Sé de un lugar

He sido toda la vida escritor, pero aún hoy me fascina ver
lo parecidas que son todas las actividades artísticas…
Michael Ondaatje
Si hay algo contra lo que uno no puede inmunizarse
eso es la inteligencia, la sensibilidad y el humor.
J. Ernesto Ayala-Dip
E
l escritor estadounidense Jonathan Franzen se
preguntaba en uno de sus ensayos si una mejor
clase de ficción podría salvar el mundo. La
respuesta, se imponía, y ésta, aunque a veces puedan
producirse extraños fenómenos, era negativa. Sin
embargo, esta misma pregunta, podría servirnos para
abrir la puerta a la esperanza razonable de que ese
tipo de ficción pueda servirnos para salvar nuestra
alma, nuestro espíritu. Una puerta que nos abren
temporada tras temporada esos incansables creadores
de las propuestas escénicas que os presentamos.
Así mismo, esos directores escénicos, coreógrafos,
actores, bailarines, técnicos, etc. parecen empeñados
en dar una respuesta positiva a otra pregunta
que nos asalta cotidianamente ¿está permitida la
alegría en estos tiempos de crisis? Sin olvidar las
dificultades económicas y las inquietudes que nos
asaltan a diario conviene recordar que la demanda
cultural y sus consecuentes prácticas artísticas
siguen en permanente desarrollo, los públicos
siguen haciendo gala de una curiosidad sin límites
y los artistas siguen siendo conscientes de que,
como no nos cansamos de repetir, nada importante
se hizo sin entusiasmo y de que la reflexión y la
capacidad de invención no pueden ser frenadas
por la inquietud o la frivolidad. Una frivolidad de
la que hacen gala todos aquellos que no cesan de
inocular en nuestros contemporáneos el virus
de la superficialidad de la práctica artística.
3
El acto artístico, en cualquiera de sus
manifestaciones, es una forma de pensar el futuro,
un campo de experiencias únicas que ayudan a los
individuos a abrirse a perspectivas nuevas y alimenta
su espíritu crítico contra la tiranía del conformismo.
Harold Bloom lo expresaba de esta forma: «hay que
mantener a raya la muerte de la imaginación».
Estamos convencidos de que esta Gran Crisis
ayuda a valorar la importancia de la cooperación
frente al mal del enfrentamiento, el provecho
de la fusión frente al desastre de la división, la
gloria de la colaboración en todas las coyunturas
ante esa dolorosa artrosis de aquellos que
anteponen la sordera del yo. Una sordera de
la que parecen carecer tanto los artistas como
los espectadores que les prestan atención.
Como nos recuerda el filósofo Javier Gomá
Lanzón la sociedad en su conjunto se sustenta
sobre el arte de intercambiarse “atenciones”
unos a otros para, aprendiendo a limitar la
propia agresividad y el egoísmo a flor de piel,
permitir la convivencia en paz y armonía.
“Por eso es tan exacta la expresión española “prestar
atención”. La atención en todo caso se presta, no se
regala a fondo perdido. Quien pide nuestra atención,
toma ésta a préstamo y concurren sobre él las
obligaciones del prestatario en lo concerniente al
deber de poseer, conservar y usar con diligencia la
cosa prestada. Más aún, en la medida en que ha
tomado en préstamo nuestro bien más preciado, de
sagrada naturaleza, y ha disfrutado de él durante
cierto tiempo, lo correcto sería que nos lo devolviera
con intereses, retribuido con la moneda de la
amenidad, el pasatiempo, la alegría, la satisfacción
de la curiosidad o la ampliación de conocimiento.”
A esto último se aplican todas las propuestas
que os presentamos en este programa. Todos
los artistas que participan en la programación
pluri-artística de esta temporada (sus propuestas)
así lo demuestran, ampliando en consecuencia
el número de integrantes de esa inmensa
minoría que no está inmunizada frente a la
inteligencia, la sensibilidad y el humor.
LA PROGRAMACIÓN
A la hora de elaborar nuestra programación hemos
querido validar, como viene siendo habitual, aquello
que venimos afirmando año tras año y que está en
la base del trabajo de selección que realizamos. Nos
referimos a que nuestro interés consiste en presentar,
en igualdad de condiciones las propuestas escénicas
contemporáneas andaluzas junto a aquellas que
nos llegan desde otras comunidades autónomas.
