un po’ ovunque, e soprattutto nei piccoli centri, svuotati dalla forte migrazione interna verso le grandi città. Ma andiamo con ordine. Abbiamo visto come sia il film di genere, comico e storico-mitologico, a trainare il mercato cinematografico degli anni Cinquanta. All’inizio del nuovo decennio, assistiamo a una crescita qualitativa della commedia e alla sua assunzione al rango autoriale (ancora una volta, però, soprattutto ad opera della critica straniera). Il genere affonda le sue radici nelle forme più alte della tradizione letteraria italiana, soprattutto boccaccesca e goldoniana, la cui mimesi del vissuto viene rielaborata ed adattata al nuovo contesto delle trasfor- 109 mazioni socio-economiche portate dal miracolo economico. Il successo e l’egemonia della “commedia all’italiana” sono annunciati da due film di Mario Monicelli: I soliti ignoti (1958) e La grande guerra (1959, Leone d’oro a Venezia), in cui il registro comico si affida in modo efficace alla parodia dell’eroico, per fotografare un paese sospeso tra opportunismo, miseria e nuova ricchezza, alla problematica ricerca di una nuova identità. Se Monicelli è il cineasta che riesce per primo a emergere nel genere con autentico spessore autoriale, e a firmare una lunga serie di film di successo, occorre ricordare autori come Dino Risi (Il sorpasso, 1962; I mostri, 1963), Mauro Bolognini, Steno, Luigi Comencini (Tutti a casa, 1960), Pietro Germi (Divorzio all’italiana, 1961; Signore e signori, 1965, Palma d’oro a Cannes), Luigi Zampa (Il medico della mutua, 1968), Luciano Salce (Ti ho sposato per allegria, 1967), Ettore Scola (C’eravamo tanto amati, 1974; Brutti, sporchi e cattivi, 1976), Lina Wertmüller (Mimı̀ metallurgico ferito nell’onore, 1972), capaci di accompagnare il genere fino alla metà degli anni Settanta, lungo un quindicennio di grande splendore. Alle loro spalle c’è un piccolo esercito di ottimi sceneggiatori, volti a una ricerca narrativa mai banale e capaci di saldare una sapiente rilettura della tradizione di genere ad un intelligente sperimentalismo narrativo: Age, Furio Scarpelli, Ruggero Maccari, Leo Benvenuti, Rodolfo Sonego, Piero De Bernardi. La commedia degli anni Sessanta è esplorazione del quotidiano, rappresenta l’italiano medio, i suoi difetti di sempre e le sue discutibili virtù con uno sguardo maturo, spesso impietoso, che pure lascia trasparire la simpatia dei vari personaggi, travolti da spinte più forti della loro statura morale, dal desiderio di agiatezza e dal bisogno di esorcizzare, in una continua adolescenza, la morte, la passata miseria e gli orrori della guerra. La nuova ricchezza, il crescente consumismo, l’apertura dei costumi sessuali, contrastata dal persistere del provincialismo maschilista di sempre, la trasformazione edilizia sono indagati con sguardo attento, spesso disincantato, e a volte perplesso, per non dire sgomento. Non sempre al cinema si riesce a ridere, a volte, come avviene esemplarmente in Un borghese piccolo piccolo (1976) di Monicelli, si ha l’impressione che la commedia, genere del quotidiano, non riesca più a nobilitare una realtà sempre più trita e moralmente misera. La commedia resuscita infine il divismo maschile, svuotandolo però del suo carattere sessista e adattandolo alle esigenze del genere: Vittorio Gassmann, Alberto Sordi, Nino Manfredi sono i protagonisti di decine di film, icone riconoscibili di un qualunquismo e di un opportunismo assai familiare allo spettatore, assai più che impenetrabili seduttori, mitizzati dallo sguardo del pubblico femminile. Ma è a partire dagli anni Cinquanta che il cinema italiano conosce una grande affermazione del cinema d’autore, grazie ad alcuni registi-intellettuali che sono riusciti con grande sensibilità a fondare un’estetica e una poetica originali e mature, capaci sia di conquistare i gusti di un pubblico abbastanza esteso, sia di farsi apprezzare, e spesso osannare, dallo sguardo più esigente della critica internazionale. Il 1960 è un anno in tal senso emblematico: ai vertici delle classifiche d’incasso sono film d’autore come La dolce vita di Federico Fellini, Rocco e i suoi fratelli di Luchino Visconti, La ciociara di Vittorio De Sica e il già citato Tutti a casa di Luigi Comencini. La produzione d’autore si impone insomma anche come genere di successo: i film italiani vengono largamente distribuiti all’estero, ove ottengono riconoscimenti e un diffuso apprezzamento. 110 Presentiamo ora alcuni tra i più significativi autori della storia cinematografica italiana, inserendoli convenzionalmente in questo capitolo per comodità di trattazione, pur essendo essi attivi per un arco di tempo più lungo. 3.1 Federico Fellini (1920–1993) Federico Fellini è forse il regista italiano più conosciuto all’estero. La sua produzione ha accompagnato decenni di storia nazionale, ricostruendo con una poetica originale e consapevole miserie e ossessioni del senso comune italiano. L’irriducibilità della sua estetica alle istanze dominanti nel cinema del secondo dopoguerra ha a lungo impedito a Fellini di ottenere un unanime e meritato riconoscimento da parte della critica italiana. Il cinema di Fellini è infatti assai lontano dalla militanza politica e dal canone realistico del cinema-verità; il suo percorso è piuttosto quello della fantasia, di un realismo sempre deformato da una scrittura fiabesca e poetica, esplicitamente artificiale. “La menzogna è l’anima dello spettacolo”, sosteneva Fellini, e la sua scrittura appare costantemente segnata dal bisogno di affabulazione e ricostruzione fantastica, assai più che dall’intento di fotografare l’esistente. La formazione dell’autore è legata alla figura di Rossellini, con il quale Fellini collaborò negli anni ’40 in Roma città aperta e, soprattutto, in Paisà. Da Rossellini Fellini apprende non tanto un’estetica quanto uno stile di lavoro: a “vivere la vita di un film come un’avventura meravigliosa”, nonostante le avverse condizioni degli anni della ricostruzione. Tematicamente, alla base dell’immaginario felliniano, non saranno cosı̀ il motivo dell’impegno, dei conflitti e dell’identità sociale e politica dell’Italia del secondo dopoguerra, ma i miti dell’arte popolare, del circo, dell’avanspettacolo e del fumetto umoristico, che il regista ricostruirà mettendone in rilievo ora le loro componenti grottesche, ora quelle malinconiche e favolistiche già a partire da Luci del varietà (1950, girato insieme ad Alberto Lattuada) e Lo sceicco bianco (1952). Il primo capolavoro di Fellini è indubbiamente La strada (1954), con Anthony Queen e Giulietta Masina, moglie del regista e protagonista di molti suoi film. La strada è una sorta di apologo su innocenza e brutalità, che si incarnano nei due personaggi principali, Zampanò e Gelsomina, due girovaghi. La dimensione psicologica, il tono fiabesco della narrazione mettono in rilievo una prospettiva di ricerca già estranea al canone neorealista, ulteriormente approfondita in Le notti di Cabiria (1957). Qui, il conflitto con la tradizione realista è evidenziato dall’ambiguo rapporto tra ambientazione (la periferia, come in molti capolavori del Neorealismo) e scrittura cinematografica, sempre volta alla ricostruzione favolistica delle peregrinazioni della dolce, ingenua e sorridente protagonista, una inverosimile prostituta ancora interpretata, con tratti clowneschi, dalla Masina. Ma sono due capolavori dei primi anni ’60, La dolce vita (1960, Palma d’oro a Cannes) e Otto e mezzo (1963), a garantire a Fellini un successo e una notorietà internazionale. La dolce vita è un ritratto, anch’esso artificiale e costruito, della Roma del benessere, della sua vita notturna e mondana, dei suoi appartamenti di lusso. Una Roma, vuota, falsa e corrotta che Fellini osserva con occhio disincantato: una metonimia della stessa Italia, lanciata verso un boom economico inimmaginabile fino a pochi anni prima, ma intimamente vuota, priva di prospettive e di consapevolezza, disperata. Otto e mezzo ci porta nel mondo del cinema, toccando quindi tematiche e personaggi che 111 rimandano direttamente alla dimensione biografica del regista. Il protagonista del film è appunto un regista in crisi creativa, interpretato da Marcello Mastroianni, indimenticabile interprete di molti capolavori del cinema italiano. In Otto e mezzo lo sguardo del regista ricostruisce l’ambiente del cinema secondo le categorie del grottesco e dell’immaginifico, trasferendo sulla pellicola i complessi, le frustrazioni e le idiosincrasie di un universo sorprendente e incomprensibile. Dopo Otto e mezzo, lo sperimentalismo felliniano raggiunge ottimi risultati con Satyricon (1969), una favola per adulti, liberamente ricostruita dal modello dello scrittore latino Petronio, e soprattutto con il conosciutissimo e apprezzatissimo Amarcord (1973), una dichiarazione d’amore verso il passato e verso l’immaginario personale del regista, nonché ricostruzione fantastica e corale di un universo umano, quello della città natale del regista, Rimini, rappresentato con disincanto, leggerezza e squisito artificio. Il “mi ricordo” del titolo richiama cosı̀ alla memoria genitori, parenti, professori, preti, fascisti, la Mille Miglia, popolare corsa automobilistica, e il passaggio di un transatlantico, raccontando di un’iniziazione all’età adulta vissuta nel segno di una sessualità repressa e incontenibile e dell’inconsapevolezza propria della giovinezza. Metafora del sentire italiano, dei suoi complessi, della sua grettezza e del suo slancio vitale ed erotico, la Rimini di Amarcord è la trasfigurazione di un’Italia arcaica e provinciale, comunque più sincera e autentica dell’Italia tecnologica e ambiguamente moderna degli anni Settanta. Dopo Casanova (1976), Prova d’orchestra (1979) e La città delle donne (1980), Fellini firma altri due capolavori. Il primo è E la nave va (1983), una grandiosa allegoria del naufragio del presente, ricostruita in una finta cronaca d’epoca. Siamo nel 1914, e la voce discreta e ammiccante del narratore Orlando, un giornalista di cronaca mondana, ci guida attraverso una originale crociera: una eterogenea comunità di intellettuali, artisti e potenti si sta recando verso l’isola natia di Edmea Tetua, ammirata cantante lirica, per spargerne le ceneri in mare. Nelle manie, nell’aridità, nell’ansia di visibilità e di possesso che attanaglia i personaggi, Fellini riconosce i limiti e il declino morale della società contemporanea, il suo culto dell’immagine e del successo, la sua incapacità a rapportarsi in modo maturo al dolore, rappresentato nel film da una comunità di serbi ospitata a bordo e mal sopportata. Nel successivo Ginger e Fred (1985), la carica polemica di Fellini si fa ancora più esplicita e mirata. Il bersaglio è la volgarità della televisione, il suo ridurre sentimenti ed esperienze a merce, pubblicità e superficiale spettacolo. I protagonisti sono due ex ballerini, imitatori della famosa coppia Astaire-Rogers, interpretati ancora da Mastroianni e la Masina, chiamati a una breve apparizione televisiva. Dell’universo televisivo viene messa a nudo la sostanziale disumanità in una satira spesso feroce e carica di sdegno che non disdegna riferimenti espliciti allo stesso Silvio Berlusconi, al tempo astro nascente dell’imprenditoria televisiva, uno tra i maggiori responsabili, secondo Fellini, del degrado della comunicazione di massa. Lo studio televisivo assomiglia a un lager e a un circo: è luogo dove si consuma un rito pagano ormai privo di fascino e poesia e, nello stesso tempo, si costruisce una nuova forma schiavitù che lega uomini, denaro e immagine. Fellini muore a Roma nel 1993, dopo aver girato il suo ultimo film, La voce della luna, nel 1989. 112 3.2 Michelangelo Antonioni (1912) Michelangelo Antonioni è sicuramente, insieme a Fellini, il cineasta che con maggiore consapevolezza ha elaborato un’estetica personale e compiuta, superando rapidamente il canone neorealista. L’apprendistato di Antonioni è infatti legato proprio a quel diffuso bisogno di realtà e di narrazione che caratterizza la generazione che esordisce negli anni ’40. Antonioni parte cosı̀ dal documentario: Gente del Po è del 1943 come Ossessione, con cui condivide l’ambientazione, altri splendidi documentari seguono tra il 1948 e il 1950, anno di Cronaca di un amore, primo lungometraggio narrativo. Già nell’esordio, ancora, come Ossessione, storia di un adulterio e di un omicidio programmato, Antonioni misura la sua distanza da un Neorealismo incapace di cogliere il disagio profondo della società contemporanea. La rappresentazione dello spazio urbano e rurale perde cosı̀ la sua spontaneità, aprendosi alla dimensione simbolica, misteriosa e inquietante. Le tematiche e l’ambientazione del primo film ritornano in gran parte della produzione del regista. Come ha scritto esemplarmente Alberto Moravia, il cinema di Antonioni ci ha dato sempre “una sola ma profonda nota: l’aridità dei rapporti, la brutalità della vita moderna, lo squallore del destino umano”. Oggetto costante dello sguardo del regista è il malessere della borghesia, egemone nella nuova Italia degli anni del miracolo economico, quanto interiormente alla deriva e priva di certezze. L’influenza dell’esistenzialismo porta l’autore a un continuo scavo nell’interiorità dei personaggi, particolarmente di quelli femminili, e la vita di coppia diviene il terreno su cui verificare la scollatura tra volontà e desiderio, tra rispettabilità e nevrosi. Della crisi della coppia si parla anche in La signora senza camelie (1953), in Le amiche (1955) e nel successivo Il grido (1957), indubbiamente uno dei capolavori del regista. Qui Antonioni capovolge il punto di vista che ha animato i film procedenti, raccontando la crisi della coppia dal punto di vista di un uomo, un operaio, che si uccide dopo una disperata ricerca di una relazione alternativa a quella del fallito matrimonio. L’osservazione dell’universo proletario, tradizionalmente agiografica e celebrativa, viene contaminata dalla dimensione psicologica ed esistenziale, coinvolgendo cosı̀ nella decadenza borghese la classe operaia, cosa che causò reazioni sdegnate quanto inadeguate da parte della critica politicamente più schierata. All’inizio degli anni ’60 Antonioni firma in rapida successione una serie di capolavori. Nella cosiddetta “trilogia dei sentimenti” (L’avventura, 1960; La notte, 1961; L’eclisse, 1962, Premio speciale della giuria a Cannes) l’analisi della crisi della coppia si fa ancora più serrata. In L’avventura i rapporti che legano i personaggi, un piccolo gruppo di borghesi in crociera alle Eolie, appaiono superficiali ed effimeri: l’amore è apertamente rinuncia all’assoluto, compromesso con la banalità, e l’unica sintonia possibile sembra quella della comprensione reciproca del vuoto esistenziale. In La notte il rapporto tra Giovanni e Lidia, i due protagonisti, è ormai finito, e nel segno della morte si svolge l’intera narrazione. Le relazioni parallele intrecciate dai due personaggi non sono che espressione di un disperato tentativo di mantenersi vivi; l’abbraccio finale che li lega non ne riscatta la solitudine e il tormento. L’eclisse è ancora una storia di un amore fallimentare. La relazione tra Vittoria e Piero appare sopraffatta dall’ambiguità e dall’ombra di un debito tra la madre di Vittoria e lo stesso Piero. Il denaro, il primato dell’economico sui sen- 113 timenti, l’incapacità di chiarirsi appaiono come i cardini delle relazioni umane; il mondo interiore è come pietrificato e inaridito. Nel 1964 esce Il deserto rosso (Leone d’oro a Venezia), uno dei film più conosciuti e apprezzati di Antonioni, il suo primo a colori. Ambientato nella Ravenna industriale, il film è la storia di un disadattamento, quello della protagonista Giuliana, sospesa tra precarietà affettiva e pulsione di morte. Il contesto esplicitamente tecnologico fa di Il deserto rosso una riflessione sulla modernità, sull’alienazione tra soggetto e mondo, sulla frattura tra umanità e natura. Molte coppie sono presenti anche nei successivi film di Antonioni, in cui la riflessione sulla nevrosi del privato sembra però affiancarsi alla ricerca teorica e poetica. Parallelamente, anche gli spazi si allargano: dalla Londra di Blow-Up (1966, Palma d’oro a Cannes), all’America di Zabriskie Point (1970) all’Africa di Professione: reporter (1975), in un viaggio ideale alla ricerca di un’unità perduta, tentativo di svelare l’indecifrabile delle cose. Tra gli ultimi lavori di Antonioni, citiamo Identificazione di una donna (1982) e Al di là delle nuvole (1995), girato insieme al regista tedesco Wim Wenders. 3.3 Luchino Visconti (1906–1976) Di Visconti ci siamo già occupati in parte nel capitolo precedente, presentando le sue opere degli anni ’40 e ’50. Aristocratico e colto, Visconti è probabilmente il più intellettuale dei grandi cineasti italiani. La sua vastissima cultura, musicale, teatrale, pittorica, emerge costantemente nella sua scrittura filmica, e viene sempre messa al servizio di progetti cinematografici ideologicamente delineati e consapevoli. Con l’uscita di Rocco e i suoi fratelli (1960) Visconti traspone modalità classiche di narrazione, tragiche e corali, al contesto contemporaneo, raccontando una storia di sradicamento e di emigrazione dal Sud italiano del secondo dopoguerra verso il Nord industrializzato. Il meridione mitico, conosciuto e già ricostruito passando attraverso Verga, viene originalmente e coraggiosamente saldato al più imponente fenomeno sociologico degli anni del miracolo economico, la migrazione interna che ha ridisegnato il volto fisico e culturale dell’Italia. Nelle vicende del protagonista Rocco e della sua famiglia, violenza, eros e desiderio di riscatto si sovrappongono a un senso “decadente” della sconfitta, un motivo assai caro all’ispirazione viscontiana. La dialettica tra fiducia nell’iniziativa storica e senso della vanità e della fine ritorna anche in Il Gattopardo (1963, Palma d’oro a Cannes), adattamento del noto bestseller di Giuseppe Tomasi di Lampedusa. Il film ripercorre un momento cruciale della storia del Meridione: è il 1860, il regno borbonico sta per essere spazzato via dai garibaldini e si profila il rischio di un cambio di classe dirigente. L’aristocrazia, per salvare se stessa, deve scendere a patti con i nuovi ricchi. Come spesso in Visconti, la contraddizione alla base del film è anche la sua grandezza. L’intento esplicito di celebrare l’impegno e la tensione verso il cambiamento (Visconti inserisce la lunga sequenza della battaglia di Palermo, assente nel romanzo, in cui rappresenta positivamente le forze rivoluzionarie) si scontra con l’ispirazione più profonda dell’autore, segnata dallo sgomento per la fine di un’epoca e di disappunto per l’affermarsi di una classe dirigente cinica e volgare. La produzione successiva di Visconti appare orientata alla rivisitazione dei “suoi” classici, letterari, come Thomas Mann, Gabriele D’Annunzio e Marcel 114 Proust, e cinematografici, come Jean Renoir. Visconti difende un modello di cinema rigoroso, equilibrato e consapevole, rimanendo sempre più isolato nel quadro del tempo, caratterizzato da una stagione di impegno e fortemente focalizzato sul presente. Ricercatissimi sul piano delle soluzioni formali, comunque ispirate a un modello classico, ottocentesco di narrazione, colti e raffinati, escono gli ultimi film viscontiani: Vaghe stelle dell’Orsa (1965, Leone d’oro a Venezia), Lo straniero (1967), La caduta degli dei (1969), Morte a Venezia (1971), Ludwig (1973), Gruppo di famiglia in un interno (1974) e L’innocente (1976). 4 I nuovi autori e la stagione dell’impegno Gli anni Sessanta sono tra i più interessanti della storia del cinema italiano. Sia la produzione alta, d’autore che quella di genere, come abbiamo visto, raggiungono ottimi risultati, sia in Italia che all’estero. Per completare il quadro occorre registrare due fatti di rilievo: l’esordio di una nuova generazione di cineasti, sperimentatori sul piano espressivo, tematico e figurativo e capaci di affermare una nuova idea di autorialità, e la crescita di un cinema sempre più desideroso di confrontarsi col presente, attraversato, a partire dalla seconda metà del decennio, da un forte desiderio di cambiamento politico e sociale. Sono gli anni della crisi della borghesia, della contestazione studentesca, di una mobilitazione generale del mondo del lavoro; per almeno un ventennio l’Italia viene sconvolta dal terrorismo, dall’attacco al cuore dello stato portato, a sinistra, dalle Brigate Rosse e dalla “strategia della tensione” del movimento neofascista, volto a destabilizzare il quadro politico e preparare cosı̀ una svolta autoritaria. Si tratta di un periodo di grande importanza per la storia nazionale italiana, che il cinema non può eludere e con il quale continua ancora oggi a confrontarsi. Alcuni autori che esordiscono negli anni Sessanta propongono nuove soluzioni figurative, nuove tematiche e un nuovo atteggiamento nei confronti della materia narrata, anticipando spesso un’idea di cinema militante e schierato nella battaglia politica per l’egemonia culturale. I materiali della tradizione vengono liberamente reinterpretati alla luce di un diffuso e consapevole sperimentalismo, si guarda all’Europa, all’affermazione di un nuovo cinema, di una nouvelle vague impegnata a ridefinire l’idea della scrittura cinematografica autoriale. Tra i nuovi autori, due personalità indiscusse: Pier Paolo Pasolini e Bernardo Bertolucci. 4.1 Pier Paolo Pasolini (1922–1975) Straordinaria figura di artista e di intellettuale, Pier Paolo Pasolini è poeta, romanziere, pittore, regista e autore, nell’ultima parte della sua vita, di scritti giornalistici. Costantemente impegnato nell’intenso dibattito politico e culturale del tempo, sostiene sempre posizioni coerenti e lucide, individuando nell’approssimazione e nel perbenismo borghese i mali dell’Italia del benessere, e mettendo in rilievo il dramma dell’omologazione culturale e la forza di penetrazione del “nuovo fascismo” della società dei consumi. Politicamente di formazione marxista, Pasolini mette a nudo l’inadeguatezza del potere democristiano che ha governato l’Italia dopo la seconda guerra mondiale e l’ipocrisia del sentire comune degli italiani, registrando comunque, ancora prima della contestazione del Sessantotto, la crisi dell’ideologia e dei partiti di sinistra. 115 Al cinema Pasolini giunge con Accattone (1961), un’opera prima che è già un capolavoro. La scelta di attori non professionisti, l’uso del dialetto, l’ambientazione popolare potrebbero farci pensare a un ritorno dell’immediatezza del Neorealismo, ma in realtà Pasolini sovrappone alla realtà rappresentata la sua straordinaria cultura figurativa, musicale e letteraria. La vicenda di Accattone, un sottoproletario sfruttatore di prostitute, viene cosı̀ nobilitata dai riferimenti alla tragedia greca e alla pittura sacra del Duecento, dal commento musicale di Bach. Fuori dall’orizzonte del Neorealismo è anche l’interesse del regista, ma potremmo meglio dire il suo amore, per il sottoproletariato romano, privo di consapevolezza politica, ma ancora immune dal tarlo del benessere e del conformismo borghese. Ed è proprio di questa corruzione che Pasolini ci parla nel suo secondo lungometraggio Mamma Roma (1962), storia di una prostituta desiderosa di salire nella scala sociale e conquistarsi una dignità piccolo-borghese. Ancora una volta, la nobilitazione formale riscatta il fallimento della protagonista, la cui vicenda viene narrata con espliciti riferimenti, narrativi e iconografici, al testo dei Vangeli. Ancora le Scritture ispirano il film più riuscito di Pasolini, Il Vangelo secondo Matteo (1964, dedicato alla memoria di Papa Giovanni XXIII), un adattamento di grande impatto emotivo in cui Pasolini, non credente, racconta la vita di Cristo sottolineando la carica rivoluzionaria del messaggio evangelico. Allegoria di una figura intellettuale ancora capace di cambiare gli animi degli uomini e le cose del mondo, il Cristo pasoliniano esprime una fiducia nel cambiamento che già è venuta meno nel successivo Uccellacci e uccellini (1966), una sorta di apologo politico, evangelico e surreale, centrato sul tema, per Pasolini decisivo e drammatico, della frattura tra intellettuali, politica e popolo. Nelle opere successive, l’ispirazione pasoliniana spazia dal mito (Edipo re, 1967; Medea, 1970) alla novellistica internazionale (Il Decameron, 1970; I racconti di Canterbury, 1972; Il fiore delle mille e una notte, 1973), al film a tesi e all’allegoria (Teorema, 1968; Salò o le 120 giornate di Sodoma, 1975), senza mai venir meno al bisogno di confrontarsi con la crisi del presente e con la sua perdita di identità. Pasolini muore il 2 novembre 1975, ucciso barbaramente in circostanze mai chiarite. La diversità culturale dell’autore, il coraggio con cui ha sempre attaccato l’Italia dell’omologazione, delle false libertà e della corruzione, fanno della sua morte un evento emblematico. 4.2 Bernardo Bertolucci (1941) Figlio del poeta Attilio Bertolucci, da cui eredita la passione per il cinema, Bernardo è probabilmente il regista italiano vivente più conosciuto e apprezzato, sia in Italia che all’estero. Fin dagli esordi, Bertolucci si distingue per una ricerca molto personale, in cui appare evidente la lezione della Nouvelle Vague francese: soggettività, discontinuità della narrazione, senso della dimensione autoriale appaiono alla base del suo cinema. Bertolucci realizza il suo primo film nel 1962 (La commare secca), dopo essere stato in Accattone aiuto regista di Pasolini, chiaro modello del film. Dimostrando padronanza del linguaggio cinematografico e uno stile narrativo originale, in Prima della rivoluzione (1964) Bertolucci si confronta con un personaggio autobiografico, un giovane della borghesia parmense, desideroso di un distacco dall’ambiente che non riesce a realizzare. Dopo Partner (1968), ispirato a Dostoevskij e Godard, e Strategia del ragno (1970), Bertolucci ottiene un note- 116 vole successo con Il conformista (1970), dal romanzo di Alberto Moravia, in cui i caratteri più significativi del suo cinema (il gioco delle citazioni, la valorizzazione della musica e della scenografia) si mostrano nella loro piena maturità espressiva. Soggettività, memoria, eros e ribellione sono i grandi temi del cinema di Bertolucci, e il successivo Ultimo tango a Parigi (1972) ne propone una rappresentazione in una forma indimenticabile. Opera di grande impatto psicologico ed emotivo, Ultimo tango a Parigi racconta la storia di un amore disperato e fuori da ogni convenzione, quello fra Paul e Jeanne, due solitari, intimisti e anarchici, interpretati da Marlon Brando e Maria Schneider, che si incontrano in uno spoglio appartamento parigino mettendo a nudo la propria sofferta interiorità. Bertolucci raggiunse con il film una vasta notorietà, anche a causa delle vicissitudini giudiziarie del film, censurato, sequestrato dopo le prime proiezioni e distribuito nuovamente in versione integrale solo nel 1987. Con Novecento (1976) Bertolucci offre un ampio affresco sulla storia italiana del secolo scorso. Il progetto è ambizioso, il cast è di altissimo livello (Robert De Niro, Gerard Depardieu, Burt Lancaster), le riprese durano un anno intero: il risultato è un film di 315 minuti, che verrà diviso in due atti, distribuiti separatamente nelle sale. Espliciti gli intenti politici del film, un omaggio ai contadini emiliani, alla faticosa presa di consapevolezza di un terzo stato oppresso dai padroni, dal fascismo e dalla legge. Artisticamente, il film è una sorta di melodramma storico, intenso e ben riuscito, grazie all’orchestrazione corale delle vicende e alla recitazione: Bertolucci è ormai uno dei maestri riconosciuti del cinema mondiale. Dopo La luna (1979) e La tragedia di un uomo ridicolo (1981), Bertolucci ritorna al kolossal con L’ultimo imperatore (1987), film premiatissimo, ispirato all’autobiografia di Pu Yi, ultimo esponente del potere imperiale cinese, processato e rieducato dalla Repubblica Popolare comunista. Melodramma raffinatissimo e recitato in modo magistrale, L’ultimo imperatore si avvale di un cast internazionale capace di sostenere un progetto ambizioso e di farne un grande successo. Tra i film più recenti dell’autore, sempre più proiettato in una dimensione internazionale, ricordiamo le superproduzioni di Il tè nel deserto (1990) e di Piccolo Buddha (1993), il ritorno al Sessantotto parigino di Dreamers (2003), e la piccola perla L’assedio (1998), una storia d’amore senza star e privo di un grosso budget, ma girato e recitato esemplarmente in una Roma poetica e silenziosa. 4.3 Nuovi autori, nuove poetiche Gli anni Sessanta e Settanta, per il cinema italiano, sono un laboratorio di esperienze. L’intensità della vita pubblica, il fervore del dibattito intellettuale, la conflittualità politica spingono costantemente il cinema a prendere posizione, intervenire, esprimere in immagini un’idea del mondo. Offrire un quadro completo ed esauriente della cinematografia italiana sarebbe in questa sede impossibile; presentiamo comunque le sue personalità più significative. Paolo e Vittorio Taviani esordiscono, dopo una notevole attività documentaristica, nel 1962 con Un uomo da bruciare, storia di un sindacalista siciliano. Il loro cinema è fatto di impegno, rigore morale, passione ideologica, secondo la lezione di Bertold Brecht e Sergei M. Eizenstein, la loro scrittura è antinaturalistica, sperimentale, costruita e intensa. I Taviani accompagnano con le loro opere gli anni più caldi della contestazione: Sotto il segno dello scorpione (1969), San Michele 117 aveva un gallo (1971), Allonsanfàn (1974) trattano il tema della coerenza e della disillusione, dell’utopia di una società meno ingiusta e autoritaria. Padre padrone (1977, Palma d’oro a Cannes) è il primo vero capolavoro dei Taviani. Adattamento dal romanzo di Gavino Ledda, il film ripercorre la vita di un giovane pastore sardo e la sua emancipazione dall’autoritarismo patriarcale. Allegoria di una conquista, della fondazione di un nuovo ordine liberatorio, Padre padrone si distingue per una scrittura intensa, lirica e partecipata. Con La notte di San Lorenzo (1982) i Taviani affrontano la tematica resistenziale, ricostruita sotto una forma epica e favolistica. Kaos (1984) è probabilmente il miglior film dei registi, un adattamento di grande intensità di alcune delle Novelle per un anno di Luigi Pirandello, splendidamente girato e recitato da un cast di grandissimo livello. Il film segna un momento di passaggio assai significativo: il motivo politico dell’impegno e dell’utopia lascia il campo a tematiche personali e private, come la memoria, il senso del passato, la morte. Anche nei successivi film (citiamo Good morning Babilonia, 1986; Fiorile, 1992; Le affinità elettive, 1996; Tu ridi, 1998, ancora da Pirandello), la narrazione si orienta verso soluzioni più classiche, ormai lontane dallo sperimentalismo degli anni Sessanta, e si attenua, parallelamente alla crisi della politica italiana del tempo, la tensione utopica che aveva animato i primi film degli autori. Anche Ermanno Olmi giunge al cinema dopo un lungo apprendistato nel documentario. Nei suoi primi film (Il posto, 1961; I fidanzati, 1963) fotografa con occhio sensibile e nostalgico la trasformazione antropologica degli anni del boom economico. Dopo una lunga collaborazione con la RAI, gira il suo capolavoro indiscusso nel 1978: è L’albero degli zoccoli (Palma d’oro a Cannes), un’ampia e partecipata epopea contadina in cui si sovrappongono storia materiale e lirismo. Dopo una lunga malattia, Olmi riprende a girare solo alla fine degli anni Ottanta, passando ancora con disinvoltura dal film di finzione al documentario. Realizza nel 2001 Il mestiere delle armi, il suo secondo capolavoro, un film storico che ricostruisce gli ultimi giorni di vita di un capitano di ventura, affiancando in una sintesi perfetta ricerca figurativa, riflessione filosofica e ricostruzione delle fonti storiche. Il più significativo esponente del filone civile e di denuncia che conosce una notevole fortuna negli anni Sessanta e Ottanta è indubbiamente Francesco Rosi, già assistente di Visconti in La terra trema. Il cinema di Rosi unisce il rigore viscontiano allo spirito del pamphlet giornalistico, con una forte attenzione alle dinamiche dell’intreccio e della suspense. Oggetto della sua indagine è l’Italia della corruzione e della mafia, di cui Rosi mette costantemente in rilievo la pervasività e la capacità di condizionare negativamente lo sviluppo dell’intero Paese. Tra i film migliori di Rosi ricordiamo Salvatore Giuliano (1960) e Le mani sulla città (1963, Leone d’oro a Venezia). Nell’orbita di Rosi, ma più orientato verso una scrittura immaginifica ed espressionista, è il cinema di Elio Petri, un autore spesso, e ingiustamente, preso di mira dalla critica di sinistra, come d’altronde frequentemente è accaduto un po’ per tutto il cinema di impegno civile, giudicato troppo riformista, e per questo dannoso alla causa rivoluzionaria. Di Petri ricordiamo il suo film migliore, Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto (1970). Autore sensibile e impegnato, Giuliano Montaldo esordisce nel 1961. La spinta alla partecipazione politica è in lui fortissima, e si realizza in opere eterogenee per carattere e collocazione di genere. Il suo miglior film è Sacco e Vanzetti (1970). 118 Negli anni Ottanta, come molti, passerà a trattare temi più legati alla sfera privata. Impegnatissima sul piano politico è anche Liliana Cavani. Il suo è un cinema colto e sofferto, orientato all’attualizzazione del passato storico nei conflitti del presente (Francesco d’Assisi, 1966). Il suo migliore film resta Il portiere di notte (1974), memoria inquieta della violenza nazista. Anche Gillo Pontecorvo è regista politicamente sensibile, autore di film di grande impatto emotivo e spessore morale, in cui unisce uno sguardo attento alle ragioni della storia a una visione romantica e appassionata del ruolo dei singoli. I suoi capolavori sono Kapò (1960) e, soprattutto, La battaglia di Algeri (1966, Leone d’oro a Venezia). Dirige il suo primo film negli anni Sessanta anche Marco Bellocchio: si tratta di I pugni in tasca (1965), un’opera prima lucida e sconvolgente sul disagio generazionale, sulla crisi della borghesia e sulla morte della famiglia. Bellocchio nel corso degli anni più caldi del conflitto sociale accompagna le spinte più radicali della contestazione, e diviene rapidamente un autore simbolo dello scontento e del desiderio di un nuovo modello di società. Dopo avere attraversato varie stagioni, che lo hanno visto avvicinarsi al film-documento, alla letteratura e alla psicanalisi, Bellocchio ha recentemente firmato alcuni dei migliori e più controversi film degli ultimi anni. Tra di essi L’ora di religione (2002), sulle difficoltà e le ragioni del pensiero laico e Buongiorno, notte (2003), una ricostruzione in buona parte fantastica del rapimento di Aldo Moro da parte delle Brigate Rosse, in cui, attraverso il punto di vista di una giovane terrorista dissenziente, Bellocchio condanna l’intransigenza del partito armato, in cui riconosce i segni e i limiti dell’intera società italiana. Marco Ferreri è forse il meno inquadrabile dei registi della generazione degli anni Sessanta. L’impegno militante, il conforto dell’ideologia gli sono fondamentalmente estranei, e la sua è una scrittura attraversata da pulsioni e spinte di varia natura, orientate ad un’osservazione antropologica e nello stesso tempo surreale della società contemporanea. I grandi temi del cinema di Ferreri sono la crisi dell’individuo, la frustrazione del desiderio e il bisogno di autoliberazione; il suo miglior film è probabilmente Dillinger è morto (1968). 5 Il cinema italiano contemporaneo Come spesso accade nella storia delle arti, nei periodi di splendore si nascondono già i germi della crisi. Cosı̀ avviene anche nell’intensa stagione degli anni Sessanta: i segnali di difficoltà si fanno sempre più intensi e, a partire dalla metà del decennio successivo, la crisi della produzione cinematografica diviene inarrestabile. La concorrenza dei prodotti americani confina il cinema italiano o nell’ambito ristretto del film d’autore, o in una produzione di genere sempre più orientata a recepire linguaggio e contenuti della sempre più egemone comunicazione televisiva. Il linguaggio della televisione si impone infatti come la forma mediatica per eccellenza: in Italia proliferano le emittenti private, che offrono allo spettatore un’offerta sterminata di cinema a portata di telecomando. Cosı̀, dal 1975 in poi, nelle città come nei piccoli centri l’emorragia di spettatori è inarrestabile, molte sale chiudono o si convertono verso i pochi generi ancora capaci di garantire la sopravvivenza economica: il film a luci rosse e la commedia erotica. Le nuove commedie degli anni della crisi sono prodotti a basso costo e di bassissimo livello culturale che esprimono nel modo 119 più superficiale e volgare il volto nascosto di un’Italia apparentemente civile, ricca e progredita, ma in realtà qualunquista, approssimativa e inefficiente. In questi film, oggetto per altro di una recente (e discutibile) rivalutazione, il mutamento dei costumi, l’affermarsi di una morale sessuale più libera sono visti con gli occhi di eterni adolescenti, pronti alla battuta a doppio senso e allo scherzo pesante e segnati da un cameratismo aggressivo e infantile. Il numero di film prodotti diminuisce di anno in anno; molti di essi faticano a trovare una distribuzione o incassano cifre irrilevanti. Si afferma cosı̀ la grande distribuzione televisiva: sono la Rai e la Fininvest, il gruppo televisivo di Silvio Berlusconi, a finanziare un notevole numero di film d’autore prodotti dalla seconda metà degli anni Settanta. Complessivamente, comunque, il quadro è negativo, e molti giovani e validi autori vengono fermati dalle leggi del mercato e non riescono a firmare che uno o due film. Anche all’estero il prestigio del cinema italiano si appanna, anche se alcuni autori, come Bertolucci, Moretti e Fellini, e molti film, specialmente negli anni Novanta, riscuotono successi e riconoscimenti. La crisi economica del cinema italiano è inevitabilmente anche crisi espressiva e intellettuale. A livello di rappresentazione si riduce notevolmente il carattere sperimentale e la ricerca formale che aveva caratterizzato la cinematografia nazionale: il linguaggio e la sintassi della televisione conquistano il cinema e lo uniformano a un modello collaudato quanto semplificante. Sul piano ideologico, il cinema italiano sembra poi sempre meno capace di affrontare le grandi questioni storico-politiche del presente: sempre di più fatica a farsi strada l’idea che il regista sia un intellettuale capace di interagire con il suo tempo e di interpretarlo. 5.1 Nanni Moretti (1953) Insieme a Bertolucci, l’ultimo grande regista capace di proporsi come autore di livello internazionale, Nanni Moretti è sicuramente la personalità più significativa del panorama italiano degli ultimi decenni. Il suo esordio avviene nel 1976 con un film in Super8, Io sono un autarchico, in cui Moretti mette subito in luce la sua formazione autodidatta, il rifiuto delle convenzioni e una notevole dose di ironia ed egocentrismo (non a caso Moretti interpreta tutti i film da lui diretti). Moretti esprime il disagio della generazione cresciuta negli anni del terrorismo e della crisi della politica, la sua difficoltà nell’accettare le regole dei padri, nel condividere valori. Attraversa anni complessi e turbolenti, la vuota e superficiale euforia economica degli anni Ottanta, il disorientamento di chi aveva creduto in un’alternativa morale e politica, a lungo rappresentata in Italia dal Partito Comunista, e si ritrova senza punti di riferimento. Lo sbandamento generazionale, la ricerca solitaria di nuovi valori, l’incommensurabilità tra aspirazioni del singolo e rinnovamento sociale e politico sono i grandi temi di alcuni dei migliori film di Moretti, rivisitati con un gusto per le contraddizioni che spesso sfocia nel sarcasmo. Tra di essi citiamo La messa è finita (1985), il cui protagonista, un giovane prete bisognoso di impegno, assiste alla dispersione delle energie vitali e politiche della sua generazione, e Palombella rossa (1989), un film apertamente allegorico sulle sorti di un’alternativa politica in Italia, negli anni della crisi storica del sistema socialista nei paesi del blocco sovietico. La migliore stagione del cinema di Moretti è comunque quella degli anni Novanta, in cui il regista realizza tre film caratterizzati da una nuova ricerca stilistica 120 ed espressiva. In Caro diario (1993) la realtà viene osservata senza pregiudizi attraverso il filtro di un autobiografismo più maturo ed equilibrato. Il protagonista del film è lo stesso Nanni, rappresentato in tre episodi del proprio vissuto, in cui si ricostruiscono, sullo sfondo di una Roma estiva, di un viaggio alle Eolie e di una malattia, la storia sociale dell’Italia del dopoguerra, la cronica inefficienza del nostro welfare, e i cambiamenti antropologici dello stile di vita italiano. In Aprile (1998) l’autobiografismo si fa ancora più scoperto, e Moretti racconta la nascita del suo primo figlio, sovrapponendola al contesto politico del 1996 (la vittoria elettorale del centrosinistra guidato da Romano Prodi) e alle proprie vicissitudini professionali. Nanni scopre cosı̀ il primato della dimensione privata e del desiderio individuale, liberandosi dai doveri di regista militante e politicamente coinvolto e prefigurando un nuovo modello di impegno, basato sui valori della persona e sull’autorealizzazione del singolo. Aprile apre anche un’aperta polemica contro i dirigenti dei partiti di sinistra, accusati esplicitamente di incapacità, omologazione e disumanità, una polemica che avrà un seguito nell’impegno diretto del regista e nelle sue prese di posizione degli ultimi anni. La stanza del figlio (2001, Palma d’oro a Cannes) è il film più classico di Moretti, l’unico apertamente drammatico e forse il suo migliore. Raccontando la tragedia di una famiglia felice e libera, segnata dalla morte accidentale del figlio maggiore, Moretti propone una riflessione sulla precarietà dei valori e dell’equilibrio familiare, sul potere devastante del dolore, che non unisce ma separa i singoli, sulla solitudine e sulla problematicità del pensiero laico di fronte al dramma della morte. Nel 2006 Moretti realizza il suo ultimo film, Il caimano, la storia di un film sulla figura di Silvio Berlusconi, o, meglio, la storia della difficoltà e dell’incapacità di realizzare, in Italia, un film su un personaggio cosı̀ influente e politicamente ingombrante. Il fallimento della vita familiare del protagonista, un produttore cinematografico, la sua approssimazione professionale e la sua assai scarsa consapevolezza politica, divengono cosı̀ metafore dei limiti della maggior parte degli italiani, incapaci di avvertire i pericoli del berlusconismo. 5.2 Nuovi autori e tendenze Offrire una sintesi esauriente di un quadro vario e in costante evoluzione è sempre un’operazione problematica e riduttiva. Manca infatti il filtro temporale, e in ciò che è vicino appare spesso difficile distinguere ciò che riuscirà a sopravvivere alla selezione di un canone in continuo aggiornamento. Tentiamo qui di indicare, tra gli autori contemporanei, quelli che maggiormente ci sembrano avere espresso un’idea di cinema capace di confrontarsi con i modelli e di proporre poetica e tematiche di interesse e rilievo. 5.2.1 Gli anni Settanta e Ottanta Il gruppo di autori che si avvicina al cinema negli anni della crisi produttiva e della concorrenza televisiva appare in genere caratterizzato da un certo individualismo, dalla perdita del senso di appartenenza a un gruppo, dall’assenza di un’estetica condivisa. Il riacutizzarsi del conflitto sociale alla fine del decennio, la sconfitta dell’alternativa politica, il generale disimpegno degli anni Ottanta spingono gli intellettuali alla ricerca di percorsi individuali e spesso conflittuali. Anche il cinema 121 appare segnato da questo quadro e da una difficoltà comunicativa tra artista e spettatore: sempre più difficilmente si realizza il miracolo di un film d’autore, colto e formalmente non banale, capace di raggiungere il grande pubblico. Tra i registi che acquisiscono visibilità nel corso degli anni Settanta ricordiamo innanzitutto Roberto Faenza, già attivo negli anni della contestazione del 1968, e poi autore di adattamenti da testi letterari, ed Emidio Greco, un regista non molto prolifico, di solida preparazione intellettuale, molto attento alla messa in scena. Più capaci di conquistarsi uno spazio nel mercato appaiono Pupi Avati e Marco Tullio Giordana. Avati sceglie, proprio a partire dalla fine degli anni Settanta, la leggerezza della narrazione lineare e di tematiche quotidiane, rappresentate con nostalgia e tocco favolistico (Una gita scolastica, 1983; Regalo di Natale, 1986). Giordana mette in evidenza un legame con i classici più marcato e una poetica più ambiziosa, orientata alla fusione di narrazione epica, impegno politico e tematiche capaci di un confronto diretto col presente: il film d’esordio (Maledetti vi amerò, 1980) è uno dei pochi del tempo a fare i conti col terrorismo. Di Giordana ricordiamo anche Pasolini, un delitto italiano (1995), una ricostruzione appassionata dell’uccisione del regista, I cento passi (2000), un commovente ricordo di Peppino Impastato, un giovane intellettuale ucciso dalla mafia, e soprattutto la fortunata epopea di La meglio gioventù (2004), un ampio affresco sulla generazione che si è formata negli anni Sessanta, di cui si ricostruiscono, attraverso le vicende di una famiglia romana, ideali, compromessi, affetti e sconfitte. Gli anni Ottanta sono segnati da una nuova attenzione per la sceneggiatura e per la ricerca nella costruzione di personaggi e di dialoghi. Superati gli anni più difficili del conflitto sociale, ridottisi l’influenza e il condizionamento esercitati della critica militante, le energie creative scorrono via via più libere, dando l’impressione di un maggiore equilibrio e di un rapporto più organico con la realtà. Gianni Amelio è, dopo Moretti, l’autore più significativo tra gli esordienti degli anni Ottanta. Il suo primo film, Colpire al cuore (1983) ha l’ambizione di confrontarsi con il terrorismo, capovolgendo lo schema classico che vuole il padre conservatore e il figlio rivoluzionario. I film migliori di Amelio restano Porte aperte (1989), un adattamento dello splendido testo dell’autore siciliano Leonardo Sciascia, e soprattutto Il ladro di bambini (1992, Premio speciale della giuria a Cannes), storia di un viaggio attraverso un’Italia caotica e contraddittoria, girata con efficacia e rigore e sensibilità. Negli ultimi anni, dopo alcune prove meno convincenti, Amelio firma una nuova opera di grande efficacia, Le chiavi di casa (2004), in cui racconta con sobrietà ed equilibrio il difficile riavvicinamento tra un padre e il figlio disabile, sullo sfondo di un viaggio attraverso l’Europa. La fama di Giuseppe Tornatore appare legata al film che gli ha garantito un successo pressoché mondiale, e cioè Nuovo cinema Paradiso (1988, Oscar), un’epopea sullo splendore e sulla decadenza dell’arte della cinematografia. Anche in tutte le sue altre prove, Tornatore dimostra una notevole abilità affabulatoria e un controllo ottimale dei mezzi espressivi; la migliore, a nostro avviso, è Una pura formalità (1993). Anche Francesca Archibugi firma nel 1988, da esordiente, il film al quale è legata la sua carriera. Si tratta di Mignon è partita, una commedia sensibile e ottimamente girata, ironica, colta e nello stesso tempo leggera, secondo la lezione del regista francese François Truffaut. Altrettanto riusciti sono i suoi due film successivi, Verso sera (1990) e Il grande cocomero (1993): la Archibugi dà sempre alla 122 sua rappresentazione un taglio ad altezza d’uomo, realistico e, nello stesso tempo, poetico. Una prospettiva non dissimile anima alcuni film di Giuseppe Bertolucci, autore poliedrico, capace di lavorare a ottimi livelli sia nel documentario, che nella commedia, che nel film esplicitamente comico. Bertolucci è autore colto ma sempre capace di evitare l’appensantimento ideologico e formale, ironico e sobrio. Tra i suoi film migliori ricordiamo Segreti segreti (1984), Amori in corso (1989) e il precedente Berlinguer ti voglio bene (1977), il film d’esordio di Roberto Benigni, uno degli attori più conosciuti all’estero del cinema italiano contemporaneo, esordiente come regista nel 1983 (Tu mi turbi), e autore di molte fortunate commedie in cui sfrutta le proprie eccezionali doti mimiche e interpretative, con cui rilegge Chaplin piegandolo alle esigenze di un umorismo più esplicito, basato su una grande inventiva verbale. Tra di esse spicca La vita è bella (1997, Oscar, Premio speciale della giuria a Cannes), in cui il taglio leggero della commedia si sposa con grande equilibrio a una materia difficilmente avvicinabile dal genere comico, lo sterminio degli ebrei nel corso della seconda guerra mondiale. Negli anni Ottanta, molti altri autori italiani si cimentano nella commedia, il filone guida della nostra cinematografia, rivitalizzando e problematizzando un genere che, come abbiamo visto, aveva toccato momenti di insostenibile leggerezza e superficialità. Gabriele Salvatores è uno dei giovani registi che si affermano alla fine del decennio, con una fortunata e riuscita trilogia sul tema dell’amicizia maschile e del viaggio: Marrakesh Express (1989), Turné (1990) e Mediterraneo (1991, Oscar) rappresentano una tappa importante nell’immaginario della generazione dei “reduci”, ex contestatori, ora inseriti nel mondo adulto delle convenzioni borghesi, ma mai definitivamente assimilati. Esaurito il tema generazionale, Salvatores si volge a una produzione piuttosto eterogenea, caratterizzata da un forte sperimentalismo linguistico e da un notevole spaziare da un genere all’altro: ricordiamo qui il noir Quo vadis, baby? (2005). Più legati alla lezione di Moretti, con cui tra l’altro spesso collaborano, sono Carlo Mazzacurati e Daniele Luchetti, il primo volto alla rappresentazione attenta e sensibile della differenza culturale, dall’esordio di Notte italiana (1987) a Vesna va veloce (1996), e poi più orientato verso una comicità spesso grottesca e surreale, mentre il secondo appare più discontinuo e meno classificabile (di Luchetti ricordiamo comunque Il portaborse, del 1991, un piccolo capolavoro sul degrado politico dell’Italia degli anni Ottanta). Silvio Soldini, coetaneo di Mazzacurati e Luchetti, si afferma con L’aria serena dell’ovest (1990), un film a mosaico che intreccia le storie di vari personaggi, sullo sfondo di una Milano opulenta e disperata. Nella biografia artistica di Soldini non mancano film più orientati allo scavo psicologico (Brucio nel vento, 2002) e commedie (l’ottimo Pane e tulipani, 2000). Giuseppe Piccioni, dopo l’esordio di Il grande Blek (1987), una sorta di confessione generazionale, sembra piegarsi alle esigenze di una commedia più leggera (Chiedi la luna, 1991), per poi cimentarsi in prove più ambiziose e strutturate, come il riuscito Luce dei miei occhi (2001). Ricordiamo inoltre alcuni figli d’arte: Marco Risi, autore sospeso tra la commedia e il film di denuncia (Mery per sempre, 1989; Il muro di gomma, 1991), Cristina Comencini, autrice prevalentemente orientata verso la commedia, e la sorella Francesca, più dotata per la forma drammatica e per un cinema di denuncia sociale (Mi piace lavorare, 2004). Drammatica è anche la forma prediletta da Ricky Tognazzi, figlio del noto attore Ugo, il cui cinema appare sempre legato a un bisogno di chiarezza e di indagine 123 su vari aspetti della vita sociale e politica contemporanea (Ultrà, 1991; La scorta, 1993) fino al più complesso e riuscito Canone inverso (2000), raffinato adattamento dell’omonimo romanzo, centrato su una eccezionale storia d’amore. Un orientamento più apertamente comico hanno le opere di altri autori. Tra di essi spiccano, oltre al già citato Benigni, Carlo Verdone, che, partendo dalla rappresentazione di un personaggio-tipo (il bullo romano, interpretato dallo stesso autore; Un sacco bello, 1980), passa col tempo a una comicità meno episodica e televisiva, scegliendo i toni più soft della commedia malinconica. Di Massimo Troisi, regista e soprattutto attore, prematuramente scomparso, si ricordano la modestia e la grande abilità recitativa che ne hanno accompagnato la carriera, dall’esordio di Ricomincio da tre (1981) all’epilogo di Il postino (1994, regia di Michael Radford). Ricordiamo inoltre la comicità surreale e fiabesca di Maurizio Nichetti, vicina alla tradizione del cinema muto (Ratataplan, 1979; Ladri di saponette, 1989). Un discorso a parte meriterebbe infine la commedia commerciale, che negli anni Ottanta recupera terreno e soprattutto spessore rispetto alla tradizione trash del decennio precedente. Il filone Fantozzi (il personaggio dell’ “impiegato di massa”, interpretato da Paolo Villaggio), la serie dei cosiddetti “film di Natale”, commedie capaci di attrarre al cinema un pubblico assai numeroso in occasione delle festività invernali, mettono in mostra autori forse di non grande spessore filosofico ma di collaudato mestiere. Neri Parenti, Carlo ed Enrico Vanzina, Enrico Oldoini riutilizzano, spesso abusandone, il patrimonio della tradizione comica, dal muto alla commedia classica, riadattandolo alla specificità italiana e allo spirito dei tempi, segnati da una ricchezza senza cultura, volgare e approssimativa. 5.2.2 Gli ultimi anni Non sono pochi i film italiani che negli ultimi quindici anni sono riusciti ad ottenere consistenti riconoscimenti internazionali. Molti di essi li abbiamo ricordati nel capitolo precedente: i loro autori sono in genere gli esordienti dei precedenti decenni, giunti alla maturità espressiva e al successo internazionale negli anni Novanta. In quest’ultima sezione forniamo un quadro, anch’esso inevitabilmente sintetico e parziale, dei giovani autori che si sono recentemente imposti all’attenzione del pubblico e della critica. Legato a Moretti, produttore e attore del suo primo film (La seconda volta, 1994), è Mimmo Calopresti, regista con esplicite doti autoriali, capace di confrontarsi con i grandi temi pubblici della sua generazione (come ad es. il terrorismo) e con la problematicità della vita affettiva e sentimentale, delle scelte morali e private (La parola amore esiste, 1998; Preferisco il rumore del mare, 2000), sempre con un estremo rigore espressivo e una grande attenzione alla dimensione simbolica della messa in scena. Dalla recitazione provengono sia Sergio Rubini, autore di cui ricordiamo l’ottimo esordio La stazione (1990) e il recente La terra (2006), in cui la lezione della commedia si salda con l’affresco sociologico, che Michele Placido, attore di fama internazionale, il cui cinema appare caratterizzato da un forte legame con la tradizione dell’impegno civile e con le forme classiche della narrazione (Un eroe borghese, 1995). Un tratto significativo della cinematografia degli ultimi anni è la diversificazione regionale e la nascita di varie “scuole”. Tra di esse spicca quella napoletana, 124 il cui più significativo esponente è indubbiamente Mario Martone, autore proveniente dalla regia teatrale. I film di Martone si distinguono per la forte dimensione psicologica e drammatica; forma dell’esistenza sono per Martone il conflitto e il rimosso, la divisione interiore. Dal primo film Morte di un matematico napoletano (1992, Premio speciale della giuria a Venezia) al suo finora migliore L’amore molesto (1995), Martone sottrae Napoli alla rappresentazione turistica, facendone il luogo del dissidio interiore e dell’inconsapevolezza. Tra gli altri napoletani ricordiamo Antonio Capuano e Pappi Corsicato. Orientata verso il comico è invece la “scuola toscana”, i cui principali esponenti sono Leonardo Pieraccioni, autore di commedie romantiche e leggere (Il ciclone, 1996) e Paolo Virzı̀, più incline all’osservazione sociologica e alla sperimentazione linguistica, il cui miglior film resta il primo (Ovosodo, 1997), una sorta di ironico romanzo di formazione di un giovane adolescente livornese. Ancora sul fronte della commedia, da segnalare la produzione di Aldo, Giovanni e Giacomo, che, alla regia insieme a Massimo Venier, progressivamente hanno saputo liberarsi del carattere episodico della comicità televisiva, costruire testi più complessi e coesi sul piano dell’intreccio e proporre una parodia dei generi tutt’altro che superficiale (il loro miglior film resta La leggenda di Al, John e Jack, 2002). Nel corso degli anni Novanta si è conquistato un pubblico affezionato il regista italo-turco Ferzan Ozpetek. I suoi migliori film sono influenzati dalla provenienza geografica e dall’identità cultuale dell’autore (Il bagno turco, 1997), e attraversano i temi della memoria, del viaggio e dell’omosessualità, sempre ricorrendo a una scrittura affascinante e poetica, come soprattutto in La finestra di fronte (2003), la sua opera più conosciuta. Il panorama dei giovani autori italiani è indubbiamente molto ampio. Film convincenti sono stati girati da Daniele Vicari (Velocità massima, 2002), Paolo Sorrentino (Le conseguenze dell’amore, 2004), Daniele Gaglianone (Nemmeno il destino, 2004), Vincenzo Marra (Vento di terra, 2004) e da autori di maggiore esperienza, come Pasquale Scimeca (Placido Rizzotto, 2000), Davide Ferrario (Dopo mezzanotte, 2004) e Paolo Benvenuti (Segreti di stato, 2003). Due giovani autori sembrano infine aver raggiunto a pieno titolo una dimensione autoriale. I due film di Emanuele Crialese (Respiro, 2002 e Nuovomondo, 2006) ne hanno messo in rilievo le qualità compositive, evidenziando una scrittura epica e nello stesso tempo visionaria. Anche gli ultimi due film di Matteo Garrone (L’imbalsamatore, 2002 e Primo amore, 2004) si avvalgono di una messa in scena raffinatissima che sfrutta al meglio la dimensione fotografica e la ricerca cromatica, riuscendo a mettere a fuoco ambienti e personaggi di una contemporaneità fatta di contraddizioni, marginalità e disagio esistenziale. Complessivamente, il cinema italiano sembra dunque essersi lasciato alle spalle alcune stagioni poco felici, segnate dal dominio del codice televisivo, per recuperare, pur tra molte difficoltà, un suo percorso produttivo ed estetico capace di valorizzare la ricerca di autori sensibili e preparati. La diffusione, ormai sempre più capillare, delle multisale, finalizzate allo sfruttamento intensivo e in tempi brevi del film commerciale e caratterizzate da un consumo episodico e in genere piuttosto superficiale, sembra lasciare al cinema d’autore uno spazio minoritario, caratterizzato comunque da una vitalità che in ogni caso lascia ben sperare. 125 BIBLIOGRAFIA AA. VV.: Introduzione alla storia del cinema. Autori, film, correnti, a cura di Paolo Bertetto, UTET, Torino 2006. AA. VV.: Storia del cinema mondiale, a cura di Gian Piero Brunetta, Einaudi, Torino, 1999–2001. AA. VV.: Storia del cinema italiano, voll. 5–7–8–9–10–11–13, Marsilio, Venezia, 2002–2006. Brunetta, G. P.: Cent’anni di cinema italiano, Laterza, Roma–Bari, 1995. Di Giammatteo, F.: Storia del cinema, Marsilio, Venezia, 2005. Rondolino, G.: Storia del cinema, UTET, Torino, 2000. Stručné dějiny italského filmu: poetické směry, autoři, tendence Resumé Článek nabízí v hrubých obrysech obecnou charakteristiku rozšíření kinematografie v Itálii od průkopnických začátků přes úspěchy v druhé dekádě 20. století, kulturní politiku fašistického režimu až ke zlatému období po 2. sv. válce a ke krizi v osmdesátých letech. Cílem článku je dát čtenáři základní referenční text, na jehož základě by si vytvořil představu o vývoji italské kinematografie. Short History of Italian Cinematography: Poetic Movements, Authors, Trends Summary The article presents, in a concise way, a general view of cinema expansion in Italy, from its pathbreaking beginnings through its success in the 2nd decade of the 20th century, the cultural politics of the fascist regime, and the Golden Age after World War II, up to the crisis in the Eighties. The article’s objective is to provide the reader with a basic reference text via which he could gain an idea of the development of Italian cinematography. Alessandro Marini Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc République Tchèque [email protected] 126 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 L’origine et la signification des noms des personnages queniens Slavomír Míča 1 Introduction Après avoir esquissé dans une étude antérieure1 une typologie des personnages queniens, nous voulons nous intéresser davantage à la problématique du « personnage quenien », mais cette fois-ci nous aimerions la considérer d’un autre point de vue : les romans2 de Raymond Queneau sont peuplés – parfois même surpeuplés – de personnages.3 Non seulement y a-t-il les catégories dans lesquelles ils peuvent être répartis, mais il y a également un autre phénomène très intéressant que l’on peut analyser en décrivant le monde imaginaire quenien – les personnages et leurs noms. Ces derniers ont souvent des motivations et des sources d’inspiration divers. Cette étude se veut plutôt générale, elle ne fera que quelques exemples commentés et va plutôt esquisser plusieurs types de motivation des noms propres, les expliquer (ou bien essayer de les expliquer4 ) en allant plus en profondeur dans un ou bien deux exemples d’une catégorie concrète et puis donner d’autres exemples de la même catégorie avant de continuer avec la suivante. Tout d’abord, nous distinguerons deux groupes d’inspiration et d’origine des noms – intérieure et extérieure, avant d’accéder, vers la fin de l’article à une grande catégorie liée avec le jeu de langue. 1 Cf. Míča, Slavomír, « Typologie du personnage quenien », in : Studia Romanistica 6, Sborník Filozofické fakulty Ostravské univerzity č. 227, Ostravská univerzita, Ostrava 2006, pp. 167–176. 2 Cette étude sera consacrée uniquement à des personnages romanesques de Raymond Queneau. Il y a une possibilité d’élargir ce choix et de décrire tous les personnages apparaissant dans le monde imaginaire quenien (y compris l’œuvre poétique), mais ceci, à notre avis, compliquerait cette étude car les « personnages poétiques » n’apparaissent d’habitude que dans un ou bien deux poèmes, souvent très courts, et ne constituent donc pas notre centre d’intérêt. Certains apparaissent cependant autant dans la partie romanesque de l’œuvre quenienne que dans sa partie poétique et pourraient faire l’objet d’une comparaison, mais ceci ne sera pas l’objet de ce texte. 3 Les lecteurs intéressés peuvent se référer au magnifique Dictionnaire des personnages de Raymond Queneau par Pierre David. Ce livre est en effet un numéro spécial (3/4/5) de Lectures Raymond Queneau, imprimés par PULIM – Presses de l’Université de Limoges, Limoges 1994. 4 Parfois, il y a plusieurs théories à l’aide desquelles l’on peut décrire et expliquer un phénomène concret, mais parmi lesquelles il n’est pas possible de choisir celle qui est, pour ainsi dire, « juste». 127 2 Noms d’origine « extérieure » 2.1 À la surface des choses Une première catégorie de la motivation des noms propres est constituée par ceux qui sont motivés par des objets ou bien des phénomènes du monde extérieur. Il y a certains personnages dont les noms sont inspirés par les personnes célèbres ou moins célèbres, du passé ou bien de l’époque contemporaine pour l’auteur au moment où il écrivait un texte particulier. La catégorie des personnages dont les noms sont inspirés par un objet est représentée par exemple par Valentin Brû du roman Le Dimanche de la vie, un des personnages queniens assez notoriquement connus. Il n’en est pas de même de la source de son nom. L’une des explications possibles est le mot bru qui veut dire belle-fille en français moderne, et, écrit bruths, il signifie jeune mariée en gotique,5 la langue des Goths. En même temps, on ne peut pas trop penser à cette explication car nous avons ici un personnage de sexe masculin tandis que le mot est un nom féminin. Par contre, cette théorie est en effet confirmée par Valentin lui-même qui devient une voyante (et non pas un voyant ). Ainsi, peut-on aller jusqu’à la constatation qu’il n’a pas d’autre choix, car le choix opposé serait une contradiction vis-à-vis de la tradition qui veut que ce soient les voyantes, et non pas les voyants, qui prédisent l’avenir. Il existe encore une explication – celle concernant le rôle que joue Valentin et sa future femme Julia dans leur relation amoureuse. Leurs rôles se trouvent ici opposés6 à ceux traditionnellement répartis entre l’homme et la femme : Julia joue le rôle reconnu traditionnellement au galant – elle remarque Valentin, le choisit et fait toutes les démarches possibles afin de devenir sa femme. Mais son rôle actif et masculin fait de Valentin quelqu’un qui joue le rôle traditionnellement féminin – en acceptant celui de Julia, il devient de quelqu’un qui est introduit dans la famille du « galant » Julia, il devient un genre de « bru » masculine, ce qui expliquerait de façon la plus probable la provenance de son nom de famille. Faisons un petit détour thématique qui nous reconduira tout de suite vers le thème de la provenance du nom Brû : on connaı̂t très bien l’importance du balai et du balayage pour Valentin Brû. Il existait et existe divers genres de balais, entre autres balais de genêt ou bien balais de jonc. Sauf les deux, on peut trouver également des balais de bruyère dont le nom est souvent raccourci en « balais de brus ». Ici, on ne peut pas résister à l’idée un peu folle de faire un rapprochement entre le mot balais de brus et le patronyme de Valentin. Quant à l’inspiration des noms par des phénomènes, en particulier les phénomènes naturels, il y a par exemple Bélusine des Fleurs bleues, dont le nom (ou 5 Cf. entrée « bru », Le Petit Robert, Dictionnaires Le Robert – VUEF, Paris 1994, p. 267. N. B. le glissement du sens entre le mot gotique duquel la bru « moderne » française est issue, et ce mot moderne lui-même. 6 Ceci rappelle, inévitablement, les « rôles opposés » de certains personnages des Fleurs bleues, en particulier Yoland et Lucet – c’est-à-dire les hommes portant les noms féminins masculinisés – et leurs partenaires Bertrande et Sigismonde, qui vice versa, portent les noms traditionellement masculins qui sont féminisés. Nous mettons les mots « rôles opposés » entre guillemets car ce ne sont pas leur rôles de personnages qui sont opposés, ce n’est en effet que l’origine de leurs noms qui l’est. 128 bien plutôt le son de ce nom) rappelle une mélusine, d’autant plus que ce personnage féminin aime le chant. On ne peut pas oublier non plus La Balance (appelé également, par symétrie phonétique, Labal), qui est en effet un nom formé à partir de ses prénoms.7 Le nom de Labalance est un nom-symbole car ce personnage – concierge qui est en même temps un justicier pour Cidrolin. Il connaı̂t des détails du passé de Cidrolin que ce dernier veut cacher. Il est ensuite mort sous le poids de l’immeuble qu’il gardait : la balance, symbole de justice, meurt sous l’immeuble écroulé – la justice est donc morte, ne peut plus parler et dévoiler la vérité. La vie, les actes et le comportement d’un personnage correspond au niveau symbolique au symbole de l’objet dont le nom du personnage est issu et dont il est inspiré. Il existe non seulement les noms des personnages qui sont inspirés par les objets ou bien certains phénomènes ; il y a également ceux qui sont d’origine humaine, ce qui est montré dans la section suivante. 2.2 « La Comédie humaine » – et non seulement. . . Pour illustrer les personnages dont les noms ont une inspiration extérieure, mais «à source humaine », il y a tout d’abord Stéphe et Sthène, les deux chevaux du roman Les Fleurs bleues : en Stèphe, on reconnaı̂t traditionnellement Stéphane Mallarmé (« parce qu’il était peu causant »8 ), tandis que dans l’autre des deux chevaux, on voit irrévoquablement Démosthène (qui, en tant qu’orateur, s’entraı̂nait, d’après ce qu’on dit traditionnellement, en parlant avec les cailloux dans la bouche – le Démosthène quenien a un mors entre les dents). Notons un petit détail qui distingue les deux exemples qui viennent d’être cités : Démosthène porte le même nom entier que la personne qui inspire le sien tandis que Stèphe (Stéphane) ne porte qu’une paretie du nom entier de celui qui inspire le sien. À part les personnages dont les noms sont inspirés par les personnages historiques réels, il y a tout un groupe de ceux qui ne sont inspirés par eux, mais qui sont une incarnation littéraire « directe » de ceux dont les noms ils portent. Ceci ne veut pas dire que Queneau incorpore ces personnages dans les événements de ses romans ; pour la plupart d’entre eux, ils sont plutôt évoqués, mentionnés ou bien rappelés par d’autres personnages du même roman. Il s’agit par exemple d’écrivains (pour les écrivains français Victor Hugo, Guillaume Apollinaire, Charles Baudelaire ; et, par exemple, Joseph Conrad pour les écrivains anglais9), les politiciens (Georges Clémenceau, Bismarck), les rois et les membres de leurs familles (Saint Louis, Blanche de Castille), les philosophes (Auguste Comte, Michel Foucault), les hommes scientifiques (Marie Curie, Louis Pasteur), les acteurs et les actrices (Marlene Dietrich). Tous ceux apparaissent dans ses romans sans trop influ7 Louis-Antoine-Bénoı̂t-Albert-Léopold-Antoine-Nestor-Charles-Émile, L.A.B.A.L.A.N.C.E., sigle à partir duquel est formé son nom de la même façon que l’on a créé celui qui est commun à Cidrolin et au duc d’Auge du même roman : Joachim Olinde Anastase Crépinien Honorat Irénée Médéric, alors J.O.A.C.H.I.M. 8 Queneau, Raymond, Les Fleurs bleues, in: Godard, Henri (dir.), Raymond Queneau: Œuvres complètes, tome III – Romans II, Bibliothèque de la Pléiade No 530, Gallimard, Paris 2006. 9 Qu’on nous excuse de ne ranger cet écrivain que parmi les écrivains anglais, malgré son origine polonaise. Józef Teodor Konrad Nal˛ecz Korzeniowski a été né à Berditchev (Berdyčev en tchèque, Berduqev en russe et Berdiqiv en ukrainien), ville située aujourd’hui en Ukraine, mais ayant été une ville polonaire à sa naissance. 129 encer leur intrigue. Il faudrait mettre à part ceux qui sont philosophes et écrivains, comme Diderot dans Dimanche de la vie. Il y a également ceux dont l’inspiration des noms doit être découverte par le lecteur. Tel est le cas du personnage qui s’appelle Branleur. Sauf les connotations sexuelles, on révélera dans ce nom peut-être Édouard Branly.10 Cette révélation du nom originel d’une personne réelle ayant inspiré cette transformation ludique est «automatique» comme le nom Branleur apparaı̂t aux côtés de Pasty. Les deux noms sont donc mêlés dans une contrapèterie (Pasteur et Branly) et ce n’est que grâce à cet emplacement qu’on la reconnaı̂t assez facilement, de même comme l’identité confuse des deux personnages. Mais, comme c’est souvent le cas dans les œuvres queniennes, il existe également des exceptions : tel Dagobert11 du Chiendent qui n’est pas identique avec aucun des trois rois des Francs qui portaient jadis le même nom,12 de même comme Clovis du même roman n’est pas un des rois13 du même nom, mais tout simplement un garçon de treize ans, appartenant à la famille Belhôtel. Ceci est une exception à la règle, ce qui est d’ailleurs un procédé assez fréquemment utilisé par Queneau. 3 Noms d’origine « intérieure » Par le terme d’« inspiration intérieure », nous entendons les prénoms, les noms de famille ou bien les noms entiers dont la source d’inspiration se trouve directement dans la vie de l’écrivain. Ceci veut dire que certains gens réels, fussent-ce les gens des milieux culturel et littéraire ou bien ceux qui entouraient l’auteur dans sa vie quotidienne, apparaissent de cette façon indirecte,14 dans les romans de Raymond Queneau. Ceux qui connaissent bien Raymond Queneau ne seront pas surpris par la constatation que même ce personnage est d’une inspiration (auto)biographique – quand Queneau campait en Vendée dans un dépôt militaire durant son service militaire, il a eu, de même comme son futur personnage Valentin Brû, une crise spirituelle et mystique. Dans le chapitre XX du Dimanche de la vie apparaı̂t, dans une mention assez courte, le nom de Foinard, un « autre oisif de seconde classe, et curé dans le civil »15 . Foinard était un personnage qui approvisionnait Valentin en brochures destinées à « des esprits simples ». Selon Pierre David16 le nom de Foinard semble descendre de deux sources possibles qui suivent, peut-être des deux à la fois : en 10 Édouard Branly, physicien français (1844–1940). également Bébert. 12 Dagobert Ier , le roi des Francs (629–639) ou bien Dagobert II, roi d’Austrasie (676–679), Dagobert III, (711–715), roi des Francs, mais régnant en effet uniquement en Neustrie. 13 Clovis Ier (481–511), appelé roi des Francs, Clovis II, roi d’Austrasie, de Bourgogne et de Neustrie entre 639 (656) et 657, Clovis III (675–676), roi de Neustrie, Bourgogne et Austrasie oui bien encore Clovis IV (691–695), lui aussi roi des Francs (mais en fait uniquement en Neustrie), tous Mérovingiens. 14 Nous parlons ici d’une façon indirecte des personnages d’apparaı̂tre dans les romans car les personnages en question n’apparaissent pas dans les romans sous leurs vrais noms. 15 Queneau, Raymond, Dimanche de la vie, in : Godard, Henri (dir.), Raymond Queneau : Œuvres complètes, tome III – Romans II, Bibliothèque de la Pléiade No 530, Gallimard, Paris 2006, p. 548. 16 Cf. son monumental Dictionnaire des personnages de Raymond Queneau. 11 Appelé 130 campant en Vendée, Queneau rencontre un premier alter-ego de Foinard, se nommant en réalité Marcel Moré qui lui donnait un « missel expliqué portatif » et ils ont continué leur dialogue sur la spiritualité et la foi dans leur correspondance.17 Le deuxième alter-ego foinardien s’appelait Favereau, séminariste dans le civil (cf. la citation du début de ce paragraphe), qui était son compagnon de caserne, avec lequel Queneau entretenait « d’excellents rapports d’intelligence »18 et qui lui a offert une médaille.19 Foinard est un exemple typique du personnage quenien inspiré par les gens entourant Queneau dans la vie quotidienne. Les personnages qui se rangent dans cette catégorie sont très importants car ils créent un sous-groupe assez nombreux de personnages queniens. Mentionnons encore, pour les personnalités plus connues, Anglarès (dans lequel on reconnaı̂t traditionnellement André Breton), Odile (Janine Queneau) ou bien Vincent Tuquedenne des Derniers jours qui, ensemble avec Roland Travy d’Odile rappellent Raymond Queneau lui-même. On peut donc dire que ce que nous appelons l’« intégration de l’intérieur » dans les textes queniens est, d’un côté, une nécessité dont Raymond Queneau ne peut pas se passer, et de l’autre côté, un résultat logique qui s’ensuit de son caractère en tant qu’homme. 4 Le jeu de la langue, la langue du jeu Dans l’œuvre quenienne, il est très souvent question de jeux – plus précisément de jeux joués à la fois par l’auteur ainsi que par ses personnages eux-mêmes.20 4.1 Nom propre ou bien nom commun ? Tout d’abord, l’on peut déceler un jeu langagier (et grammatical) dont les exemples idéaux sont les personnages féminins de Lalix et de Lamélie (toutes les deux apparaissant dans les Fleurs bleues) ou bien les personnages masculins où c’est Hubert Lubert qui nous sert d’exemple. Tous les personages mentionnés semblent disposer d’un « l » initial inséré en début de leurs noms, le cas d’Hubert Lubert étant un cas à part car le prénom et le nom semblent répéter l’un l’autre, l’un avec l’article défini, l’autre sans lui : « Hubert L’Hubert ». D’autres jeux sont, eux aussi, d’origine phonétique. En se servant toujours de personnages tirés des Fleurs bleues, nous pouvons constater avoir trouvé dans ces noms des significations cachées. Ainsi, peut-on voir dans le nom de Cidrolin, l’un des deux personnages principaux du roman, une transcription phonétique des mots « si drôle, hein ? ». Le nom et l’expression citée se répondent parfaitement, à supposer que l’on prononce l’expression mentionnée en tant qu’un seul mot. correspondance a été publiée en 1987 dans le No 4–5 des Cahiers Raymond Queneau. David, Pierre, Dictionnaire des personnages de Raymond Queneau, numéro spécial (3/4/5) de Lectures Raymond Queneau, PULIM – Presses de l’Université de Limoges, Limoges 1994, p. 165. 19 Sur Favereau, cf. les Journaux (1914–1965), publiés sour la direction d’Anne Isabelle Queneau, Gallimard, Paris 1996, pp. 395 et 488. 20 Nous ne trouvons pas du tout que les personnages peuvent jouer à leur gré, motivés par leur volonté seulement ; mais, en délimitant les deux catégories décrites dans les chapitres 4.1 et 4.2, il nous était utile de choisir cette formulation. 17 Cette 18 Cf. 131 Cidrolin peut être accompagné de Sidonie Belhôtel qui, étant devenue l’un des symboles du Mal dans le roman Le Chiendent,21 prend – après cette transformation – le nom de Miss Aulini, donc une « traduction phonétique » du nom du dictateur fasciste italien Benito Mussolini.22 Si nous revenons encore une fois vers les Fleurs bleues, l’on ne peut pas ignorer le nom du duc d’Auge. Ce dernier arrive – en traversant les époques et les siècles – en 1789 où il lui faut, vu les circonstances historiques, changer de nom. Le procédé de ce changement « se déroule » de façon suivante : décomposition du patronyme Auge en une séquence au-g-e (à lire séparément [o], [g], [e]23 ), puis son renversement, comme dans un miroir, en la suite [e], [g], [o] qui prend la forme écrite d’Hégault.24 L’on ne peut malheureusement pas répondre à la question si ce dont nous parlons dans cette partie de l’article est tout simplement une intention de la part de l’auteur (une intention ayant du sens) ou bien un jeu de hasard ou bien encore un jeu de l’auteur avec son lecteur dans lequel l’auteur veut rendre la lecture plus énigmatique et ludique pour le lecteur. 4.2 Et si les personnages commencent à jouer eux-mêmes ? Comme nous avons suggéré plus haut, ce sont parfois les personnages eux-mêmes qui peuvent commencer à jouer avec les noms, le plus souvent avec ceux des autres personnages comme c’est le cas d’Icare, le héros principal du roman Le Vol d’Icare (1968). Icare change de nom (et en conséquence d’identité) suite à un malentendu entre deux autres personnages du même roman – Hubert Lubert et le déctective Morcol. Lubert, écrivain qui a perdu son personnage Icare, veut trouver ce dernier afin de pouvoir continuer l’histoire qu’il est en train d’écrire : HUBERT Je fais de mon mieux. Tenez voici dix louis et retrouvez-moi mon Icare vite. MORCOL Je vous accuse réception des dix louis et note son nom. Il écrit Nick Harwitt sur son carnet cependant que Lubert lui donne sa carte. [. . . ]25 Au moment où le détective note «Nick Harwitt» sur son carnet, le sage Icare de Hubert Lubert devient en effet un autre personnage bien qu’il ne soit perçu ainsi que par un seul autre personnage de ce roman. Mais revenons un peu : Icare, avant de devenir Nick Harwitt (bien que par coı̈ncidence), existe sous son nom qui vient, quant à lui, évidemment de la mythologie grecque. Pour voir le parallèle entre l’Icare de Queneau et l’Icare mythique, il suffit de consulter sa mémoire ou bien le dictionnaire qui décrit l’Icare mythique ainsi : 21 Auquel on réfère par tradition en utilisant le terme « roman en vers ». un changement phonétique léger consistant en l’alternance du « u » avec le « i ». 23 Nous utilisons ici l’alphabet phonétique international ; l’alphabet phonétique tchèque traditionnellement utilisé pour le français noterait plutôt [o.], [g], [e.] et [e.], [g], [o.]. 24 Mais, une fois que l’on en est en 1789, l’on peut penser également au mot «égal» dont le pluriel masculin « égaux » correspondrait phonétiquement, lui aussi parfaitement, à la prononciation du nom Hégault. 25 Queneau, Raymond, Le Vol d’Icare, in : Œuvres complètes, tome III – Romans II, Gallimard, Paris 2007, pp. 1 176–1 177. 22 Avec 132 Icare, en gr[ec] Ikaros. Fils de Dédale, enfermé avec lui dans le Labyrinthe par Minos. Évadé avec son père grâce aux ailes que celui-ci fabrique, il vole imprudemment si près du Soleil que la cire attachant les ailes sur ses épaules fond. Il tombe alors et s’abı̂me dans la mer qui, depuis, porte son nom.26 C’est surtout la première partie de cette entrée du dictionnaire qui nous fait penser immédiatement à Icare quenien – ce dernier est enfermé, lui aussi, dans un Labyrinthe27 par « son » Minotaure (Hubert Lubert28 ). Icare est un personnage dont l’identité change par accident, par incompréhension. Mais il y a aussi des personnages queniens dont l’identité change au cours d’une histoire concrète grâce à leur volonté, c’est un changement voulu : ainsi, par exemple, M. Brabbant des Derniers jours, devient M. Blaisolle, M. Dutilleul ou bien M. Martin-Martin. M. Brabbant choisit son identité selon la situation dans laquelle il se trouve. Ici, les noms n’ont pas de signification et d’inspiration concrète. Leur rôle est de résonner aimaiblement à ceux avec lesquels M. Brabbant est en contact dans une situtation particulière : il devient M. Blaisolle lorsqu’il se rend au café où il rencontre des gens et c’est sous la « masque » de ce nom qu’il commet son premier vol. Le nom de Blaisolle lui sert donc dans ce milieu. M. Dutilleul (Louis Dutilleul) est celui qui a son goût des femmes qu’il recherche chez Mme Dutilleul qui est l’amie, la confidente, l’ancienne maı̂tresse et l’entremetteuse de Brabbant-Dutilleul. Sauf les changements d’identité de personnages qui peuvent donc être involontaires (Icare) et volontaires (M. Brabbant), il y a également des personnages qui subissent une transformation d’identité suite à la volonté de l’auteur de ces romans, c’est-à-dire de Raymond Queneau lui-même. Ceci concerne en particulier les personnages des romans Gueule de Pierre (1934), Les temps mêlés (1941) et Saint Glinglin (1948). Les trois romans sont liés les uns avec les autres, en particulier les deux premiers, tout d’abord parus séparément, dont le texte a été fondu en un seul et qui ont ainsi formé Saint Gliglin. Ayant changé tout dans le roman qui suit les deux premiers, l’auteur a fait de même avec les noms des personnages. En guise de conclusion La liste de catégories avec les exemples les illustrant que cet article contient ne se veut pas exhaustive, l’on peut toujours trouver certaines catégories nouvelles en addition – ceci veut dire que l’étude en question ne représente que l’état actuel de nos recherches qui peuvent toujours élargir le nombre de catégories ainsi que leur profondeur. Le présent article ne se veut donc pas être une étude complète, mais, par contre, une étude d’ébauches qui sera complété par une étude postérieure qui précisera les catégories esquissées ici et les complétera par une liste exhaustive d’exemples, mais ce projet dépasse déjà les limites de l’article en tant que tel. 26 Le Petit Robert, op. cit., p. 1 045. mot, commençant par un l, peut nous faire penser à la l ittérature ou bien l’œuvre l ittéraire qui sont pour Icare quenien un Labyrinthe où il est enfermé, et voulant vivre en liberté (l iberté), s’en enfuit. 28 Est-ce donc une simple coı̈ncidence que le nom de famille de l’héros-écrivain du Vol d’Icare commence, lui aussi, par un l, rappelant ainsi discrètement que Hubert Lubert est celui qui crée le Labyrinthe pour Icare ? 27 Ce 133 BIBLIOGRAPHIE David, Pierre, Dictionnaire des personnages de Raymond Queneau, numéro spécial (3/4/5) de Lectures Raymond Queneau, PULIM – Presses de l’Université de Limoges, Limoges 1994. Delbreil, Daniel (dir.), Le personnage dans l’œuvre de Raymond Queneau, Presses de la Sorbonne Nouvelle, Paris 2000. Godard, Henri (dir.), Raymond Queneau: Œuvres complètes, tome II – Romans I, Bibliothèque de la Pléiade No 485, Gallimard, Paris 2002. Godard, Henri (dir.), Raymond Queneau : Œuvres complètes, tome III – Romans II, Bibliothèque de la Pléiade No 530, Gallimard, Paris 2006. Le Petit Robert, Dictionnaires Le Robert – VUEF, Paris 1994. Queneau, Anne-Isabelle (éd.), Journaux (1914–1965), « Collection blanche », Gallimard, Paris 1996. Původ a význam jmen hrdinů Raymonda Queneaua Resumé Článek se zabývá motivací vlastních jmen v románové tvorbě Raymonda Queneaua, známého kromě své oblibě v matematice a její aplikace na literární dílo rovněž jako autor mající v oblibě slovní hříčky. Vlastní jména jsou zde rozdělena do určitých kategorií, které jsou vytvořeny na základě jejich společné motivace, případně jiných společných znaků. Každá kategorie obsahuje jeden či dva příklady pro ni typické, které jsou hlouběji komentovány a vždy rovněž minimálně několik dalších, které ji dále ilustrují. Článek není vyčerpávající studií na toto téma, jeho cílem je obecně popsat předem definované kategorie a ukázat, jak může být v budoucnu doplněn podobnými studiemi. The Origin and the Meaning of Names of Raymond Queneau’s Characters Summary The article covers the motivation of proper names in the novels of Raymond Queneau, also known – apart from his pleasure of mathematics and its application to a literary text – as an author who likes playing with words and creating puns. Proper names are divided into certain categories which are based on common motivation of proper names, but also on other characteristic attributes they have in common. Each category contains one or two typical examples, which are commented on in greater detail, and also a couple of examples which further illustrate it. The article is not an exhaustive study of this topic; it is rather meant to describe 134 generally pre-defined categories and to show how it can be fully completed in the future by similar articles. Slavomír Míča Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc République Tchèque [email protected] 135 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 Escrituras del exilio en la narrativa Argentina comtemporánea: conflicto de discursos (en busca de las delimitaciones conceptuales y metodológicas) Daniel Nemrava El objetivo de este trabajo es presentar y analizar algunos conceptos relacionados con la problemática del exilio que constituye un eje temático de gran parte de la literatura argentina desde los inicios de su existencia, es decir, desde los principios del siglo XIX. En nuestro análisis nos referimos sobre todo a la creación literaria producida en su mayoría en los años 70 y 80 del siglo XX, en la época llamada dictatorial y postdictatorial. Se trata de textos escogidos de la narrativa argentina marcada y condicionada, en diferentes grados, por el contexto social y político de dicho período cuyo eje temático es el exilio y sus diferentes modalidades; o textos incididos por el tema de exilio y la búsqueda de identidad, es decir, textos en los que el tema de exilio se manifiesta tanto de forma explícita como implícita. Dentro de esta problemática es imposible evitar el contexto de diferentes niveles, tanto literarios como extraliterarios, en el que se formaron tales discursos narrativos. Para llegar a una visión más profunda de la narrativa del exilio que aparece en este período, y la explicación de sus características principales, consideramos como poco satisfactorio el análisis de las diversas estructuras textuales fuera de su contexto histórico, social y cultural. Discursos y contradiscursos: hacia un enfoque interdisciplinario Hemos dicho que el tema del exilio exige un enfoque más amplio, multidisciplinario. En el nivel textual, con tal de que utilicemos el evento comunicativo llamado discurso con el propósito delimitador en el sentido restringido, es decir, como texto,1 1 En cuanto al nivel textual del discurso, van Dijk en su análisis del discurso multidisciplinario, por ser la problemática tan compleja y ambigua, evita dar una definición exacta, por lo tanto no utiliza la distinción entre discurso y texto considerando los discursos como formas de uso de la lengua. En su análisis orientada socialmente parte del significado principal del término 137 consideramos inevitable la introducción de este concepto en el contexto2 más amplio de acuerdo con los criterios planteados para el corpus literario y para la mejor percepción de la situación en el campo literario considerado. Por ende, nos parece adecuada y aceptable la afirmación de José Javier Maristany de que «un texto que llamamos literario no aparece en el vacío sino en medio de una trama de discursos literarios o no literarios, con los cuales establece “necesariamente” relaciones. Las palabras, la materia prima utilizada, traen con ellas las huellas de otros contextos sociodiscursivos en los que habitaron o en los que habitan todavía. No pueden desprenderse de esta marca de su contexto de origen, el cual persiste y orienta los procesos semióticos».3 Por otro lado, analizando las características de la narrativa argentina en los años 70 y 80, más exactamente, durante los períodos pre-dictatorial (1973–1975), dictatorial (1976–1983) y post-dictatorial (desde 1983), frecuentemente, nos encotramos con términos como narración del Poder, ficción del poder o relato del poder, lo que nos lleva a la relativización de los límites entre la literatura y no literatura, es decir, al campo extraliterario que se sirve de conceptos y criterios literarios. Todorov habla de «sistema de géneros» en el que se organizan los discursos de una sociedad, lo que le permite analizar discursos no literarios con instrumentos tradicionalmente apolicados en análisis literarios: En una sociedad se institucionaliza la recurrencia de cierta propiedades discursivas, y los textos individuales son producidos y percibidos con relación a la norma que constituye esta codificación. Un género, literario o no, no es otra cosa que esta codificación de propiedades discursivas.4 Estas observaciones las ilustra el comentario irónico de Ricardo Piglia sobre la relación de la literatura con el poder del estado: Por momentos la ficción del Estado aventaja a la novela argentina. Los servicios de informaciones manejan técnicas narrativas más novelescas y eficaces que la mayoría de los novelistas argentinos. Y suelen ser más imaginativos.5 discurso, es decir, el significado primario extendido del término discurso que se definirá como un «evento comunicativo específico». Al utilizar significado primario más restringido «abstraemos la dimensión verbal del acto comunicativo oral o escrito de un evento comunicativo y usualmente nos referimos a esa abstracción como conversación o texto. Es decir, en este sentido se utiliza discurso más bien para referirse al producto logrado o en desarrollo de acto comunicativo, a saber, su resultado escrito o auditivo tal como se lo pone socialmente a disposición de los receptores para que lo interpreten. En este caso, discurso es el término general que se refiere a un producto verbal oral o escrito del acto comunicativo.» Dijk, T. van, Ideología: un enfoque multidisciplionario, págs. 246–247. 