Programa - Fundación BBVA

CICLO DE CONCIERTOS DE SOLISTAS
FUNDACIÓN BBVA 2009-2010
PLURALENSEMBLE
2 de febrero de 2010
PROGRAMA INTÉRPRETE
GUITARRA
Pablo Márquez
Tristan Murail (1947)
Tellur
Luys de Narváez (1500-1555)
Selección de Los seys libros del Delphin
I. Diferencias sobre O Gloriosa Domina
II. Diferencias sobre Conde Claros
Elliott Carter (1908)
Changes
Luys de Narváez (1500-1555)
Selección de Los seys libros del Delphin
I. Primer tono por ge sol re ut
II. Fantasía del quinto tono
III. Fantasía del quarto tono
IV. Octavo tono
Luciano Berio (1925-2003)
Sequenza XI
DIRECTOR ARTÍSTICO
Fabián Panisello
COORDINACIÓN ARTÍSTICA
Y PRODUCCIÓN
Mara Mendialdua
NOTAS AL PROGRAMA
pluralensemble
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TRES MAESTROS
DE NUESTROS DÍAS
UNIDOS POR
UN MAESTRO
DEL SIGLO XVI
El compositor francés Tristan Murail
(El Havre, 1947), que además de músico fue estudioso de las lenguas árabes
y de ciencias políticas y económicas,
tuvo como maestro de composición
más importante a Olivier Messiaen y
como principal referencia creativa a
Gyorgy Ligeti. Junto a colegas como
Levinas y Tessier, Murail constituyó en
1973 el grupo de música instrumental y
electroacústica L’Itinéraire. Su lenguaje
compositivo dio un giro tras enriquecerse con el conocimiento adquirido en el
Institut de Recherche et Coordination
Acoustique/Musique de las nuevas
aplicaciones de la informática a la música. En la actualidad, Tristan Murail
ejerce la enseñanza de la composición
en la Universidad de Columbia (Nueva
York).
Tellur, para guitarra, data de 1977
y fue estrenada en París, el 26 de
abril de aquel mismo año, por Rafael
Andia. Sobre su obra, el propio Murail
ha escrito: «Tellur es, de entrada, una
especie de reto: ¿cómo producir con
un instrumento de sonidos breves y pinzados, como la guitarra, los continuos
sonoros necesarios para mi trabajo
sobre los procesos, las transiciones,
las evoluciones? He encontrado una
respuesta al utilizar el procedimiento
del rasgueado de la guitarra flamenca, e incluso, de manera más general,
el estilo de toque, los tipos de sonido
del flamenco. El tratamiento de los ata-
ques sobre las cuerdas, por ejemplo, es
particularmente fino y cuidadoso; así se
llegan a producir dos texturas que evolucionan en sentidos diferentes sobre
una misma cuerda y a la vez: disociando
el sonido obtenido por las percusiones
de las uñas sobre las cuerdas –sonidos
de frecuencia precisa y controlable– y
el sonido proveniente de la resonancia
propia de las cuerdas. Utilizo también
pasajes que progresan del sonido al
ruido (apagando gradualmente las
cuerdas), la aparición progresiva de
sonidos armónicos, resonancias armónicas de acordes superpuestos, digitaciones inéditas de armónicos, trinos
múltiples combinando mano izquierda y
mano derecha, etc. Tellur es un ejemplo
típico de partitura cuyo contenido deriva esencialmente del material sonoro
proporcionado por el instrumento, un
instrumento a menudo oído y utilizado
de manera que le obliga a plegarse a
imperativos estilísticos. Así, hay una
total interacción entre material de base
y escritura musical. El instrumento está
afinado de manera especial, lo que permite utilizar acordes o fórmulas de rasgueado sobre las seis cuerdas sin caer
en el inevitable mi-la-re-sol-si-mi de la
guitarra».
Quizá nuestros descendientes acaben
por encontrar natural que alguien celebre su centenario y haya llegado hasta
esa edad rindiendo intelectualmente.