A destacar que esta temporada, más que nunca, el
Teatro Cánovas/Sala Gades se convierten en caja de
resonancia de la vitalidad de la creación escénica
andaluza y, por ende, de la malagueña. Málaga
cuenta con una gran nómina de formaciones de
teatro, danza y música. Su visibilidad, la presentación
de sus últimas propuestas es de importancia capital
para nosotros, ya sea realizando una inexcusable
labor de acompañamiento del trabajo de aquellos
artistas y colectivos en desarrollo o de seguimiento
del crecimiento en la exigencia artística de creadores
y compañías ya ampliamente contrastados.
Junto a compañías malagueñas como Tenemos
Gato, Mandrágora, Trasto, SilencioDanza, Teatro
de los Orígenes o Bajotierra por citar algunos,
otros colectivos andaluces radicados a kilómetros
de distancia como Producciones Imperdibles,
Atalaya, La Fundición de Sevilla, María M. Cabeza
de Vaca o Excéntrica Producciones… darán noticia
con sus trabajos de las razones por las que son
presentados en los escenarios nacionales más
exigentes, rompiendo así, en su viaje escénico,
las fronteras geográficas de nuestra Comunidad
Autónoma y dialogando con públicos diferenciados.
Nosotros, por nuestra parte, hemos querido asegurar
el diálogo. Un diálogo enriquecedor, ese que se
produce no solo entre los artistas y el público, sino
también entre las propuestas escénicas elaboradas
dentro de nuestras coordenadas geográficas
más próximas y aquellas que, al mismo tiempo,
surgen en la extensa geografía de nuestro país.
Directores y dramaturgos como Miguel del Arco
o Alfredo Sanzol; centros de producción como
el Teatre Lliure o la Sala Muntaner; compañías
4
como T de Teatre, Teresa Nieto o La Veronal
aseguran el diálogo del que hablamos.
LA PROPUESTA ARTÍSTICA
Es sabido, sobre los escenarios más comprometidos
con el servicio público, sobre los escenarios
que mantienen el compromiso de ejercer de
intermediadores entre el espectáculo vivo y los
espectadores se instalan, temporada tras temporada,
una variedad de trabajos que dan noticia de la
diversidad de caminos por los que los equipos
artísticos transitan para poner un espejo delante
de nuestra sociedad y sus valores como afirmación
de la función social de las artes escénicas.
A este principio nos hemos aplicado a la hora de
elaborar nuestra propuesta artística y esta, no podía
ser de otra manera, se hace eco de esa variedad
de elección estética y textual de las producciones
actuales. En efecto, como en temporadas
anteriores teatro, danza, música, artes plásticas,
últimas tecnologías… y su hibridación son el
humus del que se nutre nuestra oferta 2012/13.
En lo que se refiere al teatro dramático, nuestra
oferta se convierte en el telón de fondo donde se
dibuja ese variado paisaje escénico del que hablamos,
apareciendo en él: lecturas contemporáneas de
clásicos como El Buscón que nos propone Teatro
Clásico de Sevilla, La Celestina en versión de Atalaya
o El príncipe constante, la personal y arriesgada
propuesta que Teatro de los Orígenes nos hará
sobre el inmortal texto de Calderón; clásicos
contemporáneos como Samuel Beckett, Georges Perec
y Steven Berkoff; puestas en escena de dramaturgos
actuales como los ya citados Miguel del Arco y
Alfredo Sanzol o Miguel Palacios y Luis Felipe Blasco
Vilches, entre otros, y espectáculos de creación como
el de Laví e Bel o Bajotierra. La nómina es extensa
como podréis apreciar en las páginas que siguen.
La danza contemporánea cuenta con la presentación
de algunas de las compañías indiscutibles a
nivel nacional como La Veronal, Teresa Nieto
o Fernando Hurtado, todas ellas con lenguajes
bien diferenciados y que, sin embargo, hacen
común su compromiso con la investigación de
nuevas sintaxis aplicables al cuerpo humano.
No nos olvidamos tampoco de ofrecer el juego
escénico a los más pequeños, esos a los que debemos
trasladarles el compromiso de la exigencia artística
y la tolerancia que nace del desarrollo espiritual. Las
compañías Kirucón Teatro o La Carpa, junto a los
conciertos de Amparo Sánchez o Los Coronas serán
los encargados de cumplir con este compromiso.
Para concluir, solo queremos haceros partícipes
de una reflexión. En esta encrucijada de
caminos que nos ofrece el panorama actual
del espectáculo vivo, el Teatro Cánovas/Sala
Gades, con su oferta artística, espera contribuir
a descifrar a través de los espectáculos y las
personas que los crean, los enigmas de nuestro
tiempo y el de aquel que está por llegar.