2 Van Dijk define el contexto como «. . . el conjunto estructurado de todas las propiedades de una situación social que son posiblemente pertinentes para la producción, estructuras, interpretación y funciones del texto y la conversación.» Íbid., pág. 266. 3 Maristany, J. J., Narraciones peligrosas. Resistencia y adhesión en las novelas del Proceso, pág. 12. 4 Todorov, T., Los géneros del discurso. Cit. por Maristany, J. J., Narraciones peligrosas. Resistencia y adhesión en las novelas del Proceso, pág. 35. 5 Piglia, R., Crítica y ficción, pág. 181. 138 Así Piglia pone en práctica mediante mecanismos literarios el proceso de lectura del discurso no literario: los dirigentes del Estado también crean, a través del discurso oral o textual, una realidad proyectando en sus «narraciones» sus propósitos ideológicos, ya que «los discursos político, jurídico, histórico, religioso, etc., nos cuentan todos ellos historias, no pueden escapar a la mise en intrigue, que implica una forma particular de encadenar los acontecimientos, de presentar los personajes, de trabajar el tiempo del relato y la instancia narrativa, una mise en intrigue que depende en última instancia de condiciones ideológicas».6 Al mismo tiempo, Piglia advierte que la situación política y los discursos hegemónicos o «relatos del Estado» no se reflejan en la narrativa sino que se reproducen en ella manteniéndo la literatura en «una tensión secreta» con el poder. Sin embargo, esta reproducción la debemos percibir no en el simple sentido literal reduciendo los discursos literarios en puras repeticiones de las ideologías dominantes, ya que la palabra autoritaria puede causar el desprendimiento del contexto artístico,7 sino también en el sentido de una nueva recodificación descentralizadora, abierta a otras interpretaciones. Desde este punto de vista, podemos resumir esta operación creativa de manera siguiente: los escritores en oposición al régimen, según sus relaciones con el ambiente y su posición social (exiliado, no exiliado), «leen» los relatos dominantes y los «reproducen», deformándolos y descentrándolos al mismo tiempo a su manera, aplicando múltiples estrategias narrativas en diferentes grados de figuración. El resultado es la construcción de una narración en otro nivel, diferente de la que produce el Estado, lo que significa al mismo tiempo el resurgimiento del nuevo discurso, llamémoslo contradiscurso, que, de cierta forma, entra en «diálogo» con otro.8 Con su observación, Piglia nos revela la existencia de una relación interactiva de carácter dialógico de discursos diferentes, muy intensa en la literatura argentina de la época. La relación o interacción de la literatura con el contexto extraliterario ya nos confirma Bajtin partiendo de la afirmación de que todo signo es ideológico por naturaleza y cuya enunciación (enunciado vivo) es condicionada por la interacción social.9 Refiriéndose al género novelesco y su relación con el contexto social, 6 Maristany, J. J., Narraciones peligrosas. Resistencia y adhesión en las novelas del Proceso, pág. 36. 7 «La palabra autoritaria no se representa, sino que, s[o]lamente, se transmite. Su inercia, su perfección semántica y su petrificación, su afectado aislamiento externo, el hecho de que rehace todo desarrollo libremente estilizante, excluye la posibilidad de una representación artística de la palabra autoritaria. En la novela, su papel es minúsculo. No puede ser esencialmente bivocal y formar parte de construcciones híbridas. Cuando pierde definitivamente su autoridad, se convierte, simplemente, en un objeto, en una reliquia, en una cosa.» Bajtin, M., Teoría y estética de la novela, pág. 160. 8 Sobre el carácter dialógico se habla en relación con el término transtextualidad. Sin embargo, Alfonso de Toro vincula este concepto con el proceso de transculturalidad: «[. . . ] en cuanto se trata del diálogo o de la recodificación de subsistemas y campos particulares de diversas culturas y áreas del conocimiento, sin que en este proceso se comience preguntando por el origen, por la autenticidad o la compatibilidad del empleo de unidades culturales provenientes de otros sistemas.» Toro, A. de, «Pasajes – heterotopías – transculturalidad: estrategias de hibridación en las literaturas latino/americanas: un acercamiento teórico», en: Aves de paso. Autores latinoamericanos entre exilio y transculturación (1970–2002), pág. 22. 9 «Un enunciado vivo, aparecido conscientemente en un momento histórico determinado, en un medio social determinado, no puede dejar de tocarmiles de hilos dialógicos vivos, tejidos alrededor del objeto de ese enunciado por la conciencia ideológico-social; no puede dejar de participar 139 Bajtin señala que «la novela es la diversidad social, organizada artísticamente, del lenguaje; y a veces, de lenguas y voces individuales. [. . . ] El discurso del autor y del narrador, los géneros intercalados, los lenguajes de los personajes, no son sino unidades compositivas fundamentales, por medio de las cuales penetra el plurilingüismo en la novela; cada una de esas unidades admite una diversidad de voces sociales y una diversidad de relaciones, así como correlaciones entre ellas (siempre dialogizadas, en una u otra medida). Esas relaciones y correlaciones espaciales entre los enunciados y los lenguajes, ese movimiento del tema a través de los lenguajes y discursos, su fraccionamiento en las corrientes y gotas del plurilingüismo social, su dialogización, constituyen el aspecto característico del estilo novelesco.»10 Dentro de esta problemática, ante todo en lo que atañe la relación del discurso con el concepto de la ideología,11 surge el tema de la responsabilidad del intelectual que naturalmente debería representar los valores morales en los tiempos difíciles dominados por idelogías totalizadoras. En Argentina este tema desembocó a principios de los años ochenta en una polémica en el nivel de la experiencia exílica entre los que se fueron y los que se quedaron, una polémica que a fin de cuentas resultó inútil, y no llegó a ninguna conclusión más profunda (véase, p. e., el intercambio epistolar de L. Heker y Julio Cortázar). José Carlos Mainer, hablando del intelectual en relación con el régimen franquista, resume su papel de manera siguiente: El intelectual —esto es, el escritor en cuanto catalzador de ideas sociales— piensa y siente por todos: su tarea es anticiparse, comprometerse, persuadirnos. Se equivoca muy a menudo porque opera en el territorio salvaje de los intereses políticos a los que quisiera aplicar categorías morales. Cuando ocurre así, no es fácil percibir que nos ha engañado porque, en rigor, nos ha hecho partícipes de su propio engaño.12 Para Mainer el discurso del escritor es una mezcla de «la biografía que tejen sus circunstancias y del destino que le esperaba en un momento en el camino.»13 El intelectual expone, a través de su literatura su vida y el camino que decidió tomar, exhortándonos que sigamos con él en este camino. Mainer utiliza el concepto de «narrativas de persusación» en la cuales distingue dos formas del relato: el de conversión y de arrepentimiento. Santos Juliá añade que las memorias de los intelectuales son bastante tramposas en este aspecto advirtiendo que es «una pobre guía para el conocimiento del pasado acercarse a sus biografías petrechados de categorías morales, como militantes de batallas para la recuperación de la memoria, activamente en el diálogo social. Porque tal enunciado surge del diálogo como su réplica y continuación, y no puede abordar el objeto proveniendo de ninguna otra parte.» Bajtin, M., Teoría y estética de la novela, pág. 94. 10 Íbid., pág. 81. 11 Sobre la relación entre la ideología y el discurso, van Dijk afirma: «[. . . ] la proyección ideológica en las estructuras del discurso es rara vez directa. Tiene lugar por medio de conocimiento y actitudes de grupo más específicos, la formación de modelos distorsionados de acontecimientos y contextos, la construcción de representaciones de significado y la expresión en formas variables y estructuras superficiales, en modos que son una función de muchas restricciones sociales y contextuales, de las cuales las creencias ideológicas son sólo un elemento.» Dijk, T. van, Ideología: un enfoque multidisciplionario, pág. 265. 12 Mainer, J. C., «Cadáveres en el armario», en: Babelia, núm. 777, El País, 14–10–2006, pág. 3. 13 Íbid., p. 3. 140 para exigirles cuentas, juzgarlos y condenarlos. A estas alturas no es la memoria que hay que recuperar es la verdad lo que hay que conocer.»14 Las observaciones y conclusiones sobre estas experiencias en el contexto europeo se pueden aplicar al contexto literario argentino. Sin embargo, también por razones arriba mencionadas, nuestro propósito no es una propuesta de análisis basada en la búsqueda de datos biográficos del escritor en su obra literaria, ni análisis del discurso literario desde el punto de vista estrictamente socio-político, es decir, de los modos de la proyección discursiva de tal o cual ideología, ni comparaciones de su literatura con las proclamaciones públicas. Además, dentro de los temas de exilio e identidad, la investigación a nivel exclusivamente socio-político nos llevaría a ciertas clasificaciones limitadas, conclusiones polémicas y superficiales, lo que ocurrió en varios estudios dedicados a la problemática; por ejemplo, el tema de la metaforización a menudo se relacionaba esquemáticamente con la condición socio-política del escritor, es decir, se consideraba el grado de la metaforización según su estatuto del exiliado (interno o externo). Por otro lado, a pesar de que las obras de autores Daniel Moyano, Héctor Tizón, Ricardo Piglia, Juan José Saer, Reina Roffé, Tununa Mercado, Juan Martini, Osvaldo Soriano y de muchos otros manifiestan cierto grado del compromiso político, mantienen una relativa autonomía creativa sin caer en simples tesis ideológicas, dejando a la vez un gran espacio abierto a la ambigüedad y múltiples interpretaciones de su propia verdad (o mentira). A propósito, en una conferencia, el escritor Mempo Giardinelli auto-irónicamente proclamó: Y como el arte de mentir es parte circunstancial nuestra, cabe defender el derecho a la buena mentira inocua de la literatura. Yo miento en mis libros, en la invención de mis personajes, en la geografía literaria que escojo para deformarla y jugar con ella como se me antoje. Y defiendo este derecho, porque en mi trabajo defiendo la vida y busco lo que me parece la verdad, y procuro combatir la imbecilidad empezando por la mía, que no me falta.15 Escrituras del exilio En primer plano, el concepto del exilio nos puede remitir directamente a la realidad extraliteraria de los escritores que sufrieron o siguen sufriendo cierto tipo de destierro, de un aislamiento concreto, una experiencia que posteriormente a su manera reflejan en la narrativa. Sin embargo, la problemática, como podemos ver en los textos mismos, no requiere necesariamente la condición de un referente concreto y restringido, de una experiencia del traslado geográfico de los autores en un momento de su vida. En su estudio dedicado al exilio interior de los intelectuales españoles después de la Guerra Civil Paul Ilie define el exilio como «un estado de ánimo cuyas emociones y valores responden a la separación y ruptura como condiciones en sí mismas. Vivir aparte es adherirse a unos valores que están separados de los valores predominantes; aquél que percibe esta diferencia moral y que responde a 14 Juliá, S., «Trampas de la memoria», en: Babelia, núm. 777, El País 14–10–2006, pág. 2. M., «Elogio de la mentira», en: Kohut, K.: Un universo cargado de violencia. Presentación, aproximación y documentación de la obra de Mempo Giardinelli, pág. 212. 15 Giardinelli, 141 ella emocionalmente vive en exilio.»16 En cuanto a diferentes modalidades del exilio, el escritor argentino Juan José Saer, en una entrevista, los resume brevemente destacando el papel importante que el exilio desempeña en la cultura argentina: Yo he dicho ya muchas veces que hay varias formas de exilio. Por empezar, un exilio forzado, es decir, cuando otros le imponen el exilio a uno, porque si no [. . . ] para poder defender su vida, sus bienes, su tranquilidad, su libertad de expresión, tienen que exiliarse. Voluntario, porque simplemente alguien no soporta el medio en que vive, y se traslada a otro, donde piensa que va a estar mejor. Hay un exilio exterior, pero también hay un exilio interior; [. . . ] Yo creo que en la literatura argentina la tradición de exilios interiores, exteriores, se justifica, está vinculada, está en relación con nuestra historia, que ha sido una historia muy tumultuosa, desordenada, violenta, por un lado. Al mismo tiempo, con nuestra sociedad, porque nuestra sociedad es una sociedad en la cual el artista no tiene un lugar preciso. Aparte, son muy pocos los artistas que aceptan el cargo de artistas.17 Hay que subrayar que esta clasificación no significa de nuestra parte un intento de creación y definición de un nuevo género o una corriente específicos. Esta categoría la entendemos como un concepto crítico operativo respecto a ciertos textos con características particulares. Hemos observado que hasta hoy la crítica no ha llegado a un consenso acerca de una definición definitiva y satisfactoria, ni siquiera a la denominación exacta, por la posibilidad de múltiples interpretaciones en diferentes niveles y desde diferentes puntos de vista que se ofrecen en este campo de investigación. Nosotros tomamos como punto de partida las observaciones de Andrés Avellaneda quien resume este tipo de escrituras dentro del contexto de la última dictadura militar en Argentina (1976-1983), experiencia que de manera considerable influyó en la narrativa de los años 70 y 80: En uno de los grandes temas ligados a la represión de la dictadura militar terrorista, el exilio, se prefirió espesar la complejidad de la escritura. Por tratarse de textos fuertemente ligados a experiencias personales abundan en ellos técnicas de efecto distanciador como el umbral emotivo alto, la descripción morosa de cuño objetivista, el armado intertextual, la mezcla de lenguajes épico-líricos, el desvío simbólico o alegórico, el esfumado de las categorías del relato. Un modo preferido de distanciamiento es el borrado de la anécdota, que no deja traslucir con facilidad la ubicación espacial y temporal, ni lo contextual y lo autobiográfico. [. . . ] los significados suelen concentrarse en un puñado de tópicos: el viaje inverso del descendiente de quienes antaño viajaron a la Argentina. El poder de estos significados reside sobre todo en el trabajo que hacen estos textos con la materia narrada.18 En su trabajo sobre exilio y traducción, Adriana Bocchino delimita la categoría señalando que «la cuestión fundamental [. . . ] está en la relación que puede llegar a establecerse entre una escritura y un desencadenante pensado como hecho social 16 Ilie, P., Literatura y exilio interior, pág. 8. A., La literatura expatriada. Conversaciones con escritores argentinos de París, 17 Gasquet, pág. 52. 18 Avellaneda, A., «Lecturas de la historia y lecturas de la literatura en la narrativa argentina de la década del ochenta», en: Bergero, A. J. – Reati, F., eds.: Memoria colectiva y políticas de olvido (Argentina y Uruguay, 1970–1990), pág. 162. 142 y político. En esta relación, observada como problema crucial, se constituyen estas escrituras [. . . ] los textos a partir de los cuales se puede hablar de una narrativa específica, fechable cronológicamente alrededor del ’76 en adelante, en Argentina, se constituyen sobre esta retórica particular de las escrituras del exilio, como matriz cultural: una matriz armada como zona de transformaciones, derivación y deslizamientos, físicos y linguísticos.»19 Hay que advertir que el tema del exilio resurgido por cincunstancias político-sociales no aparece en las obras incluidas necesariamente relacionado con la dictadura concreta sino en el nivel más general como tema univesal. Modos de representación En cuanto a las estrategias narrativas utilizadas en las escrituras del exilio, éstas son características por la riqueza y la complejidad de los procedimientos narrativos. En las novelas de Héctor Tizón, Daniel Moyano, Reina Roffé, Ricardo Piglia o Tununa Mercado encontramos, por ejemplo, el cambio del sujeto de enunciación, la pluralidad/fragmentación de voces narrativas, de diferentes puntos de vista y de niveles narrativos. No se trata, sin embargo, de un puro ejercicio narratológico. Todos los experimentos narratológicos pasan a concretarse en el nivel temático como uno de los modos de representación de la cuestión del exilio y la identidad. Por este hecho llegaríamos, dentro del análisis narratológico estructural, en muchos casos a conclusiones subjetivas sin poder evitar ambigüedades y hasta contradicciones. Otro aspecto significativo para la caracterización y especificación de las estrategias narrativas del susodicho período y para la problemática de la representación gira en torno a los recursos literarios dentro la teoría de la retórica discursiva. Relevante es la presencia de figuras semánticas (sobre todo de los tropos como metáfora, metonimia y alegoría), ya que lo que une gran parte de los textos es, según Beatriz Sarlo, la figuración del conflicto argentino: [. . . ] un grado de resistencia a pensar que la experiencia del último período pueda confiarse a la representación realista. Son textos que mantienen con ella una relación a veces distante, casi siempre oblicua y figurada en diferentes grados, desde la más directa relación metonímica hasta formas más complicadas de la alegoría y la metaforización.20 De las figuras retóricas destacamos la alegoría que es una de las manifestaciones literarias por excelencia de la época de una profunda crisis existencial en el sentido de crisis cultural y espiritual, es decir, uno de los mejores (y lógicos) medios de representar en el texto literario el momento crítico y el exilio que vive el escritor argentino. Idelber Avelar, al caracterizar algunos de estos textos a través del recurso de la alegoría, los vincula a la vez con la experiencia de la derrota: La rígida circunscripción espacio-temporal común a estos textos se analiza dentro de este marco: despliegan, al fin y al cabo, la pertrificación de la historia característica 19 Bocchino, A., «Escrituras del exilio y traducción», en: Bradford, L., ed.: Traducción como lectura, pág. 64. 20 Sarlo, B., «Política, ideología y figuración literaria», en: Ficción y política. La narrativa argentina durante el proceso militar, págs. 57–58. 143 de la alegoría. Esta inmanentización radical se vincula [. . . ] con la experiencia de la derrota, cuya réplica tropológica reside en el concepto de alegoría: derrota histórica, inmanentización de los fundamentos de la narrativa y alegorización de los mecanismos ficcionales de representación, serían teóricamente coextensivos, cooriginarios. [. . . ] el giro hacia la alegoría equivale a una transmutación epocal, paralela y coextensiva a la imposibilidad de representarse el fundamento último: derrota constitutiva de la productividad de lo literario, instalación, en fin, de su objeto de representación en cuanto objeto perdido.21 En otras palabras, consideramos que la alegoría es probablemente el mejor instrumento retórico capaz de crear relaciones entre la situación socio-política y el lenguaje, posteriormente codificado en historias parabólicas o elusivas, un instrumento adecuado para la ficcionalización del discurso no literario, de representar la historia «petrificada» (véase la petrificación de la palabra autoritaria en Bajtin). Una anécdota de Ricardo Piglia lo ilustra claramente: el autor, en la época de plena dictadura, después de regresar a Argentina de Estados Unidos, se ha fijado que durante su ausencia el gobierno militar cambió el sistema de señales de las paradas de los autobuses y en vez de viejos postes ha puesto carteles que decían Zona de detención: Tuve la impresión de que todo se había vuelto explícito, que esos carteles decían la verdad. La amenaza aparecía insinuada y dispersa por la ciudad. Como si se hiciera ver que Buenos Aires era una ciudad ocupada y que las tropas de ocupación habían empezado a organizar los traslados y el asesinato de la población sometida. La ciudad se alegorizaba.22 De esta manera se crea «una estructura que dice todo y no dice nada, que hace saber sin decir, que hace a la vez ocultar y hacer ver. Y el tipo de lenguaje, el uso estatal de la lengua. . . Ahí actuó el contexto de modo cifrado y enigmático, como pasa siempre. Todos sabemos lo que significaban las zonas en las que los militares habían dividido el país para que los grupos de detención actuaran libremente. En esta expresión se sintetiza una relación entre el lenguaje y la situación política.»23 A manera de concluir Resumiendo lo arriba dicho, según nuestra opinión, la lectura «transversal» o enfoque interdiscursivo nos permite observar desde la perspectiva horizontal el espacio de la tensión discursiva entre el mundo dominante del Estado y cierto sector literario que utiliza diferentes prácticas heterónomas, contradiscursivas. Por consiguiente, este enfoque contribuye a especificar y definir la condición exílica y marginada de esta literatura. Al mismo tiempo, nos ayuda a explicar la razón del resurgimiento y de la predominancia de los temas de exilio y búsqueda de identidad que, siendo presentes como temas principales en la literatura argentina desde siempre, en el período considerado cristalizan en su mayoría en forma de una fuerte figuración metafórica y al mismo tiempo bajo una construcción textual más profuda y compleja. 21 Avelar, I.: Alegorías de la derrota: la ficción postdictatorial y el trabajo del duelo, pág. 28. R.: Crítica y ficción, pág. 182. 23 Íbid., pág. 183. 22 Piglia, 144 BIBLIOGRAFÍA Avelar, I.: Alegorías de la derrota: la ficción postdictatorial y el trabajo del duelo. Editorial Cuatro Propio, Santiago de Chile, 2000. Avellaneda, A.: «Lecturas de la historia y lecturas de la literatura en la narrativa argentina de la década del ochenta», en: Bergero, A. J. – Reati, F., eds.: Memoria colectiva y políticas de olvido (Argentina y Uruguay, 1970–1990). Beatriz Viterbo, Buenos Aires, 1997. Bajtin, M.: Teoría y estética de la novela. Taurus, Madrid, 1989. Bocchino, A.: «Escrituras del exilio y traducción», en: Bradford, L., ed.: Traducción como lectura. Beatriz Viterbo Editora, Rosario, 1997. Dijk, T. van: Ideología: un enfoque multidisciplionario. Gedisa, Barcelona, 1998. Gasquet, A.: La literatura expatriada. Conversaciones con escritores argentinos de París. Ediciones UNL, Secretaría de Extensión, Universidad Nacional de Litoral, Santa Fe, (Argentina), 2004. Giardinelli, M.: «Elogio de la mentira», en: Kohut, K.: Un universo cargado de violencia. Presentación, aproximación y documentación de la obra de Mempo Giardinelli. Vervuert Verlag, Frankfurt am Main, 1990. Ilie, P.: Literatura y exilio interior, Fundamentos, Madrid, 1981. Juliá, S.: «Trampas de la memoria», en: Babelia, núm. 777, El País 14–10–2006, pág. 2. Mainer, J. C.: «Cadáveres en el armario», en: Babelia, núm. 777, El País 14–10–2006, pág. 3. Maristany, J. J.: Narraciones peligrosas. Resistencia y adhesión en las novelas del Proceso. Editorial Biblos, Buenos Aires, 1999. Piglia, R.: Crítica y ficción. Siglo Veinte, Buenos Aires, 1990. Sarlo, B.: «Política, ideología y figuración literaria», en: Ficción y política. La narrativa argentina durante el proceso militar. Alianza Editorial, Buenos Aires, 1987. Toro, A. de: «Pasajes – heterotopías – transculturalidad: estrategias de hibridación en las literaturas latino/americanas: un acercamiento teórico», en: Aves de paso. Autores latinoamericanos entre exilio y transculturación (1970– 2002). Iberoamericana/Vervuert, Frankurt am Main, 2005. 145 Exilová literatura v současné argentinské próze: konflikt diskurzů (vymezení pojmové a metodologické) Resumé Cílem práce je analýza některých pojmů spojených s problematikou exilu tvořící tématickou osu velké části současné argentinské literatury. Téma exilu je těsně spjato s identitou, proto považujeme za užitečné studovat literaturu z pragmatického pohledu, v jejím sociálním a politickém kontextu. Klademe důraz na vymezení základních pojmů, na komunikační napětí ve vztazích hlavních diskurzů a na základní způsoby zobrazení použitých v literárních textech se zvláštním zřetelem k metaforizaci. Exile Writing in the Contemporary Argentiniam Narrative: the Conflict of Discourses (in Search of Conceptual and Methodological Delimitations) Summary The subject of this investigation is the analysis of concepts united with the issue of exile, which forms a thematic axis of an important part of contemporary Argentinian literature. The topic of exile is closely united with the topic of identity; that is why we consider it necessary to study the selected literary works from the pragmatic point of view, i. e. in their social and political context. We pay attention to the delimitation of the basic concepts, to the relationships and tensions between the opposing discourses and to the main ways in which are represented these relationships in the literary texts of contemporary Argentinian prose, with the emphasis on a process of metaphorization. Daniel Nemrava Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc República Checa [email protected] 146 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 Ariel y Calibán. El pensamiento filosófico de José Ortega y Gasset en el contexto hispanoamericano Markéta Riebová Hace poco tiempo fue publicada la traducción checa de las Meditaciones del Quijote, una de las obras clave del filósofo español José Ortega y Gasset, conocida por la célebre frase: «Yo soy yo y mi circunstancia, y si no la salvo a ella no me salvo yo».1 La idea orteguiana de la «circunstancia»2 que enmarca e influye cada vida humana se desprende de su interés en la realidad concreta. Ortega fue uno de los primeros filósofos que abandonaron la creación de los sistemas filosóficos clásicos, interpretaron la existencia humana desde la realidad concreta y así acercaron la filosofía a la vida real. Con esta actitud suya el filósofo español se acercó a la filosofía hispanoamericana3 y las Meditaciones del Quijote fueron recibidas con mucho entusiasmo en Hispanoamérica. La idea de la «circunstancia» iba, además, unida con el perspectivismo que reconocía la validez y la necesidad del punto de vista de cada individuo así como la pluralidad de las culturas.4 Se trataba de postulados sumamente modernos para su tiempo. Sin embargo, en sus obras posteriores como La rebelión de las masas, Ortega cambió su mirada pluricultural por el paternalismo eurocentrista causando así una ola de desilusión entre los intelectuales hispanoamericanos. 1 Ortega y Gasset, J., Meditaciones del Quijote, pág. 30. idea de la «circunstancia» aparece ya en la primera obra de Ortega: Meditaciones del Quijote (1914); en La rebelión de las masas (1930), sin embargo, tiene un lugar importante también: «Circunstancia y decisión son los dos elementos radicales de que se compone la vida.» Ortega y Gasset, J., La rebelión de las masas, pág. 105. 3 Como afirma el filósofo mexicano Leopoldo Zea: «[. . . ] nuestros filósofos, lejos de entregarse a la meditación académica, a la creación de sistemas, tomaron de la filosofía europea el instrumental que necesitaban para resolver sus problemas y orientar una acción que era ineludible.» Zea, L., «Significado de la filosofía en la cultura de América», en: Filosofía y cultura latinoamericanas, págs. 18–19. 4 El tema del perspectivismo y de la pluralidad de las culturas está más desarrollado por Ortega en su ensayo El tema de nuestro tiempo (1923). 2 La 147 Ortega el Americano. . . a pesar suyo Aunque América no ocupe un lugar preeminente en la obra de Ortega, el filósofo español tenía, según sus propias palabras, una relación muy especial con América, sobre todo gracias a sus dos estancias en Argentina a principios del siglo XX durante las cuales fue recibido muy cordialmente. [. . . ] no podría escribirse mi biografía sin dedicar algunos capítulos centrales a la Argentina [. . . ] yo debo, ni más ni menos, toda una porción de mi vida —situaciones, emociones, hondas experiencias, pensamientos— a ese país.5 Esta relación, sin embargo, no fue inequívoca. El filósofo mexicano Leopoldo Zea la caracterizó del modo siguiente: «José Ortega y Gasset, alguna vez, declaró a nuestro Alfonso Reyes el agrado que tendría de ser apodado Ortega el Americano, como se dijo en la antigüedad Escipión el Africano. Y he aquí que por lo que su obra representó para nuestra América, la hispánica, Ortega merece este apodo; pero a pesar suyo».6 En su texto «Ortega el Americano» (1956) Zea explica la influencia fundamental que el perspectivismo de Ortega tenía en la filosofía hispanoamericana: los pensadores hispanoamericanos encontraron en sus textos Meditaciones del Quijote (1914), El tema de nuestro tiempo (1923) o el ensayo «Las Atlántidas» (1924) la confianza que necesitaban tan urgentemente. Si ante un problema queremos reaccionar a la europea, tenemos que desentendernos de la aspiración a lo absoluto y orientarnos no en el ideal transhistórico de verdad, sino en la línea histórica de los gestos europeos. Viceversa, si ante un problema buscamos su solución absoluta nos desentenderemos del módulo europeo e intentaremos muy deliberadamente, merced a una violenta reflexión, libertarnos de nuestro europeísmo. Esta reflexión que nos liberta de la limitación histórica es precisamente la historia.7 La visión orteguiana de la filosofía europea de la historia como filosofía de la historia europea les transmitió a los intelectuales hispanoamericanos el mensaje de que ningunos temas filosóficos guardaban más valor que otros y de que el casi centenario afán de los hispanoamericanos de entender su propia realidad, es decir, su propia circunstancia, tenía la misma validez como la tradición europea de la formación de los sistemas metafísicos. De este modo la base histórica de la filosofía postulada por Ortega elevó el pensamiento hispanoamericano (llamado así hasta aquel entonces) a la condición de filosofía. Otra contribución de Ortega a los filósofos hispanoamericanos está, según Zea, en la Revista de Occidente fundada por el filósofo español. Allí los hispanoamericanos encontraron la doble metodología que satisfacía sus propias necesidades. Primero, las traducciones de las últimas obras de la filosofía europea les mostraban cómo era posible deducir las realidades universales de las circunstancias concretas y viceversa, y, segundo, el proyecto europeo que Ortega ideó para España con el 5 Ortega y Gasset, J., «Por qué he escrito El hombre a la defensiva», en: Obras completas, pág. 69. 6 Zea, L., «Ortega el Americano», en: Filosofía y cultura latinoamericanas, pág. 105. 7 Ortega y Gasset, J., Las Atlántidas. Del Imperio Romano, pág. 57. 148 objetivo de occidentalización coincidía con el objetivo determinado ya largo tiempo en los países hispanoamericanos. Además, la filosofía orteguiana arraigó en el ambiente hispanoamericano también gracias a los discípulos de Ortega que emigraron a América a causa de la dictadura de Franco: los filósofos mexicanos, por ejemplo, encontraron a un excelente maestro en José Gaos quien descubrió similitudes entre el proyecto europeo para España creado por Ortega y el ensayo El perfil del hombre y la cultura en México (1934) de Samuel Ramos, y se dio cuenta de las similitudes entre la posición de España e Hispanoamérica ante el Occidente. Ortega por su parte nunca estuvo dispuesto a admitir tal paralelo. En esto estriba la afirmación de Zea que Ortega es americano «a pesar suyo». Le reprocha a Ortega que a pesar de la generosidad del perspectivismo, de la cálida recepción de éste en el suelo hispanoamericano y del mutuo acuerdo entre el filósofo español y los intelectuales hispanoamericanos acerca de la necesidad de la reintegración de los países hispanos a la cultura occidental, Ortega insiste en la superioridad espiritual de Europa (y así también de España) sobre América. Aunque precisamente su doctrina llevó a los hispanoamericanos a entender los objetivos españoles e hispanoamericanos como equivalentes, Ortega mismo nunca concedió a América lo que quiso ganar para España. En su relación hacia Europa Zea caracteriza a Ortega como a un español que «lucha por occidentalizarse, europeizarse»; en la relación hacia América, sin embargo, Zea ve a Ortega como a un europeo que «enjuicia nuestra minoría de edad e inmadurez, nuestro fondo de barbarie».8 Esta doble postura de Ortega la podemos demostrar en los siguientes dos fragmentos de su obra. Por un lado, Ortega como ciudadano español muestra en el «Epílogo para ingleses» de La rebelión de las masas su indignación ante la arbitraria interpretación de la Guerra Civil en España por parte de Inglaterra, Francia y los Estados Unidos, pide algún «gesto de gracia generosa» hacia España, y busca las razones de la mutua incomprensión entre las naciones del Occidente que, según él, han vivido juntas en una casa desde su niñez. Lo que más me ha sorprendido es la decidida voluntad de no enterarse bien de las cosas [. . . ] y lo que más he echado de menos, con respecto a España, ha sido algún gesto de gracia generosa, que es a mi juicio, lo más estimable que hay en el mundo [. . . ] adviértase que el uso de convertirse unos pueblos en jueces de los otros, de despreciarse y denostarse porque son diferentes, en fin, de permitirse creer las naciones hoy poderosas que el estilo o el carácter de un pueblo menor es absurdo porque es bélicamente o económicamente débil, son fenómenos que, si no yerro, jamás se habían producido hasta los últimos cincuenta años.9 Por el otro lado, sin embargo, el filósofo español adopta en sus ensayos sobre América la misma actitud que les reprocha a los ingleses, franceses y estadounidenses, es decir, enjuicia sin el afán de comprensión o la voluntad de enterarse bien de la realidad americana. A pesar de su tesis sobre el carácter histórico de la filosofía, Ortega percibe América con la mirada paternal del hombre europeo, ve un continente sin historia y sin experiencia real de la vida: 8 Zea, L., «Ortega el Americano», en: Filosofía y cultura Latinoamericanas, pág. 116. y Gasset, J., La rebelión de las masas, págs. 236–239. 9 Ortega 149 Acaso lo esencial de la vida argentina es eso —ser promesa [. . . ] La forma de existencia del argentino es lo que yo llamaría el futurismo concreto de cada cual. No es el futurismo genérico de un ideal común, de una utopía colectiva, sino que cada cual vive desde sus ilusiones como si ellas fuesen ya la realidad.10 Estas inmensas tierras nuevas que surgen de pronto en medio de una civilización muy adelantada, como es la del mundo actual, ofrecen un número tal de posibilidades que no hay manera de realizarlas cumplidamente.11 Como resume Anna Housková: «Si Ortega impresionó a Hispanoamérica por la historicidad de su filosofía, puede decirse que en sus propios ensayos sobre América paradójicamente abandona esta historicidad».12 Además, al hablar de la casa de vecinos donde viven juntas las naciones occidentales, Ortega prescinde del hecho de que aquella «vecindad» ya no está limitada solamente a Europa sino que comprende también a América y de que España y los países hispanoamericanos deberían funcionar en ella como los vecinos más próximos. Las expectativas hispanoamericanas de que Ortega iba a tratar de «enterarse bien» de la realidad americana, es decir, tratar de entenderla y comunicar con ella desde la igualdad hispana y no la superioridad europea tampoco se cumplieron. Ortega estaba dispuesto a enseñar pero no a escuchar y debatir. Consideró las naciones hispanoamericanas como naciones sin experiencia histórica y cultural y sin tradición y rigor intelectual,13 a pesar de que había allí bastantes intelectuales y obras ensayísticas que trataban temas afines con los de Ortega y había excelentes condiciones para el intercambio de opiniones. Comparemos por ejemplo la siguiente preocupación sobre la formación de América del cubano José Martí (Nuestra América, 1891): [. . . ] esta América si habría de salvarse, tendría que hacerlo con todo lo que en realidad era, con su violento pasado hispano, con sus indios, con sus mestizos. América tendría que salvarse con lo que es y con lo que ha sido. De otra forma quien se salvase sería un extraño.14 con la exigencia de Ortega (La rebelión de las masas, 1930): El pasado es por esencia revenant. Si se le echa, vuelve, vuelve irremediablemente. Por eso su única auténtica separación es no echarlo. Contar con él. Comportarse en 10 Ortega y Gasset, J., El Espectador VII–VIII., pág. 127. pág. 151. 12 Traducción mía. «Jestliže Ortega zapůsobil v Hispanoamerice historičností své filosofie, dá se říct, že ve vlastních esejích o Americe paradoxně historičnost opouští.» Housková, A., «Ortega a Amerika», Svět literatury 33, pág. 26. 13 «En el mundo hispanoamericano la mayor parte de los escritores es de tan liviana condición intelectual, tan poco enterada de las cosas y tan audaz para hablar de ellas, que es peligrosa la circulación de las personas un poco más cabales. Como en algunos pueblos bárbaros no se ha llegado aún a conseguir la seguridad personal, así en los nuestros acaece dentro del tráfico intelectual.», «La mente hispanoamericana, tan angosta, tan poco generosa y tan imprecisa [. . . ]» Ortega y Gasset, J., «Temas de viaje», en: El Espectador IV., pág. 489. 14 Martí, J., Nuestra América, en: Zea, L., «Dependencia y liberación en la filosofía latinoamericana», en: Filosofía y cultura Latinoamericanas, pág. 213. 11 Íbid, 150 vista de él para sortearlo, para evitarlo. . . Necesitamos de la historia íntegra para ver si logramos escapar de ella, no recaer en ella.15 Es evidente que el filósofo cubano anticipa una de las ideas clave de la obra de Ortega por tres décadas. La articula desde la experiencia y la historia americana tan cuestionadas por Ortega. A otros autores hispanoamericanos temáticamente cercanos a Ortega pertenecían el argentino Faustino Domingo Sarmiento con su interpretación de la pampa argentina en el Facundo. Civilización y barbarie (1845), o el arriba mencionado mexicano Samuel Ramos con su indagación sobre el carácter mexicano El perfil del hombre y la cultura en México (1934), para mencionar sólo algunos. Todavía en el «Epílogo para ingleses» Ortega subraya la necesidad de tener suficiente información en el momento de valorar una cultura diferente: [. . . ] cuando se trata de la opinión de un país sobre lo que pasa en otro. Es máximamente probable que esa opinión resulte en alto grado incongruente [. . . ] He aquí, pues, la primera causa de una inevitable incongruencia, que sólo podría contrarrestarse merced a una cosa muy difícil, a saber: una información suficiente. Como aquí falta la verdad de lo vivido, habría que sustituirla con una verdad de conocimiento.16 Pero en sus ensayos sobre Hispanoamérica el filósofo español «pasa por alto el pensamiento propio de los argentinos u otros hispanoamericanos» y el país americano lo interesa «solamente como objeto de su propia observación»,17 escribe en su estudio Anna Housková y continua: «Ortega defiende su perspectiva europea; no solamente el afán de abarcar teóricamente el principio, sino también su experiencia. La Meditación del pueblo joven pertenece a la experiencia de un extranjero que viaja».18 Si en el caso de la actitud orteguiana hacia Hispanoamérica había que sustituir a la «verdad de lo vivido» por la «verdad de conocimiento», ¿por qué el filósofo español no estaba dispuesto a «descubrir al país de los nativos»? Su actitud se parece a la de los conquistadores europeos hace siglos quienes al llegar a América no buscaban la renovación espiritual inspirada en la riqueza cultural de las civilizaciones autóctonas sino el espacio para la realización de sus propias utopías. ¿Cómo entender entonces la contradicción paradójica entre el perspectivismo orteguiano, la historicidad de la filosofía europea y la exigencia de la pluralidad de las culturas por un lado y su concepción eurocéntrica y paternal de la relación europea hacia Hispanoamérica y el resto del mundo por el otro? La respuesta a esta pregunta la encontramos en la teoría orteguiana de las élites y las masas. Y es que Ortega aplica esta teoría no solamente a los individuos dentro de una sociedad sino también a las diferentes civilizaciones o naciones dentro de la comunidad mundial. 15 Ortega y Gasset, J., La rebelión de las masas, pág. 146. pág. 262. 17 Traducción mía. «ignoruje vlastní myšlení Argentinců či jiných Hispanoameričanů» a americká země ho zajímá «jen jako předmět vlastního pozorování». Housková, A., «Ortega a Amerika», Svět literatury 33, págs. 26–29. 18 Traducción mía. «Ortega hájí své evropské hledisko; nejen snahu teoreticky postihnout princip, ale také svou zkušenost. Meditování o mladém národě patří ke zkušenosti cizince na cestách.», Ortega y Gasset, J., Meditación del pueblo joven y otros ensayos sobre América, en: Housková, A., «Ortega a Amerika», Svět literatury 33, págs. 26–29. 16 Íbid., 151 [. . . ] he intentado filiar un nuevo tipo de hombre que hoy predomina en el mundo: le he llamado hombre-masa, y he hecho notar que su principal característica consiste en que, sintiéndose vulgar, proclama el derecho a la vulgaridad y se niega a reconocer instancias superiores a él. Era natural que si ese modo de ser predomina dentro de cada pueblo, el fenómeno se produzca también cuando miramos el conjunto de las naciones. También hay, relativamente, pueblos-masa resueltos a rebelarse contra los grandes pueblos creadores, minoría de estirpes humanas, que han organizado la historia.19 Los maestros y sus discípulos La teoría orteguiana del hombre masa que forma el núcleo de La rebelión de las masas ha causado polémicas desde su publicación. Es innegable que mediante esta teoría Ortega acertadamente describió su época, y en muchos aspectos predijo los acontecimientos claves del siglo XX en Europa: la monstruosidad del fascismo y de los regímenes totalitarios comunistas, la falta de perspectiva en el nacionalismo, la integración de los países europeos ideada originalmente como defensa contra otros conflictos en Europa, los problemas de la sociedad de consumo. Con su preferencia del ideal del hombre individual que piensa y actúa independientemente ante el hombre masa, Ortega comprueba su pertenencia a la tradición de la cultura occidental. No obstante, al querer pasar de la descripción de los problemas expuestos a la búsqueda de sus soluciones, la teoría orteguiana se muestra como un callejón sin salida. El filósofo español considera que es imposible educar al hombre masa ya que éste es incapaz de opinar auténticamente y de respetar las reglas del diálogo. Aún más, Ortega ve en la educación parcial del hombre masa un considerable peligro para la sociedad. Pero [. . . ] ¿No representa un progreso enorme que las masas tengan ideas, es decir, que sean cultas? En manera alguna. Las ideas de este hombre medio no son auténticamente ideas, ni su posesión es cultura. [. . . ] Quien quiera tener ideas necesita antes disponerse a querer la verdad y aceptar las reglas de juego que ella imponga. No vale hablar de ideas u opiniones donde no se admite una instancia que las regula, una serie de normas a que en la discusión cabe apelar. Estas normas son los principios de la cultura.20 En la concepción orteguiana esto significa que es incesantemente necesario mostrarle a la masa su propio lugar y forzarla a obedecer a las élites. El filósofo contemporáneo catalán Eduardo Subirats subraya el carácter estático de la teoría diciendo que «Ortega no partía de una visión moderna de las tareas educativas del pensamiento».21 Subirats ofrece una interesante comparación de las ideas de Ortega con las opiniones del intelectual venezolano de la época de la Independencia, Simón Rodríguez, quien afirmaba que «[l]a misión de un Gobierno liberal es cuidar de Todos, sin excepción, para que. . . cuiden de sí mismos después, y cuiden de su Gobierno».22 El concepto de la sociedad ideada por Rodríguez es dinámico, cuenta 19 Ortega y Gasset, J., La rebelión de las masas, pág. 181. pág. 126. 21 Subirats, E., Memoria y exilio. Madrid: Editorial Losada, S. A., 2003, pág. 322. 22 Íbid., págs. 317–318. 20 Íbid., 152 con la educación de las masas por la élite y concibe esta educación como un proceso en el cual participan activamente tanto el maestro como los discípulos. Rodríguez sostiene que es posible educar al pueblo por lo menos hasta el grado necesario para el funcionamiento de la sociedad civil. A pesar de que Ortega entienda el afán de superarse como uno de los rasgos generales del ser humano, en realidad concede el papel activo en el proceso cognoscitivo solamente a los individuos excelentes, es decir, a la élite. La masa debe desempeñar siempre sólo el papel pasivo siendo gobernada por las élites. [. . . ] el hombre es, tenga de ello ganas o no, un ser constitutivamente forzado a buscar una instancia superior. Si logra por sí mismo encontrarla, es que es un hombre excelente; si no, es que es un hombre-masa y necesita recibirla de aquél. Pretender la masa actuar por sí misma es, pues, rebelarse contra su propio destino, y como eso es lo que hace ahora, hablo yo de la rebelión de las masas.23 Pero el destino —lo que vitalmente se tiene que ser o no se tiene que ser— no se discute, sino que se acepta o no. Si lo aceptamos, somos auténticos; si no lo aceptamos, somos la negación, la falsificación de nosotros mismos.24 Al pasar del nivel individual al nivel internacional, Ortega tampoco logra abandonar la dicotomía del maestro incuestionable (Europa) y de sus alumnos dóciles (el resto del mundo). Aunque todavía en «Las Atlántidas» escribe sobre la necesidad de abandonar la interpretación eurocéntrica del mundo y descubrir las capacidades de cada cultura para algún «tema vital»,25 ya en el capítulo llamado «Quién manda en el mundo» de La rebelión de las masas divide el mundo a la élite de las naciones grandes que hacen la historia y a las naciones masa cuyo deber es seguir a las primeras en todo pero que se resisten a aceptar tal papel. En tal caso Ortega las califica como indóciles, ya que según él deciden dirigir la sociedad sin capacidad para ello y se reservan «el derecho a no tener razón»,26 las considera hasta como peligrosos porque así quieren arrollar y suplantar a todo lo excelente. En los ojos de Ortega, el mando europeo sobre el mundo es claramente necesario. Europa ha aflojado su presión sobre el mundo. Pero el resultado ha sido contrario a lo que podía esperarse. Librada a sí misma, cada vida se queda en sí misma, vacía, sin tener qué hacer. Y como ha de llenarse con algo, se finge frívolamente a sí misma, se dedica a falsas ocupaciones, que nada íntimo, sincero, impone. [. . . ] No conviene, pues, embarcarse en la opinión trivial que cree ver en la actuación de los grandes pueblos —como de los hombres— una inspiración puramente egoísta. No es tan fácil como se cree ser puro egoísta, y nadie siéndolo ha triunfado jamás. El egoísmo aparente de los grandes pueblos y de los grandes hombres es la dureza inevitable con que tiene que comportarse quien tiene su vida puesta a una empresa [. . . ]27 Aceptaría que no mandase nadie si esto no trajese consigo la volatilización de todas las virtudes y dotes del hombre europeo. [. . . ] Si el europeo se habitúa a no mandar él, bastarán generación y media para que el viejo continente, y tras él el mundo todo, 23 Ortega y Gasset, J., La rebelión de las masas, pág. 164. pág. 153. 25 Ortega y Gasset, J., Las Atlántidas. Del Imperio Romano, pág. 55. 26 Ortega y Gasset, J., La rebelión de las masas, pág. 127. 27 Íbid, pág. 189. 24 Íbid., 153 caiga en la inercia moral, en la esterilidad intelectual y en la barbarie omnímoda. Sólo la ilusión del imperio y la disciplina de responsabilidad que ella inspira pueden mantener en tensión las almas de Occidente. La ciencia, el arte, la técnica y todo lo demás viven de la atmósfera tónica que crea la conciencia de mando. Si ésta falta, el europeo se irá envileciendo.28 Sin embargo, si la élite (el maestro) no debe influir a las masas (los discípulos) de otro modo que sólo mediante órdenes que deben ser dócilmente obedecidas, si debe ser vista sólo como ejemplo a seguir y no se interesa por la reacción que su actividad causa, el peligro de que la masa arrolla a la élite es real. En La rebelión de las masas Ortega mismo pone dos ejemplos de tal relación entre «el maestro y sus discípulos» que se derrumbó a causa de la intransigencia del «maestro» que fue finalmente suplantado por sus «discípulos». El primer caso habla sobre el derrumbe del Imperio Romano a causa de la incapacidad del hombre antiguo de abandonar «la dualidad de los gobernantes y los gobernados» y entender el estado como un «plan de empresa común».29 La única solución para el Imperio Romano fue, según Ortega, el plan de Caesar que desgraciadamente no se llevó a cabo: Quiere un Imperio romano que no viva de Roma, sino de la periferia, de las provincias, y esto implica la superación absoluta del Estado-ciudad. Un Estado donde los pueblos más diversos colaboren, de que todos se sientan solidarios. No un centro que manda y una periferia que obedece, sino un gigantesco cuerpo social, donde cada elemento sea a la vez sujeto pasivo y activo del Estado.30 En el segundo caso, Ortega explica la disolución del sistema colonial español con el hecho de que España no supo encontrar un proyecto común para el futuro común de sí misma y de sus colonias. Con los pueblos de Centro y Sudamérica tiene España un pasado común, raza común, lenguaje común, y, sin embargo, no forma con ellos una nación. ¿Por qué? Falta sólo una cosa que, por lo visto, es la esencial: el futuro común. España no supo inventar un programa de porvenir colectivo que atrajese a esos grupos zoológicamente afines. El plebiscito futurista fue adverso a España, y nada valieron entonces los archivos, las memorias, los antepasados, la patria.31 Igual que en el caso de Roma, España no fue capaz de entender su convivencia con las colonias como un «plan de empresa común» y como una «realidad dinámica», y se obstinó en mantener la «dualidad de los gobernantes y los gobernados». Esto lo corrobora también Leopoldo Zea cuando caracteriza la cultura española, europea y occidental, de los conquistadores y colonizadores ibéricos como el ejemplo por excelencia de una cultura mestiza que, sin embargo, no quiere permitir el mestizaje en el Nuevo Mundo: se considera superior y por ende no quiere asimilar otras culturas ni ser asimilada. Está preparada a integrar a los pueblos 28 Íbid., pág. 190. págs. 121–122. 30 Íbid., pág. 117. 31 Íbid., pág. 220. 29 Íbid., 154 de los territorios colonizados sólo bajo la condición de que éstos abandonen sus propias culturas.32 A pesar de los dos ejemplos de caída imperial expuestos por el mismo Ortega, el filósofo español insiste en la existencia de las naciones élite y las naciones masa y mantiene que las naciones masa no están preparadas para la colaboración ya que no quieren o no son capaces de cumplir las reglas europeas del diálogo y al mismo tiempo todavía no han formado un sistema de sus propias normas. No obstante, la evolución de la filosofía en el siglo XX mostró que no hay «verdad» ni «reglas del diálogo» que fueran únicas y que ninguna civilización tiene derecho a establecerlas.33 La exigencia de Ortega de que las naciones colonizadas crean primero su propio nuevo sistema de normas para reemplazar las viejas normas europeas es irrealizable. Ningún país puede radicalmente cambiar su estructura mientras esté colonizado; tiene que dejar de ser colonia primero y solamente después empieza el largo y difícil proceso de la creación de los valores y normas nuevas (como ha sido el caso de Hispanoamérica). Igualmente polémica es la afirmación de Ortega de que el egoísmo aparente de los grandes pueblos y los grandes hombres es la dureza inevitable de todos los que dedican su vida a una empresa.34 Esta afirmación se refleja en su interpretación de las cruzadas como «ejemplos maravillosos de lujo vital, de energía superabundante, de sublime deportismo histórico»,35 de la conquista española de América como «un magnífico salto predatorio sobre el área del mundo»36 y de la siguiente colonización de América como «lo único verdadera, substantivamente grande que ha hecho España».37 Aunque Ortega mismo admite que la idea del imperio colonial español finalmente no duró y explica las razones de tal fracaso, no puede abandonarla como muestran las siguientes palabras que escribió inmediatamente después del regreso de su primer viaje a Argentina cuando estaba más encantado con el país: Gracias a la independencia de los pueblos centro y sudamericanos se ha preparado un nuevo ingrediente presto a actuar en la historia del planeta: la raza española, un 32 Housková, A., Druhý břeh Západu, pág. 223. interpretar la historia moderna, el posmodernismo tiene una experiencia terrible con el mito de la unidad, de la interpretación unificada en nombre de ideas grandes. [. . . ] No existe ningún discurso oficial con el cual sería posible explicarlo todo. Metódicamente hay que respetar la polidiscursividad del conocimiento humano [. . . ] esto puede tener también consecuencias políticas y éticas. Una sociedad (por ejemplo Europa) ya no podrá usurpar el derecho de la interpretación del mundo y su exportación imperial.» Traducción mía. «Postmoderna má, při pohledu na dějiny moderny, katastrofální zkušenost s mýtem «jednoty», jednotného výkladu ve jménu velkých idejí. [. . . ] Neexistuje žádný univerzální výklad (diskurs), jímž by bylo možno zdůvodnit vše. Metodicky je třeba respektovat polydiskursivitu lidského poznání [. . . ] to může mít i politické a etické důsledky. Jedna společnost (např. Evropa) si už nebude moci osobovat právo na výklad světa a na jeho imperiální vývoz.» Welsch, W., en: Blecha, I., Filosofie, pág. 197. 34 Ortega y Gasset, J., La rebelión de las masas, pág. 189. 35 «Cruzadas, ejemplos maravillosos de lujo vital, de energía superabundante, de sublime deportismo histórico.» Ortega y Gasset, J., España invertebrada, pág. 103. 36 «Así, a fines del siglo XV se dispara súbitamente el resorte de la energía española y da nuestra nación un magnífico salto predatorio sobre el área del mundo.» Íbid., pág. 109. 37 «[. . . ] lo importante, lo maravilloso fue la colonización. [. . . ] Para mí, es evidente que se trata de lo único verdadera, substantivamente grande que ha hecho España.» Íbid., pág. 106. 33 «Al 155 España mayor, de quien es nuestra península sólo una provincia. [. . . ] En las páginas de El Espectador no se pone el sol.38 Por un lado, Ortega celebra la independencia de las naciones centro y sudamericanas y les concede la misma importancia como a la «provincia» de la península ibérica, por el otro lado, sin embargo, afirma que todas estas naciones serán partes de un todo, «un España mayor», y esta idea la apoya con la alusión al imperio español colonial sobre el cual «no se ponía el sol». Otra vez, entonces, trae las naciones hispanoamericanas bajo la tutela española. Para finalizar esta reflexión podemos afirmar entonces, que si más arriba hemos señalado la teoría orteguiana de las élites y las masas como la explicación posible de la contradicción paradójica entre el perspectivismo y pluralidad cultural orteguianos por un lado y su concepción eurocéntrica y paternalista de la comunidad mundial por el otro, ampliamos ahora esta explicación de manera siguiente. La falta de solución y el estatismo de la teoría de las élites y las masas estriba en el hecho de que se trata de una visión estética y no un análisis histórico y social de la sociedad española (europea). Como dice Eduardo Subirats: la relación entre masas y élites que Ortega propuso no puede considerarse ni sociológica, ni tampoco analítica. Era fundamentalmente retórica. Primero definió ontológicamente la masa como negación de lo trascendente. Paralelamente, la elite constituía la representación de todo lo que hay de sublime y excelso. Por consiguiente, la masa odiaba a la elite y se oponía a ella. Era un conflicto estético; o más bien se trataba del odio antiestético de los peores contra lo sublime y egregio. La masa estaba condenada natural u ontológicamente a ser masa, un agregado sin nombre ni forma, más bien definido por la decrepitud, el rencor y la miseria. Esta masa sólo podía regenerarse y redimirse a través de su plena y directa subordinación a los ideales ascéticos, trascendentes y sublimes que encarnaba la élite.39 La concepción orteguiana de la sociedad como la dicotomía de dos principios opuestos verdaderamente corresponde a la visión estética expresada en el contraste entre Ariel y Calibán: unos se superan constantemente mientras otros no se exigen nada; unos son activos, atrevidos y viven en constante tensión creadora y otros pasan por la vida al azar; unos son individuos excelentes y selectos con la capacidad natural para el mando mientras que otros son individuos inferiores capaces sólo de odiar todo lo que sea excelente. Ortega no admite ninguna otra opción. BIBLIOGRAFÍA Blecha, I.: Filosofická čítanka. Nakladatelství Olomouc, Olomouc, 2000. Blecha, I.: Filosofie. Nakladatelství Olomouc, Olomouc, 1998. Housková, A.: Druhý břeh západu. Mladá fronta, Praha, 2004. Housková, A.: «Ortega a Amerika», Svět literatury 33, 2006, págs. 22–29. 38 Marías, J. «El descubrimiento de América por Ortega», en: Acerca de Ortega, pág. 253. E., Memoria y exilio, págs. 314–15. 39 Subirats, 156 Marías, J.: Acerca de Ortega. Espasa Calpe, Madrid, 1991. Ortega y Gasset, J.: España invertebrada. Alianza Editorial, Madrid, 1997. Ortega y Gasset, J.: El Espectador VII–VIII. Revista de Occidente, Madrid, 1963. Ortega y Gasset, J.: La rebelión de las masas. Espasa Calpe, Madrid, 2005. Ortega y Gasset, J.: Las Atlántidas. Del Imperio Romano. Revista de Occidente, Madrid, 1960. Ortega y Gasset, J.: Meditace o Quijotovi. Host, Brno, 2007. Ortega y Gasset, J.: Meditaciones del Quijote. Espasa-Calpe, Madrid, 1982. Ortega y Gasset, J.: «Por qué he escrito El hombre a la defensiva», en: Obras completas IV, Alianza, Madrid, 1983, pág. 69. Ortega y Gasset, J.: Vzpoura davů. Naše vojsko, Praha, 1993. Subirats, E.: «Las élites y las masas», en: Memoria y exilio. 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Jedná se v ní tedy o kontrast vytříbeného a podřadného, Ariela a Kalibána. 157 Ariel and Caliban. The Philosophical Thought of José Ortega y Gasset in Hispanoamerican Context Summary The goal of our essay on the philosophical thought of José Ortega y Gasset, focused mainly on his works Meditations on Quixote and The revolt of the masses, is to demonstrate that Ortega’s vision of society as a dichotomy of an active elite and the passive masses can explain the philosopher’s paradoxical and problematic relation to Latin America. His concept of the world community as a dichotomy of great creative nations and mass nations comes out of his theory of the elite and masses. As a member of the “old culture”, Ortega y Gasset would always see in the Latin American nations only “pupils” that should let themselves be guided by their “teacher”: Spain or Europe. We are convinced that the nature of Ortega’s vision of society is above all aesthetic: it is a contrast between the excellent and the inferior, between Ariel and Caliban. Markéta Riebová Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc República Checa [email protected] 158 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 Especificidade da tradução musical nas canções infantis e o problema da cantabilidade Kateřina Ritterová Seminário da tradução da literatura portuguesa existente no nosso departamento já há dez anos abriu uma cooperação com Instituto Camões no caso do projeto da divulgação da cultura lusófona, neste caso trata se das canções infantis portuguesas e brasileiras. Saimos da colectânea „Pé ante Pé“ de doze canções para as criancas tanto tradicionais como artificiais. Trata se de colectânea da Real companhia composta pelos compositores e músicos de renomé como José Salgueiro. O nosso trabalho, ainda inacabado na totalidade excede já dois anos. É de notar que se trata do trabalho colectivo, algumas canções conseguimos traduzir durante duas aulas dum seminário, outras precisavam muito mais tempo. O mais diffícil era de manter a cantabilidade. Respeitar as sílabas tonais e átonas, não esquecendo o número das vogais abertas e fechadas, porque são nomeadamente as abertas que são cantadas por mais tempos. Não era possível de contar as sílabas do modo convencional na poesía, era preciso de ouvir a música várias vezes e fazer muitas observações e apontações e contar vogais cantados, que podiam ser por exemplo três na sílaba com uma vogal só (ro-o-o-sa): „Literární překladatel vystihuje karakter originálu, rozmanitost a bohatost jeho útvarů, jeho dikci, stylové a jiné zvláštnosti. . . Jinak překladatel hudební. Po formové stránce jsou proň v první řadě rozhodnutými požadavky hudební. Jeho překlad musí co nejvěrněji přilnout k dané hudební frázi, a pak teprve může být přihlíženo k ceně literární. . . Hudební překladatel musí mnohem více než překladatel literární přihlížet k snadné, hladké výslovnosti, vyvarovati se každého tvrdšího nahromadění souhlásek. . . 1 Outra tarefa essencial era a de diversificar as canções tradicionais e artificiais. No caso das tradicionais era de respeitar uma certa simplicidade e lado popular do vocabulário como por ex. no caso do refrém “don solidon”. Na pesquisa pormenorizada soubemos que no séc 13 existia, provavelmente um certo Don Solidon, um cavaleiro vadio, mas agora a trova já perdeu a sua marca histórica e é equivalente 1 Vymětal, Josef: Hudební překlady, in: Levý, Jiří: České teorie překladu, Praha 1996. 159 ao nosso “tralala” ou “týnom tánom”. Então optamos por “Don didi don” que segue mais ou menos a musicalidade mas não suscita as perguntas sobre o significado das palavras: Olha menina, don solidon Dívenko milá, don didi don Como vai bonita Jsi jak holubička Põe a mão na trança, don solidon Pozor na copánek, don didi don Não lhe caia a fita Padá ti pentlička Olha a menina, don solidon Dívenko milá, don didi don Como vai contente Jsi jak cherubínek Põe a mão na trança, don solidon Pozor na copánek, don didi don Não lhe caia o pente Padá ti hřebínek Olha a menina, don solidon Dívenko milá, don didi don Como vai airosa Jsi jak rozmarýnka Põe a mão na trança, don solidon Pozor na copánek, don didi don Não lhe caia a rosa Padá ti květinka Olha a menina, don solidon Dívenko milá, don didi don Com o seu raminho Jsi jak letní duha Põe a mão na trança, don solidon Pozor na copánek, don didi don Segura o lacinho. Ať nespadne stuha Em alguns casos era preciso de se livrar duma sensação da simplicidade exagerada que fazia pensar as canções infantis checas como por ex. „Halí belí koně v zelí“: Ó,ó,ó, menino ó Ó, ó, ó, mé děťátko, Teu pai foi ao eiró Táta je tu zakrátko Tua mãe a borboleta Maminka šla na motýlky Logo te vai dar a teta Dá ti mlíčko během chvilky Ó,ó,ó, menino ó Ó, ó, ó, mé děťátko Teu pai foi ao eiró Táta je tu zakrátko Com uma vara de aguilhão Na kance má velkou dýku Pra matar o perdigão Uloví ho v okamžiku. No caso das canções artificiais era às vezes muito diffícil respeitar a rimática do original – era muito atípica para as nossas costumes. Aqui no caso da canção Maravilha da autoria do famoso José Afonso é ABCDBD AEFEGHFH: Maravilha, maravilha To je krása, to je krása Venham ver o barco doido Pluje loďka bláznivá 160 Sem amarras que o segurem Nemá lana, nemá kotvy, Pela porta entra a maré Příliv vpadne do dveří Venham ver o barco doido Pluje lodička bláznivá Água cai pla chaminé Voda teče do peřin. Maravilha, maravilha To je krása, to je krása, Já vejo os móveis dançar Židličky už tancují Entra água pela porta Do dveří se valí voda O telhado vai tombar Tašky se střech padají Quando mar se enfurece Když je moře rozbouřené Andamos em rodopio Do kolečka tancujeme Sobre caminhos de prata Po stříbrných cestách padá Correm lágrimas a fio Šňůrka slz, co navlečeme. Na estrofe „Když je moře rozbouřené devia ser „Když je rozbouřené moře para que a rimática seja respeitada mas preferimos a beleza e cantabilidade da versão checa ao fidelidade ao padrão português. O problema quase oposto surgiu na canção brasileira de Toquinho e Mutinho „Caderno . Podemo-lo caracterizar por: muitas palavras por um tempo só. Precisamos muito tempo para aprendermos tudo (versos e música) de cor, ouvir muito a música e tentar de cantá-la em checo palavra por palavra quase sílaba por sílaba: „Hudební překladatel. . . nepracuje volně dle předlohy, nýbrž vyplňuje tuto danou, do poslední čárky vypracovanou formu slovním materiálem, zrovna tak, jak se dělají sádrové odlitky.2 Sou eu que vou seguir você Víš, budu vždycky s tebou Do primeiro rabisco até ao bêabá Když čárky nesmělé na písmenka proměníš Em todos os desenhos coloridos vou estar Budu každým z tvých obrázků, co vybarvíš A casa, a montanha, duas nuvens no céu Horou, údolím, mrakem jak od malíře E um sol a sorrir no papel Směje se slunce na papíře Sou eu que vou ser seu colega, Víš, já budu tvůj kamarád Seus problemas ajudar a resolver Který tě bude znát a ví, jak tě má potěšit Te acompanhar nas provas bimestrais, você vai ver Až z pololetních zkoušek těžkou hlavu budeš mít Serei de você confidente fiel, Ve mně najdeš vždy věrného rytíře, Se seu pranto molhar meu papel Když tečou tvé slzy po papíře 2 Ibid. 161 Sou eu que vou ser seu amigo Víš, já budu tvým přítelem Vou lhe dar abrigo, se você quiser U mě nalezneš klid, kdykoli budeš chtít Quando surgirem seus primeiros raios de mulher Až přijde čas malé děvčátko v ženu proměnit A vida se abrirá num feroz carossel Život se roztočí a ty v nové víře E você vai rasgar meu papel Zničíš vše, co bylo na papíře O que está escrito em mim To, co je ve mně zapsáno Comigo ficará guardado, se lhe dá prazer Tajemstvím zůstane, jak dlouho budeš chtít A vida segue sempre em frente, o que se há de fazer A život půjde dál, ať cokoli se bude dít Só peço a você um favor, se puder: Zbývá však jedna věc, jestli smím poprosit: Não me esqueça num canto qualquer Prosím, nechtěj mě nikdy zahodit Última canção que aqui queremos citar é uma das preferidas de todas as tradutoras do seminário, da autoria de Fernando Perreira e Teresa Heitor que deu o nome a toda colectânea: “Pé ante pé”. Aqui as exigências da forma musical não eram tantas, por isso podiamo-nos concentrar na beleza dos versos. Vou devagarinho, vou devagarinho Půjdu pomalounku, půjdu pomalounku Em busca de ti Budu tě hledat Vou de olhos na Lua Pomůže mi luna Que no céu sorri Na nebi bledá Levo-te uma vela, levo-te uma estrela Přinesu ti svíčku, třpytivou hvězdičku Pra te iluminar Ať ti zazáří Nesta noite escura Do krásného snění Pra poderes sonhar Na tvém polštáři Pé ante pé, pé ante pé Jdu po špičkách, jdu po špičkách Vou devagarinho Půjdu pomaličku Pé ante pé, pé ante pé Jdu po špičkách, jdu po špičkách Sigo este caminho Hledám svou cestičku. Levo-te uma pauta, levo-te uma flauta Přinesu ti píseň, co zaplaší tíseň Pra te celebrar Ty se usměješ Quando o Sol nascer Až se vzbudí slunce Pra poderes brilhar Celá rozkveteš 162 Levo-te uma flor e um regador Přinesu ti kvítí, vodu na zalití Pra veres florir Ať ti rozkvétá Para veres crescer Ať vidíš jak roste E poderes sorrir Ať jsi veselá Pé ante pé, pé ante pé Jdu po špičkách, jdu po špičkách Vou neste caminho Znám už svou cestičku Pé ante pé, pé ante pé Jdu po špičkách, jdu po špičkách Sigo com carinho Jako po peříčku Pé ante pé, pé ante pé Jdu po špičkách, jdu po špičkách Sigo com carinho Jako po peříčku Pé ante pé, pé ante pé Jdu po špičkách, jdu po špičkách Sei que vou sozinho Půjdu sám chviličku Trago o peito cheio, de sonho e receio Mé srdce se směje, úzkostí se chvěje De te procurar Že se hledáme De olhar e não ver Že oči nepoznají Quando te encontrar Až se setkáme Dou-te meu sorriso, dou-te meu olhar Dám ti pousmání, očí zamrkání Dou-te a minha mão Dám ti ruku svou Pra poderes guardar Ať navždy zůstaneš O teu coração Jen sama sebou Pé ante pé. Pé ante pé Jdu pošpičkách, jdu po špičkách Sei que vou sozinho Půjdu sám chviličku Pé ante pé, pé ente pé Jdu po špičkách, jdu po špičkách Vou devagarinho. Půjdu pomaličku. Só para completar a nossa apresentação e talvez também para justificar algumas imperfeicões de aparência, queremos aqui, no fim do artigo, mais uma vez citar Josef Vymětal: „Není obtížnějšího úkolu pro spisovatele a stylistu, jenž se tu musí ukázati jako mistr slova. . . a zároveň je třeba, aby byl jemnocitným hudebníkem. Cenu jeho dovede ovšem posouditi jen ten, kdo překlad poslouchá, a ne ten, kdo jej v knize pouze čte. Snad mi někdo namítne, že i hudební překlad musí se dáti čísti. Ovšem. Ale nesmí se v tomto směru činiti nemírné požadavky. . . Bude tedy při posuzování hudebního překladu záležeti na tom, kdo čte a jak čte. Chce-li se kdo pobaviti krásou formy, ať po hudebním překladě prostě nesahá, ten k tomu určen není. A kdo umí čísti se zřetelem k hudbě, tomu různá literární gravamina‘ vaditi nebudou.3 ’ 3 Ibid. 163 Todas as estas traduções produziam-se durante quatro semestres de Seminário da Tradução com participação activa das seguintes estudantes: Klára Bachurková, Tereza Puhačová, Alena Beránková, Kateřina Divišová, Jana Čepeláková-Polívková, Anna Illovská a Věra Matysíková. Problematika překladu dětských písní a jeho základní požadavek – zachování zpěvnosti Resumé Článek představuje výsledky práce Překladového semináře portugalské sekce. Jedná se o projekt podporovaný Institutem Camões, totiž překlad sbírky dětských písní Pé ante Pé (Po špičkách). Je zde ocitováno pět z dvanácti překládaných písní, vždy se stručným komentářem. Problems of the Translation of Lullabies and Nursery Songs Summary The article presents translations realized within the Translation seminar of the Portuguese section. The translations of the collection of lullabies and nursery songs Pé ante pé (Po špičkách) were carried out within a project supported by Instituto Camoes. The article includes five of the twelve songs, each of them being briefly commentedon. Kateřina Ritterová Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc Republica Checa [email protected] 164 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 Liolà di Luigi Pirandello e la sua fortuna scenica in Italia Jiří Špička La commedia Liolà è un testo particolare tra le opere teatrali di Luigi Pirandello. Rappresentata in dialetto di Girgenti, poi in lingua, dimenticata e riscoperta, tradotta in numerose lingue, vista ora come un’anomalia nel raziocinante pensiero di Pirandello, ora come un’applicazione irregolare dei soliti motivi delle sue commedie, risulta da diversi decenni una delle più rappresentate e amate commedie del drammaturgo agrigentino. Pirandello ha scritto Liolà in breve tempo tra il 20 agosto e il 10 settembre 1916, alternando il lavoro con la stesura di un’altra commedia, Il berretto a sonagli, originariamente destinata a Musco per l’apertura della successiva stagione. Musco ha però preferito Liolà e Il berretto a sonagli è stato messo in scena solo alla fine della stagione. Per la prima volta Pirandello dà notizia di Liolà nella lettera al figlio Stefano datata 20 luglio 1916, in cui scrive che ha promesso a Musco una nuova commedia, che ci sta lavorando e che essa si intitola Liolà. Da un’altra fonte, il carteggio con Martoglio, si ricavano notizie sulla difficile comunicazione tra il drammaturgo e Musco all’inizio della stagione.1 Quest’ultimo aveva deciso di portare Liolà in scena nel periodo in cui Pirandello ha ormai cominciato un periodo di esami e non ha potuto seguirne da vicino la preparazione. Lo stesso Musco non riuscı̀ a presentare la commedia per la data prevista del 27 ottobre, tra l’altro per la malattia del suggeritore. Pirandello riuscı̀ a vedere l’allestimento scenico solo alla prova generale nel giorno della prima, il 4 novembre, quando litigò con Musco e cercò di vietargli la rappresentazione. La sera comunque la commedia ottenne un discreto successo, anche se poi ebbe solo quattro repliche. Il pubblico si smarriva nello stretto dialetto di Girgenti e la critica era insicura se intendere la commedia, per la sua trama improbabile, solo come uno scherzo, come un bozzetto folcloristico o come qualcosa di più. Alla recensione sconcertata di Giuseppe Meoni, pubblicata il 5 novembre sul 1 Per la storia redazionale e per le prime messe in scena di Liolà si veda l’ottima introduzione alla commedia in L. Pirandello, Maschere nude, 1, a cura di Alessandro Amico, Arnoldo Mondadori, Milano 1994, pp. 341–354. 165 “Messaggero”, Pirandello si sentı̀ costretto a rispondere con un articolo apologetico pubblicato sullo stesso giornale il giorno seguente.2 La comemdia riscosse un migliore successo a Milano (comunque inferiore alle aspettative di Pirandello), ma in altre città italiane non suscitò interesse3 e lo stesso Musco, quindi, la trattò come un testo di poco valore, riservandole nel cartellone un posto di seconda importanza. Pirandello, sin dall’inizio rammaricato per l’aspetto farsesco che il capocomico siciliano diede alla commedia, diventò, a cuasa dell’insuccesso economico, ancora più insofferente nei confronti di Musco. Per rendere il testo più comprensibile, e forse, come crediamo, per poter togliere la commedia a Musco e darla ad un’altra compagnia, l’autore ha tradotto la commedia in lingua, pubblicandola nel maggio 1917 (e poi in una nuova traduzione nel 1928). Mentre Pirandello con il suo Teatro d’arte non ha mai rappresentato Liolà, negli anni seguenti infatti altre compagnie hanno ripreso il testo. Nel 1919 l’ha presentato la Compagnia Mediterranea diretta da Martoglio (con Salvatore Lo Turco come Liolà). Nel 1928, dopo la pubblicazione della seconda traduzione in lingua, la commedia è stata per la prima volta portata in scena in italiano, dalla compagnia di Ignazio Mascalchi, con Carlo Lombardi nel ruolo di Liolà.4 Ma fu a partire dagli anni Trenta che le rappresentazioni del testo divennero più frequenti. L’anno 1935 è stato molto propizio alla nostra commedia: a gennaio debutta l’omonima opera lirica di Giuseppe Mulè, composta sul libretto di Arturo Rossato, nello stesso tempo si hanno ancora le ultime rappresentazioni di Liolà da parte dell’ultrasettantenne Musco, e a maggio Peppino di Filippo presenta la commedia in versione napoletana, con la supervisione di Pirandello stesso. Nel 1938 sono il regista Enrico Fulchignoni e l’attore Michele Abruzzo coloro che riprendono Liolà e la mantegnono in cartellone fino al 1944. Nel frattempo, dal 1942, la commedia è stata portata in scena dalla compagnia Tòfano-De Sica con De Sica nel ruolo del protagonista. Salvo alcuni pochi studi filologici, dedicati al rapporto tra la versione dialettale e quella in lingua5 , e capitoletti in monografie su Pirandello, in Italia si è dedicata poca attenzione ai possibili significati di Liolà, se non nell’ambito delle recensioni degli spettacoli.6 Solo qui è possibile osservare la varietà di interpretazioni che il 2 Il testo è pubblicato in Maschere nude, cit., pp. 346–348. è il rimando alla recensione di Antonio Gramsci, “Liolà” all’Alfieri, ora in Id., Letteratura e vita nazionale, Einaudi, Torino 1966, pp. 283–284. 4 La critica non ha accolto bene la versione in lingua, cfr. alcune citazioni in Maschere nude, cit., p. 354. 5 Cfr. A. Vàrvaro, “Liolà” di Luigi Pirandello tra il dialetto e la lingua, “Bollettino Centro di studi filologici e linguistici siciliani”, V, 1957, pp. 346–351; F. Rauhut, “Liolà” commedia di Pirandello campestre dialettale, “Bollettino Centro di studi filologici e linguistici siciliani”, X, 1969, pp. 294–303; G. Giacomelli, Dal dialetto alla lingua: le traduzioni pirandelliane de ’A giarra e di “Liolà”, in AA. VV., Mille. I dibattiti del circolo linguistico fiorentino 1945–1970, Olschki, Firenze 1970, pp. 87–101; P. Mazzamuto, Poetica e struttura nel “Liolà” in dialetto, “Bollettino del Centro di Studi filologici e linguistici siciliani”, XII, 1972, pp. 246–264; L. Salibrà, “Liolà”: Pirandello autotraduttore dal siciliano, “Bollettino del Centro di Studi filologici e linguistici siciliani”, XIII, 1977, pp. 257–292. Sul teatro siciliano di Pirandello cfr. almeno G. Nicastro, Pirandello e il teatro siciliano, in Id., Teatro e società in Sicilia (1860–1918), Bulzoni, Roma 1978, pp. 175–225; S. Zappulla Muscarà, Introduzione, in L. Pirandello, Tutto il teatro in dialetto, 1, Bompiani, Milano 1993, pp. V–XXXVII. 6 Oltre i rispettivi capitoli nelle numerose monografie su Pirandello segnalo almeno questi studi: R. Rebora, I giganti della montagna e la crisi di Liolà, in AA. VV., Atti del Congresso internazionale di studi pirandelliani, Fondazione Giorgio Cini, Firenze 1967, pp. 469–473; A. Polucci, 3 Obbligatorio 166 testo e le sue messe in scena offrono. Nel presente articolo vorrei riprodurre questi giudizi, reazioni e discussioni, costituenti tessere nel mosaico della fortuna scenica di Liolà, testi effimeri perché pubblicati sui giornali, ma nonostante questo estremamente importanti. Nella nostra rassegna ci basiamo su circa ottanta recensioni consultabili nella biblioteca della S.I.A.E. nell’archivio Burcado a Roma. Una simile rassegna di recensioni, dal 1916 fino al secondo dopoguerra circa, è stata pubblicata da Alessandro Amico nell’introduzione alla sua eccellente edizione di Liolà in Maschere nude. Vorremmo riprendere questo filo critico e protrarlo fino ai nostri giorni. Nell’archivio Burcardo è rimasta solo qualche traccia delle recensioni degli allestimenti risalenti a prima della fine della seconda guerra mondiale, perciò, anche se la nostra rassegna inizia con le recensioni alla messa in scena dei De Filippo del 1935, il periodo meglio documentato è quello che va dalla metà degli anni Cinquanta fino ad oggi. Prima di iniziare, occorre fare alcuni importanti avvertenze metodologiche. Soprattutto va detto che la nostra rassegna non può sostituire una storia esauriente delle messe in scena, perché nell’archivio Burcardo non sono conservati riferimenti a tutte le edizioni di Liolà e in alcuni casi le recensioni sono poche o poco informative. Alcune mancanze possono essere recuperate dalla consultazione di bibliografie pirandelliane7 , dei volumi di cronache teatrali di famosi critici o, per quanto riguarda gli spettacoli recenti, anche dei materiali presenti su internet. Infine, per avere un quadro veramente completo, bisognerebbe fare una vasta ricerca d’archivio condotta su tutti i periodici italiani. Dalla rassegna si evince che Liolà rimane per lunghi decenni una delle commedie pirandelliane più rappresentate, non solo in Italia.8 Sono stati i migliori registi e attori a preparare le edizioni di Liolà; in alcuni casi, per valorizzare la componente musicale della commedia, sono stati invitati anche famosi cantanti e vincitori del festival di San Remo, come Domenico Modugno e Massimo Ranieri. Le edizioni hanno generalmente riscosso un gran successo presso il pubblico e presso la critica, rimanendo in cartellone per parecchi anni. La solarità della commedia ha cosı̀ abbagliato i registi e gli attori, che tornavano a riproporla in sempre nuove edizioni (come Vittorio De Sica e Turi Ferro). Il valore informativo delle recensioni è molto vario, cosı̀ come l’erudizione e la competenza dei recensori. Talvolta i testi indulgono su generalità, si limitano a frasi vuote e risultano vuotamente retorici, esprimendo quindi un frettoloso apprezzamento dello spettacolo vero e proprio. I giudizi sulle edizioni sono qualche Theatre of Illusion: Pirandello’s “Liolà” and Machiavelli’s “Mandragola”, “Comparative Literature Studies”, IX, 1/1972, pp. 44–57; L. Sciascia, Liolà, in AA. VV., Pirandello. Quaderni dell’Istituto di Studi Pirandelliani, 1, Beniamino Carucci, Roma 1973, pp. 71–76; Z. Tillona, Pirandello’s “Liolà”: A Variation on a Theme by Verga, “Italica”, LII, 2/1975, pp. 262–272; M. Brose, Structures of Ambiguity in Pirandello’s “Liolà”, “Yale Italian Studies”, II, 3/1978, pp. 115–141. 7 Cfr. A. Barbina, Bibliografia Pirandelliana 1889–1961, Le Monnier, Firenze 1967; C. Donati – A. T. Ossani, Pirandello nel linguaggio della scena. Materiali bibliografici dai quotidiani italiani (1962–1990), Longo, Ravenna 1993. 8 Per la fortuna di Liolà nella Repubblica Ceca, e specificamente in Moravia, si veda J. Špička, Dramatické dílo Luigiho Pirandella v Itálii, ve světě a na Moravě, in J. Špička – G. Cadorini, Itinera Latinitatis, Albis–Fondazione Cassamarca, Kolín–Treviso 2008, in preparazione. 167 volta contrastanti, e in questi casi abbiamo cercato di dare spazio a tutte le voci polemiche. Abbiamo citato solo descrizioni e giudizi che ci sono parsi di valore documentario e critico, delle altre recensioni, meno interessanti, competenti o identiche nei giudizi a quelle citate, abbiamo dato solo il riferimento bibliografico. Tematicamente ci siamo concentrati sulla filosofia dello spettacolo, su come sono valorizzati o attenuati i significati presenti nel testo e un grande spazio abbiamo dato anche all’interpretazione del personaggio centrale. Edizione Peppino De Filippo (regista e primo attore), 1935 Su questa edizione allestita dalla Compagnia De Filippo in traduzione napoletana abbiamo nel nostro corpus solo la recensione del “Messaggero” che ha esaltato molto la commedia stessa, considerandola “la più bella cosa che, con l’Enrico IV e coi Sei personaggi, Pirandello abbia dato al teatro e una delle migliori opere della letteratura drammatica italiana di ogni tempo”, una commedia “italianissima”, “festevole, carnale e carnosa, beffarda, crudele, mordente, gioconda”, “quasi leggenda per quel senso d’irreale e di favoloso che circonda fatti e personaggi posti fuor del tempo pur essendo strettamente legati ai luoghi e alla realtà quotidiana, il senso del nostro popolo agreste e malizioso, pettegolo e rindanciano, che si divide tra la terra e la donna con lo stesso amore veemente e fecondo, generoso e pungente, alternando vino e stornelli alla fatica e al sentimento.” L’autore della recensione ribadisce la natura pagana, nell’ambito della quale Liolà sarebbe “un semidio contadino tripudiante e felice, una forza della natura, l’istinto sacro e inestinguibile dell’energia generatrice”. Il recensore esprime l’ammirazione per la scena di Mario Pompei e per la recitazione “fusa, colorita, vivacemente e pittorescamente espressiva” di Peppino (Liolà), Eduardo (Emilio, cioè don Simone) e Titina (Maria, cioè Tuzza).9 Edizione Michele Abbruzzo (regista e primo attore), 1939 L’allestimento di Michele Abbruzzo con il Teatro siciliano ritorna ad una delle originarie letture di Liolà, alla visione della Sicilia mitica, senza legami con la posteriore produzione pirandelliana: “ci ritroviamo agli antipodi di una concezione criticamente civile e sociale; siamo in regioni alogiche e irrazionali.” D’altra parte, Carlo Terron confessa: “conosco poche cose più serie – una serietà lieta e sana e serena – di questa forza carnalmente ridente dove non è il caso di parlare nè di immoralità e nemmeno di amoralità, ciò che sottintende sempre una precisa prospettiva etica e civile; ma soltanto, cosa mai, di premoralità”. In questa visione Michele Abbruzzo è un “Liolà vagabondo, ubriaco di canto e di gioia biologica [. . . ] puro e innocente come un angelo o, se preferite, come un giovane animale”. Generalmente, però, secondo Terron, la messa in scena è risultata di poco valore: “in mancanza di una qualsiasi regia, indispensabile di fronte alla coralità e alle esigenze di clima e di stile che questo idillio satiresco, stipato di femmine volteggianti intorno ad un solo maschio, conforta, Michele Abbruzzo, con la compagnia del Teatro siciliano, riempita dalla mole aggressiva e clamorosa [. . . ] ha supplicato mercè una festosità istintiva, giovanile e baldanzosa. Ma era un simpatico tenore che cantava 9 (e. 168 c.), “Liolà”. Tre atti di Pirandello, “Messaggero”, 6 giugno 1936. di fronte a un coro maldestro e senza vita. Ecco una occasione perduta per tanti Piccoli teatri in cerca di copioni divertenti.”10 Edizione Vittorio De Sica (regista e primo attore), 1942 Tutte e tre le recensioni, presenti nell’archivio Burcardo, esprimono un grande riconoscimento all’edizione approntata dalla compagnia Tòfano-De Sica, sia per quanto riguarda la regia, sia per la bravura del De Sica attore, tanto più apprezzabile considerando il fatto che Liolà non è una pièce tipica della compagnia. Il “Giornale di Genova”, esaltando lo spettacolo “preparato con un amore, con una eccezionale coscienza artistica, con una intelligenza che fa veramente onore a tutti gli interpreti”, ricorda che la compagnia è “abituata a interpretazioni eleganti, a personaggi ben vestiti, a situazioni mondane”. Nonostante questo, Sergio Tòfano ha saputo rappresentare don Simone con un “impeto popolaresco” senza valersi “di atteggiamenti di maniera: di espressioni sbraccate, per intenderci, o di mani sui fianchi.” Una lode particolare, secondo il giornale, merita De Sica: “Chi avrebbe potuto immaginare De Sica in maglietta a strisce bianche e rosse, scarmagliato e motteggiante? Ebbene, egli fu un insuperabile Liolà, cosı̀ vero, naturale, pieno di tali risorse e di cosı̀ consumato mestiere da divenire entusiasmante.”11 Secondo la “Gazzetta del Popolo”, De Sica, nel suo ruolo, “trova contorni netti e colori smaglianti. Non è il suo Liolà furbesco di Musco, nè lo scaltro e svagato monello di Peppino De Filippo, ma un Liolà dall’ampio petto, dal largo e generoso cuore, che non è tanto a beffare Simone che tira, quanto a fare giustizia”. Anche Sergio Tòfano è risultato convincente come don Simone esprimendone la “natura scontrosa e insoddisfatta”.12 Il “Corriere della Sera” sottolinea la natura pagana e bacchica della commedia, il tema delle corna, “il fuoco dei sensi”, apprezza De Sica per la sua “lieta simpatia”, e in riferimento alla sua origine osserva che come attore è risultato “un poco romantico: forse qua e là si è sentita una vena di malinconia napoletana”.13 Edizione Orazio Costa (Giorgio De Lullo come Liolà), 1956 In occasione dell’anniversario della prima assoluta di Liolà l’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica (attualmente denominata “Silvio D’Amico”) ha approntato un’edizione speciale a cui ha partecipato il fiore di attori italiani del tempo, tra i quali Giorgio De Lullo (Liolà), Sergio Tòfano (Zio Simone), Vanda Capodaglio (zia Croce), Rossella Falk (Tuzza), Bice Valori (Moscardina). Ma nessuno dei recensori si è mostrato molto entusiasta nei confronti della forza persuasiva di questa messa in scena. Sui ruoli Giorgio Prosperi ha scritto: “la distribuzione non ci è sembrata la più adatta per un lavoro del genere: il quale, già depurato dell’efficacia del dialetto, richiedeva una carica di vitalità ed intensità emotiva o sarcastica, quale nessuno degli attori citati, severamente educati ad un teatro colto e raffinato, era, probabilmente, in grado di offrire.” Per quanto riguarda la regia, “Orazio Costa ha giocato scopertamente sull’emozione in chiave di balletto,” e ha dedicato poca 10 C. Terron, Il bacchico Liolà, “Omnibus”, 3 giugno 1951. “Liolà” di Pirandello, “Giornale di Genova”, 15 maggio 1942. 