A nosotros todavía nos maravilla y, de
este modo, el que Joaquín Rodrigo casi
lo lograra y el que lo haya conseguido con creces el recién desaparecido
Francisco Ayala, es motivo de celebraciones especiales. Y allí –en los
Estados Unidos– tenemos al maestro
Elliott Carter (Nueva York, 1908), que
el pasado 11 de diciembre cumplió
ciento un años. Este compositor trae
hasta nosotros un pasado histórico,
que puede representarse en su discipulado de Gustav Holst o en su amistad
con Charles Ives. Como tantos compositores americanos de su época, Carter
viajó al viejo continente y, en los años
entre guerras, pasó por la prestigiosa enseñanza de Nadia Boulanger en
París. Hombre culto, abierto a la filosofía y a las matemáticas, trabajador en
pos de encuentros sociales y culturales
entre el Este y el Oeste, su espíritu inquieto y renovador lo llevó a escapar de
modo natural del conservadurismo característico de tantas manifestaciones
artísticas estadounidenses y a alinearse con los creadores más avanzados y
rompedores. Su influencia está siendo
grande, tanto por los efectos de su propia música como por su dedicación a la
enseñanza en numerosos e importantes
centros.
De Elliott Carter vamos a escuchar una
obra que escribió para guitarra en su
madurez: Changes, de 1983, y que el
11 de diciembre del mismo año estrenó
David Starobin en Nueva York. El propio
Carter comenta su pieza muy escuetamente: «Changes para guitarra sola es
música de mercuriales contrastes de
carácter y estados de ánimo, unificada por su estructura armónica. Varios
aspectos de la armonía básica son alterados en el curso de la obra, a modo
de diseños utilizados en transformaciones sonoras. La partitura fue escrita en
1983 y está dedicada a David Starobin,
quien la encargó y generosamente me
asesoró sobre la guitarra».
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El maestro italiano Luciano Berio
(Oneglia, 1925 - Roma, 2003) es uno de
los compositores más importantes de la
segunda mitad del siglo xx. Su serie de
Secuencias, obras de hondo virtuosismo, exploradoras de nuevas maneras
ejecutorias, buscadoras de nuevas sonoridades y nuevos acentos expresivos, es
natural que abunden en los conciertos a
solo. En esta ocasión, vamos a escuchar
la espléndida Sequenza XI, para guitarra.
Prácticamente todas estas obras nacieron con un destino concreto, un determinado intérprete cuya capacidad técnica y
musical motivaba al maestro. De hecho,
las Secuencias berianas tienen tan en
cuenta al intérprete próximo o futuro que,
con razón, han sido descritas en alguna
ocasión como verdaderos «dúos entre el
instrumento y el instrumentista». En este
caso, la obra fue dedicada al guitarrista
estadounidense Eliot Fisk, quien la estrenó en Rovereto (Italia) el 20 de abril de
1988.
Trazando dos arcos de un imponente y
atractivo puente temporal, el recital de
Pablo Márquez ofrece, entre músicas
contemporáneas, dos miradas desde
la guitarra hacia el pasado remoto: la
vihuela española del Renacimiento.
La edad de oro de la música española
sin duda fue el siglo xvi, cuando nuestra música polifónica religiosa, con su
punto culminante en Tomás Luis de Victoria, estuvo a la cabeza de la música
europea, mientras que en el campo instrumental brillaba el genial teclista Antonio de Cabezón y se daba la gran eclosión de los vihuelistas. Nos interesa hoy
singularmente la música para vihuela
del granadino Luys (o Luis) de Narváez
(Granada, 1500 - 1555), que fue el gran
introductor y practicante en la vihuela de
la diferencia, que no es sino la manera
primitiva del moderno arte de la variación.
Los seys libros del Delphin presentan el
siguiente contenido: los dos primeros,
catorce fantasías, esto es, música de
creación propia; el tercero, adaptaciones hechas por Narváez de obras
polifónicas; el cuarto, seis diferencias y
cinco contrapuntos; el quinto, dos canciones y nueve diferencias; y el sexto,
veintinueve diferencias y una danza.
Con fino criterio, Pablo Márquez nos
propone escuchar piezas de distintos
planteamientos: diferencias sobre canciones preexistentes, en el primer grupo programado, y piezas por completo
originales de Narváez, en el segundo.
José Luis García del Busto
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Pluralensemble es un conjunto instrumental especializado en música de los
siglos xx y xxi, nacido con la vocación de
difundir la música contemporánea, especialmente la creada en España. Buscando siempre la más alta calidad interpretativa, desarrolla anualmente una
temporada estable de conciertos y giras,
alternando el más exigente repertorio de
solista con obras de conjunto.
A lo largo de sus trece años de vida,
ha desarrollado sus temporadas de
conciertos en el Auditorio Nacional
de Música, el auditorio del Museo
Thysen-Bornemisza y el Círculo de Bellas Artes de Madrid, y ha intervenido
con gran éxito de crítica y público en
festivales y auditorios como Musica
(Estrasburgo), A Tempo (Caracas), Présences (París), Ars Musica (Bruselas),
Manca (Niza), Spaziomusica (Cagliari), Aspekte (Salzburgo), IFCP Mannes
(Nueva York), Konzerthaus (Berlín),
Festival de Música de Alicante, Quincena Donostiarra, o el Auditorio 400
del Museo Nacional Centro de Arte
Reina Sofía de Madrid. Para este año
tiene además prevista su participación en la WDR de Colonia, el Festival
Nous Sons del Auditori de Barcelona y
el Festival de Otoño de Varsovia.