Manuel Llanes
Director Artístico de Espacios Escénicos
Consejería de Cultura y Deporte. Junta de Andalucía
5
Náufragos
niños mutantes
Tras el impresionante
recibimiento que ha
tenido en meses pasados
la publicación de su
último disco, Náufragos,
las presentaciones
del mismo (con
varios sold out en
importantes ciudades)
y la participación en los
mejores festivales del
país, Niños Mutantes
inician la segunda parte
de su exitosa gira con un
concierto muy especial.
POPROCK
FOTOGRAFÍA: Ruth Giraldez
21:00
Es el que ofrecen en
el Teatro Cánovas con
motivo de la inauguración
de su temporada. Una
actuación para 300
privilegiados que podrán
disfrutar del repaso a toda
una discografía repleta
de grandes canciones. Y
es que Niños Mutantes
son en estos momentos
un grupo en su máximo
esplendor, una banda
con carrera ascendente,
siendo de las pocas
que consiguen tras tres
lustros letras sinceras,
melodías apasionantes,
sueños creíbles…
Náufragos es un disco
que ha servido a los
Mutantes para descubrir
unas cuantas cosas: la
percusión, por ejemplo,
el uso de ukeleles y
sintetizadores o, quizás
lo más importante,
quitarse el miedo a
hacer canciones alegres
y darse cuenta de que
se puede hacer música
alegre sin decir tonterías,
música alegre que parece
emerger de las ruinas del imperio, alegre pero
no inconsciente.
El momento es muy
dulce para ellos y, cómo
no, para todos los que
decidan subir al barco,
ser libres y naufragar.
6
aL
21:00
la tragicomedia
atalaya
VERSIÓN Y ADAPTACIÓN: Ricardo Iniesta
AUTOR: Fernando de Rojas
Nosotros, espectadores,
y nosotros, espacio
escénico, hemos crecido
con ellos. Ya son treinta
años y nos resulta casi
imposible imaginar
las obras de Federico,
Eurípides, Heiner Müller,
Valle-Inclán o Bertolt
Brecht sin las imágenes
que Atalaya creó para
ellas, sin el talento de
estos compañeros
de viaje. Y, esta
temporada,
Celestina, la versión
de la obra de
Fernando de Rojas,
una nueva lección de la
compañía galardonada
en 2008 con el Premio
Nacional de Teatro.
FOTOGRAFÍA: Luis Castilla
TEA
TRO
Celestina,
La tragicomedia de Calixto
y Melibea es el grandioso
reflejo, en nuestras
letras, del trascendental
cambio que se produjo
con el paso de la Edad
Media al Renacimiento.
La obra, tras El Quijote,
es la creación más
importante de nuestra
literatura. Constituye el
reflejo de un instante
de libertad, del laicismo
propio de los momentos de
grandes transformaciones
históricas.
Atalaya que, después de
tres lustros, recupera a la
actriz Carmen Gallardo
para el personaje de la
vieja alcahueta, pone
de manifiesto con su
montaje la tremenda
modernidad del trabajo
de Rojas. El tratamiento
que otorga a la religión
es insólito. Recrea un
tiempo en el que se
resquebraja el mundo
medieval que creía en
una ordenación creada
por Dios. Los personajes
parecen carecer del
sentimiento del pecado,
creen, escépticamente, en
la fortuna, como destino.
Es moderna, también,
por su radical fidelidad
a la vida real, por la
importancia que se da
al dinero y las nuevas
relaciones sociales y, sobre
todo, por el retrato de una
mujer, Melibea, rebelde,
insumisa y lúcida; presa
de una pasión arrolladora
que nada tiene que ver
con las doctrinas del amor
cortés o de las buenas
costumbres feudales.
Aunque, durante siglos,
se haya querido disfrazar
al personaje de una
ingenuidad meliflua y
falta de personalidad,
más cómoda para la
visión conservadora de la
mujer. Rezuma así mismo
erotismo y sexualidad. Es
un ataque frontal contra
la moral tradicional
feudal o burguesa. Su
sexualidad explícita,
verbal y práctica, funciona
como igualador social,
como acto subversivo.