12 (gi. mi.), “Liolà” di Pirandello all’Alfieri, “Gazzetta del Popolo”, 26 giugno 1942. 13 (r. s.), “Liolà” di Pirandello, “Corriere della Sera”, 9 giugno 1942. 11 (Riet.), 169 cura all’amalgamazione unitaria di tutti gli aspetti che hanno presentato “stridenti contrasti” quali “la scena [. . . ] di una solarità accecante”, “intellettualistica elaborazione di ritmi e melodie siciliane”, “inaspettata parodia della disperazione meridionale” operata da alcuni interpreti “toscaneggianti”, ecc.14 Guglielmo Biraghi ha denunciato i “difetti della regia e quelli della recitazione” e ha considerato lo spettacolo “assai disorganico, senza un intimo equilibrio”.15 Edizione Gianfranco De Bosio (Leonardo Cortese come Liolà), 1956 La compagnia del Piccolo Teatro di Torino, sotto la direzione di Gianfranco De Bosio, ha valorizzato, come la maggioranza delle compagnie precedenti, l’aspetto folcloristico, combinandolo, nello stesso tempo, con uno sguardo verista: “Che Costa [. . . ] si sia lasciato lusingare da alcuni atteggiamenti e suggerimenti didascalici, per scivolare in una specie di balletto folcloristico, non sorprende. I richiami ci sono e invitanti. Senonchè c’è anche il resto, tutto il resto, quello che più conta. [. . . ] La regı̀a del De Bosio ha messo l’accento sul tramato drammatico, sulle crudezze veristiche, e non ha sbagliato, soprattutto perché era giusto che ci facesse sentire una certa aura verghiana, quella stessa dalla quale il Pirandello non era del tutto uscito.” Gli attori hanno dato “un’interpretazione appassionata e coralmente perfetta”, nonostante alcuni “effetti mancanti o non esplosi in pieno”, dovuti esclusivamente “all’esiguità del palcoscenico, che non ha consentito a Mario Pompei di slargarsi con le sue scene luminose, e agli attori di disporsi in aperte solari prospettive.” Alla fine citiamo un appassionato riconoscimento che il recensore della “Gazzetta del Popolo” ha espresso nei confronti della recitazione di Leonardo Cortese: Leonardo Cortese si è fatto applaudire a scena aperta, e non per una “tirata” nè per una battuta, ma per come ha detto una parola, una paroletta soltanto. E questo rammento, all’infuori del mio dovere di cronista, a significare l’esattezza, il calore, la verità, la sensibilità, l’arte con cui è entrato nel personaggio dalle molte sfaccettature. Non è facile essere Liolà, ed è estremamente difficile esserlo umanamente. Un nulla, ed eccolo involgarito nella lazzaronaggine. Un nulla ancora, ed eccolo libero figlio del Sole e del vento, con un cuore generoso in cui le ferite sanguinano.16 Edizione Accursio di Leo (Turi Ferro come Liolà), 1957(?) Il Teatro di Sicilia ha preparato l’edizione curata da Accursio di Leo con Turi Ferro come protagonista, insolitamente “nella primigenia versione dialettale”17 . Carlo Terron ha criticato “la concitazione, se vogliamo, un po’ clamorosamente 14 G. Prosperi, Commemorato Luigi Pirandello con la rappresentazione di “Liolà”, “Tempo di lunedı̀”, 30 luglio 1956. 15 G. Biraghi, “Liolà” di Luigi Pirandello al Festival della prosa a Venezia, “Messaggero”, 30 luglio 1956. 16 (e. bert.), “Liolà” di Pirandello al “Piccolo Teatro”, “Gazzetta del Popolo”, 12 gennaio 1957. Altre recensioni: (f. b.), “Liolà” di Pirandello al Piccolo Teatro di Torino, “La Nuova Stampa”, 12 gennaio 1957. 17 C. Terron, Inflazione pirandelliana, “La Notte”, 27 marzo 1968. 170 convenzionale, ma di una veemenza ricca di stracolore antipatetico”, ma è stato indulgente verso l’età del primo attore: “l’interprete, vittoriosamente vincendo l’età, ha finto persuasivamente la giovinezza e l’aitanza del personaggio trasferendole su una impetuosa fantasia, risoltasi in realismo lirico geniale”.18 Il recensore del “Messaggero” vede in Liolà un abbandono dello scrittore alla sua terra, constata comunque che la situazione “non potrebbe essere più pirandelliana”. Il regista, a suo avviso, “ha tenuto conto più della faccia immediata ed esteriore di Liolà che non di quella più nascosta”, Liolà è stato “festoso, spensierato, vivacissimo”.19 Edizione Vittorio De Sica (Achille Millo come Liolà), 1961 Vittorio De Sica è ritornato a Liolà dopo parecchi anni, nel 1961, non più come attore (essendo sostituito da Achille Millo) ma come regista, con la compagnia del Teatro Mediterraneo di Napoli. Durante gli anni la sua idea di Liolà è maturata in un allestimento che ha raggiunto un altissimo livello professionale: “Lo spettacolo è molto bello, di una armonia, d’una precisione, di un’unità, d’una coralità esemplari; ricco di particolari deliziosi e d’invenzioni geniali, con un gusto raro della composizione e del quadro”, creato “dalle stupende scene di Ezio Frigerio d’un biancore accecante, immerso, ora nel nitido azzurro del mattino, ora nel caldo fuoco del tramonto, ora nella liquida trasparenza della notte lunare.”20 L’altro aspetto di questa maturazione è la scoperta di un’insolita profondità drammatica della commedia. Nella sua dettagliata e pregnante recensione Giorgio Prosperi osserva che a differenza dello spettacolo in cui era stato protagonista, De Sica “abbia scavato più a fondo nell’opera di Pirandello; e gli si sia rivelato il fondo amaro di un vino che pareva dolce e smemorante, e non era”.21 Anche secondo Carlo Terron il regista e l’attore hanno spostato lo spettacolo “verso una tonalità e un significato decisamente drammatici non privi di sottolineature crudeli”.22 Generalmente la critica ha considerato l’accento drammatico come una moderna rilettura di Liolà, visto nell’opera drammatica di Pirandello non come un intermezzo bozzettistico, ma come un primo annuncio, pur irregolare, dei temi esistenziali presenti nelle commedie borghesi successive. In questo senso lo spettacolo di De Sica rappresenta quello che “oggi” si pensa su Liolà: Renzo Tian osserva che la commedia “ha subı̀to il più ragguardevole aggiustamento di prospettive. Ci siamo andati sempre più allontanando dalle formule della sensualità agreste, del realismo paesano, del bozzetto folcloristico.” Tanto che oggi si vede in Liolà “un Pirandello nel quale sono già precisi ed urgenti i temi dell’opera a venire”, “si affaccia il medesimo sentimento della vita che sarà sviluppato nei grandi drammi di pochi anni più tardi: solo che è un sentimento non ancora incupito ed esasperato verso le amare immagini della pazzia 18 Ibidem. 19 (R.T.), “Liolà”. Tre atti di Luigi Pirandello, “Messaggero”, 23 aprile 1960. Altre recensioni: (c. m. p.), Un Liolà autentico, “Corriere Lombardo”, 17–18 maggio 1960; (Vice), Le prime romane, “Messaggero”, 9 maggio 1961. 20 C. Terron, Il “Liolà” di De Sica, “Corriere Lombardo”, 15 dicembre 1961. 21 G. Prosperi, Vittorio Sica ha ritrovato l’originaria amarezza di Liolà, “Il Tempo”, 1 novembre 1961. 22 C. Terron, cit. 171 lucida”.23 Anche Giorgio Prosperi ha visto il contorno agreste della commedia solo come un inganno, essendo convinto “che la parentesi festosa sia tutta in superficie; e che vi lieviti al contrario il rancore pirandelliano per l’egoismo e la disonestà.” La commedia rappresenta invece il “convegno di tutti i motivi pirandelliani: da quelli culturali, che riconducono la commedia agli antichissimi riti della fecondazione, a quelli ironici, a quelli morali e sociali”. De Sica “ha dunque ritrovato, sotto la farsa agreste, l’amarezza originaria di Liolà; e lo ha fatto con la grazia che gli è propria, senza grinta e senza cattiveria, ma anche senza nessuna concessione al sentimentale e al melodrammatico.”24 “La Stampa” ha criticato la scelte linguistiche dello spettacolo, a mezza strada tra la lingua e il dialetto, e ha aggiunto anche una curiosa considerazione politica del successo di Liolà: “Liolà è in questo dopoguerra fra le più rappresentate commedie pirandelliane. E si spiega: la destra (teatrale, si intende) la preferisce ad altre più pensose e più “difficili”; la sinistra (e non solo quella teatrale) le dà la palma sulla suggestione di un giudizio di Gramsci che ne lodò proprio il carattere “dialettale”.”25 Edizione Turi Ferro (regista e primo attore), 1959(?) In un secondo tempo, con la compagnia dello Stabile di Catania, Turi Ferro ha approntato Liolà anche in veste di regista, facendo nascere “una edizione ormai storica che ha visto platee e pubblici d’Europa, di Russia e d’America”,26 rimasta, infatti, in cartellone addiritura per decenni. Questa volta però Turi Ferro ha optato per la versione in lingua, per una “traduzione italiana con qualche accenno dialettale”,27 o, secondo un altro recensore, per un “dialetto abilmente italianizzato”. L’edizione ha accentuato in Liolà “la malinconica, rancorosa saggezza di un Baldovino o di un Leone Gala”.28 I recensori hanno apprezzato la maestria interpretativa e il vasto registro espressivo con cui Turi Ferro ha impersonato il suo personaggio. Cibotto ha osservato che Ferro possiede “una straordinaria forza interpretativa, che alterna i registri più disparati e si avvale di scatti imprevisti”.29 Similmente Alberto Blandi: “Si vuol dire insomma che Liolà è più “pirandelliana” di quanto non sembri e che Turi Ferro ne tiene conto nella sua sottile e calibratissima interpretazione. [. . . ] l’attore non rinuncia agli umori fantastici e bizzarri di cui lievita il suo personaggio e che si sfogano in un mulinare di gambe e di braccia e in improvvisazioni canore”, non facendo dimenticare al pubblico che Liolà è anche un personaggio malinconico.30 D’altra parte, Cibotto ha fatto obiezioni alla rappresentazione manieristica della Sicilia propria dello spettacolo e all “im23 R. Tian, “Liolà”. Tre atti di Pirandello, “Messaggero”, 1 novembre 1961. Prosperi, cit. 25 (vice), “Liolà” di Pirandello con la regı̀a di De Sica, “La Stampa”, 17 febbraio 1962. Altre recensioni: (e. p.), “Liolà” di Pirandello, “Corriere della Sera”, 14 dicembre 1961. 26 (L. R.), Il ritorno di Liolà, “Il Tempo”, 7 gennaio 1973. 27 Ibidem. 28 Ibidem. 29 G. A. Cibotto, Liolà all’Argentina, “Il Giornale d’Italia”, 7 gennaio 1973. 30 A. Blandi, A Pinerolo il “Liolà” con Turi Ferro che i torinesi non potranno vedere, “La Stampa”, 6 maggio 1969. La recensione è praticamente identica ad una posteriore dello spettacolo all’Alfieri, Il “Liolà” più pirandelliano, “La Stampa”, 1 maggio 1970. 24 G. 172 postazione naturalistica voluta da Turri Ferro, stupendo interprete ma disctutibile regista”.31 Edizione Giorgio Prosperi (Domenico Modugno come Liolà), 1968 Nel 1968 ha suscitato un grande clamore l’edizione di Liolà con il cantante Domenico Modugno nel ruolo del protagonista, un’edizione con un’importante componente musicale curata dallo stesso Modugno, diretta da Giorgio Prosperi e con attori riunitisi solo in quest’occasione. La prima della commedia si è svolta nel suggestivo ambiente del teatro greco antico a Segesta e dopo nel teatro di Ostia Antica, prima di mettersi in viaggio per varie città italiane. I recensori hanno apprezzato l’insolita, ma suggestiva messa in scena in teatri storici, di solito riservati solo al repertorio del teatro classico. Gli autori dell’edizione si sono sforzati con tutti i mezzi di lasciare negli spettatori una forte impressione. Subito nella prima scena, ad esempio, Modugno-Liolà entra in scena su un autentico carretto siciliano tirato da un cavallo. Ovviamente, quello che soprattutto suscita la nostra curiosità, è l’interpretazione di Modugno nel ruolo di Liolà. Solo un pupazzo portato sul palco dal cuore dello showbusiness? Oggetto di una geniale mossa del marketing? Oppure è stato un Liolà degno di attenzione? La valutazione della critica è unanime: Modugno è stato bravissimo! Domenico Modugno sembra nato apposta per il personaggio di Liolà ed il personaggio di Liolà sembra creato su misura per Modugno: un incontro sulla scena tra i più felici del nostro recente teatro. L’attore, naturalmente, ne è consapevole e gli dà dentro con tutta la sua carica di simpatia, aggiungendovi un pizzico di eleganza, di presunzione, di furberia, di canaglieria; ora dolce, ora sfrontato, ora umile, ora impertinente, ora rassegnato, ora eloquente, Domenico Modugno ha giocato con il suo personaggio con la libertà e la maestria d’un autentico giocoliere, con l’accortezza e la sapienza d’un consumato fantasista, rivelandosi cosı̀ attore di ottima razza”.32 Alberto Blandi, recensendo lo spettacolo portato dai teatri antichi all’Alfieri di Torino, ha addirittura esaltato la bravura di Modugno rispetto al resto della compagnia, caduto in un cliché popolareggiante: “Sembrerà strano, ma fra tanti attori di prosa scatenati in un vociare e in un gesticolare siculo-napoletano, il più misurato, il più intonato, il più convincente, anche se talvolta un poco esteriore, è proprio lui [Modugno].”33 Mentre il carisma che Modugno ha dato al suo personaggio è riconosciuto da tutti, i recensori non sono concordi se l’estroversa recitazione di Modugno abbia appiattito o meno lo spessore drammatico che il personaggio ha nel testo. Secondo Blandi, l’attore ha “attenuato l’acre chiaroscuro della commedia, ed ha puntato sugli aspetti più pittoreschi”, contribuendo con la sua recitazione ad un’“edizione 31 G. A. Cibotto, cit. Altre recensioni: (r. rad.), “Liolà” all’Odeon, “Corriere della Sera”, 28 marzo 1968; (Vice), “Liolà” all’Argentina, “Messaggero”, 6 gennaio 1973. 32 E. Jattarelli, Tagliati apposta per Modugno i panni pirandelliani di “Liolà”, “Il Tempo”, 8 luglio 1968. 33 A. Blandi, La vitalità di Modugno in “Liolà” di Pirandello, “La Stampa”, 19 febbraio 1969. 173 scacciapensieri”.34 Secondo Renzo Tian, Modugno “ha tirato il personaggio completamente dalla sua parte, cioè dalla parte dell’allegria festosa e del vitalismo estroverso”.35 Il recensore della “Notte” insiste molto su varie reminiscenze boccacciane, machiavelliane e pastorali e scorge nella commedia tratti del pirandellismo: “Liolà è dramma primitivo, come primitivo ed elementare è il protagonista” e Modugno non riesce ad esprimere tutto ciò perché gli “manca la scuola e la scaltrezza d’attore, e dunque la varietà dei toni, la sapienza delle variazioni. Per esempio Modugno non ha, sulla bocca e negli occhi, la malizia che sei mesi fa – con lo stesso Liolà – ci portò Turi Ferro.”36 D’altra parte, il recensore del “Corriere della Sera”, essendo impegnato in una lunga introduzione alla commedia, osservando che Liolà è stato molte volte frainteso, a partire dalle prime rappresentazioni delle compagnie dialettali, considera la commedia “eminentemente letteraria, la cui struttura oltre tutto è chiaramente riferita ai canoni del nostro teatro rinascimentale” ed è convinto che all’allestimento di Prosperi non sia sfuggito “il sottofondo malinconico del protagonista”. Il recensore cita in questo senso la seguente dichiarazione del regista: “La condizione di Liolà è la condizione dell’artista, che fa vivere gli altri, e soffre e gode del proprio disimpegno”. Modugno, inserendosi in tale prospettiva, è stato “fermo, limpido e discreto nello stesso tempo”, mentre al critico è dispiaciuta, come pure ad altri, la “sovrabbondanza di accenti sopra il rigo” nella recitazione di altri attori.37 Per quanto riguarda la componente musicale, qualcuno denuncia “l’eccesso di commento musicale”38 , qualcuno apprezza la giusta misura tra il testo e la musica (Modugno “poteva sminuirlo [lo spettacolo] a musical, ed invece lo sostiene all’altezza del dramma satiresco, proprio fornendo un coro in funzione lirica”39 ), mentre Alberto Blandi ha apprezzato molto la musica, essendo convinto che anche un musical vero e proprio ci starebbe bene, meglio che tutto “il folklore e la finta Sicilia”.40 Citiamo ancora una notizia rigurardante l’aspetto linguistico, che è di regola un problema spinoso da risolvere in ogni edizione di Liolà. Lo spettacolo ha adottato “una lingua che sembra dialettale, ma che, in realtà, dell’agrigentino non conserva che i suoni, il ritmo, la musicalità. L’effetto è sorprendente: lo spettatore viene rapito da questo fascino musicale, da questa melodia sonora e crede, come è capitato a noi, che siamo completamente digiuni di questo dialetto, di avere imparato improvvisamente a parlare siciliano.”41 34 Ibidem. 35 R. Tian, Allegro “Liolà” sotto il tendone, “Messaggero”, 25 ottobre 1968. M.), Liolà dipinto di blu, “La Notte”, 12 settembre 1968. 37 (r. rad.), “Liolà” con Modugno al Nuovo, “Corriere della Sera”, 12 settembre 1968. 38 Ibidem. 39 R. Tian, cit. 40 A. Blandi, cit. 41 E. Jattarelli, cit. Altre recensioni: (Vice), Il fascino del circo per “Liolà” di Modugno, “Il Tempo”, 25 ottobre 1968; Idem, La Sicilia nei teatri romani con Pirandello, Verga e De Roberto. Liolà di Pirandello al teatro di Ostia Antica, “Il Tempo”, 22 luglio 1968; Idem, Liolà con Modugno (Al teatro romano di Ostia Antica), “Messaggero”, 22 luglio 1968. 36 (R. 174 Edizione Massimo Mòllica (regista e primo attore), 1978(?) Massimo Mòllica ha allestito in veste di primo attore e di regista un’edizione con lo Stabile di Messina, in orginiale agrigentino. Fra tutte le edizioni di Liolà, questa sembra la più pensierosa e profonda. Giorgio Prosperi la descrive in questo modo: “Mòllica semina qualche elemento di riflessione: con la barbetta caprina, gli occhi di carbone, la coppola malandrina, all’attore regista bastava nulla per andare sopra le righe e ottenere, magari, un effetto in più. E invece lo spettacolo è casto, quasi povero, anche per qualche taglio di necessità, ad esempio nella zona bambini e ragazze, che non manca di recare dolore. Ma non sarebbe giusto tacere ciò che se ne guadagna, in cambio d’una frenesia dionisiaca, che si riduce e sfuma: se ne guadagna, dicevo, una più alta concentrazione, uno stare al tema più stretto, forse un poco schematico, ma ossessivamente pungente. [. . . ] Liolà con la barba di Mòllica, e con la sua serietà intellettuale ed esuberanza fisica, diventa uno strano personaggio, mezzo studente anziano mezzo contadino, con un carico di vitalismo ma anche di passione rappresa e frustrazione meridionale”.42 Quindici anni dopo la prima di questa edizione, con sopresa di tutti, Massimo Mòllica, sempre con la compagnia dello Stabile di Messina, riprende il ruolo di Liolà, confutando, vista la sua età, un classico requisito della “coincidenza figurativa” tra un personaggio e il suo inteprete: già nel primo allestimento era stato infatti un Liolà piuttosto maturo, e ora ci ritorna sessantenne. Prosperi dubita che in questo caso il carisma dell’attore riesca ad essere credibile. Interessantissima è questa sua osservazione che merita di essere citata per intero: Ora i capelli bianchi e il pizzetto di Mòllica, creano senza dubbio dei problemi: il primo dei quali è la indubbia somiglianza di Mollica con le immagini classiche di Pirandello. È casuale? È voluta? Io credo che nel lavoro di un artista ci può essere qualche cosa di istintivo, di inconsapevole, ma non di casuale. Ed ecco che mi trovo a guardare questo Liolà con un’ottica diversa: come se Pirandello in scena ci desse la sua ipotesi di Liolà. Tutti, a cominciare dai parenti stretti, hanno parlato del pizzetto mefistofelico di Pirandello. Mòllica ce l’ha. Ha anche gli occhi caldi di Pirandello, forse meno tristi e lungimiranti. Fratelli racconta il modo con cui Pirandello leggeva un suo testo, e ne ritroviamo non poco nella lettura di Mòllica: un certo crepitare di sillabe come l’ardere improvviso di una fascina, certi gestli taglienti, il comico, che nasce dentro ed esplode, la precisione delle mani da artigiano, anche nel toccare i corpi femminili.43 Maruzio Giammuso, d’altra parte, è convinto che “Mòllica all’anagrafe ha forse passato già l’età per essere quel gagliardo giovanotto capace di incendiare le femmine come un cerino in un pagliaio. Ma in scena l’anagrafe conta fino ad un certo punto [. . . ] Quando si muove come un leone nell’arena, lesto di movimenti e di mano, in mezzo a un grappolo di ragazze in festa, si può ben credere che abbia l’età giusta.”44 Giammuso apprezza la versione in dialetto anche perché ha permesso di ottenere uno “slancio vitale dell’anima mediterranea”.45 42 G. Prosperi, Musica, ritmo e poesia del “Liolà” agrigentino, “Il Tempo”, 3 giugno 1978. Prosperi, Massimo Mňllica, al Ghione un Liolà con i capelli bianchi, “Il Tempo”, 1 marzo 1990. 44 M. Giammuso, Il seduttore campestre, “Corriere della Sera”, 14 marzo 1990. 45 Altre recensioni: L. Jattarelli, Con “Liolà” in dialetto, Pirandello al naturale, “Messaggero”, 28 febbraio 1990. 43 G. 175 Edizione Bruno Cirino (regista e primo attore), 1980 Questa edizione preparata dalla Cooperativa Teatroggi, a giudicare dalle recensioni, è la più contradditoria nelle valutazioni di tutta la nostra rassegna. Cirino, anche lui uno dei Liolà maturi, sembra a Garrone l’espressione della “tendenza al libero regresso infantile”, “la ‘voglia matta’ più prepotente, il richiamo erotico più imperioso del prolifico Don Giovanni di Pirandello”, “un discolo impenitente, un pulcinella, uno spiritello anarchico e un po’ goliardo fatto di fumo come l’omino Perelà di Palazzeschi.” “Che agilità nonostante gli anni, sempre pronto a saltare su ogni muretto imbiancato per dimostrare la sua anima canterina, la sua natura solare e meridionale”, cosı̀ il critico continua ad apprezzare la vitalità di Cirino. E lo stesso critico esprime un interessante e importante giudizio su uno dei tratti caratteriali di Liolà, sottolineato appunto dall’interpretazione “aerea” di Cirino, cioè che il rifiuto del matrimonio da parte di Liolà sia in realtà una “paura del matrimonio”, la “paura di crescere”.46 “Cirino che è un Liolà dall’aspetto un po’ diavolesco, che copre una natura affettiva e malinconica: questo mi pare il dato più riuscito di questa edizione”,47 scrive in breve Giorgio Prosperi, mentre Cibotto si sofferma sul dipingere la profondità psicologica conferita da Cirino al personaggio “impastato di carica sanguigna e di lucido ragionamento, per cui si snoda in un’aria bizzarra, quasi stralunata esaltando una gioia di vivere che per essere veramente tale esige la follia abbandonata a se stessa. Bruno Cirino ha saputo rendere tutto questo, anche se in certe scene ha concesso troppo al gusto dell’effetto, scoprendo dietro la vitalità il sospetto della maniera”.48 Il lavoro registico di Cirino ha suscitato dubbi in tutti i critici, anche in quelli che hanno apprezzato la sua interpretazione. Secondo Garrone al Cirino regista manca “il dono della leggerezza e della grazia [. . . ] Quando, ad esempio, trasforma ogni gesto delle donne in quadri viventi di sapore rusticano e le fa muovere, indignarsi, commentare scherzosamente e accendersi di curiosità per le imprese amatorie di Liolà con delle leziosaggini da commediola brillante, da collegiali di qualche vecchio film di Doris Day. O quando, per sottolineare la mancanza di una collocazione storica e geografica precisa, lascia che si accavallino varie inflessioni dialettali. [. . . ] Le scene e i costumi di Bruno Garofalo alludevano ad un Sud di maniera, stilizzato come per un balletto o una commedia del Sistina”.49 Un giudizio negativo dell’edizione e della recitazione di Cirino è stato dato da Gennaro Aceto: “Quello che secondo le intenzioni di Cirino doveva essere rappresentativo di una condizione umana, “un bisogno collettivo”, o più semplicemente una “canaglia simpatica, vitale e malinconica” alla fine risulta copia sbiadita di un vanesio da rivista, a metà strada tra un Modugno più malinconico ed un Figaro di paese. [. . . ] E non c’è sciorinamento di lenzuola, o caduta di mandorle che basti a colmare tutto il vuoto che si avverte per la caduta del personaggio centrale, per la mancanza di sostegno ad una vicenda che cosı̀ si riduce ad un episodio pittoresco, folcloristico e perciò assolutamente privo di spessore drammatico.”50 46 N. Garrone, Fa il Pulcinella e gioca con le donne ma forse ha soltanto paura di crescere, “la Repubblica”, 7 marzo 1981. 47 G. Prosperi, Ombre e scoppi di luce nel “Liolà” di Bruno Cirino, “Il Tempo”, 7 marzo 1981. 48 G. A. Cibotto, Un figlio del sole, “Il Gazzettino”, 8 aprile 1981. 49 N. Garrone, cit. 50 G. Aceto, Una “sceneggiata” siciliana con accenti napoletani, “Umanità”, 20 marzo 1981. 176 Alla fine citiamo un altro giudizio negativo, quelle di Ubaldo Soddu. Prenderei comunque le affermazioni di Soddu con grande riserva, perché dalla sua recensione sembra che abbia capito veramente poco della complessità della commedia, come si evince anche dalla conclusione della sua recensione citata più avanti. A suo avviso lo spettacolo ha l’ambizione, “sulla scia del miglior Verga”, di diventare “un quadro vitale e penetrante sui moti dell’animo, sulla vita e sulla morte, sul bene e sul male”, ma in realtà Cirino rimane solo all’immagine di Liolà-playboy, “insicuro se dare a Liolà una collocazione precisa o privarlo di essa”, lo “colloca fuori della storia”, ma in modo insufficiente: “Se si voleva fare di Liolà un personaggio atemporale, lo si stilizzasse allora fino in fondo, si battesse senza ripensamenti quella rischiosa via.” L’insicurezza, secondo Soddu, colpisce anche le scelte linguistiche della rappresentazione, che dentro “i ritmi di lingua colta” contiene “residui di siciliano, inserzioni napoletane e calabresi”. E Soddu conclude: “Cirino sembra infatti più incerto del solito: egli si chiede anzitutto fino a che punto sia “positivo” un uomo che se la fa con tutte le donne del paese e colleziona figli col segreto intento di farli lavorare nei campi”.51 Edizione Nino Mangano (Ugo Pagliai come Liolà), 1984 L’aspetto tipico dell’edizione di Nino Mangano è l’“educazione linguistica toscana” e la “pura estrazione cittadina”52 di Pagliai e di attori principali e la rinuncia a realizzare con veemenza l’immagine della Sicilia in scena. Sul carattere del Liolà di Pagliai la critica è discorde, ma sembra che proprio il suo modo di recitare, il modo che fa di Liolà un protagonista raffinato e malizioso, sia stato lo spunto per slegare la lingua, la commedia e i caratteri dalla regione di origine: “questo Liolà, che si svolge in un luogo imprecisato della campagna tra Rosignano e Castiglioncello, riesce ad avere un suo garbo, grazie al garbo di Pagliai e della Gassman [nel ruolo di Mita]; i quali, specie il Pagliai, svolgendo con contagiosa naturalezza la sua toscanità anziché reprimerla o castigarla – inverando il falso toscano di Pirandello in un linguaggio che scende per li rami dal rinascimento a Fucini, a Palazzeschi, con quei modi umanamente civili e piccolo borghesi dei contadini toscani, e quell’allegria ironica, che smitizza ogni passione – danno all’ipotesi toscana una coerenza che fa scorrere piacevolmente la storia. Questa rinuncia meditata ad una impossibile meridionalità, mi pare il dato più positivo dell’interpretazione di Ugo Pagliai e della regia di Nino Mangano”. Giorgio Prosperi nella sua recensione cita un foglietto pubblicitario in cui si dichiara che l’attuale versione “è sgombrata dagli orpelli fokloristici sui quali facevano affidamento precedenti messe in scena”. Questa affermazione è per il recensore l’occasione di ricordare, polemicamente, che già l’edizione di Turi Ferro “era un modello di stringatezza intimista e realizzava alla perfezione una delle due letture che si possono fare di Liolà: quella sofistica, amara, cavillosa, 51 U. Soddu, Professione padre, “Messaggero”, 7 marzo 1981. Altre recensioni: F. Doglio, Liolà, poeta e contadino, “Il Gazzettino”, 8 marzo 1981; P. E. Poesio, Nell’universo di Liolà, “La Nazione”, 2 aprile 1981; (U.S.), Un play-boy assatanato, “Il Mattino”, 26 luglio 1980; G. A. Cibotto, L’inesauiribile Liolà, “Il Gazzettino”, 21 luglio 1980; A. Manzi, Zia Croce, una madre egoista cara alla gente [Intervista all’attrice Regina Bianchi a dieci anni dalla morte di Bruno Cirino], “Il Mattino”, 17 aprile 1991. 52 G. Prosperi, “Liolà” toscano con Ugo Pagliai, “Il Tempo”, 12 gennaio 1984. 177 in confronto all’altra, panica, dionisiaca, corale”.53 Un grande apprezzamento del lavoro di Pagliai e una fondamentale osservazione su una delle facce di Liolà sono stati dati da Guido Davico Bonino: Al vagabondo seduttore di questa commedia campestre [. . . ] Pagliai deve stavolta pensato a lungo, scrutando nelle pieghe di certe battute per estrarne il succo, appena appena distillato, di un’acre malinconia. Gira, certo, sotto il sole, some una cicala ebbra, [. . . ] ma gira senza meta e senza costrutto, mosso da una inquietudine che è immaturità cronica; seduce, certo, questo don Giovanni colonico, ma le ragazze, che pure si lasciano inseminare da lui, non lo vogliono in fine, lo accettano come stallone, lo rifiutano come uomo. [. . . ] Pagliai è molto bravo, a mio avviso, a sottolineare l’irrequietezza, la solitudine, l’immaturità di Liolà: diciamola in una parola, la sua impotenza esistenziale contrapposta alla strapotenza sessuale.54 La toscanità di questa edizione non sembra una scelta coerente a Renzo Tian, secondo il quale lo spettacolo è rimasto a mezza strada tra la Sicilia e la Toscana. A suo avviso l’allestimento “sceglie una strada che sembra semplice e in realtà non lo è: quella della commedia paesana, un po’ machiavellica e un po’ boccaccesca, recitata in una lingua teatrale che più educata e antidialettale di cosı̀ non si potrebbe immaginare. Anche perché la scena di Gabbris Ferrari, rustica quanto basta, è possibile scambiarla per qualsiasi cascinale del continente; e non bastano cesti colmi d’uva, mandorle schiacciate e qualche canto festoso in play-back per «fare Sicilia».” Similmente accade con il protagonista: senza una decisa ancorazione, il Liolà di Pagliai risulta “un personaggio senza problemi: tuttavia non ci mette quel pizzico di perfidia e quella grinta di malandrino che un immoralista come lui dovrebbe avere sempre addosso.” Secondo Tian il rischio dello spettacolo è quello che “tutto si riduca a una storia di corna che crescono e pance che si gonfiano fra un pettegolezzo e l’altro.”55 Altri recensori hanno visto lo spettacolo e il Liolà di Pagliai con ancora altre impressioni. Secondo Paolo Emilio Poesio il regista ha sottolineato la discendenza di Zio Simone da Mazzarò del racconto verghiano La roba (una caratteristica smentita dalla recensione di Chiaretti, cfr. più avanti) e a differenza delle recensioni citate scorge una ricca psicologia, del protagonista, il quale si distingue per la “robustezza morale” e il quale risulta “forte e dolce, crudele e simpatico, gaio e profondamente malinconico, come può essere chi si sente intimamente solo e incapace di perdere la propria libertà per sottomettersi alle ipocrisie del mondo.”56 Tommaso Chiaretti sostiene il parere che la messa in scena “è affrontata da Ugo Pagliai con molta simpaticissima aggressività, ma certo con la quasi sfrontata distanza da tutti quelli che sono i dichiarati famosi «valori» del testo, la terra di Sicilia, il maschio di Sicilia, il senso altezzoso della supremazia fertilizzatrice di femmine, la cupa presenza verghiana della «roba» come valore”. Vede, dunque, similmente a Prosperi, il distacco dalla Sicilia come esplicito e programmatico. “Se non ci fosse stata quella forte attenzione ad un impianto naturalistico della scena”, 53 Ibidem. 54 G. Davico Bonino, Pagliai povero seduttore nella Sicilia da cartolina, “La Stampa”, 10 novembre 1983. 55 R. Tian, L’immoralista di campagna, “Messaggero”, 12 gennaio 1984. 56 P. E. Poesio, Uno per tutte, tutte per Liolà, “La Nazione”, 16 luglio 1983. 178 continua il recensore, “lo avremmo potuto pensare, un Liolà astratto celebratore di un disegno un po’ più perverso, che non è di sesso ma di testa [. . . ] La sua menzogna, la sua beffa, il tranello è tutto in fuori, non sordo, esplicito, ha la grazia della pochade, è condotto con dissenzione un po’ antica, fortemente affabulatoria, una sorta di fiaba paesana con una lieve morale. Anche l’idea del Liolà ragionatore, causidico, loico, costruttore di perverse reti e panie per uccelletti di passo, gli è lontana.”57 Edizione Luigi Squarzina (Geppy Gleijeses come Liolà), 1990 Se l’edizione Mangano-Pagliai ha cercato di allontanare la storia di Liolà dall’ambiente siciliano, l’allestimento di Luigi Squarzina, rappresentato per la prima volta a Benevento, persegue questa strada ancora più radicalmente, sia con la scena atipica, astratta e solo vagamente siciliana che ha incuriosito tutti i recensori, sia con l’invito a Geppy Gleijeses di portare sulla scena un Liolà a prima vista piuttosto improbabile: “Dopo avere attraversato il repertorio drammatico-esistenziale [. . . ] Geppy Gleijeses giunge per la prima volta a Pirandello con una scelta apparentemente contraddittoria, come del resto è la sua stessa figura d’attore: «brillante» a dispetto di un fondo tenace di malinconia; napoletano, ma coi capelli biondi di un antenato olandese”.58 Secondo Renzo Tian, Gleijeses impersona uno dei due possibili Liolà: non quello farsesco, inaugurato da Musco, ma quello “più sottile ed ambiguo, un «loico», [. . . ] Questo Liolà riflessivo è interpretato con buona coerenza da Geppy Gleijeses, un attore che è agli antipodi dello stereotipo vitalistico e agreste, con un’immagine dove al colore si sostituisce il chiaroscuro.”59 Leggiamo la breve descrizione della scena fornita da una voce dello staff, l’attrice Miranda Martino: “A sottolineare la diversità da ogni altra precedente messinscena, Liolà avrà una scenografia che elimina ogni folklore. Ci sono la campagna, la [sic!] fattorie, le masserie, ma tutto, alla fine, sembrarà [sic!] inserirsi nelle strutture di un teatro greco.” L’edizione è approntata con la convinzione che Liolà: “non è solo una gioiosa commedia agreste con un contadino vitale e vivace. È un testo ricco di malinconia e di amarezze e lui è un contadino «intellettuale», che ragiona, riflette, in tutta la logica pirandelliana.”60 La dichiarata eliminazione di aspetti folcloristici è però messa in discussione da Renzo Tian: “il colore si affaccia in altre zone dello spettacolo. Nonostante che la scenografia di Paolo Bregni cerchi di operare un distanziamento (pietre di teatro greco antico, frammenti di casupole lignee di stampo ruzantiano, un siparietto brechtiano), il gruppetto femminile che ruota intorno al protagonista finisce per assumere ritmi e colori di un cerimoniale folclorico.”61 57 T. Chiaretti, La favola amara di Liolà, vero maschio di Sicilia, “la Repubblica”, 3 agosto 1983. Altre recensioni: G. A. Cibotto, Liolà, il culto della roba, “Il Gazzettino”, 6 novembre 1983; L. Ravazzin, Applausi per Pagliai e Gassman nel campestre Luigi Pirandello, “L’Arena”, 27 novembre 1983; F. de Ciuceis, Intrighi sull’aia, “Il Mattino”, 1 marzo 1984; Idem, Seduttore campagnolo tra beghe e rivalità, “Il Mattino”, 28 febbraio 1984. 58 M. Giammusso, Un contadino in altalena fra mietitura e vendemmia, “Corriere della Sera”, 12 dicembre 1990. 59 R. Tian, Il piacere della libertà, “Messaggero”, 6 dicembre 1990. 60 M. P. Fusco, Miranda Martino la zia Ninfa di Liolà, “la Repubblica”, 14 settembre 1990. 61 R. Tian, cit. 179 Alcune insicurezze commentate dalle recensioni citate sono con maggiore decisione denunciate da Enrico Fiore, il quale obietta al regista che “sembra essere incapace d’imboccare una direzione univoca.” L’incongruenza tra i singoli aspetti della messa in scena riguarda “un’ingiustificabile e insopportabile tenerezza patetica” nel caso delle alterazioni nel testo delle canzoni, che sono “peregrine musiche originali di Matteo D’Amico”, il “siparietto brechtiano”, lo “«straniamento» costituito dal chitarrista che sale e scende a vista del palcoscenico”, “il minuzioso realismo «televisivo» degli strumenti della fatica contadina”, le “pietre corrose dal tempo che alludono alle rovine di un teatro greco”, una “contraddittorietà espressiva (nel solco di un’indistinta parlata «meridionalese», i “costumi strenuamente naturalistici di Paolo Bregni”. E addirittura lo stesso Gleijeses “si rivela abbastanza convincente nei momenti di scontro dialettico, ma di pari passo troppo di frequente indulge a «gags» da avanspettacolo”.62 Edizione Maurizio Scaparro (Massimo Ranieri come Liolà), 1991 Come abbiamo visto nelle recensioni citate, i registi realizzano un sempre più grande distacco da Liolà concepito come trionfo folkloristico. Anche Scaparro, con le compagnie degli stabili di Genova e Palermo, persegue questa linea, con successo, però, discutibile.63 Merita una lunga citazione la valutazione espressa da Masolino d’Amico, forse la più negativa in assoluto nella nostra piccola antologia: due importanti teatri come quelli di Genova e Palermo coalizzati sbagliano clamorosamente [. . . ]. dei tanti Liolà che ricordo (Millo, Modugno, Cirino, Mollica, Pagliai, Glejeses, [. . . ]) nessuno parve mai convincente, con la sola eccezione di quello, più di trent’anni fa, con l’inarrivabile Turi Ferro giovane, e i grandi vecchi Rosina Anselmi e Umberto Spadaro. Rispetto ai quali, e rispetto alla tradizione più diffusa, la regia di Maurizio Scaparro ha voluto distinguersi facendo piazza pulita di tutto il retaggio folkloristico: niente zàgare, niente fichidindia, niente coppole o carretti dipinti; e quasi nessuna allusione linguistica, la versione scelta essendo quella colta e toscaneggiante (dello stesso Pirandello, si capisce), non insaporita da accenti meridionali né dal recupero di qualche costrutto o vocabolo vernacolare, se non in un paio di cantate. E niente realismo nella scena di Roberto Francia, dove la campagna è suggerita da una specie di alta siepe forse di grano maturo, e l’azione si svolge su di un piano rialzato e circolare di finta pietra inizialmente dominato da un alberello che il programma di sala identifica per un fico saraceno: qualcosa che può richiamare una piazza o un teatro greco, ma che somiglia anche a quelle piattaforme a forma di tortino su cui si svolgevano certi numeri nei musical americani. [. . . ] Dico solo che rinunciare a collocarne [di Liolà] la trasgressività in un contesto riconoscibile vi apre una lacuna che andrebbe colmata in qualche modo. D’Amico è ugualmente scettico per quanto riguarda la recitazione della “compagnia francamente non all’altezza”, in cui si sono presentate “attrici desolante62 E. Fiore, Il mito emigra nel varietà risognando Bertold Brecht, “Il Mattino”, 16 settembre 1990. Altre recensioni: Idem, Liolà, filosofo dei campi, “Il Mattino”, 21 aprile 1994; (anon.), Gleijeses, un Liolà misurato e malinconico, “Il Tempo”, 6 dicembre 1990. 63 Su internet è disponibile un breve filmato di questa messa in scena: http://video.google.com/videoplay?docid=-1173248513147278927 180 mente anonime, e vestite più o meno allo stesso modo”, delle quali “due hanno addirittura lo stesso difetto di pronuncia, la esse blesa”. Tra di loro “Massimo Ranieri fa quello che può per risultare simpatico, compreso cantare canzoni alla maniera di Modugno, su belle ma incongrue musiche di Nicola Piovani; ma, isolato, dalla mancanza di un ambiente antagonistico (contro chi si batte costui?), non può graffiare; può al massimo intenerirci a tradimento quando manipola e sbaciucchia tre piccolissimi marmocchi introdotti a tal fine.”64 Renzo Tian confessa di aver visto ripetersi “uno strano fenomeno: come di un treno che partiva dalle stazioni registiche più diverse ma poi, per una imperscrutabile conginza degli scambi, si ritrovava a imboccare quasi sempre lo stesso binario. Che era quello della sagra campestre o quadretto agropastorale, un folclorico affresco ravvivato da erotici pimenti dove canti e danze servivano a celebrare un rito viatalistico di maniera.” Scaparro “tiene altro e diversissimo viaggio”, aiutato dalla scena di Roberto Francia: “Siamo da qualche parte e in qualche tempo nel Mediterraneo”. La distanza dalla Sicilia “ci riconduce a cercar di capire cosa ci sia veramente, nel testo che Pirandello amò moltissimo, sotto la crosta festevole e paesana che molte regie gli hanno appiccicato sopra.” “Cosı̀ nello spettacolo di Scaparro si profila un Liolà che non è né animalesca vitalità, né virtuoso filosofeggiare, ma piuttosto una energia compresa e spontanea, pronta a scattare. Non astuzia contadina, ma distillazione di fantasiosi pensieri e giocosa strategia di mosse, gli fanno guidare l’offensiva contro la paternità intesa come dignità sociale e la «roba» come ricchezza da acquisire con cupidigia e tramandare ad ogni costo. [. . . ] Ranieri dà al suo Liolà la tensione vitale che lo anima, ma anche l’ironia e il freddo talento ragionativo che guidano le sue azioni. Come folletto perturbatore della quiete, nemico della vita «seria» o assestata, Ranieri è impeccabile. E anche le canzoni che, a leggerlo nel testo pirandelliano in lingua sanno a volte di riempitivo, qui sono veramente un «recitar cantando» e non un intermezzo coloristico.”65 Molto meno radicale, ma comunque non completamente soddisfatto, si mostra Franco Quadri, convinto che Liolà sia “un capolavoro sulla carta che si appiattisce sulla scena”. Quindi sembra proporre il ritorno alla più espressiva versione dialettale “che restituisca a questa beffa classica la immediatezza del suo senso panico.” Il recensore constata che le precedenti messe in scena “hanno finito col rinchiudere la commedia in uno scontato cliché di gesti senza verità e movimenti senza vita, un rituale esausto sotteso alla proposta di un aneddoto boccaccesco trattato secondo una concezione manieristica della sicilianità.” Gli sembra che “con l’ingresso di Massimo Ranieri [. . . ] entr[i] la tentazione del musical, con una coreografia che lo conduce a distribuire dosi di note tra le femmine, e a serbare il proprio atletismo per innalzare e far piroettare il trio dei bambini”, mentre “l’attore, tra gli scatti da clown, non si fa pregare per intonare e rilanciare il ritornello felicemente musicato da Nicola Piovani.” Quadri apprezza l’assenza di ornamenti siciliani presenti in altre edizioni, ma sostiene che “neppure questo Liolà smette di riprodurre l’artificiosità delle edizioni già viste [. . . ] Nonostante le depurazioni, il Mediterraneo rimane inquinato. E ahimé la recitazione si adegua, con l’eccezione di Ranieri, facilitato 64 M. 65 R. d’Amico, Ranieri, proibito graffiare, “La Stampa”, 18 ottobre 1991. Tian, “Liolà”, contadino stratega, “Messaggero”, 18 ottobre 1991. 181 dalla scioltezza canora e dalla simpatia, ma con scarsa autorità nel dare un’impronta al personaggio.”66 Sulla scia delle dichiarazioni di Ranieri per la stampa una parte della critica ha visto, o ha voluto vedere, in Liolà soprattutto una specie di ribelle contro l’ordine sociale. Cosı̀ Paolo Lucchesini scopre nella commedia un “Pirandello sociale”: “Liolà non è più di bracciante scapestrato scacciapensieri e donnaiolo, ma un uomo consapevole fiero del proprio stato, convinto che, più figli avrà, potrà forgiare altri uomini sani e felici come lui.”67 Nell’intervista condotta da Enrico Fiore, Massimo Ranieri ha confermato il pieno accordo con il regista nel sottolineare “il sapore greco (e mediterraneo in genere)” della commedia, ha mostrato la propria simpatia per l’irriverente “pazzariello” ricordando anche la vicinanza di Liolà ad un altro carattere da lui in precedenza impersonato, il pazzo Feste de La dodicesima notte di Shakespeare. Ranieri vede in Liolà uno “che si sente stretto nelle maglie di una società che non gli appartiene”, un “sessantottino”, “un ideale, un’utopia o, come dice Scaparro, un autentico hippy.”68 Enrico Fiore, nella descrizione della scena che assomiglia al teatro greco, osserva che “spesso Liolà, come un vero e proprio sacerdote, spunta da dietro quell’«altare»”. Sottolinea il ruolo del mito della terra e della fecondità in questo allestimento in cui si svolge tutto “in direzione di una solarità mediterranea a sua volta sottolineata da fugaci brani in dialetto siciliano e, specialmente, da una connotazione napoletana che s’accampa a partire già dalla composizione del «cast»”. Secondo Fiore tale connotazione non nuoce, essendo storicamente giustificata dalla messa in scena della compagnia dei De Filippo: essa “s’esalta e impreziosisce nell’interpretazione di Massimo Ranieri. Il quale, dando luogo a quella che – per stile, virtuosismo tecnico e capacità espressiva – è forse la migliore prestazione teatrale della sua carriera, attribuisce al personaggio di Liolà [. . . ] i tratti e movenze del «pazzariello» [. . . ]. Qualche contraddizione e qualche scompenso si verificano, invece, per quanto riguarda il rimanente della compagnia.”69 La valutazione è migliorata, quando Fiore recensice lo spettacolo con una notevole distanza cronologica dalla prima: “Rispetto alla «prima» di Genova, comunque, è cresciuto anche il rimanente della compagnia”.70 Mettendo in risalto la figura ribelle di Liolà, Leonardo Jattarelli trova in questa edizione molti tratti di attualità: “Siamo all’alba della nuova generazione, i figli proiettati in un domani migliore: la donna madre, femmina da mettere incinta; voglia di libertà, disprezzo per la «roba» e malinconia.” Massimo Ranieri, secondo il critico, è un “eterno scugnizzo di una Napoli che non sa più riconoscere”. Jattarelli si ispira in queste affermazioni alle parole dello stesso Ranieri, il quale ricorda: “certi sapori, certi profumi della mia Napoli bambina, pulita e spontanea che ora non ritrovo [. . . ] le immagini di me ragazzino che canto nei ristoranti con una chitarra da quattro soldi per dar da mangiare ai miei sette fratelli.” Per Ranieri 66 F. Quadri, Ed ecco Liolà clown, poeta e vagabondo, “la Repubblica”, 18 ottobre 1991. Lucchesini, Ranieri fauno gentile, “La Nazione”, 20 febbraio 1993. 68 Quell’hippy siciliano pare un sessantottino [Intervista di E. Fiore a M. Ranieri], “Il Mattino”, 23 dicembre 1991. 69 E. Fiore, Il pazzariello sull’altare, “Il Mattino”, 18 ottobre 1991. 70 Ibidem. 67 P. 182 il testo “è di un’attualità sconvolgente. [. . . ] Liolà è un ragazzo-padre nei nostri giorni, è un hippy, un ribelle, un punk dai capelli dritti gelatinati”. Alla fine, nello spirito del detto latino “in cauda venenum”, citiamo la recensione di Giovanni Raboni, una recensione che si distanzia da tutte le altre dedicate a questa edizione, rifiutando energicamente l’interpretazione di Liolà come ribelle sociale e disprezzando anche la commedia stessa: Come questo imbecille irresponsabile [Liolà] sia potuto assurgere, nelle elucubrazioni della critica, a simbolo della rivolta libertaria contro le oppressive convenzioni sociali, è un mistero, su cui bisognerebbe, avendone il tempo, indagare. C’è persino chi (a cominciare da Gramsci, che in nome del “Nazional-popolare” preferiva di gran lunga questo Pirandello bozzettistico-rurale al Pirandello concettoso-borghese) ha parlato della commedia come di un capolavoro. Personalmente, la trovo insopportabile; e tale mi è sembrata ancora una volta nella riesumazione compiutane da Scaparro nel quadro dei suoi ben noti interessi per il teatro “mediterraneo”. [. . . ] Ne è risultata, con l’aiuto delle canzoni appositamente composte da Nicola Piovani, una sorta di commedia musicale, dove quel tanto di sgradevole (e dunque di vitale) che il testo potrebbe comportare svapora in un generico ottimismo televisivo, e persino la congenita asprezza regionale dell’ambientazione lascia il posto (grazie alle scene di Roberto Francia) a un paesaggismo manierato e indolore.71 Edizione Gigi Dall’Aglio (Franco Castellano come Liolà), 2002 Cronologicamente ultima, e nell’archivio Burcardo poco documentata, edizione di Liolà è quella approntata da Gigi Dall’Aglio con Franco Castellano nel ruolo del protagonista e con la compagnia del Teatro Greco di Roma. Abbiamo la testimonianza di Masolino d’Amico che giudica negativamente l’edizione. Va notato, in questa sede, che anche in altre recensioni d’Amico si mostra molto negativo nel giudicare le varie edizioni di Liolà, a suo avviso incomparabili con quella di Turi Ferro: “Non ricordo infatti uno solo allestimento di Liolà veramente felice tra i molti in italiano ascoltati negli anni (mentre era sublime quello storico in siciliano, sia pure addomesticato, di Turi Ferro).” In questo spettacolo il critico scorge diverse incongruenze: L’ambientazione di questo Liolà è pertanto non verista, o meglio, si ispira a uno pseudoverismo ottocentesco, di maniera, “pompier”: Sabina Chiocchio ha vestito le patinate contadine come pittoresche quanto improbabili campagnole di Michetti, con vesti colorite e ampie scollature; Emanuela Dall’Aglio ha concepito una scena altrettanto convenzionale, con al centro un grande albero molto finto e da un lato l’ingresso 71 G. Raboni, Il “Liolà” canterino di Massimo Ranieri, “Corriere della Sera”, 18 ottobre 1991. Altre recensioni: L. Jattarelli, “Il mio Liolà, giovane malinconico e ribelle”, “Messaggero”, 10 febbraio 1992; P. Lucchesini, Liolà libero e ribelle, “La Nazione”, 18 ottobre 1991; U. Ronfani, È Massimo Ranieri il Liolà di Scaparro, “Il Giorno”, 18 ottobre 1991; D. Danzuso, Liolà, il canto libero, “La Sicilia”, 6 dicembre 1991; E. Costantini, Un “fool” canterino, “Corriere della Sera”, 7 febbraio 1992; G. Prosperi, Diavoletto tribale il “Liolà” di Massimo Ranieri, “Il Tempo”, 6 febbraio 1992; T. Scaroni, Pirandello in musica per Massimo Ranieri, “Il Tempo”, 4 febbraio 1992; G. A. Cibotto, Liolà contadino diviso fra due amori, “Il Gazzettino”, 24 gennaio 1992. 183 di una grotta-casa incorniciato dalle enormi fauci di un mascherone da commedia classica. Le luci sono calde come i colori del paesaggio; ogni tanto due mime danzano vestite da fauno, con tanto di zampe pelose; e insomma il tutto si rifà a un meridione idealizzato da visitatori nordici. Secondo d’Amico “la stilizzazione provoca un senso di superficialità fin troppo giocosa, e in definitiva una mancanza di credibilità che alla lunga diventa stucchevole. Si parla di miseria, ma tutti sono ben abbigliati e ben nutriti; le ragazze sono troppo carine; e il Liolà di Franco Castellano, alto e biondo, non proprio adolescente, dai gesti misurati [. . . ] è un Liolà signorino, un gentleman travestito per giocare con damine camuffate da pastorelle.”72 Pirandellova Sicilská komedie a její inscenační osudy v Itálii Resumé Příspěvek nejprve krátce připomíná okolnosti vzniku jednoho z nejúspěšnějších divadelních kusů Luigiho Pirandella Sicilské komedie (Liolà), která je i v Česku nejhranější Pirandellovou komedií. Na základě asi osmdesáti recenzí uchovaných v archivním fondu Burcardo v Římě následně rekonstruujeme podobu jednotlivých italských inscenací, zejména z hlediska interpretace komedie a hereckého výkonu v hlavní roli. Ohlas u odborné kritiky článek zahycuje četnými citacemi z nejzajímavějších recenzí. Luigi Pirandello’s Liolà and Its Stage Fortunes in Italy Summary First the article mentions the circumstances of the origin of Pirandello’s successful play Liolà, which is in the Czech Republic the most frequently staged of Pirandello’s comedies. Second, using about eighty reviews found in the Burcardo theatre archive in Rome, the article tries to reconstruct aspects of each single Italian performance, pointing particularly at the interpretation of the meaning of the comedy and at the way in which the leading part of Liolà is acted. The opinions of the critics are shown by means of quotations from the most interesting reviews. Jiří Špička Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc 72 M. 184 d’Amico, “Liolà” non è un tipo da salotto, “La Stampa”, 25 novembre 2002. ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 La conscience du mythe familial dans Le mystère Frontenac de François Mauriac Jiří Šrámek Dans les romans mauriaciens, les thèmes des rapports de parenté sont omniprésents. Comme, parmi les intérêts qui poussent les différents membres de la « grande famille » à agir, dominent la propriété et les partages, tout comme la sexualité et la passion, la famille n’est pas forcément un lieu sûr, une sorte d’univers clos qui met l’individu à l’abri des tempêtes de la vie comme on pourrait le croire en lisant la description de la chambre de la mère, passage qui ouvre Le Mystère Frontenac. Les impulsions qui naissent au sein de la famille finissent par dépasser le cadre familial pour assumer un rôle important dans l’ensemble de l’intrigue où diverses ambitions individuelles, souvent égoı̈stes, cherchent à s’accomplir. Néanmoins, si les personnages mauriaciens sont des êtres imparfaits, voire déchirés, ils ne sont jamais oubliés par Dieu, source de l’amour et de la grâce. Or, en dernier ressort, l’œuvre de Mauriac est un « témoignage du chrétien », bien que l’auteur refuse d’être considéré comme « un romancier catholique ». Avec Le Mystère Frontenac, ses «mémoires imaginaires»1 qui sont la fuite dans le monde de l’enfance devant l’angoisse de la mort, Mauriac «remonte à ses sources»2 . Le roman, conçu par l’auteur « comme un hymne à la famille au lendemain d’une grave opération » et de la maladie durant laquelle les siens l’avaient entouré d’une sollicitude tendre3 , thématise « cette union éternellement indissoluble de la mère et de ses cinq enfants »4 . François Mauriac dit, dans « Le roman bourgeois » (Écho de Paris, 8 octobre 1932) qu’il voulait peindre « le mystère d’amour d’une bonne 1 Cf. François Mauriac, « Préfaces », Le Mystère Frontenac (tome IV des Œuvres complètes), 1951, in : Œuvres romanesques et théâtrales complètes, II, Appendice I, Gallimard, Paris 1979, p. 885. 2 Yves Leroux, « Les références poétiques dans Le Mystère Frontenac », Nouveaux Cahiers François Mauriac, No 12, Grasset, Paris 2004, p. 111. 3 François Mauriac, «Préfaces», Le Mystère Frontenac (tome IV des Œuvres complètes, 1951), in : François Mauriac, Œuvres romanesques et théâtrales complètes, II, Appendice I, Gallimard, Paris 1979, p. 886. Le Mystère Frontenac a été publié en février 1933. En mars 1932, atteint d’un cancer, l’auteur devait subir l’ablation d’une corde vocale. 4 François Mauriac, «Préfaces», Le Mystère Frontenac (tome IV des Œuvres complètes, 1951), in : François Mauriac, Œuvres romanesques et théâtrales complètes, II, Appendice I, Gallimard, Paris 1979, p. 885. 185 famille de chez nous »5 . Dans Le Mystère Frontenac, roman tendant à devenir une expression spécifique d’une expérience profonde et ancienne, le thème de la parenté familiale fait figure d’un signe qui, tout en étant bien compréhensible, relève d’un procédé de poétisation mise au service du fonctionement de ce qu’on peut appeler un mythe personnel. On songe ici à la théorie barthésienne selon laquelle le mythe d’aujourd’hui est avant tout une sorte de discours, un système de communication, ou – dans les termes sémiotiques – une forme de signes dont le signifiant même est un signe entier. Le mythe mauriacien apparaı̂t comme un réseau dynamique de significations qui, sous l’impulsion d’un concept général, coopèrent dans la structure narrative du récit. Étant à la recherche de la lignée mythique, nous sommes toujours dans le domaine de l’implicite, comme le mythe, même personnel, n’est pas fondé sur des faits vérifiables. Aussi la formation de ce mythe personnel n’est-elle pas à entendre comme une invention, mais plutôt comme une actualisation du vécu, une sorte de réminiscence qui n’étant pas strictement autobiographique, se voit transformée par un procédé poétique. Les rapports entre les (beaux-)frères et les (belles-)sœurs, et notamment entre les frères, constituent une composante essentielle du phénomène complexe et peu transparent, appelé « mystère Frontenac », mythe de famille. Chez Mauriac, le milieu familial est souvent considéré comme le domaine spécifique des femmes6 . Après la mort de son mari, Michel Frontenac, Blanche, née demoiselle Arnaud-Miqueu, devient ainsi tout à fait logiquement la gardienne des derniers Frontenac. N’empêche qu’elle demande conseil à son beau-frère Xavier, attaché au souvenir de son frère décédé, pour tout ce qui concerne les enfants, respectant ainsi la position que les traditions patriarcales attribuaient au chef de famille. C’est pendant l’absence de Blanche, soignant sa mère malade, qu’oncle Xavier, sur les demandes répétées des enfants Frontenac, donnait, en quelques coups de canif, l’aspect d’une barque à une écorce de pin, et y plantait une allumette-bougie. Les enfants, arrivés au seuil de l’adolescence, vont s’imaginer un bateau-phare qui passerait l’océan Atlantique « avec sa cargaison de mystère Frontenac »7 (pour reprendre les paroles d’Yves)8 . En affirmant que le mystère Frontenac « échappait à la destruction, car il était un rayon de l’éternel amour réfracté à travers une race », Yves, voulant croire à un souvenir, fait une profession de foi sans garantie. En effet, on commence par se demander si les rapports de parenté dont il est question chez les Frontenac où « tout se passait, comme s’il y avait eu communication entre l’amour des frères et celui de la mère», sont l’expression d’un sentiment inné : on se demande ce que Blanche Frontenac pouvait faire « pour rendre ses fils 5 Cf. Jacques Petit, Notice [sur Le Mystère Frontenac], in : François Mauriac, Œuvres romanesques et théâtrales complètes, II, Gallimard, Paris, 1979, pp. 1 239–1 240. 6 L’auteur se remet en mémoire « le régime de cette famille provinciale », « le matriarcat » en tant que régime qui « réglait les rapports familiaux » (François Mauriac, Nouveaux mémoires intérieurs, in : Œuvres autobiographiques, Gallimard, Paris, 1990, p. 726. « Dans ce royaume de mon enfance, les femmes régnaient ou elles servaient. Elles étaient impératrices ou esclaves » (François Mauriac, Ibid., p. 730). 7 L’expression qui apparaı̂t ici pour la première fois n’était pas le titre primitif du roman (cf. Jacques Petit, Notes et variantes [sur Le Mystère Frontenac], in : François Mauriac, Œuvres romanesques et théâtrales complètes, II, Gallimard, Paris, 1979, p. 1 265). 8 François Mauriac, Le Mystère Frontenac, in : Œuvres romanesques et théâtrales complètes, II, Gallimard, Paris, 1979. Sauf indication contraire, toutes les citations suivantes renvoient à ce titre. 186 différents de ce qu’ils étaient devenus ». En effet, si tous les membres de la famille campagnarde, initiés au mystère, sont censés remplir les fonctions échelonnées d’un ensemble homogène, il n’y a pas de conseils spéciaux à ce propos. Seulement, peu à peu, la vie des enfants qu’Yves Frontenac s’imagine « simple et normale » se voit transformée en un destin. Si le mystère Frontenac peut se présenter éventuellement comme une tâche à accomplir, rien n’en garantit le succès, les membres de la famille n’étant pas des êtres privilégiés. Même chose si leur tâche est transformée en une mission visant les dimensions métaphysiques (n’est-ce d’ailleurs pas là qu’il faut situer de véritables mystères ?) comme chez Yves quand il parle du seul devoir : envers ce que nous portons, envers notre œuvre, « ce secret de Dieu déposé en nous et qu’il faut délivrer ». À vrai dire, il est impossible de négliger l’aspect religieux du mystère Frontenac, la religiosité de Blanche Frontenac et de son fils Jean-Louis aussi bien que la tonalité spirituelle des premiers poèmes d’Yves. Un Frontenac sait « qu’il n’y a pas de sortie sur le néant », qu’il faut être « une personne, un homme différent de tous les hommes », « tenir sa propre existence entre ses mains » et la juger « sous le regard de Dieu ». Néanmoins, le « mystère Frontenac » n’est pas forcément basé sur les traditions de la foi catholique, comme en témoigne l’anticléricalisme du feu Michel Frontenac ou bien celui de l’oncle Xavier, athée et matérialiste9 . Le côté matériel («l’esprit de famille») et le côté transcendental («le mythe de famille») se voient opposés dans une sorte de dispute entre Blanche et Xavier. Quand Blanche apprend que son beau-frère entretient « une petite dame » à Angoulême, Josépha, elle en est secouée : « l’esprit Frontenac l’avait envahie toute entière ». Dussol, directeur de l’usine appartenant aux Frontenac, présente de Blanche une image qui est « dépouillée du mystère Frontenac » : « une femme de tête » qui est « la raison même », « l’équilibre, le bon sens incarné », « une femme d’affaires » qui aime «l’argent» et «la terre». Cependant, Blanche se forgeait à propos de Xavier, au nom de la morale chrétienne, évidemment, « le plus étrange devoir : les enfants dussent-ils y perdre une fortune, elle pousserait son beau-frère au mariage ». Xavier, lui, au contraire, ne se marierait jamais : selon sa logique, donner le nom de Frontenac à une femme de rien, ce serait un sacrilège. Défenseur de « l’ordre établi », Xavier Frontenac, à la différence de sa belle-sœur, conçoit la famille comme un clan, une communauté d’intérêt : Xavier connaı̂t et respecte « une loi Frontenac », secrète et obscure, qui l’oblige de gérer le patrimoine pour le compte des enfants de Michel, alors que Blanche, obéissant à la foi, doit placer la morale religieuse au dessus-de l’intérêt matériel. Le symbole de la solidarité qui existe entre les différentes générations de la famille Frontenac est représenté par la chartreuse du XVIIIe siècle où plusieurs générations de Frontenac avaient vécu et où demeure tante Félicia Frontenac, idiote et monstre depuis sa naissance par suite de la faute du médecin. Xavier jure que, de son vivant, Félicia ne quittera pas la maison de famille. En outre, lors de ses visites, il descendait aussi au cimetière : le Frontenac vivant se découvrait ici devant les 9 « Notre tuteur, le frère de mon père [. . . ] s’opposait sur un point essentiel à ma mère : irréligieux, agnostique, peut-être athée, comme l’avaient été mon père et mon grand-père, il ne le manifestait jamais dans ses propos ; ma mère ne l’eût pas souffert; mais il n’entrait pas à l’église. » (François Mauriac, Nouveaux mémoires intérieurs, in : Œuvres autobiographiques, Gallimard, Paris, 1990, pp. 728–729). 187 Frontenac retournés en poussière10. Or, l’idée de la vie éternelle11 , sans perdre sa dimension transcendentale et spirituelle, est capable de revêtir en même temps des aspects bien matériels qui permettent de visualiser le lien qui réunit les générations mortes avec les générations vivantes. Aussi Blanche et Xavier savent-ils bien qu’il faudra qu’un jour, après leur mort, Jean-Louis, l’aı̂né, devienne le chef de la maison et le protecteur de ses cadets. Un lien matériel préservant des intérêts financiers de la famille, Xavier et Blanche croient qu’un Frontenac doit mettre le nez dans les affaires. Jean-Louis, bien qu’il soit désireux d’étudier la philosophie et d’être nommé dans une faculté, leur obéit et se charge de la gestion de l’établissement familial. La grande idée de Jean-Louis était d’intéresser le personnel à la gestion, ses préoccupations sociales faisant songer au « Sillon »12 . Dans la jeune génération, les rapports entre Jean-Louis et Yves vont remplacer ceux qui existaient, dans la génération précédente, entre Blanche et Xavier, rapports permettant de faire vivre le mystère Frontenac. Le rôle de l’élément féminin est désormais diminué, voire supprimé. Les jeunes ménages des sœurs, Marie et Danielle, ont loué une villa où il n’y avait pas de place pour la mère. Marie et Danielle trouvent aussi que c’est indécent de la part de Josépha de demander à Jean- Louis la permission d’offrir aux Frontenac ses vœux au Jour de l’An, alors qu’Yves pensait que « l’humble Josépha », qui admirait les Frontenac et trouvait en Jean- Louis un nouvel objet de culte, « était entrée dans le mystère Frontenac » et « en faisait partie ». Les sentiments sincères et profonds qui lient Jean-Louis à Yves y jouent un rôle essentiel : « il suffit à des frères d’être unis par les racines comme deux surgeons d’une même souche, ils n’ont guère coutume de s’expliquer : c’est le plus muet des amours ». Comme le fait remarquer Claude Mauriac dans La Terasse de Malagar, François Mauriac dit de sa nouvelle œuvre que «c’est le roman de l’amour fraternel »13 . Cependant le troisième frère, José, le cadet, toujours et en tout le dernier de sa classe, comme Jean-Louis en était le premier, n’y participe pas. Comme il a fait des dettes et avait une liaison avec une fille de rien, la famille l’a éloigné ; néanmoins, le malheureux finit par revenir à sa tâche, avant de tomber en août 1915. Jean-Louis, le nouveau chef de la tribu, un homme profondément religieux, semble être tout à la hauteur de sa mission quand il explique à Yves qu’il n’est pas question de son bonheur personnel, mais de son devoir d’« agir en vue du bien 10 François Durand (« Notices, notes et variantes », in : François Mauriac, Œuvres autobiographiques, Gallimard, Paris, 1990, p. 1 029) constate cependant que « le célèbre finale du Mystère Frontenac » où Mauriac « représente l’au-delà comme une vie continuée où la famille se trouve réunie comme sur terre n’est pas vraiment représentatif de sa pensée: c’est d’ailleurs Yves Frontenac qui parle, non Mauriac ; et il le fait pour rassurer sa mère. » 11 « Je crois à la vie éternelle. Mais qu’est-ce que cela signifie, je n’en sais rien. Et je n’attends pas, mais pas du tout, à une vie continuée, retrouvée sous sa forme personnelle. Ce que nous perdons, nous ne le retrouverons pas – accédant à la vie sans être réduit à notre vie individuelle. » Claude Mauriac rapporte ces paroles significatives prononcées par son père le 10 janvier 1956 dans Signes, rencontres et rendez-vous, Grasset, Paris, 1983, p. 215. (Cité par François Durand, voir note 10 ci-dessus.) 12 Jacques Petit, Notice [sur Le Mystère Frontenac], in: François Mauriac, Œuvres romanesques et théâtrales complètes, II, Gallimard, Paris, 1979, p. 1 239. En 1906, Mauriac adhère au « Sillon » de Marc Sangnier, pour le quitter en 1907. Le « Sillon » sera condamné par le pape Pie X en 1910. 13 Cf. Jacques Petit, Notice [sur Le Mystère Frontenac], in : François Mauriac, Œuvres romanesques et théâtrales complètes, II, Gallimard, Paris, 1979, p. 1 241. 188 commun et dans l’intérêt de la famille ». Yves, jaloux, souffre de l’attachement de Jean-Louis pour Madeleine, sa femme, parce qu’une autre créature arrachait le grand frère à sa vie habituelle, et que lui, Yves, n’était plus « seul à détenir le pouvoir de l’enchanter ». Malgré cela, c’est toujours Jean-Louis qui propose à Yves d’envoyer ses poèmes au Mercure de France, seulement la carrière littéraire, rêve d’Yves, ne s’accomplit jamais : le poète en lui se voit condamné à l’échec. Heureusement, pour les Frontenac qui échouent, ne pouvant mener à bien leur tâche, il y a toujours la consolation à chercher dans ce mystère commun qui les dépasse. Voyons Yves qui, après la mort de l’oncle Xavier, mène à Paris une vie qui inquiète ses proches, bien qu’il y soit toujours un étranger parmi les gens qui ignorent absolument d’où il vient: «Le mystère Frontenac, ils n’en soupçonnent pas la grandeur », explique Yves à Jean-Louis. Là-bas, aucun secours ne lui semblait venir de sa famille, tout ce qui subsistait du mystère Frontenac « ne lui arrivait plus que comme les débris d’un irréparable naufrage ». Ce n’est pas enfin un hasard si c’est par l’intermédiaire du personnage d’Yves, qui peut passer pour un poète, que le mystère Frontenac est perçu dans le roman. Yves est « celui qui ressemble le plus à l’auteur »14 . Dans ses hallucinations, il voit sa mère morte, dont l’amour rayonnait autour de lui, au chevet de son lit, mais elle ne pouvait pas lui parler. Si Yves est sauvé, c’est qu’il réussit à vaincre la crise profonde grâce au « mystère Frontenac », tant à la présence (fictive) de sa mère qu’à celle (réelle) de son frère. La crise d’Yves fait songer à son échec poétique, mais on comprend que l’essence de celle-ci était en premier lieu sentimentale et morale. Ici, le mystère Frontenac devient pour Yves une source de la force qui donne le sens à sa vie. Souffrant et malade, il « éprouvait, avec bonheur, que plus rien ne le concernait », comme « Jean-Louis arrangerait tout ». Le remède, selon Jean-Louis, serait « [u]n foyer. . . une femme, d’autres enfants Frontenac », ce qui semble promettre et assurer la continuation du mythe de famille. Il est vrai que Jean-Louis aurait voulu surtout parler à son frère de Dieu, mais il « n’osa pas ». L’auteur a mis en épigraphe de son roman les vers extraits d’un fragment de Maurice Guérin, Glaucus 15 , où apparaissent les motifs de la nature. Le premier cahier du manuscrit porte sur la couverture : « FRONTENAC/L’Union des branches ?/L’emmêlement des branches. Les branches confondues »16 . Dans l’imaginaire romanesque mauriacien, la tonalité spirituelle du récit est accompagnée des thèmes de la nature. Le mythe personnel s’en voit chargé poétiquement : ce n’est que dans cette perspective que l’aspect terrestre du mystère Frontenac fait songer à une sorte de panthéisme familiale. L’atmosphère du roman où l’auteur a recréé « l’enfance qui se croit éternelle » restitue « l’atmosphère végétale » de son enfance, « l’allée du tour du parc à Saint-Symphorien, l’odeur de menthe et de térébenthine, les pins »17 . On y remarque l’idée de l’enracinement dans une terre où tout 14 Nelly Cormeau, L’Art de François Mauriac, Grasset, Paris, 1951, p. 93. de Guérin est un poète auquel Mauriac restera fidèle jusqu’au soir de sa vie (Yves Leroux, « Les références poétiques dans Le Mystère Frontenac », Nouveaux Cahiers François Mauriac, No 12, Grasset, Paris, 2004, p. 113). 16 Cf. Jacques Petit, Notes [sur Le Mystère Frontenac], in : François Mauriac, Œuvres romanesques et théâtrales complètes, II, Gallimard, Paris, 1979, p. 1 245. 17 François Mauriac, « Préfaces », Le Mystère Frontenac (tome IV des Œuvres complètes, 1951), in : Œuvres romanesques et théâtrales complètes, II, Appendice I, Gallimard, Paris, 1979, pp. 885–886. 15 Maurice 189 porte la trace d’une indestructible permanence. Les « pins Frontenac » du Parc meurent tous les ans, « [r]ongés comme des hommes », et la vie de « [l]’impossible union des époux, des frères et des fils » est suivie de près par « les derniers pins de Bourideys ». De façon analogue, au pays des Frontenac et des Péloueyre (une branche de la famille), on trouve des « chênes nourris depuis l’avant-dernier siècle des sucs les plus secrets de la lande ». Dans l’imagination d’Yves, c’est à leur ombre qu’il faudrait « creuser une profonde fosse pour y entasser, pour y presser les uns contre les autres, les corps des époux, des frères, des oncles, des fils Frontenac » qui pourraient ainsi « se confondre à jamais dans cette terre adorée, dans ce néant ». À Paris, Yves, malheureux et malade, se voyait « confondu avec le reste de la forêt humaine ». François Mauriac désigne le thème principal du Mystère Frontenac comme une « illusion » qu’il a « dénoncée » dans le reste de son œuvre18 . En effet, dans d’autres romans mauriaciens, les rapports entre les frères et les sœurs sont souvent associés aux problèmes amoureux ou même existentiels que ces personnages doivent résoudre : qu’il suffise de citer May et Edward Dupont-Gunther (La Chair et le Sang), Alain Forcas et sa sœur Tota (Les Anges noirs), Rose et Denis Révolou (Les Chemins de la mer ) ou Louis et Michèle Pian (La Pharisienne). En tout cas, le mystère Frontenac reste toujours un secret qui s’ouvre à plusieurs angles d’attaque. La polyvalence du terme rend bien compte de sa complexité qu’il n’est permis de réduire ni à l’aspect purement matériel, ni à la dimension toute spirituelle. Ce qui semble définir le mystère dans le roman en premier lieu, c’est le rapport qui existe entre Yves et Jean-Louis : dans leur génération, ce sont ces deux frères-là qui se voient appelés à (re)créer le mystère en le partageant et vivant pleinement. Vědomí rodinného mýtu v Tajemství Frontenaků od Françoise Mauriaka Resumé V Mauriakových románech hrají vztahy mezi jednotlivými členy rodiny významnou roli. „Tajemství Frontenaků je osobní mýtus, kterým se vysvětluje hluboká a trvalá sounáležitost rodiny, kterou si všichni její členové uvědomují. Nejde o zájmy výhradně materiální, ani o věrnost hodnotám duchovním, pozemské a nadpřirozené aspekty se naopak spojují v poetické vizi trvání rodu pevně zakořeněného v půdě. Ve stávající generaci vytvářejí a udržují „tajemství Frontenaků vdova Blanche a její švagr Xavier, v další generaci pak bratři Jean-Louis a Yves, který je postavou s výraznými autobiografickými rysy. 18 François Mauriac, «Préfaces», Le Mystère Frontenac (tome IV des Œuvres complètes, 1951), in : Œuvres romanesques et théâtrales complètes, II, Appendice I, Gallimard, Paris, 1979, p. 885. 190 The Conscience of the Family Myth in The Frontenac Mystery by François Mauriac Summary In Mauriac’s novels the relations existing between the different members of a family play an important role. “The Frontenac mystery” is a personal myth which explains a deep and perennial sentiment of solidarity of which all the protagonists are well aware. The question is more than material interests only, more than their common respect of spiritual values; it is the fact that terrestrial and supernatural aspects join together in a poetic vision of the continuity of a family clan firmly rooted in the land. In the contemporary generation the “mystery” of the Frontenacs is created and retained by the widow Blanche and her brother-in-law Xavier, in the coming generation by the brothers Jean-Louis and Yves, characters with clear-cut autobioghraphic features. Jiří Šrámek Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc République Tchèque 191 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 Les mots en campagne : la présidentielle 2007 Jitka Uvírová Introduction Chaque campagne électorale, la présidentielle par excellence, est d’abord un ensemble de mots. Des mots qui aident les candidats à exprimer et défendre leurs idées et projets, convaincre et séduire leur électorat potentiel, battre, discréditer, ridiculiser et anéantir les adversaires. Pour les médias, les périodes pré-électorale, électorale et post-électorale représentent une vraie récolte. Les candidats ont en effet besoin d’être médiatiquement visibles, et ils sont parfaitement conscients du fait que les médias ont une puissance phénoménale sur le monde et sur l’électorat. Une petite phrase préméditée, lancée habilement au bon moment, peut rapporter plus qu’un discours prononcé de la tribune. Une petite phrase qu’on laisse échapper imprudemment peut, au contraire, briser tous les espoirs électoraux. Mots-clés, petites phrases anodines, slogans, déclarations, promesses-phares sont largement diffusés, commentés, interprétés, analysés, contestés. Le discours électoral possède ses propres techniques de «gestion des foules1 ». Toute campagne électorale est génératrice de langue de bois. On a l’habitude de juger négativement ce type de discours, on le caractérise comme un assemblage de mots qui ne signifient rien, comme un discours vide, sans pensée, qui cherche à tromper, comme un langage de clichés. Ce sont des formules toutes faites, des collocations plus ou moins figées – quand on proclame quelque chose, c’est haut et fort, on éprouve une fierté indicible (que l’on dit à ses électeurs), la volonté de faire quelque chose est farouche, le désir est incontestable, le choix réellement impératif, le projet porteur de véritables espoirs, l’aspiration à quelque chose est plus que légitime etc. On cultive le pléonasme (actuellement en cours, monopole exclusif ). Juste après sa victoire, le nouveau président Sarkozy a fait savoir qu’il comptait utiliser la dizaine de jours qui lui restait avant sa prise officielle de fonction, pour se préparer à « habiter la fonction présidentielle, prendre la mesure de gravité des charges qui pèsent sur mes épaules, prendre la distance nécessaire pour devenir l’homme de la nation. » C’est un exemple excellent du discours institutionnel. La traduction en tchèque serait un exercice plutôt difficile. 1 Semprun, J., Défense et illustration de la novlangue française, Éditions de l’Encyclopédie des nuisances, Paris, 2005, p. 81. 193 En diplomatie, la langue de bois peut être utile – il s’agit d’un discours institutionnel, d’un outil qui facilite la description de la réalité – les mots adoucissent les choses qu’ils qualifient. Comme le rappelle André Grjebine, « . . . les politiques ne pourraient pas utiliser la langue de bois si elle n’était pas déjà diffuse dans l’ensemble de la société, se répandant tel un virus. Elle n’émane pas du politique, le politique s’en sert. »2 Un autre aspect sociolinguistique est souligné par Grjebine : « Il y a aussi une jouissance dans le conformisme. Haffner décrit très bien ce sentiment de camaraderie, de plaisir que l’on éprouve à marcher du même pas, à lancer les mêmes slogans, à chanter ensemble. On se sent solidaire, on se sent porté.»3 Les hommes (et les femmes) politiques en campagne cherchent à « se mettre en phase » avec leurs électeurs potentiels. L’appel à l’identification est courant, il se manifeste par des « Vous savez comme moi », « comme nous le savons tous », « Comme la plupart d’entre vous, je considère que. . . » etc. Pour se rapprocher des électeurs, on n’hésite pas à parler « branché » et « djeune »4 . Conscients de l’étiquette péjorative qui colle à ce genre de discours, certains politiques le dénoncent ouvertement et y renoncent publiquement – rappelons le livre de Jean-François Copé « Promis, j’arrête la langue de bois »5 où l’ancien ministre du Budget raconte sa traversée de quinquennat pour «établir un diagnostic sans tabou de la France d’aujourd’hui. » Les mots/phrases qui font du bruit Déjà dans la période pré-électorale, Nicolas Sarkozy, alors ministre de l’Intérieur, a suscité de vives émotions par ses propos jugés trop musclés, concernant l’affaire de la Cité des 4 000 (l’expression contestée « nettoyer la Cité au Kärcher6 ») ainsi que par le mot « racaille » lancé à la suite d’échauffourées à Argenteuil.7 Le leader du Front National, Jean-Marie Le Pen, a repris le mot en parlant dans ses meetings de la « racaille politicienne ». Pourtant, à cette époque-là, M. Sarkozy caressait déjà le rêve d’être président. On lui doit la locution exclusivement sarkozienne « faire président ». On rappelle souvent sa réponse très directe en novembre 2003 à un journaliste qui lui demande, sur le plateau de l’émission «Cent minutes pour convaincre», s’il pense à la fonction présidentielle : M. Sarkozy répond « Pas seulement quand je me rase. » Le nom de l’actuel président, M. Nicolas Sarkozy, malgré son origine hongroise8 , se prête facilement à la dérivation, à la troncation et à la composition : sarkozien, sarkozienne, sarkozyste, Sarkozie, Sarkoland, sarkozycratie, sarkoval, sarkos2 Grjebine, A., Zimra, G., « De la langue de bois au politiquement correct », Géopolitique, Revue de l’Institut International de Géopolitique, No 89, Paris, 2005, p. 54. 3 Ibid. 4 Djeune, djeun – prononciation maghrébine ou anglo-saxonne de jeune. 5 Hachette, Paris, 2006. 6 Parfois, les mots reviennent comme un boomerang. Quand le socialiste Bernard Kouchner est choisi pour participer au gouvernement Fillon, les médias constatent que Sarko veut nettoyer la gauche au Kouchner, on parle de Kouchner comme d’un « dé-kärchérisant » ; voir par exemple Le Canard enchaı̂né du 16 mai 2007 : « Sarko . . . pense s’en servir pour se dé-kärchériser l’image. » 7 On est allé jusqu’à considérer que ces mots auraient déclenché les émeutes des banlieues en novembre 2005. 8 Nicolas Paul Stéphane Sarközy de Nagy-Bocsa est le fils d’un immigré hongrois arrivé en France après la guerre. 194 tique, sarkophage, sarkothèque, sarkosettes, sarko-règne, Sarko, Sarkoléon9 , Sarkozyx. Le couple Cécilia – Nicolas Sarkozy est désigné par le mot-valise Césarkozy.10 Idem pour Ségolène Royal – Ségo, ségolénisme, ségolitude, Ségollande (le couple «socialiste» Royal-Hollande, qui a annoncé sa rupture le soir électoral du deuxième tour, le dimanche 17 juin 2007). Le candidat virtuel, hybride, idéal ( ?) « moitié X – moitié Y» est désigné comme Ségolas, Sarkolène ou Ségozy, un mélange aventureux de droite et de gauche.11 Ségolène Royal est considérée comme une «chauffeuse de meetings». Son slogan «La France Présidente» a entamé une démasculinisation des hautes sphères de l’univers politique. Parmi les mots-clés de sa campagne, citons l’adjectif « participatif, ve » – la méthode participative, la démocratie participative, le débat participatif, ce dernier pouvant être considéré comme un non-sens sémantique puisqu’il est difficile de s’imaginer un débat non-participatif. Dans les débats télévisuels, on a reproché à la candidate socialiste de ne pas savoir quitter le registre « incantatoire » et de « blairiser » son discours par des « donnant donnant » et des « gagnant gagnant » (winner winner) trop fréquents. A droite, Nicolas Sarkozy se distingue aussi par son discours – au risque de choquer et de pourfendre les tabous.12 Il se forge une réputation d’homme d’action pragmatique, se pose en homme fort. Sarkozy est considéré comme « un orfèvre en matière de communication ».13 Il cherche la communication directe, parfois même la confrontation. Il a lancé le concept de « rupture tranquille » en affirmant que « rompre n’est pas la crise, je veux une rupture tranquille », ainsi que les slogan-campagne et promesse-phare « Travailler plus pour gagner plus ». Il se veut rassembleur (« Ensemble, tout devient possible »). Parmi d’autres mots-clés de la campagne de droite, il faut citer confiance, respect, ouverture14 , diversité, travail, mérite, sécurité, autorité, nation, identité nationale. Au centre, François Bayrou s’est fait remarquer, entre autres, par sa déclaration lancée à Paris-Bercy le 18 avril 2007 – « Il y a de la gauche, de la droite et du centre 9 On fait parfois le parallèle entre N. Sarkozy et le jeune Bonaparte (petite taille, grandes ambitions). Certains commentaires remarquent néanmoins qu’il vaudrait mieux penser à Louis-Napoléon ; celui-ci a remporté une élection présidentielle selon les mêmes mécanismes que N. Sarkozy, les deux ont réussi à gagner à la fois la confiance du peuple et des riches. 10 Cf. Le couple Brad Pitt et Angelina Jolie – Brangelina. 11 Cf. d’autres présidentiables virtuels – Chiballa, Chirospin, Juppin ainsi que d’autres créatures politiques hybrides – Pasquasconi, Musstler, Klauzeman, Grosšpidla. Voir Uvírová, J., « Mot-valise, mot promis pour le XXIe siècle », in : Díaz, M. L., López, M. M. (éds.), Perspectives fonctionnelles : emprunts, économie et variation dans les langues, Actes du XXVIIIe Colloque de la Société internationale de linguistique fonctionnelle, Lugo, Axac, 2006, pp. 225–228. 12 Avant que Sarkozy ne déclare officiellement sa candidature, certaines rumeurs affirmaient que le candidat allait le faire depuis le Parc Astérix et faisaient un parallèle « gaulois » Astérix-Sarkozyx. 13 Voir l’article de Boissieu, L., Royer, S., « Le rêve abouti de Nicolas Sarkozy », La Croix-com du 2 juin 2007. 14 Cette ouverture proclamée a vu sa première réalisation dans la nomination du socialiste Bernard Kouchner dans le gouvernement Fillon. « Le “French doctor” a cédé aux sirènes sarkozyennes et accepté le Quai d’Orsay», annonce Libération du 16 mai 2007. Cf. aussi le gouvernement Fillon 2 « black-blanc-beur » avec Rachida Dati (beurette) et Rama Yade (Noire). Une petite parenthèse à propos de Bernard Kouchner – rappelons sa réplique peu politiquement correcte destinée à Jiří Dienstbier, alors rapporteur de l’ONU pour les droits de l’homme, lors d’une conférence de presse à Pristina au Kosovo en 2000 : Fermez-la ! 195 en moi.» Pour dénoncer un certaine complicité soupçonnée entre Nicolas Sarkozy et Ségolène Royal, François Bayrou a eu recours à l’univers des fables de La Fontaine en les traitant de « compère et commère ». Il veut « reconstruire la maison » et parle de « révolution tranquille et paisible » (le 5 avril 2007). Dans le feu de la campagne, on laisse parfois échapper un mot qui n’est pas tout à fait conforme aux règles de la grammaire française. Ainsi, Ségolène Royal, en voyage en Chine en mai 2007, a déclaré en présence des caméras du monde entier qu’ « . . . un chinois qui vient sur la Grande muraille conquiert la bravitude ». Ce lapsus morphologique a déclenché une vague de critiques et commentaires moqueurs dans tous les médias15 ainsi qu’une marée de propositions néologiques sut le net : le retournage à l’école, il va falloir un petit corrigeage, le rebondissage, le finançage, il y a de la ruptitude dans l’air, quelle bravoure, les adeptes de la connitude en puissance, l’extrême médiocritude, ségolénitude, bonne votitude à tout le monde. Le présidentiable de la droite n’a pas échappé à ce genre d’expérience. Le 18 avril 2007, la radio France Inter recevait le candidat UMP. A la question de la journaliste Hélène Jouan « Est-ce que vous craignez qu’il y ait un rendez-vous manqué entre la France et cette campagne ? Est-ce que vous avez l’impression que vous avez été au rendez-vous, que vous avez réussi à susciter le débat », Nicolas Sarkozy a rétorqué, après une légère hésitation – le temps de chercher le mot sans le trouver – « Hélène Jouan, ne me prêtez pas une telle fatitude. » Or le mot fatitude n’existe pas dans la langue française, c’est le mot fatuité 16 qu’il aurait fallu employer. Le mot signifie la manière de se conduire du fat, celui qui est prétentieux, vaniteux, suffisant. Nous avons constaté que la liberté prise avec la langue par Nicolas Sarkozy a été moins méchamment et moins largement commentée que le lapsus de Madame Royal. Le recours aux images Le discours électoral est traditionnellement riche en expressions imagées, métaphores et jeux de mots. On se sert du vocabulaire «charnel» – désir, séduire, séduction, céder aux sirènes sarkozyennes et du vocabulaire sportif – duel, duélistes, adversaires, meneurs de jeu, match, match nul dans tous les sens du terme, débat à fleurets non mouchetés, débat à couteaux tirés, guetter le K.O., mettre quelqu’un K.O. Le studio télé est comparé à un ring, le gouvernement Fillon est désigné comme « le nouveau XV de France » ou comme « machine à tuer » sarkozyste17. Dans les médias, on constate que «le torchon brûle entre sarkoziens et chiraquiens» et que Ségolène Royal est une « croisée cathodique ». Tous les médias commentent largement la remarque critique de M. Sarkozy à propos de l’énervement de Ségolène Royal lors du débat présidentiel le 2 mai – « Vous sortez de vos gonds avec 15 Même sur Fox-News et CNN. Les politiciens du camp adverse se sont empressés de lancer des commentaires du type « On savait que Madame Royal avait des lacunes [. . . ] en matière de diplomatie, mais on ne s’imaginait pas qu’elle ait de belles carences de la langue française», aurait lancé le député D. Paillé. 16 Voir Dauzat, A., Dubois, J., Mitterand, H., Nouveau dictionnaire étymologique et historique, Larousse, Paris, p. 298 ; Fat, 1 534, Rablais, noté comme languedocien ; XVIe siècle, « sot » (encore au XVIIe siècle) ; XVIIe siècle, « vaniteux », mot provençal signifiant « sot », issu du latin fatuus, fade, au sens figuré sot. Fatuité, 1355, Bersuire, “sottise” du latin fatuitas. 17 « Les autres membres de la machine à tuer sarkozyste sont. . . », L’Express du 22 mai 2007. 196 beaucoup de facilité ». On parle de « rouleau compresseur à droite et de rouleau à pâtisserie à gauche ». François Fillon, en meeting à Nancy entre les deux tours des élections législatives, le 11 juin 2007, estime que « la motrice de gauche est tombée en panne en rase campagne ». TF1 constate que « Ségolène Royal a lancé son pavé dans la mare ». François Hollande prévient les électeurs qu’il y a « des majorités écrasantes qui écrasent », J.