Ha realizado grabaciones de música de
autores como David del Puerto, César
Camarero, Peter Sculthorpe o Fabián
Panisello, y tiene prevista la aparición
de tres discos monográficos sobre la
obra de cámara de Ravel, Ligeti y José
Manuel López López.
Colabora habitualmente con otros
ensembles internacionales como el
Ensemble Orchestral Contemporain,
así como con solistas como Dimitri
Vassilakis, Pilar Jurado, Marco Blaauw,
Miquel Bernat o Ananda Sukarlan, y
directores como Zsolt Nagy, Daniel
Kawka o Jean Paul Dessy.
PABLO MÁRQUEZ
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El guitarrista argentino Pablo Márquez
obtuvo renombre internacional en
1987, al ganar a los veinte años, por
unanimidad y en el espacio de pocas
semanas, el primer premio de dos de
los más importantes concursos internacionales de guitarra: el Villa-Lobos
en Río de Janeiro y el de Radio France
en París. Este logro sin precedentes,
sumado a los premios recibidos en los
concursos internacionales de Ginebra y
de Múnich, le abrió las puertas de los
centros musicales más relevantes del
mundo.
Pablo Márquez recibió su primera
formación musical en Salta (Argentina) con Graciela Lloveras y Eduardo
Corces, y se perfeccionó en Buenos
Aires con Jorge Martínez Zárate y
Eduardo Fernández. Más tarde se estableció en Francia para completar
su formación musical, donde estudió
música antigua con Javier Hinojosa y
dirección orquestal con Eric Sobzyck.
Fue también decisivo su encuentro con
el legendario pianista húngaro György
Sebök, quien marcó profundamente su
evolución artística.
A lo largo de su carrera ha visitado
más de cincuenta países en todo el
mundo, siendo aclamado en los teatros más prestigiosos (Concertgebouw
de Ámsterdam, Cité de la Musique en
París, Teatro Colón en Buenos Aires,
entre otros), en grandes festivales
(Aix, Avignon, Musica de Estrasburgo
o San Sebastián), como solista y también
en colaboración con músicos de la talla
de Dino Saluzzi, Mario Caroli, Anne
Gastinel o el Rosamunde Quartett. Solista invitado de orquestas y ensembles de
prestigio (Ensemble Intercontemporain,
Bayerische Rundfunk, Filarmónica de
Radio France o Nordwest-Deutsche
Philharmonie), toca bajo la dirección
de Josep Pons, Susanna Mälkki, Mark
Foster y Roland Hayrabedian, entre
otros. Es además miembro fundador del
AlmaViva Ensemble, dedicado a explorar el repertorio de música de cámara de
compositores latinoamericanos.
Su compromiso con la música contemporánea lo llevó a colaborar con los
más grandes creadores de nuestro
PABLO MÁRQUEZ
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tiempo –Luciano Berio, György Kurtág,
Mauricio Kagel...– y a estrenar innumerables obras de Oscar Strasnoy, Bruno
Mantovani, Ramón Lazkano, Fuminori
Tanada, Javier Torres Maldonado, Arthur
Kampela y Zad Moultaka. En 1995, Pierre
Boulez lo invitó a interpretar la Sequenza
XI de Berio, en homenaje a los setenta
años del compositor italiano.
La amplitud fuera de lo común de su
repertorio, que va del Renacimiento
a la más reciente vanguardia, pasando por la música de raíz folclórica de
Salta, su insaciable curiosidad musical,
la comprensión de cada estilo que aborda, así como la inspiración espontánea
de su manera de tocar, han suscitado el
entusiasmo del público y de la crítica
internacional.
Sus grabaciones para ECM New Series,
Kairos y Naïve recibieron numerosas
distinciones, como el Grand Prix du
Disque de la Academia Charles Cros, el
Premio Amadeus, RTL d’Or, y fueron designados Mejor Disco de Música Antigua por el Neue Musik Zeitung en Alemania (Narváez, ECM), y Mejor CD de
Música Clásica del Año por Readings
en Australia (Narváez, ECM).
En la actualidad, Pablo Márquez enseña en la Musik-Akademie de Basilea,
en Suiza.
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