Su magnífico
catálogo de
clásicos se sigue
enriqueciendo:
Así que pasen
cinco años,
Elektra, Divinas
palabras, El
público, Medea,
Ariadna, Ricardo
III, La ópera de
tres centavos
son, entre otros,
los excelentes
montajes de
la compañía
andaluza, los
valiosos frutos de
una trayectoria
impecable
7
FOTOGRAFÍA: Soledad Miranda
Sangre de lobo
mandrágora teatro
TEXTO Y DRAMATURGIA: Sergio Rubio y Ery Nízar
DIRECCIÓN: Angélica Gómez
Mandrágora ha decidido subir un
escalón bien grande con la producción
de la comedia rock Sangre de lobo, un
espectáculo que fusiona concierto y
escena de una manera nueva: una
comedia llena de risa y emoción con
una historia que no deja indiferente. Un
homenaje a alguien que se fue pero que
siempre estará entre nosotros, mientras
alguien lo recuerde.
Esta compañía malagueña encabezada
por Raquel Casanova y Marina
Hernández ha contado con un estupendo
equipo formado por: Sergio Rubio y
Ery Nízar en la dramaturgia, que por
primera vez escriben juntos, Angélica
Gómez en la dirección; la coreografía
de Monste Peidro; Steven Lacen,
Noelia Galdeano, Carlos Poleo en la
interpretación y en la parte musical a
Juan Antonio Parra Zurita ‘Zuri’, Jesús
Reina ‘Yisu’, Rafael Martínez ‘Fali’ y José
Luis Ruiz ‘Pelín’.
Han contado con la colaboración en
la parte técnica de unos excelentes
profesionales como Ricardo López ‘Richi’,
en el sonido y en la iluminación Manuel
Castillo. Contando con la bendición laica
de Ángel Calvente, El Espejo Negro, en la
magistral confección de la marioneta de
uno de los protagonistas. Todo un equipo
de emprendedores que tienen en común
que sus años de formación artística
la han realizado en Málaga y que sus
primeras propuestas las hicieron también
aquí. Todos han bebido de la misma
fuente y la historia que nos presentan
es la radiografía de una generación que
ha comido mucho boquerón y nunca
se le ha olvidado de regar sus macetas
porque conocían de primera mano la
consecuencia inequívoca de esta acción.
TEA
TRO
COMEDIAROCK
aL
21:00
23:00
Una comedia
musical rock
muy malaguita
FOTOGRAFÍA: La compañía
8
A bombo y platillo
/De pelo y pluma
tenemos gato
FOTOGRAFÍA: La compañía
DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN:
Luis Felipe Blasco Vílchez
ACTORES: Cristina Rojas y
Homero Rodríguez Soriano
La compañía
malagueña vuelve
al Teatro Cánovas
para presentar dos
monólogos de su
nuevo proyecto:
Cuchara o tenedor. De
nuevo el humor como
herramienta para
aportar lucidez
A bombo y platillo es una
comedia que no es lo que
parece sobre una mujer
que no es como pensaba.
¿Cuántas veces nos hemos
descubierto defendiendo
unas ideas y haciendo
luego lo contrario?
Normalmente se puede
rectificar sin problema
pero… ¿Pasaría lo
mismo si fuéramos
un líder político?
Es el caso de la
protagonista de A bombo
y platillo, una lideresa
cuya vida íntima puede
reventar de forma
definitiva su trayectoria
política y profesional.
A bombo y platillo es una
comedia sobre la clase
política, una comedia
naturalista sobre estos
tiempos de esperpento,
una comedia sugerente
sobre la ambigüedad de
las personas, una comedia
tierna sobre la ambición
y una comedia ambiciosa
sobre la ternura…
De pelo y pluma es
una comedia que no
es lo que parece sobre
un hombre que no es
como se muestra.
¿Cuántas veces hemos
soltado una mentira
pensando que sería
insignificante y, cuando
nos hemos querido dar
cuenta, la mentira se
ha vuelto más grande
que nosotros? En un
momento dado podemos
plantearnos rectificar,
aclarar las cosas pero,
¿estamos siempre
dispuestos a pagar el
precio de la verdad?
De pelo y pluma es una
comedia sincera sobre los
personajes mediáticos,
una comedia íntima sobre
esta sociedad histriónica,
una comedia congruente
sobre la naturaleza
contradictoria de las
personas, una comedia
honesta sobre la valentía
y una comedia valiente
sobre la honestidad…
Un espectáculo donde
nos reiremos con todas
las risas posibles, pero
sobre todo nos reiremos.