-M. Le Pen suppose que Nicolas Sarkozy « ne pourra pas se dégager des menottes européennes », les candidats « ne veulent pas rouvrir les plaies du référendum de 2005 ». On joue avec la langue – rappelons le slogan de José Bové « Osez Bové » ainsi que la question posée sur France 2 après la nomination de Bernard Kouchner au Quai d’Orsay – « Monsieur Kouchner va-t-il se coucher ? » Après le premier tour des élections législatives, considérées comme une sorte de validation de la présidentielle (le slogan-campagne « Ensemble pour une majorité présidentielle »), les titres à la une de journaux se font bleus : La vague bleue, Bleu foncé, L’horizon bleu, Bleu – blanc – bleu, les journalistes parlent du petit ı̂lot rouge dans une mer bleue, d’un petit poisson rouge dans une mer bleue, on évoque La Déferlante, La Déferlante Sarkozy, le ressac de la vague bleue, le tsunami bleu, le tsunami UMP, le tsunami électoral, on émet un avis de tsunami. Après le deuxième tour des législatives, Delaunay met Juppé K.O., le peuple corrige le tir, la droite prend une gauche, le temps des vieux éléphants est passé, le temps (enthousiasmant) des jeunes lions (rugissants) est venu et le bleu change d’intensité – Bleu oui, mais bleu clair. Conclusion Dans une campagne électorale, beaucoup de mots sont lancés. Les mots, ainsi que les politiciens, « battent la campagne ». Pour exposer leurs projets, les candidats et les partis se servent du discours institutionnel, stéréotypé (la langue de bois) ; en même temps, ils cherchent à dépoussiérer ce discours traditionnel de ses routines, à surprendre, attirer l’attention par un mot ou une expression inattendus et insolites. Parfois ils y arrivent inconsciemment, sans le vouloir (la bravitude de Madame Royal, la fatitude de M. Sarkozy). Certains hommes politiques font du jeunisme en employant la langue « djeune » (M. Besancenot). En France, l’international est probablement peu rentable électoralement.18 Les prestations verbales pendant la campagne représentent un verbiage fascinant, parfois ridicule, intéressant et digne de commentaires. Une chose est sûre : les affrontements électoraux redonnent du goût à la politique et à la langue. BIBLIOGRAPHIE Grjebine, A., Zimra, G. : « De la langue de bois au politiquement correct : Un dialogue », Géopolitique, Revue de l’Institut International de Géopolitique, no 89, 2005, pp. 52–57. Semprun, J. : Défense et illustration de la novlangue française. Éditions de l’Encyclopédie des nuisances, Paris, 2005. 18 Ce n’est qu’après l’élection que le président Sarkozy affirme que « toute ma vie j’ai été européen, je crois en la construction européenne et ce soir la France est de retour en Europe. » 197 Uvírová, J.: «Le “politiquement correct”, la langue de bois – des langues “étrangères” à traduire ? », in : Míča, S., Zámec, R., (éds.), Grandeur et décadence de la parole au XXIe siècle, Romanica Olomucensia XVIII, Grandeur et décadence de la parole au XXIe siècle/Grandeza y decadencia de la palabra en el siglo XXI, UP Olomouc, Olomouc 2007, pp. 305–315. Slova v kampani – prezidentské volby 2007 Resumé Příspěvek si všímá charakteristických rysů jazyka prezidentské kampaně 2007 ve Francii. Zaměřuje se na klíčová slova kandidátů pravice, levice a středu politického spektra, všímá si jazykových lapsů a následných mediálních reakcí. Předvolební rétorika se vyznačuje dvěma protichůdnými tendencemi: stereotypností a užíváním ustálených klišé na straně jedné, snahou o neotřelost výrazu a jazykovou invencí na straně druhé. Některé neologismy se staly doslova mediální událostí. Words in the Campaign – Presidential Elections 2007 Summary The paper deals with characteristic features of the language of the Presidential Election Campaign in France in 2007. It focuses on key words of candidates on the left and on the right, as well as in the centre of the political spectrum, and investigates their language lapses and the consequent media response. The pre-election rhetoric is characterized by two antagonistic features: on one hand by stereotypes and clichés in language expressions and on the other hand by the obvious aspirations of candidates to use original or unusual language resources. Some neologisms have been presented in the media as political events. Jitka Uvírová Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc République Tchèque [email protected] 198 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 L’apprenti et son maı̂tre – Anouilh et Giraudoux∗ Marie Voždová « Heureux les jeunes gens qui ont eu des maı̂tres ! Heureux les garçons tremblants qui allèrent tirer des cordons de sonnette et recevoir, rouges, la bonne parole de l’homme qu’ils admiraient ! »1 Jean Anouilh avait subi dans sa création dramatique l’influence de ses nombreux précurseurs, grands hommes de théâtre des siècles précédents, mais aussi de ses presque contemporains. Le grand dramaturge et l’emblème du théâtre était pour lui Molière surtout, il appréciait beaucoup Shakespeare, Marivaux, Musset et Feydeau. « J’ai grandi sans maı̂tres et vers 1928 je portais bien Claudel dans mon cœur, Pirandello et Shaw écornés dans mes poches, mais pourtant, j’étais seul. Seul, avec cette angoisse d’avoir bientôt vingt ans, cet amour du théâtre et toute cette maladresse. Qui me dirait le secret dans ces temps où l’on ne jouait que des pièces bien faites ? Musset, Marivaux mille fois relus ? Ils étaient trop loin »,2 écrit-il en se souvenant de l’angoisse de ses débuts de dramaturge. Dans cette période difficile d’errance et d’incertitude, c’est la rencontre décisive avec l’œuvre de Jean Giraudoux, et notamment Siegfried, qui l’a marqué. Jean Giraudoux représentait à l’époque un dramaturge officiellement apprécié, ses pièces étaient jouées au Théâtre des Champs-Elysées par son directeur Louis Jouvet. Jouvet a amené à la scène ses œuvres Siegfried, Judith et Intermezzo. Siegfried a été créé par Louis Jouvet à la Comédie des Champs-Elysées en 1928.3 Dans son Hommage à Giraudoux, publié après la mort de l’auteur en 1944, se souvenant du soir de Siegfried, Anouilh écrit : « Cher Giraudoux, qui vous dira maintenant, puisque je n‘ai jamais osé ou voulu vous le dire, de quelles étranges rencontres du désespoir et de la joie la plus dure, de l‘orgueil et de la plus tendre ∗ Les recherches pour cet article ont été effectuées grâce à un soutien financier inscrit dans le cadre du projet scientifique MSM6198959211 La pluralité de la culture et de la démocratie. 1 Anouilh, J., « Hommage à Giraudoux », in : En marge du théâtre, Paris, La Table Ronde, p. 29. Textes réunis et annotés par Efrin Knight. 2 Ibid., p. 30. 3 Giraudoux, J., « Siegfried », in : Théâtre complet, Paris, La pochothèque, 1991. Edition établie, présentée et annotée par Guy Teissier. Préface de Jean-Pierre Giraudoux. 199 humilité, ce petit jeune homme qui dégringolait du poulailler de la Comédie des Champs-Elysées était le lieu. »4 De cette « rencontre » avec le théâtre littéraire et avec la dramaturgie de rêves giralduciens est né le style d’Anouilh, finalement si différent de celui de Giraudoux, mais réalisant comme celui du maı̂tre l’équilibre entre le français parlé et le langage poétique. Anouilh, frappé par la force poétique du théâtre giralducien, ressent le « souffle de liberté et de poésie »5 de son maı̂tre. De même, il s’inspire du motif d’un jeune homme devenu amnésique suite à une blessure de guerre, le motif central de Siegfried, dans son Voyageur sans bagage.6 Avec cette pièce Anouilh a créé une œuvre neuve et originale, même si certains critiques parlent d’un simple remake de Siegfried7 . Dans toute l’œuvre d’Anouilh on ne trouve pas comme chez Giraudoux de situations poétiques. A l’exception peut-être de sa pièce Léocadia,8 qui est écrite «à la manière Giraudoux» mais qui est pour Anouilh assez atypique. Il s’agit d’une situation purement poétique: un jeune prince, héros principal, est tellement troublé par la mort de son amour que sa tante, pour le soulager, achète la propriété où les deux amants d’autrefois s’étaient rencontrés et engage les gens (chauffeur de taxi, vendeur de glace etc.) pour recréer le décor d’autrefois, et notamment la jeune Amanda, pour incarner Léocadia, l’amour défunt du prince. Cette pièce unique dans l’ensemble de l’œuvre anouilhienne qui représente un théâtre poétique situé aux antipodes du réalisme, compte pourtant parmi les plus grandes réussites de la période anouilhienne d’avant-guerre.9 Le reflet de l’influence de Giraudoux sur l’œuvre d’Anouilh est visible aussi dans le choix anouilhien des thèmes de l’Antiquité orientés vers l’époque actuelle, comme c’est par exemple le cas de la célèbre Antigone.10 Les auteurs des études sur Giraudoux relèvent aussi des motifs giralduciens qui ont eu un écho chez les jeunes écrivains de l’époque, comme celui du refus d’un bonheur lâche. Ainsi la réplique d’Isabelle de l’Intermezzo : Sauvez-moi du bonheur, si vous le jugez si méprisable !, influence probablement d’après René Marill Albérès « des auteurs contemporains comme M. Anouilh ou M. Sartre»11 dans leurs œuvres Les Mouches et Antigone. Le même auteur en parlant de l’évolution des thèmes giralduciens rappelle le cas de sa dernière tragédie Pour Lucrèce où dans les problèmes de couple n’interviennent plus les dieux et où il est uniquement question du conflit entre les hommes : « On croirait presque la pièce inspirée par Jean Anouilh, tant on y retrouve son thème essentiel, mais n’est-ce pas l’aboutissement de cette précision et de cette humanisation des thèmes de Giraudoux dont on peut suivre le lent cheminement ? »12 Il est fort intéressant que l’auteur suggère l’image de l’influence renversée entre les deux dramaturges et qu’il donne ainsi naissance non seulement 4 Anouilh, 5 Anouilh, J., « Hommage à Giraudoux », op. cit., p. 30. J., « La Valse des toréadors ? Que voilà une bonne pièce », in : En marge du théâtre, op. cit., p. 48. 6 Anouilh, J., « Le Voyageur sans bagage », in : Pièces noires, Paris, La Table Ronde, 1942. 7 Body, J., Jean Giraudoux, Paris, Gallimard, 2004, p. 552. 8 Anouilh, J., « Léocadia», in: Pièces roses, Paris, La Table Ronde, 1942. Pour la première fois jouée le 5 novembre 1940, au Théâtre de la Michodière, dans la mise en scène d’André Barsacq. 9 Cf. Mercier, Christophe, Pour saluer Anouilh, Paris, Bartillat, 1995, pp. 139, 140. 10 Anouilh, J., « Antigone », in : Nouvelles Pièces noires, Paris, La Table Ronde, 1946. 11 Albérès, R.-M., Esthétique et morale chez Jean Giraudoux, Paris, Nizet, 1970, p. 410. 12 Ibid., pp. 455–456. 200 à l’idée qu’il s’agit de l’aboutissement de l’évolution giralducienne, mais aussi à celle que l’œuvre anouilhienne se fait le prolongement et le perfectionnement mûri des thèmes giralduciens. Quant à une rencontre réelle entre Anouilh et Giraudoux, on n’en a aucun témoignage. Jacques Body, dans son étude consacrée à Jean Giraudoux, rappelle que pendant le séjour de Giraudoux à l’hôtel Continental en tant que chargé du service de l’information à l’étranger, l’auteur « reçoit une lettre d’admiration éperdue de Jean Anouilh encore bouleversé par le troisième acte d’Ondine. »13 Anouilh, à son tour, devait sans doute rencontrer Giraudoux pendant des manifestations culturelles officielles, n’étant pour le grand dramaturge qu’un écrivain débutant parmi beaucoup d’autres. Mais chaque opportunité de partager la présence de son maı̂tre représentait pour lui une fête. Ainsi, à l’occasion d’un dı̂ner d’écrivains en 1939, Anouilh note : « Rien n’est plus vain qu’un dı̂ner d’écrivains, mais j’eus ainsi la chance d’y rencontrer Jean Giraudoux ».14 En réalité, Anouilh n’a jamais osé approcher Giraudoux et lui adresser la parole. Pourtant, il en a eu une fois bien la possibilité, s’étant retrouvé dans le même restaurant à une table voisine de celle de Giraudoux qui y était seul. Dans les souvenirs anouilhiens nous trouvons la preuve qu’il a retenu et sait citer par cœur les circonstances de ce moment de l’hiver 1943 : « Je suis heureux du moins qu’à la fin de ce dı̂ner, l’hiver dernier, où, pour la première fois, je vous ai vu plus de cinq minutes et où je ne vous ai encore rien dit, j’ai été prendre votre pardessus et je vous ai aidé à le mettre. C’est un geste que je ne fais jamais et je me suis surpris à le faire et à remonter votre col pour que vous ayez plus chaud. Puis cette familiarité venue on ne sait d’où me gêna soudain et je vous quittai. . . Mais je suis heureux maintenant de vous avoir servi, au moins une fois, comme les écoliers jadis servaient leurs maı̂tres, en échange du Siegfried. »15 L’aveu anouilhien dévoile combien l’auteur appréciait, et presque tendrement aimait celui dont l’art restait pour lui un critère de qualité suprême. Dans sa Lettre à une jeune fille qui veut faire du théâtre, Anouilh raconte une anecdote amusante concernant une dame américaine qui avait vu à New York la représentation d’Ondine et l’avait félicité pour sa plus belle pièce. La lettre contenait le coupon international de réponse et l’auteur avouait : « Je voudrais tant que ce soit vrai, cher Giraudoux – doux prince endormi – que je sens, que je ne lui répondrai jamais. . . »16 En 1982, année du centenaire de Giraudoux, les Amis de Jean Giraudoux ont invité Anouilh au colloque à Limoges. Anouilh, âgé de soixante-douze ans, s’est excusé de son mauvais état de santé et a envoyé la lettre suivante où il écrit : « Je dois beaucoup à Giraudoux. J’avais 18 ans au temps de Siegfried et ce que j’y ai appris, les trois soirs ou je suis allé voir la pièce, – je le sais encore presque par cœur, avec le ton exact de chaque acteur –, a été capital pour moi. »17 Puis il explique encore ne vouloir aucunement participer à des cérémonies de cet ordre car il se sent être « un homme de lettres honteux et indigne ».18 Tel est 13 Body, J., Jean Giraudoux, op. cit., p. 697. J., La vicomtesse d’Eristal n’a pas reçu son balai mécanique. Souvenirs d’un jeune homme, Paris, La Table Ronde, p. 147. 15 Anouilh, J., « Hommage à Giraudoux », op. cit., p. 32. 16 Anouilh, J., « Lettre à une jeune fille qui veut faire du théâtre », in : En marge du théâtre, op. cit., p. 61. 17 Body, J., Jean Giraudoux, op. cit., p. 877. 18 Ibid. 14 Anouilh, 201 le respect profond qu’il a eu toute sa vie, alors qu’il était déjà un auteur à succès, pour Giraudoux. Tout en admirant son maı̂tre, Anouilh s’est néanmoins aperçu que son influence sur la jeune génération avait pu aussi causer des troubles négatifs involontaires, car tous les jeunes auteurs ont eu la tentation d’essayer d’écrire comme Giraudoux, à sa manière : « S’il donnait ses deux pièces aujourd’hui, écrites différemment – puisque l’ombre légère de Giraudoux ne pèse plus, de son poids ailé, sur la jeune génération –, on serait certes en droit d’attendre beaucoup de lui. »19 , écrit-il en 1964 dans la préface pour l’édition des œuvres dramatiques d’un de ses contemporains, dramaturge, romancier, poète, traducteur et chroniqueur de théâtre Robert Brasillach. Dans la vie de Giraudoux et aussi dans celle d’Anouilh, un rôle important a été joué par Louis Jouvet, directeur du Théâtre des Champs-Elysées et acteur très doué20 . Malheureusement, c’est aussi sa personne, qui au lieu de servir de trait d’union, a creusé en réalité, d’une certaine façon une abı̂me entre Anouilh et Giraudoux, plus précisément entre Anouilh et la mise en scène des pièces giralduciennes. Jean Anouilh a fait la connaissance de Jouvet en tant que son secrétaire. L’ancien secrétaire de la Comédie des Champs-Elysées, Georges Neveux, partant travailler comme scénariste à la Metro Goldwyn Mayer, l’avait recommandé comme son successeur. Le travail d’Anouilh consistait surtout à lire des manuscrits et en ajouter des notes d’évaluation, puis à composer la salle aux moments des générales.21 En tant que son chef, Jouvet avait promis au jeune auteur de monter son Voyageur sans bagage, Anouilh a attendu un an pour enfin apprendre que Jouvet, sans lui en avoir dit un mot, avait choisi, au lieu de sa pièce, le Château de Cartes de Stève Passeur. Anouilh, furieux, a apporté son texte au metteur en scène Georges Pitoëff. Celui-ci a commencé les répétitions au Théâtre des Mathurins quinze jours plus tard et a joué la pièce avec sa compagnie avec grand succès. Jouvet n’aimait pas du tout Pitoëff, Anouilh se souvient de ses mots « Je n’aime l’Arménien que massacré ».22 De même, plusieurs autres lui ont reproché son accent russe et le fait d’oser interpréter des personnages de l’histoire française avec cet accent étranger. (Pourtant il s’agissait d’un aristocrate arménien très cultivé qui avait fait ses études à Saint-Pétersbourg.) Anouilh n’aimait pas Jouvet pour diverses raisons. Qu’il n’estimait pas ses pièces, c’était la moindre chose. Avec amertume il suivait sa tournée de propagande en Amérique du Sud « où il était parti pour six mois avec l’argent du gouvernement de Vichy et où il était resté deux ans – ce qui lui valut d’être sacré « grand résistant », l’absence était alors un titre de noblesse.23 » Comme c’était le même Jouvet, qui montait des pièces de Giraudoux et comme Anouilh ne pouvait plus aller voir les pièces giralduciennes mises en scène par cet homme, il est devenu lecteur de Giraudoux. Ce n’est qu’à la mort de Jouvet qu’il l’a pardonné. 19 Anouilh, J., « Œuvre théâtrale de Robert Brasillach », in : En marge du théâtre, op. cit., p. 261. 20 A ce propos consulter Brasillach, Robert, Animateurs de théâtre, Baty, Copeau, Dullin, Pitoëff. Préface de Chantal Meyer-Plantureux, Bruxelles, Editions Complexe, 2003. 21 Anouilh, J., La vicomtesse d’Eristal, op. cit., pp. 27, 28. 22 Ibid., p. 35. 23 Ibid., p. 34. 202 Il y a entre Anouilh et Giraudoux entre autres une différence d’âge, de génération, de situation sociale et surtout de philosophie de la vie. Vingt-huit ans séparent Jean Giraudoux de Jean Anouilh24 . Giraudoux a trouvé harmonie, équilibre et bonheur dans sa famille riche et assez noble et puis dans son mariage avec Suzanne. Anouilh, fils d’une pianiste et d’un couturier, se croyant bâtard d’un noble, portait en soi, et pour toujours, la haine amère des pauvres. Jeune auteur de théâtre, il a connu avec sa première femme actrice Monelle Valentin et sa fille Catherine la misère quotidienne. A cette époque-là on lui avait même par pitié permis de choisir parmi les vieux meubles-décors du théâtre pour équiper son pauvre foyer familial. Anouilh a préféré prendre quelques pièces de Siegfried (sic !), mais quelque temps après, Louis Jouvet a décidé de reprendre la pièce et a envoyé des machinistes chez Anouilh pour récupérer ses meubles.25 Les deux auteurs se sont montrés très différents quant à leurs activités publiques pendant les conflits de guerre. Jean Giraudoux est devenu le symbole du fils de la patrie, qui lutte pour sa liberté et ne la quitte jamais. Il a participé en tant que sergent aux batailles de la Première Guerre mondiale, a été deux fois blessé, malade, puis chargé de mission à l’étranger. Au début de la Seconde Guerre mondiale il est devenu commissaire à l’Information, après la défaite parti à la retraite. La guerre commencée, Anouilh à son tour, en tant que reformé temporaire, a été appelé vers sa garnison d’Auxerre, mais il n’a vécu en réalité qu’une journée et une nuit de guerre, devenu ensuite prisonnier avant d’être en tant que civil relâché. Giraudoux est mort en janvier 1944 sans avoir pu assister à la Libération. La guerre finie, le processus d’épuration a commencé. Robert Brasillach a été condamné et fusillé pour sa collaboration avec les nazis. Anouilh s’est prononcé contre cette punition. (On peut juste se demander ce qu’aurait fait Giraudoux, s’il avait été encore vivant.) Parmi les papiers de Brasillach a été retrouvée entre autres une lettre non datée, où Anouilh l’avait remercié pour une certaine somme d’argent. En réalité il n’avait rencontré Brasillach que deux fois avant la guerre, au théâtre, dans les coulisses chez Pitoëff, puis pendant ce dı̂ner d’écrivains. Il lui avait donné à publier pour sa revue Je suis partout sa pièce Léocadia (qui est enfin parue en 1940 dans cinq numéros, un tableau par semaine), et l’avait remercié par écrit pour l’argent obtenu.26 Cette lettre ainsi que sa protestation pacifiste contre les peines de mort lui valurent auprès de certains « patriotes » l’étiquette de partisan des collaborateurs avec le nazisme. La preuve de cette sympathie devrait être la représentation d’Antigone réalisée pendant l’occupation. (Mais ses adversaires ont oublié que l’on avait joué aussi d’autres pièces, parmi elles celle de Giraudoux.27 ) 24 Jean Giraudoux (29/10/1882 Bellac – 31/1/1944 Paris), Jean Anouilh (23/6/1910 Bordeaux– 3/10/1987 Lausanne). Cité d’après le dictionnaire Slovník francouzsky píšících spisovatelů, Praha, Libri, 2002, pp. 75–76, 318–319. 25 Anouilh, J., La vicomtesse d’Eristal, op. cit., p. 103. 26 Ibid., pp. 147, 149, 178–179. 27 «Malgré la présence des Allemands, l’année 1943 offrait une saison de théâtre brillante avec Le soulier de Satin de Claudel, Antigone de Jean Anouilh, Les Mouches de Sartre et La reine Morte de Montherlant, » écrit Agnès G. Raymond en analysant les circonstances politiques liées à la première de Sodome et Gomorrhe, le 11 octobre 1943 au Théâtre Hébertot en pleine occupation allemande. (Raymond, A. G., Giraudoux devant la victoire et la défaite. Une interprétation politique de sa pensée après les deux guerres, Paris, Nizet, 1963, p. 113.) 203 Anouilh n’a jamais pu pardonner à son pays la punition de Brasillach et les attaques contre sa personne. A la différence de Giraudoux à jamais lié à sa patrie pour la vie et pour la mort, lui-même, plein d’amertume, s’est décidé en 1947 à quitter la France pour s’installer en Suisse, qu’il croyait plus libre et moins hypocrite. Est-ce alors par hasard que les pièces de Giraudoux restent toujours pleines d’espoir, sublimes et poétiques et que celles d’Anouilh perdent petit à petit leurs enthousiasme et poésie, pour adopter un autre timbre, basé sur une vision cynique de l’homme qui trouve son expression dans le rire noir, amer et grinçant ? Par son œuvre théâtrale, l’apprenti Anouilh, qui avait voulu et essayé d’être comme son maı̂tre, prouve que le fait de se détacher du modèle inimitable de Giraudoux et de construire sur les fondations bien solides de son maı̂tre sa propre esthétique et un univers théâtral original, (mais qui pourtant cache toujours en soi des traces de l’influence giralducienne), était un choix heureux. Ainsi, Giraudoux et Anouilh trouvent jusqu’à nos jours chacun son spectateur et lecteur. Le maı̂tre reste toujours plus apprécié en France. En revanche, son apprenti récolte le succès surtout à l’étranger. BIBLIOGRAPHIE Albérès, R.-M. : Esthétique et morale chez Jean Giraudoux, Paris, Nizet, 1970. Anouilh, J. : « Antigone », in : Nouvelles Pièces noires, Paris, La Table Ronde, 1946. Anouilh, J. : En marge du théâtre, Paris, La Table Ronde, 2000. Textes réunis et annotés par Efrin Knight. Anouilh, J. : « Léocadia », in : Pièces roses, Paris, La Table Ronde, 1942. Anouilh, J. : La Vicomtesse d’Eristal n’a pas reçu son balai mécanique. Souvenirs d’un jeune homme, Paris, La Table Ronde, 1987. Anouilh, J. : « Le Voyageur sans bagage », in : Pièces noires, Paris, La Table Ronde, 1942. Body, J. : Jean Giraudoux, Paris, Gallimard, 2004. Brasillach, R. : Animateurs de théâtre. Baty, Copeau, Dullin, Jouvet, les Pitoëff, Editions Complexe, Bruxelles, 2003, Préface de Chantal Meyer Plantureux. Fryčer, J. a kol. : Slovník francouzsky píšících spisovatelů, Praha, Libri, 2002. Giraudoux, J.: Lettres à Suzanne I 1913–1915. Cahiers Jean Giraudoux 31, Paris, Grasset, 2003. Texte établi et annoté par Brett Dawson. Introduction de Guy Teissier. Giraudoux, J. : « Siegfried », in : Théâtre complet, Paris, La pochothèque, 1991. Edition établie, présentée et annotée par Guy Teissier. Préface de JeanPierre Giraudoux. Mercier, Ch. : Pour saluer Anouilh, Paris, Bartillat, 1995. Raymond, A. G. : Giraudoux devant la victoire et la défaite. Une interprétation politique de sa pensée après les deux guerres, Paris, Nizet, 1963. 204 Učedník a jeho mistr – Anouilh a Giraudoux Resumé Jean Giraudoux do značné míry ovlivnil svou divadelní a románovou tvorbou snad všechny začínající francouzské autory první poloviny dvacátého století, nejvíce však Jeana Anouilhe, který nalézal inspiraci v jeho poetickém divadle. Giraudoux představoval pro začínajícího Anouilhe ideál, ke kterému se chtěl přiblížit. Přestože se Anouilh svou pozdější zcela originální zralou tvorbou velmi vzdálil od giraudouxova poetického stylu, stopy jeho rukopisu lze stále v některých hrách rozeznat. Článek za pomoci dochovaných dokumentů a v kontextu dobových událostí přibližuje vztah začínajícího dramatika Jeana Anouilhe k mistru pařížské divadelní scény Théâtre des Champs-Elysées Jeanu Giraudouxovi. The Apprentice and His Master – Anouilh and Giraudoux Summary To a large extent, Jean Giraudoux probably influenced, by his plays and novels, all the French authors who began writing in the first half of the 20th century. However, Jean Anouilh was influenced the most among them. He was inspired by his poetic theatre. For the young Anouilh, Giraudoux represented an ideal to whom he wanted to get as close as possible. Despite the fact that in his later, entirely original works, Anouilh moved far from Giraudoux’ poetic style, the traces of this inspiration may still be recognized in his plays. Using preserved documents and in the context of contemporary events, the paper describes the relationship of the tyro playwright Jean Anouilh towards Jean Giraudoux, the master of the Parisian theatre scene of the Théâtre des Champs-Élysées. Marie Voždová Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc République Tchèque [email protected] 205 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 El reciente desarrollo en las políticas lingüísticas en Paraguay∗ Lenka Zajícová En el presente texto quisiéramos exponer el proceso que ha transcurrido recientemente en Paraguay en ámbito de las políticas lingüísticas. Antes de pasar a este tema central, quisiéramos volver a mencionar algunos datos bien conocidos por todos los que están familiarizados con la situación lingüística de Paraguay. Sin embargo, como consideramos estos datos imprescindibles para situarnos adecuadamente en la cuestión, no quisiéramos excluir otros lectores omitiéndolos. Situación lingüística de Paraguay El guaraní paraguayo es la única lengua de origen americano que es mayoritaria en un país y que, a pesar de ser de origen indígena, no es hablada por indígenas. Eso le otorga un estatus diferente a otras lenguas amerindias. Aunque el guaraní no puede considerarse minoritario, por lo menos desde el punto de vista del número de hablantes, sí tiene que enfrentarse con el estatus más prestigioso del castellano. Si miramos los resultados del último censo nacional de 2002, el conocimiento lingüístico de la población paraguaya es el siguiente: los que hablan el guaraní alcanzan el 86,6 por ciento de la población de 5 años y más, frente al 69,6 por ciento que hablan el castellano.1 Las otras lenguas indígenas —el último censo reconoce 20 idiomas diferentes, pero sería más apropiado considerar dialectos algunos de ellos, como por ejemplo ybytoso y tomarahõ que son, según nuestra opinión, dialectos de una única lengua yshyr—, son habladas por un mero 1,3 por ciento de la población de 5 años y ∗ Este artículo fue preparado en el marco del proyecto apoyado por la Academia de Ciencias de la República Checa núm. KJB901380702 El contacto lingüístico entre español, guaraní y checo en Paraguay. 1 Se trata de la información obtenida en respuesta a la pregunta «¿Qué idiomas o lenguas habla?», «Cuadro P09: Paraguay: Población de 5 años y más de edad por área urbana-rural y sexo, según idioma/s que hablan las personas, 2002», en: Dirección General de Estadística, Encuestas y Censos: Paraguay: Resultados Finales Censo Nacional de Población y Viviendas: Año 2002 – Total País, pág. 123. 207 más (los indígenas alcanzan un 1,7 por ciento de la población total).2 Además de éstas, hay otras lenguas que sirven como instrumento de comunicación en varias comunidades de inmigrantes en Paraguay, como por ejemplo el portugués y el alemán. Además, los resultados de otra pregunta del Censo 2002 revelan que hay un 59,0 por ciento de hogares que prefieren comunicarse en guaraní (en los que vive un 61,3 por ciento de la población), un 35,8 por ciento que prefieren hacerlo en castellano (un 34,1 por ciento de la población) y un 5,2 por ciento (un 4,7 por ciento de la población) que se comunican en alguna otra lengua, sea indígena, sea de inmigrantes.3 A pesar de que el guaraní es la lengua mayoritaria en Paraguay, como acabamos de ver, el estatus prestigioso del castellano sigue siendo una amenaza para el futuro del guaraní. Legislación acerca del guaraní En los últimos meses ha habido mucho movimiento en el área de las políticas lingüísticas en Paraguay. Para comprender mejor este proceso, vamos a repasar primero los antecedentes a nivel legislativo. Una de las primeras peticiones expresas de la oficialización guaraní es la que hace el II Congreso Internacional de la Lengua y Cultura Guaraní-Tupí que se celebró en Asunción en 1956. Sus resoluciones tienen sobre todo carácter político y la recomendación más ambiciosa pide que «el Paraguay sea declarado oficialmente país bilingüe y que al guaraní se le reconozca igual estatus jurídico que al español».4 Aparte de eso, recomienda la incorporación del guaraní en todos los niveles del sistema educativo, de forma diversificada: que la alfabetización se haga a partir del guaraní y que el guaraní sea incluido como asignatura obligatoria en el programa de la formación de profesores y en algunas carreras universitarias, como Humanidades, Medicina, Derecho.5 Fue una petición revolucionaria que no se vio cumplida hasta 1992, pero ciertamente ayudó a la definición del guaraní en la Constitución Nacional de 1967 que significó un cambio importante en cuanto a la actitud del Estado respecto al guaraní a pesar de que le concedía mucho menos de lo que había sugerido aquel congreso. La Constitución de 1967 proclama el guaraní lengua nacional —el castellano sigue la única lengua de uso oficial— y promete proteger el guaraní y promover «su enseñanza, evolución y perfeccionamiento» como un patrimonio cultural.6 Finalmente, la Constitución de 1992 proclama el guaraní lengua co-oficial e instituye la enseñanza bilingüe partiendo de la lengua materna del educando. Además enuncia que la ley establecerá las modalidades de utilización de ambos idiomas: 2 «2. Diagnóstico socio-demográfico», en: íbid., págs. 23 y 59. V15: Paraguay: Hogares por tipo, según área urbana-rural y sexo e idioma del hogar, 2002», en: íbid., pág. 263. 4 II Congreso Internacional de la Lengua y Cultura guaraní-tupí, «Resoluciones y Recomendaciones», Boletín de Filología 7, núm. 52–53–54, pág. 680. 5 Íbid., pág. 681. 6 Constitución de la República del Paraguay (1967), págs. 6 y 20. 3 «Cuadro 208 § 77 De la enseñanza en lengua materna La enseñanza en los comienzos del proceso escolar se realizará en la lengua oficial materna del educando. Se instruirá asimismo en el conocimiento y en el empleo de ambos idiomas oficiales de la República. En el caso de las minorías étnicas cuya lengua materna no sea el guaraní, se podrá elegir uno de los dos idiomas oficiales. § 140 De los idiomas El Paraguay es un país pluricultural y bilingüe. Son idiomas oficiales el castellano y el guaraní. La ley establecerá las modalidades de utilización de uno y otro. Las lenguas indígenas, y las de otras minorías, forman parte del patrimonio cultural de la Nación.7 Lo significativo es que hoy, quince años después de la promulgación de la Constitución, esa ley todavía no existe. Procesos judiciales Uno de los ámbitos importantes en cuanto al empleo de las lenguas oficiales, es el de los tribunales. El vigente Código procesal penal, sancionado y promulgado en 1998, asegura la posibilidad de que las declaraciones, interrogatorios, audiencias transcurran en ambos idiomas, asegura el derecho del declarante a pedir traductor de su confianza y la obligación de nombrar intérpretes en el caso de que alguna parte no entienda el idioma usado. Sin embargo, las presentaciones escritas, las actas, la sentencia, etc., serán redactadas sólo en castellano;8 es decir, el guaraní escrito no es reconocido en este ámbito, lo que a veces causa problemas graves por mala interpretación de lo dicho por los declarantes, que se traduce instantáneamente y transcribe en castellano. Legislación de la Enseñanza Bilingüe El sistema educativo paraguayo es el ámbito donde los cambios a raíz de la nueva Constitución son los más visibles. De la ley constitucional se derivó una serie de leyes y resoluciones ministeriales que procuraban poner en función lo que ordenaba el artículo 77: comenzar la enseñanza en la lengua oficial materna e instruir en el conocimiento y uso de ambas lenguas oficiales. Ya la Ley núm. 28 de 1992 en su primer artículo establece: «Declárase obligatoria la enseñanza de los Idiomas Español y Guaraní, en el Currículum Educativo del nivel Primario, Secundario y Universitario». La resolución núm. 15 del Ministerio de Educación y Culto del mismo año establece: Aplicar a partir de 1993, en forma experimental, gradual y progresiva los planes y programas de la Educación Escolar Básica y el diseño de la Educación Bilingüe, en zonas y/o regiones que cumplan los requisitos exigidos para el efecto, conforme a las realidades socio-lingüísticas de las mismas.9 7 La Constitución de la República del Paraguay (1992), págs. 91 y 141. procesal penal, pág. 30–31. 9 Apartado 7, cit. en Genes Hermosilla, I. B., «Guarani ñane retã rembiasakuépe/La lengua guaraní en los distintos momentos de la historia nacional», en: Correa de Báez, M., ed.: Lengua guaraní actual, pág. 424. 8 Código 209 Esto se materializó en la institución de la enseñanza bilingüe que se empezó en marzo de 1994. La ley que rige actualmente el sistema educativo, es la Ley General de Educación de 1998 (núm. 1264), que en el art. 9 incluye entre los once fines expresos del sistema educativo nacional «la formación en el dominio de las dos lenguas oficiales», y en el art. 31 reafirma el carácter bilingüe de la enseñanza: La enseñanza se realizará en la lengua oficial materna del educando desde los comienzos del proceso escolar o desde el primer grado. La otra lengua oficial se enseñará también desde el inicio de la educación escolar con el tratamiento didáctico propio de una segunda lengua.10 La educación bilingüe actual es fruto de un largo proceso que a continuación quisiéramos repasar brevemente. Guaraní en la enseñanza La presencia del guaraní en el proceso educativo data ya de los años 40, cuando fue insertado como asignatura en algunas carreras superiores y universitarias. Un paso decisivo se da en los años 70 cuando se incorpora como asignatura en todas las escuelas del nivel medio gracias a la reforma educativa de 1973. A partir de ese año, el guaraní se enseña en los tres cursos de la llamada Etapa Básica del nuevo programa educacional (para alumnos de 12 a 14 años; hoy equivale al periodo del 7.◦ al 9.◦ grado de la escuela básica), como asignatura dotada de dos o tres horas semanales, en lo que se parecía a la enseñanza de lenguas extranjeras, que se trasladó a la llamada Etapa Media, es decir, al periodo del 4.◦ al 6.◦ curso de la enseñanza secundaria (para alumnos de 15 a 17 años).11 Además, en los años 70 en algunas escuelas primarias de las zonas rurales se aplica el programa de la alfabetización en guaraní, con los primeros silabarios, cartillas en guaraní, llamados Ko’etı̃ que corre a cargo del Movimiento de Educación Popular Integral «Fe y Alegría», respaldado por la Iglesia Católica. Más importante, a nivel del país, es el cambio de actitud en el MEC, hasta entonces promotor de una educación castellanizante. A partir de 1976 empieza a estudiar la posibilidad de una educación bilingüe en las escuelas primarias. El sondeo en las escuelas rurales reveló que sólo un 10 por ciento de los niños del primer grado hablaban y entendían bien el castellano. Un 20 por ciento hablaba y entendía castellano un poco y un alto 70 por ciento no hablaba el castellano en absoluto, aunque solía comprender algo.12 Unos años después, los resultados del Censo de 1982 mostrarían que la tasa del analfabetismo en las zonas rurales alcanzaba un altísimo 29,9 por ciento, sin duda causada también por una educación en lengua no adecuada. En 1978 se inició el primer proyecto de educación bilingüe centrado en su primera etapa (1979–1981) en la capacitación de los maestros de primer a tercer 10 Ley General de Educación 1264/98, http://educacionsuperior.mec.gov.py/disp legales/pdfs/ Ley 1264-98 - Ley General de Educacion.pdf [cit. 22–6–2007]. 11 Ministerio de Educación y Culto, Programa de estudio, Área: Idioma Guaraní, Etapa básica de nivel medio. 12 Corvalán, G., Competencia lingüística en español y actitudes de las maestras hacia el guaraní, pág. 5. 210 grado y la preparación del material educativo para «proveer instrucción bilingüe a niños cuya primera lengua fuera guaraní».13 Esta forma de educación bilingüe se podría considerar de transición, aunque un poco sui generis por no adoptar el principio de alfabetización en lengua materna. En realidad, consistía en que al maestro se le permitía usar el guaraní en la clase para comunicarse con los niños, igual que se les permitía a los niños expresarse libremente en guaraní, pero tanto la lengua «oficial» de enseñanza, como la lengua de lectura y escritura seguía siendo el castellano.14 El Manual del Maestro publicado por el MEC en 1981 explica su concepto general de la educación bilingüe: En el primer ciclo el español y el guaraní son usados para la comunicación oral (escuchar y hablar), mientras que para leer y escribir, se utiliza sólo el español. [. . . ] El énfasis en la adquisición del español como segunda lengua es la característica dominante del Programa. Esto no significa que el guaraní es sustituido. Aunque el lenguaje didáctico es el español, el guaraní se mantiene. Pues, de acuerdo a su nivel lingüístico, o la efectividad que el contenido programático encierre, el niño se expresa libremente en guaraní [. . . ]15 Entre los Fines y Objetivos generales de la educación paraguaya que recoge el documento del MEC en 1983 aparece también que el niño «valore y se comunique con confianza en las lenguas nacionales y desarrolle destrezas básicas de escuchar y hablar en lengua guaraní».16 Por una parte, es un paso adelante, se abandonó la política de prohibición del guaraní en la escuela, por otra parte, se confirma el estatus del guaraní como un instrumento de comunicación exclusivamente oral, y la alfabetización misma sigue reservada al castellano. Es interesante cómo esta política del ministerio fue entendida por los maestros: en una encuesta llevada a cabo por el MEC, un 60 por ciento indicó que la política del ministerio es «enseñar en guaraní y al mismo tiempo enseñar castellano como segunda lengua».17 Es decir, a pesar de que el guaraní debía ser un simple instrumento auxiliar de comunicación, para muchos maestros ya se convirtió en lengua didáctica real. Este plan, además de las zonas rurales, se había implementado también en varias escuelas experimentales en los barrios periféricos de Asunción.18 A raíz de esto, en esta época el guaraní, su ortografía, gramática y literatura, se enseña también en todos los institutos de formación docente.19 Otros cambios decisivos surgen, como ya hemos visto, gracias a la reforma educativa iniciada en 1994. Dado el estatus equitativo que la nueva Constitución otorgó a ambas lenguas, en el principio se pensó en una educación bilingüe igualitaria en cuanto a la presencia de ambos idiomas oficiales en el proceso educativo, y uno de 13 Íbid. 14 Íbid, pág. 6. de Educación y Culto, Educación bilingüe en el Paraguay: Manual del Maestro, MEC, Asunción, 1981, cit. en Corvalán, G., «Política lingüística y educación», Ñemitỹ, núm. 21, págs. 19–20. 16 Íbid., pág. 18. 17 Íbid., pág. 20. 18 Welti, M. C. R. de, La competencia lingüística en niños de barrios populares, pág. 6. 19 Krivoshein de Canese, N., «El guaraní en el marco de la reforma educativa», Ñemitỹ, núm. 21, pág. 7. 15 Ministerio 211 los objetivos declarados de la reforma educativa fue que toda la población paraguaya se convirtiera en «bilingüe coordinada» —más exacto sería equilibrada—: El objetivo principal de este programa de educación es evitar la mezcla (jopará) de ambas lenguas, separando las estructuras de las mismas por medio de enseñanza sistemática de las mismas, de manera de formar bilingües coordinados al término de ciclo primario.20 La primera versión de la educación bilingüe, formulada ya en 1991, proponía dos modalidades curriculares, hispanohablante y guaranihablante, según la lengua materna de los alumnos, con proporción equitativa e invertida de ambos idiomas. El primer grado empezaba con un 85 por ciento del tiempo lectivo en la lengua materna respectiva y un 15 por ciento en la segunda lengua. Estos porcentajes se iban igualando hasta llegar a la proporción del 50 por ciento de cada una en el 9.◦ grado, el último de la Educación Escolar Básica. Esta proporción se reflejaba luego en los diseños de las asignaturas concretas, de las que a la enseñanza lingüística estaba dedicada la asignatura llamada Comunicación. Poco tiempo después de empezar el programa, se hicieron, sin embargo, algunos ajustes decisivos. De la primera versión igualitaria se pasa en 1996 a la versión en la que a partir del 2.◦ ciclo el castellano ocupa alrededor de dos terceras partes del tiempo lectivo y el guaraní sólo una tercera parte en ambas modalidades. Eso significa una gran desventaja para los niños que estudian los primeros tres años en la modalidad guaranihablante y al pasar al 2.◦ ciclo (al 4.◦ grado) se encuentran con una carga del castellano igual que los niños que han empezado en el programa hispanohablante. Este diseño reformado favorece claramente el castellano, y convierte el programa de mantenimiento en un programa de transición, cuyo resultado será que los monolingües en guaraní se hagan cada vez más bilingües, pero que los monolingües en castellano queden prácticamente monolingües o con un conocimiento del guaraní más bien pasivo o limitado. Modalidad Guaranihablante Vamos a ver brevemente la suerte de la llamada Modalidad Guaranihablante (MGH), que fue un proyecto que por primera vez quería tomar seriamente en consideración la lengua materna de la mayoría de los alumnos y que con el paso de tiempo debía convertirse en el currículum mayoritario conforme a que el guaraní es la lengua mayoritaria entre los alumnos. Sin embargo, no fue así y vamos a ver rápidamente el porqué. En el año 1994, al comienzo de la reforma, se escogieron las primeras 118 escuelas para la introducción de este currículum. El interés inicial de las escuelas por este programa fue mucho mayor: 1 098 escuelas de las 1 568 escuelas que el MEC consideraba como prácticamente monolingües en guaraní, querían entrar en este programa.21 Sin embargo, por falta del material y del personal docente capacitado para el programa, no se pudo hacer una implantación más amplia. 20 Corvalán, G., «El bilingüismo urbano en el Paraguay: El caso de la ciudad de la Asunción», Anuario de Lingüística Hispánica 8, pág. 29. 21 Ministerio de Educación y Culto, Educación bilingüe. 212 Con el paso de tiempo, conforme aumentaba la cantidad de docentes capacitados para la enseñanza bilingüe y de materiales educativos, el número de las escuelas que seguían este programa aumentaba también, hasta llegar a su auge, que parece haberse dado en 1998 con 472 escuelas.22 Aún así, el número de las escuelas de MGH quedó muy por debajo de la petición inicial. En los años siguientes el número de las escuelas guaranihablantes empezó a descender rápidamente: en 2 000 a 235 escuelas,23 en 2003, alrededor de un centenar (que funcionaban sobre todo en los departamentos de Concepción, Paraguarí, Villarrica), y el último número publicado por el MEC habla sobre 55 escuelas que todavía quedan dentro de este programa. ¿Cuáles fueron las causas del evidente fracaso de este programa? Algunas triviales, otras más profundas. Si queremos hacer un balance de pérdidas y ganancias de la entrada de una escuela en MGH, hay que tener en cuenta que la presencia del guaraní en las escuelas ya era un hecho real en las zonas guaranihablantes desde los años 80, como hemos visto. Entonces, ¿qué significaba realmente la entrada de una escuela en este programa? Parece que, sobre todo, más trabajo y más desventajas para los profesores, que poco a poco iban desanimándose. Significaba aprender y enseñar nuevos contenidos, significaba menos apoyo material y personal por parte del ministerio —en castellano simplemente había más material y más jornadas de capacitación—, significaba tener que llevar la parte administrativa en guaraní, significaba un supuesto descenso en la escala social, pues el guaraní seguía teniendo un estatus socialmente más bajo, y ser un profesor en la escuela hispanohablante simplemente daba mayor estatus social que serlo en una guaranihablante. Eso conllevaba desventajas para los alumnos —con sus padres como abogados enérgicos—, sobre todo en el paso entre el primer y segundo ciclo, como ya hemos visto. Y encima de todo, significaba enseñar un guaraní culto que no lograba salir de las puertas de la escuela, pues no se lograba la normalización de su uso a nivel estatal: el guaraní seguía ausente de la administración, de los medios de comunicación, etc., así que pocas personas le encontraban utilidad y funcionalidad, y lo sentían como una pérdida de tiempo que, según su opinión, hubiera sido empleado mejor en el aprendizaje del castellano en el que muchos padres veían la función primordial de la escuela. A esto se unían otras razones: una selección a veces equivocada de las escuelas piloto,24 la oposición interna en el Ministerio, el boicot de algunos supervisores, etc. Por eso las escuelas pronto empezaron a volver al currículum de la modalidad hispanohablante, incluso en las zonas monolingües en guaraní. Este paso, sin embargo, no solía significar un cambio real de la lengua de la enseñanza: esa seguía siendo el guaraní. En la mayoría de los casos el maestro seguía con la vieja práctica de explicar en guaraní el contenido de los libros en castellano. Terminamos esta parte constatando que no se puede negar que se haya conseguido cierta forma de educación bilingüe, pero sigue siendo asimétrica —tanto en 22 Ministerio de Educación y Cultura, Modalidad guaranihablante, pág. 9. de Educación y Cultura, Educación para todos: Evaluación en el año 2000: Informe de Paraguay, MEC, Asunción, 2000, pág. 76, cit. en Mello-Wolter, R. M., «Política lingüística y realidad educativa de la República del Paraguay», en: Lluís i Vidal-Folch, A. – Palacios Alcaine, A., eds.: Lenguas vivas en América Latina, pág. 261. 24 Muñoz Cruz, H., «La Modalidad guaranihablante o el bilingüismo social que no asiste a la escuela», Thule, núm. 12–13, pág. 153, afirma que en un 36 por ciento de las escuelas el programa no se ajustaba al perfil de su comunidad. 23 Ministerio 213 lo que se refiere al número de horas de clase de guaraní como segunda lengua, como en cuanto al tratamiento del guaraní como lengua de enseñanza— y ciertamente no se está logrando el bilingüismo «coordinado» de todos los que hayan pasado por la enseñanza obligatoria. El estatus del guaraní en el Mercosur Uno de los temas que se volvió a discutir en los últimos meses fue el estatus jurídico del guaraní en el Mercosur, originado en 1991. Desde que se proclamó lengua oficial en Paraguay en 1992, ha habido varias iniciativas que procuraban conseguir su estatus oficial también a nivel del Mercosur. El primer paso se dio en el «Tratado de Asunción», firmado en 1995 que proclamó el guaraní Idioma Histórico. No es mucho, pero se le da al guaraní por lo menos algún reconocimiento oficial. El tema recibió nuevos impulsos en 2006, cuando apareció la iniciativa «Guaraní Idioma Oficial del Mercosur», respaldada por varias organizaciones cívicas. Efectivamente, en noviembre de 2006, los ministros de cultura de los países miembros acordaron su oficialización. En diciembre se reunió el Foro de Consulta y Concertación Política, la instancia inmediatamente anterior a la reunión de los Presidentes, pero el documento que preparó para la firma en la Cumbre en enero de 2007 dice solamente que el Consejo del Mercado Común decidió «incorporar el guaraní como uno de los idiomas del Mercosur».25 Así se salvó la cabra y la berza. Así que el estatus del guaraní a nivel del Mercosur sigue una asignatura pendiente para el periodo de la presidencia pro tempore de Paraguay de enero a junio 2007. Sin embargo, en el momento de escribir estas líneas, este periodo se está finalizando sin haber cambio alguno en el tema. Ley de políticas lingüísticas Una actividad aún mayor y más importante se da en la preparación de un nuevo proyecto de la Ley de Lenguas que debería convertirse en aquella ley anunciada ya por la Constitución, y reglamentar el uso de ambas lenguas oficiales. Vamos a presentar brevemente la última fase de este proceso. En 2003, en el marco de las actividades de la Comisión Nacional de Bilingüismo (CNB), fundada en 1994 para coordinar las políticas lingüísticas del país y la educación bilingüe, se reanudó la discusión sobre la ley de políticas lingüísticas. Se llegó a formular un anteproyecto, pero el proceso legislativo no prosiguió.26 En 2006 CNB presenta otra propuesta, sustancialmente reelaborada, al Congreso, pero eso sucede en un momento en que el recién formado Taller de la Sociedad Cívica, que reúne unos 50 intelectuales paraguayos con Tadeo Zarratea a la cabeza, tiene preparada una propuesta alternativa, mucho más concreta y exigente en algunos puntos.27 25 Trinidad Sanabria, L., «¿Y el guaraní en el Mercosur?», ABC Color, 3–6–2007, http://www.abc.com.py/suplemento.php?fec=2007-06-03&sec=14. 26 Comisión Nacional de Bilingüismo, Anteproyecto: Ley General de Política Lingüística o Ley General de Normalización Lingüística. 27 Zarratea, T., «Compatibilización de dos proyectos de ley que reglamenta los artículos 77 y 140 de la Constitución Nacional». 214 Se abre un proceso de debate que termina en febrero de 2007 con la firma de un Anteproyecto de Ley de Lenguas concertado entre la CNB, el Taller y el MEC.28 En la reanudación de la actividad y en la larga discusión que al final trajo frutos tuvo un papel importante el foro de debate virtual Paraguáẽñe’?, fundado en agosto de 2005 y promovido por Joan Moles de la Organizatció pel Multilingüisme.29 En la siguiente parte quisiéramos comparar algunos puntos de estas cuatro propuestas para ver la evolución que ha llevado a la última versión del proyecto de la Ley de Lenguas. Propuesta de la CNB de 2003 Las cuatro propuestas coinciden, por supuesto, en el énfasis que ponen en la obligatoriedad del uso equitativo de ambas lenguas oficiales en la administración pública en sus más variadas formas, incluido el lenguaje escrito. Así se obliga a la administración pública, por ejemplo, a expedir formularios en ambos idiomas, respetar el idioma del recurrente, y se establece la igualdad jurídica de documentos en ambos idiomas. Los medios de comunicación es uno de los ámbitos donde mayor evolución se ha dado, como vamos a ver. Todas las propuestas coinciden en que es un derecho colectivo que la lengua y la cultura guaraní esté presente igual que la castellana, sin embargo, en la propuesta de 2003 esto está concretizado muy vagamente: «El Gobierno Nacional, Departamental y el Municipal promoverán la difusión del idioma guaraní en los medios de comunicación social, tendiendo a la equiparación con el castellano». El uso del guaraní en la administración de la justicia es también definido muy vagamente, así que no se garantiza su uso equitativo: «Se utilizarán tanto el castellano como el guaraní en la administración de justicia. Esta adoptará y arbitrará los medios necesarios para el uso eficiente de ambas lenguas en las actuaciones judiciales». En realidad, esta formulación desfavorece el guaraní puesto que el argumento sobre su ineficiencia es el más frecuente contra su uso equitativo en este contexto. Las cuatro propuestas crean un organismo normativo que se ocuparía tanto de la ejecución de la política lingüística, como de la estandarización de la lengua. Este organismo recibe en cada una de las propuestas un nombre diferente y tiene una estructura diferente. En esta propuesta se trata de la Dirección Nacional de Políticas Lingüísticas (DINAPLI) con doce representantes de todas las instituciones importantes que se dedican al guaraní. Propuesta de la CNB de 2006 La propuesta de la CNB de 2006 es completamente diferente y podemos constatar que se ha avanzado mucho. Vamos a fijarnos en algunos aspectos que son interesantes sobre todo si los comparamos con la siguiente propuesta. 28 Comisión Nacional de Bilingüismo – Taller de la Sociedad Civil – Ministerio de Educación y Cultura, Anteproyecto: Ley de Lenguas de la República del Paraguay. 29 Lustig, W., «Política lingüística desde fuera: La Organització pel Multilingüisme y su campaña por la normalización del guaraní en el Paraguay y el Mercosur», ponencia presentada en el 16.◦ Congreso de la Asociación Alemana de Hispanistas, Technische Universität Dresden, del 28 al 31 de marzo de 2007. 215 Un rasgo distintivo de esta propuesta es la actitud equitativa hacia todas las lenguas en Paraguay, no solamente hacia las dos lenguas principales, el guaraní y el castellano: «[. . . ] dispone medidas para la enseñanza, preservación y promoción de todas las lenguas habladas en la República del Paraguay» (art. 1). La propuesta garantiza también el derecho a la alfabetización en cualquier lengua materna, sea indígena, sea de inmigrantes. Este es un cambio importante, porque la Constitución garantiza esto solo a los hablantes de ambas lenguas oficiales, guaraní y castellano. Los que tienen otra lengua, tienen que elegir una de las oficiales como primera lengua, y no como la segunda, como requiere esta propuesta: «Recibir educación inicial, comprendida la lectura y escritura, en la lengua materna. Cuando dicha lengua no sea una de las lenguas oficiales se optará por una de ellas como segunda lengua». En el ámbito de los medios de comunicación se distingue entre los públicos y privados. En el caso de los públicos, se pide la presencia equitativa («deberán tener», art. 18), lo que significa un paso adelante; como hemos visto, antes se hablaba solo de la promoción del guaraní, «tendiendo a su equiparación». En los medios privados, la presencia del guaraní será regulada por el gobierno, que a su vez promoverá su presencia «en las nuevas tecnologías y en las industrias culturales» (art. 23). Otro cambio importante se ha dado en el ámbito de la justicia, donde se garantiza el derecho de usar ambas lenguas igualmente en todos los contextos, incluido por escrito (art. 12). Otra cuestión en que hay una evolución considerable de una propuesta para otra son los requisitos lingüísticos a las personas que quieran acceder a los cargos públicos. En esta propuesta se exige la acreditación del «conocimiento de las dos lenguas oficiales» y el gobierno promoverá que los funcionarios actuales «adquieran la capacitación lingüística adecuada» (art. 14). Esta propuesta destaca por una reglamentación bastante detallada sobre las demás lenguas indígenas. Se garantiza su presencia, igual que de ambas lenguas oficiales: • en la publicidad institucional (art. 13) • en la publicidad presente en los espacios públicos, fomentada por el gobierno (art. 25) • en los servicios de transporte públicos —en rótulos, avisos, comunicaciones megafónicas— cuando los usuarios sean mayoritariamente hablantes de otra lengua indígena (art. 22) • en los medios de radiodifusión y televisión públicos, donde tendrán «una presencia proporcional a su importancia territorial y demográfica» (art. 18) • en los medios de radiodifusión y televisión privados, donde su presencia será regulada por el gobierno, y en las nuevas tecnologías y en las industrias culturales, donde será promovida por el gobierno (art. 23) • en la señalización y rotulación de las calles, de los comercios y centros culturales, recreativos, sociales, deportivos, religiosos, lo que será ordenado por los municipios con criterios de equidad (art. 26) • en libros y periódicos, estimulado y fomentado por el gobierno (art. 24) 216 En cuanto al organismo normativo, no se está pensando en uno solo para el guaraní, sino para todas las lenguas indígenas del Paraguay: el Instituto de la Lengua Guaraní y de las Lenguas Indígenas, que se ocupará de la estandarización de la lengua guaraní y de las lenguas indígenas (art. 30) y «publicará los diccionarios y las gramáticas oficiales de la lengua guaraní y de las lenguas indígenas» (art. 31). Contra los excesos puristas sirve como seguro la segunda parte de este artículo, que establece que «estas tareas normativas tienen que contar con el acuerdo de la mayoría de la comunidad lingüística afectada en cada caso», y que «la normatividad estará al servicio de las modalidades vivas de la lengua hablada». Propuesta del Taller de la Sociedad Civil de 2006 Según la opinión del propio Zarratea, la propuesta alternativa del Taller de la Sociedad Civil pone más énfasis en el bilingüismo guaraní-castellano. En comparación con la propuesta de la CNB es mucho menos generosa con las lenguas indígenas y, salvo la educación inicial, no establece ningunos contextos concretos para el uso de las mismas. Así los artículos dedicados al tema de las lenguas indígenas son más bien generales: se establecen «las medidas para la preservación y promoción de las culturas y de las lenguas de minorías culturales indígenas» (art. 1); se garantiza el derecho de los pueblos indígenas «a recibir apoyo del Estado para que sus lenguas y culturas alcancen niveles y condiciones que garanticen su pervivencia y funcionalidad» (art. 12). Al comienzo de la educación indígena se prevé el uso de las lenguas maternas, más allá de la etapa inicial se supone la enseñanza en ambas lenguas oficiales, lo que es un cambio hacia un sistema más exigente, porque hasta ahora las escuelas indígenas pueden elegir solo una de las lenguas oficiales para la enseñanza (art. 8). Aún menos se ofrece a las otras minorías no indígenas que en la propuesta anterior podían también aspirar a la educación inicial en lengua materna. Esta propuesta garantiza este derecho, «siempre que la misma sea una de las lenguas oficiales del país o una lengua indígena» (art. 10). Lo único que se establece es que (art. 3) «el Estado paraguayo [. . . ] velará por el respeto, la preservación y el desarrollo de todas las culturas minoritarias y de todas las lenguas habladas en el territorio nacional»; y que a las minorías culturales no indígenas se facilitará el acceso «al conocimiento y uso de las lenguas oficiales de la República, sin perder el derecho de usar sus respectivas lenguas» (art. 13). En cuanto al uso del guaraní en los procesos judiciales, coincide con la propuesta de la CNB del uso de guaraní tanto en forma oral, como en forma escrita, sobre todo procurando combatir la práctica general de transcribir en castellano las declaraciones hechas en guaraní, lo que causa inevitablemente deformaciones de significado (art. 10). La propuesta del Taller es mucho más exigente con los funcionarios del Estado a los que se pide no solo el conocimiento, pero también la competencia en el uso del guaraní, y a los ya nombrados se establece el plazo de 5 años para aprender el guaraní (art. 28). En cuanto a los medios de comunicación, a diferencia de CNB no distingue entre los de titularidad pública y privada y pide la presencia equitativa de ambos idiomas en todos (art. 10–11). 217 Es la propuesta más original en cuanto a la estructura del organismo normativo. Aparte de la Secretaría Nacional de Política Lingüística (SENAPOL) en el sector público y el Instituto Nacional de Normalización de la Lengua Guaraní en el sector privado, establece un órgano asesor, la Asamblea Nacional de Hablantes del Idioma Guaraní, que reúne un grupo muy amplio y variado de «delegados provenientes de todas las regiones del país y de los sectores culturales» para las consultas sobre el buen uso del idioma (art. 33). Propuesta consensuada de la Ley de Lenguas de 2007 La versión definitiva del anteproyecto de la Ley de Lenguas, consensuada entre la CNB, el Taller de la Sociedad Civil y el MEC, se firma el 27 de febrero de 2007. Ya desde el principio establece una graduación en el tratamiento de los tres grupos de idiomas presentes en Paraguay (art. 2): • promoción y desarrollo de las dos lenguas oficiales • preservación de las lenguas y culturas indígenas • respeto a las otras lenguas habladas por las diversas comunidades culturales Esta triple clasificación se refleja también en la legislación sobre la educación. Mientras que para los hablantes del primer grupo existe la educación bilingüe guaraní-español desde el nivel inicial hasta el superior, para el segundo, la enseñanza en la respectiva lengua en la etapa inicial y planes curriculares diferenciados, para el tercero se trata de la obligación de elegir una de las lenguas oficiales como lengua de partida (art. 9–10). En esto se adoptó el punto de vista de la propuesta del Taller. En cuanto a los requisitos para ocupar cargos públicos, es aún más específica y exigente al pedir como condición indispensable la competencia oral y escrita en ambas lenguas. A los funcionarios ya nombrados se garantiza el espacio de cinco años para adquirir estas competencias (art. 17). Hay una novedad en comparación con las propuestas anteriores: se exige el uso equitativo de ambos idiomas oficiales también a empresas privadas, en temas laborales y administrativos en relación con los postulantes (art. 9). Se exige la presencia equitativa en todos los medios de comunicación (art. 10), sin embargo, en los privados está sujeta a la regulación de la Dirección General de Planificación Lingüística (art. 39). De la propuesta de la CNB se ha tomado una parte de la reglamentación concreta relacionada con las lenguas indígenas, pero es menos taxativa que en la propuesta anterior: • regular su presencia en los medios de radiodifusión y televisión privados (art. 39) • promover su presencia en las nuevas tecnologías y en las industrias culturales (art. 39) • fomentar su uso con la edición de libros y publicaciones periódicas (art. 39) • realizar el registro oral y escrito de las mismas. (art. 40) 218 La estructura del organismo normativo propuesto es la siguiente: • Secretaría de Políticas Lingüísticas – Dirección General de Planificación Lingüística – Dirección General de Investigación Lingüística • Academia de la Lengua Guaraní Creemos acertada la adopción final del nombre Academia, el cual no se proponía anteriormente, ciertamente porque a lo largo de la historia ha habido varias academias de la lengua guaraní, que no han hecho mucho por la normalización y estandarización eficiente del guaraní. Pero, si se pretende un organismo con la autoridad generalmente aceptada sobre el uso de la lengua, el nombre de Academia es una marca que repercute mucho en los hablantes. Conclusiones Se ha dado el primer paso para que pueda comenzar el proceso legislativo. Varios promotores de esta ley se han mostrado, en principio, bastante optimistas acerca de la suerte del anteproyecto comentado, dado ya el mismo hecho de que se haya conseguido un proyecto consensuado, respaldado por varios grupos de expertos. Es una propuesta muy equilibrada y su adopción significaría un paso decisivo hacia una sociedad más justa y menos discriminatoria contra aquel 30 por ciento de la población que no sabe hablar castellano, pero tiene que vivir en un estado que funciona prácticamente solo en castellano. Sin embargo, es bastante difícil predecir su resultado: ya han pasado cuatro meses desde que se firmó, y todavía ni siquiera se empezó a debatir en el Parlamento. Hay que admitir que la ley llega en un momento, cuando Asunción es una ciudad ya prácticamente hispanizada, donde el castellano se habla casi en un 80 por ciento de los hogares, como reveló el Censo 2002. Y lo es también en gran medida todo el Departamento Central, el área mayormente urbana circundante de Asunción, donde el uso del castellano en el hogar alcanza casi un 60 por ciento.30 En estos dos departamentos viven casi 2 millones de habitantes, más de un tercio de la población paraguaya. Si a esto sumamos el peso político, económico, social y cultural de la capital, fácilmente nos damos cuenta de que los opositores pueden ser relativamente numerosos, y que el anteproyecto contiene varios puntos que provocarán rechazo de las clases más pudientes, política y económicamente. Por otra parte, la clase política es también, seguramente, la más consciente de la situación injusta de los hablantes monolingües del guaraní, así que no sería otra cosa que hacerles justicia si al final apoyaran esta ley revolucionaria. A eso podría ayudar el hecho de que la reivindicación de un estatus mayor de la lengua guaraní recibe constantes impulsos tanto internacionales, como nacionales. La lengua guaraní fue declarada Patrimonio Intangible de la Humanidad, durante 30 «Cuadro V09: Paraguay: Hogares particulares por idioma del hogar, según departamento, distrito y área urbana-rural, 2002», en: Dirección General de Estadística, Encuestas y Censos: Paraguay: Resultados Finales Censo Nacional de Población y Viviendas: Año 2002 – Distrital, págs. 675 y 683. 219 la visita del Director General de la UNESCO en Asunción el 28 de marzo de 2007.31 El 29 de junio de 2007, con ocasión de la reunión de Presidentes del Mercosur en Asunción, tuvo lugar una manifestación a favor de la declaración del guaraní como idioma oficial del Mercosur. Ojalá todo este movimiento pronto traiga frutos reales. DOCUMENTOS II Congreso Internacional de la Lengua y Cultura guaraní-tupí: «Resoluciones y Recomendaciones», Boletín de Filología (Montevideo) 7, núm. 52–53–54, 1953, págs. 679–685. Código procesal penal: Ley 1286/98. Ediciones Ortiz Guerrero, Asunción, 1998. Comisión Nacional de Bilingüismo: Anteproyecto: Ley General de Política Lingüística o Ley General de Normalización Lingüística, mecan., [2003]. Comisión Nacional de Bilingüismo – Taller de la Sociedad Civil – Ministerio de Educación y Cultura: Anteproyecto: Ley de Lenguas de la República del Paraguay, en: Paraguái ñe’ẽ, 19–2–2007. Lista de discusión en [email protected], 19 págs. Constitución de la República del Paraguay: Sancionada por la Convención Nacional Constituyente el 25 de Agosto de 1967 y promulgada por el Poder Ejecutivo en la misma fecha; Edición oficial. Ministerio del Interior, Asunción, 1967. La Constitución de la República del Paraguay: Con sus Fundamentos. Investigación y recopilación José Manuel Plano de Egea. Editorial LD, Asunción, 1992. Ministerio de Educación y Cultura: Ley General de Educación 1264/98, http://educacionsuperior.mec.gov.py/disp legales/pdfs/ Ley 1264-98 - Ley General de Educacion.pdf [cit. 22–6–2007]. 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DGEEC, Fernando de la Mora, 2004. 31 Corvalán, G., «El guaraní en el mundo virtual», Última Hora: Correo Semanal, 28–4–2007, pág. 7. 220 Zarratea, T.: «Compatibilización de dos proyectos de ley que reglamenta los artículos 77 y 140 de la Constitución Nacional», en: Paraguái ñe’ẽ, 4–9–2006. Lista de discusión en [email protected], 22 págs. BIBLIOGRAFÍA Corvalán, G.: «El bilingüismo urbano en el Paraguay: El caso de la ciudad de la Asunción», Anuario de Lingüística Hispánica (Valladolid) 8, 1992, págs. 9–41. Corvalán, G.: «El guaraní en el mundo virtual», Última Hora: Correo Semanal (Asunción), 28–4–2007, pág. 7. Corvalán, G.: «Política lingüística y educación», Ñemitỹ, núm. 21, 1990, págs. 14–23. Corvalán, G.: Competencia lingüística en español y actitudes de las maestras hacia el guaraní. CPES, Asunción, 1991. Genes Hermosilla, I. 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Budoucnost posledního návrhu, vzniklého v součinnosti několika institucí (Comisión Nacional de Bilingüismo, Taller de la Sociedad Civil a Ministerio de Educación y Cultura) a podepsaného v únoru 2007, je stále otevřená, neboť se dosud čeká na počátek legislativního procesu. Recent Developments in Language Policies in Paraguay Summary The article presents the recent activity concerning language policies in Paraguay. The introductory part mentions some data that are generally known, but important for the topic, related to the Paraguayan linguistic situation, the present legislation about languages and bilingual education and the history of the Guarani presence in the Paraguayan educational system. The second part compares and briefly comments on the four proposals of the Language Act that have appeared since 2003, in which the evolution in favor of the Guarani language can be seen. The future of the last version, created by the National Commission for Bilingualism, the Workshop of the Civic Society, and the Ministry of Education and Culture, and signed at the end of February, 2007, is open, as the beginning of the legislative process is still awaited. Lenka Zajícová Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc Chequia zajicol@ffnw.upol.cz 222 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 Controversias de las negociaciones de paz con las Autodefensas Unidas de Colombia (AUC): perspectiva política Radim Zámec En este trabajo, quiero dar una visión del rumbo las negociaciones políticas entre la administración Uribe y las Autodefensas Unidas de Colombia (AUC) a partir del año 2002 hasta la actualidad centrándome, sobre todo, en los últimos acontecimientos del año 2006 que, según parece, han dado vuelta a todo el proceso político con las AUC: revelación de la parapolítica. Surgimiento de las AUC Las AUC surgieron en 1997 como confederación de varios grupos paramilitares que habían operado ya desde los principios de los años 80. Ellos mismos en sus discursos defienden la imagen de ser ciudadanos corrientes que se levantaron en arma contra los abusos, asesinatos, secuestros y extorsión de las guerrillas de izquierda (FARC, ELN, EPL, MQL etc.), en el contexto de la ausencia del Estado que los protegiera. Por eso prefieren llamarse a ellos mismos autodefensas. Como indican varios autores1 los paramilitares surgieron como una alianza de los sectores ganaderos y la nueva élite terrateniente, proveniente de los carteles de droga, apoyada por algunos oficiales de las Fuerzas Armadas, contra los posibles cambios sociales, políticos y económicos que hubieran podido provocar las negociaciones entre la administración Betancur2 y las FARC. Sin embargo, en la creación del paramilitarismo confluyeron más intereses: los narcotraficantes buscaban en las autodefensas un aparato armado que protegiera su negocio, algunos exmiembros de las FF.AA. veían en el paramilitarismo un instrumento mucho más eficaz contra la guerrilla que el Ejército, con la convicción de que había que usar todos los medios para exterminar la guerrilla. Desgraciadamente, las AUC no distinguían 1 Romero, M.: Paramilitares y autodefensas 1982–2003, págs. 62–87. Barón, M. – Gutiérrez, F.: «Estado, control territorial paramilitar y orden político en Colombia», en: Gutiérrez, F. et al., eds.: Nuestra guerra sin nombre. Transformaciones del conflicto en Colombia, págs. 267–312. 2 Las reformas posibles abarcarían la redistribución de la tierra, apertura política e inlusión de los sectores de la izquierda en el sistema político, una democratización general del país, etc. 223 entre la población y la guerrilla, lo que produjo una de las tragedias humanitarias más grandes de las últimas décadas con miles de muertos y millones de personas desplazadas de sus hogares. Aunque a veces surgen comentarios de que la guerrilla y las AUC terminaron siendo iguales en cuanto al involucramiento a la producción de la droga y la violación del D. H. I., en sus orígenes, las organizaciones son distintas. Las guerrillas surgieron en contexto de la ola revolucionaria ocasionada por la Revolución Cubana y la tradición de las luchas agrarias y las autodefensas campesinas heredadas de la época de la Violencia, como respuesta al relativo hermetismo del sistema político y económico, inequidad e injusticia social. Mientras que las guerrillas se levantaron contra el establecimiento, las autodefensas eran el hijo no reconocido del Estado. El paramilitarismo surgió para defender el status quo en el campo, en lo económico y político, y desde el principio contó con la colaboración del Ejército y la élite local, y, en los últimos años, hasta con el apoyo de varios congresistas y senadores. Las relaciones entre las autodefensas y las FF.AA se confirmó últimamente con la confesión de S. Mancuso quien relató como «transportaban a paramilitares en sus camiones, elaboraban listas para masacres y asesinatos selectivos, entrenaban a los combatientes de las AUC en sus cuarteles y les entregaban las armas a los futuros verdugos de la población civil».3 Mientras que el narcotráfico jugó un papel decisivo en la constitución del paramilitarismo, las relaciones de aquél con las guerrillas eran más complicadas: al principio, las guerrillas brindaban seguridad a los narcotraficantes a cambio de vacunas y regulaban conflictos sociales que surgía como consecuencia de la bonanza cocalera. Sin embargo, parece que las relaciones entre los dos sectores se iban deteriorando después de unos secuestros de capos de los carteles de droga o sus familiares por parte de la guerrilla, lo que culminó en la creación del grupo MAS (Muerte a Secuestradores), predecesor de los grupos paramilitares. El secuestro de la hermana de los Castaño4 es un caso ejemplar. La ruptura de las relaciones entre los narcos de los carteles de droga y la guerrilla no quiere decir que ésta no se haya involucrado al negocio sino que la modalidad del involucramiento cambió. Mientras que las guerrillas gozaban del estatuto de actor político armado dado que pretendían cambios estructurales de la sociedad, las autodefensas, al contrario, tuvieron que esperar el reconocimiento hasta el año 2002 cuando la administración Uribe cambió la ley 782. Las autodefensas asumieron el rol del defensor regional del status quo en el campo, contra las reformas sociales y políticas del centro. Hasta los mediados de los noventa, cuando el Estado empezó a perseguirlos paulatinamente, los paramilitares podían confiar en la tolerancia y apoyo de algunos sectores del establecimiento y de las Fuerzas Armadas; de ahí la denominación paramilitares. Incluso podríamos decir con Gutiérrez y Barón que los paramilitares jugaron un papel importante en la estrategia antisubversiva militar cumpliendo el papel de retén contra la guerrilla. Asumiendo este rol, las autodefensas recurrieron al dinero del narcotráfico, lo que les posibilitó la expansión militar de los años noventa. En el contexto de la guerra global 3 «Pacto con el diablo», Semana 1990, http://semana.com/wf InfoArticulo.aspx?IdArt=100530 [cit. 20–1–2007]. 4 Los hermanos Castaño (Vicente, Fidel y Carlos) eran conocidos narcotraficantes y miembros de los Pepes (Perseguidos por Pablo Escobar). Al mismo tiempo, contribuyeron al surgimiento del paramilitarismo; Carlos fue jefe de las AUC hasta su asesinato en el 2004. 224 contra las drogas impuesta por EE.UU., la conexión de los grupos de autodefensa con los carteles de droga hizo más ambigua la relación entre el Estado y los paras: por un lado, son aliados en la guerra contra la guerrilla, por otro lado, son enemigos en la guerra contra la droga. Con la aparición de los paramilitares la guerra se degradó: desplazamiento masivo y masacres de la población civil, la cual vive entre dos fuegos en las regiones del conflicto armado y cada parte beligerante la considera como ayudantes del enemigo; debilitamiento del tejido social de la sociedad colombiana causado por la difusión de la guerra a regiones antes no afectadas; y la desconfianza. Otro aspecto negativo de la guerra es la concentración de la propiedad rural en manos de los paramilitares como consecuencia del desplazamiento de la población civil que en los años noventa alcanzó cifras inimaginables. Además, la penetración del narcotráfico en la política y la vida de todo el país causó, entre otras cosas, la deslegitimización y debilitamiento de las instituciones estatales. Durante su expansión militar, las AUC lograron cierto apoyo en algunos sectores de la población dominada dado que la empresa paramilitar ofrece posibilidad de ascenso social mediante el involucramiento de muchachos jóvenes en las autodefensas como combatientes, y ofrece cierto orden y seguridad en medio de la inestabilidad y peligros de la guerra. En este sentido, el surgimiento de los grupos paramilitares es síntoma de la debilidad del Estado y la falta del monopolio de violencia por parte de éste; al mismo tiempo, remite a problemas mucho más profundos que guardan relación con la adopción y la configuración del Estado moderno en contexto de América Latina, aspectos que no pueden ser tratados aquí por falta de espacio.5 Controversias del actual proceso de paz con las AUC Las desmovilizaciones son el resultado de lo acordado por el Gobierno y la cúpula de las AUC. Después de que el actual presidente Álvaro Uribe Vélez (2002–) asumiera el cargo, los paramilitares declararon un cese de fuego y hostilidades unilateral, lo que el Gobierno había planteado como una de las condiciones preliminares para entrar en negociaciones de paz con cualquier actor armado ilegal. Sin embargo, el cese de fuego no fue respectado. Después de unos acercamientos iniciales, el Gobierno entró en diálogo con las AUC en el 2003, y la mesa de negociación se estableció en Santa Fe de Ralito. A pesar de que los diálogos llegaron a veces a punto de terminarse, se logró un acuerdo, que, sin embargo, no ha dejado de provocar controversias y críticas fuertes tanto a nivel nacional como a nivel internacional. Uno de los puntos más visibles de los acuerdos son las desmovilizaciones a las que el Gobierno usó como recurso para dar crédito y legitimar el proceso de paz frente a la opinión pública. A continuación, intentaré recoger algunas controversias del proceso de paz. 5 Para un tratamiento muy profundo de estos problemas, remito al lector a González, F. E. – Bolívar, I. J. – Vázquez, T.: Violencia política en Colombia. De la nación fragmentada a la construcción del Estado, págs. 193–320. 225 Varias organizaciones6 y autores7 denunciaron que las AUC no cumplían con su promesa del cese de hostilidades y que seguían utilizando las prácticas de extorsión, intimidación y homicidio selectivo para ejercer su poder sobre la población.8 Se hicieron estas denuncias, por ejemplo, frente a la situación en Medellín y su comuna 13, donde los paramilitares del desmovilizado Bloque de Cacique Nutibara (BCN) seguían controlando sus antiguas zonas de poder e incluso reclutaban a menores de edad a sus tropas.9 También el descubrimiento del computador portátil de uno de los jefes paramilitares Rodrigo Tovar Pupo, alias Jorge 40, reveló que durante las negociaciones de paz e durante las desmovilizaciones, ese grupo armado había sido involucrado en las muertes selectivas de líderes comunitarios, sindicalistas y otras personas en la Costa atlántica. Habían surgido dudas sobre la transparencia de las desmovilizaciones dadas algunas discrepancias en el número de combatientes desmovilizados y las armas entregadas,10 lo que produce temor de que gran parte de armas en posesión de las AUC haya podido terminar en el mercado negro, y alimenta la sospecha de que algunos narcotraficantes hayan ingresado al último momento a las autodefensas para cobijarse de la posible extradicción.11 Mucho más problemático es el aspecto legal del proceso de paz. En julio de 2005, el Congreso aprobó la llamada Ley de Justicia y Paz, la cual según sus detractores, no garantiza a las víctimas de los crímenes cometidos por las AUC el derecho a la verdad, justicia y reparación, que el Estado colombiano se comprometió a respectar al adoptar el Derecho Internacional Humanitario. Antes de que la Corte Constitucional modificara la ley en muchos aspectos criticados en mayo del 2006, se le reprochó a la norma que no vinculaba los beneficios jurídicos al compromiso de los paramilitares a contar toda la verdad sobre su organización, el tráfico de drogas y sus actos de lesa humanidad contra la población, y que no facilitaba la construcción de la verdad colectiva sobre lo ocurrido. Además, no garantizaba la devolución de los bienes malhabidos por los paras a sus propietarios legítimos originales, ya que los paramilitares podían quedarse con la parte de sus bienes supuestamente legales, lo que produciría una ola del lavabo de dinero negro. Por último, al definir el delito de sedición como un delitito político, la ley de Justicia y Paz podía blindar a los paramilitares de su extradicción, puesto que la Constitución del 91 la prohibe en el caso de los delitos políticos.12 6 Véase, por ejemplo, el 13 Informe del Defensor del Pueblo al Congreso de la República o el informe de la Human Rights Watch: «Smoke and Mirrors: Colombia’s demobilization of paramilitary groups», 2005, http://hrw.org/reports/2005/colombia0805/ [cit. 10–2–2007] 7 Arnson, C., The peace process in Colombia with Autodefensas Unidas de Colombia, págs. 1–12. 8 El 13 Informe del Defensor del Pueblo al Congreso de la República atribuye a las AUC la autoría de 1739 actos de infracción del derecho internacional humanitario en el año 2005, frente a 1912 en el año 2004 9 Defensoría del Pueblo, «El 13 Informe del Defensor del Pueblo al Congreso de la República», 128 págs. 10 En el informe del PNUD, se destaca que mientras que se desmovilizaron 10 587 combatientes, éstos entregaron sólo 6 636 armas. Estos datos son del 20 de septiembre de 2005. 11 Sanguino, A.: «Los ciento veinte días de la Mesa de Santa Fe de Ralito o la parábola del camión bajando una pendiente sin frenos», http://www.nuevoarcoiris.org.co/local/articulo03.htm [cit. 10–2–2007]. 12 «¿Peligra el proceso?», Semana 1 255, 20–5–2006, http://www.semana.com/wf InfoArticulo.aspx?IdArt=94701 [cit. 10–2–2007]. 226 Otro fenómeno que empieza a desenredarse hoy, y que produce la deslegitimación del proceso de paz, es la llamada para-política, es decir la alianza de muchos políticos regionales con los paramilitares, que mediante fraudes electorales llegaron a hacer elegir hasta la tercera parte de las currules en el Congreso.13 La revista Semana, retomando el reciente estudio de L. Valencia y M. Romero sobre la parapolítica, indaga por los motivos que confluyeron a forjar esta alianza: aunque tal relación pudo haber servido a extraviar los fondos públicos y regalías, es muy probable que sirviera también para afirmar los intereses paramilitares en el Congreso, que durante la presidencia de Álvaro Uribe jugó un papel importantísimo en la aprobación de la legislación que reglamentaría el proceso de paz y la ley 975 (Ley de Justicia y Paz). A los políticos, por su parte, les ofrece una manera de ascenso al poder y su mantenimiento. A principios del 2007, varios congresistas fueron detenidos y puestos en disposición de la Fiscalía precisamente por las relaciones con el paramilitarismo. El escándalo amenazó incluso al presidente Uribe ya que entre los detenidos se encontraba el hermano de su canciller. De este modo, la parapolítica se constituye como una continuación y, al mismo tiempo, una modificación del clientelismo de siempre en el contexto de erosión de los tradicionales mecanismos bipartidistas de ascenso al poder que lograban articular las diferentes regiones del país con el Estado central, y que representaban los intereses de las élites regionales a nivel nacional, y los intereses de la población mediante el manejo clientelista de los problemas de la gente. La parapolítica constituye un tipo clientelismo armado que se encuentra fuera de la legalidad. El estudio de L. Valencia y M. Romero muestra que en los territorios con fuerte presencia paramilitar, se crearon nuevos mini partidos que incluyeron en sus listas para el Senado tanto candidatos vinculados con los dos partidos tradicionales como personas nuevas. Estas listas obtuvieron altas votaciones en las elecciones de 2002 y en 2006 ganaron 1 845 773 votos, lo que representa una tercera parte de la votación total para el Senado. En otros caso, la alianza se forjó entre las autodefensas y candidatos de los partidos tradicionales como sugiere el caso de Alfonso Campo Escobar, representante conservador, detenido por su participación en la Cumbre de Curumaní en que varios políticos y los paras se repartieron el mapa político de la Costa. De este modo, el paramilitarismo pudo conseguir «amigos en el Congreso» de los que hablaba en su tiempo el desaparecido jefe paramilitar Carlos Castaño. Está claro que no siempre este fenómeno tiene que estar relacionado con la presión paramilitar en la política, sin embargo, el caso de los políticos detenidos, parece apoyar la argumentación de los dos investigadores; como ejemplo puede servir el senador Dieb Maloof elegido en 2002 por el Mipol en la Costa, y detenido en 2007 por las relaciones con el paramilitarismo. Si embargo, hay que tomar en cuenta que la parapolítica no es un fenómeno sin antecedentes. Podemos recordar el proceso 8 000 durante el gobierno Samper (1994–1998) que evidenció la creciente penetración del narcotráfico en la más alta política. Las manifestaciones de la parapolítica son muy variadas y no se limitan a unos acuerdos entre algunos políticos y las AUC contraidos a puertas cerradas para controlar el ascenso al poder mediante el fraude electoral. La maquinaria, además, 13 «Para entender la para-política», Semana 1 293, 10–2–2007, http://www.semana.com/wf InfoArticulo.aspx?idArt=100953 [cit. 10–2–2007]. 227 incluye presión y amenazas a candidatos opositores, amenazas a y asesinatos de los líderes comunitarios, que puedan constituir focos alternativos de poder y representación de la población, manejo de fondos públicos de acuerdo con los intereses de las partes, etc. Además, a la alianza se involucraron probablemente algunos sectores de los organismos de la seguridad del Estado, lo que se evidencia en el escándalo que surgió a partir de las revelaciones sobre los nexos entre algunos agentes del DAS (Departamento Administrativo de Seguridad) y las AUC, que servían para aniquilar a opositores, sindicalistas y presuntos guerrilleros. Recordemos, por lo menos, el caso del profesor de sociología Correa de Andreis,14 asesinado en 2005. Consideraciones finales Las controversias que mencionamos en este texto terminaron cambiando el panorama del proceso de paz en Colombia. En principio, las AUC, probablemente, querían legitimar el orden paramilitar que habían establecido en los territorios copados por ellos desarmando, por lo menos, una parte del aparato militar conservando, sin embargo, otros elementos de su poder: redes políticas, capital económico adquirido a sangre y fuego y una parte considerable de sus combatientes para fundar nuevos grupos armados que apoyaran en adelante sus intereses15 . El gobierno, por su parte, quería exhibir un trofeo de 30 000 combatientes desmovilizados para ganarse votos. De haberse cumplido el libreto original de las negociaciones con las AUC, se habría mantenido el status quo en muchos aspectos legitimándose y legalizándose las redes del clientelismo armado paramilitar. Sin embargo, el proceso de paz hizo surgir críticas y oposición de muchos sectores: oposición política del Polo Democrático, ONGs como Amnistía Internacional, Human Rights Watch, EE.UU., sociedad civil, etc. A partir de estas críticas, surgió una lucha simbólica por la legitimidad del proceso de paz la cual tenía lugar, sobre todo, en los medios de comunicación. Pero el verdadero cambio vino en el 2006 después de que se terminaran las desmovilizaciones: la revelación sobre la parapolítica, los nexos entre el DAS y las AUC y las evidencias que trajo el computador de Jorge 40 sobre la vigencia del paramilitarismo aún después de su desarme arrojaron muchas dudas sobre las intenciones de los actores de las negociaciones de paz. Estos factores terminaron cambiando el libreto del proceso: a finales del 2006 y a principios del 2007, muchos capos paramilitares se encontraban recluidos en la cárcel de Itagüí y varios congresistas, detenidos. Hay que reconocer que esta fase fue protagonizada por el poder judicial. Sin embargo, Colombia tendrá que enfrentar retos enormes en su camino hacia un Estado democrático. No bastará con castigar a los paramilitares por los crímenes perpetrados, y atender a las víctimas de la guerra; habrá que desmontar el paramilitarismo como una forma de gestión política y manejo de los asuntos públicos. Para ello, el Estado colombiano debería superar su tradicional debilidad, fragmentación y la exclusión social de los sectores vulnerables. ¿Será posible esto 14 «La conexión DAS–AUC», Semana 1 278, 28–10–2006, http://72.35.86.196/wf InfoArticulo.aspx?IdArt=97846 [cit. 10–2–2007]. 15 «Sin libreto», Semana 1 285, 16–12–2006, http://72.35.86.196/wf InfoArticulo.aspx?IdArt=100119 [cit. 10–2–2007]. 