Tenemos Gato
TEA
TRO
A bombo y platillo
Y
20:00
De pelo y pluma
Y
20:00
9
Sobre un escenario
el viejo actor
TEA
TRO
21:00
TEXTO: Francisco Javier Poleo
DIRECCIÓN: Carlos Poleo
19:30
La compañía malagueña El Viejo Actor de Carlos Poleo
y Steven Lance tras su magnífica experiencia con Spot
repite con otro texto de Francisco Javier Poleo, Sobre un
escenario. Si Spot fue el punto de inflexión, este nuevo
trabajo trata de consolidar la línea emprendida por los
hermanos Poleo y Lance: magnífica interpretación y
nuevas tecnologías, un buen cóctel que contará con
aromas de Pirandello y Brecht con un chorreón de
mar Mediterráneo de la Bahía de Málaga en forma de
Lidia Martín, Nora Aguirre y Álvaro Nielsen.
y
21:00
«Sobre un escenario todo cambia; la realidad se
transforma al antojo de un autor y el sueño de actuar
no es más que un capricho del público que observa,
que se pierde en la escena.
Es una ley tan simple y cierta que cuatro actores
se verán sometidos a ella incluso cuando la
representación se suspende y pueden abandonar los
personajes. Solo hay que abrir el telón, asomarse al
patio de butacas para saber que todo su mundo está
allí, entre esas paredes».
FOTOGRAFÍA: Pablo Montesinos
Una divertida reflexión
que hace añicos la cuarta pared
Russia
La constante distorsión de
la danza clásica, combinada
con los recursos teatrales y marcos morau/
los referentes del cine mudo
hacen que Russia nos ofrezca la veronal
Y COREOGRAFÍA: Marcos Morau
un espacio de fascinante DIRECCIÓN
Coreografía para ocho intérpretes
belleza escénica
La multipremiada Russia
es la cuarta producción
que afronta el director
y coreógrafo valenciano
Marcos Morau junto a su
compañía La Veronal. Una
pieza poética, inteligente e
innovadora que se inscribe
coherentemente en esa
fascinación que este creador
siente por la geografía
para situar la danza de
sus emociones. Primero
fue Suecia (2008), le siguió
Maryland (2009) y después
Finlandia (2010). Ahora ha
elegido Rusia, concretamente
el Lago Baikal, situado al
sur de Siberia —donde nació
Nureyev— para situar a ocho
personajes que inician un
viaje en coche hacia esas
heladas y lejanas tierras.
Viaje bello y cruel salpicado
de buen baile.
Tremendamente original,
esta pieza, creada en
colaboración con los
magníficos bailarines que
la interpretan se sitúa por
su estética en la línea de Los
Ballets C de la B, la afamada
compañía belga que ya
hemos tenido la ocasión de
disfrutar en nuestro teatro.
dan
za
y
20:00
En Russia, Morau nos hace
viajar hasta el lago Baikal,
el lago más profundo del
planeta, situado en la
región sur de Siberia. Su
volumen de aguas es tal
que, si lo derramáramos
en la superficie terrestre,
ésta quedaría cubierta
por una capa de veinte
centímetros de altura.
La carretera conduce a
los protagonistas a estar
cada vez más cerca del lago,
sin embargo, nunca llegan
a verlo porque desde el
principio Russia nace
con la voluntad de no
acabar nunca.
Russia es la representación
poética del miedo.
El diario El País decía en su
crítica tras el estreno «Citar
los mejores fragmentos
de Russia no es fácil, pero
subyugadora resulta la
secuencia en que el grupo
baila bajo los copos de
nieve, o el intenso paso
a dos de Lorena Nogal y
Nuria Navarra al compás
de la música de las Danzas
Húngaras de Brahms».
FOTOGRAFÍA: Carlos Martorell
10
11
Delicadas
t de teatre
El autor y director Alfredo Sanzol, con
su inusitada capacidad de sorpresa,
fusiona en Delicadas lo trágico y lo
cómico de forma singular
FOTOGRAFÍA: David Ruano
AUTOR Y DIRECCIÓN: Alfredo Sanzol
TEA
TRO
21:00
19:30
Los catalanes de T de Teatre, con siete espectáculos
a sus espaldas y más de 2.300 funciones que han
convocado la asistencia de más 830.000 espectadores,
hacen lo que muy pocas compañías hacen: buscar
nuevas formas, encarar nuevos riesgos. Y encargar
funciones a los autores que les gustan. Esto fue
lo que les pasó cuando vieron Sí, pero no lo soy y
le pidieron a Sanzol que les escribiera un nuevo
ramillete de historias con la marca de la casa:
humor agridulce, comprensivo, jovial y melancólico.
contar Delicadas; una historia de historias,
a veces no tan frágiles ni delicadas.
El joven dramaturgo y director aceptó el encargo y
le dio el título de Delicadas, tomado de un libro de
cuentos también suyo. Como él dice: «Ese título es
‘irónico y paradójico’ porque precisamente habla
de mujeres ‘a las que no dejaron ser delicadas […]
Les tocó vivir la guerra y la posguerra y eso les hizo
fuertes y duras, mujeres con mucho ímpetu, que
no tenían tiempo para ellas y con las que no se
podía jugar porque siempre andaban ocupadas’».
Construida con fragmentos, trozos, con elementos que
en apariencia no tienen relación, pero que configuran
un universo en la que un rosal que estaba muerto
súbitamente resucita. Una costurera pega a la pared
un crucifijo con cemento para que no se lo quiten
los milicianos. Un padre se quiere hacer amigo de
su hija en Facebook. Unas hermanas despiden a su
hermano que va a la guerra. Una pintora intenta con
toda su alma vender un cuadro. Una mujer necesita
la ayuda heroica de sus vecinos para matar un
ratón. Dos comerciantes de ganado descubren que su
asistenta los considera peligrosamente intelectuales.
Un percusionista de una banda militar ofrece un
concierto de platillos. Un soldado envía un amigo
fotógrafo a casa de su novia para que la fotografíe
desnuda. Una abuela narra a su nieto el cuento de
Santa Casilda, que convirtió las rosas en panes.
El humor es una constante en la trayectoria
de T de Teatre y Alfredo Sanzol. Una manera
de mirar la realidad que los ha unido para
Son historias que fusionan lo trágico y lo cómico de
un modo singular. Un autor y director con capacidad
de sorpresa.
Juicio a
una zorra
kamikaze
producciones
TEXTO Y DIRECCIÓN: Miguel del Arco
TEA
TRO
y
21:00
Helena de Troya es un
personaje sobradamente
conocido. Sabemos que
fue prometida a Paris
a cambio de que él
declarara que Afrodita
era la más hermosa
de las tres diosas en
litigio, nos han contado
el irresistible furor que
produjo que huyera con
Paris, es mítica su belleza
divina… Pero en todos los
episodios aparece como
un personaje secundario,
sin embargo, Miguel del
Arco la presenta ante
nosotros trasnochada,
lenguaraz, borracha
como una cuba por
la necesidad de beber
permanentemente la
droga mezclada con
el vino que ofreciera a
Telémaco para aplacar
su dolor. Una Helena sin
miedo. Con ese valor
que da el estar de vuelta
de casi todo y no tener
nada que perder. Una
Helena convertida en
una ‘ruina del tiempo’.
Una Helena que desafía
a los hombres y desafía
a Dios. Una Helena que
reclama el olvido.
Pero ¿cuál ha sido el
punto de partida para
Ese ‘monstruo
actoral’ llamado
Carmen Machi
reconvertido en
Helena de Troya y
Miguel del Arco ese
autor y director (La
función por hacer,
Veraneantes, etc.)
que a la cabeza de
su generación está
regenerando los
escenarios españoles
nos regalan un
espectáculo lleno de
magnetismo, energía
y fascinación
la construcción de
esta lección teatral? El
propio Miguel del Arco
responde: «Las fuentes
han sido muchas: La
Ilíada, La Odisea, Las
Troyanas, Helena de
Eurípides… pero una
vez asumidas dejé
que la voz de Helena
se hiciera fuerte con
Carmen Machi en mi
imaginación. La Machi
es capaz de todo. Tiene
todos los registros
conocidos e incluso
algunos de su única y
exclusiva propiedad. Su
registro cómico lo ha
hecho sobradamente
conocido la televisión
pero, tal vez, no todos
conozcan su registro
trágico, ese capaz de
hacer volar las palabras
para hacer que el alma
experimente una pasión
propia con motivo de
la felicidad y la
adversidad en asuntos
y personas ajenas».
Miguel consigue que
‘la Machi de Troya’
comparezca ante
nosotros, reconvertidos
en jurado popular,
para reclamar olvido.
No tiene demasiadas
expectativas: «conozco
la tendencia de la masa
humana a comportarse
como un solo idiota.
Espero que hoy me
haya tocado una masa
menos compacta».