228 en el contexto neoliberal actual que intenta reducir al mínimo la actuación del Estado? El conflicto armado en Colombia no se ha terminado con la desmovilización del paramilitarismo ya que todavía existe la más antigua guerrilla del mundo, las Farc-Ep. Su desmovilización se verá muy improbable a la luz de lo que les pasó a algunos paramilitares que se encuentran en la cárcel. BIBLIOGRAFÍA Arnson, C., ed.: The peace process in Colombia with Autodefensas Unidas de Colombia. Woodrow Wilson International Center for Scholars, Washington, 2005. Barón, M. – Gutiérrez, F.: «Estado, control territorial paramilitar y orden político en Colombia», en: Gutiérrez, F. et al., eds.: Nuestra guerra sin nombre. Transformaciones del conflicto en Colombia. IEPRI, Bogotá, 2006, págs. 267–312. González, F. E. – Bolívar, I. J. – Vázquez, T.: Violencia política en Colombia. De la nación fragmentada a la construcción del Estado. Cinep, Bogotá, 2003. PNUD: «Los 10 temores del proceso de desmovilización», Hechos del callejón 1, núm. 8, 2004, págs. 2–4. Romero, M.: Paramilitares y autodefensas 1982–2003. IEPRI, Bogotá, 2003. Romero, M.: «Los interrogantes de las desmovilizaciones de las AUC», en: Cátedra Konrad Adenauer de Comunicación y Cultura: La desmovilización de las autodefensas, un caso de estudio. Ediciones Antropos, Bogotá, 2004, págs. 20–30. Sanguino, A.: «Los ciento veinte días de la Mesa de Santa Fe de Ralito o la parábola del camión bajando una pendiente sin frenos», en: http://www.nuevoarcoiris.org.co/local/articulo03.htm [cit. 10–2–2007]. Kontroverzní mírové rozhovory s Autodefensas Unidas de Colombia z politické perspektivy Resumé Tato studie nabízí obecný pohled na mírové rozhovory mezi AUC a vládou se zaměřením na kontroverzní body jednání. Připomínáme zrod polovojenských struktur v kontextu politické demokratizace osmdesátých let jako snaha regionálních elit, drogových baronů a části ozbrojených sil podkopat tento proces a reformy vycházející z centra. Dáváme důraz především na rozuzlení současného mírového procesu v roce 2006, které se vyznačovalo odhalením styků mezi polovojenskými oddíly a některými členy politické garnitury (parapolítica). Tyto styky chápeme jako druh ozbrojeného klientelizmu a jako alternativní způsob vzestupu k moci. Mírový proces pak považujeme za prostředek k legitimizaci těchto mocenských sítí. 229 Controversy of the Peace Negotiations With the Autodefensas Unidas de Colombia (AUC): a Political Perspective Summary This paper offers a general panorama of the peace negotiations between the Government and the AUC, with attention being paid to its controversy. The paper recalls the birth of paramilitarism in the context of the political vacuum of the 80’s and the peace process with guerrilla groups as an attempt by the regional elite, drugs producers and some sectors of the Army to undermine the peace process and the reforms of the central government. We pay the actual evolution of the process attention to during 2006, characterized by a revelation of relations between some members of the political elite and paramilitaries (parapolítica). In our opinion, this phenomenon represents a kind of armed clientism and a way to ascend to political power. The peace process is understood as an AUC strategy to legalize and legitimize its clientist net. Radim Zámec Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc República Checa [email protected] 230 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 El proceso histórico de la construcción del Estado de Colombia y sus fracasos Klára Bachurková En este breve estudio, que es un torso de mi trabajo de licenciatura, vamos a observar el proceso histórico de la construcción del Estado en Colombia con el enfoque especial en los momentos claves que han podido complicar su consolidación.1 De este modo, vamos a ver por qué el Estado quedó en medio del camino hacia el Estado moderno. Para poder proceder al análisis del proceso histórico de la construcción del Estado, cabe explicar lo que se entiende bajo la denominación Estado. El Estado es una organización política soberana, que en un territorio delimitado y con una población que comparte vínculos de pertenencia, debe ejercer el monopolio del uso legítimo de la fuerza y regular los conflictos de la sociedad mediante un aparato institucional de orden burocrático-administrativo, apoyado en un conjunto de normas de carácter general. Se diferencia del régimen político en la medida en que éste es el conjunto de reglas que regulan el acceso al poder y su ejercicio, y las relaciones entre el ciudadano y el Estado. También se diferencia del Gobierno en tanto éste se refiere al conjunto de personas y de órganos que ejercen el poder político, es decir, que gobiernan y le imprimen una orientación específica al Estado.2 Los puntos de partida La construcción del Estado no es un proceso fácil ni desprovisto del contexto exterior. Si Colombia todavía no se ha consolidado, hay que preguntarse por qué y cómo se diferenciaba de los países occidentales que hoy en día están más o menos consolidados. Si comparamos Colombia con la mayoría de los países europeos, podemos notar una diferencia en el punto de partida hacia un Estado independiente. Antes 1 El análisis no incluye el segundo mandato de Álvaro Uribe Vélez. Banfi, J. et al., Manual para cubrir la guerra y la paz, pág. 16. 2 Abello 231 de conformarse en Estados nacionales, los países europeos tuvieron que establecer y defender sus fronteras en guerras exteriores. Para tal proceso se exigía una consolidación interna que surgió en el momento cuando se excluyeron actores que podrían desafiar el monopolio de la violencia del Estado. El establecimiento del orden externo e interno de los Estados europeos no fue desprovisto de modos que hoy en día serían supremamente rechazados, tales como el encarcelamiento de jefes locales como rehenes, el ahorcamiento de los que protestarían contra objetivos o métodos de sus líderes, el hostigamiento de los campesinos, etc.3 Las condiciones del principio de la formación de Colombia eran diferentes. Después de ser proclamado un Estado independiente del Reino de España, el país (con pocas excepciones) no tuvo que defender sus límites porque las fronteras ya habían sido establecidas y reconocidas internacionalmente. Por la inexistencia de las guerras exteriores, que exigirían crear el poder central fuerte del Estado, el país quedó fragmentado con la permanencia de los poderes locales más o menos autóctonos, ayudados por los espacios geográficos tradicionalmente vacíos sobre los cuales el Estado no tenía ningún control y a los cuales era fácil escapar frente a la ley. Entre otros factores que no facilitaban su consolidación era la falta de un sector comercial desarrollado que ayudaría a incorporarlo en la economía mundial. El comercio exportador se basaba sobre todo en la exportación del oro, el único producto capaz de compensar el costo de transporte que resultó bastante elevado a causa del terreno difícilmente accesible debido a tres cordilleras. El comercio importador fue afectado por el mismo problema llevado al extremo debido a la falta de la exportación que traería beneficio para poder financiar el volumen necesario de artículos importados. Se creó un círculo vicioso: sin la infraestructura eficaz no se podía desarrollar el sector comercial y sin el sector comercial no hubo razón por qué construir una infraestructura eficaz. La diversidad de las condiciones geográficas que complicaban la comunicación de distintas partes de Colombia hizo más difícil crear el dominio del Estado central sobre el territorio nacional. De este modo podían coexistir regiones integradas con regiones no integradas dentro de las fronteras internacionalmente reconocidas del país. Las regiones no integradas, donde el Estado no tenía monopolio de la justicia, de la violencia, ni mecanismos de la regulación social, establecían sus propias reglas bajo tutela de las élites locales y regionales que tenían el poder de negociar las decisiones del centro para perseguir sus fines. El Estado se definía, entonces, por la coexistencia de varios poderes de los cuales ninguno logró conquistar a los demás, unificar el país y construir la identidad nacional. La fragmentación de la nación dificultaba la articulación entre los niveles local, regional y nacional de la política. La interrelación entre el centro y la periferia se efectuaba a través de los intermediarios, élites locales o regionales que representaban a los que de otra manera no tendrían acceso a los bienes y servicios que prestaba el Estado. Se creó una red clientelista que, de cierto modo, resultó útil porque facilitaba la inclusión política. Sin embargo, no trajo solamente efectos positivos. Los dos partidos tradicionales, el Partido Conservador y el Partido Liberal, 3 González, F. – Bolívar, I. – Vázquez, T., Violencia política en Colombia. De la nación fragmentada a la construcción del Estado, pág. 248. 232 utilizaban plenamente el sistema clientelista para movilizar votos. Las maquinarias electorales demuestran bastante claramente que no funcionaban como instituciones democráticas independientes que representarían al público, sino más bien como una filiación de élites locales y regionales que se aprovechaban del sistema clientelista para mantener su posición y las ventajas resultantes de ella. El clientelismo en las condiciones de Colombia tenía doble cara. Por un lado, ayudaba al Estado a incorporar indirectamente a grupos que no podrían participar directamente. Pero por otro lado, causaba el fortalecimiento de la fragmentación del Estado por lo cual el proceso de la unificación y centralización, o sea, el cambio hacia un Estado moderno, se volvió más difícil.4 El terreno extremadamente difícil, la falta de recursos, de productos para la exportación y del poder suficiente del Estado central para imponer el programa de obras públicas retardaron la construcción de la infraestructura eficaz. No solamente se atrasó la unificación del país, sino también se crearon unas diferencias notables entre distintas regiones. Las regiones cercanas a los centros urbanos grandes eran bastante bien comunicadas y, por lo tanto, mejor controladas por el centro y la Iglesia. Las regiones lejanas contaban con falta total o parcial de comunicaciones y formaban espacios imposibles de controlar. La falta de una clase hegemónica centralizada que dirigiría el Estado directamente, tendría el monopolio de la violencia y ofrecería las condiciones materiales suficientes para la interacción social y mejor comunicación en general, son algunas de las causas que pueden explicar la salida no muy propicia para la construcción de un Estado moderno. La república liberal El período del gobierno conservador no era una época muy tranquila, lo que podemos comprobar mencionando la separación de Panamá o la Guerra de los Mil Días. La divergencia en planos de gobiernos del tecnócrata Rafael Reyes o el del humanista tradicional Marco Fidel Suárez,5 que demuestra la contrariedad ideológica del Partido Conservador, y la crisis del capitalismo del 1929 eran algunas de las causas del debilitamiento del Partido Conservador. En 1930, el Partido Liberal ganó las elecciones y asumió el poder en el país. Los factores de carácter sobre todo rural empujaron una colonización interna que progresaba de tierras altas hacia tierras bajas y seguía continuando a medida que no se lograban solucionar los problemas existentes. Las luchas por la tierra eran violentas, poco organizadas. Las reformas agrarias6 de Alfonso López Pumarejo, presidente liberal entre 1934–1938, que pretendían pacificar la situación en el campo, incorporar a clases bajas en la política y posibilitarles gozar de los beneficios económicos y sociales del Estado, no lograron sus objetivos. Hasta cierto punto, aumentaron las desigualdades porque consolidaron la situación de las clases campesinas superiores. Se profundizaba cada vez más el problema de una sociedad sin 4 Íbid, pág 302. Torres, R. A., «El proyecto político de ‘la seguridad democrática’: entre la reificación de la virtud individual y la defensa de las instituciones», http://www.congresoaled2005.puc.cl/pdf/Botero%20torres.pdf [cit. 28–4–2007]. 6 Conocidas también como «la Ley de Tierras» de 1936. 5 Botero 233 muchas interrelaciones, jerarquizada según castas, con privilegios de ciertos grupos e incapaz de crear un Estado moderno y unitario. Los problemas no se limitaban al ambiente rural. La crisis del capitalismo causó la decisión de la república liberal de dirigir el país hacia el Estado social de derecho con una reformulación de derechos y libertades. Debido a los conflictos rurales y a la creciente posibilidad de trabajo en las ciudades se produjo una enorme ola de la urbanización con la cual surgieron nuevas clases trabajadoras (obreros, trabajadores en el sector de transporte, etc.) que exigían sus derechos. El Partido Liberal, además de la reforma agraria, vino con unas reformas a favor de las nuevas clases urbanas. No obstante, estas reformas no fueron desprendidas: se pueden considerar como un modo de movilización social en favor del Partido Liberal que quería atraer a nuevos votantes de filas urbanas, cada vez más importantes. Aunque el objetivo del Partido Liberal fue, sobre todo, su fortalecimiento, el efecto secundario de estas reformas desembocó en el parcial afianzamiento del Estado central, dándole nuevas competencias como regulador de las luchas y relaciones sociales, sin la necesidad de recurrir a los intermediarios que limitaran la relación directa del Estado con su pueblo. La república liberal consiguió incorporar a nuevos sectores sociales en el Estado moderno, por ejemplo, a la clase obrera. Infortunadamente, debido al fracaso de la reforma agraria de Alfonso López Pumarejo, no logró integrar al sector rural. El único sector próspero que resultó integrable en el mercado mundial era la industria cafetera. Ésta funcionó como un elemento articulador de las regiones de cultivo de café. Las regiones cafeteras lograron una cierta unificación bajo hegemonía de las élites comerciales, condición imprescindible para la integración en el Estado central. Sin embargo, gracias a la ayuda indirecta e involuntaria del Brasil durante la crisis económica de 19297 los cafeteros colombianos no tuvieron que recurrir al Estado a pedirle ayuda y quedaron independientes de él. Al contrario, era el Estado que dependía del sector cafetero, por lo cual ése podía dictarle sus reglas. El proyecto liberal de la modernización y la inclusión social quedó en medio del camino. El Estado no consiguió el control sobre todos los sectores de la sociedad y quedó fragmentado. Los conservadores logran recuperar el gobierno en cabeza de Mariano Ospina Pérez. Este tecnócrata y terrateniente antioqueño logra moderar significativamente los logros de la república liberal y prepara el terreno para el gobierno de Laureano Gómez. La propuesta de Gómez implica un intento por adoptar entre nosotros el discurso y el régimen corporativista. Este proyecto termina por fragmentar a los sectores que intentaba aglutinar e implica un replanteamiento más o menos particular en la Colombia contemporánea: la dictadura militar.8 7 El Brasil después de la depresión mundial bajó la cantidad del café destinado para la venta lo que aumentó la demanda por el café colombiano. 8 Raúl Alberto Botero Torres, «El proyecto político de ‘la seguridad democrática’: entre la reificación de la virtud individual y la defensa de las instituciones», http://www.congresoaled2005.puc.cl/pdf/Botero%20torres.pdf [cit. 28–4–2007]. 234 La era de la violencia Los años cincuenta se manifestaron por la era de la violencia desatada después del asesinato del único candidato del nuevamente recuperado Partido Liberal, Jorge Eliécer Gaitán.9 Bogotá volvió pronto a la normalidad, no tanto la situación en el campo. La violencia que se generó en el ambiente rural provocó otra ola del desplazamiento a las ciudades. De esta manera en las ciudades surgieron tugurios, asentamientos de gente extraordinariamente pobre que vivía en condiciones subnormales. La ola de violencia se explica como el colapso total de un Estado débil, fragmentado, ausente físicamente en muchas regiones, en medio de problemas internos y con las subculturas irreconciliables de los dos partidos tradicionales que formaban parte de una densa red clientelista. Se hizo patente la crisis de la legitimidad del Estado. Los intentos del general Rojas Pinilla10 de reconciliar y unificar el país no consiguieron incorporar a todos los grupos en el Estado legítimo. Siempre quedaban algunos que se resistían a negociar. Unos grupos comunistas de la región del Magdalena Medio formaron destacamentos de autodefensas. Otros grupos o se perfilaron hacia la criminalidad y el bandidaje, o aguardaban qué ocurriría antes de deponer armas. La represión militar del general contra estos grupos resultó contraproducente. Con el derrocamiento de Rojas Pinilla y su retiro al extranjero vino a Colombia nueva era de la «reconciliación política». Surgió el proyecto de la coalición bipartidista denominada Frente Nacional. Este sistema del bipartidismo trató de superar la antigua competencia entre el Partido Liberal y el Partido Conservador, entre otros. Aunque consiguió algunos resultados al atenuar el carácter violento de los años cincuenta o configurar mayor interacción entre varios estratos sociales, el Frente Nacional no logró unir las dos subculturas tradicionales, ni superar el tradicional caciquismo. Su objetivo principal de conseguir la paz para todos los colombianos resultó utópico. La formación de grupos insurgentes Después de la era de la violencia de los años cincuenta, Colombia refleja la prosperidad mundial. Carlos Lleras Restrepo, presidente de Colombia entre años 1966 y 1970, puso en marcha varias reformas a fin de rehabilitar las zonas de país debilitadas por la Violencia con objetivo de evitar la repetición de desastres de los años cincuenta. En general, se puede constatar que los años sesenta significaban una modernización política, administrativa y agraria del país. ¿Por qué, entonces, exactamente en este período llamado «milagro colombiano» apareció tanto descontento que llevó al surgimiento de la mayoría de las guerrillas? 9 Jorge Eliécer Gaitán era el verdadero caudillo admirado por masas ya que sin vacilaciones señalaba la corrupción, la politiquería y el fraude que invadieron la Nación y dificultaban el progreso del país. El evento es conocido como el «Bogotazo». 10 El general Rojas Pinilla dio el golpe de Estado en 1953. 235 A pesar de los ingresos que entraban en el país, su distribución seguía muy inequitativa, especialmente en el sector rural. La mayoría de los campesinos colombianos vivían en pobreza absoluta, así que la reforma agraria otra vez no consiguió equilibrar las diferencias en el campo y el Estado allí continuaba ilegítimo e impotente. Algunas reformas, aunque exitosas, produjeron efectos no deseados. Se generó mayor consciencia de la gente acerca de su nivel de vida, incrementada por la llegada de la televisión. Se afirmó la convicción de los colombianos, tanto del sector rural como del sector urbano, de que la política era cerrada e improductiva y las vías democráticas de reformas agotadas. Esto llevó a la separación entre la clase política y la sociedad y a la convicción de algunos grupos de izquierda radicalizados de que la única posibilidad de reformar el país era a través de la opción armada. A finales de los años ochenta, en Colombia existían cuatro organizaciones guerrilleras: las FARC (las Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia),11 el M-19 (Movimiento 19 de Abril),12 el ELN (el Ejército de Liberación Nacional)13 y el EPL (el Ejército Popular de Liberación).14 Además de estos cuatro grupos más importantes, había otros grupos insurgentes activos más pequeños y no tan organizados. De estos grupos insurgentes con orientación de izquierda, las FARC se tornan más visibles en la escena del conflicto colombiano y son, sin duda, más numerosos. Las prácticas para conseguir sus fines son violentas, basadas en secuestros, extorsiones u homicidios, etc. La consolidación de las AUC (Autodefensas Unidas de Colombia) en los años ochenta se suele vincular a una suerte de gamonalismo escindido del Estado central. Las élites locales desafían el monopolio de violencia del Estado que no es capaz de defenderlas frente a los guerrilleros de izquierda y deciden luchar por sus intereses ellas mismas. Las AUC se consideran una organización de extrema derecha. Defienden el capitalismo, la inversión extranjera, la propiedad privada y protegen a sus alineados (ganaderos, narcotraficantes, etc.) contra incursiones armadas de los grupos de izquierda. En general, están en contra de cualquier movimiento que disturbe el orden social y económico establecido en el campo. Aunque los discursos de la izquierda y de la derecha son distintos, sus prácticas resultan iguales. Tanto los grupos de la izquierda como los grupos de la derecha son considerados como organizaciones terroristas y recusados internacionalmente. 11 Las FARC se consolidaron de las antiguas autodefensas campesinas comunistas de la región del Magdalena Medio durante la era de la Violencia. Su impacto empezó en zonas de frontera abierta de donde se expandían hacia zonas más prósperas. Funcionaban como sustitución del Estado que no estaba presente en esas regiones. Su objetivo era acabar con las desigualdades económicas, políticas y sociales, instalar el colectivismo en las zonas de su influencia, lo que no era compatible con los deseos de los campesinos locales de poseer su propia tierra, pero por la inexistencia del Estado ésos les resultaron por fin mucho más útiles garantizándoles el orden social y la protección económica. 12 El M-19 surgió en 1973. Su nombre era asociado con la fecha cuando el general Rojas Pinilla perdió las elecciones. Se trataba de un movimiento nacionalista de izquierda con el programa un tanto vago. Lo cierto es que sentía una hostilidad a la influencia proveniente de los Estados Unidos. Se hizo conocido por sus métodos sangrientos y espectaculares (terrorismo urbano). 13 El ELN se dejó inspirar por la revolución cubana de Fidel Castro quien les ayudaba con el entrenamiento y a financiar sus acciones. Sus bases iniciales estaban ubicadas en valle medio del río Magdalena, en el departamento de Santander. 14 El EPL se inspiró en la variante maoísta del comunismo y logró una cierta importancia en tierra baja de norte de Antioquia. 236 El conflicto armado El conflicto armado que acompaña la historia reciente de Colombia no es un proceso raro o inesperable. Es una manifestación bastante previsible de una sociedad heterogénea, con principios y exigencias distintas entre varios grupos que o se pueden tolerar y convivir, o formar dos (o más) extremos irreconciliables por vía pacífica. Eso ocurre cuando un Estado no domina la complejidad y diversidad de la sociedad y no consigue ejercer políticas igualitarias para todos los grupos sociales pertenecientes a su territorio. Unos grupos (especialmente los del centro, de las regiones ampliamente integradas) sienten una preferencia de parte del gobierno central y tratan de mantenerse esta posición, no tomando en consideración a los demás grupos sociales que quedan más a la sombra. Los grupos que se sienten excluidos, abandonados, tratan de establecer para sí un lugar más firme y aceptado en la jerarquía estatal. El conflicto armado es una de las posibilidades, aunque violenta, de cómo hacerse visible, de cómo luchar por el reconocimiento de sus opiniones. De hecho, algunos lugares quedan olvidados por el centro hasta que se dejen ver por acciones bélicas locales. Es comprobado que varias regiones lejanas se incorporaron al Estado colombiano después de que ése tuvo que mandar allí sus tropas militares para pacificar las rebeliones locales. El conflicto armado puede servir para una cierta dominación de algunas regiones desintegradas y solucionar, en algunos casos, la fragmentación del Estado. Sin embargo, el conflicto armado como tal en cada caso pone en cuestión la legitimidad del Estado central que no es capaz de dominar a todos sus actores sociales, establecer relaciones aceptadas por ellos y buscar soluciones de sus problemas más vistosos. En Colombia, el Estado estaba poco dispuesto a ocuparse de la problemática de la propiedad de la tierra o de los problemas sociales y económicos de sectores sociales subordinados y tendía a excluirlos de la política oficial, lo que llevó al surgimiento de las guerrillas izquierdistas que reclamaban sus derechos mediante varios medios violentos. Ni la apertura democrática del 1966 que permitió el surgimiento de la ANUC (Asociación Nacional de Usuarios Campesinos) logró legalizar los reclamos de la izquierda, consolidar y firmemente incorporar a los movimientos izquierdistas en la política representativa del nivel nacional. La ANUC pronto desapareció. Las guerrillas no quedan en ambientes rurales casi abandonados, sino que se acercan a regiones más ricas (zonas petroleras, mineras, agropecuarias, etc.), más incorporadas en el Estado. De las regiones pobres donde, de cierto modo, podían ser consideradas como una sustitución del Estado, vienen a regiones donde tal sustitución es aún mucho menos deseable. Varios sectores se oponen y, después de no encontrar apoyo suficiente del Estado y las Fuerzas Armadas, crean sus propias tropas de autodefensa, lo que a principios es bien acogido y apoyado por el Estado. Empiezan verdaderos masacres cuando un grupo quiere eliminar al otro. Incrementa la tasa de la violación de los derechos humanos sobre la sociedad civil. Poco a poco se empieza a evidenciar el interés de las AUC por controlar las rutas de la coca, sus actividades en el narcotráfico, las prácticas iguales a las de las guerrillas, etc. La presión del exterior que no aceptaba la violación de los derechos humanos y la lucha internacional contra el narcotráfico contribuyen a que el gobierno central se empieza a distanciar de ellas. En 1989 son declaradas ilegales. 237 En general, el conflicto bilateral entre el Estado y los grupos insurgentes de la izquierda se volvió más complejo, porque surgió otro elemento enemigo. Las negociaciones de paz con el Estado se complicaron. Resultó muy difícil buscar soluciones con dos grupos irreconciliables al mismo tiempo, aun más si los dos grupos eran involucrados en el narcotráfico, bastante fuertes económicamente y totalmente independientes. Las negociaciones de paz Belisario Betancur, presidente colombiano entre 1982 y 1986, decidió pacificar la situación en el país por vía política y no militar. Declaró una amnistía para los grupos insurgentes y les ofreció la posibilidad de incorporarse en la política oficial. Un grupo menos radical de las FARC realmente se desmovilizó y creó su partido político (la Unión Patriótica). Sin embargo, aunque se abrió la posibilidad de una solución pacífica del conflicto armado, las negociaciones de paz que empezaron en 1982 en realidad no pacificaron la situación en el país. Por el contrario, el conflicto armado se intensificó. Las promesas a sectores sociales excluidos se desvanecieron tan pronto como surgieron. El esfuerzo de las FARC por la inserción en la política civil a través de la creación y mantenimiento asegurado de su propio partido político civil legal tuvo consecuencias inesperadas: en 1985, alrededor de 3 000 miembros de la Unión Patriótica fueron asesinados. El ala menos radical de las FARC fue aniquilada y el resto radical de esta organización se aseguró de que la solución pacífica no era sincera y decidió continuar por vía militar. En 1990 se logra reincorporar el M-19, el EPL y otros grupos menores en la política civil más abierta, pero los grandes grupos armados continúan con la guerra total. La decisión del presidente Samper (1994–1998) de seguir con los diálogos y de construir una estrategia de paz se ha vuelto imposible después del descubrimiento de sus fuentes de financiación de la campaña electoral provenientes del narcotráfico. Tal evento deslegitimó al Gobierno y agravó la crisis del régimen. La tendencia global de una apertura de países hacia fuera en cuestiones políticas, económicas, culturales o sociales, entre otras, ofrece mayor posibilidad de buscar soluciones fuera del país. El conflicto armado llega a ser un problema más internacional. El presidente Andrés Pastrana (1998–2002) se aprovecha de la ayuda ofrecida por los Estados Unidos, Europa y otros países (Japón, Suiza, etc.) y se ratifica el Plan Colombia. Se trata de un ambicioso proyecto de la lucha contra el narcotráfico y el fomento del desarrollo económico del país que, sin embargo, fracasa. En 2002, se interrumpen las negociaciones de paz con la guerrilla. Tras políticas fracasadas del presidente Andrés Pastrana de acercarse a los grupos guerrilleros de izquierda y dominarlos y el creciente descontento público, Álvaro Uribe Vélez,15 el antiguo gobernador de Antioquia, decidió lanzar su propia 15 Álvaro Uribe Vélez nació el 4 de julio de 1952 en Medellín, departamento de Antioquia. Sus padres Álvaro Uribe Sierra y Laura Vélez eran terratenientes y ganaderos. Su hijo se licenció con honores en la Universidad de Antioquia en la carrera Derecho y Ciencias Políticas y continuó con sus estudios hasta recibir el doctorado en la misma especialidad. En 1993 terminó el postgrado en Especialización y Gerencia, al que siguió el curso sobre Negociación de Conflictos, ambos en la Universidad de Harvard. En 1998 obtuvo una beca Simón Bolívar del British Council de Bogotá y fue nombrado senior associate member del Saint Anthony’s College de la Universidad de Oxford del que fue profesor asociado en 1998 y 1999. Antes de asumir el po- 238 candidatura presidencial. La admisión de la ayuda americana en la erradicación del narcotráfico y la lucha contra las tropas insurgentes, la política de la seguridad democrática (en realidad, la extensión de las Convivir16 de Antioquia a nivel nacional),17 el empeño por derrotar el clientelismo, la corrupción y la politiquería, el esfuerzo por crear el Estado incorporado en el mercado mundial, pero con la política social, o sea, las propuestas bastante complejas de cómo regir el Estado, entusiasmaron a muchos colombianos que lo votaron en las elecciones presidenciales de 2002. El entonces aspirante a la presidencia Álvaro Uribe Vélez, candidato independiente, ganó con el 53,1 % del total de los sufragios, sin la necesidad de proceder a la segunda vuelta. Las propuestas de Álvaro Uribe Vélez Desde el principio, el Presidente, consciente de la gravedad y complejidad de varios problemas de su país, decidió establecer el proyecto político de la seguridad democrática, parecido a los proyectos de la época de la Regeneración, de la república liberal, de la dictadura de Rojas de Pinilla o del Frente Nacional. Su objetivo era recuperar el control hegemónico del Estado. La política de seguridad democrática en Colombia es una política gubernamental del presidente Álvaro Uribe Vélez que propone un papel más activo de la sociedad colombiana dentro la lucha del Estado y de sus órganos de seguridad frente la amenaza de grupos insurgentes y otros grupos armados ilegales. La política de seguridad democrática plantea que existe la necesidad de fortalecer las actividades y presencia de los órganos de seguridad a lo largo del territorio nacional, y que al mismo tiempo debe ser la sociedad y no sólo los órganos de seguridad quien debe colaborar para obtener un éxito militar satisfactorio frente a los grupos armados al margen de la ley, que lleve a la desmovilización o rendición de sus miembros.18 A pesar de la los objetivos plausibles de la Seguridad Democrática propagados por el Presidente, se oyen voces muy críticas. La profesora María Teresa Uribe acuña una expresión para nomenclar el proyecto político de la Seguridad Democrática: Republicanismo Patriótico. Ella, a semejanza de otros analistas políticos, advierte en la propuesta vigente la coexistencia de un aparato administrativo inorgánico, colonizado por intereses privados legales e ilegales y cruzado der del primer mandatario de Colombia, trabajó en puestos prestigiosos como jefe de Bienes de Empresas Públicas de Medellín (1976), secretario general del Ministerio de Trabajo (1977, 1978), director del Departamento de Aeronáutica Civil (1980–1982), alcalde de Medellín (1982), concejal de Medellín (1984–1986), senador por el Partido Liberal (1986–1990, 1990–1994). Fue elegido el gobernador de Antioquia para el período de 1995 a 1997. «Álvaro Uribe», en: Wikipedia, http://es.wikipedia.org/wiki/%C3%81lvaro Uribe V%C3%A9lez [cit. 23–8–2006]. 16 Asociaciones Comunitarias de Seguridad. 17 La seguridad privada fue introducida por la primera vez durante la presidencia de Ernesto Samper, cuando Uribe era gobernador de Antioquia, para defender a los campesinos hacendados frente a los grupos insurgentes. Fue acusada varias veces del abuso de los derechos humanos o la legalización de las AUC. Declarada ilegal en 1997. 18 «Política de seguridad democrática», en: Wikipedia, http://es.wikipedia.org/wiki/Pol%C3%ADtica de seguridad democr%C3%A1tica [cit. 28–4–2007]. 239 por transversalidades de diferente naturaleza, y la voluntad de un presidente mesiánico con pretensiones de eficacia y de mostrar resultados rápidos y contundentes.19 Considerando el conflicto armado como uno de los problemas centrales, el Presidente decidió aprovecharse de la colaboración con los Estados Unidos promovida ya durante el gobierno de Andrés Pastrana a través del Plan Colombia20 y desafiar a duelo a los grupos fuera de la ley. Después de varios intentos de negociaciones con los grupos insurgentes de la izquierda en los años anteriores, se decide promover la negociación de paz con las AUC. Hay que admitir que lasAUC tienen una posición diferente que otros grupos insurgentes en Colombia. La postura del Estado hacia ellas siempre ha sido más benevolente, menos estricta, ya por el mero hecho de que sus tropas se entendían a principios como una parte del ejército oficial, más organizada, mejor entrenada para combatir a los grupos incómodos. Aunque han sido declaradas ilegales y oficialmente se rechazan, no cabe duda de que su propuesta de gestión económica es compatible con los principios neoliberales lo que es la tendencia económica y política de los últimos gobiernos. Por ello, negociar con ellas debería ser más fácil. Durante el primer mandato de Álvaro Uribe Vélez (2002–2006) el Gobierno logra unos éxitos en la cuestión de las negociaciones de paz con las AUC. En 2002 las AUC anuncian un alto el fuego y se inician las conversaciones con ellas. Se empieza con la desmovilización a la que se comprometieron. Los logros en el proceso de paz poco a poco se empiezan a explicar por muchos recesos del Gobierno y por su política «pro paramilitar». Se empieza a extender que las penas para los miembros desmovilizados son benévolas, que las penas de prisión son reducidas, que se les ofrecen beneficios económicos y judiciales incluso si se niegan a cooperar con las investigaciones de las instituciones del Estado o si no se confiesan de sus hechos ni devuelven la tierra ocupada a sus propietarios originales, etcétera. Existe un vacío legal que garantiza una impunidad para los paramilitares desmovilizados. En todo caso, no se pueden subestimar los esfuerzos del Gobierno por traer la paz al país y tampoco se puede negar un avance en las negociaciones de paz y la creciente seguridad en Colombia. Se empieza a hablar también del intercambio humanitario con las FARC.21 Los Estados Unidos ofrecen al nuevo presidente Uribe Vélez el alargamiento del Plan Colombia, lo que éste acepta. Sin embargo, las evidentes simpatías del Presidente hacia los EE.UU. y sus políticas causan que se descuida la controversia del Plan Colombia que se presenta como una ayuda humanitaria, y se calla sobre una intervención política, económica y militar que ejercen los Estados Unidos. Dentro de los convenios bilaterales, Colombia obedece las órdenes provenientes de los Estados Unidos y permite «imponer y favorecer a importantes transnacionales del petróleo y del carbón, facilitar la privatización de las principales empresas estatales especialmente en los sectores de salud, educación y comunicaciones, proteger 19 Botero Torres, R. A., «El proyecto político de «la seguridad democrática»: entre la reificación de la virtud individual y la defensa de las instituciones», http://www.congresoaled2005.puc.cl/pdf/Botero%20torres.pdf [cit.: 28–4–2007]. 20 El Plan Colombia fue posteriormente llamado Plan Patriota. 21 Parado después de un atentado de coche-bomba atribuido a las FARC. 240 a los terratenientes empeñados en el desarrollo agroindustrial y ganadero, y principalmente, apoderarse de las enormes riquezas de la Amazonía».22 Quiere decir, la ayuda de los Estados Unidos no es desprendida. Bajo la tutela de los EE.UU. se introduce en el país la política neoliberal, el mercado libre (Tratado de Libre Comercio, por ejemplo), etc. Colombia se convierte en una base latinoamericana aliada a los EE.UU. (al contrario de la mayoría de países de América Latina con inclinación a la izquierda). El neoliberalismo y la política del mercado libre son dos de los rasgos que separan la política populista tradicional de la política neopopulista a la que inclina Álvaro Uribe. El populismo latinoamericano tradicional pretendía fortalecer el mercado interior, regularlo, sustituir la importación por la industrialización interna y redistribuir el ingreso (disminuir las desigualdades sociales y económicas y ampliar el consumo). El sistema neopopulista insiste en la apertura del mercado que, infelizmente, va en contra de la política social, con lo cual se aumentan las desigualdades entre la gente, miseria o indigencia total en un lado, y los empresarios privados más ricos de toda la historia con el enriquecimiento de los bancos estatales en otro lado. Para evitar la corrupción y el clientelismo tradicional, el Presidente propaga el sistema de la democracia directa con el cual pretende abrir mayores posibilidades de la interacción socio-política entre la figura del primer mandatario y las demás clases sociales que son consideradas legítimas (estrictamente se excluyen los grupos ilegales). Un hecho bastante importante de introducir a la práctica la democracia directa fue el Referendo preparado para el 25 de octubre de 2003. Se ofrecía a los ciudadanos la posibilidad de decidir si aprobarlo o no. El Referendo era una reforma constitucional a través de los procesos sociales, políticos y económicos en el nivel global y local.23 Sin embargo, desde principios tenía que enfrentar varias críticas que sostenían que más bien se trataba de una concepción neoliberal y autoritaria del Estado que en el nivel económico, político y militar ejecutaban y reclamaban de América Latina los Estados Unidos, o que varias de las sugerencias que traía el Referendo eran de muy poca efectividad, populistas y propagandísticas. A pesar de una propaganda amplia, el Referendo fracasó. Sorpresivamente, el Presidente no perdió su popularidad. El suspenso del Referendo mostraba el desacuerdo con las propuestas políticas y económicas del Gobierno, pero no con la persona del Presidente, «que conservaba el 80 por ciento de la popularidad en las encuestas».24 22 «Plan Colombia», en: Wikipedia, http://es.wikipedia.org/wiki/Plan Colombia [cit.: 28–4–2007]. 23 De las sugerencias propuestas en el Referendo citamos las más relevantes: voto nominal y público, eliminación de las suplencias, mayor participación pública en las decisiones de inversión pública a través de las audiencias públicas consultivas, manejo de los servicios administrativos públicos por una entidad pública o privada, reducción del tamaño del Congreso, ampliación de las causales por las cuales los altos funcionarios pueden perder su investidura, reforma de las pensiones y salarios, supresión de contralorías, prohibición de los auxilios con fines electorales, utilización de los ahorros para educación y saneamiento básico, otros recursos para apoyar la educación y el saneamiento básico, finanzas públicas sanas, destinos de ahorros y fortalecimiento de los partidos políticos. 24 Torre, C. de la, «Álvaro Uribe o el neopopulismo en Colombia», págs. 79–80. 241 Otra de las herramientas de la democracia directa son los Consejos Comunales que surgieron durante el primer mandato del presidente Álvaro Uribe Vélez. Se trata de unas sesiones que tienen lugar todos los sábados en distintos lugares del país a fin de que se fortalezca la colaboración entre los gobiernos nacional, departamental y local. Esta colaboración serviría para superar la desintegración de algunos estratos sociales y también para promover un control más eficiente de altos funcionarios, introducir mayor transparencia en la ejecución de tareas y, en consecuencia, ganar mayor credibilidad entre ciudadanos. Los Consejos Comunales son utilizados, al mismo tiempo, como una propaganda positiva de la figura del primer mandatario.25 La propaganda positiva del primer mandatario y de su gobierno sigue siendo uno de los factores más importantes en la construcción del Estado. Si los ciudadanos comprenden el Estado como legítimo, si se dan cuenta de los esfuerzos realizados, se fijará la posición de él y el Estado puede ganar la credibilidad entre sus ciudadanos.26 Epílogo Durante el primer mandato de Álvaro Uribe Vélez fue aprobada la reelección presidencial que le posibilitó al Presidente participar en las elecciones del 2006. La victoria le prolongó el cargo del primer mandatario de Colombia para los siguientes cuatro aňos. El conflicto armado sigue siendo el problema principal del país. Viene estrechamente unido con otros problemas de índole política, económica y social. Generalmente es visto por los representantes del Estado desde el síndrome de enemigo lo que limita el análisis más profundo de las causas que pudieron llevar a él. No se resuelven suficientemente los problemas estructurales como, por ejemplo, la desigualdad social y económica, injusticia social y económica o exclusión social y política que dirigieron a muchos actores sociales a buscar soluciones agudizadas y violentas. En vez de buscar las causas y tratar de hacer una verdadera reforma estructural, se recurre a la eliminación de las consecuencias indeseadas. El presidente empezó su segundo mandato en agosto de 2006 con las promesas de avanzar con el desarraigo de varios males existentes en Colombia. Veremos si realmente cumplirá con lo prometido y conseguirá algún progreso en el proceso de la construcción del Estado. 25 El Presidente, frente a las pantallas televisivas, «aprueba» las partidas que ya habían sido aprobadas antes por las clases políticas. El resultado es que parece él mismo que regala las partidas a varias regiones, lo que lo vuelve omnipotente, filántropo y heroico. Además, Cristina de la Torre (Torre, C. de la, «Álvaro Uribe o el neopopulismo en Colombia», pág. 62.) habla de una «censura oculta» en las sesiones de los Consejos Comunales. Dice que la clase política queda bajo supervisión y dominación del primer mandatario que resulta superior. También el público, si quiere interpelar, tiene que haberlo pedido previamente y especificar el tema que quiere exponer. 26 La veracidad de tales afirmaciones se puede comprobar por el mero hecho de que el Presidente ha sido reelegido en 2006 con más del 62 por ciento de votos, seguido por el candidato del Polo Democrático Alternativo, Carlos Gaviria, que obtuvo el 22 por ciento de votos. 242 BIBLIOGRAFÍA Abello Banfi, J. et al.: Manual para cubrir la guerra y la paz. FESCOL, Bogotá, 1999. Anónimo «Álvaro Uribe», en: Wikipedia, http://es.wikipedia.org/wiki/%C3%81lvaro Uribe V%C3%A9lez [Consulta: 23–8–2006]. 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The Historical Process of the Construction of the State in Columbia and Its Failures Summary This paper attempts to analyze the process of the construction of the state in Columbia during its history and the difficulties that prevent the consolidation of a modern state in that country. coordinador de tesis: prof. PhDr. Jiří Černý, CSc. Klára Bachurková Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc República Checa [email protected] 244 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 « Qui, parmi vous, mérite la vie éternelle ? » Kristýna Křeháčková (La possibilité d’une ı̂le, p. 10) L’histoire de la littérature française n’est pas la seule à se caractériser par une succession d’écrivains. Depuis longtemps, ces auteurs défilent devant les yeux des lecteurs, attirent leur attention, se trouvent au centre de leur intérêt. Comme le champ des lettres françaises est d’une grande étendue, certains parmi eux passent inaperçus. Or, ce n’est pas le cas de Michel Houellebecq à l’oeuvre de qui le domaine de l’écriture française contemporaine fait une place toute particulière. La production de celui qui est haı̈ par les uns et idolâtré par les autres reste souvent incomprise. Cette ambiguı̈té dans l’interprétation de l’œuvre houellebecquienne a attiré notre attention. Dans La possibilité d’une ı̂le, le quatrième roman de l’auteur mentionné, nous nous concentrons sur le manque d’amour, la solitude, le silence, la mort et la souffrance, afin de révéler l’image apocalyptique de la société contemporaine esquissée dans l’oeuvre. « Comme principe l’amour, l’ordre comme base et le progrès pour destin. »1 Cette formule dont l’auteur est Comte, pourrait s’appliquer à La possibilité d’une ı̂le.2 Les trois domaines qu’elle mentionne y apparaissent de manière inégale mais forment un ensemble clair et compréhensible. L’accent est mis particulièrement 1 Arrabal, Fernando, Houellebecq, Paris, Le Cherche Midi, 2005, p. 87. du roman est construite sur le récit de vie que Daniel 1, le personnage principal, a écrit il y a deux mille ans. Lorsqu’il est découvert et lu par Daniel 24 puis par Daniel 25, ses successeurs, la terre se trouve depuis longtemps dans un état dévasté en suite d’une apocalypse nucléaire. Quand Daniel 1 écrit son récit de vie, il demeure en Espagne à notre époque. Ce comique riche et célèbre qui gagne de l’argent avec ses sketchs provocateurs et cyniques vit avec deux belles femmes, Isabelle, puis Esther. Lorsqu’elles le quittent il a le recours à la secte élohimite qui au cours du XXIe siècle supplante toutes les religions. Sa promesse d’immortalité attire l’attention des hommes surtout ceux qui ont dépassé la cinquantaine et n’ont plus la capacité de suivre les valeurs imposées par l’époque. Avant d’effectuer le suicide volontaire, les membres donnent leur ADN et le récit de vie afin d’être clonés et de revivre un jour comme néo-humains. Ceux-ci, fabriqués d’un mélange de gaz et de molécules, arrivent sur terre à l’âge de dix-huit ans. Comme leurs prédécesseurs, eux aussi se suicident lorsqu’il se sentent vieux, c’est-àdire à partir de la cinquantaine. Ils vivent seuls et attendent l’arrivée des Élohims, le symbole de l’éternité. 2 L’histoire 245 sur l’amour. Il est donc possible d’interpréter le roman comme la quête de ce sentiment.3 Au début, il est dominé par la carrière de Daniel 1, puis il devient une nécessité humaine. Le manque d’amour pourchasse le héros de sorte que celui-ci découvre avec l’âge l’exclusivité de ce sentiment et souligne également le fait de la dépendance dans une relation. Après la séparation avec Isabelle, il ne supporte pas le poids de la solitude. Attiré par la jeune Esther, il croit trouver chez elle ce qu’il a perdu avec la précédente, « [. . . ] mais Esther n’aimait pas l’amour, elle ne voulait pas être amoureuse, [. . . ] »4 . Il est même impossible de parler de la compréhension entre Daniel 1 et Esther. Ils représentent des générations différentes voire opposées qui n’arrivent pas à se rejoindre. Lorsque Daniel 1 comprend le fossé temporaire qui le sépare de la jeune fille, le désespoir envahit ses pensées. La possibilité de l’amour pour Daniel 1 diminue et il en est conscient. Seule l’image de la vie sans amour partagé signifie pour lui la vanité de son existence, le néant. C’est pourquoi il réalise cette course furieuse au bout de laquelle il espère trouver l’amour : « Quelque chose en moi savait donc, avait toujours su que je finirais par rencontrer l’amour [. . . ]. Je n’avais pourtant rien d’un naı̈f; je savais que la plupart des gens naissent, vieillissent et meurent sans avoir connu l’amour. »5 Aux yeux de Daniel 1, ce que la vie a de meilleur, c’est l’amour. Quant à Esther, elle s’y montre indifférente comme toute sa génération. La solitude se révèle être un élément important dans l’univers romanesque houellebecquien. Elle est la conséquence logique du vieillissement. À partir du moment où Daniel apprendra qu’il ne lui reste plus personne, il n’arrivera jamais à s’en sortir. Ses tentatives pour sortir de la solitude demeurent vaines : « Je crois surtout que mes actes n’avaient plus réellement de sens, que je commençais à me comporter comme un vieil animal blessé à mort qui charge dans toutes les directions, se heurte à tous les obstacles, tombe et se redresse, de plus en plus furieux, de plus en plus affaibli, affolé et enivré par l’odeur de son propre sang. »6 Dès les premiers instants Daniel était conscient de la différence d’âge qui le séparait d’Esther ainsi que de la gêne qu’elle pourrait en ressentir plus tard. Il vivait dans un monde qui interdisait d’être vieux et savait qu’à un moment donné, elle s’en irait avec quelqu’un de plus jeune. Sachant que le moment s’approche il essaie tout en vain pour la retenir. Après avoir quitté Isabelle, il est lui même abandonné par Esther sans aucune pitié ni un quelconque sentiment : « [. . . ] les jeunes se débarrassaient des vieux sans ménagements sans états d’âme, simplement parce qu’ils étaient trop faibles pour se défendre [. . . ]. »7 Le manque de respect et l’absence de solidarité, telles sont les tendances visibles dans le roman. Les deux révèlent un vide entre les générations où l’une ne supporte pas l’autre. La haine renforce leur rivalité et fait échouer la possibilité de la compréhension : « Tel était le vrai sens de la solidarité entre 3 L’œuvre d’Anna Gavalda se caractérise par le même sujet : « Ce thème unificateur pour les récits gavaldiens reflète la situation de l’homme dans la société contemporaine, il prend sa source dans le sentiment de la souffrance, de la soif d’amour, et s’exprime par un besoin affectif suivi de la quête d’un être proche, d’un compagnon pour la vie, ou au moins, pour quelques instants. » Voždová, Marie, Les « voix narratives » dans les nouvelles d’Anna Gavalda, In : Romanica Olomucensia XV, UP Olomouc, 2005, p. 286. 4 Houellebecq, Michel, La possibilité d’une ı̂le, Paris, Fayard, 2005, p. 340. 5 Ibid, p. 174. 6 Ibid., p. 320. 7 Ibid., p. 215. 246 générations : il consistait en un pur et simple holocauste de chaque génération au profit de celle appelée à la remplacer, holocauste cruel, prolongé, et qui ne s’accompagnait d’aucune consolation, aucun réconfort, aucune compensation matérielle ni affective. »8 Non seulement les vieux ne peuvent pas échapper à leur destin ignoble, mais à l’époque de Daniel ils n’ont plus aucun droit. Tout est réservé aux jeunes : l’amour, le désir, la sexualité. . . Leurs « adversaires » maltraités ne peuvent même pas se révolter contre l’humiliation. Il leur est interdit de se défendre contre le monde dont la violence les écrase. Obligés de subir le traitement, quelque féroce qu’il soit, ils sont considérés comme des déchets. Partant de cette idée il ne leur est accordé qu’une survie misérable, limitée. Le désespoir envahissant issu de la situation paraı̂t être creusé par la solitude qui ne tarde pas à se présenter. Avec elle la vie humaine tombe dans le néant et semble atteindre son point culminant. Lorsque l’on compare les deux « mondes » du roman, celui des humains et celui de leurs successeurs, l’atmosphère silencieuse y demeure fort présente. Comme elle dépend des valeurs imposées, elle varie selon l’époque. Ni la raison ni la conséquence du silence ne sont identiques pour les contemporains de Daniel et pour les néo-humains. Chez les premiers, le silence prend sa source dans l’homme et s’étend progressivement à l’intérieur de la société. La puissance avec laquelle règne le silence est due aux principes de l’essence et de l’existence de l’homme. En revanche, le silence chez les néo-humains représente un héritage des humains. Daniel est menacé par le silence, ce qui n’est pas le cas des néo-humains. Les hommes sont dépassés par celui-ci tandis que les néo-humains le maı̂trisent. À l’époque de Daniel, le silence prend les caractères du danger, qui disparaissent plus tard avec l’humanité. C’est pourquoi les commentaires des néo-humains ne témoignent pas du mouvement du silence mais de sa stagnation. La faible connaissance de la parole éloigne les individus les uns des autres. Mais ce n’est pas ici que la dégradation s’arrête. Puisque les hommes ne communiquent plus, la parole perd sa valeur. Les gens se parlent très peu non seulement parce qu’ils ne savent pas quoi se dire mais aussi parce qu’ils n’ont plus rien à se dire. La conversation paraı̂t occasionnelle ce qui est confirmé par la communication de Daniel : « C’était notre première vraie conversation, et c’était d’ailleurs me semblait-il la première vraie conversation que j’aie avec qui que ce soit depuis des années, [. . . ]. »9 Étant en opposition avec le bruit, le silence aide à dresser la barrière non seulement entre les générations mais aussi à l’intérieur de chacune d’elles. Quand les néo-humains étudient les vies de leurs prédécesseurs, ils n’arrivent que très mal à comprendre certains comportements humains. Ces clones sont pourtant issus de l’espèce des hommes dont ils ont adopté les caractéristiques afin de les dépasser. Une distance immense sépare les deux existences, les deux époques distinctes. Elle a pris pour base l’incompréhension qui s’était étendue sur l’humanité. Pour Daniel et Isabelle, la situation varie parfois légèrement. Lorsqu’ils vivent en couple, le silence a d’autres fonctions que lorsqu’ ils se retrouvent seuls. Dans ce dernier cas, la solitude souligne plutôt la dégradation de l’homme suite aux aspects imposés. Comme ils ne peuvent échapper ni à ces ordonnances artificielles ni aux lois naturelles, Daniel et Isabelle sont forcés d’accepter un labyrinthe sans issue : « [. . . ] c’était comme si nous étions entrés dans 8 Houellebecq, 9 Ibid., Michel, La possibilité. . . op. cit., p. 394. p. 468. 247 une zone de silence, provisoire ou définitive, [. . . ]. »10 Puisque le processus cognitif a échoué, tous les individus, les humains comme les néo-humains demeurent dans le silence total, dans l’absence de parole avec le poids du néant présent. L’odeur de la mort pèse de manière implicite sur toute l’histoire de ce livre. Elle est omniprésente dans l’esprit des humains de même que dans celui des néohumains. On peut la comparer à la nuit, tandis que le jour représente la vie. Avec les lois du temps, la mort comme la nuit n’assure que le progrès. Aucune des deux ne s’endort jamais, soumise aux lois de la nature. Tombés en pourriture, les contemporains de Daniel 1 ont les possibilités suivantes hormis la vie éternelle : soit ils meurent directement avant ou pendant la chute de la terre, soit ils survivent en tant que sauvages sur la terre ravagée pour que celle-ci les accueille en fin dans ses entrailles. Le retour continuel de la nuit témoigne de la puissance de la mort. Lorsque le jour s’achève, la nuit s’empare du pouvoir et jette la journée dans le vide. La nuit symbolisant la mort du jour fait avancer l’existence vers le déclin. Comme elle revêt des couleurs sombres, sa proximité des idées obscures est certaine. On peut dire de la nuit qu’elle renvoie à la solitude absolue. La fatalité de la nuit ramène Daniel vers sa propre mortalité. Inéxorable, elle lui dresse sa condition limitée. Ce retour nocturne ne cesse de creuser la solitude de Daniel, le confiant à des souffrances profondes. Celles-ci sont d’autant plus accentuées qu’il se rend compte de son vieillissement. Pour lui, la nuit et la vieillesse signifient le même phénomène. Les deux symbolisent la mort qui représente l’issue unique de la situation. Ni Daniel ni les autres n’ont de prise sur la mort. La nuit lui semble longue, c’est un moment d’incertitude et d’angoisse. Au lieu d’assurer la paix, d’apporter des solutions possibles, elle pèse sur l’âme. La question de la souffrance se manifeste inévitablement, surgit avec l’image que réflète le monde humain. Puisque les hommes n’arrivent qu’à atteindre un minimum de bonheur, leur choix se porte sur la haine envers eux-mêmes. Insatisfaits de leur existence, ils ont un regard sur la vie qui les dévore et les pousse au pire. Leur choix est personnel, et pourtant fort influencé par les tendances de l’époque. Ce qu’elle dicte semble inoffensif mais définitif pour les « faibles ». S’ils sont capables de suivre la direction imposée, une récompense temporaire les attend. Or, leur bonheur à peine touché, ils sont jetés dans le vide de la souffrance absolue. Lorsqu’ils comprennent ce qu’est le bonheur et qu’ils ne pourront jamais le connaı̂tre dans sa complexité essentielle, le désespoir gagne leur raison. C’est le cas de Daniel qui s’exprime de manière suivante : « Pendant la première partie de sa vie, on ne se rend compte de son bonheur qu’après l’avoir perdu. Puis vient un âge, un âge second, où l’on sait déjà, au moment où l’on commence à vivre un bonheur, que l’on va, au bout du compte, le perdre.»11 Les personnages ont créé un système dans lequel il est impossible d’exister. Les limites qu’ils ont dressées pour se protéger se retournent contre eux sans issue. A partir d’un certain âge, Daniel doit céder sa place à un plus jeune. S’il souffre c’est parce qu’il refuse les règles du jeu auquel il a participé. Il a aidé à construire ce monde qui refuse de le prendre en pitié. L’opinion de Fernando Arrabal interprète la situation avec pertinence : « [. . . ] l’être humain est aussi capable d’être malheureux qu’il est incapable d’être heureux [. . . ]. »12 10 Houellebecq, 11 Ibid., p. 173 12 Ibid., p. 161. 248 Michel, La possibilité. . . op. cit., p. 350. Daniel est avalé par la souffrance comme une ı̂le par la mer. Ayant été longtemps au «sommet de la pyramide», il n’est pas prêt à être traité comme «inutilisable» et ne le sera d’ailleurs jamais. Quand la troisième femme de sa vie le quitte, il se comporte comme un animal blessé, court dans tous les sens afin de se sauver. Or, le monde ne dispose d’aucune solution pour lui. Par manque de tout ce que possède la jeunesse, il n’a plus ni accès ni droit au bonheur. Seul, il est condamné à passer le reste de ses jours dans la douleur et la souffrance : « [. . . ] et il n’y aura pas de fin à la souffrance des hommes. »13 Cette conscience de la souffrance a pour résultat un changement d’attitude. Elle aboutit soit à la haine profonde des autres comme dans le cas de Daniel qui dit : « Je haı̈ssais l’humanité, c’est certain, je l’avais haı̈e dès le début, et le malheur rendant mauvais je la haı̈ssais aujourd’hui encore bien davantage. »14 , soit au comportement barbare. Cette barbarie apparaı̂t chez les membres de la secte élohimite au moment de son grand développement et concerne la question du départ volontaire des Élohim. La manière dont se déroule cette cérémonie, surtout la dispersion des éléments du corps, prouvent la dépravation humaine. « C’est une tendance de la société. . . », explique Daniel, « Une tendance générale vers la barbarie, il n’y a aucune raison que vous y échappiez. . . »15 De la même manière, les êtres humains, transformés en sauvages lors de la destruction terrestre, pratiquent aussi une sorte de barbarie. Mais on peut douter du fait qu’ils en soient conscients. En tout cas, leur comportement se montre vicieux et inacceptable. L’ignorance crasse définit leur existence. S’ils sont aptes à commettre de telles sauvageries, c’est parce qu’ils ne différencient plus le bien du mal. Il est également possible d’y voir une espèce de punition ultime et éternelle. L’irréfutabilité de cette décision condamne les hommes ruinés à un pélerinage absurde tout en primitivisme lourd et obscur : « Ils tressaillent de douleur au moindre souffle du vent, qui charrie des graines et du sable. Parfois ils se jettent l’un sur l’autre, s’affrontent, se blessent par leur coups ou leurs paroles. »16 Les cinq thèmes mentionnés se reflètent également dans le vocabulaire de La possibilité d’une ı̂le. Ce dernier est marqué d’excentricités qui concernent surtout la façon dont certains personnages s’expriment. Le fait que la vulgarité n’y manque guère est dû à cette vision déchirante du monde pitoyable qui pèse sur l’homme. Le manque de bonheur et l’abondance de souffrance influencent le choix des unités lexicales. Le niveau lexical correspond à celui de l’état existentiel qui définit la société de l’époque.17 Ainsi à travers les termes utilisés, mis en relations de diverses manières, l’atmosphère du monde en décomposition se révèle. Comme les individus 13 Houellebecq, Michel, La possibilité. . . op. cit., p. 56. p. 417. 15 Ibid., p. 368. 16 Ibid., p. 56. 17 Au sujet de la langue houellebecquienne, Eva Beránková s’exprime de manière suivante: « Une poésie plutôt tendre et lyrique, souvent rédigée dans une langue châtiée, et une prose volontairement « impitoyable et sordide ». Les deux stratégies incompatibles mais complémentaires visent le même but, attaquent le même ennemi que Houellebecq définit tantôt comme le « scientisme occidental », tantôt comme notre « vision mécaniste et individualiste du monde » et qu’il cherche à transmettre par l’intermédiaire de l’omniprésence du discours scientifique dans son œuvre. » Beránková, Eva, « Les fureurs d’un physicien quantique : Quelques remarques sur le style de Michel Houellebecq », Verbum : Analecta neolatina. Studia ad philologiam neolatinam pertinentia quae in aedibus universitatis catholicae de Petro Pázmány nominatae rediguntur, Piliscsaba, Akadémiai Kiadó, tomus VIII, fasciculus 1, Junius 2006, pp. 101–108. 14 Ibid., 249 sont imprégnés de cette image nihiliste du monde ainsi que d’eux-mêmes et que la capacité à communiquer se trouve dans une situation identique, le registre de la langue connaı̂t un déclin inévitable. La dégradation de l’homme implique celle de sa langue. Si le langage devient cru c’est parce qu’il exprime l’amertume illimitée de l’individu à laquelle il est lié. Le domaine de l’écriture houellebecquienne témoigne aussi de la présence du métalangage. Ce niveau où le texte « réfléchit » a pour but d’attirer l’attention sur les passages dits piliers du roman. Le métalangage est supérieur aux lois de la langue élémentaire, pourtant il a un caractère complémentaire car sa fonction consiste à compléter le texte entier et à attirer, voire souligner l’importance des idées qui y demeurent. Pour atteindre cet effet Houellebecq se sert principalement de l’italique et des guillemets de telle sorte que l’emploi des deux marques est très abondant. Michel Houellebecq appartient parmi ces écrivains contemporains dont l’oeuvre attire l’attention des lecteurs chez qui elle fait naı̂tre de nombreuses polémiques. Traduit dans trente-cinq langues, l’écrivain aborde les sujets qui ne se sont pas encore installés dans la production littéraire. Le niveau thématique éloigne l’écrivain de la création générale actuelle ainsi que de l’esprit traditionnel dans la littérature. Il se révèle être un observateur critique de la société contemporaine ce qui se réflète dans la façon dont il présente ses opinions. La possibilité d’une ı̂le est construite sur une liberté stylistique et présente ainsi une certaine autonomie de texte. De manière précise, le roman expose des arguments qui touchent différents domaines ce qui suscite des réactions en-dehors du livre. Celui-ci se transforme en source d’où naissent de nouvelles pensées et réflexions. Houellebecq impose et souligne la liberté d’expression et il exprime son avis positif au sujet du clonage. Il observe l’individu et constate sa chute, toujours causée par le milieu de sa demeure. L’histoire du roman met en scène une nouvelle humanité modifiée qui a remplacé les hommes. Cette situation fictive ne peut qu’aboutir à une Apocalypse. Une telle vision sert surtout à mettre en lumière la valeur des personnages, porteurs de la philosophie houellebecquienne. Celle-ci est fondée sur le nihilisme de l’époque et mène vers l’image apocalyptique. Elle s’appuie sur des motifs divers, présentés dans notre réflexion. 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K nastínění problematiky současného světa volí neobvyklé prostředky, pro které je charakteristická krutost, patrna zejména v rovině lexikální. An Apocalyptic Vision of Contemporary Society in Novel Form: the Possibility of an Island Summary Michel Houellebecq, one of the new generation of French authors, surprises us not only by his attitude towards the world but especially by his literary work. This approach, shown in the novel The Possibility of an Island, represents the important themes which are the source of an apocalyptic vision of the 21th century. The major character of the French writer’s style is his ability to shock the reader. Through the insertion of hard words, the author outlines the problems of the contemporary world. directrice de recherche : PhDr. Marie Voždová, Ph.D. Kristýna Křeháčková Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc République Tchèque 251 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 François d’Assise : un exemple du héros bobinien Martin Kučera «C’est toujours par le plus petit côté que les grandes choses arrivent. Il y a peu d’événements dans une vie. Les guerres, les fêtes et tout ce qui fait du bruit ne sont pas des événements. L’événement est la vie qui survient dans une vie. »1 Christian Bobin, romancier contemporain français, est l’auteur d’une vingtaine d’ouvrages et il est consideré comme un écrivain d’inspiration catholique2 , c’est-à-dire d’inspiration spirituelle ou religieuse. Le Très-Bas, sa cinquième œuvre, consacré à saint François d’Assise3 , a été publiée aux Editions Gallimard en 1992 et c’est grâce à cet ouvrage que Bobin a rencontré un grand succès. « Elle appartient au genre de la biographie romanesque fictive, il s’agit d’une recherche dans les ressources de la spiritualité d’un saint. »4 Ainsi, dans le Très-Bas, Bobin présente la vie du fondateur de l’ordre des Franciscains5 et donc, nous pouvons considérer l’œuvre bobinienne comme un texte hagiographique romanesque poétique, une 1 Bobin, Christian, Le Très-Bas, Paris : Gallimard, 1992, pp. 19–20. la première moitié du XXe siècle, on observe, sauf pour l’avant-garde littéraire des années vingt, un épanouissement général de l’écriture religieuse, un essor assez important dans la production des oeuvres d’inspiration catholique. Parmi elles, en dehors de Claudel et de Péguy, celle des romanciers catholiques des années trente comme François Mauriac, Georges Bernanos ou Julien Green (qui chacun, sous un éclairage différent, traite du thème du mal, de celui du salut et de l’importance de Dieu dans le monde d’un point de vue métaphysique autant qu’historique inscrit dans le temps d’avant et d’après la guerre). Jakubčáková, Lena, « La prière et le langage de la poésie spirituelle de Péguy », In : Romanica Olomucensia XVII, Université d’été Langue(s) et langages, Olomouc : AUPO, 2006, p. 92. 3 « Sans doute le type le plus accompli du poète né qui joignait, par surcroı̂t, à l’état de grâce poétique l’état de grâce mystique. Il a vu et exprimé la nature, l’âme, Dieu, comme jamais aucun poète ne les a vus ni exprimés. » Suberville, Jean, Théorie de l’ Art et des Genres Littéraires, Paris : Les éditions de l’école, 1948, p. 227. 4 Voždová, Marie, « Le Très-Bas de Christian Bobin – un portrait hagiographique caché ? », In : Le portrait en littérature, České Budějovice : Universitatis Bohemiae Meridionalis, 2005, p. 251. 5 L’ordre des frères mineurs est un ordre réligieux catholique né en Italie sous l’impulsion de François d’Assise. Le Monnier, Léon, Histoire de Saint François d’Assise, Paris : Victor Lecoffre, 1889, p. 11. 2 Dans 253 fiction sur cet personnage historiquement réel. Mais Bobin ne cherche pas à présenter une biographie complète du saint ; il n’est point historien et d’après nous, il n’a pas voulu crée une œuvre historique racontant les aventures et les faits de saint François d’Assise ; il ne veut que présenter le mouvement d’une vie d’un homme qui est devenu saint. « D’ailleurs il n’y a pas de saints. Il n’y a que de la sainteté. La sainteté c’est la joie »6 , constate Bobin et ajoute que « dire de quelqu’un qu’il est saint c’est simplement dire qu’il s’est révélé, par sa vie, un merveilleux conducteur de joie [. . . ] »7 . Il n’est point possible de dire de quelqu’un qu’il est saint ; être saint cela signifie de réaliser quelques critères. La règle de l’ordre des frères mineurs obligeait, par exemple, à mettre fin à toute inimité et à restituer tout bien mal acquis ; à professer la religion catholique et à pratiquer les commandements de Dieu et de l’Eglise ; à porter un habillement sévère, etc. Ainsi, il faudra parler plutôt de la sainteté ce qui peut être caracterisé comme un certain état de l’âme humaine. En bref, tout le livre est réduit aux faits principaux de la biographie du saint François d’Assise où le récit donne l’impression de sa lente formation. « La sainteté n’a pas de formules, ou, pour mieux dire, elle les a toutes. Elle rassemble et exalte toutes les puissances, elle réalise la concentration horizontale des plus hautes facultés de l’homme. Pour seulement la reconnaı̂tre, elle exige de nous un effort et que nous participions, en quelque mesure, à son rytme, à son immense élan. »8 Ainsi, la sainteté a son rythme – c’est un mouvement graduel. Même la sainteté de François d’Assise a son rythme, comme on le suit au cour du livre. En général, d’abord, il s’agit de la réponse à la demande d’amour. Et saint François d’Assise obtient la réponse – qui est l’amour du Seigneur. Cet élément capital est un sentiment « profond, premier, antérieur au besoin sexuel, qui a uni le petit enfant à sa mère »9 . L’amour qui réponds à l’amour tout un coup. Et comme dit l’abbé Le Monnier : « On proclamait que c’était un Saint, plus que cela, le Saint donné par Dieu à cette époque. ». Dans le Très-Bas, Bobin décrit le monde de François en sortant des faits historiques10 et en s’inspirant surtout de la Legende dorée de Jacques de Voragine11 . « L’auteur n’ajoute ni ne nie aucun fait de la vie de François d’Assise ; il respecte des informations historiquement confirmées et ne les met pas en doute. »12 Mais 6 Bobin, Christian, Le Très-Bas, op. cit., p. 27. 7 Ibid. 8 Bernanos, Georges, Essais et écrits de combat, Textes présentés et annotés par Yves Bridel, Jacques Chabot et Joseph Jurt sous la direction de Michel Estève, Dijon : Gallimard, 1971, p. 4. 9 Ubersfeld, Anne, Paul Claudel poète du XXe siècle, Actes Sud – Papiers, 2005, p. 20. 10 En ce qui concerne la biographie de saint François d’Assise, on possède de ses mains des lettres, des Hymmes, des poèmes et des prières – tout cela presque toujours écrit en latin. Mais la série des biographies de saint François que l’on peut considérer à proprement parler comme ayant valeur de sources, commence, très peu de temps après la mort du saint, avec la Vita Prima et Vita Secunda de Thomas Celano, ensuite de frère Léon (son secrétaire et le plus intime de ces amis, était aussi l’une des sources principales pour la connaissance que nous pouvons avoir), de saint Bonaventure et des chroniqueurs franciscains. Joergensen, Johannes, Saint François d’Assise sa vie et son œuvre, Paris : Perrin et Cie , 1917, pp. 16–17, 32. Il faut encore mentionner les études plus récentes, comme par exemple celle de Julien Green (Frère François, Editions du Seuil, 1983) ou celle de Jacques le Goff (Saint-François d’Assise, Gallimard, 1999). 11 De Voragine, Jacques, La Legende dorée, Paris : Editions du Seuil, 2004, Collection Points Sagesse, 742 p. 12 Voždová, Marie, « Le Très-Bas. . . », op. cit., p. 252. 254 malgré cela, dans son texte, il maintient quelques noms et des indications spatio-temporelles précises. Initialement dans le livre, il n’y a qu’une courte mention : «L’automne 1182, en Italie.»13 , qui indique la naissance du jeune François. Ensuite, continuant le texte, on ne trouve que quelques caractéristiques fragmentaires de son origine familiale. Pour son père : « Pierre de Bernardone, c’est le nom du père. Un marchand d’étoffes et de draps »14 et pour sa mère : « Dame Pica, c’est le nom de la mère. Elle n’est pas d’Assise. Elle est de bien plus loin. Elle vit en Provence »15 . En ce qui concerne les années d’aventures guerrières du jeune François, on ne sait que : « Fait prisonnier en 1202, libéré en 1203, malade en 1204. [. . . ] Le printemps 1205. Une guerre encore.»16 Et terminant l’histoire, par la mort17 du saint François, Bobin ne fait qu’ajouter : « Vaut-il la peine d’écrire le reste qui prend apparemment fin le samedi 3 octobre 1226.»18 Le récit se passe dans l’espace réel ou les lieux sont nombreux, ruraux, urbains mais aussi exotiques – il s’agit foncièrement de lieux du parcours terrestre de François – et tout au long du livre, Bobin mentionne la ville d’Assise, la prison de Pérouse, Rome et la Palestine. Grâce aux indications spatio-temporelles, on est capable de suivre l’évolution par étapes de ce saint. Nous proposons la division suivante : le commencement de la vie, la naissance du saint, ensuite le baptême, l’enfance, puis la jeunesse, l’époque de la chevalerie, la vocation19 , la fondation de l’ordre, les parcours terrestres, la maladie et enfin les stigmates et la mort. Or, « tous ces faits, l’auteur les insère à sa manière, qui est originale, dans le texte romanesque, il les laisse miroiter dans les chapitres particuliers. »20 Dans la conception de Bobin, il s’agit d’une description graduel en plusieurs étapes qui sont séparées par des passages de réfléxions. L’auteur y coupe des mentions concernant le visage et la figure du héros ; et donc, son portrait physique21 est presque absent. Âgé de seize ans, le jeune François est caracterisé comme « un beau gars, des yeux clairs, des épaules larges et des mains blanches de fille »22 , qui pendant la maladie a « un teint un peu trop clair, un teint de lait [. . . ] brillance au fond des yeux [. . . ] feu follet dans la prunelle des yeux. »23 Après avoir rompu les rapports avec sa famille, pendant deux ans, il a soigné des lépreux et mal décodé le message du Seigneur, il reconstruit des chapelles et des églises et comme maçon 13 Bobin, 14 Ibid, Christian, Le Très-Bas, op. cit., p. 19. p. 26. 15 Ibid. 16 Ibid, pp. 48, 53. glorieuse mort arriva le samedi 3 octobre 1226. Le saint avait commencé depuis quelques jours sa quarante-sixième année. Il y avait vingt ans qu’il avait reçu de Jésus-Christ l’ordre de réparer son église. Il y en avait dix-huit qu’il avait fondé l’ordre des Mineurs. Le Monnier, Léon, op. cit., p. 413. 18 Bobin, Christian, Le Très-Bas, op. cit., p. 122. 19 Christian Bobin parle de la « métamorphose de la licorne et du salamandre en grillon ». 20 Voždová, Marie, « Le Très-Bas. . . », op. cit., p. 252. 21 Les historiens nous ont fait son portrait. Il avait tout pour plaire. « Sa douceur exquise, dit saint Bonventure, ses manières pleines d’élégance, sa longanimité, son incomparable affabilité, une générosité qui donnait sans compter, tout cela était et la révélation d’un heureux naturel et le prélude des bénédictions qui l’attendaient. » Le Monnier, Léon, Histoire. . . , op. cit., pp. 175–176. 22 Bobin, Christian, Le Très-Bas, op. cit., p. 43. 23 Ibid., p. 51. 17 Cette 255 « la poussière lui rentre dans les muscles. »24 Avant la mort « la maladie touche ses yeux, enlève à ses yeux de leur force. »25 et mourant, François « ferme lentement les yeux comme sous le charme d’une pensée profonde. »26 Ce qui est assez important pour Bobin (dans ces rares descriptions), c’est l’image des yeux. «Sa vie a un début qu’envierait un homme destiné à s’illustrer par son courage. A vingt ans, il combat aux premiers rangs dans l’armée de la commune d’Assise. Le feu brille dans ses yeux : [. . . ] »27 Le motif des yeux associe les qualités comme la clarté, la brilance et la chaleur et alors, pour Bobin, l’image des yeux a une grande importance du fait que cette partie du visage sert de miroir de l’âme et de porte d’entrée vers le reste du corps. Ainsi, à la première place, ce sont les yeux et ensuite viennent les mains, les épaules et les muscles, par ordre d’importance. En constituant le portrait physique, reste à relever le caractère de saint François, c’est-à-dire son portrait moral. Dès sa naissance, François a été prédestiné à la double personnalité. L’auteur évoque ses qualités et sa manière de vivre dans la maison paternelle de façon sec et court : « C’est un garçon doué pour le commerce, [. . . ] meilleur vendeur dans le pays, [. . . ] amis, jolies femmes, [. . . ] du vin, du jeu et des chants »28 Mais d’abord, c’est un homme vraiment « simple, ami de toute sincérité ». D’après Bobin, le caractère de François est apparemment prédestiné par son prénom. Il est baptisé Jean et puis François29 (à l’époque un nom bizarre et inhabituel). « Vere Franciscus qui cor francum et nobile gessit. »30 Il devient Jean le Baptiste ou Jean l’Evangéliste et François de France ; « Jean des sources » et « Jean des encres » comme dit Christian Bobin. Deux voies possibles – l’une d’évangéliste et l’autre de troubadour et de chevalier. Mais finalement (grâce à la conduite de Dieu) François choisit la première – d’être l’un des disciples de Jésus-Christ, parce qu‘il s’est identifié à Jésus intérieurement.31 Et étant donné qu’il aimait Jésus mieux que les autres, il a été pourvu de stigmates sur son corps.32 « Les stigmates, [. . . ], sont le sceau du souverain prêtre Jésus apposé sur un de ses serviteurs. »33 Ainsi, il est devenu le familier du Seigneur et dans son corps, il s’est transformé en Jésus crucifié. Son portrait s’achève à ce moment. 24 Ibid., p. 56. p. 121. 26 Ibid., p. 123. 27 Le Monnier, Léon, Histoire. . . , op. cit., p. 185. 28 Bobin, Christian, Le Très-Bas, op. cit., p. 43. 29 Le prénom Jean était choisi par la mère et l’enfant a été baptisé en l’absence du père et rebaptisé après son retour en François. 30 « Il était vraiment Français, car il avait le coeur franc et noble. » Le Monnier, Léon, Histoire. . . , op. cit., p. 167. 31 Il aimait Jésus-Christ d’un amour merveilleux. Oh ! Comme il s’occupait intérieurement de lui ! Comme il s’en nourrissait ! Comme il en parlait ! [. . . ] Jésus lui était toutes choses. Ibid., p. 146. 32 En même temps commencèrent à se former aux membres les empreintes de la crucifixion. Son côté droit fut marqué, comme s’il eut été percé d’une lance, d’une cicatrice rouge, d’où coula souvent, par la suite, un sang sacré qui humectait sa tunique et ses vêtements. Ses pieds et ses mains furent percés, au milieu, de clous semblables à ceux qu’il venait d’apercevoir dans l’image du Rédempteur. Ils étaient formés d’une masse nerveuse qui était mobile et jouait dans la plaie. Leur tête ronde et noire était en dedans des mains et au-dessus des pieds. Leur pointe longue, courbée et comme rabattue au marteau sortait de l’autre côté et dépassait notablement la chair. Ibid., pp. 138–139. 33 Ibid., p. 145. 25 Ibid., 256 Chez Bobin, c’est aussi le motif du vêtement qui joue un rôle important. La jeunesse de François est fortement marquée par le jeu, l’oisiveté, c’est une époque qui ont beaucoup jasé. Il veut mener une vie de chevalier, aller à la guerre. « Vêtu comme un prince [. . . ] beauté de l’archange sur son cheval [. . . ] revêtu d’une triple armure d’argent, de jeunesse et d’amour [. . . ] il n’a jamais été aussi beau [. . . ]. »34 En 1208, à vingt-six ans, il découvre, en entendant l’écriture sainte à la messe, que sa vocation est de vivre à l’Evangile. François transforme sa vie, il se fait pauvre en quittant la maison paternelle « tout nu » et se soucie d’annoncer les messages de joie, d’espoir et d’amour contenus dans la Bible et de porter la paix aux gens. Il s’habille d’un vêtement gris et se ceint la taille d’un cordon. Ainsi, il porte un vêtement ordinaire comme symbole de pauvreté. En général, ce refus du vêtement exprime le refus de la vie mondaine. Puis suit l’un des éléments capitals dans la vie du saint. C’est la rencontre avec un pauvre35 . « Après les siens, François n’a aimé personne plus que les pauvres. »36 François donne son manteau à ce pauvre et c’est pourquoi il devient saint Martin de Tours.37 Or, le héros bobinien passe chevalier et missionnaire de Jésus-Christ. Ce qui est assez original, c’est que l’auteur produit le parallèle établi entre le monde médiéval et l’époque moderne. Tout au long de ce petit livre, Christian Bobin traite des problèmes de la famille, des générations, de la spiritualité de l’époque de saint François au nôtre. Ses pensées sont plus générales mais elles tourmentent les hommes depuis des siècles. D’après nous, l’auteur a choisi l’exemple d’un saint, dont les valeurs sont encore valable, pour exprimer son opinion sur l’époque moderne. Au contraire des sources hagiographiques, pour Bobin l’enfance joue un rôle déterminant dans la vie du futur saint. Il dit par exemple que l’enfance est aussi importante que l’adolescence pour la formation du futur saint. L’auteur aborde : « François, le serviteur et l’ami du Très-Bas, vécut dans la douceur jusqu’à l’âge de près de vingt ans»38 . Ainsi, il constate que c’est l’enfance et la jeunesse qui nourrit la vie. Au 13ème siècle, l’enfant avait peu d’importance. « On vous parle très peu dans vos premières années. [. . . ] Qui a vu l’enfant François grandir ? A part Dieu, personne, . . . . »39 On y voit clairement le paralèlle avec notre époque. Les parents sont fatigués et ne croient plus en Dieu. « Être père, c’est jouer son rôle de père. Etre mère, c’est un mystère absolu. [. . . ] Les hommes tiennent le monde. Les mères tiennent l’éternel qui tient le monde et les hommes. »40 , dit Christian 34 Bobin, Christian, Le Très-Bas, op. cit., p. 53. jour, il rencontra à Colle, dans le comté de Pérouse, un pauvre qu’il avait connu, lorsqu’il était encore dans le monde, « Mon frère, lui dit-il, comment vas-tu ? » Le malheureux se trouvait tout rempli d’amertume, parce que le Seigneur de l’endroit l’avait dépouillé de ce qu’il avait. Il répondit : « Je vais très mal, grâce à mon maı̂tre : que le Dieu tout-puissant le maudisse. » Emu de cet état moral, plus encore que de sa misère, François répliqua : « Mon père, par amour de Dieu, pardonne à ton Seigneur. Si tu ne lui pardonnais pas, tu as perdu ton avoir, tu perdrais encore ton âme – Non, dit l’autre, je ne lui pardonnerai jamais qu’il ne m’ait rendu ce qu’il m’a volé. » François chercha un moment ce qu’il pourrait bien faire. Il reprit : « Mon frère, je vais te donner le manteau qui est sur mes épaules, mais, je t’en prie, par amour pour Dieu, pardonne à ton Seigneur. » Le pauvre accepta, il prit le manteau et déclara qu’il pardonnait. Le Monnier, Léon, Histoire. . . , op. cit., p. 261–262. 36 Ibid., p. 259. 37 Saint Martin de Tours a donné la moitié de son manteau à un pauvre. 38 Bobin, Christian, Le Très-Bas, op. cit., p. 39. 39 Ibid., pp. 34–35. 40 Ibid., pp. 24–26. 35 Un 257 Bobin. Le rôle de la femme, de l’homme et surtout de l’enfant dans la famille est au centre de l’intérêt de l‘auteur. Depuis le 13ème siècle, des milliers d’hommes et de femmes suivent ses traces en se laissant inspirer par son style de vie. C’est donc dire que même huit siècles plus tard, François d’Assise a encore quelque chose à dire à notre société à travers des hommes, des femmes, à travers chacun de nous. L’écriture bobinienne est spécifique, l’écrivain dévéloppe une langue poétique pleine de métaphores. Ainsi, Le Très-Bas est un grand secret qu’il faut découvrir. BIBLIOGRAPHIE Bernanos, G. : Essais et écrits de combat, Textes présentés et annotés par Yves Bridel, Jacques Chabot et Joseph Jurt, sous la direction de Michel Estève, Gallimard, Dijon, 1971. Bobin, Ch. : Le Très-Bas, Gallimard, Paris, 1992. Gardes-Tamine, J., Hubert, M.-C. : Dictionnaire de critique littéraire, Armand Colin, Paris, 1996. Jakubčáková, L. : « La prière et le langage de la poésie spirituelle de Péguy », In : Romanica Olomucensia XVII, Université d’été Langue(s) et langages, AUPO, Olomouc, 2006. Joergensen, J. : Saint François d’Assise sa vie et son œuvre, Perrin et Cie , Paris, 1917. Le Monnier, L. : Histoire de Saint François d’Assise, Victor Lecoffre, Paris, 1889. Suberville, J. : Théorie de l’Art et des Genres Littéraires. Les éditions de l’école, Paris, 1948. Voždová, M. « Le Très-Bas de Christian Bobin – un portait hagiographique caché ? », In : Le portrait en littérature, Universitatis Bohemiae Meridionalis, České Budějovice, 2005. František z Asissi: příklad bobinovského hrdiny Resumé Článek se zabývá analýzou postavy svatého Františka z Asissi. Christian Bobin vytvořil na pozadí historických údajů smyšlený příběh, ve kterém srovnává dobu svatého Františka s dnešním světem. V krátkých úvahách o životě, úpadku morálky a víry nebo narušení vztahů v rodině, se snaží poukázat na nejrůznější společenské problémy současného světa. 258 St Francis of Assisi: Example of Bobin’s Hero Summary The article is concerned with the figure of St Francis of Assisi. Christian Bobin has formed an imaginative story against a background of the biographical details of this hero. In short essays about life and the decline of morality and belief, and essays about the erosion of family relations, he tries to refer to the considerable social problems of the contemporary world. directrice de recherche : PhDr. Marie Voždová, Ph.D. Martin Kučera Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc République Tchèque [email protected] 259 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 L’appellativisation des noms propres d’origine mythologique en français Petr Šelepa 1 Introduction Dans le domaine de la linguistique française il existe peu de travaux qui s’occupent de l’appellativisation1 , c’est-à-dire le passage d’un mot de la catégorie de noms propres à la catégorie de noms communs. Parmi les plus utiles citons par exemple le travail Dal nome proprio al nome comune de Bruno Migliorini, celui de Pierre Germa intitulé Du nom propre au nom commun, dictionnaire des éponymes ou les articles de Jan Holeš dans Časopis pro moderní filologii 83 ou celui de Jan Holeš et Jaromír Kadlec dans Romanica Olomucensia XI. Le phénomène est pourtant assez fréquent et touche presque toutes les catégories de noms propres. La classe de noms communs et celle de noms propres s’évoluent et s’interpénètrent constamment faisant du procédé de l’appellativisation le moyen important de l’enrichissement du lexique. Les motifs d’appellativisation ainsi que les sources des mots appellés sont bien différents. Afin que la transformation d’un nom propre en appellatif soit réussie, il doit toujours exister une relation entre le nom propre et l’appellatif final. Il s’agit soit d’un passage motivé et spontanné selon les traits distinctifs du porteur du nom original (p. ex. riflard, pantalon), soit d’une dénomination arbitraire, surtout dans la terminologie scientifique – les cas des inventions et des découvertes (p. ex. béchamel, batiste). Ici les utilisateurs de la langue ne doivent pas connaı̂tre le porteur du nom propre. Souvent ils ne savent pas qu’il s’agisse d’un mot venu de la catégorie des noms propres. Nous pouvons constater dans un tel cas que l’appellativisation est achevée (p. ex. assassin). 1 Ce procédé est aussi appellé lexicalisation ou déonymisation, le premier terme étant, néanmoins, le plus fréquent. 261 2 Passage NPROP → NAP Chaque langue possède des noms communs créés dans cette langue qui coexistent avec les appellatifs qui sont venus des langues étrangères ou qui sont en relation avec la culture de telle et telle région. Dans l’Europe Centrale et Occidentale nous pouvons témoigner la présence des appellatifs sortis de la tradition gréco-romaine – surtout les noms d’origine mythologique (p. ex. cerbère, pégase) ; et de la tradition chrétienne, c’est-à-dire les noms bibliques (p. ex. benjamin, jérémiade, judas). Ils entrent surtout dans le groupe des mots créés par la lexicalisation spontannée et on y trouve donc peu de termes scientifiques. A comparer par exemple des expressions benjamin (le fils préféré de Jacob) ou lasdre – chez lesquelles l’appellativisation était motivée par les qualités propres des personnages – avec le terme chimère. Ce dernier avait eu le sens de «insensé»; puis désignait «création imaginaire » avant de que le sens ait passé au « poisson holocéphale » dans la terminologie ichtyologique. Voyons que le passage n’est pas du tout simple2 . Quant aux types des noms d’où proviennent les noms propres, on en peut distinguer quatre. Il s’agit des anthroponymes (noms propres des personnes), des ethnonymes (noms des nations), des toponymes (noms des lieux) et des chrématonymes (noms de marques). En ce qui concerne les rélations entre les noms communs et les noms propres dont ils proviennent, on distingue les rapports par qualité (barbare, lasdre), activité typique du porteur du nom propre (phébus, amphytrion), ou aspects physiques (nestor, Vénus), âge (benjamin). Il existe les dénominations appellativisées par rapport à la représentation d’une personne, types et moyens de transport (silhouette, phaeton, fiacre), événements de la vie culturelle (jaquette) ou repas. Les noms géographiques nous donnent des appellatifs selon la ressemblance avec le lieu original (eden), ils se réfèrent aux objets (baldaquin), moyens de transport (landau), aliments (du brie), les affaires liées à la vie culturelle (charleston, dixieland ). Chez les chrématonymes ce sont le nom de marque ou celui du produit le plus célèbre qui sont appellativisés le plus souvent (Klaxon, Linotype). Il n’est pas rare que les noms des œuvres artistiques donnent le nom à tout un mouvement (impressionisme, euphuisme). Les noms propres deviennent appellatifs par deux procédés sémantiques primordiaux (HOLEŠ, Jan – KADLEC, Jaromír. « Métaphore et métonymie léxicalisées. Deux sources d’appellatifs en français ». Romanica Olomucensia XI. UP Olomouc, Olomouc 2002). Dans le cas où les deux unités lexicales sont rapprochées grâce à une certaine similitude, il s’agit de la métaphore. Quand on appelle une personne tartuffe3 , on a à l’esprit que la personne en question se comporte de manière similaire à celle de Tartuffe de la comédie de Molière. Au contraire si nous considérons le substantif riflard, il doit nous rappeller une telle parapluie énorme que Riflard, personnage comique de Petite ville, portait sur scène. Dans ce cas, la dénomination riflard vient à l’usage grâce à l’extension du sens où nous attribuons un terme à 2 Normalement il n’y a pas d’influence de l’appellatif sur le sens du nom propre original. Il existe bien sûr des exceptions. Parfois on peut observer une modification du sens extràme quand l’emploi du nom commun dans son sens nouveau est tellement fréquent que le mot primitif – qui désignait une réalité extralinguistique auparavant – sort de l’usage ou disparaı̂t. 3 Certains appellatifs subissent le changement orthographique de la initiale. Le rapport à la fréquence d’emploi n’est pas attesté. 262 un objet selon une relation de ressemblance, de contiguı̈té. Ce procédé s’appelle la métonymie et avec la métaphore que nous avons déjà mentionnée, elle représente la source principale des appellatifs lors du procédé d’appellativisation. La métaphore est mise en œuvre surtout quand les noms de types littéraires sont employés pour désigner les personnes des qualités égales. L’emploi de la métaphore dans le cas où un nom de personne désigne un objet est assez rare. Plus souvent, l’emploi d’un nom de personne pour dénommer un objet est réalisé par un procédé métonymique. Celui-ci est très répandu dans le langage scientifique beaucoup d’objets doivent leur noms à leurs inventeurs (p. ex. rigodon). Plus rares sont les métonymies par lesquelles un nom de personne vient à désigner un objet qui est en relation avec le porteur primitif du nom. Il s’agit souvent d’un détail caractéristique de vêtements d’une personne (p. ex. Arlequin). Les noms propres devenus noms communs se classent dans le lexique comme diverses parties du discours. Dans la majorité des cas, ils deviennent substantifs, mais les création d’un verbe, un adjectif ou même d’un adverbe ne sont pas exceptionnelles. Beaucoup d’entre eux possèdent des dérivés. Dans notre liste nous n’allons pas les oublier. Il se peut que leur orthographe soit modifiée4 . Le phénomène en question regarde presque toutes les catégories de noms communs. Noms communs peuvent être créés à partir d’un nom de personne, d’un nom de lieu, d’un nom de nationalité ou bien d’un nom de marque. Ce passage est due à deux procédés sémantiques importants, la métaphore et la métonymie. La première est une sorte de comparaison. Les deux noms sont en relation de similtude. Dans le cas de la métonymie il s’agit d’une extension de sens basée sur la relation de connexion contigüe. 3 Les appellatifs d’origine mythologique Rares sont les cas où le nom propre a subi le passage NPROP → NAP dans une langue antique (grec ou latin), mais pourtant il y en a quelques-uns. Le terme adonis vient du nom propre latin Adonis, qui était le dieu de Printemps et le symbole de la beauté. Ce nom appellé n’est pas la création française ni latine. Il a déjà été employé au grec comme nom symbolique ce qui explique son existence dans d’autres langues européennes qui l’y ont repris. En français l’apparition du verbe adoniser est attestée dès 1560. C’est aussi le cas de l’appellatif crésus mentionné pour la première fois vers 1540. D’origine nom d’un roi de Lydie, célèbre par ses richesses, c’était déjà nom symbolique au grec (Kroisos) et au latin (Croesus). Parmi les appellatifs créés à l’âge moderne, on peut distinguer plusieurs types en ce qui concerne leur étymologie. Il s’agit de différentes motivations qui ont mené à leur passage au groupe de noms communs. Celle-ci peut être p.ex. littéraire ou scientifique. Suivent les cas d’appellativisation plus récente des mots d’origine mythologique. Tous les exemples sont tirés de Dauzat, Albert – Dubois, Jean – Mitterand, Henri. Nouveau dictionnaire étymologique. Larousse, Paris, 1964. 4 Les changements d’appellatifs provenant de la même langue que leurs noms propres originaires sont exceptionnels. Les modifications sont plus visibles chez les emprunts. Ici la diversité des langues cause les adaptations nécessaires. Dans les cas de la translitération (les emprunts du russe, de l’arabe, etc.) les modification sont souvent extrêmes. 263 amphitryon, pour la première fois apparaı̂t comme le nom propre chez Molière en 1668. Ensuite il était pris comme nom commun au sens de « l’homme chez lequel ou au frais duquel on dı̂ne ». Le verbe amphytrionner apparaı̂t vers 1837 ; aphrodisiaque, provenant du grec aphordisiakos de Aphroditê, déesse de l’Amour grecque. Au XIXe siècle aparaissent des dérivés anaphrodisiaque et antiaphrodisiaque ; cerbère, du latin Cerberus, repris en 1867, emprunté au grec Kerberos, nom du chien qui gardait l’entrée des Enfers ; charybde, repéré en 1552, dans la locution de Charybde en Scylla (emploi métaphorique), reprise au latin et désignant le gouffre et les récifs du détroit de Messine ; esculap, d’après dieu de la médecine chez les Grecs Asklêpios, au latin Aesculapius. Le terme apparaı̂t en 1771 ; hermaphrodite, au XIIIe siècle aussi avec l’initiale majuscule, vient du latin hermaphroditus, emprunté au grec. D’abord désignait le fils bissexué d’Hermès et d’Aphrodite. Au XVe siècle s’émerge le dérivé hermaphrodisme ; homérique, selon Homère, l’auteur présumé d’Iliade. Cet adjectif s’emploie dans l’idiome rire homérique d’après le rire des dieux ; machaon, terme qui désigne papillon d’une grande beauté et provient de Machaon, nom mythologique ; mausolée, témoigné dès le début du XVIe siècle, où d’abord apparaı̂t la déformation mauseole, les deux proviennent du latin mausoleum. Le terme grec originaire est Mausôleion, tombeau de Mausole, roi de Carie ; mercure, vient du nom du messager de Jupiter, qui était en même temps dieu de commerce. Cet appellatif présentait successivement les adjectifs mercuriel et mercureux apparus en 1546 et 1842 respectivement. Le dérivé latin mercurialis a créé en français mercuriale – désignation d’une plante (herba mercurialis). Au XVIe siècle, l’assemblée des parlements, siégeant le mercredi, a été appellée ainsi. De là au XVIIe s. ce mot a adopté le sens de « remontrance » et en 1800, le sens de « tableau des prix d’un marché » ; mithridate, repéré en 1425 d’abord avec l’orthographe metridat, provenant du nom de Mithridate, roi du Pont, qui se serait immunisé contre les poisons. Il existe des dérivés mithridatiser et mithridatisation de la fin du XIXe siècle ; nestor, nom d’un vieillard de l’Iliade réputé pour sa sagesse. Le sème « vieux » est aussi important si l’on envisage le nom appellé ; odysée, du nom du poème d’Homère, décrivant les aventures d’Ulysse (Odysseus en grec), apparaı̂t en 1814 ; œdipe, du nom d’Œdipe, personnage des légendes grecques, qui devient l’énigme proposée par le sphinx de Thèbes. L’emploi comme NAP en 1721 ; Palémon, du nom de Palaimon, personnage de la mythologie grecque, changé en dieu marin ; 264 palladium, sens propre de ce mot est « statue de Pallas ». En 1160 apparaı̂t d’abord avec l’orthographe grecque palladion. En 1748 → sens figuré, du latin palladium, du grec palladion, statue de Pallas, considéré à Troie comme assurant de la sauvegarde de la ville ; pégase, du latin Pegasus, en grec Pegasos, nom du cheval ailé qui a fait jaillir d’un coup de pied la source d’Hippocrène, où l’on puisait l’inspiration poétique, paraı̂t au milieu du XVIe siècle ; 1611 → sens figuré. La signification zoologique attestée en 1788 ; phaéton, du nom de Phaéton, en grec Phaethôn, fils du Soleil, qui périt en voulant conduire le char de son père ; phébus, du nom de Phœbus, du grec Phoibos, « celui qui brille », a paru au début du XVIIe siècle, autre nom d’Apollon, dieu de Soleil et de la Poésie ; plutonien, attesté en 1816, du nom de Pluton, dieu latin des Enfers. Cet expression a créé plusieurs dérivés → plutonique (1550), plutonisme (1842), plutoniste (1827), et plutonium (1874), un corps simple chimique ; priape, « phallus », du latin Priapus, dieu de la mythologie romaine, employé dès le début du XVIIe siècle ; python, du latin python, grec puthôn, nom d’un serpent fabuleux de Puthô tué par Apollon. Signification zoologique a paru au XVIe siècle ; saturnie, du latin Saturnus, Saturne, paon de nuit (1842). Le dérivé saturnien employé au sens figuré de « enclin à la mélancolie » ; spartakisme, du nom de Spartacus, chef d’une révolte des esclaves sous la République romaine apparaı̂t comme NAP au cours de la 1ère Guerre mondiale ainsi que le dérivé spartakiste ; syphilis, du latin moderne syphilis (1755), du nom du berger légendaire Syphilus, pris chez Ovide, qui a été frappé de cette maladie. L’adjectif syphilitique était antécédent au substantif (1725). Le dérivé anti-syphilitique paraı̂t vers la fin du XVIIIe siècle ; vénérien, « qui est adonné à l’amour » apparaı̂t au sens médical en 1560. Ce terme provient de l’adjectif latin venerius, de Vénus, déesse de l’amour ; volcan, de l’italien volcano, du latin Vulcanus, Vulcain, dieu du Feu, nom dont le premier emploi était témoigné vers 1300, était d’abord donné aux ı̂les de Lipari, à cause de leurs volcans. Il a créé plusieurs dérivés volcanique, (1750), volcaniser (1777), volcanisme (1842), volcanologie ou vulcanologie (1910) ; vulcaniser, représente le sens différent créé au milieu du XIXe siècle, de l’anglais vulcanize, tiré du nom du dieu Vulcain par Brockedon, ami de Hancock, l’inventeur du procédé de vulcanisation. Il en a tiré des dérivés vulcanisation (1843) et vulcaniseur (1896) ; 265 4 D’autres noms communs provenant du grec et du latin Le grec ainsi que le latin n’ont pas fourni les noms mythologiques seulement. Les noms des personnages de la vie culturelle, politique, ainsi que les ethnonymes ont persisté comme lexicalisations jusqu’à présent. Voici quelques exemples : anacréontique, du poète grec Anacréon (vers 1580) ; laconique, du latin laconicus, emprunté au grec lakonikos, « la manière des Laconiens », c’est-à-dire « concis », apparaı̂t au début du XVIe siècle. On peut trouver des dérivés laconisme (1556), du grec lakonismos « façon de parler des Laconiens » et l’adverbe laconiquement ; olympe, du nom d’une montagne de la Grèce ancienne, résidence légendaire des dieux dont les dérivés olympien (1550), « qui réside sur l’Olympe » ; olympius (1838) « majestueux » ; le substantif olympiade (1361) du latin olympias (grec olumpias), « de Olympia », l’adjectif olympique (fin XVe s.), du latin olympicus (grec olumpikos), du nom de Olumpia, ville d’Elida où se célébraient tous les quatre ans les jeux olympiques, dès 1894, sens moderne ; philippique, au sens de « discours de Démosthène », puis « satire politique » a paru au XVIe siècle. Dès le début du XVIIe siècle apparaı̂t son sens moderne, venu du grec philipikai → au pluriel, harangues célèbres de Démosthène contre Philippe de Macédoine ; pyrrhique ; fin XIVe siècle, du latin pyrrhicha, du grec pyrrhikhê, de Purrhikhos, inventeur présumé de cette danse ; pyrrhonien, de Pyrrhon, nom d’un philosophe grec avec le substantif pyrrhonisme ; pythagorique, de Pythagoras, nom d’un philosophe et mathématicien grec a créé les dérivés pythagoricien et pythagorisme (XVIIIe siècle) ; vespassienne, du nom de l’empereur romain Vespasien, d’après les « urinoirs » qu’il a fait installer à Rome (n’apparaı̂t qu’en 1834). Ce qui devrait aussi attirer notre attention, ce sont les noms des mois et des jours de la semaine. Beaucoup d’entre eux proviennent des noms propres latins, certains ne renient pas leur origine mythologique ou plus précisément la dénomination selon un personnage mythologique. D’autres sont dérivés des noms propres des personnes de la vie politique romaine. Leur apparition dans le français est justifiée au tournant des millénaires, au XIe siècle. janvier vient du latin januarius, mois de Janus ; juillet est réfection de l’ancien français juignet, dérivé de juin, d’après une forme disparue juil, du latin Julius, mois de Jules (César) ; juin provient du latin junius, mois de Junius Brutus, premier consul de Rome ; mercredi, evolué du latin populaire Mercoris dies, jour de Mercure (voir ci-dessus) ; vendredi, vient du latin Veneris dies, jour de Vénus ; 266 5 Conclusion L’appellativisation, c’est-à-dire l’emploi des noms communs comme noms propres, est un procédé onomastique assez important de la création des appellatifs et de l’enrichissement du lexique de la langue française. Le phénomène en question regarde presque toutes les catégories de noms communs. Noms communs peuvent être créés à partir d’un nom de personne, d’un nom de lieu, d’un nom de nationalité ou bien d’un nom de marque. Ce passage est dû à deux procédés sémantiques, la métaphore et la métonymie. Les appellatifs prennent la source parmi les noms propres très divers. A titre d’exemples, nous avons cherché les noms qui prennent leurs origines dans les mythologies grecque et romaine. Pour conclure nous pouvons constater que ceux-ci ne représentent qu’une partie minoritaire de tous les appellatifs existants au cadre du lexique français5 . Les deux procédés sémantiques mentionnés s’emploient dans leur création. Sauf peut-être le cas des noms de jours et mois, l’emploi de ces noms gréco-latins n’est presque réservé qu’à langages littéraire et scientifique. BIBLIOGRAPHIE Černý, J. – Holeš, J. Sémiotika. Portál, Praha 2004. Dauzat, A. – Dubois, J. – Mitterand, H. Nouveau dictionnaire étymologique. Larousse, Paris 1964. Germa, P. Du nom propre au nom commun, dictionnaire des éponymes. Bonneton, Paris 1993. Holeš, J. « Motivovanost francouzských vlastních jmen ». Časopis pro moderní filologii 83, 2001, No 2. Holeš, J. – Kadlec, J. «Métaphore et métonymie léxicalisées: Deux sources d’appellatifs en français ». Romanica Olomucensia XI. UP Olomouc, Olomouc 2002. Migliorini, B. Dal nome proprio al nome comune. Leo S. Olschki, Firenze, 1927. Nyrop, K. Grammaire historique de la langue française. Copenhague, 1912. Tome IV. Šrámek, R. Úvod do obecné onomastiky, MU Brno, Brno 1999. 5 Nous avons élaboré un dictionnaire de plus de 600 noms appellativisés français dans le mémoire de maı̂trise : Šelepa, Petr. Vlastní jména a jejich apelativizace. Archiv UP Olomouc, 2003. Selon notre estimation les appellatifs représentent plus de 4 pour cent du contenu du dictionnaire étymologique que nous avons pris comme source : Dauzat, Albert – Dubois, Jean – Mitterand, Henri. Nouveau dictionnaire étymologique. Larousse, Paris 1964. 267 Apelativizace vlastních jmen mytologického původu ve francouzštině Resumé Téměř v každém jazyce existuje zvláštní jazykový proces utváření obecných jmen ze jmen vlastních nazývaný apelativizace. Dochází k němu na základě dvou procesů – metafory a metonymie. Ve francouzštině existuje řada apelativizovaných proprií pocházejících z řečtiny či latiny, která jsou nezřídka mytologického původu. Do francouzštiny buď jako apelativa už přešla, častěji se však jimi stala až později. Ačkoliv je mezi nimi i několik běžně užívaných výrazů, obecně vzato netvoří v rámci apelativizovaných jmen nijak významnou část. Appelativisation of proper names of mythological origin in French Summary In most languages the lingustic phenomenon of appellativisation, i. e. the transformation of proper names in common names, might be observed, metaphor and metonymy being the two principles of their creation. In French there are many common names that originated in the group of proper names in Ancient Greek or Latin, often being of mythological origin. Either they were brought into French as common names or their figurative sense is a French creation. There might be several commonly used expressions among them; however, their importance is not that relevant, speaking generally of the entire group of appellativised names. directeur de recherche : doc. PhDr. Jan Holeš, Ph.D. Petr Šelepa Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc République Tchèque 268 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 O tribo Mbyá, o seu modo de ser e a sua mitologia Pavla Volenová Na multidão das tribos indígenas no Brasil, foram os Guarani, que viraram, na consiência ocidental, os representantes de todos os índios brasileiros. Os guarani são uma das tribos mais abertas e, comparando com os outros, não é tão difícil entrar no contato com eles. Apesar de ter sido escrito bastante textos sobre a sua cultura, quase nada foi traduzido para tcheco. Apresentar o povo, cuja mitologia e modo religioso de ser continua sendo vivo apesar de todas as tentativas dos opressores matar o seu espírito. O foco central deste trabalho são os mitos dos guarani Mbyá. As histórias contadas de geração em geração, ensinadas pelos pais aos filhos, pelos avós aos netos. São fundamentais para um povo, marcam sua identidade, são uma riqueza cultural. Na época em que vivemos, apesar de todo instrumental de acesso disponível, pouco conseguem lidar com a sabedoria dos povos nativos. Abrindo-se mais às informações provindo dessas culturas nativas, pode enriquecer nossas vidas, ensinando-nos saber atravessar fluentamente a ponte entre o antigo e o progresso, entre o natural e o técnico e lidar com os dois lados como fosse a unidade hormónica e equilibrada. Os Mbyá a concepção do mundo dos Mbyá nhandereko – o nosso modo de ser A mitologia de Mbyá está profundamente ligada com a sua vida e a sua experiência religiosa está projetatada na mitologia. A experiência religiosa é uma forma essencial de sua identidade e da consiência de seu destino. Somente a partir de sua experiência religiosa poderemos entender os guarani atuais. Não é possível falar da mitologia sem pensar na religião, na maneira de viver ou na cultura. Todos os fatores formam o complexo, sendo inconcebível separar uma das outras. Segundo Bartemeu Meliá1 a experiência guarani tem sido vivida por mais de um milênio estas terras por gerações e gerações de homens e mulheres. Continua sendo a experiência que dá sentido e vida a muitas pessoas. Para os guarani atuais 1 Melia, Bartolomeu: El Guarani: Experiencia Religiosa, Asunción, 1991. 269 é fonte e razão de sua existência, fundamento do seu futuro. Nesta experiência podemos encontrar o rosto guarani de ser deus. O modo de ser guarani ñande reko é, sobretudo, um modo de ser religioso ñande reko marangatu. “Los significados de esta palabra (ñande reko) son múltiples: nuestro modo de ser, nuestro modo de estar, nuestro sistema, nuestra ley, nuestra cultura, nuestra norma, nuestro comportamiento, nuestro hábito, nuestra condición, nuestras costumbures.”2 O ñande reko ou modo de ser guarani está constituído por duas formas essenciais. O ñande reko katu nosso modo de ser autêntico e verdadeiro e o ñande reko marangatu nosso modo de ser bom, honrado e virtuoso enquanto religioso. A busca de terra sem mal Sendo impossível falar dos Guarani sem fazer uma referência explícita à sua busca da Terra sem Mal ywy mara ey. Os Guarani acreditam na imperfeição de ser durante a vida terrestre. Vivendo no corpo humano recebemos alguns tipos de comportamento que são imperfeitos, essas imperfeições desaparecem embora o homem consiga achá-la e chegar nesta Terra sem Mal. Somente as pessoas muito religiosas que estão no contato com os deuses e têm a alma forte podem atingi-la. A Terra sem Mal fica numa ilha cercada por mar, sendo um “paraíso” onde não falta caça, pesca, frutas e muita paz, onde não há nenhum sofrimento nem a morte. A Terra sem Mal não é destinada aos brancos, foi criada pelo Nhanderu para as almas fortes dos guarani. A busca da terra sem mal que, originalmente era uma meta bem real, dinamizada por uma economia de reciprocidade sempre ativo e num desejo de perfeição sempre renovado teria se transformado apenas em um ritual. Para alguns pesquisadores da cultura guarani o mito tinha perdido a sua força, por causa da situação real que os força a partir o os faz sentir-se estrangeiros na sua própria terra. É muito provável que a busca da “Terra sem Mal” tenha se revestido, entre os Guarani contemporâneos, de um misticismo mais acentuado comparando com os tempos antigos. A opressão de todos os índios levou ao aumento de migrações entre o povo guarani. Esses estão viajando além do oceano Atlântico, esperando que achem a “Terra sem Mal”, que deveria ficar escondida na margem do mundo, no oceano na direção leste. Essas caminhadas são realizadas, frequentamente, do oeste pra o leste, na direção do sol nascente. As vária aldeias dos mbyá encontram-se na Mata Atlântica cujos domínios se estendem ao longo da costa brasileira, porque formar as aldeias nesses lugares significa estar mais perto do mundo celestial. Até agora podemos ver as famílias quarani na estrada BR 101, como, meio perdidos, seguem o seu sonho da “Terra sem Mal”. “Historicamente, os Guarani sempre tiveram intensa ligação com os rios e o mar, mas, ao longo dos anos, sempre pressionados pela colonização, foram forçados a deixar o mar e habitar o interior. Talvez tenha sido esse o motivo de as migrações Guarani Mbyá do século XX tomarem a direção leste. Ao perceberem, nos interstícios das relações com a sociedade envolvente, a possibilidade de fundar novas aldeias com base nos preceitos míticos que guiam 2 Idem, 270 p. 13 suas ações cotidianas, chegaram ao litoral sul fluminense em busca da “Terra sem mal”.3 Se o caminho para a perfeição pessoal parece hoje mais indiviualizado e a busca da “Terra sem Mal” mais ritualizada, isto não se deve a uma renúncia das verdadeiras metas, mas a colocação em prática de novos recursos para manter o essencial de sua liberdade. A busca da “Terra sem Mal”, mesmo mais ritualizada, não é um simples retorno conservador para estruturas sociais e religiosas tradicionais. É uma forma de contestação face o sistema neo-colonial envolvente. Tekoha Os Guarani são os povos cujo raio de ação abrange uma ampla geografia, com migrações eventuais e regiões muito distantes e com deslocamentos frequentes dentro de uma mesma região. Eles ocupam as terras com características ecológicas muito constantes, terras aptas para o cultivo de milho, mandioca, batata-doce e outros produtos. Estas terras oferecem um horizonte ecológico bastante definido, cujos limites dificilmente são ultrapassados. Eles escolheram climas úmidos, com uma temperatura média entre 18 e 22 graus, localizaram-se preferencialmente nas margens de rios e lagoas, em lugares que não excedem os 400 metros em relação ao nível do mar, habitando florestas típicas de uma região sub-tropical.4 Mesmo que a terra imponha suas condições, é o Guarani que faz a sua terra. O Guarani refere-se ao seu território como tekoha. Teko é o modo de ser, o sistema, a cultura, a lei e os costumes. Tekoha é o lugar e o meio onde se torna possível viver o modo de ser Guarani. O tekoha é sobretudo uma interrelação de espaços culturais, econômicos, sociais, religiosos e políticos. Para os Guarani sem tekoha não há teko. A estrutura fundamental do tekoha e a relação com seus espaços se apresenta do seguinte modo. Uma montanha preservada e pouco frequentada onde há boas condições para a caça, a pesca e para a colheta de mel e frutas silvestres. Há também manchas de terra especialmente fértil para nelas fazerem as roças e os cultivos e, finalmente, um lugar onde pode ser erguida a grande casa comunal, a casa de reza opy, cercada por um grande pátio aberto e, em cujo redor crescem bananeiras, algodão e urucum. São estes três espaços, morro, roça e aldeia, que dão a medida de uma boa terra guarani. Eles tem procurado esse tipo de terra para nela viver. O tekoha não significa somente a terra, mas também a casa e as relações com parentes. “Um tekoha pode ser constituído por mais de uma família extensa, cuja predominância política recai sobre o nhanderú responsável pela escolha do local. Entre o Guarani atuais, geralmente a família extensa se mantém devido à sua funcionalidade econômica, social e política, embora as famílias vivam em casas separadas. As casas são feitas com estrutura de madeira cortada da mata próxima, sendo cobertas por sapê.”5 As casas, pelo menos opy a casa de rezas, são construídas de frente para o Sol nascente onde recebem a luz e a palavra de Nhanderu. 3 Guimaraens, Dinah (org.): Museu de Arte e Origens: Mapa das Culturas Vivas Guaranis, Rio de Janeiro, 2003, p. 103. 4 Informações tiradas do material de apoio dos cursos de antropólogo Maurício Fonseca, USP. 5 Guimaraens, Dinah (org.): Museu de Arte e Origens: Mapa das Culturas Vivas Guaranis, Rio de Janeiro, 2003, p. 34. 271 Graças à sua experiência religiosa e ao seu sistema de vida os Guarani resistem até hoje e mantêm o seu tekoha, o lugar do seu modo de ser. Os Guarani continuam buscando a terra boa para construirem os seus tekoha. A busca de uma boa terra não é contraditória com a busca profética de uma terra sem mal. O sagrado nas palavras “No princípio era o Verbo, e o Verbo estava com Deus, e o Verbo era Deus. Ele estava no princípio com Deus. Todas as coisas foram feitas por ele, e sem ele nada do que foi feito se fez. Nele estava a vida, e a vida era a luz dos homens. E a luz resplandece nas trevas, e as trevas não a compreenderam.”6 “Ele ergueu-se: de seu saber divino das coisas, saber que desdobra as coisas, o fundamento da Palavra, ele o sabe por si mesmo. De seu saber divino das coisas, saber que desdobra as coisas, o fundamento da Palavra, ele o desdobra desdobrando-se, ele faz disso sua própria divindade, nosso pai.”7 É notável, que a concepção da relevância de função de palavra dos guarani é quase igual à concepção bíblica. É a palavra, o que nos diferencia dos animais, a fala articulada é índice de humanidade. O fundamento da palavra emana do ser divino, constituiundo o centro e a base da palavra-alma. A fala é valor central na definição do humano. Segundo Bartolome Meliá8 , para os Guarani a palavra é tudo, e tudo para ele é palavra. A língua guarani é bastante religiosa e metafísica, contendo os termos que não é possível traduzir sem conhecer, pelo menos pouco, a concepção do mundo guarani. Muitas vezes, a palavra possue mais de uma acepção. Para melhor entendimento, mostra-lo-ei na acepção da palavra ayvu. Segundo o dicionário de Cadogan, essa significa “hablar, lenguaje”. Dessa explicação, a grande importância da palavra para a vida dos guarani não é clara. Lendo mais, acharemos outros acepções. Ayvu porã é explicado como “lenguaje religioso, las palabras de los dioses que ellos comunican a quienes se dedican a los ejercicios espirituales, estas palabras penetran el alma e a através de la coronilla.”9 Pois, a palavra ayvu não possue somente uma acepção da linguagem humana mas contém a conotação da substância do divino e do humano que estão presentes ao mesmo tempo. Refere-se à comunicação mútua entre o homem e os deuses que, interropida, causará desordem e incompreensão no campo da comunicação, as palavras perderem a sua essência divina, virando vazias. “Os homens só podem, por conseguinte, existir segundo sua própria substância, conformando-se incessantemente à relação original que os liga aos deuses.”10 O português, do ponto de vista dos guarani, tinha perdido a sua vibração divina e a sua essência fundamental tinha sido esvazidada. As palavras já não contém a mensagem divina, sendo abusadas para assegurar o poder pessoal. O anseio de 6O Evangelho Segundo Jõao, cap. 1, 1–5. Pierre: A Fala Sagrada: mitos e cantos sagrados dos índios Guarani, Campinas, 1990, p. 26. 8 Informações tiradas do livro de Melia, Bartolomeu: El Guarani: Experiencia Religiosa, Asunción, 1991. 9 Cadogan, León: Diccionario Mbya – Guarani – Castellano, Asunción, 1992, p. 36. 10 Clastres, Pierre: A Fala Sagrada: mitos e cantos sagrados dos índios Guarani, Campinas, 1990, p. 27. 7 Clastres, 272 dominar e reinar sob alguém provém da ilusão que tem a sua origem na perca do contato entre divino e humano. Acontecendo isso, os humanos não conseguem ouvir mais as metáforas escondidas nas palavras e começam a criar as suas verdades e convencimentos. Seguinte é, a diferença entre a fala sagrada e a fala esvaziada. “Uma diferença aí se revela, ao mesmo tempo a mais aparente e a mais profunda, na conjugação da palavra e do poder. O fato é que, se nas sociedades de Estado a palavra é o direito do poder, nas sociedade sem Estado ela é, ao contrário, o dever do poder.”11 O cacique, o pajé ou alguns outros eleitos possuem esse dever do poder, o dever de palavra. Eles eram escolhidos para falar, tendo a melhor capacidade para ficar em contato com divino. Seria muito complicado chegar a abusar a função do pajé ou do cacique, a sua eleição não depende só nas coisas racionais, como é comum no mundo ocidental, mas exige os dons especiais e o acordo dos deuses e dos espíritos. Ou, para dizê-lo de outra maneira, a eleição é uma coisa religiosa e ritualizada e deve ser harmonizada com o mundo sobrenatural e metafísico, por isso, o erro é pouco provável. Os guarani, e os povos nativos em geral, não podem ficar com chefe fraco, cuja alma é também fraca, porque eles ainda estão capaz de ver os efeitos negativos que poderiam ser trazidos em cima de toda a tribo. A sociedade guarani ainda sabe sentir os sinais mostrando, quem deve virar o chefe. Por que os todos ainda têm o dom da palavra. A vida do guarani em todas as suas instâncias críticas, sendo concepção, nascimento, recepção do nome, iniciação, paternidade e maternidade, enfermidade, vocação chamânica, morte e pós-morte, define-se a si mesma em função de uma palavra única e singular que faz o que diz, que, de certa forma, consubstancia a pessoa. As almas O entendimento da alma entre os Guarani é o tema muito complicado, que está apoiado na dualidade do bem e do mal. A alma é considerada na concepção pluralista, sendo para nós fora de hábito comum. Para os Guarani, a alma não se apresenta completa no ato da concepção. Ela desenvolve-se com a vida do homem e o modo de seu fazer e dizer. Os Guarani sabem que a sua alma é uma chave nessesária à compreensão de sistema religioso inteiro. A vida das pessoas é acompanhada por algumas almas. Cada dessas tem a sua função própria e a sua tarefa, juntas criam o ser humano completo. As almas que habitam o humano são seguintes ayvu ou ñe’ê o núcleo inicial da pessoa, sua porção divina, ã a sombra, asygua a paixão, algo de gênio animal encarnado, teko achy modo de ser imperfeito, manifesto através do mal carácter, da agressividade ou simples condição telúrica e corporal. A palavra ñe’ê expressa a base espiritual e divina da alma. “Canto de aves, chirriar de insectos, ladridos de perro; excepcionalmente, palabra humana; utilizida en una envocación o plegaria, designa la ‘palabra’ de los ‘dioses’, alma de origen divino”12 A criança nasce somente com ñe’ê, durante as seguintes fases da vida aceitará as outras almas. Ñe’ê tem a provediencia divina, sendo enviada para 11 Clastres, Pierre: A Sociedade contra o Estado: Pesquisas de Antropologia Política, São Paulo, 1990, p. 107. 12 Cadogan, León: Diccionario Mbya – Guarani – Castellano, Asunción, 1992, p. 125. 273 a criança pelo um dos deuses e as suas esposas. Essa alma é uma essência que forma e afirma a parte divina em nós, que ajuda na cominicação com Deus. Ela é a comunicação divina. “Verifica-se assim que a origem da nhê’é, ao relacionar criadores e criações, impõe um misticismo próprio – misticismo da palavra-alma. Isto significa que a comunicação milagrosa da origem espiritual revela-se na intimidade; ela vai se tornar o caminho da escatologia da alma.”13 A alma ñe’ê fica retida nos ombros da pessoa. Depois da morte de pessoa a ñe’ê volta ao seu lugar de origem. A alma-sombra ã que, segundo os Guarani, não é a alma verdadeira acompanha ñe’ê e corresponde ao lado fraco da pessoa. Essa alma não presencia no momento do nascimento da criança, contudo, ela aparece quando a criança, já crescida, pode distinguir o certo do errado e ceder às tentações, tendo consiência de suas fraquezas. A ã fica nas costas de homens. Não tendo o seu lugar de origem, ela, depois da morte do seu portador, fica na terra algum tempo até desaparecer. Nesse período, conforme suas características, ela pode perturbar os outros seres vivos, causando doenças e enfraquecimento físico e espiritual. A palavra teko achy expressa a imperfeição que está ligada à humanidade. Ao nascer na terra, cada pessoa assume as coisas que são típicas para a humanidade. Essas coisas imperfeitas influem o nosso comportamento e as nossas reações em várias situações. Alguns são os momentos quando queremos agir da outra maneira, tudo dentro de nós está preparando resolver a situação dessa maneira, mas agimos de modo diferente, perdendo a tranquilidade e paz interior. A alma teko achy é o motivo desse comportamento, ela traz na nossa vida a imperfeição e fraqueza. A sua essência não é má, mas ela tem o pressuposto tornar-se má por causa da sua fraqueza. Os Guarani aspiram a atingir a vida em sabedoria, que impede essa fraqueza e é uma chave para a luta contra teko achy. “Para el guaraní hay una relación directa entre tierra-sin-mal y perfección de la persona; el camino de una lleva a la otra. Y así como la tierra-sin-males real y está en este mundo, la perfección, que en su grado pro excelencia incluye el no-mori – que no es simplemente la inmortalidad – es también real en la tierra.”14 A proveniência das almas O mundo Mbyá é regido pelos pais das almas que controlam as forças do mundo a partir de regiões de firmamento. Há cinco lugares, ou seja, cinco regiões divinas, de onde podem provir as almas ñe’ê. Cada desses lugares correspondea um casal de nhee ru ete e nhee xy ete, o verdadeiro pai de almas e a verdadeira mãe de almas. Cada nome guarani é uma alma proveniente de uma região. “Quando uma criança é concebida, este fato ocorre por ordem ou autorização de um dos nhee ru ete. Este, seja Tupã, Kuaray ou outro, será responsável por ela. Depois do nascimento, todos os nhee ru ete decidirão quem enviará alma-nome à criança.”15 O nhanderenondére é comandada por próprio Nhanderu, o ser supremo. Tupã, deus de águas, chuvas, raios e trovões, é responsável pelas almas de nhandekupére, 13 Godoy, Marília Gomes Ghizzi: O Misticismo Guarani Mbya na Era do Sofrimento e da Imperfeição, São Paulo, 2003, p. 58. 14 Melia, Bartolomeu: El Guarani: Experiencia Religiosa, Asunción, 1991, p. 73. 15 Ladeira, Maria Ines: “O Caminhar sob a Luz” – o Território Mbyá à Beira do Oceano, São Paulo, 1992, p. 119. 274 Karai, deus de fogo e chamas, governa sobre a região nhandekére, Jakaira, deus da bruma originária, reina sobre nhandekerovái e Kuaray, o Sol é responsável por ara mbyte. As regiões estão situadas em diversos lugares do universo e em pontos cardiais diferentes. Conforme os Guarani o mundo é redondo e os nhee ru ete e nhe xy ete vivem sobre a terra e movimentam-se em vários direções. Nhanderenondére fica em nascente no espaço entre o céu e a terra. Nessa região viveram aqueles que consegiram atravessar o oceano e chegar em Nhanderu retã, na terra perfeita onde mora Nhanderu. Nhandekupére fica em poente onde está yvy apy, a origem do mundo. Ara mbyte é o zênite e fica no centro do céu. Na terra está situada yvy apy sobre a qual está o mar. Nele, na direção de nhanderenondére, estão as ilhas para onde vão as almas para serem distribuídas.16 Os nomes distribuídas por pais e mães das almas As almas da cada região depõem de carácter das pesssoas que recebem o nome. Os nomes apontam muito sobre o seu portador e seus dons e talentos, sobre a sua força física e, também, sobre a sua força espiritual. Na região de Nhanderu, em nhanderedondére existem mais almas femininas. Essas almas possuem a qualidade de reunir harmoniosamente a comunidade, têm condições de organizar o grupo, de liderar e ensinar. As portadoras têm a voz forte e cantam bem. No trabalho artesanal elas sabem lidar com o barro conseguindo bons resultados na confecção dos cachimbos, potes e panelas. Os homens, com a única alma masculina dessa região, são bons conselheiros e curadores. ALMAS FEMINIAS Jaxuka Kunhã Karai Nhanju Takua Yva ALMAS MASCULINAS Avarãtã Jaxuka Miri As almas provenientes de nhandekupére, da região de Tupã têm a maior força física. As almas femininas são boas para ensinar e não são boas para plantar nem conseguem trabalhar com barro. Fala-se que o barro manuseado pelas almas de Tupã quebra facilmente. As almas masculinas são fortes nas rezas, conseguem bem construir as casas e destacam-se na lavoura. Os homens de Tupã e de Kuaray podem virar Xondaro, os guardiões da aldeia. ALMAS FEMININAS Tataxi Ara Arai Krexu Rete Krexu Miri Rya Poa 16 Informações ALMAS MASCULINAS Tupã Tupã Miri Vera Vera Miri Ava Ropeju Popygua Vera Popygua Mbiguái recebidas durante a própria pesquisa na aldeia Tenonde Porã. 275 As almas de nhandekére, da região de Karai são somente masculinas. Os portadores dessas almas são bons para dar conselhos e orientar o caminho. Também são bastante forte para dirigir as rezas. ALMAS MASCULINAS Karai Miri Karai Poty Karaiju Karai Rataendy Karai Tataendy Karai Ruvixa Também as almas provenientes de Jakaira, de nhandekerovái são somente masculinas. Os portadores destacam-se nas rezas, pois não são bons para lavoura. ALMAS MASCULINAS Jeguaka Jeguaka Miri Os portadores das almas de Kuaray, da ara mbyte são bons artesãos. Consegem bem trabalhar com madeira, o barro usam só para fazer cachimbos. As almas femininas não possuem muita força física e são boas nas rezas e dedicam-se à cozinha. As almas masculinas sabem indicar o caminho para o seu grupo. Kmen Mbyá jejich mytologie a způsob života Resumé Článek představuje část diplomové práce studentky pátého ročníku portugalské filologie, která se zabývá studiem mytologie jednoho z kmenů skupiny Guaraní – kmene Mbyá. Její práce vychází z výzkumů prováděných v terénu, přímo v brazilské Amazonii ve spolupráci s týmem antropologů z Univerzity v São Paulo. The Mbyá Tribe, Its Mythology and Its Way of Life Summary The article contains part of a thesis written by a fifth-year student of Portuguese philology. Its author deals with the mythology of the Mbyá tribe – one of the tribes belonging to the Guarani group. The thesis is based on research carried out in the field directly in the Amazon area, in cooperation with a group of anthropologists from the University of São Paulo. orientadora da dissertação: Mgr. Kateřina Ritterová Pavla Volenová Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc Republica Checa 276 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 Jan Čep face aux tendances modernistes de la littérature française d’après-guerre Jan Zatloukal Il est toujours intéressant de voir comment un écrivain d’un certain âge observe, juge et jauge la production des générations qui entrent en littérature après lui, de même qu’il n’est pas sans intérêt de se pencher sur les objections et les critiques accumulées par les « jeunes » contre la création de leurs prédécesseurs. Nous proposons d’en donner un aperçu en exposant la réception faite par l’écrivain tchèque Jan Čep aux écrivains français d’après-guerre. Installé dans l’exil parisien dès 1948, Čep fut l’un des rares intellectuels tchèques auxquels il fut donné de suivre directement et de très près l’ébullition (non seulement) littéraire du pays. Nous limitons volontairement notre champ d’investigation aux auteurs de tendance dite «moderniste», c’est-à-dire à ceux qui, par leur création, ou plutôt par des méthodes formelles appliquées dans leurs œuvres, cherchaient à renouveler le genre romanesque. En effet: Que pensait Čep des romans d’un Michel Butor ou d’une Marguerite Duras? Comment reflétait-il, lui, romancier traditionaliste, leurs tentatives visant à nier le modèle du roman traditionnel? S’était-il lancé dans une polémique avec eux, à l’instar d’un François Mauriac ? Grâce à ses émissions de Livre de la semaine1 , il est possible de répondre à de telles questions. On se doute bien que l’attitude de Čep, vis-à-vis de la littérature française d’après-guerre, ne fut pas sans failles. Il est vrai qu’il estimait beaucoup l’œuvre d’Albert Camus, qu’il percevait un certain talent et une quête honnête chez les jeunes chrétiens (Luc Estang, Roger Bésus, Jean Cayrol, Paul-André Lesort, Gilbert Cesbron, Pierre-Henri Simon) ou même chez les agnostiques (Emmanuel Roblès, Romain Gary, Hervé Bazin). Il est tout aussi vrai qu’une grande partie de la production littéraire française de l’époque le décevait. Ce rapport ambivalent se laisse nettement deviner, lorsque Čep se met à comparer l’actualité avec la période de l’entre-deux-guerres. Si, dans ses émissions radiophoniques, il s’efforce toujours de 1 C’était un des programmes culturels que Čep assurait pour Radio Europe libre. Le but en était d’informer les auditeurs derrière le rideau de fer sur l’actualité littéraire du monde occidental libre. Ainsi dans ses comptes rendus, Čep traita non seulement des ouvrages des écrivains français mais aussi anglais, italiens, allemands ou autres. 277 valoriser plutôt que de critiquer, il ne peut s’empêcher, cependant, de faire sentir de quel côté vont ses propres préférences. Il lui arrive de glisser, çà et là, que, par rapport aux auteurs phares de la période précédente, comme Gide, Claudel, Larbaud, son impression générale sur la production contemporaine serait « plutôt défavorable ».2 Il n’est pas surprenant qu’il apparaisse beaucoup plus tranchant dans le discours personnel. La longue citation suivante, tirée d’une lettre envoyée à Vladimír Peška, malgré la clausule dépréciative finale, en dit beaucoup sur son attitude réservée devant la littérature française d’après-guerre : « Je commence à être écoeuré par la production littéraire française actuelle. [. . . ] Les nouveaux écrivains – et même écrivaines – français se délectent trop dans la cruauté cynique et arbitraire. S’agit-il, peut-être un peu de remords inavoués (mais ce mot n’est pas pris à leur vocabulaire) pour ce qu’ils ne veulent pas admettre la souffrance du monde environnant (ou bien c’est la réaction indirecte à cette souffrance). Quoi qu’ils fassent, un jour ce monde fera une irruption terrible dans leurs constructions psychologiques et trop ingénieusement littéraires. [. . . ] Mais je voulais seulement dire que la différence entre les Bernanos et les Gide, les Camus et les Sartre – et même entre les Mauriac et les Duhamel – et ces Perry, Bosquet, Dutourd, Zéraffa, etc. saute aux yeux. [. . . ] Il faudrait un géant – à la [. . . ] Dostoı̈evski – pour soulever par le cœur et l’imagination l’horreur et la misère de notre monde et sauver la dignité naturelle et surnaturelle de l’homme. Parmi les modernes y parvenait Bernanos – et à un autre niveau et avec moins de force Camus s’y applique avec probité. – Mais ce ne sont que des divagations qu’il ne faut pas prendre à la lettre.»3 Ailleurs encore, Čep compare la situation de la littérature française de l’époque à la littérature du XVIIIe siècle. Comme au temps de Voltaire et de Rousseau, la production d’après-guerre pullule sans « dépasser une certaine moyenne » ; comme au temps des Lumières, la littérature narrative est submergée, au détriment du roman, par le genre de l’essai philosophique d’un côté, et par le journalisme facile et superficiel de l’autre. Le roman, lui-même, est d’ailleurs « infecté » par ces deux tendances. Mais nous nous éloignons un peu trop du sujet proposé qui doit être le regard de Čep sur les ouvrages novateurs, notamment ceux conçus par les représentants du Nouveau Roman. Le seul fait que Čep ne passa pas leur production sous silence dans ses comptes rendus, prouve qu’il ne les refusait pas a priori. Dans ses jugements portés sur ce phénomène naissant qu’est le Nouveau Roman, il apparaı̂t donc plus discret que 2 Pour ne pas surcharger le texte de références, nous ne les appliquons qu’aux citations d’une certaine longueur. Toutes les citations non indiquées sont tirées des scriptes des émissions radiophoniques (non publiés) dans lesquels Čep traite des ouvrages en question. Les documents cités se trouvent dans les archives personnelles de l’auteur de l’étude. 3 « Já začínám být „écœuré nynější francouzskou literární produkcí. [. . . ] Noví francouzští autoři – i autorky – si příliš libují v svévolné a cynické krutosti. Možná, že jsou to trochu nepřiznané výčitky svědomí (toto poslední slovo ovšem není vzato z jejich slovníku) za to, že si nechtějí připustit utrpení okolního světa (anebo je to nepřímá reakce na toto utrpení). Ale ať dělají, co dělají, tento svět jednoho dne strašlivě vtrhne do jejich příliš důmyslných literárních a psychologických konstrukcí. [. . . ] Ale chtěl jsem jenom říci, že rozdíl mezi Bernanosy a Gidy, Camusy a Sartry – ba i mezi Mauriaky a Duhamely – a těmihle Perrymi, Bosauety, Duourdy, Zéraffy, atd. bije do očí. [. . . ] Musil by to být obr – à la [. . . ] Dostojevský – aby mohl nazvednout srdcem a obrazností hrůzu a bídu našeho světa a zachránit člověku jeho přirozenou a nadpřirozenou důstojnost. Dovedl to z moderních Bernanos – a v jiné rovině a s menší silou se o to poctivě pokouší Camus. – Ale toto jsou divagace, které neberte doslova. » J. Čep à V. Peška, le 12 décembre 1952. 278 François Mauriac, qui dans ses Mémoires intérieures s’en prend à Robbe-Grillet et à ses postulats théoriques.4 En tout cas, Čep ne dégaine pas ici l’arme de l’ironie, comme le fait parfois Mauriac. Plutôt que de fustiger, Čep observe. Dans la jeune littérature française en général, Čep semble saisir un trait commun. C’est, avant tout, une littérature « marquée par l’expérience de l’incertitude et de l’instabilité », ce qui fait que les jeunes écrivains ressentent, plus que jamais, la nécessité de « tout vérifier à leur tour ». Il est vrai que c’est l’expérience de tout écrivain digne de ce nom, précise Čep ; il n’empêche que le désarroi du monde moderne embrase ce sentiment de manière beaucoup plus intense. La conséquence de ce dénominateur commun de l’incertitude et de l’instabilité se traduit, selon Čep, dans les préoccupations majeures des jeunes auteurs : la question de l’identité individuelle et le problème de la prise de conscience. Ce double enjeu, que nous pourrions désigner comme ontologique et noétique, s’incarne chez les nouveaux romanciers notamment dans la recherche formelle. C’est le compte rendu sur Le dı̂ner en ville de Claude Mauriac qui permet à Čep de rendre l’aspiration générale du Nouveau Roman, dont les différents tenants s’appliquent aux « tentatives d’une objectivité absolue, d’une certaine mathématique ou géométrie dans la représentation de la réalité humaine » : « Tous, ils cherchent une nouvelle expression, une nouvelle technique romanesque, qui saisirait et ferait naı̂tre l’impression de réalité de manière plus insistante et plus véridique qu’il ne le fut possible dans la création romanesque précédente. Il ne s’agit pas, bien sûr, seulement de la forme, d’un mode narratif nouveau ; il est question avant tout d’une nouvelle noétique, d’une certaine philosophie de la connaissance ; de la relation de la conscience humaine avec les hommes et les choses, au monde environnant. La question de chaque moi individuel et de l’existence des choses est posée à nouveau, dans la mesure où ces derniers se reflètent dans la conscience singulière et qu’ils la fondent ou contribuent à la fonder. »5 Cette exigence d’une noétique nouvelle ne peut pas ne pas avoir des répercussions dans le domaine de l’esthétique. Čep saisit bien les deux postulats du Nouveau Roman qui sont le rejet de l’intrigue et le rejet de la psychologie traditionnelle. Cependant, le postulat de l’objectivité absolue, de l’exclusion de tout sentiment et de toute idéologie lui semble illusoire. Čep est persuadé que même la «psychologie» nouvelle de ces auteurs, qui prétend être «objective, matérielle, fondée sur l’analyse détaillée des sensations » n’élimine pas l’arbitraire et encore moins la subjectivité. Elle y est encline, d’après Čep, peut-être encore davantage que les méthodes traditionnelles, car tout « dépend toujours de l’a priori philosophique de l’auteur, de sa vision globale de l’homme et du monde ». 4 P. ex. à la page 308 : « Si M. Robbe-Grillet écrit un jour de grands livres, ce ne sera pas grâce aux lois qu’il a édictées, mais dans la mesure où il les aura oubliées. » Cf. Mémoires intérieures, Flammarion (Livre de poche) 1959, p. 305sq. 5 « Všichni hledají nový výraz, novou románovou techniku, která by zachytila a navodila dojem skutečnosti způsobem naléhavějším a pravdivějším, nežli by to bylo možné v dosavadní románové tvorbě. Nejde ovšem jenom o formu, o nový vyprávěcí způsob ; jde především o novou noetiku, o jistou filosofii poznání ; o vztah lidského vědomí k lidem a věcem, k okolnímu světu. Klade se tu znova otázka existence každého jednotlivého já a existence věcí, pokud se odrážejí v jednotlivém vědomí a pokud je vytvářejí nebo spoluvytvářejí. » J. Čep, Claude Mauriac : Večeře v městě. 279 Les novateurs : Michel Butor, Claude Mauriac, Marguerite Duras Prenons quelques exemples concrets des œuvres-phares de cette modernité romanesque des années 1950. Lorsque la Modification de Michel Butor décroche le prix Renaudot, Čep ne manque pas d’en faire son « livre de la semaine ». Il avoue, au début de son compte rendu, qu’il a été cent fois tenté de délaisser le livre, tellement la lecture du roman lui semblait « abrupte ». Cette contrainte de la lecture difficile – «impraticabilité irritante de la narration» [dráždivá neschůdnost vyprávění] – fonctionne en même temps comme une stimulation forçant le lecteur à reprendre le livre à nouveau. C’est seulement en arrivant aux dernières pages, que Čep ressent le sentiment « que cela aurait été dommage, si nous n’avions pas persévéré jusqu’à la fin ». En ce qui concerne la nouveauté du roman, il soulève tous les traits essentiels de la méthode de Butor, devenus incontournables dans tous les manuels de littérature française moderne: «description incroyablement précise et détaillée liée à la capacité du souvenir d’une même précision et minutie»; l’entrelacement de différents niveaux temporels, passé-présent-futur, si bien que le « lecteur perd souvent la continuité et n’arrive pas à s’orienter immédiatement » ; le « vous » de la deuxième personne du pluriel où il n’est pas certain « que le héros de l’histoire s’adresse à lui-même, qu’il s’agit d’un moyen de dialogue avec sa propre conscience, ou bien qu’il parle au lecteur, n’importe quel lecteur, qui pourrait se trouver à la place de notre voyageur – qui de toute façon doit se mettre à sa place au moins en imagination ». Au moment de l’évaluation finale, Čep se demande si l’auteur est parvenu à réaliser son intention, qui ne fut autre que « rendre l’équivalent total de la réalité, restituer le temps». Malgré la technique spécifique appropriée au roman, l’intention artistique de Butor ne s’accomplit, selon Čep, que partiellement, car en dépit de l’extrême densité de la forme adaptée, « la réalité et le temps s’enfuient comme de l’eau » : « Aucun roman ne peut être aussi long que le temps physique, que la vie physique de l’homme. Même Michel Butor fut d’ailleurs obligé de choisir dans la réalité empirique, de construire un drame intérieur de l’homme. L’effort de l’objectivité absolue, également évidente et accessible à tous, généralement valable, est sans doute une illusion. »6 Butor échoue, selon Čep, dans son effort d’impartialité. Même s’il évite de porter des jugements d’idées et d’évaluer ses personnages, même s’il prétend uniquement à l’observation et à la description, la neutralité et l’objectivité totales ne sont pas acquises. Car déjà « ses descriptions [. . . ] impliquent souvent des jugements, des sympathies ou antipathies idéologiques ». On se souvient par exemple des passages, où le narrateur de Butor tourne en dérision le Vatican et son représentant suprême le pape, ce qui n’enchantait sûrement pas le catholique Čep. Čep se pose le même genre de question concernant l’aboutissement de l’intention auctoriale au sujet d’un autre représentant proche du Nouveau Roman, Claude 6 « Žádný román nemůže být tak dlouhý jako fyzický čas, jako fyzický život člověka. I Michel Butor byl ostatně nucen vybírat z empirické skutečnosti, konstruovat vnitřní lidské drama. Úsilí o naprostou objektivitu, všem stejně zřejmou a přístupnou, obecně platnou, je bezpochyby ilusí. » J. Čep, Michel Butor : Změna, p. 6. 280 Mauriac. Dans son roman, Le dı̂ner en ville, Mauriac raconte une conversation apparemment banale de plusieurs personnages, réunis à l’occasion d’un repas. Or, tout un réseau de pensées cachées se tisse derrière les répliques anodines des commensaux, faisant ressortir les portraits singuliers et plastiques des personnages. L’enjeu du roman semble à Čep plutôt réussi, car l’auteur « est parvenu à construire une action interne cohérente à partir de dialogues et de monologues intérieurs, en apparence fragmentaires, divergeant dans tous les sens ». Également, à propos de la technique, adoptée par Mauriac, Čep se dit convaincu de sa pertinence, car en dépit de sa défiance première, un moment est arrivé, où il « a succombé, il a cessé de faire attention à la ‘fabrication’, à ce ‘comment’ c’est fait ». La technique fut donc « en accord » avec la matière du roman. « Cependant », rappelle Čep, « c’est une technique qu’on ne peut utiliser qu’une seule fois. » Après les deux auteurs masculins ajoutons encore deux exemples où Čep observe l’écriture féminine. En premier lieu, signalons le cas de Moderato Cantabile de Marguerite Duras. A l’époque, cet ouvrage assez insolite fut mis en relation par certains avec les tendances du Nouveau Roman. Les points forts de l’analyse de Čep – le récit dépouillé au maximum, la rigueur formelle – nous semblent être toujours justes et valides. Après avoir fait remarquer le saut qualitatif dans l’évolution de l’œuvre de Duras, consistant en un changement radical de sa poétique (l’auteur a « renoncé à toute son expérience précédente qui tend à la facilité et a opté pour une forme beaucoup moins accessible, et beaucoup plus rigoureuse ») il laisse comprendre à ses auditeurs en quoi consiste cette transformation : « Son dernier roman n’est guère une histoire dans le sens traditionnel du mot ; ce n’est en fait que quelques phrases, quelques situations, qui se répètent sans cesse, sans que rien ne se passe vraiment »7 . Et, il va tenter l’analogie du récit durassien au domaine musical en le rapprochant du Boléro de Ravel : « toujours la même phrase tournoie presque sur place, mais en réalité, elle s’élève toujours plus haut par un mouvement en spirale, jusqu’à ce que son intensité devienne presque insupportable ». Phénomène Sagan Une autre écrivaine qui intriguait Čep, aussi bien que toute la critique française des années 1950, était la toute jeune Françoise Sagan. « Une fille extrêmement talentueuse et extraordinairement cynique », tel est la formule synthétique de Čep.8 Entrée en littérature à moins de 19 ans, elle diffère des noms dont il fut question précédemment. Sagan ne tend pas tant à une quête formelle, elle reste plus proche du roman traditionnel que Butor ou même Duras. Elle se situe en dehors du Nouveau Roman, se contentant de raconter l’histoire sans mettre en avant les procédés techniques. Mais en même temps, elle est, sans doute, le représentant le plus marquant de cette jeune littérature dont les traits essentiels sont d’après Čep « la cruauté cynique et l’arbitraire ». C’est d’ailleurs cet aspect de révolte sur lequel se penche Čep, en y décelant le symptôme de l’atmosphère spirituelle inquiétante de la société française. 7 J. Čep, Marguerite Duras : Moderato Cantabile, p. 8sq. Čep, « Francouzská kronika » (Chronique française), Svědectví (Témoignage), I, n◦ 3–4 1957, p. 248. 8 Jan 281 Avec un intérêt sincère, l’écrivain exilé tchèque suit l’évolution de la jeune romancière. Au fur et à mesure, il lui semble que le cynisme des premiers ouvrages se teinte d’un accent plus humain. Ainsi la parution de Aimez-vous Brahms ?, quatrième roman de Sagan, fournit à Čep l’occasion de se pencher sur les ressorts de la création de l’écrivaine qui sont « l’amertume et la solitude de la vie » et qui lui semblent, répétons-le, s’imprégner progressivement de tons tragiques, c’est-à-dire humains. Voici comment Čep retrace l’évolution possible, et sans doute souhaitée, de cette jeune rebelle : « Françoise Sagan a découvert tôt l’amertume et la solitude de la vie, mais de la manière, dont la découvrent les jeunes gens qui ne croient pas tout à fait en leur découverte, qui s’en acquittent avec un certain sourire. – Il est vrai, seulement cinq ans se sont écoulés depuis son premier roman, cependant ces cinq ans apportèrent dans son regard sur la réalité humaine un changement sensible. Le sujet reste le même, il est puisé dans la même société, et il est plutôt mince. Toutefois, il semble qu’elle a approché de beaucoup plus près la solitude de la vie humaine ; solitude et amour, solitude dans l’amour. Le ton tragique commence à se faire entendre, qui peut être le présage d’une interrogation de l’auteur sur le sens du destin de l’homme ; que le temps cessera d’être pour elle uniquement un élément qui use, mais [deviendra] la terre, de laquelle naı̂t un vrai amour, et de l’amour l’espérance. »9 Conclusion Vis-à-vis des tendances modernistes dans le roman français, Čep se montre ouvert et prudent, bienveillant et modéré à la fois. S’il estime l’honnêteté de la quête des « nouveaux romanciers » et leur audace formelle, il n’en est pas moins inquiet, ne cachant pas ses réserves à propos de leurs postulats théoriques et des conceptions romanesques qui en découlent. Ce sont, certes, des essais légitimes de renouveler le genre romanesque. Čep semble toutefois sceptique quant à leur avenir, les considérant – et sa prédiction s’avéra juste – comme une impasse. Même si les techniques adaptées par Butor dans la Modification ou par Claude Mauriac dans le Dı̂ner en ville semblent bien adéquates à leurs intentions artistiques, ce sont des procédés qui ne servent qu’une seule fois, qui ne sont pas susceptibles d’être renouvelés. Du reste, la mise en avant obstinée de la technique, de la méthode appliquée, est fort loin de la conception de la création littéraire qui fut celle de Čep, sinon tout à fait contraire à celle-ci. L’effort d’éliminer toute psychologie en faveur de l’objectivité absolue et parfaite, lui semble également illusoire. Ceci dit, Čep n’était pas persuadé que la voie proposée par le Nouveau Roman était propice et juste pour le genre romanesque en général, et il se préoccupait de 9 « Françoise Saganová objevila brzo hořkost a samotu života, ale tak, jak ji objevují lidé mladí, kteří zcela nevěří svému objevu, kteří se s ním vypořádávají s jistým úsměvem. – Je pravda, že od jejího prvního románu uplynulo teprve pět let, ale těchto pět let přineslo v jejím pohledu na lidskou skutečnost znatelnou změnu. Námět zůstává podobný, je čerpán ze stejné společnosti a je spíše útlý. Zdá se však, že samota lidského života k ní přistoupila mnohem blíž ; samota a láska, samota v lásce. Začíná se tu ozývat tragický tón, který může být předzvěstí, že si autorka jednou položí otázku po smyslu lidského osudu ; že čas pro ni přestane být jenom živlem, který opotřebovává, nýbrž půdou, z které se rodí skutečná láska, a z lásky naděje. » J. Čep, F. Sagan : Máte ráda Brahmse ?, p. 5. 282 l’avenir du roman, au cas où celui-ci adopterait cette tendance pour de bon.10 Toutefois, il faut avouer que Čep ne tranche pas ; il laisse la question du cheminement future du roman ouverte. Il ne sait que trop bien que ce sera le temps qui apportera une réponse. BIBLIOGRAPHIE Correspondance Jan Čep – Vladimír Peška. Manuscrits et copies dactylographiées, archives de Vladimír Peška, Paris : Institut des Etudes slaves. Čep, Jan. Livre de la semaine. Copies des émisssions pour Radio Free Europe, Archives de Vladimír Peška, Paris : Institut des Etudes slaves. Castagnou, Didier. « Un écrivain tchèque : Jan Cep ». In : Le Flambeau, 47, No 1, janvier–février 1964, pp. 1–3. Dresler, Jaroslav. « Jan Čep ve Svobodné Evropě ». In : Konference o díle Jana Čepa. Actes du colloque réunie par František Valouch et Jiří Fiala, Olomouc: Danal, 1999, pp. 111–113. Galmiche, Xavier. « Qu’attendre des archives de l’émigration ? Le cas de Jan Čep (1902–1974) ». 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In : Osobnost Mojmíra Trávníčka v české literatuře. J. Chrobák éd., Vsetín : Nakladatelství Dalibor Malina, 2007, pp. 89–95. 10 Par exemple dans l’interrogation suivante on ressent bien une teinte de l’inquiétude : « Où mènera cette tendance ? Créera-on par cette méthode vraiment quelque chose de nouveau dans la littérature, découvrira-t-on par elle de nouveaux domaines de la vie humaine – ou au moins, servira-t-elle à ce qu’ils puissent être exprimés avec plus d’insistance ? Va-t-elle enrichir ou appauvrir l’expérience humaine ? », J. Čep, Claude Mauriac : Večeře v městě, p. 9. 283 Jan Čep a modernistické tendence poválečné francouzské literatury Resumé Studie materiálově vychází z Čepových recenzí vzniklých pro kulturní program Kniha týdne, který Čep v exilu připravoval pro Rádio Svobodná Evropa. Soustředí se zejména na Čepovu recepci novátorských tendencí ve francouzské literatuře po druhé světové válce. Z Čepových recenzí konkrétních děl, spadajících do blízkosti francouzského Nového románu (La Modification Michela Butora, Le dı̂ner en ville Clauda Mauriaka, Moderato Cantabile Marguerite Durasové), vyplývá Čepův ambivalentní postoj k těmto novátorským tendencím. Uznává sice legitimnost, ba nutnost hledání nových cest i formální odvahu nových romanopisců, zároveň však považuje jejich teoretické postuláty (absence psychologie, naprostá objektivnost a neutralita) za iluzorní a pro román jako žánr neživotné. Jan Čep and Modernist Trends in Post-War French Literature Summary The paper is based on Čep’s reviews written for the cultural broadcast program Book of the week that Čep prepared in exile for Radio Free Europe. Its main focus is on Čep’s reception of innovative trends in French literature after the Second World War. The reviews of particular works falling close to the French Nouveau roman (La Modification by Michel Butor, Le Dı̂ner en ville by Claude Mauriac or Moderato Cantabile by Marguerite Duras) imply Čep’s ambivalent attitude to these innovative trends. He admits the legitimacy or even the need to search for new methods and the formal courage of the Nouveau roman writers but, at the same time, he rejects their theoretical axioms (such as the absence of psychology, absolute detachment and non-alignment), perceiving them as illusory and too scholastic for the novelgenre. directeur de recherche : prof. PhDr. Jiří Šrámek, CSc. Jan Zatloukal Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc République Tchèque zatj [email protected] 284 TRADUCCIÓN ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS FACULTAS PHILOSOPHICA ROMANICA OLOMUCENSIA XIX – 2007 Le baiser papillon/Polibek motýla – Colette Guedj Jarmila Petříková Vyprávění matky o dceři, o kterou ji připravila nemoc a smrt. Colette Guedj – doktorka filozofie a odbornice na Paula Eluarda – působí jako zástupkyně děkana na Filozofické fakultě – Sophia-Antipolis – v Nice, kde přednáší surrealistickou a současnou poezii. Je členkou odborného týmu při CNRS (Státní středisko vědeckého výzkumu), zajímá se o propojení literatury, obrazu, filmu a fotografie. Zodpovídá za revui Les mots La vie – časopis věnovaný surrealismu – z vydavatelství L’Harmattan. Spolupracovala na přípravě mnoha slovníků i jiných kolektivních studijních materiálů zaměřených na moderní i současnou poezii. Patří jí rovněž poděkování za spis Paul Eluard a cent ans, který vyšel u vydavatelství L’Harmattan v roce 1996. Kniha Le Baiser papillon, v našem překladu Polibek motýla vyšla v nakladatelství Jean-Claude Lattès v roce 1999, byla přeložena do čtyř jazyků, a literární porota složená ze čtenářek časopisu Elle ji označila za knihu měsíce. Pozn. překl.: tento krátký úvod je součástí kapesního vydání knihy. Polibek motýla příběh Letmému záchvěvu řas na mé tváři jsme obě říkaly „polibek motýla . Tento příběh věnuji Rogerovi, jehož láska, odvaha, znalost i nezdolnost nemohly přemoci nemoc, ani smrt; Rogerovi, který by určitě obětoval celý svůj život, se vším svým mládím, veselím i optimistickým viděním světa, aby zachránil Tvůj život, Myriel. . . Pozn. překl.: i tato dedikace patří ke kapesnímu vydání. 287 Všem dětem, které zemřely, i když chtěly žít, ať se jmenují Stéphane, Françoise, Pierre-Arnaud, Gaël, Violaine, Lauriane, či jinak, všem dětem, které již žít nechtěly a také zemřely, a jmenovaly se Emmanuelle, Dominique, Rami, i těm ostatním věnuji příběh Myriel. „Existuje nespočet důvodů, které vybízejí ku psaní a nejdůležitější jsou, jak se mi zdá, i nejtajnější. Zejména důvod uchránit něco před zapomněním. (Kafka) Trvalo mi celé tři roky, Myriel, než jsem se odhodlala napsat knihu, kterou ti dlužím. Zprvu to bylo proto, že první reakcí vůči něčemu nepřijatelnému je buď hlasité naříkání nebo zaryté mlčení, což ale vyjde nastejno, a pak na vhodná slova je zapotřebí čas. Také jsem se obávala a ještě se bojím, abych při povídání o tobě, ale v té souvislosti vlastně i o sobě, sama sebe v té vzájemné symbióze neprosazovala, a nakonec o sobě nemluvila více, než o tobě. Vzápětí nato mi ale vytanula na mysli vrtkavost takovéto úvahy, neboť tato kniha má být jen jiný způsob, jak tě přivést na svět. Tohoto úkolu dosáhnu jen tím, že přiblížím náš příběh, kterým jsme obě nerozlučně spjaty, já – matka a ty – dítě. Ostatně, kolikrát již jsme si tu roli vyměnily? Ty – matka a já – dítě. Nejsložitější pro mne je dokázat zkrotit slova, to je přimět se neříci více, ale ani méně než se patří, zabránit jim, aby mne vlákala do pasti samolibého opojení, ve kterém bys pro mne byla jen pouhým alibi. Naopak ale, bude-li mé vyprávění o tobě příliš povšechné, vystavuji se nebezpečí, že tě vypodobním jen mlhavě. Ze všeho mne však nejvíce sužuje otázka výběru slov. Jaká slova volit, aby dokázala bez jakéhokoli pochybení a po pravdě vystihnout tvou osobitou bezúhonnou krásu i povznášející ušlechtilost tvého bytí? Jsem-li dnes, s duší vyhaslou v tom pravém slova smyslu, přese všecko rozhodnuta psát, není to proto, že mne opustily bolest, pochybnosti čí obava z nesprávné volby slov. Je to proto, že tě musím uchránit před zapomněním a pomíjivostí času. Právě tato nezbytnost – zabránit za každou cenu, aby hrůznost tvé smrti byla jakkoli zjednodušována či jinak vykládána, ba co hůř, abychom si na ni uvykli –, je pro mne dnes důležitější, než důvody, pro které jsem zvažovala svoje mlčení. Promluvit o tobě, o tvé odvaze, statečnosti i odevzdanosti, – a už tady se cítím vůči tobě skoupá a málo výmluvná, což mne děsí, – to je ten jediný způsob, jak tě nenechat podruhé zemřít. Tento tvůj příběh nehodlám vymezit nějakou časovou posloupností, i když samozřejmě mnohé chronologické odkazy naznačí jeho další průběh. Znamenalo by to totiž, že tě nějak omezuji, a tomu se tvoje palčivá a vtělená přítomnost ve mne nemůže než bránit. To, co bych se chtěla pokusit zachytit, to jsou ony nitky tvého života, ze kterých je utkána moje paměť, a které tímto vyzývám, aby mi poskytly smysl i svou utajenou spojitost. Nebo snad, že by ony nitky samy hledaly svůj smysl u mne s tím, že jen já je dokážu pospojovat? Tak či onak nenaleznu klid, útěchu ani sebemenší důvod ke smíru; přinejmenším nabudu jakési jistoty, snad i přesvědčení, že tvoje smrt, ať byla a zůstává jakkoli nepřijatelná, ti byla dána do vínku a že ti byla souzena. Nikdy si nedokážu na to datum přesně vzpomenout. Byl rok tisíc devět set osmdesát pět, dvacátého čtvrtého dubna nebo snad pětadvacátého? Stalo se to ve 288 středu ráno v Nice. Cestou na Právnickou fakultu, kousek od náměstí Île de Beauté, tě srazil autobus, který jel na červenou. Bylo ti devatenáct. Rozhodla ses jít na práva a toto řešení ti umožnilo vydat se svou vlastní cestou, byť jsi zprvu uvízla v protichůdných tužbách matky – literátky a otce – vědátora. Přesto jsi však později po nehodě řekla: „Kdybych studovala medicínu, jak chtěl tatínek, tak bych tamtudy nejela. Autobus tě vlekl několik metrů a ty jsi přitom upustila jablko, které sis sebou vzala z domova. Bundu ti museli v nemocnici rozstřihnout, aby tě mohli vyšetřit, tak mi to alespoň řekli, neboť jsem u toho nebyla. Ještě dlouho potom jsem si tě v duchu představovala, jak ležíš na silnici blízko moře, tváří k obloze, kousek od tebe se kutálí zelené jablko a na zemi se povaluje rozpáraná kabela (krásná kabela z kůže, ruční práce, s novou výšivkou, sloužila ti jako školní brašna a půjčovala sis ji ode mne vždycky, když jsi chtěla budit dojem). Fotografie, které mi pak přinesli, jsem srovnala a v mysli si je později znovu a znovu vybavovala a dotvářela, jako bych si chtěla vynahradit svou tehdejší nepřítomnost. Burcovala jsem v sobě vše, abych si znovu vybavila onu událost a mohla ji přezkoumat ze všech stran. Nevím, zda mi řekli, byla-li obloha toho dne modrá, myslím si však že ano, ale zato vím, protože jsem byla tou myšlenkou posedlá, že člověk může umřít nebo se ocitnout v bezprostředním ohrožení života, i když je obloha modrá. A také vím, že oslnivost krásy nelze násilně spojovat s ošklivostí smrti a, že ta první nedokáže té druhé poručit. Kolikrát jenom jsem se při pohledu na obrázky hezoučkých městeček, jejichž předměstí dala vyrůst koncentračním táborům, podivovala onomu zrůdnému, tak málo vhodnému obcování se světlem. Obloha. V tom okamžiku mi vytane na mysli věta, kterou jsi pronesla, když jsme se jednoho dne obě schovaly pod průsvitný deštník, který jsem chvíli předtím vyslídila v jednom obchodě, a na který jsem byla tak pyšná. „Mami, podívej, jak je pod nim vidět obloha. Ten deštník již nemám a neumím se s jeho ztrátou vůbec smířit, protože těmi prostými slovy si z něj učinila relikvii. Ten den, kdy ses zranila, jsem byla na univerzitě v Jeruzalémě, kam jsem přijela přednášet o poezii. Toho rána jsem hovořila o Robertu Desnosovi, francouzském básníku. Místo úvodu jsem jen vyložila, že se narodil v Paříži a zemřel ve svých 44 letech v koncentračním táboře v Terezíně, v bývalém Československu. Znovu se vidím onoho dne a slyším, jak přesně v devět hodin zazněly sirény a vyzývaly obyvatelstvo, jako každoročně v tuto dobu, aby minutou ticha uctilo oběti holocaustu. Ve Francii bylo už deset. K nehodě došlo před hodinou. Zatímco mi tenkrát zcela bezděčně procházely pamětí miliony lidí, které spojila smrt, tebe ukládali na nemocniční lůžko, na kterém ses měla svým způsobem znovu narodit. Na tu nemocnici U svatého Rocha, jejíž interiérové zahrady jsem si zvláštní náhodou před několika lety vyfotografovala, a která kdysi bývala klášterem, si vzpomínám, protože mne uchvátila její mlčenlivá krása ukrytá do zdí plných utrpení. Právě tam, do toho klidného zákoutí, kde se nakupí všechno lidské trápení, jakmile proběhne vstupní neodkladné vyšetření, které má oddělit zrno od plev, tě odvezli poté, co tě zvedli ze silnice, zraněnou ale živou. Tam také do tebe vpravili smrt. Smrt pomalou, která si dala na čas. Transfúzí ti dali krev někoho jiného, ba několika jiných, krev kontaminovanou, kterou si obstarávali ve věznicích. Zatímco se čekalo na vaky s krevní plazmou, která tě měla údajně zachránit, moje matka pobíhala po celé nemocnici a hlasitě vykřikovala: „Jen ať nespletou krevní skupinu! Ne, v krevní skupině se opravdu nespletli, ale, aby zlikvidovali rezervy, vpravili ti přímo do žil 289 krev špatnou, zkaženou. Do žil, které jsi jim v důvěře nastavila a později, po dobu celého svého nebohého života, ještě nesčíslněkrát nastavovala, nejednou zbytečně, leda tak pro statistiku. „Nemá žádnou žílu , říkávala sestřička, když ti proklepávala ohbí ruky, aby tam nahmatala její křehký obrys. Nato jsem pokaždé pohotově odpověděla: „Nemá žílu, zato má sílu. A všechny tři jsme se tomuto šprýmu vždycky zasmály. Kdo by to byl řekl, že to budeš právě ty, kdo výrazu dělat si zlou krev, výrazu, který jsem tolikrát slýchávala a nejen v dětství, ve kterém se v Alžírsku užívalo slova starost, dáš jednou svým způsobem konkrétní podobu. Prastaré trápení žen a matek o bližní zvrátíš i v trápení o sebe samu. „Nedělej zlou krev, říkávala matka, která, co hodná židovská máma, užívala těchto slov pro nic za nic, z hloubi duše přesvědčena, že nám tak rozmluví kdejakou špatnost. Byly v nich zároveň výhrůžka, obrana, prosba i vydírání. Na mysli mi vytane novější varianta takovéto rozmluvy matky s dcerou, dnes umocněné nebetyčným sebeobviňováním. Jde o historku, kterou jsi mi připomněla a já, kdykoli si na ni vzpomenu, červenám se studem. „Jednoho dne, mami, jsem nespala doma, a když jsem se ráno v pět hodin vracela, spatřila jsem tě, jak v županu postáváš na chodníku. Byla jsem v rozpacích, už kvůli kamarádovi, ty jsi byla vyděšena a jízlivě jsi mi řekla: „Děkuji ti Myriel. A napodobila jsi přitom přízvuk, s jakým jsem vyslovila první slabiku slova děkuji, kterým jsem však dávala najevo spíše úlevu než nesouhlas. Já sama si vzpomínám, ty můj malý opozdilče, že jsem tě viděla vystupovat z auta s rozzářenou tváří, která se ale vzápětí zachmuřila, snad překvapením či studem, z oné skoro groteskní situace. Byla by ses tomu i zasmála, ale při pohledu na mne ti dozajista zatrnulo. Co jen způsobilo, že ses vydala smrti na pospas, kde se vzala ta nesmyslná nezdvořilost, se kterou se děti zpěčují dospělým, a to i tehdy, jde-li o tak závažnou věc jako je smrt? Přesto přese všecko jsem tě v duchu neustále varovala a vyhrožovala ti slovy: „Neumírej nebo tě zabiju. Nehoda. Jaký to podivný eufemismus, hovořím-li o události, která tě doživotně poznamenala, a poté i o život připravila. Máme-li věřit slovníkům, nositelům všeho moudra, které nám sdělují smysl slov, aniž bychom mohli jejich pravdivé tvrzení zpochybnit, pak slovo nehoda připouští trojí výklad: ten první se týká události nahodilé, nepodstatné a nepředvídatelné; druhý zmiňuje událost nepříjemnou, nešťastnou; třetí pak událost s následkem škody, nebezpečí (zranění, smrt ) a dávám tak na vědomí, že závorky je konec. Marně pátrám, ale v tvém případě nenalézám nic, co by odpovídalo slovníkovým definicím, současně však v rozporu s jakoukoli logikou v jazyce odmítám, aby toto slovo vzbuzovalo představu ojedinělosti. Neboť, tvůj takzvaný případ, nemá-li zabránit zemi v rotaci, případ byť bez definice, už skandálem, který představuje, boří ve světě něco podstatného. Tvoje nehoda není ani nahodilá ani nepředvídatelná a já, v tuto chvíli bez jakéhokoli pádného důkazu, nemohu než dávat hlasitě najevo své zoufalství. Je podstatné, že tvoje nehoda otřásla řádem věcí a narušila jeho chod. Není ani nepříjemná ani nešťastná; je tragická. Nepřinesla škody, již možné následky by se mohly vyúčtovat; patří do kategorie absolutních pohrom. Namísto významů, které nám knihy slibují, a které život popírá nebo odmítá potvrdit, bude tedy zapotřebí vyhledat smysl této události, která ti, v propletenci 290 náhod, v džungli nesnází a na cestách ztížených zákrutami, zvrátila ve vteřině nepozornosti celý život. Nebudu mluvit o události, která zavinila tvůj pád, přestože jsi byla v právu a měla pokračovat v jízdě na mopedu stále rovno, říká se tomu náhoda, a já si uvědomuji onu ďábelskou přesnost s jakou ti zkřížila cestu, skoro na vteřinu přesně, s onou obludnou mašinou, co ti zmařila život, ale zmíním se o té druhé, ještě neuvěřitelně krutější, která se ti náhodně postavila do cesty, aby tak zvrátila její běh. A tak se stalo, že jsi nezemřela na místě, při dopravní nehodě ale poté, co tě přivedli k životu jsi žila ještě dalších osm let se smrtí v těle, než jsi jí nakonec podlehla. Jako ten odsouzenec té nevím které barbarské části Spojených států, kterého nejprve vzkřísili a pak popravili. Jisté je, že každý okamžik, který jsi poté žila, ti byl doslova vyrván z lůna smrti, a že to byl odklad nepředvídatelný. Jisté je, že jsem každého rána žehnala nebesům, popravdě jsem však vroucně děkovala tobě, že dostávám darem tvou přítomnost, navzdory a proti všemu. A také jsem si velmi rychle uvědomila, že projev tolika vděčnosti vůči tobě je zbytečný, neboť čím déle jsi ty sama projevovala pevnou vůli k životu, tím více se skutečnost, že žiješ, stávala samozřejmostí. Jaký je však vůbec smysl takovéhoto spolčení s neslušně promiskuitní smrtí, té šalebné hry na schovávanou, až do okamžiku než řekne „Piky, piky na hlavu, já už na nic nehraju. Ledaže jsi to byla ty, kdo to řekl první. Teprve až jsem vystoupila z letadla, jsem se v autě dozvěděla, že ti v důsledku dopravní nehody operovali otevřenou frakturu nohy a vnitřní stěnu dutiny oční. Z obavy, že mi v té dálce způsobí tou zprávou starost a pokládaje nebezpečí z možných následků tvého zranění již za odvrácené (otázka transfúze ještě nevyvstala), otec raději čekal, až se vrátím. Dlouho jsem mu nemohla odpustit, že jsi byla v nemocnici půldruhého týdne beze mne a to v době, kdy jsi mne tolik potřebovala, a také že nechal konat jiné to, co přináleželo mně. I když mne tím chtěl ochránit a vzít mou bolest na sebe. Po pravdě to byl jeho způsob, jak nám dát všem najevo, že nás má rád, proto zamlčoval co nejdéle pravdu, která by nás mohla ranit. Jako tenkrát, kdy vám jako docela malým namluvil, že vašeho kocoura Tygříka, poté, co na smrt zmožený zdolal pohoří s nebezpečným převisem, přijali jako pacienta v jednom rehabilitačním středisku. A když jste později pochopili, že to nebyla pravda, měli jste mu za zlé, že vás připravil o vaše soužení a trápení. Atmosféra v autě byla napjatá, plna tísnivých výčitek z mého odjezdu a otcova vyčkávání. A mne samotnou navíc tížilo zjištění, hrozné a nespravedlivé, že jsem tě zanechala doma kypící zdravím, chodící a našla tě zraněnou, na nemocničním lůžku. Jakmile jsem vstoupila do tvého pokoje, úlevou jsem si oddechla. I když jsi byla ještě slabá, usmívala ses a brebentila si v houfu přátel připravených ti kdykoli posloužit. Řekla jsi mi, že si na nic nepamatuješ, ledaže jsi právě v okamžiku, kdy se autobus vyřítil, uvažovala o způsobu, jak doučovat svého malého bratra, tak jsi totiž říkala Janu-Filipovi, ačkoli tě převyšoval o tři hlavy a byl jen o čtyři roky mladší než ty. Dokonce ani na strach ti nezbyl čas. Zranění se ti začínalo hojit, a tvoje jediná obava, že jsi zameškala hodinu tance, byla pro mne hotovou vzpruhou. Aniž by sis uvědomovala, že tě čeká dlouhá rehabilitace, jsi vzápětí dodala: „Za týden tam budu zpátky. „Unikla smrti jen o vlásek , prohlásila moje matka a dodala: „Když si představím, co se jí mohlo stát. 291 A mně, když jsem si s úzkostí zpětně uvědomila, že jsi málem umřela pod koly autobusu, se během jediné vteřiny ulevilo při pomyšlení, že už jsi mimo nebezpečí. Tenkrát jsem ani nepomyslela na virus, který se do tebe vplížil nezvaně a bez tvého vědomí, a kterému trvalo tři roky než se probudil, a potom ještě pět let než tě zabil. Prozatím jsi patřila ke kategorii lidí, pro které mají dotyční odborníci onen podivuhodný výraz: „kypí zdravím. O několik dnů později jsme tě přivezli domů. Vypadalo to, že se v domě na tvou počest obleklo vše do nového. Byl začátek května, vůně jasmínu se mísila s vůní vistárií, které se obtáčely kolem sloupů venkovního schodiště a poté podél pergoly klesaly dolů pod tíhou květů. Keře popínavé bugenvilie se zbarvily do sytě červené, nafialovělé a růžové. Večer jsme udělali v krbu velký oheň na uvítanou naší malé Myriel, která se nám vrátila zdaleka. Venku, v každém koutě zahrady hořely louče. Náš dům z dvacátých let, s příjemným kouzlem starobylého zevnějšku, růžovou a okrovou fasádou na italský způsob je usazen vysoko ve Villefranšském sedle na úpatí Středního převisu, vydán na pospas větrům. Věru, pravé to útočiště pro přátele, bližší, blízké i nejbližší. Tyčí se do výše o třech poschodích, s holubníkem na samém vršku. Je odtud neodolatelný pohled na Villefranšskou zátoku a za jasného dne lze odtud spatřit i obrysy Korsiky. Dům oplýval předpokoji a zákoutími, ve kterých jste si jako děti s potěšením hrávaly a hledávaly poklad. Poté, co jsi onemocněla, jsme v něm provedli úpravy; zesílili jsme zdi, jako by šlo o něčí sídlo. Mohla jsi tam poté vést skoro normální život, a nemusela si z něj ani vycházet. Péči jsi tam měla jako v nemocnici, docházeli za tebou přátelé, koupávali jste se v bazéně a odpočívat jsi mohla v zahradě. Pořádali jsme v něm i večírky (na tom posledním, uprostřed léta a rok před tvou smrtí, jsi protančila celičkou noc). Byl to dům takřka stvořený pro tvého otce, mohl si v něm totiž splnit svůj dávný sen; vládnout moudře, láskyplně a trpělivě, coby hlava rodu, početné rodince dětí a vnuků. Pravděpodobně by v něm dál, ale v nových obměnách, vyprávěl ty své neuvěřitelné historky, které jste znali nazpaměť, a kterým jste všichni tři, Patrik, Jan-Filip i ty, vždy naslouchali s očima navrch hlavy, sedíce na koberci okolo něj. Hlavně tu o tom tygrovi, kterého prý skolil v džungli, a po kterém mu zůstala jizva nad lopatkou. Vždy vám tu jizvu pomaloučku polehoučku s potěšením odhaloval a počínal si přitom stejně jako Rita Hayworthová v roli Gildy, když si sundávala rukavice. I tu další, o žralokovi, kterého sice lehce přemohl, ale dosud má na něj památku na svém promodralém kotníku. Kolik svých malých bolístek dokázal úžasným způsobem zaměnit za trofeje z boje jenom proto, aby působily věrohodně. A kolikrát by ještě děti odvětily, že to nemůže být pravda a žadonily by, ať vskutku potvrdí, že to tak bylo, a on by je o tom pokaždé s pohlazením ujistil. Pokračoval by také s udílením hvězdiček a bobříků, jako tenkrát, když jste si je nemohli vybojovat na lyžařském výcviku; s přesvědčením, že hlavní je probouzet ve vás sebedůvěru a ochránit vás před životními zklamáními. Stejně jako pelikán, i on by si nechal od mláďat vyklovat vnitřnosti, byla by-li to cena za jejich přežití. Bylo ti sotva deset let, když jsme se do toho domu nastěhovali. Říkalo se mu Zlaté slunce, ale já jsem ho překřtila na Dům odnaproti na újmu všem sousedům, kteří se mi to snažili rozmluvit. Prý změna jména může způsobit neštěstí, tvrdili, nehledě na to, že nové jméno, byť skromné a nepřizpůsobivé, znělo v jejích uších jako politováníhodný prohřešek na vkusu této rezidenční čtvrti. Přesto se nové jméno 292 docela přirozeně ujalo, díky už oné velmi pěkné historce. Bydleli jsme naproti přes ulici, a protože nám neprodloužili nájem, pustil se otec do hledání nového bydlení, bral hopem celou čtvrt a nejen ji. Jednou, když se opět vrátil s nepořízenou, i když hledal v okruhu asi jednoho sta kilometrů, jsem ho přivítala slovy: „Je to ale nápad hledat dům tak daleko, když jej máš naproti! Dozvěděla jsem se totiž, že dům naproti nás je v tu dobu na prodej. Nikdo v naší čtvrti si tenkrát nemyslel, že to může být dobrá koupě. Domek vypadal vskutku sešle, ale to se nám na něm, kromě jiného, právě zamlouvalo. Toho dne, když jsme se do něho stěhovali, jsem si tropila žerty z jeho poněkud obstarožných zdí. V té době se v Nice nakrátko zastavila také Róza, matka jedné mé přítelkyně z dětství. Vzpomínám si, že na to reagovala ryzími a šlechetnými slovy, se zápalem a způsobem jí vlastním, oboje jsem ostatně u ní vždy obdivovala. Pravila: „Stačí, když sem vpustíte děti. Poslechla jsem ji bez odmluvy. Děti zaplnily dům, vnesly do něj radost, smích i pláč; a pak se vydaly do světa. Jedno z nich se však nevrátilo. Na větru záleží, ocitnou-li se listy na zemi i s hnízdy. René Char V podstatě jsi se narodila tak trochu dvakrát, Myriel, ty moje podvojné stvoření. Jednou, když jsem tě počala a podruhé, když jsem změnila názor a rozhodla si tě ponechat. Bylo to, pamatuji-li si a pamatuji si to dobře, na jaře roku 1966. Právě jsme se nastěhovali do Nice, poté co jsem strávili čtyři roky v Paříži, kde jsme měli akorát tak čas na to, abychom si uspořádali naše vklady do světa „reálna . Otec dopisoval doktorskou práci, já jsem prošla několika konkursy a k tomu jsme měli ještě ani ne roční krásné miminko, Patrika. Narodil se pod šťastnou hvězdou jedné noci za úplňku. Vše nám přálo i ten opovážlivý paprsek světla, který uprostřed zimy využil dobrotivosti nebes a ta, jak se zdálo, nám byla nakloněna. Ještě než jsi dala o sobě vůbec vědět, už jsme si tě představovali. Určitě budeš holčička, chlapečka už jsme konečně měli. Budeš se jmenovat Myriel, oči budeš mít ve tvaru mandlí, tvoje vlasy budou barvy medu. Nezbývalo než tě vtělit do našich tužeb, které jsme si o tobě již spřádali. A tak jednoho večera v Bruggách, kudy jsme jen projížděli, jsi se ocitla v mém lůně. Proti veškerému očekávání byla moje první reakce plna panického, zcela pošetilého strachu. Měla jsem dojem, že přijdeš na svět možná moc brzo, nebo snad, že nejsem tak úplně připravena tě přijmout, jakoby k tomu, abych byla, stačila jen trocha tvé trpělivosti. Ve zlomku vteřiny jsem tehdy zauvažovala, že se spolu rozloučíme, ale sotva mne takováto myšlenka prolétla hlavou, hned jsem ji zavrhla. Moje obava se vzápětí proměnila v prudkou radost, znásobenou o neznatelný pocit vzdoru. Jak říkávala moje babička, která si libovala v příslovích, je lépe kupředu čelem jít, než nohy na ramena vzít. A protože jsme tě chtěli, i když doba nebyla vskutku příhodná, tak jsme si tě také ponechali. Ani ne za hodinu poté, jsme se obě, ty v mém lůně, ocitly na festivalu v Cannes, který tenkrát vrcholil (možná právě od této chvíle se datuje tvoje vášnivé zaujetí pro toto místo, kam jsme se později tolikrát vracely). Sál, prostoupen parfémy a šustivými látkami, ve mně vzbuzoval představu strojeného, oslnivého hemžení 293 a já, já jsem se tenkrát kochala radostí, že v sobě nosím plod, ten opravdový, a to jsi byla ty. Přestože existoval onen okamžik zaváhání, kdy jsem si připustila myšlenku, že tě ztratím. Dvakrát, jak při narození, tak při umírání, sis počínala ukvapeně. Nebyla jsi trpělivá, a tak ses nenarodila normálně jako jiní, tak říkajíc na porodním sále; doslova jsi ze mne vyklouzla dobré dva týdny před termínem. Jaksi jsi mi unikla v okamžiku, kdy jsem nastupovala do výtahu, abych se dostala do svého pokoje. Doktor jen podotkl, že to šlo jako po másle. Ale ty jsi neměla ani tu trpělivost, abys setrvala, jak se sluší a patří, v očekávání své poslední hodinky. Ani ne po dvaceti sedmi letech jsi mi unikla cestou opačnou. Při všem sis počínala příliš rychle: při narození i v umírání, Myriel, ty moje nedočkavá! Zvláštní je, že také nadvakrát, jak při příchodu na tento svět tak i odchodu z něj, jsi udělala něco, co by se dalo nazvat falešným odchodem, ty, která jsi měla tak moc ráda divadlo. Týden před porodem jsem přišla o plodovou blánu, ale ty jsi přece jenom ještě chvíli počkala. I ten poslední týden svého života sis o pár chvil prodloužila, stejně jako tomu bylo před těmi sedmadvaceti roky. Vypadalo to, že už umíráš. Lékař tehdy doslova řekl: „Myslím si, že nadešla její poslední hodinka. Ty ses ale v pondělí probudila, povstala jsi z dvoudenního spánku, do kterého ses předtím ponořila a zdálo se, že v něm i zemřeš. Bohužel jsi tak byla vystavena dalšímu utrpení, jakoby jsi měla prožít svou smrt až do posledního jasného okamžiku. Pustila ses znovu do jídla, tatínek ti vkládal do úst zrníčka hroznů zbavená slupek, pěkně jedno po druhém a ty sis je pak nechávala rozplynout na jazyku. Spřádali jsme také plány jak oslavit tvé