Carmen Machi nos
muestra la plenitud
de sus poderes con
un espectáculo
descomunal…
FOTOGRAFÍA: Sergio Parra
12
13
Visitando
otros jardines
dan
za
y
20:00
CÍA. DE DANZA
FERNANDO HURTADO
FOTOGRAFÍA: Víctor Meliveo
DIRECCIÓN: Fernando Hurtado
Una coreografía para cinco bailarines
El malagueño
Fernando
Hurtado, uno
de nuestros
bailarines y
coreógrafos
más
reconocidos a
nivel nacional
e internacional,
presenta su
nuevo trabajo.
Una coreografía
sobre los dibujos
del artista
paraguayo
Ricardo
Migliorisi al que
conoció cuando
trabajaba con el
Ballet Nacional
de ese país.
Llega ahora a nuestro
teatro para ofrecernos
su último material, su
último espectáculo que
toma forma en Paraguay
durante el tiempo en
que estuvo trabajando
para el Ballet Nacional
de ese país. Allí conoció
al artista plástico Ricardo
Migliorisi y allí se dejó
seducir por sus dibujos.
Unos dibujos en los
que sus protagonistas
son sorprendidos en
pequeñas situaciones que
oscilan entre la tristeza y
el ridículo, lo fantástico
y lo cotidiano, tomando
siempre como referencia
la condición humana.
Es bien conocida la
calidad como bailarín
de Fernando Hurtado,
sus colaboraciones con
compañías nacionales
del prestigio de Danat
Danza, Transit y Lanònima
Imperial, entre otras,
así lo atestigua, pero su
labor como coreógrafo
y director de su propia
compañía, creada en el
2000, goza del mismo
reconocimiento. Desde
ese año hasta aquí el
artista malagueño no ha
dejado de ofrecernos, año
tras año, pruebas de su
hiperactividad creadora.
A partir de esos dibujos,
Hurtado ha realizado
una composición sobre
—como él mismo dice—
«lo que la Compañía
busca en estos tiempos;
visitar otros lugares
donde no hayamos
estado hasta ahora».
Visitando otros jardines
es no tener en cuenta
el cartel de ‘no pisar el
césped’ o ‘cuidado con el
perro’ pero sí el lema de
‘pasen y vean’ ‘siéntese,
disfrute y déjese llevar’
y, por supuesto, con el de
‘todo puede cambiar’.
14
TEA
TRO
AL
DISEÑO CARTEL: Rocco Lombardi
21:00
Taking Sides
Tomar partido
de Ronald Harwood
LA FUNDICIÓN
DE SEVILLA SL
DIRECCIÓN: Pedro Álvarez-Ossorio
¿Es posible aislar el arte de la
política? ¿El artista está por
encima de los aconteceres
políticos? ¿Se puede hacer un arte
apolítico? Sobre los humeantes
rescoldos de una ciudad destruida
se vuelve a plantear el debate
Wilhelm Furtwängler (Berlín, 1886-Baden Baden, 1954)
fue un gran director de orquesta y compositor alemán.
Sus versiones de Beethoven, Wagner, Bruckner o
Richard Strauss son más que interpretaciones, son
verdaderas creaciones. La historia de la música le
ha concedido un lugar privilegiado como maestro
indiscutible del repertorio romántico germano.
Finalizada la Segunda Guerra Mundial fue acusado
de colaboracionismo con el régimen hitleriano y
sometido a un proceso de desnazificación durante el
cual fueron prohibidas sus actuaciones.
En 1995 Ronald Harwood estrena, bajo la dirección
de Harold Pinter, Taking Sides. Harwood es
mundialmente conocido por el magnífico guión de la
película El pianista de Roman Polanski.
Dirigido por Pedro Álvarez-Ossorio, un excelente
equipo de actores encabezado por Antonio Dechent y
Roberto Quintana, pone cuerpo a la poderosa escritura
del autor sudafricano para sumergirnos en la tensión
de los prolegómenos y averiguaciones preparatorias
del juicio que va a llevar a cabo la Comisión Anti Nazi
para los Artistas. El espectador, situado en la misma
posición que los personajes de este drama histórico, se
ve sumido en un juicio donde es parte y testigo: ¿qué
debería haber hecho Furtwängler? ¿Debió quedarse en
Alemania, como hizo, o simplemente debió huir para
no colaborar con aquel régimen?
«¿Acaso Thomas Mann realmente cree que en
la Alemania de Himmler a uno no le debería ser
permitido tocar a Beethoven? Quizás no lo haya
notado, pero la gente lo necesitaba más que nunca;
jamás antes nadie había anhelado tanto escuchar a
Beethoven y su mensaje de libertad y amor humano
como (precisamente) estos alemanes, que vivieron
bajo el terror de Himmler. No me pesa haberme
quedado con ellos».