narozeniny. Doopravdy jsi ale odešla až týden poté. Ještě jednou jsi nám tak dala naději, jak již častokrát předtím, že jednou ožiješ. Vzpamatovala ses tenkrát z tolikeré únavy, bledá a průsvitná, a vrátila ses opět do života. Prakticky den po dni jsi se ubírala tou samou cestou, jako před svým narozením, pomalu pomaloučku až k mystériu proměny. Polibek motýla Resumé Autobiografické vyprávění Colette Guedjové sleduje osm let života s dcerou, která se při transfúzi krve po dopravní nehodě nedbalostí lékařské péče nakazila AIDS. Ve svých osobních, důvěrných vzpomínkách si autorka promítá dívčin život v této těžké době. Hovoří s ní, jako by stále žila. Společně si připomínají silné okamžiky z jejího dětství i dospívání. Připravují návštěvy přátel, řeší studium i každodenní běžné starosti a situace. Čtenář se tak stává svědkem lidského utrpení vykresleného s odevzdaností, bez sentimentality nebo revolty proti osudu. Překlad: Jarmila Petříková 294 Kiss of Butterfly Summary Colette Guedj’s autobiographical narration resumes eight years of her life with her daughter, who was infected with AIDS, due to medical neglect, during a transfusion after a traffic accident. In her memory, the author recollects the girl’s life in this hard period, speaking to her as if she would be still alive. Together, they recall the strong moments of her childhood and adolescence, they are planning to see their friends, discussing her studies and day-to-day situations. In this way, the reader becomes the witness of the human suffering, which is however depicted without emotions, sentimentality or revolt against the fate. Translation: Jarmila Petříková Jarmila Petříková Katedra romanistiky Filozofická fakulta UP Křížkovského 10 771 80 Olomouc République Tchèque [email protected] 295 RESEÑAS Jordi Canal: El carlismo. Dos siglos de contrarrevolución en España, Alianza Editorial, Madrid, 2000, 2004, 479 págs. El carlismo fue —y hoy en día ya es bastante difícil encontrar a los que se opongan a tal afirmación— uno de los principales protagonistas de la historia contemporánea de España. Comprender bien el carlismo ayuda a interpretar correctamente el siglo XIX y, en parte, también el siglo XX en la Península Ibérica. Y para comprender bien el carlismo —fuera de las eternas, y en su mayor parte improductivas, luchas y campañas propagandísticas de los ultraconservadores y ultraliberales— el libro de Jordi Canal sirve de manera ejemplar. Jordi Canal, profesor en l’École des Hautes Études en Sciences Sociales (EHESS) de París, lleva publicando acerca del tema ya casi veinte años, tanto en castellano (Aróstegui, J. – Canal, J. – González Calleja, E.: El carlismo y las guerras carlistas: hechos, hombres e ideas. Madrid, 2003), como en catalán (Canal, J., ed.: El carlisme. Sis estudis fonamentals. Barcelona, 1993; Canal, J.: El carlisme català dins l’Espanya de la Restauració. Un assaig de modernització política (1888–1900). Vic, 1998). Y, por supuesto, hay que añadir igualmente sus numerosos artículos sobre el carlismo publicados en revistas españolas, francesas, italianas y mexicanas. Todo esto lo convierte en una indiscutible autoridad en el campo de las investigaciones sobre la trayectoria histórica del ultraconservadurismo hispánico. Y todo esto puede apreciarse en las casi quinientas páginas de su gran análisis de «dos siglos de contrarrevolución en España». La importancia del libro de Canal reside ante todo en el hecho de que se trata de la primera gran síntesis de la historia del carlismo escrita desde fuera del ambiente carlista. Extensas y vastas historias de la lucha por el Altar y el Trono casi siempre provenían de los autores relacionados directamente con la Causa, tanto en su vertiente ultratradicionalista (p. ej. Gabriel Alférez, Melchor Ferrer, Román Oyarzun), como en su variante progresista (p. ej. Josep Carles Clemente). El compromiso personal de estos autores con el carlismo inevitablemente limitaba su capacidad de objetividad e imparcialidad. Y el segundo —y no menos digno de subrayar— mérito de Canal es que no se despide del carlismo depués de la derrota histórica de Carlos VII en 1876, ni siquiera abandona a los protagonistas después del triunfo de Franco —y del carlismo— en la Guerra Civil en 1939, sino que sigue observando el desarrollo y las vicisitudes de la ideología y el movimiento carlistas hasta los años noventa del siglo XX. Canal pretende escribir una historia completa del fenómeno llamado carlismo. Hay brillantes análisis de la ideología y la práctica política de los dirigentes carlistas (p. ej. una interesantísima polémica sobre la cuestión si el carlismo era un fenómeno peculiar e irrepetible de la historia española o si tenía «parientes» también entre los movimientos ultratradicionalistas y legitimistas europeos). Están presentes detalladas y a veces apasionantes descripciones de los grandes conflictos bélicos en los que participaron los carlistas, incluido el importante, aunque con frecuencia subestimado, papel que desempeñaron los requetés en la gran Cruzada de Francisco Franco contra la República. No faltan atractivas semblanzas de las grandes figuras del panteón carlista: el invencible general Zumalacárregui, llamado «el Tío Tomás», Ramón Cabrera, aquel indomable «Tigre del Maestrazgo», el temible «Cura Santa 299 Cruz», Manuel Fal Conde, el gran timonel de los carlistas en los tiempos borrascosos de la Segunda república y de la Guerra Civil, «La Princesa Roja», es decir, María Teresa de Borbón Parma, toda una personificación de la muy peculiar metamorfosis socialista del carlismo en los sesenta y setenta del siglo XX, y un largo etcétera de famosos personajes de la historia moderna de España que tuvieron algo que ver con el carlismo. Canal hábilmente alterna la tradicional prosa historiográfica con pasajes basados en las memorias de los mismos protagonistas y en los artículos de la prensa contemporánea, consiguiendo un ritmo de narración muy intenso y vivo. El carlismo para Canal no son solamente las grandes batallas, manifiestos reales e intrigas políticas. El carlismo es también la vida cotidiana de los carlistas, así que podremos visitar por ejemplo los círculos, «la voz y el corazón del carlismo» (en palabras del marqués de Cerralbo), aquella original y fascinante plataforma de la vida social de los partidarios del movimiento. Y podremos seguir de cerca la grave crisis que vivió el carlismo depués de la derrota en 1876 cuando el pretendiente Carlos VII, desesperado y desequilibrado, por unos cuantos años se convertiría en un donjuán de renombre europeo, en el «rey de las húngaras». El carlismo. Dos siglos de contrarrevolución en España, es una muy lograda crónica de una dinastía europea que nunca llegó a ocupar el trono, crónica de una lucha de una buena parte del pueblo español contra el —a veces bastante insensible y despiadado, hay que reconocer— liberalismo y capitalismo modernos, crónica de miles y miles de hombres españoles que decidieron perseguir la Fortuna bajo el estandarte de los pretendientes carlistas, tratando de resucitar, todos juntos, el paraíso perdido de la gloria histórica de España. Si alguien busca una respuesta detallada, profesional y al mismo tiempo amena e interesante a las preguntas: ¿qué era el carlismo?, ¿quiénes eran los carlistas?, el libro de Jordi Canal será para él, sin duda alguna, la mejor solución. Jiří Chalupa José Álvarez Junco: Mater Dolorosa. La idea de España en el siglo XIX, Taurus, Madrid, 2001, 684 págs. José Álvarez Junco (1942), catedrático de Historia en la Complutense, tras un análisis de las ideas ácratas en el suelo español La ideología política del anarquismo español (1976) y tras la biografía política de Alejandro Lerroux titulada El emperador del Paralelo (1990), volvió, en 2001, su atención a un tema nuevo y original: el nacimiento y desarrollo del nacionalismo español moderno. Por cierto, una vuelta de atención muy lograda y fructífera; no por casualidad el libro Mater Dolorosa fue galardonado con el Premio Nacional de Ensayo en 2002. En el Prólogo el autor comenta: «Pocos problemas históricos o políticos han suscitado, en las últimas décadas, tantos y tan apasionados debates como el nacionalismo.» La verdad es que en nuestros tiempos la fuerza del nacionalismo —capaz de provocar guerras y genocidios— no deja de sorprender. Como escribe Junco: «Al ser humano le resulta 300 difícil resistir la tentación de anclar su pobre y finita vida en una identidad que la trascienda.» Y está convencido de que «Las naciones no se sostienen desde el punto de vista intelectual, pero son atractivas desde el existencial, como son las creencias mágicas o las religiones, mundo al que, en definitiva, pertenece el fenómeno nacional.» Pocos pueblos del mundo occidental contemporáneo podrían competir con los españoles en cuanto a las experiencias directas con el nacionalismo agresivo y violento que es capaz de envenenar la convivencia de una comunidad. Por lo tanto es lógico que en España se escriban y se publiquen muchísimos trabajos acerca del nacionalismo. Un poco menos lógico es el hecho indiscutible de que a lo largo de los últimos cuarenta años el interés de los historiadores, politólogos y sociólogos españoles se haya centrado preferentemente en la cuestión de los llamados nacionalismos periféricos (sobre todo el vasco y el catalán). Muy pocos autores, en cambio, han dedicado sus esfuerzos al estudio del nacionalismo español, o españolista, «como si fuera un fenómeno carente de interés.» José Álvarez Junco, con su libro, se propone llenar este vacío y analizar el difícil y complicado proceso de construcción de la identidad española, en sus palabras «la de mayor éxito de las surgidas en la Península Ibérica.» El rastreo de los orígenes de la nación española empieza ya en el siglo VII, cuando los visigodos tratan de añadir al significado puramente geográfico del término Hispania también algo del contenido étnico. Éste se desarrollará considerablemente gracias al fenómeno del Camino de Santiago, cuando grandes masas de peregrinos europeos se dirigen a Galicia y en Francia comienza a utilizarse con frecuencia el adjetivo español para denominar a los hermanos cristianos del sur de los Pirineos. Las guerras de expansión medievales promueven todavía más la imagen de lo «español», así que en la época de los Reyes Católicos ya con frecuencia se identifica la monarquía y el pueblo español —aunque lo cierto es que esta identificación nunca será completa, ya que millones de habitantes del reino se sienten más catalanes, vascos, aragoneses, valencianos, etc., que españoles. En aquel mundo premoderno, sin embargo, aún no se puede hablar de nacionalismos, sino solamente de identidades colectivas de mayor o menor homogeneidad. Es lo que Junco llama «patriotismo étnico» y lo que, según su opinión, servirá como base para el nacionalismo político moderno. Éste nace durante la Guerra de la Independencia contra Napoleón. Para Junco el Dos de Mayo de 1808 es la fecha fundacional de la nación española, fecha que equivale al 4 de julio norteamericano o al 14 de julio francés. Es evidente que durante la guerra contra los invasores franceses los defensores de la independencia española ya se identifican más bien con la Patria que con el Rey (que está ausente). Los enemigos de España reciben el mote despectivo de «afrancesados», los diputados de Cádiz hacen sus juegos malabares constitucionales recurriendo más bien a términos como «pueblo», «nación», «patria» que a los tradicionales «monarquía» o «reino». Sin embargo, pronto iba a descubrirse que a esta elegante palabrería no le correspondía una realidad palpable en una España que todavía se parecía más bien a un mosaico étnico totalmente heterogéneo que a un Estado centralizado. Por lo tanto el nacionalismo españolista decimonónico tendría una gran tarea que cumplir: «inventar la tradición», en palabras de Eric Hobsbawm. Es decir, había que reunir toda clase de símbolos identificadores, desde la lengua común, bandera e himno, hasta la remodelación de la Historia del «pueblo español». Una historia 301 repleta de leyendas y mitos, ante todo acerca de las llamadas «pérdidas de España», ocasionadas, por supuesto, por las «traiciones», tanto por parte de los malvados extranjeros, como por parte de los «malos españoles», aún más malvados. Éste era el caso, por ejemplo, de la invasión musulmana a principios del siglo VIII, facilitada por la «traición» de los judíos y de algunos hispanos descontentos con la gestión gubernamental visigoda. En la creación de un gran mito histórico-nacional los historiógrafos colaboraron con numerosos arqueólogos, literatos, pintores, músicos y otros artistas de todo tipo. Debido a su actividad febril, la nación adquiría un aura sagrada y asumía «la función de religión secular» (Carlton Hayes). Éste será el nacionalismo estatal, propulsado y promovido sobre todo por los liberales. En la segunda mitad del siglo XIX, no obstante, aparece asimismo un nacionalismo diferente, una versión conservadora y católica del mito españolista. Esta variante se apoyará sobre la imagen de España como una heroica defensora de la pureza de la fe cristiana, en la imagen de España como la «luz de Trento». Jaime Balmes, uno de los grandes pioneros del nacionalcatolicismo, afirmará que el fundamento de la nación española siempre ha sido, es y será el catolicismo, es decir, el Altar más que el Trono. Y Marcelino Menéndez Pelayo añadirá que España posee una personalidad cultural distinta a la del resto de Europa. Paralelamente va surgiendo la peligrosísima idea de la anti-España, obra de Anticristo, patria de los descreídos y traidores. Los dos nacionalismos distintos librarán varias batallas contra el internacionalismo de los socialistas y el antinacionalismo de los anarquistas. El resultado final será un españolismo más bien débil e incompleto, españolismo que cobrará fuerzas a lo largo del siglo XX gracias a un enfrentamiento casi continuo con los nacionalismos periféricos, los cuales a veces parecen tratar de acabar definitivamente con todo lo español. Mas esto último ya es otra historia, tema para un nuevo libro, tal vez del mismo autor. España, aquella Mater Dolorosa que hasta cierto punto sigue siéndola también en los umbrales del siglo XXI, evidentemente necesita —y necesitará— más análisis serios, profundos e inteligentes como es el de José Álvarez Junco. Jiří Chalupa Helena Zbudilová y Luis Jaraquemada Bueno: Introducción al mundo hispano: América Hispánica. Jihočeská univerzita, České Budějovice, 2006, 182 pp. Los profesores del Departamento de Filología Románica de la Facultad de Pedagogía de la Universidad de České Budějovice, Helena Zbudilová y Luis Jaraquemada Bueno, acaban de publicar un nuevo texto de la colección titulada Introducción al mundo hispano. Tras el primer volumen dedicado a España (publicado en 2004), aparece ahora un libro literalmente repleto de informaciones sobre los países americanos de habla española. Además, se trata de información bien estructurada (Geografía, Historia, Arte, Literatura, Sociedad y Cultura, es decir, los capítulos 302 principales los cuales, a su vez, están divididos en un sinnúmero de capítulos de segundo y tercer orden), convenientemente actualizada y apoyada por los apartados bibliográficos correspondientes que ofrecen al lector curioso más publicaciones respecto al tema expuesto. Un gran mérito, sin duda alguna, es la decisión de los autores de incluir en el capítulo dedicado a la literatura latinoamericana también un resumen de las obras traducidas al checo. La cantidad de datos —nombres, fechas, títulos de obras literarias— que contiene el texto de Zbudilová y Jaraquemada es admirable, mas, al mismo tiempo, hay que advertir a los posibles lectores de que no siempre la información presentada es del todo correcta. Pongamos como ejemplo las recomendaciones bibliográficas. En la pág. 55, los autores recomiendan la lectura del libro Binková, S. – Opatrný, J.: 77 zajímavostí Kuby. Albatros, Praha, 1988. Este, no obstante, es un libro ficticio, producto de una síntesis creadora espontánea. En realidad, existen dos libros distintos: Opatrný, J.: 88 zajímavostí z Kuby. Praha, 1983 y Binková, S. – Opatrný, J.: 77 zajímavostí z Mexika. Praha, 1988. El autor de esta reseña, en la misma página de la bibliografía mencionada, ha encontrado, con sorpresa, un libro que no es suyo, por más que los autores de la Introducción se lo atribuyan: el autor de Minulost a přítomnost Ekvádoru a Kuby no se llama Jiří Chalupa, sino Petr Chalupa. Las incorrecciones o incluso los errores abiertos aparecen de vez en cuando casi en todos los apartados. No es probable que «América ya hubiera sido pisada. . . por los vikingos en el siglo IX» (pág. 27); hoy en día prácticamente todos los historiadores están de acuerdo en que Leif Eriksson por primera vez arribó a las costas del Nuevo Mundo a caballo entre los siglos X y XI. El legendario cacique de los araucanos no se llamaba «Laurato» (pág. 37), sino Lautaro. Resulta un tanto extraño interpretar la muerte del Sapa Inca Huayna Capac como un asesinato por parte de los conquistadores españoles: «emperador degollado por los hombres de Pizarro, Huayna Capac» (pág. 69), cuando sabemos que el penúltimo gobernador de Tawantinsuyo falleció a consecuencia de la viruela; transmitida, eso sí, por los españoles con los cuales, sin embargo, el emperador incaico nunca se encontró personalmente. La afirmación de la pág. 153 «Prácticamente todos los chilenos son de raza blanca» se contradice claramente con lo que opina la mayoría de los antropólogos y sociólogos chilenos quienes están convencidos de que el tipo racial predominante en Chile es el mestizo. Por lo que ha podido averiguar el autor de este texto, Gastón Gaudio nunca ha sido «número 1 de la ATP» (pág. 169), puesto que el mejor ranking que ha conseguido a lo largo de su carrera fue el quinto puesto en abril de 2005. El apartado titulado «Breve historia de los países hispanohablantes» (págs. 34–54), por su extremo laconismo merecería más bien un título tipo «Tabla cronológica» o «Fechas clave» de la historia latinoamericana. En todo caso, no deberían faltar acontecimientos auténticamente históricos como por ejemplo la total quiebra económica y estatal que experimentó la República Argentina entre los años 2001 y 2002. Difícilmente puede considerarse completo el repaso de la historia colombiana —por más sucinto que sea— sin haber mencionado el Bogotazo y el asesinato de Jorge Eliécer Gaitán en 1948. Aparte de errores e incorrecciones, hay pasajes que nos parecen al menos discutibles (pág. 27): «Estos pueblos [las civilizaciones precolombinas] no eran tan avanzados como se dice en las crónicas de la época. En el campo de las ciencias, sus conocimientos sí eran impresionantes, sobre todo en matemáticas, arquitectura 303 y astronomía. Sin embargo eran sociedades con una estructura social muy arcaica y fuertemente estratificada, con una férrea unión de la religión con el poder administrativo.» Dejando a un lado el detalle de que la arquitectura no pertenece al campo de las ciencias, sería interesante conocer los argumentos de los autores que pudieran apoyar semejante afirmación. La sociedad española de la época de la Conquista, una sociedad feudal basada en las clases estamentales, obsesionada con la limpieza de sangre y controlada por la Inquisición, ¿ésta sería, entonces, una sociedad menos arcaica, menos estratificada, con una unión menos férrea de la religión con el poder administrativo? Nos parece una visión bastante injusta de las civilizaciones precolombinas, las cuales a veces son tratadas más bien a base de tópicos «europocentristas» alejándose bastante los autores de un análisis objetivo e imparcial dentro de lo posible. En la pág. 34 podemos leer: «Todos estos pueblos habían adquirido un gran nivel técnico-cultural, no así en cuanto a política, sociedad e igualdad. Las clases dominantes en casi todos los pueblos dirigían a sus súbditos de una manera despótica.» Pues bien, ¿de verdad los autores de tales juicios están convencidos de que la monarquía de Carlos I/V y de Felipe II era una institución «no despótica»? ¿No sería conveniente mencionar, por ejemplo, el interesante hecho de que entre los aztecas funcionaba una enseñanza básica obligatoria, cuatrocientos años antes de que algo parecido se les ocurriera a los primeros monarcas ilustrados del Viejo Mundo? ¿O el hecho de que en el imperio incaico el Estado se ocupaba de alimentar y cuidar a los ancianos que ya no podían trabajar, quinientos años antes de que el canciller alemán Bismarck estrenara, por primera vez en la historia europea, su sistema organizado de jubilación apoyado por el Estado? Un libro de valor es aquél que provoca debates y polémicas y éste —como acabamos de demostrar— es el caso de Introducción al mundo hispano: América Hispánica. Un continente tan grande, importante y fascinante se merece nuestra atención, más aún en la situación en que los checos, mirando a través del Atlántico, fijan sus miradas casi exclusivamente en las regiones septentrionales del Nuevo Mundo. Pese a ciertos imperfectos y lapsos, el libro de H. Zbudilová y L. Jaraquemada Bueno es una buena guía para los que quieran conocer algo más sobre los países americanos de lengua española. Jiří Chalupa Edmond Biloa : Le français en contact avec l’anglais au Cameroun. Munich, Lincom, 2006, 194 pp. Le Cameroun est un paradis linguistique. À côté de près de 300 langues africaines, se côtoient deux langues européennes (l’anglais et le français), sans oublier les langues composites (le camfranglais et le pidgin english). Ce pays constitue un univers paradisiaque pour le linguiste soucieux d’explorer et d’analyser les phénomènes afférant à la cohabitation entre ces langues. C’est la tâche que s’est assigné Edmond Biloa, professeur titulaire de linguistique et directeur du Département de langues 304 africaines et de linguistique à l’Université de Yaoundé I au Cameroun, dans son ouvrage Le français en contact avec l’anglais au Cameroun. L’ouvrage qui comprend sept chapitres s’ouvre sur une discussion théorique qui traite du contact des langues. Ici, le problème du contact des langues selon Weinreich est abordé. E. Biloa propose une définition du contact des langues et établit une comparaison entre le contact des langues et le conflit linguistique. Plus précisément, il se demande si le contact des langues aboutit, inévitablement, au conflit linguistique. Une typologie des conflits linguistiques distingue deux types de conflits : le conflit linguistique naturel et le conflit linguistique artificiel. Quelques cas de conflits linguistiques sont examinés (la Belgique, le Canada, la Suisse, Singapour). Le chapitre qui suit présente le bilinguisme anglais-français au Cameroun. Il y est question de l’implantation et de l’évolution de l’anglais et du français dans le pays. Le linguiste camerounais décrit comment le bilinguisme se manifeste dans le système éducatif et dans les autres domaines de la vie sociale (la politique, l’administration, etc.). Le troisième chapitre porte sur la structure de la langue anglaise telle qu’elle est parlée et écrite au Cameroun. L’anglais dans le pays connaı̂t plusieurs variétés : l’anglais standard, l’anglais camerounais influencé par les langues africaines et le français, le pidgin english. Le lexique de l’anglais camerounais est enrichi par l’extension sémantique et paradigmatique et par le glissement sémantique. Sa morphologie est dynamique et les processus suivants sont attestés : affixation, transcatégorisation, déviation régressive, composition, haplologie, réduplication. Un exposé sur la langue française au Cameroun constitue également un des points importants du livre. Il y est mentionné que le français camerounais est hétérogène avec quatre accents régionaux : l’accent bamiléké de l’Ouest, l’accent «nordiste» des provinces septentrionales, l’accent basaa des provinces du Centre et du Littoral, les accents beti et boulou des provinces du Centre et du Sud. L’organisation du lexique du français camerounais est marquée par des lexies ayant subi des modifications de sens (restriction, extension, glissement, métonymie, synecdoque, métaphore, euphémisme, dénotation), des modifications de catégorie grammaticale, des modifications de construction, des modifications de forme. La créativité caractérise la morphologie du français camerounais et les processus morphologiques suivants constituent son apanage : dérivation, composition, abréviation, siglaison. Du point de vue morphosyntaxique, des interférences de langues africaines dans le français sont observées. Une étude sociolinguistique et didactique des contacts entre l’anglais et le français au Cameroun est réalisée dans le cinquième chapitre. L’auteur aborde les contextes dans lesquels les deux langues officielles sont en contact : les services publics, les programmes de formation bilingue dans les universités d’État, les médias, les communautés religieuses, le monde du travail. La cohabitation entre la langue anglaise et la langue française a entraı̂né la francisation de l’anglais camerounais et surtout de son lexique. On peut observer des gallicismes lexicaux, des acronymes, des prénoms féminins aux suffixes français, des termes français en usage dans l’administration et les finances, des formes françaises d’appellation et de salutation. Le français s’anglicise au contact de l’anglais. Cette anglicisation, dont il est question dans le septième chapitre, se manifeste par des anglicismes orthogra- 305 phiques, typographiques, morphologiques, lexicaux, sémantiques et par des calques. L’ouvrage d’Edmond Biloa s’adresse aux étudiants et aux chercheurs en sociolinguistique et en aménagement linguistique en contextes plurilingues. Mais il s’agit surtout d’un appel lancé aux hommes politiques camerounais pour une prise en compte plus importante du bilinguisme et aussi aux sociolinguistes camerounais et étrangers qui par leurs travaux sur les langues au Cameroun (et plus généralement en Afrique) fourniront aux décideurs politiques des éléments nécessaires pour définir la politique linguistique du pays. Jaromír Kadlec Emmanuel Kwofie : La diversité du français et l’enseignement de la langue en Afrique. Paris, L’Harmattan, 2004, 179 pp. Langue vivante, depuis des siècles langue diplomatique, instrument de communication internationale et moyen d’instruction, le français a été implanté en Afrique polyglotte au XVIIe siècle. La coexistence ou le contact du français et des langues africaines n’a pas été sans conséquences pour les Africains qui l’apprennent, pour le français lui-même, pour les langues africaines en contact avec le français et pour les systèmes éducatifs des pays qui l’ont adopté comme moyen d’instruction ou comme matière d’apprentissage. L’ouvrage La diversité du français et l’enseignement de la langue en Afrique s’inscrit dans le cadre des études sur le français dans le monde francophone, mais sans se limiter aux pays francophones. Le livre rédigé par Emmanuel Kwofie, professeur du département des langues européennes de l’Université de Lagos (Nigeria) qui a publié depuis 1966 de nombreuses études sur le français dans les différents pays d’Afrique, présente une réflexion sur les grands thèmes du contact entre le français et les langues africaines. L’ouvrage est composé de six chapitres. Dans le premier chapitre, l’auteur analyse la position de la langue française en Afrique et la problématique de sa description. S’il existe dans les pays francophones d’Afrique « des pratiques plus populaires » du français même avec le statut de « véritables variétés à côté des usages officiels », de sorte que l’enseignement du français ne peut se faire efficacement sans qu’on tienne compte de cette situation sociolinguistique, cela exige, selon le professeur Kwofie, le déploiement de nouvelles mesures, des efforts concertés de la part des chercheurs, des enseignants et des hommes politiques. La coexistence des variétés de français, des langues africaines et du français standard en Afrique pose des problèmes certes particuliers mais non insolubles. Une solution consiste à assurer que l’enseignement de la langue s’appuie non seulement sur l’environnement socioculturel spécifique de l’apprenant africain mais aussi sur le démontage du barrage formé par la langue maternelle de l’apprenant. Dans les chapitres suivants (chapitre 2, 3, 4), le linguiste nigérian examine des recherches effectuées sur le français en Afrique en vue de dégager des traits 306 qui peuvent se dire caractéristiques aux niveaux retenus par Emmanuel Kwofie, à savoir la phonétique et la phonologie, la morphosyntaxe, la lexicosémantique. L’auteur constate que les chercheurs ne se sont pas penchés suffisamment sur les plans phonétique et phonologique du français dans les pays francophones en Afrique parce que la préoccupation majeure des chercheurs a été celle du relevé des particularités lexicales. Là où la description des traits morphosyntaxiques n’est pas basée sur le « français des écoles », la gamme des écarts est très large et touche tous les éléments de la phrase française. Un élargissement de la perspective comparatiste aux pays anglophones situés en Afrique permettrait probablement d’affirmer un certain parallélisme des structures des langues africaines ou de reconnaı̂tre aux écarts des constantes dans les situations multilingues ou l’apprentissage d’une langue étrangère. Une comparaison des données lexicosémantiques confirme que maintes particularités sont communes à la plupart des pays africains de langue française. Si l’on peut parler d’une « indigénisation » du lexique français en Afrique noire car il y a de nombreux emprunts aux langues africaines, il subsiste toujours le problème de savoir la fréquence d’occurence de tels emprunts dans les variétés basilectale, mésolectale et acrolectale en Afrique. Dans la seconde partie de son livre (chapitres 5, 6), Emmanuel Kwofie analyse l’image du français en Afrique et discute certains problèmes de la didactique du français langue étrangère. Personne ne conteste l’existence du français en Afrique. Ce qui semble être une question controversée est l’existence du « français d’Afrique ». Le professeur Kwofie déclare que les chercheurs doivent continuer à coopérer dans la description scientifique de toutes les variétés du français en Afrique pour démontrer l’homogénéité et l’hétérogénéité de divers français employés en Afrique. Les recherches doivent se poursuivre et se multiplier aussi afin de permettre une innovation des méthodes d’enseignement. L’ouvrage La diversité du français et l’enseignement de la langue en Afrique est destiné aux linguistes mais également aux didacticiens du français langue étrangère qui y trouveront des informations intéressantes sur la situation du français et l’enseignement de cette langue en Afrique. Jaromír Kadlec Thierry de Samie : Essais d’Afrique en sciences du langage. Paris, L’Harmattan, 2005, 135 pp. Les Essais d’Afrique en sciences du langage proposent onze communications présentées par Thierry de Samie, qui a exercé ses fonctions en sciences du langage et de la communication dans différents établissements d’enseignement supérieur d’Afrique, dans le cadre de plusieurs congrès internationaux en Afrique Occidentale et Centrale, en Amérique du Nord, en Asie, en Europe et en Océanie. Les articles sont regroupés sous trois rubriques : Le kirundi, langue bantu d’Afrique Centrale, De nouvelles approches innovantes de la langue française, Interactions des sciences du langage dans différents modes d’expression d’aujourd’hui. Deux des trois communications de cette dernière rubrique sont rédigées en anglais. La bibliographie, 307 placée à la fin de l’ouvrage, classe par ordre alphabétique les auteurs mentionnés au cours des onze communications avec l’indication de la page à laquelle le lecteur est renvoyé. Le phénomène du métamophisme en kirundi et Le degré de formation des constituants nominaux en kirundi sont extraits de la thèse de doctorat d’État de Thierry de Samie. Le métamorphisme n’est qu’une possibilité de construction parmi d’autres. Le discours s’organise en kirundi selon un nombre relativement varié de processus formels, qui sont internes à la phrase. L’analyse de la composition nominale amène l’auteur à deux considérations linguistiques qui interviennent avec des exigences opposées : la relation logique et la structure formelle qui est placée sous la dépendance de la relation logique. La contribution La relation d’antonymie des lexèmes verbo-nominaux en kirundi étudie des questions sémantiques suscitées par l’emploi d’une langue bantu. Les conclusions scientifiques de L’hypothèse des coefficients sonantiques dans le système nominal des suffixes obligatoires du kirundi ont été présentées en vue d’un projet de recherche en linguistique africaine lors de l’audition d’admissibilité au CNRS à Paris. L’hypothèse des nouvelles articulations permet d’établir une répartition vocalique et consonantique de l’ensemble des suffixes qu’ils soient d’emploi obligatoire ou facultatif. Dans l’article Essai de sémio-syntaxe du kirundi, l’auteur constate que tout peut être un énoncé en kirundi. Une interjection est également un énoncé ainsi qu’une formule de salutation, qu’un vocatif, qu’une onomatopée. Sur le plan syntaxique, ils sont souvent considérés comme des unités indépendantes et appelés énoncés marginaux. La communication La syntaxe des constituants périphériques en français s’inscrit dans le cadre de l’innovation de l’enseignement de la linguistique française en Afrique. La syntaxe des constituants périphériques récuse totalement les notions de groupe prépositionnel ou de groupe nominal prépositionnel. Tout syntagme nominal, dont un des signifiants non essentiel peut être une préposition, assume une fonction casuelle et a la possibilité de se réaliser structuralement dans les deux positions bien distinctes d’argument et de constituant périphérique. Le spectre de la variation sémantique de l’adjectif qualificatif détermine la répartition continue de l’étendue lexicale de trois sous-classes en fonction de leur fréquence d’emploi morpho-syntaxique. La communication francophone et modernité souligne que la communication francophone doit contribuer à l’essor du patrimoine culturel mondial par un retour aux origines des communautés humaines et par l’identification de leurs sources d’identité culturelle. La dernière rubrique comporte trois communications relativement hétérogènes intitulées The communication act in a given society, The language situation in Gabon et Les facteurs de développement socio-culturel de la communication dans le paysage audio-visuel mondial. Leur finalité consiste surtout à déterminer les modes d’identification culturelle, à travers une perspective comparatiste expérimentée sur le terrain multiculturel en Afrique. Les Essais d’Afrique en sciences du langage témoignent du souci de leur auteur de faire partager au lecteur sa conviction que la pensée française demeure une langue de communication scientifique internationale. Jaromír Kadlec 308 Cecilia Andorno: La grammatica italiana. Bruno Mondadori, Milano 2003, 167 pp. L’autrice del presente saggio è professore associato presso il Dipartimento di Linguistica Teorica e Applicata dell’Università di Pavia. Nelle sue ricerche si occupa soprattutto di linguistica testuale, di didattica della grammatica e di acquisizione dell’italiano L2. Il libro colpisce già a prima vista con la sua copertina di un giallo sole, il formato sottile e l’impostazione moderna delle pagine. Incuriosito dall’aspetto fisico, il lettore apre il libro e comincia a leggerlo e per niente rimane deluso. Una pagina dopo l’altra scopre che le regole grammaticali non sono rigide e nate dal nulla ma che sono invece risultato di un processo nel corso del quale i linguisti osservano la lingua e la descrivono, formulando prima le loro ipotesi che poi sottopongono a una serie di esami per verificare o smentire la loro validità. Il lettore si sente partecipe a questo processo: è portato a non apprendere i concetti presentati in modo passivo, senza riflettere, ma invece in modo critico, rendendosi conto della varietà dei punti di vista attraverso i quali i singoli fenomeni si possono analizzare. Nei cinque capitoli (compreso il capitolo introduttivo) del suo libro, intitolati Introduzione, Classi di parole, Le forme, La frase e L’enunciato e il contenuto informativo della frase, Andorno non ripropone l’elenco completo degli argomenti di grammatica italiana (considerando lo spazio sarebbe anche impossibile), ma ne reintroduce solo alcuni temi fondamentali sull’esempio dei quali dimostra un’effettiva relatività di ogni definizione, come nel caso della classificazione delle parti del discorso o della definizione del concetto della parola, ecc. Tutti gli argomenti trattati sono subito seguiti da brevi esercizi che sono innanzitutto un utilissimo strumento di autoverifica di quanto si è letto. Il lettore non resta lasciato nel dubbio sulle proprie capacità di comprensione in quanto può confrontare le proprie soluzioni degli esercizi con le chiavi riportate in fondo al libro. In conclusione di ogni capitolo vengono citati i riferimenti bibliografici che permettono di approfondire i concetti proposti. Indispensabile per un’ulteriore ricerca è anche l’indice analitico che si trova in fondo al libro. Insomma, bisogna constatare che l’obettivo dell’autrice di «indurre il lettore a trasformarsi da studente in studioso» è stato decisamente raggiunto. Lenka Kováčová A. Rey Hazas (dir.): Mostrar con propiedad un desatino. Eneida, Madrid, 2004. El libro, publicado como un conjunto de ensayos en la Colección «Puntos de Vista», se dedica al tema de la literatura española contemporánea. Ya la primera ponencia Medio siglo de novela española desde 1942: Interior y exilio, hecha por 309 J. M. Martínez Cachero, abarca de una forma panorámica la pléyade de autores patriarcas (C. J. Cela, G. Torrente Ballester, M. Delibes). El autor hace una valoración breve de las obras narrativas tal como lo podemos observar en su historia literaria titulada La novela española entre 1936 y el fin de siglo1 , añadiendo algunos comentarios propios y afirmaciones personales de los mismos autores. En la segunda parte, el campo de interés se traslada a la narrativa del exilio republicano, se interpreta la valoración general de autores como Max Aub, R. J. Sender, Arturo Barea, Rosa Chacel, etc. y la dualidad existencial de la España Peregrina, inclusive sus actitudes hacia la España franquista y postfranquista. En el estudio de José-Carlos Mainer, Identidad y desencanto en tres novelas de la Transición, el crítico abre la discusión sobre la época arriba mencionada, procura acotar la pluralidad de términos como la literatura postmoderna, la variedad de denominaciones novelescas empleadas después del periodo de la corriente experimental, y, además, «desencanto e identidad», «premisas que pueden buscarse en casi todas las novelas de 1970–1985». Para los lectores aficionados a la obra de J. J. Millás, J. M. Guelbenzu y Á. Pombo, se analizan sus libros. Visión del ahogado, El río de la luna y El héroe de las mansardas de Mansard, respectivamente. J.-C. Mainer reflexiona sobre lo común y lo diferente que tienen los autores susodichos, destacando la mirada enajenada (Millás), mítica (Guelbenzu) y cómplice (Pombo) como facetas principales en las tres obras escogidas. En esta parte hay que subrayar gran utilidad que el crítico incumbe a la palabra clave: memoria como instrumento de recuerdos más bien decepcionantes y amargos del esfuerzo de los protagonistas de encontrarse, de confirmar su propia autenticidad. La lectura de Arturo Pérez-Reverte, introducida por Sanz Villanueva, pone en tela de juicio la opinión del lector acerca de la poética de su obra total. El crítico sostiene la idea de que sus novelas son de apariencia ligera y de lectura grata y apasionante, y que sus obras sintetizan dos propósitos: una consciente fórmula narrativa, hasta la recuperación de la aventura y el placer de leer gracias a la claridad expositiva y el esfuerzo de añadir a la literatura popular una ética, o sea, crear a la vez la literatura artística. Abre la discusión acerca de la comercialización de la literatura a base de la premisa comercial: la literatura artística acapara la calidad, pero obtiene poca difusión. Sanz Villanueva destaca los rasgos denotadores del autor, la abundancia de las anécdotas, las peripecias de la trama, los trucos folletinescos, la actitud autorial (p. ej. suplanta arbitrariamente la parte del narrador omnisciente, etc.), cultiva la narratividad. Muy conveniente resulta el pasaje referente a la poética determinante del autor, que domina en toda su obra. En las Reflexiones sobre mi obra, Luis Landero vuelve a confesar su fondo real del que parte la redacción de su novela primigenia Juegos de la edad tardía, confirma dos líneas inevitables: el mundo campesino y el municipal, inclusive la mitificación del pueblo en los ojos de pobres campesinos. Landero estudia también la impostura natural de ciertos tipos – prototipos, cuya trayectoria traspasa algunos momentos fundamentales de sus estados puros. Es justamente esta pureza que reparte entre los lectores la sensación ambigua que recupera entre la realidad y el mundo soñado. 1 Martínez Cachero, J. M.: La novela española entre 1936 y el fin de siglo. Ed. Castalia, Madrid 1997. 310 En Picaresca, polisemia y modernidad: La familia de Pascual Duarte vista desde El Lazarillo de Tormes, el autor Rey Hazas habla de la excepcionalidad de este texto celiano apuntando algunos detalles como: el libro español más traducido después del Quijote, una enorme variedad de ediciones, numerosas tiradas, muchísima crueldad, muchos enfrentamientos con la crítica, con la censura, con el sistema sociomoral por aquel entonces, y, además, el parentesco con la picaresca a través de la óptica universal. ¿Es adecuada la comparación de Pascual Duarte como pícaro criminal con El Lazarillo de Tormes, ligado a las condiciones de pobreza económica o con el Lazarillo celiano de las Nuevas andanzas y desventuras de Lazarillo de Tormes? Lo que le interesa al crítico es el «caso» de Pascual Duarte (paralelo al «caso» del Lazarillo de Tormes), o la dualidad formal (el libro es una autobiografía y, a la vez, una carta, enviada al destinatario, don Joaquín Barrera). Saliendo de una rica gama de referencias críticas, Rey Hazas sostiene lo fundamental y decisivo en la novela: el problema del perspectivismo (varios puntos de vista que surgen de la lectura hacen bastante opaca y ambigua la interpretación, gracias al texto sistemáticamente incompleto resulta una comunicación difícil, polisémica, malentendida). Caben, además, perspectivas religiosa, social, psicológica, filosófica, que de manera peculiar celiana, ofrecen una ambigüedad interpretativa sin límites. A continuación, Ángel Basanta se dedica a El desorden de tu nombre, de J. J. Millás, historia de una pasión adúltera, que «ofrece la escritura de una aventura y también la aventura de su escritura». El autor del artículo analiza: 1. posturas de los protagonistas, Julio, Laura, Orlando 2. diseño externo de la novela 3. narraciones interpoladas del joven escritor Orlando que son intercaladas en la novela con la intención de contribuir a «la dimensión metaliteraria del libro» Estos ingredientes narrativos en el contenido del libro enmarcan el entramado constructivo y, además, caracterizan la historia de la transición narrativa española de los 80. El crítico sostiene la opinión de que la obra susodicha «enriquece la estela de las metanovelas». En la ponencia de Paisajes después de la batalla, Carmen Valcárcel estima la obra novelística de Juan Goytisolo, uno de los autores españoles de mayor prestigio internacional, sin embargo, de insuficiente valoración en su propio país. Desde Señas de identidad (1966) hasta la reciente Telón de boca (2002), según la crítica, Goytisolo confirma un paulatino proceso de la desmitificación (la vida como una búsqueda constante de la propia identidad); de la desterritorialidad, que inicia en su voluntario destierro en Francia, en Marrakech, y de la destrucción lingüística que «culmina en la liberación del lenguaje, es decir en la destrucción de la puntuación convencional, de la construcción sintáctica, de la liberación estilística y léxica, etc.». Goytisolo encarna así la modernidad y la tradición literaria, pasa por varias fases del desarrollo personal, tales como la liberación interior, la confrontación cultural de los mundos oriental y occidental (p. ej. Makbara), el compromiso ético y denuncia cívica (El sitio de los sitios), etc. Como sostiene Carmen Valcarcel, también en la obra Paisajes de la batalla Goytisolo capta la realidad mediante textos metanarrativos, sistemáticamente desintegrados, fragmentarios, ilógicos, que parodian mediante el lenguaje internacional 311 su propia biografía, igual que los discursos políticos, periodísticos, publicitarios, ofreciendo antidiscursos extravagantes y desmitificadores. En El rescate del tiempo como proyecto narrativo, El cuarto de atrás y otras consideraciones sobre Carmen Martín Gaite, José Teruel habla de diversos registros narrativos, entre ellos ocupa un lugar privilegiado la novela El cuarto de atrás (1978), debido a la recuperación de la fantasía en la épica recién postfranquista, o sea «la memoria se reconstruye a través del género fantástico aplicando las diferencias entre el tiempo y el espacio de la vida sobrenatural». El crítico además confirma que Martín Gaite intenta, mediante esta forma dialogada, «recuperar el diálogo después de tantos años de silencio en las décadas anteriores, buscar un interlocutor, ordenar la narrativa en el contexto de la propia existencia». Seguidamente, J. Teruel se detiene en el análisis de algunos motivos, tales como: por dónde y cómo empezar en el género autobiográfico, cómo contar las historias de la historia, cómo descifrar al hombre vestido de negro (el interlocutor), cómo perfilar los límites entre lo real y lo soñado. El ponente destaca un rasgo típico de la escritora, lo poético que «reside en un sabor y no, en una idea actual sobre la postguerra». Entre las aportaciones significativas de Carmen Gaite cabe destacar su obra ensayística, p. ej., El cuento de nunca acabar, etc. Oscar Barrero Pérez escoge como tema de su artículo El realismo social en la novela española: una débil defensa contra un potente ataque. Hablando del polémico devenir del socialrealismo, Barrero Pérez se refiere a varios periódicos (Pueblo, Arriba) que hacen comentarios sobre la misión del arte en el mundo ideológico, expresan teorías ideológicas y manifestaciones del socialrealismo español, los representantes más frecuentamente citados, inclusive las valoraciones de los estudiosos más importantes (Gonzalo Sobejano, Muñoz Suya, Carlos Barral y otros) y las responsabilidades de sus actores por la retirada en los 60. En el último ensayo dedicado a Miguel Delibes, la autora Isabel Vázquez, revisa elementos significativos de El hereje, novela total. Observa que en este libro confluye el universo total del autor escogido. La síntesis de M. Delibes radica en los siguientes registros: la totalidad de la temática (en El hereje es la historia de Salcedo), la interpretación ideológica del mundo, la índole novelística, o sea la novela testimonial, los marcos espaciotemporales (Valladolid, pero en este libro volvemos al siglo XVI), la biografía total del protagonista, la estructura con el devenir lineal, los aspectos social, económico y religioso acotan y conciben el progreso contextual de los personajes, sus paralelismos característicos como la cualidad del antihéroe, su inocencia individual y otros. El libro es fuente de mucha inspiración para el lector, dadas las reseñas profundamente especializadas en temas recientes, atractivos y harto explícitos. Otro motivo relevante que puede servir de vehículo para el lector aficionado en este tema es el rico repertorio de escritores contemporáneos, que hoy día representan la vanguardia de la narrativa actual en España. Conviene destacar como punto de referencia el papel importante metodológico de los ensayos agrupados y su función instructiva para profundizar conocimientos literarios de hispanistas en general. Eduard Krč 312 Javier Tomeo: Homenatge/Homenaje (ACEC, núm. 25, julio 2006) El número 25 de Cuadernos de Estudio y Cultura que sale a cargo de la Asociació Colegial de Escritores de Cataluña (Associació Col·legial d’Escriptores de Catalunya, ACEC) rinde homenaje a uno de los autores más singulares de la narrativa española actual, a Javier Tomeo. En esta publicación monográfica se ofrece una imagen global sobre el autor; en su primera parte, Nora Catelli, Carlos Cañeque y Juan Antonio Masoliver Ródenas, en sus ponencias, pretenden expresar el papel polifacético e innovador de J. Tomeo. N. Catelli destaca la parcialización microscópica, la perversión controlada y la risa transformada en mueca como momentos más relevantes que sirven de promotor en la narrativa estudiada. C. Cañeque se dedica a la investigación del mundo de los personajes literarios. En «este huerto de Tomeo abundan los personajes fracasados, grises y bonachones. Estos personajes salen de su rutina y comienzan a andar por la senda de lo insólito tan pronto su creador los pone a prueba y los coloca en medio de una situación determinada». Teniendo en cuenta su frecuente transformación personal, salta a la vista del lector la similitud con la obra de F. Kafka y de otros escritores que cultivan el mundo personal en el que surge la metamorfosis del hombre. Aunque desarrolla una mirada burlona e irónica, el narrador no deja de manifestar la postura calurosa, comprensible y humana. El hombre en las obras tomeanas ocupa varias posiciones, sin embargo, como sostiene J. A. Masoliver Ródenas, «no están condicionadas por la línea ideológica o por las estrategias políticas del periódico». Se puede añadir que la mayoría de los «héroes» son de capas medias pequeñoburguesas, perteneciendo a una pléyade numerosa de monstruos, incapacitados físicamente, trastornados psíquicamente, que aparecen muy relacionados con el mundo de la fauna y de la flora. Adjuntos se recogen algunos textos breves y todavía inéditos del autor, su propia reflexión acerca de la dramaticidad de sus novelas y un conjunto selecto de las reseñas más significativas que se han publicado en la prensa española. En este punto echamos de menos a ciertos nombres de peso como Ramón Acín, etc. Un apéndice útil de la obra narrativa total de J. Tomeo figura en las páginas 63–66; a pesar de que faltan en la lista algunos títulos inclusive reediciones de los libros, lo positivo es que la información resulta actualizada hasta el año 2006. En resumen, la monografía en cuestión es un quehacer literario de carácter panorámico que nos invita al mundo excepcional de Javier Tomeo. Por lo tanto, es un trabajo que se puede recomendar al lector aficionado de la obra tomeana, ya que la crítica española, comparando con la extranjera, le debe bastante a este escritor. Queda bastante claro que el lector asiduo volverá a encontrar ciertos rasgos característicos en la narrativa tomeana, tales como nos presentan las reseñas escogidas, p. ej., las obsesiones individuales de los protagonistas, la verosimilitud de los trucos, la condición extraña de la mujer, las metamorfosis delirantes y muchos más. Lo que el presente libro logra aportar, a modo de homenaje, es proporcionar una oportunidad más para difundir los méritos de Javier Tomeo. Eduard Krč 313 José Luis Calvo Carilla: La mirada expresionista: Novela española del siglo XX. Mare Nostrum Comunication, 2005, 248 págs. El autor que pretende aclarar el movimiento expresionista desde varios ángulos opina que es una tarea desorientadora buscar unas coordenadas más riguroasas geográficas o temporales. Lo curioso en la estética expresionista es que no desaparece con la derrota de los alemanes en la primera y/o en la segunda guerras mundiales. Su impacto se manifiesta en las obras de procedencia internacional, de tales autores como, p. ej., F. Kafka, Eugune O’ Neil, Joyce o Faulkner. Seguidamente, el análisis de la poética expresionista aborda la situación en la España postfranquista, la distingue en estado puro o en estado mixto. Como ejemplos le sirven al autor nombres de prestigio como C. J. Cela, Torrente Ballester, G. Celaya, C. M. Gaite, etc. A finales de la segunda década del siglo XX, la poética expresionista entra en una perfecta coexistencia con varios ismos europeos (el dadaismo, el ultraismo, el futurismo, etc.). Calvo Carilla concede una atención especial al surrealismo, su repercusión cosmopolita que se debe, según él, a los temores y zozobras de aquella Europa recién salida del diluvio bélico (pág. 15). Si bien surgen nuevas vertientes como el existencialismo y su técnica conductista, cada vez va en aumento en la literatura el efecto de extrañamiento, de angustia, de pesimismo, de violencia y de desequilibrio. Calvo Carilla busca esas repercusiones en la obra celiana (La familia de Pascual Duarte), senderiana (La esfera, El rey y la reina), kafkiana o borgiana, acotando diferentes vinculaciones entre el expresionismo y otros ismos actuales (la sinceridad humana, el humor reprimido, el cromatismo y la alegoría, los estados de vigilia y de sueños, los seres convencionales con sus obsesiones, pesadillas, desdoblamientos y exilio interior. La sociedad laberíntica con los tintes personales kafkianas encuentra su encarnación mimética en una extensa nómina de los escritores contemporáneos; aparte de los anteriormente aludidos, son A. F. Molina, J. Tomeo, J. del Amo, J. Benet, F. de Azúa y muchos otros. En todos estos autores prosigue «un hombre humillado, abultado y caricaturizado», son portadores del «síndrome de Kafka», como lo ha denominado Pozuelo Yvancos. En los últimos capítulos la atención cuenta más con la concepción monotemática; es el caso de los narradores postistas como Eduardo Chicharro, C. E. de Ory, G. Prieto, F. Nieva, concluyendo la publicación con el análisis de la escritura refractaria de C. J. Cela (La colmena). Destacando los rasgos expresionistas fundamentales como la localización geográfica urbana con esa mezcolanza de razas, nacionalidades y la agitación vertiginosa, Calvo Carilla enumera ciertas dificultades y retos de Cela, cuya técnica estructural en la mayoría de sus libros tiende a refractar y «a enmascarar sus construcciones a los ojos del lector» (pág. 190). En la monografía en cuestión, el autor logra profundizar la óptica expresionista haciendo referencias y comentarios harto originales al mundo literario, incluso al ambiente literario del momento, a las críticas en los periódicos y las revistas (p. ej. La Estafeta Literaria, Fantasía y Fénix), igual que a algunas informaciones complementarias y no muy frecuentadas, de talleres, tertulias, entrevistas y encuentros. 314 Cabe recordar que el libro servirá muy bien como una fuente de inspiración desde el punto de vista metodológico facilitando una suma inagotable de recurrencias y sugerencias estimuladoras. Eduard Krč Jean-Pierre Longre : Raymond Queneau en scènes, PULIM, Limoges 2005, 285 pp. Quant on parle de Raymond Queneau et surtout quand on lit son œuvre, on découvre que le théâtre était un genre mineur et peut-être peu préféré de cet auteur – ce sont plutôt ses romans et sa poésie qui sont appréciés et analysés et dont on parle le plus souvent. Queneau passe très souvent pour un auteur libellé très superficiellement d’auteur des « doukipudonktan » de Zazie et des coquineries linguistiques des Exercices de style. Quoqu’il en soit, il existe également une partie théâtrale de l’œuvre de Raymond Queneau qui attend sa découverte car il existe toujours des pièces inédites : ajoutons ici que la poésie de Queneau a été publiée en entier dans la Pléiade en 1999, suivie par deux tomes de romans en 2002 et 2007, ce qui n’est d’ailleurs, malheureusement, pas le cas de ses essais, son théâtre, sa correspondance, etc. L’œuvre théâtrale de Queneau peut être répartie en plusieurs groupes : les pièces qui existent et qu’on a déjà jouées, les pièces qui sont les adaptations de ses romans (ce ne sont pas nécessairement des adaptations faites par Queneau lui-même), les pièces qui n’étaient pas jouées mais elles ont été imprimées et enfin les pièces qui n’ont jamais vu le jour dans leur forme imprimée. C’est à toutes ces catégories de l’œuvre théâtrale de Queneau que s’intéresse le livre de Jean-Pierre Longre de l’Université Jean Moulin – Lyon III. Il est vrai qu’il a été publié, à ce jour, un certain nombre d’études et d’articles sur ce thème, mais, à vrai dire, ce nombre ne correspond pas à ce que l’œuvre théâtrale quenienne mérite. C’est justement J.-P. Longre qui a consacré beaucoup d’articles au divers thèmes dans le cadre du théâtre quenien. À part lui et un nombre relativement petit d’auteurs se consacrant, eux aussi, à l’étude de la partie théâtrale de l’œuvre quenienne, il n’existe pas trop de publications sur ce thème. L’une des exceptions sont les actes appelés Raymond Queneau et les spectacles (parus sous la direction de Daniel Delbreil, Noésis 2003/2004) dont certains sont consacrés au théâtre, mais il n’y est question uniquement du théâtre, certains articles relatent du cinéma, etc. Il existe quelques autres articles dispersés çà et là dans les revues (surtout dans les revues consacrées uniquement à Queneau, comme Cahiers Raymond Queneau ou bien Les Amis de Valentin Brû, mais également dans les revues « non queniennes »), mais sauf Raymond Queneau et les spectacles, il n’y avait pas, jusqu’ici, une étude cohérente et dédiée uniquement à l’étude du théâtre quenien. Queneau s’est consacré au théâtre en particulier au cours de la décennie 1940–1950. Longre nomme dans l’introduction toutes les autres œuvres théâtrales 315 marquantes de l’époque qui pouvaient influencer le théâtre de Queneau. En analysant l’une après l’autre les pièces de Raymond Queneau, Longre fait un travail précieux et minutieux, d’autant plus qu’il fallait fouiller dans le fonds et dans les classeurs du Centre de documentation Raymond Queneau à Verviers en Belgique afin de pouvoir trouver tous les textes jusqu’ici inédits et qui, selon lui (et non seulement), « méritent une publication ». Nous ajoutons que ce sont les pièces qui méritent une analyse faite par Longre qui s’intéresse à Queneau, et en particulier à son théâtre, déjà depuis sa thèse. Suite à ce qui vient d’être constaté, nous devons souligner qu’il est évident, en lisant le présent ouvrage, que ce dernier est un fruit de ses recherches de longue durée. Ce livre peut être apprécié surtout pour son originalité qui consiste notamment en travail minutieux mentionné ci-haut d’avoir découvert pour les lecteurs de Queneau des textes jusqu’ici inédits. Ce travail, aussi bien que son livre, sont des contributions extraordinaires en ce qui concerne les études queniennes dans le monde entier. Slavomír Míča Jacqueline Villani : Le roman, Belin, Paris 2004, 239 pp. Cet ouvrage est consacré, comme le suggère un peu vaguement son titre, à l’analyse du roman ; ou bien, disons-le plus précisément, plutôt à l’analyse du procédé comment faire une analyse d’un roman. Divisé dans plusieurs chapitres, le livre touche dans chacun d’entre eux plusieurs aspects concernant l’analyse du roman, commençant inévitablement par un petit parcours historique de l’évolution du genre à travers les siècles (chapitre I, De la vie au roman). Les chapitres suivants sont déjà ciblés à l’analyse elle-même : la définition et la description du narrateur (chapitre II), les modalités narratives (cadrage, prolepses, analepses, le point de vue de la narration; chapitre III), le personnage (chapitre IV), l’espace et le temps (chapitre V), le «récit de paroles» (c’est-à-dire le discours direct, indirect, etc., plus les dialogues de roman en comparaison avec ceux du théâtre). Le dernier chapitre, « Philosophie du roman », explique « comment la fiction pense » (c’est le titre d’un sous-chapitre). Tous les chapitres mentionnés ci-haut constituent la première partie du livre, intitulée « Savoirs ». Les chapitres qui viennent d’être nommés expliquent donc les thèmes traditionnels, mais nous voulons concentrer nos commentaires autour de ce qui est important et nouveau, autour de ce qui peut enrichir l’enseignement classique de la théorie du roman. On peut souligner en particulier l’importance des documents commentés qui, ajoutés en « appendice » à chaque chapitre, mettent en pratique ce qui vient d’être constaté en théorie dans le texte précédant. Ainsi, pour donner un exemple concret, mentionnons chapitre IV (Le personnage) suivi par le document commenté intitulé « Mme de Tourvel dans Les Liaisons dangereuses ». En plus, les documents 316 commentés traitent des livres de divers périodes, ce qui enrichit le point de vue de ceux qui utilisent ce livre. La deuxième partie, plus courte que la première, contient huit dossiers dont certains sont des dissertations sur des thèmes théoriques variés (p. ex. Dossier 3, « Réalisme et langage ordinaire »), d’autres des commentaires composés d’une œuvre littéraire concrète (sur La Chartreuse de Parme ou bien Les Travailleurs de la mer ) et dont la présence dans le livre est une source précieuse pour ceux qui s’initient dans la théorie littéraire et pour qui ces textes sont des exemples à suivre quant à la création des textes théoriques littéraires. Le livre ne se veut pas être un ouvrage « classique » de son genre, allourdi de définitions théoriques. Et il ne l’est pas : par contre, il vise à donner le nombre le plus grand possible d’exemples pratiques même au milieu d’une partie «purement» théorique du texte. Le style et l’approche légers font de ce livre un manuel expliquant la théorie du roman aux étudiants d’une façon «lisible» et en même temps offrant aux professeurs de littérature française un excellent outil de travail pour leurs cours. On peut reprocher à ce livre le choix trop restreint du Glossaire (ne contenant que treize termes théoriques sur une seule page, en plus semblant avoir été choisis plutôt par hasard que systématiquement) et également le déplacement des notes du bas de la page à la fin du livre, ce qui rend le contenu des notes moins accessible et par la suite moins utile pour les lecteurs. On peut, par contre, apprécier une bonne structuration et organisation intérieure des chapitres particuliers, offrant aux lecteurs un à deux paragraphes d’explications sur ce qui va suivre et finissant (à l’exception du chapitre VII) par une Conclusion qui soit clôt le thème, soit le lie à un des autres thèmes. Un autre élément faisant partie du livre en question et digne d’être fort apprécié est sa bibliographie qui – n’étant pas trop exhaustive – offre de fondamentaux ouvrages de référence, ce qui sera apprécié surtout par les étudiants qui commencent à s’initier dans la théorie du roman. Slavomír Míča Maria de Fátima Néry-Plch – Silvie Špánková – Zuzana Burianová: Portugalština pro pokročilé. Mgr. Anton Pasienka vydavatelství a nakladatelství AP, Brno 2006, 238 pp. Nos últimos seis anos têm sido publicados três novos manuais de português, o que já em si representa um acontecimento bem laudável, tendo em consideração o facto de que o primeiro e simultaneamente o último manual de português foi publicado já em 1991. Destes três livros, os dois publicados primeiro (Jindrová, J., Mlýnková, L., Schalková, E.: Portugalština. Leda, Praha 2001 e Havlíková, M., Pinheiro Alves, C. M.: 317 Portugalština pro samouky. Leda, Praha 2003) são manuais dedicados aos principiantes na língua portuguesa, este para autodidactas, aquele para estudantes universitários ou grande público em geral. Apenas o terceiro manual, porém, prefere dedicar-se aos estudantes avançados, quer dizer os que já dominaram a estrutura gramatical da língua e o léxico fundamental comunicativo, sentindo agora necessidade de praticar e aprofundar os seus conhecimentos com atenção especial dedicada aos fenómenos linguísticos que os próprios estudantes checos percebem como mais problemáticos. Assim o manual representa o único livro de aprendizagem do português ao nível avançado publicado na República Checa até hoje, no que consiste a sua maior vantagem e a sua maior contribuição para o ensino do português na República Checa. As autoras, docentes nas universidades de Brno e Olomouc, definem as suas intenções no prefácio do manual de maneira bastante clara – desejariam criar um manual que possibilitasse aos estudantes aperfeiçoar o seu conhecimento não só da língua (concentrando-se em já mencionados fenómenos gramaticais problemáticos e em especificação do vocabulário temático), senão também da realidade lusófona, antes de mais portuguesa. É de sublinhar que conseguiram pagar promessas. O manual tem uma estrutura meticulosamente elaborada. Fica dividido em dez capítulos, cobrindo cada um deles um tema conversacional (por exemplo música, ensino e ciências, artes plásticas etc.). Cada capítulo depois contém textos tirados seja de jornais e revistas portuguesas, seja de obras literárias de autoria portuguesa, sendo estes acompanhados por mini-biografias dos respectivos autores. Esses textos servem de base para exercícios de compreensão escrita, exercícios gramaticais e lexicais, tradução do português para o checo e vice versa e além disso oferecem temas para discussão, para redações por escrito e também para uma individual pesquisa avançada no campo de realidade portuguesa. Os capítulos incluem, além disso, vocabulário temático que deve resumir o vocabulário coberto nos textos e também incorporar vocabulário complementar ligado ao dado tema. A última parte do livro contém chave dos exercícios. Quanto aos textos, é de apreciar que tratam a realidade portuguesa actual segundo os temas dos capítulos e que conseguem manter nível equilibrado em todos os capítulos ao decorrer do livro. O esforço de introduzir ao grande público extractos de obras literárias de célebres autores portugueses, inclusive a sua breve biografia, é também digno de louvor, tendo em consideração que nem todos os usuários do livro representam estudantes universitários de filologia portuguesa com conhecimento da literatura portuguesa aprofundada nas aulas. Os capítulos, logicamente, não podem conseguir cobrir o dado tema de maneira exaustiva e assim carecem de complexidade, no entanto uma tal complexidade não é de esperar dum livro que não é intencionado nem como manual de conversa nem como estudo sistemático de realidade portuguesa. Referindo-nos, porém, às perguntas de compreensão escrita, estas, ao contrário dos textos, nem sempre conseguem manter o mesmo nível de exigência. Assim de vez em quando os textos são seguidos por perguntas sofisticadas de tal modo que exigem leitura pormenorizada e minuciosa acompanhada por consulta de dicionário (por exemplo perguntas do tipo «Expliquem o significado de frases a seguir») cumprindo assim o próprio objectivo do manual, enquanto outras vezes pode-se responder em uma palavra só, sendo suficiente uma leitura superficial e conhecimento da língua só 318 médio (por exemplo perguntas do tipo «Quem foi o fundador da teoria quântica?» a seguir o texto que fala sobre «Cem anos de física quântica» – p. 157). Algumas das perguntas que devem incentivar pesquisa avançada na realidade portuguesa mereceriam, pelo contrário, maior especificação que desse ao leitor uma pista mais concreta na sua pesquisa. Por exemplo no capítulo Ensino e Ciências há perguntas do tipo «Conhece alguns cientistas portugueses? Procure informações adicionais.» No entanto, se o leitor não conhece nenhum e nem é oferecido fontes possíveis de informações (pelo menos algumas concretas páginas na web), esta pergunta não ajuda nada em lhe orientar no tema. Consideramos muito mais proveitosas as perguntas que aparecem por exemplo no tema Música (p. 72 – «Procure mais informações sobre a música portuguesa contemporânea. . . utilizando as seguintes palavras-chave: o fado, a guitarra portuguesa. . . Pedro Abrunhosa, Mísia, . . . ») que facilitam a seguinte pesquisa consideravelmente. Os próprios exercícios, tanto gramaticais quanto lexicais, dispõem de enorme variedade e representam precisamente o tipo de exercícios que fazia muita falta. Conseguem captar diversos fenómenos lexicais (por exemplo sinonímia, idiomatismos, estrangeirismos, formação de palavras etc.) tratados frequentemente de ponto de vista teórico nos livros de lexicologia ou morfologia portuguesas mas raramente nos manuais na forma de exercícios práticos. Os exercícios gramaticais tentam tratar (tal como foi prometido pelas autoras) os problemas-chave da gramática portuguesa que causam confusões aos estudantes checos – como por exemplo a distinção entre verbos ser e estar, verbos abundantes com particípios duplos, preposições, colocação de pronomes clíticos etc. (infelizmente, não há muitos exercícios dedicados à problemática de perífrases verbais ou regência verbal, fenómenos que também levam a muitos erros). Não obstante, com respeito a estes exercícios é de mencionar que alguns deles, especialmente aqueles que tratam o uso de tempos indicativos e conjuntivos, correspondem antes ao nível inter-médio da língua do que ao avançado e assim não ajudam muito em aclarar todas as dúvidas que possam surgir. Por exemplo, na página 14 há exercício 2 dedicado aos tempos verbais no qual, porém, aparecem somente presente de indicativo e presente de conjuntivo e estes dois tempos básicos frequentemente nem aparecem em contextos nos quais possam confundir-se. Os exercícios de tradução do checo para o português devem refletir o léxico temático da lição, seja dos textos, seja do pequeno vocabulário com o qual acaba cada lição. Porém, a interligação entre os textos, os exercícios de tradução e o vocabulário nem sempre é tão sistemática como seja desejável. Nas traduções aparecem termos ligados ao tema da lição que não ficam incluídos no vocabulário nem nos textos e geralmente são tão específicos que só dificilmente podem ser encontrados no dicionário (por exemplo «drogas inteligentes» na página 160). Seria certamente bem útil completar o vocabulário final de tal modo que incuísse toda a terminologia que se menciona através da lição – seja nos textos, seja nos exercícios. Esta pequena inconsistência liga-se estreitamente a um outro lapso do manual. Nas soluções dos exercícios faltam as dos exercícios de compreensão escrita e também as dos exercícios de tradução (tanto do checo para o português, quanto do português para o checo), assim o usuário do livro nem tem oportunidade de verificar se conseguiu encontrar traduções adequadas. Sendo estas soluções indiscutivel- 319 mente úteis e quase indispensáveis para o manual, seria verdadeiramente preciso adicioná-las à reedição do manual. Além disso, a reedição que, esperemos, vai seguir em breve, mereceria também mais uma correcção cuidadosa – às vezes há falhas gráficas quando as referências numéricas incluídas nos exercícios lexicais não correspondem a respectivas linhas em dado texto, o que complica qualquer trabalho com aquele texto bastante. No entanto, estes pequenos lapsos não podem preponderar sobre todas as vantagens que o livro leva consido – como o primeiro e único manual dedicado aos estudantes avançados oferece textos, exercícios e informações sobre a realidade portuguesa actual que não se encontram nesta forma em nenhum outro manual publicado na República Checa e assim representa um óptimo material de estudo que ajuda todos os estudantes convictos que já conseguiram dominar a língua portuguesa atingir o nível mais sofisticado desta língua. Petra Svobodová Loı̈c Depecker : L’invention de la langue : le choix des mots nouveaux. Armand Colin – Larousse/HER, Paris, 2001, 720 pp. Depuis la création du Haut Comité pour la défense et l’expansion de la langue française, placé auprès du Premier ministre, en 1966, la France s’engage dans la voie d’une politique linguistique efficace à l’échelle internationale. La création de cette institution témoigne d’une volonté de rayonnement linguistique. Loı̈c Depecker est linguiste terminologue. Il est président de la Société française de terminologie, secrétaire général de Realiter (Réseau panlatin de terminologie), Université de la Sorbonne–Nouvelle–Paris III – CRETTAL-LILLA et chargé de mission à la Délégation générale à la langue française. Parmi ses publications, citons Les mots de la francophonie (Belin, 1990, préface d’Alain Rey), Les mots des régions de France (Belin, 1992), Dictionnaire du français des métiers. Adorables jargons (Le Seuil, 1998) et Le guide des mots francophones. Le Zibulateur enchanté (Le Seuil, 1999). Sa thèse de doctorat, préparée à l’Université de Paris VII sous la direction de Bernard Cerquiglini, soutenue en 1994 à l’École normale supérieure de la rue d’Ulm, intitulée Un exemple d’aménagement terminologique : les Commissions ministérielles de terminologie en France (1970–1993 ) a obtenu le Prix Pierre Larousse des Sciences du langage en 1995. La thèse a été publiée en 2001 sous le titre L’invention de la langue : le choix des mots nouveaux en 2001. Les faits relatés s’arrêtent en 1993 – il n’y est pas tenu compte des événements survenus postérieurement – la réorientation de la politique terminologique de la France, l’apparition d’Internet, l’implication des académies dans le dispositif de traitement des terminologies.1 Le principal objectif de cette 1 La date finale – mars 1993 – est parfois dépassée et certaines analyses à partir de faits intervenus postérieurement sont prolongées. 320 recherche est de montrer l’expérience d’aménagement terminologique conduite en France entre 1970 et 1993 par le biais des CMT – Commissions ministérielles de terminologie. La question de terminologie est en fait constamment présente en raison de sa dimension politique (construction de la francophonie, francisation des vocabulaires), technique et économique. Les commissions ministérielles de terminologie se sont attachées à doter les différents milieux professionnels de l’outillage terminologique nécessaire pour que le français demeure langue de communication et de travail. Nombre de termes que ces commissions ont créés, promus ou officialisés, sont aujourd’hui dans l’usage courant, beaucoup demeurent insuffisamment utilisés. Jusqu’ici, aucun texte de synthèse analysant le contenu des décisions et dressant un bilan de résultats n’existait en France.2 L’ouvrage de Loı̈c Depecker comble donc une lacune dans ce sens. L’auteur a rassemblé les principaux textes portant sur la création des institutions de politique linguistique et terminologique en France depuis 1966, il a reconstitué les grandes étapes de la réflexion en ce domaine. Pour ce faire, il s’est appuyé sur les comptes rendus disponibles (plusieurs centaines) des séances de CMT. Sa tâche était facilitée par sa présence personnelle aux séances de CMT de 1980 à 1993. Plus d’une cinquantaine d’arrêtés ministériels de terminologie sont commentés terme à terme ainsi que les travaux de la Commission générale de terminologie dont les résultats n’ont pas été publiés au Journal officiel3 : plus de quatre mille termes officialisés, près de dix mille termes abordés en séance répartis en trente mille occurences répertoriées dans l’index récapitulatif général qui figure à la fin de l’ouvrage. S’appuyant sur des analyses linguistiques, sociolinguistiques et épistémologiques, Depecker examine soigneusement le matériau terminologique traité et observe dans quelle mesure les termes officialisés par ces commissions se sont imposés dans l’usage. La thèse de Loı̈c Depecker contient sept chapitres, une conclusion générale et un index général des principaux termes mentionnés. Elle est complétée par la liste des sigles des organismes mentionnés dans l’ouvrage. Le chapitre I (pp. 33–339) est consacré à l’histoire des commissions ministérielles de terminologie (CMT) dans les années 1970–1993. Depecker constate que les documents concernant les débuts de la plupart de ces commissions n’ont pu être retrouvés. Comme les CMT avaient travaillé séparément, il a fallu veiller à ce que leurs décisions ne fussent pas contradictoires. On a donc procédé à un alignement sur les propositions ayant reçu le plus de suffrages de la part des différentes commissions (commission du pétrole, de l’informatique, des transports, de l’économie et des finances, de la défense, de la télédétection aérospatiale, des télécommunications, de l’audiovisuel et de la publicité, du tourisme, de l’urbanisme et du logement, de la mer, du sport, de l’agriculture, de l’ingénierie nucléaire, de l’éducation, des composants électroniques etc.). Il y avait aussi des commissions particulières : celle de terminologie de la féminisation des titres et des noms de professions, celle de terminologie des affaires étrangères. Dans les premières séances, les spécialistes étaient confrontées à des difficultés dans le domaine des anglicismes, leurs équivalents français n’étant pas encore fi2 Pour ce qui est des résultats partiels, on peut mentionner l’Introduction à l’étude de la télédétection aérospatiale et de son vocabulaire (Paul, Depecker, 1991). 3 Journal officiel de la République Française, Dictionnaire des termes officiels de la langue française, publié par la Délégation générale à la langue française. 321 xés. Grâce à la datation des arrêtés, on peut observer pas à pas la naissance de certains termes français et réaliser à quel point la décision finale fut parfois difficile à trouver. Pour le terme ingineering, on a proposé ingenierie (sans accent aigu), engenierie ou projetante (commission du pétrole). Devant de telles divergences, le CILF a recommandé d’adopter le terme d’ingénierie, consacré par l’Académie4 ; fair-play a été rendu franc-jeu par l’ORTF ; mailing a eu droit à un grand nombre de propositions : prospection postale, démarchage postal, vente postale, postalage, publicité postale. On a adopté le terme postalage : pourtant, le terme officialisé en 1973 était publipostage. Un grand débat s’est déroulé autour du terme marketing. Depecker nous offre la liste des équivalents proposés, dont marcatique, mercatique, marchéage et marchistique. Bien qu’adopté finalement, le terme mercatique n’est pas très utilisé en français. Depecker rapporte des parties entières de discussions pour montrer l’ampleur de la tâche des commissions. Par exemple la discussion autour du terme dumping et son équivalent français. « M. Cahart propose de revenir sur cette décision et de tenter, malgré l’implantation de ce vocable dans le langage courant, de promouvoir le terme braderie [. . . ]. Certains membres émettent quelques réserves, indiquant que ce terme évoque un climat de fête, de foire. M. Dehaye, tout en notant que le mot dumping est bien ancré dans l’usage, avance le néologisme soldage. M. Vouette pense que l’expression soldage risque d’évoquer la liquidation de la fin de série. M. Fourastié avance alors les termes rabais et sous-cote. »5 Ces citations permettent de suivre le raisonnement des membres de commission et la méthodologie adoptée. Parfois, les propositions lancées par des membres de commissions sont plutôt étonnantes : conversade pour talk-show, sonambule, ambulophone ou podomate pour Walkman (nom déposé par Sony) ; ce fut baladeur qui fut finalement choisi. L. Depecker rapporte également certaines citations qui en disent long sur la réflexion et des positions des membres de ces commissions : « Le “franglais” est une insulte à la définition claire des concepts, c’est pour cette raison et non par nationalisme qu’il faut l’éliminer. »6 La seule commission ministérielle de terminologie à avoir été créée par décret est celle de terminologie de féminisation des titres et des noms de professions (1984–1987). La commission vise à combler certaines lacunes de l’usage du français ainsi qu’à apporter une légitimation des fonction sociales et des professions exercées par les femmes. Le chapitre II – Organisation et fonctionnement des commissions ministérielles de terminologie (pp. 341–395) dresse l’histoire de création progressive des CMT ainsi que les procédés par lesquels celles-ci ont été créées : décision ministérielle, arrêté pour la création, lettre de mission. Depecker explique la démarche méthodologique: en commission, on entame un large débat (technique, sémantique, linguistique) sur les termes à examiner ; les membres de commission élaborent leur « fichier terminologique de travail » comportant toutes informations et procédures susceptibles d’être prises en considération. Suivent alors plusieurs réunions de bureau, la mise au net de la rédaction définitive des articles compte tenu des indications formulées par la commission, procès-verbal de la séance pour approbation, 4 L’Académie française est régulièrement consultée avant la publication des arrêtés de terminologie, ce qui leur donne une autorité supplémentaire. 5 P. 131. 6 P. 200 ; M. Fantapié, représentant du Haut comité de la langue française. 322 un vote en séance et finalement la diffusion des résultats. La question de la forme règlementaire que devaient prendre les décisions se posait également – vu le fait que les néologismes en question appartenaient souvent à des vocabulaires très spécialisés de milieux professionnels. Le décret signé le 7 janvier 1972 structurait l’organisation des commissions en stipulant leur mode de création, leur mission, leur composition et le mode d’officialisation de leurs travaux. De nombreux linguistes ont pris part aux travaux des commissions, dont MM. Claude Dubois, rédacteur en chef des éditions Larousse, Alain Rey, rédacteur en chef des éditions Le Robert, Mme Josette Rey-Debove, secrétaire générale des éditions Le Robert ; cette dernière était très impliquée dans la commission de féminisation des titres et dans le traitement de certains termes (sidatique/sidéen). Le chapitre III – Les termes traités par les commissions ministérielles de terminologie (pp. 397–442) porte sur les termes traités par les CMT, notamment dans leur rapport à l’anglais. Il se penche sur la problématique de variations de l’emprunt, termes calqués (neochannel – néocanal, hot laboratory – laboratoire chaud ) ainsi qu’aux processus de formation néologique. Le chapitre IV – Interventions et réactions aux travaux des commissions ministérielles de terminologie (pp. 443–469) intègre de nouveaux éléments inédits, telles des correspondances entre les Académies et les organismes francophones et l’organisme français central de la politique linguistique. Loı̈c Depecker précise le rôle des Académies spécialisées. Il n’oublie pas de faire part de la participation des francophones dans les travaux des commissions. Il souligne la détermination du Québec et le poids des institutions québécoises7 sur des décisions françaises. La coopération franco-québécoise s’affirme dans les années 1980 par la présence, dans différentes commissions de terminologie, d’un représentant de l’Office de la langue française ainsi que des représentants du secrétariat d’État du Canada. On évoque des termes québécois ou canadiens dans plusieurs comptes rendus et arrêtés de terminologie : auto-caravane pour camping-car, commanditaire pour sponsor, voyagiste pour tour-operator. Le chapitre V – Succès et échecs des termes officialisés par les commissions ministérielles de terminologie (pp. 471–544) est basé sur plusieurs enquêtes d’implantation des termes officiels réalisées en milieux professionnels et dans les dictionnaires de langue. L’auteur esquisse des méthodes de travail possibles dans ce domaine. Il précise qu’il faut compter parfois plusieurs années pour que le mot soit adopté par le grand public. Cette partie aborde également la question des vocabulaires très spécialisés (ingénierie nucléaire, hydraulique du drainage agricole etc.). Les dictionnaires sont de véritables enquêtes d’implantation des mots dans l’usage. Depecker dresse, domaine par domaine, les listes des termes pouvant être considérés comme implantés sous leur forme française (banque de données, bogue, logiciel, robotique etc. en informatique par exemple). Pour chaque domaine, il indique ce qu’il appelle noyau central, noyau dur et noyau central des termes en équilibre. Le chapitre VI – Les réactions de la presse aux travaux des commissions ministérielles de terminologie (pp. 545–563) commente et analyse des prises de position 7 Office de la langue française du Québec en tant que modèle de centralisation et d’harmonisation des propositions. 323 émises surtout par la presse (journaux professionnels, « grande » presse nationale, presse régionale et francophone). Celle-ci a évoqué, de façon relativement importante, les travaux des CMT. Depecker a collecté également des témoignages plutôt humoristiques, comme ce titre de Libération du 4 avril 1987 : « Mercatique, un mot si doux aux oreilles de Balladur » ainsi que des phrases du type « . . . gare à ceux qui feraient encore du marketing. » Le chapitre VII – Contributions de l’expérience française à une méthodologie de l’aménagement terminologique (pp. 565–606) tend à cerner les contours d’un aménagement terminologique cohérent. Depecker suit le parcours des commissions; le manque de soutien scientifique à l’expérience des CMT dans leurs débuts, leur propre expérience acquise, les relations nouées progressivement avec des spécialistes de l’aménagement terminologique en France (universités, notamment Rennes II, Centre de terminologie et de néologie du CNRS lancé en 1987) ainsi qu’au Canada et au Québec. A partir des années 1990, on a pu ainsi constater, selon Depecker, une véritable consolidation du dispositif des CMT. L’État français s’est donné le pouvoir d’intervenir directement sur le corpus de la langue. En conclusion générale (chapitre VIII, pp. 607–612), Depecker souligne que les CMT spécialisées sont entrées sur scène à un moment où les technologies évoluaient considérablement. Elles représentaient, selon l’auteur, la seule structure pouvant répondre à ce grand défi. Les travaux des CMT ont concrétisé l’idée même de la terminologie. Celle-ci s’est affirmée comme discipline. La recherche dans ce domaine a contribué à approfondir les questions de la traduction technique et scientifique. L’aboutissement de la recherche menée par Loı̈c Depecker s’appuie sur plusieurs approches : historique, linguistique, sociolinguistique, épistomologique, philosophique. L’auteur a résumé minutieusement le parcours des CMT et l’apport des travaux des commissions à la langue française et à la francophonie. Sa thèse représente un immense travail d’analyse et de synthèse qui sert remarquablement l’histoire des mots, facilite la compréhension de certains phénomènes et fournit une base de recherche dans l’espace francophone pour l’avenir. Jitka Uvírová Montserrat López Díaz, María Montes López (éds.) : Perspectives fonctionnelles : emprunts, économie et variation dans les langues. Actes du XXVIIIe Colloque de la Société internationale de linguistique fonctionnelle. Axac, Lugo, 2006, 544 pp. Le recueil présente une centaine d’études qui ont été prononcées lors du XXVIIIe Colloque de la Société de Linguistique fonctionnelle (SILF1 ). Cette grande rencontre internationale a eu lieu les 20–26 septembre 2004 à l’Université de Saint-Jacques 1 L’idée de la Société Internationale de Linguistique Fonctionnelle est née en 1974, à l’occasion du premier colloque international de linguistique fonctionnelle organisé à Groningue par Don Graham Stuart, en accord avec André Martinet, pour faciliter des échanges réguliers entre linguistes partageant la même conception de l’étude du fonctionnement des langues. Il a fallu attendre le troisième colloque (à Saint-Flour) pour que soit officiellement créée la SILF en 1976. 324 de Compostelle et à Lugo en Espagne et a réuni des participants venus de vingt pays du monde entier. Placé sous la perspective fonctionnelle, le colloque a proposé trois thèmes-clés : emprunts, économie et variation linguistique. Vu l’ampleur, la diversité et la richesse des exposés prononcés, les éditeurs ont opté pour une répartition en neuf chapitres thématiques : Conférences plénières, Table ronde : Standard, sous-standard, néo-standard : l’italien et le français, Emprunts, Économie linguistique, Variation linguistique, Langue orale et langue écrite, Grammaire, Sémantique et Représentations. Ils ont rajouté un dernier chapitre portant sur le statut et la situation des études de français et d’italien en Espagne (Francisco Lafarga, Université de Barcelone, Président de l’Association des Professeurs de français des universités espagnoles, Isabel González, Université de Saint-Jacques de Compostelle). Les articles sont en français, en espagnol, en italien et en anglais. Au colloque, nous avons travaillé dans les sections Économie linguistique et Variations linguistiques. Dans ce compte-rendu, nous prêterons notre attention uniquement à la partie française. Les conférences plénières ont été consacrées à deux personnages emblématiques et incontournables de la linguistique du XXe siècle – à Ferdinand de Saussure (l’exposé Dimenticare Saussure? Standard linguististici tra mito, utopia e realtà funzionale de Tullio de Mauro et l’exposé Saussure au futur: Écrits retrouvés et nouvelles réceptions de François Rastier) et à André Martinet (l’intervention chargée d’émotion, très personnelle, de Madame Jeanne Martinet – André Martinet, linguiste et l’exposé d’Alexandre Veiga Le fonctionnement des oppositions phonologiques). Madame Martinet s’est tournée d’abord vers l’enfance savoyarde d’André Martinet, elle a esquissé le chemin parcouru par l’enfant qui, «perché sur sa poutre, ordonnait sur un cercle les voyelles du français » (p. 47). Elle raconte ses premiers contacts avec les Travaux de l’École de Prague présentés au 1er Congrès international des linguistes à La Haye en 1928, elle cite sa phrase « De 1933 à 1939, je me sentais presque membre du Cercle linguistique de Prague », elle survole la carrière ainsi que la production scientifique d’André Martinet, y compris son intérêt pour les entreprises qui touchent aux problèmes de la société et « comportent sans doute une part d’utopie » (l’alfonic, créé en 1970, baptisé d’abord GPM – Graphie phonologique Martinet, proposé comme moyen d’expression à des enfants bloqués par la crainte de faire des fautes). André Rastier a rappelé que «le corpus saussurien s’est accru de manuscrits et de cahiers d’étudiants qui permettent de nouvelles lectures, philologiquement établies, de la théorie saussurienne » (p. 73). Ces écrits n’étaient pas édités en 1956 quand Greimas a écrit L’actualité du saussurisme.2 Une table ronde animée par A. Tabouret-Keller, A.-M. Houdebine, E. Weider, U. Vignuzzi, A. Tossi et A. Stella a étudié la notion de standard en italien et en français. Madame Henriette Walter a rappelé les principes fondamentaux de la linguistique fonctionnelle et l’héritage du Cercle de Prague qui, dans les années trente du XXe siècle, a complété les principes saussuriens de base en établissant la primauté 2 Ce célèbre texte d’Algirdas-Julien Greimas est paru à l’occasion du 40e anniversaire de la publication du Cours de linguistique générale. Greimas offre un aperçu des extensions de la théorie saussurienne; celle-ci, dépassant les cadres de la linguistique, est reprise par l’épistémologie générale des sciences humaines. 325 du principe de pertinence communicative révélée par la commutation. Parmi les principes de la théorie élaborée par André Martinet (dont elle fut la collaboratrice3), H. Walter a évoqué la double articulation du langage, la dynamique des langues, la morphologie conçue comme l’étude des seules variantes des signifiants de monèmes. Anne-Marie Houdebine (Université Paris 5 – René Descartes) dans sa contribution Du français convergent et de l’imaginaire linguistique. Opérativité du modèle prête son attention sur l’ambiguı̈té de certaines notions telles que français standard, français moyen. Elle évoque son article de 1977 où elle propose de remplacer français standard par français standardisé. Avec Dauzat, elle lance des notions de système régulateur (qu’elle préfère à la notion de standard) et celle de français convergent. Elle développe le terme de l’Imaginaire linguistique qui concerne le rapport du sujet parlant à sa langue. L’étude d’Henriette Walter (Université de Haute-Bretagne) Les emprunts lexicaux et leur devenir, fondée principalement sur le corpus réuni pour ses ouvrages4 se propose d’établir un classement des différents types d’emprunts ; pour ce faire, H. Walter examine le parcours des lexèmes empruntés depuis la langue d’origine jusqu’à leur aboutissement final dans la langue emprunteuse. Madame Walter distingue ainsi les xénismes, lexèmes qui ont gardé plus ou moins leur forme qu’ils avaient dans la langue d’origine ; ceux-ci renvoient spécifiquement à des réalités du pays ou de la région où cette langue est pratiquée (datcha, isba, vodka, bonsaı̈, chorizo, paella, fado, vaudou). Les xénismes « naturalisés » désignent des réalités nouvelles dans la langue d’arrivée (ghetto, guérilla, putsch). Un exemple intéressant est celui de la douche, d’origine transalpine – empruntée à l’italien sous la forme de doccia présentée comme une curiosoté et décrite par Montaigne à son retour d’Italie. Parmi les emprunts purs et simples, ayant le même signifiant et le même signifié dans la langue de départ et dans la langue emprunteuse, H. Walter cite lavande, spray, kitsch, sieste, . . . Quant aux emprunts sémantiquement et grammaticalement modifiés, la langue emprunteuse leur ajoute de nouveaux sens ou leur confère d’autres fonctions grammaticales (cf. jogging en français – élargissement de sens, parking, lifting, smoking – restriction de sens). Les pseudo-emprunts n’existent pas dans la langue supposée comme langue de départ (recordman, tenisman), toute une série de pseudo-emprunts à l’espagnol est caractérisée par l’emploi d’un pseudo-suffixe espagnol – os : débilos, calmos, craignos, coolos. La dernière catégorie regroupe les calques, pures traductions de locutions/expressions d’une autre langue (la loca de la casa – la folle du logis, prêt-à-porter – ready to wear ). Les pseudo-emprunts sont observés également par Jolanta Mrozowska (Université de Gdańsk ). Son étude Formation des pseudo-emprunts et leur évolution 3 Rappelons Le dictionnaire de la prononciation française dans son usage réel, Droz, Paris, 1973 et la préface d’André Martinet du livre Le français dans tous les sens, Robert Laffont, Paris, 1988 (Grand Prix de l’Académie française). 4 Henriette Walter, Gérard Walter, Dictionnaire des mots d’origine étrangère, Larousse, Paris, 1991, 2e édition revue et augmentée, 1998, 427 pp. Henriette Walter, L’Aventure des langues en Occident, Leur origine, leur histoire, leur géographie, Robert Laffont, Paris, 1994, 498 pp., Préface d’André Martinet. Henriette Walter, L’Aventure des mots français venus d’ailleurs, Rober Laffont, Paris, 1997, 344 pp. (Prix Louis Pauwels). Henriette Walter, Honni soit qui mal y pense ou l’incroyable histoire d’amour entre le français et l’anglais, Robert Laffont, Paris, 2001, 352 pp. 326 sémantique traite uniquement les pseudo-anglicismes en tant que type le plus répandu. Andrée Tabouret-Keller (Université Louis-Pasteur, Strasbourg) examine Les emprunts de mots étrangers par le biais de sigles. Anne-Marie Houdebine (Université Paris 5 – René Descartes) observe des fonctions d’emprunts dans sa contribution De quelques emprunts en français contemporain et de leurs fonctions : Dire ou leurrer ? L’exposé comparatif de Maryse Privat (Université de La Laguna) Variation linguistique dans les proverbes français et espagnols est à mi-chemin entre deux thèmes abordés au colloque – variation linguistique et emprunts. Les recherches de M. Privat se centrent sur la parémiologie comparée entre l’espagnol et le français, surtout sur la représentation de la figure féminine dans ces deux langues. L’auteure constate que les proverbes traitant de la figure féminine sont essentiellement misogynes. Elle observe également la variation synonymique dans les deux langues ; le corpus espagnol présente beaucoup de doublets qui atteignent des chiffres incomparables avec leurs homologues étrangers, notamment français. La vitalité parémiologique hispanique devance donc largement son homologue français. Les proverbes espagnols sont plus imagés, l’expressivité est plus élevée. La notion d’économie linguistique selon André Martinet est développée par Montserrat López Díaz (Université de Saint-Jacques de Compostelle). Elle résume les principaux axes des ouvrages martinetiens – Économie des changements phonétiques (1955) et Éléments de linguistique générale (1960). Fluctuations grammaticales et principe d’économie sont exposés par Colette Feuillard (Université Paris 5 – René Descartes). Son objectif est « d’examiner si le principe d’économie appliqué à l’analyse de la dynamique phonologique est transposable au domaine de la dynamique grammaticale, à partir de l’observation du comportement du subjonctif et de ses fluctuations en français contemporain » (p. 205). Pour examiner le statut du subjonctif dans la langue, C. Feuillard prend en compte le point de vue fonctionnel5 et le point de vue de Guillaume.6 La distribution, la fréquence d’emploi et le rendement fonctionnel devraient permettre d’envisager l’élimination du subjonctif – il est soumis à des contraintes d’utilisation. Les contraintes d’emploi laissent néanmoins supposer l’existence de structures fermes. L’examen du système fait apparaı̂tre deux tendances contradictoires concernant le subjonctif : l’une favorable à son maintien, l’autre à sa suppression. Les enquêtes réalisées sous la direction de C. Feuillard par C. Lachet en 2003 ont révélé une concurrence nette du subjonctif par l’indicatif à l’oral, la production écrite a montré un fort maintien du subjonctif dans les contextes où il est imposé. C. Feuillard mentionne également une étude sur le français québécois portant sur l’emploi du subjonctif après les verbes falloir et vouloir ; l’emploi est plus élevé au XXe qu’au XIXe siècle. A remarquer que le français de l’Hexagone et le français québécois ont chacun leur dynamique propre. Nuria Rodríguez Pedreira (Université de Saint-Jacques de Compostelle) examine le principe d’économie appliqué aux syntagmes nominaux contenant un adjectif dénominal (L’Économie linguistique dans les adjectifs nominaux : ambiguı̈té et créativité ) en concluant « qu’il y a donc économie syntaxique mais coût inter5 A. 6 G. Martinet (sous la dir. de), Grammaire fonctionnelle du français, Didier, Paris, 1979. Guillaume, Temps et Verbe, 1ère édit. 1929, Honoré Champion, Paris, 1993. 327 prétatif si le contexte n’est pas éclairant » (p. 214). Alicja Kacprzak (Université de L ódź ) observe L’économie linguistique dans les terminologies scientifiques. Sa présentation démontre que la néologie des termes scientifiques met en jeu deux tendances contradictoires : d’un côté, on note une prolifération de termes à structure développée, longs et complexes, de l’autre, un grand nombre de termes à structure abrégée, réduite. A. Kacprzak souligne que les termes longs sont particulièrement performants du point de vue du sens. Elle constate que dans la langue générale, l’économie de la langue constitue un phénomène relativement homogène ; dans les terminologies scientifiques, l’économie de sens et l’économie de forme ne sont pas toujours solidaires. Christine Fèvre-Pernet (ERSS/Université Toulouse 2 ) se penche sur la langue de la publicité dans sa contribution intitulée Économie linguistique et genre textuel: les catalogues de jouets en présentant le genre «catalogue» et l’onomastique commerciale avec ses enjeux spécifiques. L’étude de Jitka Uvírová (Université Palacký d’Olomouc) Mot-valise, mot promis pour le XXIe siècle ? se tourne vers la créativité lexicale. Elle observe la composition d’éléments abrégés ainsi que la production de ce type de création, en comparant ce procédé lexical en français et en tchèque. Mohamed Maamri (Université Paris 7 – Denis Diderot ) rappelle différents types de réduction lexicale, María Isabel González Rey (Université de Saint-Jacques de Compostelle, étudie la Siglaison et les sigles : du procédé au produit. Son article fait partie du projet de recherche intitulé « La fraseología en la lengua y en el discurso : estudio de las expresiones fijas en el oral y en el escrito ». Philippe Marhic (Laboratoire Dynalang – SEM, Université Paris 5 – René Descartes) observe La Perte de sens des sigles et acronymes : un phénomène langagier contemporain. Après un bref historique constatant une augmentation exponentielle des sigles écrits et leur passage à l’oral, Marhic prend pour exemple la siglaison au Ministère de l’éducation nationale (MEN), très friand des sigles et « rendant ainsi son discours d’une opacité peu commune » (p. 240). Le non respect des sigles déjà existants est dangereux (ainsi par exemple PAF signifiant Plan académique de Formation peut être confondu avec Paysage Audiovisuel Français), surtout au sein d’un même établissement (C.P.E.N. et ses différentes significations). La course à la modification « siglique » (terme de Ph. Marhic) est comparable à l’argot qui, lui aussi, abandonne tout terme passé dans l’usage. « Nous dirigeons-nous vers un univers linguistique semblable à celui décrit par Orwell dans 1984 ? », se demande Ph. Marhic. Alexei Prikhodkine et Pascal Singy (Université de Lausanne) examinent les Variétés locales du français et normes cachées, résultats d’une recherche menée en Suisse romande. Ils se demandent pourquoi, dans certains cas, des variétés dépréciées, stigmatisées, dépourvues de capital symbolique, continuent à être utilisées. Les enquêtés devaient donner des images associées à l’accent vaudois par le biais d’une liste d’adjectifs (bon vivant, authentique, . . . ). Une question invitait les informateurs à donner leur avis au sujet du lien entre l’accent vaudois et le charme féminin; l’accent vaudois présenterait, selon les résultats de l’enquête, davantage de compatibilité avec le charme viril. Pascal Singy7 a présenté deux études également 7 Service de Psychiatrie de Liaison, Centre Hospitalier Universitaire Vaudois – CHUV. Il mène des recherches sur la communication médecin – patient. Auteur de L’image du français en Suisse 328 dans la section « Représentations » : Approche sémiologique de la formulation des questions dans le colloque singulier et Imaginaire linguistique au sein d’un réseau de soins psychiatriques : variations des normes subjectives, en tant que co-auteur avec Manuel Schaffer et Patrice Guex. Le réseau de soins médicaux lausannois constitué en association depuis 1999, a mandaté une équipe de chercheurs pluridisciplinaire, comptant parmi ses rangs des sociolinguistes, pour décrire et favoriser le fonctionnement de la filière psychiatrique. L’équipe a décidé de centrer l’analyse sur le niveau épilinguistique. Alice Richebon (École doctorale de la Sorbonne) rapporte les résultats d’une enquête sociolinguistique menée auprès de jeunes de banlieue, ciblée sur le sentiment d’insécurité linguistique et différenciation sexuée. Les filles sembleraient, selon ses recherches, plus enclines au sentiment d’insécurité linguistique. Coralie Thuilliez (Université Paris 5 – René Descartes) examine les variations non standard en français parlé (L’homme que je t’ai parlé ). L’étude de Françoise Mougeon (Université York, Toronto) s’occupe de la dernière génération de francophones à Frenchville en Pennsylvanie dont les habitants descendent de colons arrivés de la Haute-Marne, Haute-Saône et du Haut-Rhin entre 1830 et 1870. La contribution de Milena Srpová (Université Paris 3 – Sorbonne Nouvelle) porte sur l’analyse du traitement linguistique de la variété cognitivo-référentielle dans la traduction et sur le cadre interprétatif d’une telle analyse ; elle souligne la double dimension cognitivo-référentielle : celle de la culture de départ et celle de la culture d’arrivée, ouvrant une voie au « passage de la compétence passive à la compétence active » lors de l’apprentissage d’une langue étrangère. Olga Gavrilova et Liliya Morozova (Université linguistique d’État de Minsk ) présentent dans leur étude – L’Intonation et l’expressivité du discours oral les résultats d’une recherche réalisée à partir d’un corpus constitué par des textes écrits des degrés d’expressivité différents. Lydia Condrea (Washigton Academy of Languages, Seattle) analyse la présence de l’anacrouse dans les chansons traditionnelles françaises et anglaises. Son corpus consistait en 50 chansons françaises et 50 chansons anglaises. La longueur des unités linguistiques aux différents niveaux et la distribution des accents peuvent être liées à la présence ou à l’absence de l’anacrouse. François-Xavier Nève (Université de Liège) tente de caractériser L’anglais de ceux qui ne le parlent pas. Pour introduire sa communication au colloque, il a fait prononcer M. Steve Tsutomu Akamatsu, installé depuis un bon moment à Leeds en Angleterre, le même texte avec trois accents différents (BBC English, l’anglais des Indiens cultivés, l’anglais des Indiens parlant avec un fort accent « indien »). A noter l’ambiance plus qu’hilarante dans la salle à l’issu de cette démonstration. La contribution porte sur l’anglais « international » que pratiquent souvent les étrangers. L’anglais de ceux qui ne le parlent pas (ou qui ne le parlent pas bien) présente ordinairement des caractéristiques communes à la plupart d’entre eux, même s’ils ont des langues d’origine très différentes. Jorge Morais Barbosa (Université de Coimbra) se penche sur Le sens des soi-disant expressions figées dans le cadre de la linguistique fonctionnelle. Jackie Schön (Laboratoire Jacques Lordat, Université de Toulouse – Le Mirail ) examine les diverses manières dont l’opposition indicatrice de sexe se réalise linguistiquement. Erich Weider (Haute École Valaisanne/Hochschule romande, L’Harmattan, 1996. 329 Wallis) se demande si la Suisse risque d’être entraı̂née dans une aventure suicidaire (SWISSidaire), à un abandon des langues suisses au profit d’un idigestible SWISS gibberish8 , appelé maintenant de plus en plus SWINGLISH ou SWISSGLISH. Il prétend que c’est la Suisse alémanique qui est à l’origine du « mal ». En Romandie, on dit encore boire et conduire, pour les automobilistes germanophones, c’est drink and drive. La Suisse, longtemps un exemple remarquable de gestion du pluriliguisme, adopte de plus en plus aisément l’anglais. Weider va jusqu’à parler de suisside et de suissite aiguë. Avec Claude Hagège9, il est d’accord qu’en matière de langues, « La vigilance s’impose faute de quoi toutes sont menacées, y compris le français. » Il parle du devoir du linguiste et présente une association qui veut défendre le français (http://www.defensedufrancais.ch). Comme le constate F. Mougeon dans la discussion – « Votre mouvement de défense de la langue prend l’offensive ». En réponse, Weider admet que « la politique linguistique du Québec est à nos yeux plutôt exemplaire, mais elle serait malheureusement difficilement applicable en Suisse » (p. 525). Lioudmila G. Vedenina (Université de Moscou) dresse un tableau comparatif des contes en France, au Canada et en Russie en cherchant des traits communs ainsi que les particularités nationales qui les distinguent. Linda Essiambre (Université du Québec à Rimouski), Max Reinert (Université de Versailles), Pauline Côté (UQAR) et Nicole Chevalier (UQAM ) offrent Une analyse de corpus avec ALCESTE. Le logiciel ALCESTE devrait dégager les différentes fractures dans la distribution des mots. Les auteurs envisagent une nouvelle approche à caractère créatif qui mettrait en parallèle l’apprentissage du français et de la musique. De nombreuses similitudes entre le langage et la musique ont été relevées. Les auteurs rappellent le lien frappant entre la théorie de Chomsky et celle du musicologue Schenker.10 L’objectif d’ALCESTE est de quantifier un texte pour en extraire les structures signifiantes les plus fortes, d’en dégager l’information essentielle. La méthode procède par fractionnements successifs du texte. ALCESTE ne tient pas compte de la syntaxe mais des mots pleins, il travaille « en dessous » de la signification. Les actes démontrent l’ampleur de la problématique traitée au colloque. Ils rapportent le déroulement de la discussion, développant, complétant et précisant les exposés (transcription des questions et réactions de la salle/réponses des intervenants). Un seul fait serait peut-être à déplorer : les résumés, pourtant demandés pour la sélection des exposés, ne font pas partie des actes. Leur insertion aurait facilité la lecture de ce recueil représentatif. Jitka Uvírová 8 Le mot apparaı̂t en anglais au XVIe siècle, voir Chantrel, Glynnis, The Oxford Dictionnary of Word Histories, Oxford University Press, Oxford, 2002, p. 231. Basé sur « gibber », « jabber » ? Dérivé du nom de l’alchymiste Jabir ibn Hayyan (connu également sous la forme latinisée de son nom Geber) ? Chimiste et alchimiste d’origine perse et arabe, né autour de 721. Ses travaux étaient délibérément écrits suivant un code ésotérique – de manière à ce que seuls ceux ayant été initiés dans son code d’alchimie puissent les comprendre. On pourrait traduire le mot en français par charabia, jargon. Source : http://fr.wikipedia.org/wiki/Jabir Ibn Hayyan. 9 Halte à la mort des langues, Odile Jacob, Paris, 2000, Poches Odile Jacob, Paris, 2002. 10 H. Schenker, Der Freie Satz (traduction de E. Oster, 1979), Longman, New York, 1935. 330 Pierre Brunel : Voix autres, voix hautes. Onze romans de femmes au XXe siècle. Paris, Klincksieck, 2002, 221 pp. Pierre Brunel, professeur de littérature comparée à la Sorbonne et membre de l’Institut universitaire de France, est connu par des générations d’étudiants, enseignants et chercheurs en littérature, surtout pour être l’auteur principal des deux tomes de l’Histoire de la littérature française (Bordas, 1972, pour la première édition). Il est aussi l’auteur de nombreux essais et ouvrages sur le roman et la littérature moderne dont notamment Transparences du roman. Le romancier et ses doubles au XXe siècle. (José Corti, 1997), Glissement du roman français au XXe siècle (Klincksieck, 2001) ou bien Où va la littérature française d’aujourd’hui ? (Vuibert, 2002). Le présent ouvrage Voix autres, voix hautes s’inscrit dans le rang des études précédentes, comme dans le Glissement. . . , l’auteur tâche de montrer quels grands personnages d’écrivains ont marqué le XXe siècle, cette fois-ci avec un choix d’auteurs particulièrement motivé. Déjà le titre lui-même reflète la spécificité de l’ouvrage en comparaison avec les volumes précédents. C’est qu’il sera question uniquement d’auteurs féminins. Dans son introduction Pierre Brunel cite André Gide qui prétendait lire l’œuvre d’Anna de Noailles « à voix basse ». Par contre Brunel affirme que les romans de femmes méritent une telle attention qu’ils doivent être lus « à voix haute ». L’auteur présente les œuvres de onze femmes écrivains qui ont d’après lui marqué les étapes importantes de l’évolution de la littérature française du XXe siècle. Pour illustrer la situation du roman du côté des prix littéraires et aussi pour compléter son choix d’auteurs personnel, subjectif et forcément limité, il donne la liste de toutes les œuvres primées depuis 1904, du roman La Conquête de Jérusalem de Myriam Harry au Rosie Carpe de Marie Ndiaye en 2001. L’écriture des femmes écrivains ne se montre pas, d’après Pierre Brunel, tellement différente et « autre » de celle des auteurs masculins, si ce n’est que les femmes osent, le temps allant, évoquer leur sexualité « à voix haute ». L’ouvrage se compose de trois grandes parties, la première, intitulée « Les trois Colette », étudie le roman Le Visage émerveillé de la comtesse Anna de Noailles (1904), les œuvres Marie Claire et L’Atelier de Marie Claire de Marguerite Audoux (1910, 1920) et le fameux Le Blé en herbe de Colette (1923). La deuxième partie portant le titre « Des Mandarins au Samouraı̈ » rassemble des refléxions sur cinq auteurs et leurs œuvres. Il s’agit de Nathalie Sarraute (Portrait d’un inconnu, 1948), Marguerite Yourcenar (Mémoires d’Hadrien, 1951), Béatrix Beck (Léon Morin, prêtre, 1952), Françoise Sagan (Un certain sourire, 1956) et Marguerite Duras (Le Ravissement de Lol V. Stein, 1964). Dans la dernière partie sous le titre « La boı̂te de Pandore » l’auteur met en exergue les romans La Maestra de Vénus Khoury-Ghata (1996), Truismes de Marie Darrieussecq (1996) et déjà cité ci-dessus Rosie Carpe de Marie Ndiaye (2001). Pour présenter chaque écrivain, l’auteur se concentre sur la genèse du texte analysé, le situe dans le contexte de l’ensemble de l’œuvre de l’écrivain, rappelle la réaction de la société critique après sa parution ainsi que les échanges d’opinions entre auteurs elles-mêmes sur leurs œuvres à chacune. Ensuite, il tâche de relever certains motifs ou caractéristiques importantes pour l’œuvre en question. Si chez les trois premières femmes écrivains Brunel voit des éléments communs comme par 331 exemple celui du retour du motif du regard, des yeux bleus ou tout simplement de la couleur bleue si marquants au commencement du XXe siècle, dans le deuxième groupe de romancières il souligne plutôt les caractéristiques spécifiques propres à chaque auteur, la troisième partie de nouveau accentue le courage commun des femmes écrivains à rompre avec les tabous de la société contemporaine qui se reflète dans le développement des motifs de l’érotisme. Il est regrettable que le volume en question ne possède aucun index des noms, ce qui le rend plus difficilement accessible au lecteur, ni la bibliographie recommandée, il n’y a que quelques notes explicatives à la fin de chaque chapitre. L’information donnée par Pierre Brunel est dans sa diversité si abondante (une multiplicité de thèmes et allusions purement littéraires ou largement interculturelles entremêlées, un grand nombre de noms de gens connus pour l’époque étudiée, une diversité de regards) et à la fois fragmentaire, qu’il est parfois difficile de la cerner dans sa totalité, ce qui rend l’ouvrage en question certainement bien difficile pour un large public intéressé par la littérature française et le destine uniquement aux chercheurs qui ont déjà des connaissances solides de la situation autant politique que culturelle de l’époque où le roman concerné a été mis au monde. A cette condition-là, l’étude du professeur Pierre Brunel doit incontestablement enrichir chaque lecteur avide de nouvelles connaissances dans le domaine du roman français du vingtième siècle ainsi que lui apporter des lectures originales détaillées de différentes œuvres concrètes. Marie Voždová Jacques Lorcey : L’homme de chez Maxim’s. Georges Feydeau, sa vie. Du mariage au divorce. Georges Feydeau, son œuvre. Anglet, Atlantice-Séguier, 2004, tome I, 291 pp., tome II, 244 pp. Georges Feydeau, le grand maı̂tre du vaudeville et dramaturge dont les pièces ont toujours rempli (et ne cessent aujourd’hui encore de remplir) les salles des théâtres mondiaux, ne figure pas très souvent comme l’objet d’études littéraires et théâtrales sérieuses. Ce sont surtout la préface de Marcel Achard au premier tome du Théâtre complet de Georges Feydeau (1948, Éditions du Bélier), Georges Feydeau, première biographie mondiale écrite par Jacques Lorcey (1972, Éditions de La Table Ronde) et l’ouvrage analytique Le théâtre de Georges Feydeau (1979, Klincksieck) de Henry Gidel suivi de la biographie Feydeau de ce dernier (1991, Flammarion), qui comptent parmi les travaux les plus importants. Jacques Lorcey, comédien, metteur en scène et historien du théâtre français, l’auteur entre autres des biographies de Marcel Achard, Sarah Bernhardt, Sacha Guitry, Edmond Rostand ou de Jean Vilar, refond dans le présent travail, à la demande de son éditeur de la maison d’éditions Séguier, ses recherches d’autrefois, s’appuyant sur de nombreux documents récemment découverts et inconnus, il y a vingt ans. L’ouvrage se compose de deux tomes et il est préfacé par Michel Archimbaud. Le premier tome L’homme de chez Maxim’s. Georges Feydeau, sa vie. retrace le 332 portrait de Georges Feydeau l’homme et l’auteur. Jacques Lorcey à l’aide d’une solide documentation historique d’abord descend aux origines de la famille des Feydeau jusqu’au Hugues de Feydeau, « damoiseau, seigneur et baron de Néoux » (leur ancêtre du commencement du XIVe siècle). Il instruit le lecteur sur l’histoire de la famille et sur Ernest Feydeau, écrivain et père de Georges Feydeau. Lorcey peint le tableau non seulement de la vie de famille des Feydeau mais aussi de leurs amis intimes comme Gautier ou Flaubert et autres gens importants de l’époque. La vie de Georges Feydeau est racontée en liaison étroite avec la création et les représentations de ses pièces, de ses premiers succès et années de mariage jusqu à sa séparation et son séjour de long terme à l’hotel Terminus, sa maladie et son départ. Le deuxième tome Du mariage au divorce. Georges Feydeau, son oeuvre. se compose de deux chapitres et de huit annexes. Il est ciblé sur l’œuvre théâtrale de Georges Feydeau. Dans le premier chapitre, intitulé « Un humour sans réplique » l’auteur tâche de donner la caractéristique de l’humour feydeauien et insiste sur le côté ironique voire absurde de celui-ci. Suit une vingtaine de pages des répliques comiques chères à l’auteur, un parcours à travers toute la dramaturgie feydeauienne, organisé en plusieurs groupes d’après les motifs-clefs. Dans le deuxième chapitre « Le roi de la Belle-Époque », l’auteur essaie d’abord de présenter la personnalité du grand dramaturge. Analysant la documentation historique, il met en question toutes les « vérités absolues » dites, écrites et répétées sur l’auteur, mais jamais objectivement prouvées : il n’existe aucune preuve ni de ses conquêtes amoureuses, ni de sa passion dite fatale pour le jeu, ni autant de son homosexualité. Les rares lettres et souvenirs ne montrent qu’un grand admirateur et collectionneur de peinture, sinon un homme fatigué, mélancolique, résigné et affectivement indifférent. « Cet étrange et grand bonhomme, dont l’œuvre parle constamment de ce qu’il n’a peut-être jamais connu : le véritable amour », comme l’écrit l’auteur. Dans la suite de son œuvre, Lorcey met en exergue la période feydeauienne de la Belle Époque, relève les circonstances historiques et consacre une partie fort intéressante à la situation difficile de la femme dans la société de l’époque. Il dévoile aussi d’autres aspects inquiétants de l’âge idyllique comme l’augmentation de l’alcoolisme ou la destruction de la cellule familiale. Même si, d’après lui, le théâtre comique ne permet à Feydeau de refléter la situation historique de l’époque dans sa complexité, il montre bien « un panorama assez complet des différentes classes sociales. » De nombreuses annexes enrichissantes documentent la portée des recherches interdisciplinaires de Jacques Lorcey. Parmi les plus intéressants documents appartiennent La mort du vaudeville et du mélodrame, texte feydeauien jusqu’à maintenant inédit datant du 1905, dans lequel Georges Feydeau polémise avec ses adversaires sur le futur du genre, ainsi que l’extrait du carnet de poche de Feydeau, où il « notait idées, réflexions ou observations plaisantes, dans l’espoir de les utiliser ensuite ». Suivent la filmographie française des pièces feydeauiennes, leurs reprises les plus importantes, la bibliographie complète commentée, une centaine de pages des sujets détaillés de toutes les œuvres feydeauiennes y compris les monologues moins connus et enfin la présentation des interprètes célèbres des rôles les plus importants du théâtre de Georges Feydeau. L’ouvrage se renferme par l’index des œuvres citées dans les deux tomes. 333 De documentation rigoureuse, le livre apporte de nouvelles informations, dévoile des témoignages inconnus, ne se contente pas des faits largement admis mais jamais sérieusement vérifiés, essaie de bouleverser les clichés pseudohistoriques, mené par le seul souci de clarté et d’objectivité le plus grand possible. A part la rigueur scientifique, l’œuvre témoigne de la vive sympathie de l’auteur pour le personnage de Georges Feydeau si mystérieux, compliqué et incompris par son entourrage, de quelqu’un qui donnait aux autres le cadeau de la joie et du rire et qui pourtant en réalité vivait dans l’isolement et la tristesse absolus. Tout en appréciant le travail exhausif et minutieux de l’auteur, il nous faut quand même constater que c’est bien l’historien, le chercheur et documentariste qui nous parle à travers le livre, alors que le lecteur avide d’analyses approfondies du théâtre de Georges Feydeau reste quelque peu sur sa faim. Néanmoins, le présent travail de Jacques Lorcey, comme ses autres volumes, intéressera assurément les chercheurs, étudiants, historiens, théoriciens ou amateurs du théâtre français et s’imposera pour longtemps (nous allions même dire pour toujours !) comme la source unique de l’histoire de la vie et de l’œuvre de Georges Feydeau. Marie Voždová Magali Boursier, Morgan Batoz (éds.) : Études françaises en Slovaquie, Volume X, Bratislava, Institut français de Bratislava, 2005, 164 pp. Le dixième volume de la série philologique à parution plus au moins régulière des Études françaises en Slovaquie se veut monothématique. Il représente les actes du colloque international d’études françaises portant le titre La littérature et la langue françaises à l’aube du XXIe siècle, tenu à la Faculté des lettres de l’Université de Prešov en octobre 2005. L’ouvrage comporte au total treize contributions (parmi elles une bilingue français/slovaque) dont les auteurs sont des chercheurs en philologie et philosophie, de même que les représentants des institutions culturelles de Slovaquie, France et République tchèque. Les différents articles abordent une variété de thèmes de recherche contemporains liés par un élément commun de modernité et d’actualité. Les plus nombreuses se font les études littérairaires où la plupart des auteurs examinent l’œuvre d’un écrivain contemporain sous différents points de vue critiques « postmodernes ». Zuzana Malinovská-Šalamonová (Université de Prešov, Prešov) s’interroge sur la littérature en tant que sujet et à la fois objet de narration et illustre ses réflexions sur l’exemple du roman houellebecquien Plateforme. Sylviane Coyault (Université Blaise Pascal, Clermont-Ferrand) met en exergue le rôle constitutif des métaphores du mouvement et du rythme dans l’écriture échenozienne. D’après elle, les descriptions dynamiques liées à l’usage ludique de la vitesse ainsi que leurs antipodes tels que le vide et l’absence d’action et de mouvement, y incarnent la double face de la vie moderne. Eva Beránková (Université Charles, 334 Prague) situe l’œuvre de Sylvie Germain à l’opposé des caractéristiques couramment attribuées à la prose contemporaine. Elle présente les deux premiers romans de l’auteur comme de longues fresques historiques bâties sur les procédés romanesques classiques. Montrant le rôle des personnages multiples, du narrateur omniscient, des trois niveaux temporels (linéaire, mythique, intemporel), elle qualifie les romans germainiens de « mythologiques ». A son tour, Ján Drengubiak (Université de Prešov, Prešov) s’attache à analyser la triple présence du motif du labyrinthe dans le roman Ma vie parmi les ombres de Richard Millet matérialisé par des lieux de rencontre du passé et des morts. Kateřina Drsková (Université de Bohême du Sud, České Budějovice) se concentre sur les traductions tchèques des romans Le voyage au bout de la nuit et Mort à crédit de Louis-Ferdinand Céline. Elle compare les textes traduits dans les années trente du vingtième siècle par Ladislav Zaorálek aux traductions plus actuelles d’Anna Kareninová. Enfin, Andrea Tureková (Université Comenius, Bratislava) relève l’approche novatrice des motifs de la passion et de la vertu de Robert Challe, l’auteur du 18e siècle, dans Les Illustres, œuvre connue à l’époque, puis oubliée et redécouverte à la moitié du XXe siècle. Les auteurs des quelques études à visée linguistique s‘attachent à mettre en perspective les questions de la recherche actuelle sur la langue. Ainsi, Karel Sekvent (Université de Prešov, Prešov) fait le bilan des différentes approches théoriques récentes et actuelles sur l’étude de la métaphore et de ses types. Puis Katarína Chovancová (Université Matej Bél, Banská Bystrica) dans son étude originale accompagnée de nombreux exemples, analyse du point de vue de la ponctuation le phénomène actuel du discours spontané du chat. Elle montre comment, situé à mi-chemin entre l’oral et l’écrit, le dialogue du chat relève l’absence des signes couramment utilisés à l’écrit (autant au niveau du mot que de la phrase) et au contraire déborde par des signes exprimant l’expressivité. L’article de Ondřej Pešek (Université de Bohême du Sud, České Budějovice) est consacré à la définition et au fonctionnement des unités textuelles de « connecteurs » en langue tchèque et en français. Le troisième groupe d’études porte sur les aspects culturels et sociaux de la civilisation moderne. Katarína Kupčihová (Université de Prešov, Prešov) consacre son article rétrospectif à l’histoire de l’enseignement du français à l’Université de Prešov. Elle décrit les étapes parfois difficiles de celui-ci ainsi que son état actuel, et en donne une vision pour le futur. Agnesa Fanová (Université Comenius, Bratislava) raconte dans une perspective intercurturelle franco-slovaque, les moments importants où l’histoire rapproche les deux pays. Nathalie Roussarie (Association Jan Hus, Paris) dans sa contribution rappelle l’histoire de la fondation de l’Association Jan Hus et les objectifs de son existence. De même elle rend hommage à Jacques Derrida, l’un de ses fondateurs récemment décédé. Pour conclure le volume, Gérard Wormser (Association Jan Hus, Paris), s’appuyant sur de nombreux articles, examine l’activité sartrienne dans les premiers numéros des Temps modernes ainsi que la genèse de sa Morale. Même si le niveau de contributions diffère, si quelques interventions s’éloignent du thème central et malgré quelques imperfections du registre formel, surtout l’utilisation confuse des notes bibliographiques, la présence irrégulière de bibliographie finale pour chacun des articles, ainsi que la négligence de la face graphique par certains auteurs, ce beau volume collectif fait dans son ensemble honneur au groupe 335 des participants du colloque international à Prešov et enrichit la série éditoriale des Études françaises en Slovaquie. Marie Voždová Patrice Pavis : Dictionnaire du théâtre [Divadelní slovník], Divadelní ústav, Praha, 2003, 493 pp. (Traduction de Daniela Jobertová) Patrice Pavis, professeur d’études théâtrales à l’Université Paris VIII, compte parmi les plus importants théoriciens du théâtre actuels. Ses ouvrages tels que Problèmes de sémiologie théâtrale (Montréal, Presses de l’Université du Québec, 1976), Voix et images de la scène. Vers une sémiologie de réception (Lille, Presses universitaires de Lille, 1985), Marivaux à l’épreuve de la scène (Paris, publications de la Sorbonne, 1986), Le théâtre au croisement des cultures (Paris, Corti, 1990) ou L’Analyse des spectacles (Paris, Nathan, 1996) portent sur la théorie dramatique et la mise en scène contemporaines ainsi que sur l’analyse et l’interprétation du texte dramatique. Le présent Dictionnaire du théâtre a connu jusqu’à maintenant trois éditions (en 1980, 1987 et 1996) et il a été traduit en une dizaine de langues. La dernière édition, entièrement refondue, corrigée et augmentée par l’auteur, avec la préface d’Anne Ubersfeld, spécialiste du théâtre mondialement reconnue, a été publiée à Paris chez Dunod en 1996, puis de nouveau en 2002 chez Armand Colin. La version tchèque du livre, réalisée par Daniela Jobertová et publiée par Divadelní ústav (Institut du théâtre) à Prague avec l’aide du ministère français de la Culture et en particulier du Centre national du livre, élargit à son tour le nombre des traductions de ce dictionnaire original et important. L’auteur lui-même a honoré cette édition tchèque par un Avant-propos spécial. Il s’y souvient de ses voyages pragois, de ses relations avec des amis du Cercle linguistique de Prague, notamment Miroslav Procházka, beau-fils du théoricien Felix Vodička, dont la maison servait de lieu de rencontre aux sémioticiens, et exprime la joie que son dictionnaire paraı̂tra en langue tchèque, « langue d’Otakar Zich, Jiří Veltruský, Felix Vodička, Jan Mukařovský et Miroslav Procházka ». Dans sa préface, Anne Ubersfeld rappelle que le Dictionnaire. . . représente le résultat de vingt années de recherche de son auteur dans le domaine du théâtre et qu’il offre un grand nombre d’articles dans leur contexte actuel ainsi qu’en leur situation historique et en leurs spécificités éventuelles dans les différentes théâtrologies nationales. D’après Ubersfeld, le Dictionnaire. . . montre des problèmes « d’une pratique double, à la fois littéraire et artistique, éternellement inscrite entre les pages d’un livre, mais aussi vivante, provisoire, fugace sur une scène.» Elle souligne que Patrice Pavis est familiarisé avec les domaines de recherche français, anglo-saxon, allemand ou slave et reflète ainsi dans son œuvre les théories américaines et européennes. 336 L’auteur lui-même, à son tour, explique que ce nouveau texte basé sur la tradition théâtrale occidentale « tient compte des innovations des années quatre-vingt-dix et de la dimension interartistique, interculturelle et intermédiatique du théâtre d’aujourd’hui. » Son but était d’éclaircir des termes critiques embrouillés, qu’il s’agisse de notions qui traversent les époques ou de celles qui ne sont liées qu’à un moment historique donné, et de montrer le vaste phénomène du théâtre dans son évolution. Dans l’index thématique qui suit, l’auteur regroupe les termes recensés dans huit catégories : la dramaturgie, le texte et le discours, l’acteur et le personnage, les genres et les formes, la mise en scène, les principes structuraux et les questions d’esthétique, la réception du spectacle et enfin la sémiologie. Les différents articles du dictionnaire encyclopédique en question sont rangés par ordre alphabétique. L’auteur donne pour tous les termes français leurs équivalents en anglais, en allemand et en espagnol et l’édition tchèque y ajoute en premier lieu l’expression tchèque. Chaque entrée se compose d’abord de la définition générale du terme, puis de son illustration à l’aide des exemples des textes dramatiques de diverses époques, nationalités ou esthétiques, de son évolution historique et de ses interprétations critiques différentes. Viennent toujours, à la fin des entrées, de nombreux renvois aux autres termes proches ainsi que le choix de la bibliographie spécifique concernant le terme en question. Le livre se referme par une importante bibliographie comptant plus de mille ouvrages critiques recommandés et par l’index des noms propres. Les informations données dans les nombreuses entrées dans la partie du dictionnaire traité avec un souci de clarté, la riche bibliographie finale qui ouvre et propose d’enrichir des pistes de recherche dans le domaine du texte et de la représentation de théâtre, ne sont que quelques aspects positifs du présent volume. Patrice Pavis a créé avec son Dictionnaire du théâtre un ouvrage qui se fera nécessaire et indispensable à tout étudiant, théoricien ou praticien du théâtre et qui enrichira chaque lecteur avide de connaissances des notions critiques souvent couramment rencontrées dans le domaine de l’art. D’une disposition graphique claire, limpide et agréable, l’ouvrage s’imposera pour longtemps comme un manuel théâtrologique de base. Pour conclure, il ne nous reste qu’à féliciter l’auteur pour son travail magnifique et précieux de même que la traductrice pour sa traduction précise réussie, fidèle à l’original dans la mésure du possible et à la fois adaptée aux lecteurs tchèques. Marie Voždová Jérôme Wannepain : Francophonie et diversité linguistique, Opera romanica 7. České Budějovice, Jihočeská univerzita, 2005, 272 pp. En mars 2005, durant trois jours, se sont réunis à České Budějovice, à l’occasion de la journée internationale de la francophonie, une trentaine de chercheurs, diplomates et enseignants francophones de la République tchèque, de la Slovaquie, de la 337 France, de la Belgique, de la Pologne, de la Hongrie, de la Bulgarie et de la Roumanie. Outre l’opportunité de la date, deux thèmes très vastes les ont rassemblés : la francophonie et la diversité linguistique. Ces deux thèmes sont en vérité deux réalités qui révèlent dans leur confrontation que l’identité de la francophonie ne peut et ne doit se fonder que sur sa diversité. De ces deux thèmes se sont dégagés trois ensembles de problèmes qui correspondent à la division des Actes de la conférence. Le premier qui s’intitule « Langue et civilisation» interroge les possibilités de promotion de la langue française en Europe et dresse un bilan de la place qu’occupe aujourd’hui le français en Europe, notamment dans le domaine de l’enseignement. Parmi les articles les plus intéressants de cette partie, on peut citer les contributions de Sandra-Maria Ardeleanu (Université de Suceava) Le rôle du français dans le renforcement du plurilinguisme européen, Jaromír Kadlec (Université Palacký d’Olomouc) La francophonie monégasque et Jean-Pierre Goudaillier (Université René Descartes, Paris V) De la loi Bas-Lauriol au rapport Benisti : 30 ans de législation linguistique (1975–2005). Le second ensemble intitulé «Langue et linguistique» essaie d’une part de définir et de promouvoir une recherche linguistique francophone en Europe et d’autre part présente un certain nombre de résultats de cette recherche entre autres au Québec, en France et en Pologne en se tournant également vers la traductologie. Parmi les communications présentées, on peut mentionner celles de Jitka Uvírová (Université Palacký d’Olomouc) Le souffle de la néologie en France et au Québec, Amr Helmy Ibrahim (Université de Franche-Comté, Besançon) Quelle recherche fondamentale en linguistique pour la promotion de la francophonie en Europe et Jacqueline Guillemin-Flescher (Université Denis Diderot, Paris VII) Traduction et diversité des langues. Enfin, le troisième ensemble « Langue et littérature » présente plusieurs auteurs et ouvrages francophones et insiste sur la problématique de la diversité des littératures francophones. Le problème posé y est celui de l’identité de la littérature, identité dans la diversité. Les articles orientés vers la littérature sont représentés dans les Actes entre autres par ceux de Renie Yotova (Université St. Kliment Ohridski de Sofia) La mise en scène de l’incommunicabilité dans L’impératif présent de Michel Tremblay, Zined Ali-Benali (Université de Vincennes, Paris VIII) La langue du cheval de Troie sur la côte sudique de la Méditerranée et Gabriella Tegyey (Université de Veszprém) La réécriture des genres, trois récits d’Anne Hébert. Les Actes de la conférence Francophonie et diversité linguistique prouvent la réussite de l’événement et son niveau élevé et démontrent l’utilité de ces rencontres scientifiques qui permettent de reconstruire et de reformuler la francophonie dans le nouveau contexte géopolitique installé avec le troisième millénaire. Jana Doležalová 338 Javier Suso López – Rodrigo López Carillo : Le français face aux défits actuels. Histoire, langue et culture. Grenade, APFUE – GILEC Universidad de Granada, 2004, 2 volumes, 850 et 788 pp. L’ouvrage est constitué par les travaux (conférences, tables-rondes, communications) effectués lors du VIe Congrès International de Linguistique Française qui s’est tenu du 4 au 6 novembre 2004 dans les locaux de l’Université de Grenade. Le sujet du congrès, Le français face aux défits actuels : histoire, langue, culture, souligne l’interdépendance de la langue et des représentations socioculturelles, le poids de l’histoire dans la constitution de celles-ci (de la langue et de la culture) et, en troisième lieu, le fait que le français et la culture que la langue véhicule sont confrontés à un double enjeu : les nouvelles technologies et la globalisation. Les chercheurs de 50 universités et de 13 pays différents, dont Madagascar, la République Yakoute (qui fait partie de la Fédération Russe), la Turquie, la Lettonie, la République Tchèque ont partagé leurs travaux, leurs réflexions, mais aussi leurs difficultés et leurs expériences. Les communications sont regroupées autour de plusieurs axes de réflexion. Les nombreuses interventions ont obligé les éditeurs à répartir ces domaines de travail en deux volumes. Le premier volume regroupe les conférences de Bernard Cerquiglini, Délégué général à la langue française et aux langues de France, de Claude Hagège, professeur au Collège de France, et de Daniel Blampain, professeur à l’Institut supérieur de traducteurs et interprètes de Bruxelles, les tables rondes, orientées vers la traduction espagnol-français, français-espagnol, grammaire comparée espagnol-français, français-espagnol et l’enseignement du français langue étrangère et les nouvelles technologies, et les domaines suivants : théorie linguistique, histoire de la langue française, phonétique et phonologie, morphologie et syntaxe, pragmatique et analyse du discours. Le deuxième volume comprend les domaines suivants: lexicologie, lexicographie et sémantique, dialectologie et sociolinguistique, traduction, méthodologie de l’enseignement du français langue étrangère, linguistique computationnelle et informatique. La République tchèque est représentée par les contributions de Jaromír Kadlec (À propos de la norme linguistique du français québécois, volume II, section Dialectologie et sociolinguistique, p. 189–194) et de Slavomíra Ježková (Les relations entre le français et le tchèque, volume I, section Histoire de la langue française, p. 195–200). Les Actes intitulés Le français face aux défits actuels : histoire, langue, culture manifestent le développement de la recherche en linguistique française en Espagne, puisque trente universités espagnoles y sont représentées ainsi que la richesse des travaux réalisés lors du VIe Congrès International de Linguistique Française. Jana Doležalová 339 Marie Voždová, Slavomír Míča (éds.) : Romanica Olomucensia XVII, Université d’été Langue(s) et langages, Philologica 90. UP, Olomouc, 2006, 221 pp. A l’occasion de l’organisation de la XVe Université d’été de la Fondation Jan Hus de Brno et de Bratislava et de l’Association de Jan Hus de Paris, le département des études romanes de la Faculté des Lettres de l’Université Palacký à Olomouc, a édité, sous la direction de Marie Voždová et de Slavomír Míča, le présent recueil Romanica Olomucensia XVII, Actes de la XVe Université d’été de l’Association Jan Hus. L’Université d’été, qui a été de nouveau un lieu d’échanges interdisciplinaires (communications littéraires, philosophiques, historiques et aussi politiques) a rassemblé des professeurs, chercheurs, doctorants et étudiants tchèques, slovaques et français autour de conférences et d’ateliers thématiques dans les locaux historiques de l’ancien couvent des jésuites d’Olomouc. Ce colloque international qui avait pour thème « Langue(s) et langages », s’est déroulé du 6 au 8 juillet 2006. Ainsi, la publication de ce recueil est le résultat de l’effort considérable déployé par les organisateurs de la dernière Université d’été et démontre l’utilité des rencontres autour des problématiques posées par tous les participants. Ce recueil est découpé en trois parties dont la seconde est essentielle. Après l’avant-propos de Marie Voždová, dans le Prologue, Milan Jelínek, professeur et recteur émérite de l’Université Masaryk de Brno, rappelle les années du régime totalitaire restauré après le « Printemps de Prague ». « Les principaux intellectuels tchécoslovaques furent chassés des milieux académiques et des écoles, isolés de leurs élèves et, avant tout, privés de tout contact avec le monde démocratiques environnant ». Suit l’index des « Editions clandestines d’avant 1989 » présenté par Vladimir Jochmann. Ensuite, Nathalie Roussarie (secrétaire générale de l’AJH), dans sa courte contribution « Association Jan Hus – Objectifs généraux », retrace la longue histoire de cette association, qui a été fondée par un groupe d’enseignants français, en 1981. « Elle avait pour but de fournir une aide matérielle et surtout intellectuelle aux universitaires et aux étudiants tchécoslovaques qui n’avaient plus la possibilité de poursuivre leurs travaux et leurs études du fait de la répression dont ils étaient victimes : exclus des Universités, ils exerçaient des métiers manuels pour vivre et ils souffraient de leur isolement intellectuel ». Depuis 1991, l’association Jan Hus collabore activement avec de nombreuses structures de l’enseignement français et c’est justement grâce au soutien financier de l’Agence Universitaire de la Francophonie et du Ministère des Affaires Étrangères français que les Universités d’été peuvent se dérouler. La dernière contribution du Prologue est celle de Marcela Sedláčková (Académie des sciences de République tchèque) qui retrace l’histoire de toutes les Universités d’été, suivi par la liste des quinze villes organisatrices et thèmes proposés dans toute l’histoire de l’Université d’été. Mais avant tout, ce présent recueil renferme vingt-trois contributions présentées par les professeurs, chercheurs et doctorants et offre toute une série de sujets concernant plusieurs domaines scientifiques. Parmi les articles les plus intéressants, nous pouvons mentionner par exemple les deux contributions de Marie Voždová. Dans la première, « La langue où l’on habite ? », la chercheuse essaie de proposer 340 une réfléxion sur la thématique de la langue à partir de l’analyse de deux extraits littéraires, l’un de Karel Čapek (« Éloge de la langue tchèque ») et l’autre de Jean-Marie Gustave Le Clézio (« Éloge de la langue française »). Dans sa seconde contribution « Georges Feydeau et la langue de l’autre », Voždová porte son attention sur la langue en tant que source principale du comique feudeauien. Elle constate que Georges Feydeau « nous montre des héros portant atteinte à la langue française. Il les ridiculise dévoilant et accentuant leurs défauts, mais les rend à la fois plutôt sympathiques au lecteur et au spectateur. » Au contraire, les poèmes de Robert Desnos (des années trente jusqu’à la guerre) sont l’objet d’analyse complexe de Colette Guedj. Dans son article « La langue poétique de Robert Desnos ou l’ ‘exploration des limites’ », Guedj démontre que son œuvre peut être envisagée comme un constant rapport à la langue. Lena Jakubčáková, dans la contribution « La prière et le langage de la poésie spirituelle de Péguy », aborde la question de la poésie spirituelle. Pour objet de sa réflexion, elle prend comme exemple le poète catholique du début du XXe siècle, Charles Péguy. La variété d’expression de Villiers de l’Isle-Adam est le thème de la recherche de Eva Voldřichová Beránková (« A la recherche de la langue perdue »). Zuzana Malinovská-Šalamonová (Université de Prešov ; « De la langue-contrainte à la langue-liberté ou le français aux parfums d’Afrique »), analyse avec l’exemple du récit « Allah n’est pas obligé » de l’auteur africain Ahmadou Kourouma « le rapport ambigu des écrivains noirs d’Afrique francophone à la langue de l’ancien colonisateur ». Enfin, pour les contributions littéraires, on ne peut pas oublier d’autres articles, celui de Slavomír Míča (« Multiplicité des langues de Raymond Queneau »), de Madeleine Valette-Fondo (« Langue des origines ; origines du langage : Jean-Pierre Brisset et Louis Wolfson, Henri Michaux et Michel Leiris »), de Zuzana Ševčíková (« ‘La conception’ quignardienne de la langue »), de Jan Drengubiak (« Le langage de la laideur et la laideur des langues »), de Liana Masia (« Les cris d’une jeune fille dérangée »), de Jan Zatloukal (« Ecrivain exilé et sa langue : le cas de Jan Čep ») et de Květuše Kunešová (« Expresivité de la langue de Boris Vian »). Dans ce volume, on trouve aussi quelques contributions dans le domaine philosophique et politologique. Ainsi, c’est Josef Fulka, qui réfléchit, dans « La lettre, le signifiant et la vérité », sur la polémique entre Jacques Derrida et Jacques Lacan concernant la position du signifiant dans l’inconscient. Au contraire, Roger Guedj, dans la contribution « Organisation et structure de langage dans la chimie du vivant », nous fait connaı̂tre l’utilisation de la « langue chimique » en présentant comment les symboles chimiques composent les unités supérieures à eux-mêmes, c’est-à-dire que dans la chimie on est capable d’utiliser sa propre langue. Pour conclure ce domaine, on mentionne encore les textes de Marek Petrů (« La langue et la conscience »), de Barbora Čákovská (« Suppositions de dicto et de re »), de Michaela Fišerová (« De la sémiologie à l’errance, Roland Barthes à propos du langage photographique », de Yann Kilborne (« Silence et langage »), de Jacques Message (« Langue et immédiateté ») et de Jean-Claude Eslin (« L’enfant et la langue maternelle dans la coexistence des cultures »). Dans la partie finale du présent recueil, on trouve encore plusieurs suppléments, tout d’abord celui du programme original de l’université d’été d’Olomouc 2006, ensuite celui de la liste des participants suivi par quelques photos montrant aux lecteurs l’ambiance amicale de la rencontre scientifique. En bref, ce volume se ter- 341 mine par la liste de tous les noms utilisés ce qui facilite l’orientation du lecteur. On peut recommander ce présent recueil à tous ceux qui s’intéressent à la littérature, à la philosophie, à l’histoire et aussi à la politique de n’importe quel point de vue. Martin Kučera Anne Ubersfeld : Paul Claudel poète du XXe siècle. Mayenne, Actes Sud – Papiers, 2005, 286 pp. Anne Ubersfeld, professeur émérite à l’Université de Paris III – Sorbonne depuis 1988, s’intéresse principalement à la théorie du théâtre et au théâtre contemporain (elle se concentre surtout sur les grands hommes de théâtre depuis Hugo jusqu’à Vinaver). C’est à partir de 1962, qu’elle se consacre à l’analyse du théâtre de Victor Hugo (Ruy Blas, Annales de l’université de Besançon, 1971 ; Paroles de Hugo, Messidor, 1985 ; Le Roman d’Hernani, Mercure de France, 1985). Son ouvrage de référence, Lire le théâtre, a été publié en 1995. Mais en tout cas, il ne faut pas oublier d’autres recueils du même auteur consacrés au théâtre, comme par exemple Le Théâtre et la Cité (Bruxelles, 1991) ou Antoine Vitez, metteur en scène et poète (Les Quatre-Vents, 1994). Dans l’étude Paul Claudel poète du XXe siècle, la chercheuse a pour objectif l’analyse de la vie et de la conception du théatre de Paul Claudel. Il compte parmi les auteurs dits d’inspiration spirituelle ou religieuse de la première moitié du XXe siècle et comme Anne Ubersfeld constate dans la préface, c’est un « poète de la planète : il est l’homme que son travail de diplomate conduit à travers le monde, d’un pôle à l’autre ». Le théâtre de ce poète, auteur dramatique, essayiste et en même temps fonctionaire du Ministère des Affaires Etrangères (par exemple consul à Prague) est appelé « théâtre total ou cosmique ». Il s’agit d’une synthèse de diverses traditions et on le comprend aussi comme la synthèse de diverses moyens de mise en scène. L’étude est découpée en trois parties – « La vie », « L’œuvre » et « Le monde de Claudel » –, dont les deux premières sont encore subdivisées en plusieurs thèmes. Dans « La vie », on a pour objet par exemple les données biographiques (lieu d’origine, origines familiales), les sources d’inspiration ou les « éléments capitals » (la lecture d’Arthur Rimbaud, la vocation pendant les vêpres à Notre-Dame de Paris ou la mort du père). Ainsi, dans la première partie, on aborde toutes les influences sur le jeune poète en analysant son œuvre. De point de vue de l’auteur, Claudel trouve le mode d’écriture théâtral avec Tête d’or, mais son théâtre repose sur trois piliers – Tête d’or, L’Annonce faite à Marie (la pièce la plus célèbre et la plus jouée, son chef-d’œuvre « populaire ») et Le Soulier de satin. Mais dans l’étude, Anne Ubersfeld propose l’analyse de toute l’œuvre. Ainsi, on y trouve par exemple l’analyse du drame de la passion Le Partage de midi (l’un des drames autobiographique), de la trilogie L’Otage ou du Protée. Dans « L’œuvre », l’auteur analyse la pensée, l’esthétique, le théâtre et l’importance de la Bible pour la création de Claudel et aborde aussi la question du 342 vers claudélien. « Le vers claudélien est une unité de sens, et la pause qui le suit et l’ « achève » permet au lecteur-auditeur d’entendre les éléments dont il est fait, sa composition ». Sur l’exemple du Soulier de satin, elle essaie d’expliquer la base du théâtre claudélien de manière originale. Suit la courte troisième partie « Le monde de Claudel » par laquelle elle ferme ce présent recueil. Vient encore la chronologie avec les dates précis de la vie et de la rédaction des œuvres de Paul Claudel, la bibliographie sélective et la parution de quelques ouvrages sur Paul Claudel et son œuvre. Au contraire des études précédentes tchèques et français, par exemple le recueil des essais de Miloš Marten consacré à plusieurs écrivains, Kniha silných de 1909 ; ou Paul Claudel de J. Samson, Paris 1947 ; l’étude, Paul Claudel poète du XXe siècle, semble d’être plus complète dans son contenu aussi bien que dans sa quantité. En dernier lieu, l’étude qui crée l’image détaillée du « poète-ambassadeur », s’imposera pour longtemps comme une source de travail nécessaire à tout chercheur qu’intéresse le personnage du poète catholique Paul Claudel ainsi que son œuvre. Martin Kučera Ivana Čeňková – Miroslava Sládková – Jovanka Šotolová : Dialogue des cultures : interprétation, traduction. Praha, Univerzita Karlova, 2006, 210 pp. L’Institut de Traductologie de l’Université Charles a organisé du 3 au 5 novembre 2005 en collaboration avec l’association Gallica et l’Union des interprètes et des traducteurs (JTP) le Colloque international Dialogue des cultures : interprétation, traduction. Le colloque s’est fixé comme objectif principal d’analyser le rôle des langues et des cultures face à la mondialisation et à l’Europe élargie. L’ouvrage préparé par Ivana Čeňková, Miroslava Sládková et Jovanka Šotolová rassemble les actes de trois jours de travail intensif réalisé dans les locaux de l’Institut de Traductologie de l’Université Charles. Les Actes publiés réunissent quatorze interventions parlant de divers aspects du processus de traduction et d’interprétation de la civilisation francophone. Květuše Kunešová (L’Afrique au Canada. Problèmes de traduction du roman Le souffle de l’harmattan de Sylvain Trudel ), Eva Schleissová (Comparaison de deux traductions existantes des Rêveries du promeneur solitaire de J.-J. Rousseau), Jérôme Boyon (Néologie typltienne et corps měřièkien) et Jovanka Šotolová (Traduire Echenoz : une aventure linguistique) s’intéressent aux problèmes de la traduction littéraire. Marianne Lederer (La transmission du culturel – problèmes pratiques du traducteur, problèmes théoriques de la traduction), professeur émérite en traductologie à l’Université de la Sorbonne Nouvelle Paris III, École Supérieure d’Interprètes et de Traducteurs (ESIT), décrit des problèmes théoriques et pratiques liés au processus de traduction. Les communications de Jean-Pierre Goudaillier (Méthodologie linguistique et description de l’argot ) exerçant la fonction de doyen de la Faculté 343 des Sciences Humaines et Sociales de l’Université René Descartes Paris 5, et d’Alena Podhorná-Polická (Les aspects stylistiques de la verlanisation) traitent des pratiques langagières de type argotique. Jaromír Kadlec (La situation linguistique, les langues en contact et le français dans les anciennes colonies belges en Afrique) explique la position de la langue française dans la région des Grands Lacs. Renáta Listíková (Suites d’un contresens latin pour la dénomination de la Bohême et des Tchèques en français – dictionnaires et textes de langue française à l’appui) démontre les aléas des lexèmes Bohême et Tchèque au cours de l’histoire de la langue française. Slavomíra Ježková (Les phénomènes typiques du point de vue de la culture française et tchèque) analyse des proverbes, citations, dictons, allusions, et leurs traductions. Zuzana Malinovská-Šalamonová (Dans le feu de l’interprétation ou traduction juridique comme contact de cultures) et Jitka Smičeková (Explicite et implicite en traduction : langue et culture) s’intéressent à des problèmes pratiques relatifs à la traduction des textes rédigés en français de spécialité. La contribution de Marie Dohalská, de Jana Vlčková et de Radka Škardová (Les pièges des noms propres) prouve que la prononciation des noms propres peut être un piège pour ceux qui les prononcent mais aussi pour ceux qui les écoutent. Marie Fenclová (La didactique du plurilinguisme et implication éventuelle de ses éléments dans les modules de la formation des interprètes francophones en République tchèque) réfléchit à l’innovation de la formation des traducteurs et des interprètes. La publication des Actes du Colloque international Dialogue des cultures: interprétation, traduction fournit la preuve pertinente du niveau élevé des interventions présentées par les participants et démontre l’utilité de leur rencontre autour des problèmes posés par les organisateurs. Blanka Kulhajová Ivo Buzek : Studia Romanistica 5. Ostrava, Ostravská univerzita, 2005, 225 pp. Le cinquième volume du recueil Studia Romanistica présente, comme les volumes précédents, les fruits des efforts des enseignants du Département des études romanes de la Faculté des Lettres de l’Université d’Ostrava (Ivo Buzek, Lubomír Bartoš, Jana Brňáková, Jitka Smičeková, Jan Šabršula, Jana Veselá, José Luis Bellón Aguilera, Lucie Semeráková). Le Département a invité à participer aussi les collègues, linguistes et littéraires francophones et hispanophones, de l’Université Palacký d’Olomouc (Jan Holeš, Jaromír Kadlec), de l’Université Masaryk de Brno (Miroslava Novotná), de l’Université de Bohême du Sud (Helena Zbudilová), de l’Université Comenius de Bratislava (Mária Medveczká, Silvia Vertanová), de l’Université de Prešov (Zuzana Malinovská), de l’Universidad de Cantabria (Francisco Llanillo Gutiérrez, Isabel Tejerina de Lobo), de l’Universidad Autónoma de Barcelone (Teresa Colomer), et de l’Universidad de Santiago de Compostela (Carlos Folgar). 344 Cinq comptes rendus (rédigés par Irena Fialová, Jana Pavlisková, Jan Šabršula et Miroslav Valeš) et quatre notes (préparées par Kornélia Machová, Zdeňka Stavinohová, Helena Zbudilová et Jan Šabršula) ont été intégrés dans le recueil. L’ouvrage est divisé en quatre parties : partie linguistique, partie littéraire, comptes rendus et notes. Parmi les articles les plus intéressants de la section linguistique, on peut citer ceux de Jan Holeš Particularités linguistiques du français valdotain, Jaromír Kadlec Les langues régionales issues du latin en Wallonie et Jan Šabršula Axiologie. Parmi les les contributions présentées dans la section littéraire, on peut mentionner celles de Zuzana Malinovská La barbarie du monde contemporain d’après Houellebecq, Helena Zbudilová La narrativa de ciencia-ficción de Ramón García Domínguez et de Teresa Colomer El final de los cuentos actuales y las funciones de la literatura infantil y juvenil. Le recueil apporte le témoignage du développement du Département des études romanes de la Faculté des Lettres de l’Université d’Ostrava, créé en 1993, et reflète le niveau élevé de ses pédagogues ainsi que la richesse de la recherche en langues romanes en République tchèque et en Slovaquie. Blanka Kulhajová Jaromír Kadlec – Jan Holeš : Francouzština na americkém kontinentě. Univerzita Palackého v Olomouci, Olomouc 2006. Le présent ouvrage des auteurs Kadlec et Holeš porte sur la spécificité du français d’outre-mer. Il s’agit du premier ouvrage qui traite ce sujet d’une manière complexe et cohérente. Le livre est divisé en neuf chapitres dont le but principal est de donner aux experts de la linguistique française, au large public qui serait intéressé et aux étudiants de la filologie française une possibilité de se familiariser profondément avec les variantes de la langue française sur le continent américain. L’introduction de cet ouvrage traite la francophonie en général, les chapitres suivants portent sur les territoires du continent américain où la langue française est utilisée. Les chapitres sont structurés d’une manière identique: on décrit la situation géographique, le peuple, l’histoire et la situation linguistique, la politique linguistique et ensuite on accède aux particularités du français sur le territoire donné. La partie sur la langue est divisée en sous-chapitres parlant de la prononciation, de la grammaire et du lexique. Chaque chapitre est complété par une bibliographie. La liste contenant la littérature sur la francophonie en général est classée à la fin de l’ouvrage. L’ouvrage apporte des informations bien classées et enrichissantes pour les amateurs de la linguistique française. Blanka Kulhajová 345 Jan Holeš – Jaromír Kadlec : Francouzština v Evropě. Olomouc, Univerzita Palackého, 2005, 204 pp. L’ouvrage de Jaromír Kadlec et Jan Holeš nous présente les variétés du français en Europe. Cette problématique n’avait pas été encore suffisamment et systématiquement étudiée bien qu’elle soit fortement intéressante du point de vue purement linguistique mais aussi culturel. Les recherches sur le français en Europe déjà publiées sont dispersées dans de nombreuses revues et dans des monographies, mémoires et thèses chez nous parfois difficilement accessibles. Les auteurs veulent par leur ouvrage combler cette lacune dans la description du français. Le livre présenté résulte de longues études des variétés européennes du français. Parmi les livres publiés par les mêmes auteurs on peut mentionner surtout l’ouvrage Francouzština na americkém kontinentě (UP, Olomouc 2006) et le livre de Jaromír Kadlec Francouzština v Kanadě (UP, Olomouc 2005). L’ouvrage est divisé en sept chapitres selon le critère géographique. Le premier chapitre est consacré à la typologie des pays francophones selon les propositions de différents auteurs (Bal, Valdman, Chaudenson). Les six chapitres suivants sont consacrés au français de Belgique, du Luxembourg, de Suisse, du Val-d’Aoste, des Îles Anglo-Normandes et de Monaco. La place accordée dans le livre à chaque pays varie en fonction du nombre des locuteurs francophones. La plus importante est accordée à la Belgique et à la Suisse. Les chapitres ont une structure unique qui permet au lecteur une bonne orientation dans le texte et surtout facilite la comparaison par exemple de la prononciation ou du lexique de différentes variantes du français en Europe. Chaque chapitre contient plusieurs parties consacrées respectivement à la situation géographique du pays ou de la région, à la population, à l’histoire, à la politique linguistique et à la situation linguistique en général sur le territoire. Suit une partie qui éclaire les particularités du français local et qui est dans le cas de la Belgique et de la Suisse encore divisée en sous-chapitres traitant la prononciation, la grammaire et le lexique. Dans le cas de la Suisse, les auteurs ajoutent encore un chapitre sur la linguistique suisse qui bénéficie d’une longue et riche tradition. Tous les chapitres sont dotés d’une bibliographie détaillée. Les citations des sources apparaissent également dans les notes de bas de page ; dans ce cas-là, l’ouvrage cité n’est parfois plus mentionné à la fin du chapitre s’il l’était intégralement en bas d’une page. Le texte est accompagné de cartes, photos, illustrations et de tableaux qui complètent les informations contenues dans le chapitre souvent par des données statistiques (par exemple un tableau donnant un aperçu de cantons suisses avec l’indication du nombre d’habitants et de leur langue). Le texte est riche en exemples comparant par exemple le wallon, le patois gaumais (une des variétés du lorrain), le picard avec le français en Belgique. Les auteurs nous offrent un ouvrage clair, systématique et bien structuré, qui comble une lacune dans le domaine de la recherche sur les variantes européennes du français. Il peut servir à tous ceux qui s’intéressent à la linguistique française parce que les auteurs ont réussi à expliquer la problématique intelligiblement et avec clarté, y compris les questions les plus compliquées. Le matériel contenu dans le 346 livre peut servir de base à des cours sur la francophonie et peut enrichir également des connaissances relatives à la phonologie, à la lexicologie, à la morphologie, à la syntaxe et à l’histoire de la langue française. Grâce à quoi, le livre peut être utile aux enseignants ainsi qu’aux étudiants en philologie française. Comme le livre est écrit en tchèque, il est accessible au grand public, pas seulement à la partie francophone de notre société, et ainsi il peut contribuer à la promotion de la francophonie parmi le public non-francophone. Zuzana Raková Magdalena Paluszkiewicz-Misiaczek – Anna Reczyńska – Anna Śpiewak : Place and Memory in Canada : Global Perspectives/Lieu et mémoire au Canada : Perspectives globales. Kraków, Polska Akademia Umiejȩtności, 2005, 593 pp. La grandeur et la richesse de la nature canadienne impressionnent les étrangers qui visitent le pays. La spécificité de la société canadienne, sa structure ethnique diversifiée et l’impact de l’histoire et de l’immigration font que les lieux et les événements marquants se rapportent à des territoires très éloignés. Malgré leur exotisme, ils deviennent des éléments du patrimoine et de la mémoire collective au Canada. Les questions mentionnées ci-dessus ont constitué les points essentiels de la troisième Conférence des canadianistes d’Europe centrale intitulée Place and Memory in Canada: Global Perspectives/Lieu et mémoire au Canada: Perspectives globales qui s’est tenue du 30 avril au 3 mai 2004 à Cracovie. Le lieu et la date ont revêtu une dimension historique, puisque au cours de la conférence a été fondée l’Association Centre-Européenne des Études Canadiennes. La conférence a réuni presque 180 chercheurs, doctorants et étudiants voués à la recherche et aux études concernant la civilisation canadienne. Ils représentaient non seulement les pays de l’Europe centrale, mais aussi le Canada, les États Unis et l’Europe Occidentale. Plus de 100 interventions portant sur différents phénomènes et leurs interprétations relatifs aux concepts de mémoire et de lieu canadiens ont été présentées. Les exposés relevaient de différents domaines: littérature et linguistique, sciences sociales, histoire, histoire de l’art, géographie, sciences politiques, droit, cinéma, etc. L’ouvrage qui fait l’objet de notre compte-rendu contient un choix de communications présentées lors de la conférence dont 44 sont rédigées en anglais et 14 en français. Les canadianistes tchèques sont représentés par les contributions de Jaromír Kadlec (Le monde acadien et son reflet dans les particularités lexicales du français acadien), de Klára Kolinská (« In the Midst of Restless Terrors » Anna Brownell Jameson’s Discovery of Canada), de Petr Kyloušek (Le pays incertain de Jacques Ferron), de Kateřina Prajznerová (The Speaking Landscape and Multicultural Memory in Haida Gwaii Fiction : A Bioregional Analysis), de Pavel Sedláček 347 (The Face of Canadian City at the Dawn of New Millennium) et de Don Sparling (Parliament Hill as a Site of Memory). Le choix d’articles présentés a abouti à un ouvrage qui donne une excellente idée de l’état actuel des études canadiennes en Europe Centrale et qui peut devenir une source d’informations précieuses pour les canadianistes du monde entier. Zuzana Raková Ivo Buzek – Jana Veselá : Studia Romanistica 6. Ostrava, Ostravská univerzita, 2006, 272 pp. Le sixième volume du recueil Studia Romanistica, préparé à l’occasion du 15e anniversaire de la fondation de l’Université d’Ostrava, présente les contributions des chercheurs tchèques, slovaques, français et espagnols. Outre les enseignants du Département des études romanes de la Faculté des Lettres de l’Université d’Ostrava (Ivo Buzek, Lubomír Bartoš, Jana Brňáková, Jan Šabršula, Jana Veselá, José Luis Bellón Aguilera, Thomas Laurent, Miroslav Slowik), les professeurs de l’Université Palacký d’Olomouc (Jaromír Kadlec, Slavomír Míča, Jiří Šrámek, Marie Voždová, Eduard Krč, Núria Mirabet), de l’Université d’Opava (Eva Klímová), de l’Université de Bohême du Sud (Helena Zbudilová), de l’Université Comenius de Bratislava (Bohdan Ulašin, Nicola Cardia), de l’Université de Matej Bel de Banská Bystrica (Katarína Klimová), de l’Universidad de Cantabria (Susana Sánchez Rodríguez,), de l’Université Paris 3 (Milena Srpová) et de l’Universidad de Santiago de Compostela (Yago Rodríguez Yañez) ont participé à l’ouvrage. L’ouvrage est divisé en quatre parties : partie linguistique, partie littéraire, comptes rendus et notes. Parmi 21 articles publiés dans l’ouvrage, on peut citer les contributions des enseignants du Département des langues romanes de l’Université Palacký d’Olomouc. Il s’agit des travaux de Jaromír Kadlec (Particularités morphologiques et syntaxiques du français de Belgique), de Slavomír Míča (Typologie du personnage quenien), Jiří Šrámek (Cyrano de Bergerac d’Edmond Rostand sur les scènes moraves), Marie Voždová (Le personnage gavaldien entre la vie et la mort ), Eduard Krč et Núria Mirabet (El desarrrollo literario español en la posquerra civil ). Quatorze comptes rendus (y compris le compte rendu du livre de Jaromír Kadlec Francouzština v Kanadě, rédigé par Jan Holeš, et le compte rendu de l’ouvrage de Jan Holeš et Jaromír Kadlec Francouzština v Evropě, préparé par Petr Šelepa) et deux notes ont été intégrés dans le recueil. Le recueil démontre le niveau élevé du corps enseignant du Département des études romanes de la Faculté des Lettres de l’Université d’Ostrava ainsi que la richesse de la recherche en français, espagnol et italien en République tchèque et surtout à l’Université Palacký d’Olomouc. Zuzana Raková 348 Tzvetan Todorov, La littérature en péril, Flammarion (Café Voltaire), Paris 2007, 95 pp. L’eschatologie générale s’empare du monde. C’est au moins ce que l’on pourrait penser en voyant l’exubérance des ouvrages qui portent sur la finitude des choses. Les diverses sectes présagent régulièrement de la fin du monde, Valéry avait adjugé, il y a bien longtemps, le caractère mortel aux civilisations, et encore récemment Francis Fukuyama a remis au goût du jour l’hypothèse de la fin de l’histoire. . . Il ne surprend pas que l’on cultive cette idée de la fin, du déclin, de la mort également dans le domaine littéraire. (Voir par exemple le titre du récent ouvrage de Dominique Maingueneau Contre Saint Proust : Ou la fin de la littérature publié chez Belin) Le dernier livre de Tzvetan Todorov, un opuscule de 90 pages paru en début de cette année chez Flammarion dans la collection Café Voltaire, semble se ranger avec de tels pronostics. Certes, Todorov n’annonce pas illico la mort ou l’agonie de la littérature, toutefois celle-ci encourt le risque sérieux, elle est « en péril ». Quelle est la nature de ce péril et par quels moyens peut-on venir en aide à la littérature affectée, telles sont les préoccupations majeures de ce petit ouvrage. Dans l’Avant-propos, l’auteur rend compte de son amour pour la littérature. La vocation littéraire se fit pressentir très tôt chez le jeune Todorov. Il raconte l’admiration profonde d’un enfant devant ses premiers livres, la confirmation par les études supérieures, d’abord en Bulgarie communiste, puis comme boursier à Paris, et enfin le sacre d’une carrière de chercheur en littérature au CNRS. Sa relation à la littérature ne reste toutefois pas immuable, elle subit une évolution progressive, elle ne cesse de rebondir, de s’enrichir grâce à sa curiosité dévorante et à l’appropriation de nouvelles approches et méthodes dans les disciplines des sciences humaines. Si Todorov se sent au début attiré surtout par l’analyse formelle de l’œuvre littéraire, c’est parce que c’était la seule approche censée échapper à l’emprise idéologique de l’enseignement communiste à Sofia. Une fois durablement installé en France, Todorov aura toute sa liberté de délaisser progressivement la recherche purement formelle au profit de l’analyse sémantique des œuvres. La recherche sur la forme est ainsi complétée par une quête du sens. On juge bien le parcours réalisé depuis la Poétique de la prose jusqu’aux derniers livres qui relèvent au moins autant de l’histoire, de la sémiologie, de la politologie et d’autres disciplines des sciences humaines que de la littérature. Tout ce résumé autobiographique – car avec de menus détails et anecdotes (débarquement d’un jeune boursier étranger à Paris, rencontre marquante avec Gérard Genette, cours de Roland Barthes, etc.) et une belle aisance et vivacité du récit, on se sent vraiment dans le genre autobiographique – n’a d’autre but que d’aboutir à une affirmation de ce qu’est la littérature pour Todorov, d’évoquer son rôle éminent dans sa vie, dans la vie de l’humanité toute entière: «Elle [la littérature] nous procure des sensations irremplaçables qui font que le monde réel devient plus chargé de sens et plus beau. Loin d’être un simple agrément, une distraction réservée aux personnes éduquées, elle permet à chacun de mieux répondre à sa vocation d’être humain. » (16) S’ensuivent deux chapitres (La littérature réduite à l’absurde, Au-delà de l’école) dans lesquels Todorov explique le danger que court la littérature d’aujour- 349 d’hui, et la littérature française en particulier. C’est en premier lieu l’enseignement scolaire qui échoue à sa mission, selon Todorov, en basant ses programmes sur l’apprentissage des concepts théoriques et des outils d’analyse au lieu de promouvoir les œuvres vivantes de la littérature. Autrement dit, on n’enseigne pas l’objet de la discipline mais les méthodes, les moyens se substituent aux fins. Par malheur, cette conception « absurdement restreinte et appauvrie » de l’enseignement secondaire et universitaire en France est devenu dominante également dans la critique et s’est répandue même parmi la majorité des écrivains, ceux-ci ayant subi naturellement cette éducation néfaste. Il n’y a pas de doute que le rôle du structuralisme, dont Todorov lui-même fut un des plus importants représentants, et de ses successeurs jusqu’à la déconstruction, y est pour beaucoup. Rassurons nous : Todorov ne fustige pas l’approche interne de l’œuvre littéraire (il faisait partie de ceux qui ont contribué à sa mise en valeur), il s’oppose seulement à la sacralisation de la conception de la littérature qui serait strictement coupée de tout rapport au monde et où l’œuvre littéraire ne pourrait être conçue autrement qu’ « un objet langagier clos, autosuffisant, absolu » (31). Pour lui, par contre, l’ultime objectif des études littéraires doit être « la compréhension du sens des œuvres » (29). C’est précisément cet immanentisme rigoureux, cette séparation stricte et complète de l’œuvre littéraire de tout contexte externe, qui est, selon Todorov, à l’origine du déclin de la littérature contemporaine française. Cette dernière est représentée par trois tendances (formalisme, nihilisme, solipsisme), qui ont toutes en commun le refus, la contestation ou la dépréciation du monde extérieur, « le monde commun au moi et aux autres » (36). Dans les trois chapitres suivants (Naissance de l’esthétique moderne, L’esthétique des Lumières, Du romantisme aux avant-gardes) Todorov retrace comment s’est produite cette séparation entre la littérature et le monde. C’est toute une histoire de l’émancipation de l’art qui s’amorce dès la Renaissance où l’art commence à se libérer des servitudes vis-à-vis notamment de la religion dont il devait auparavant illustrer les dogmes. C’est aussi toute la perspective dans laquelle on perçoit l’art qui change: l’œuvre d’art devient un objet de pure contemplation, sans avoir à accomplir d’autres fonctions. Ceci accompagné par une prise de conscience du créateur dont le statut change aussi sensiblement. Le créateur se rapproche de Dieu, devient un démiurge fabriquant un microcosme avec son œuvre. Au siècle des Lumières l’autonomie de l’art se voit consacrée par la constitution de l’esthétique, discipline dont l’art sera l’unique objet. On le distingue dorénavant de la science de sorte que les deux s’avèrent comme deux voies opposées de la connaissance humaine ou mieux de la compréhension de l’homme et du monde : l’une explorant le singulier, le concret, le particulier, l’autre visant à l’universel, au général, à l’abstraction. L’aboutissement de cette tendance émancipatrice de l’art se parachève dans le courant de l’art pour l’art dont les représentants seraient, entre autres, Baudelaire et Flaubert. Le désintéressement de la littérature touche ici à son comble, car « la beauté d’un texte littéraire n’est rien d’autre que sa vérité » (61). N’empêche que chez eux la relation œuvre – monde n’est pas encore contestée. Il suffit de se rappeler l’idée de Baudelaire selon laquelle le poète doit être le déchiffreur, l’interprète de la réalité. La rupture décisive entre la littérature (l’art) et le monde ne se creuse, selon Todorov, qu’au début du XXe siècle sous l’influence des postulats relativistes de 350 Nietzsche et avec l’arrivée des avant-gardes artistiques. C’est là que se crée une vision de la littérature immanente et autosuffisante, repliée sur elle-même et renvoyant à elle-même, qui au cours du XXe siècle est progressivement officialisée et institutionnalisée dans l’enseignement et dans l’appareil médiatique et critique. Dans l’avant-dernier chapitre Todorov tente de répondre à la question usée jusqu’à la corde : « Que peut la littérature ? » Il est significatif qu’il ne réduit pas la réponse au champ strictement littéraire : « La littérature peut beaucoup. Elle peut nous tendre la main quand nous sommes profondément déprimés, nous conduire vers les autres êtres humains autour de nous, nous faire mieux comprendre le monde et nous aider à vivre. » (72) La littérature ne s’épuise pas pour autant dans un rôle thérapeutique ou moral. Elle a « un rôle vital à jouer ». (72) Pour cela, il faut à nouveau étendre la « conception absurdement réduite » de la littérature, renouer et revaloriser sa relation avec le monde et l’ouvrir ainsi à l’homme. Todorov se met du côté d’un « lecteur ordinaire qui continue de chercher dans les œuvres qu’il lit de quoi donner sens à sa vie » contre « les professeurs, critiques et écrivains qui lui disent que la littérature ne parle que d’elle-même » (72). C’est enfin une qualité supérieure des rapports intersubjectifs qu’une bonne littérature peut apporter : « Ce que les romans nous donnent est, non un nouveau savoir, mais une nouvelle capacité de communication avec des êtres différents de nous [. . . ] L’horizon ultime de cette expérience n’est pas la vérité mais l’amour, forme suprême du rapport humain. » (77) C’est en revenant pour ainsi dire à l’état naturel où les études littéraires, appuyées bien sûr par toute sorte d’approches et de méthodes d’analyse, retournent à la recherche du sens, qu’elles deviennent en même temps une «leçon de vie» (87). Car la littérature n’est enfin autre chose qu’une « communication inépuisable » (c’est l’intitulé du dernier chapitre), où l’on peut plonger pour retrouver « ces paroles qui aident à vivre » (90). Bien que le livre de Todorov puisse paraı̂tre au lecteur parfois trop général et schématique, l’enjeu en fait mouche. Todorov préfère sonner l’alarme avant qu’il ne soit trop tard pour combler l’abı̂me creusé entre la littérature et le monde. Jan Zatloukal 351 ACTA UNIVERSITATIS PALACKIANAE OLOMUCENSIS PHILOLOGICA 93 ROMANICA OLOMUCENSIA XIX ESTUDIOS EN HOMENAJE AL PROFESOR JIŘÍ ČERNÝ šéfredaktor: prof. PhDr. Jiří ČERNÝ, CSc., Univerzita Palackého, Olomouc výkonný redaktor: Mgr. Slavomír MÍČA, Univerzita Palackého, Olomouc členové redakční rady: prof. dr hab. Cezary BRONOWSKI, Uniwersytet Mikołaja Kopernika, Toruń PhDr. Zuzana BURIANOVÁ, Ph.D., Univerzita Palackého, Olomouc prof. György DOMOKOS, Pázmány Péter Katolikus Egyetem, Piliscsaba prof. Dr. José Manuel GONZÁLEZ CALVO, Universidad de Extremadura, Cáceres prof. dr hab. Czesław GRZESIAK, Uniwersytet Marii Curie-Skłodowskiej, Lublin doc. PhDr. Jan HOLEŠ, Ph.D., Univerzita Palackého, Olomouc prof. PhDr. Sylva HAMPLOVÁ, CSc., Univerzita Karlova, Praha prof. dr hab. Barbara HLIBOWICKA-WĘGLARZ, Uniwersytet Marii Curie-Skłodowskiej, Lublin doc. PhDr. Eduard KRČ, Dr., Univerzita Palackého, Olomouc doc. PhDr. Jitka RADIMSKÁ, Dr., Jihočeská univerzita, České Budějovice Mgr. Jiří ŠPIČKA, Ph.D., Univerzita Palackého, Olomouc PhDr. Marie VOŽDOVÁ, Ph.D., Univerzita Palackého, Olomouc Mgr. Lic. Lenka ZAJÍCOVÁ, Ph.D., Univerzita Palackého, Olomouc prof. PhDr. Bohumil ZAVADIL, CSc., Univerzita Karlova, Praha pokyny pro autory: http://www.romanistika.upol.cz/romanica/pokyny Uspořádali: PhDr. Marie Voždová, Ph.D., Mgr. Slavomír Míča a Mgr. Radim Zámec, Ph.D. Odpovědná redaktorka: Mgr. Jana Kreiselová Technická redakce: VUP Vydala a vytiskla Univerzita Palackého v Olomouci Křížkovského 8, 771 47 Olomouc www.upol.cz/vup e-mail: [email protected] Olomouc 2007 1. vydání ISNB 978-80-244-1816-2 ISSN 1802-8713