Wilhelm Furtwängler
15
Un solo de danza-performance
que reflexiona con sentido del
humor sobre la existencia
Inspirado en un breve escrito de la artista Louise
Bourgeoiss, 7easy ways to end it all, que trata el
tema del suicidio, utiliza el concepto de ‘final’
como motivo recurrente, tanto a nivel formal como
argumental. ‘Final’ entendido no como manera
definitiva de acabar con todo sino como transición
necesaria para cerrar etapas, es decir, como ‘motor
de cambios’.
Es una pieza optimista que habla de momentos
vitales, turbulentos, explosivos, destructivos,
eléctricos (romper, manchar, cortar, destrozar…) que
son los que bien gestionados posibilitan los cambios.
En definitiva, habla de la necesidad de reinventarse
para seguir luchando.
Pero lo mejor para describir esta pieza es hacerlo
con las palabras de María ya que a las capacidades
antes citadas hay que añadir la de escribir bien:
«Vuelvo a situar la pieza entre lo oscuro y lo
ridículo, lo trágico y lo cómico, resbalando en
terreno de contradicciones. Intentando encontrar
la ‘trascendencia de lo ligero’ y la ‘ligereza de lo
trascendente’, y de nuevo, como en anteriores
trabajos, utilizando inevitablemente ‘la estupidez’
como forma inteligente de enfrentar el tema».
Una forma
fácil de
acabar
con todo dan
za
maría m.
cabeza de vaca
DIRECCIÓN E INTERPRETACIÓN:
María M. Cabeza de Vaca
y
20:00
FOTOGRAFÍA: Centro de Documentación de las Artes Escénicas de Andalucía
Desde hace años tenemos la suerte de tener en
Andalucía a María M. Cabeza de Vaca, una licenciada
en Filología Hispánica y titulada en Ballet Clásico
que tras haber prestado sus servicios y capacidad
como bailarina a compañías nacionales del nivel
de Erre que Erre, Metros o Provisional Danza se
afincó en Andalucía para ofrecernos lo mejor de sí
misma —y es mucho— ya sea en colaboración con
otros francotiradores como Guillermo Weickert o
sola como en este espectáculo. El caso es que de una
u otra forma su presencia en el escenario se deja
sentir allá donde aparezca gracias a su calidad de
movimientos y expresividad sin límites. Lo cierto
es que tenemos la suerte de tenerla bien cerca. De lo
que no estamos tan seguros es de que Andalucía le
haya dado el reconocimiento del que goza fuera de
las fronteras de nuestra comunidad autónoma. Hora
es ya de hacerlo.
16
Esperando a Godot
de Samuel Beckett
excéntrica producciones
DIRECCIÓN: Joan Font
Esperando a Godot se
representó por primera
vez en París en 1953. En
mayo de 1955 el paraninfo
de la Facultad de Letras
de Madrid veía su estreno
en España, antes, incluso,
de su primera puesta en
escena en Londres.
sociales en que nuestra
sociedad ve desaparecer
algunos de sus valores
más arraigados, sin
que aún se perfilen los
que han de sustituirlos,
En los últimos 60
años el gran icono del
existencialismo y del
teatro del absurdo, esta
obra en la que, según
Vivien Mercier, no pasa
nada, dos veces ha servido
como una de las mejores
herramientas para
interpretarnos política,
religiosa, filosófica,
psicoanalítica
y culturalmente.
La dirección de Joan Font,
¡40 años ya al frente de
Comediants!, aporta una
visión nueva del clásico de
Beckett firmemente asida
a nuestra realidad de
hoy: ¡caótica!, ¡absurda!,
¡surrealista!, ¡cruel!...
FOTOGRAFÍA: Luis Castilla
En 2012, en este momento
de crisis de referentes
Excéntrica Producciones
decide repasar este clásico
imprescindible.
Pero terriblemente
cómica al
retratarnos como seres
incapaces de poner
orden en nuestros
asuntos y de avanzar
coherentemente. No
sabemos dónde vamos,
ni cuáles son realmente
nuestras necesidades
pero la propuesta de
Font es fascinante:
¡descubrámoslo!
Aunque en su edición
inglesa Esperando a
Godot se etiquetara
como ‘tragicomedia’,
Beckett siempre afirmó
haber escrito una
obra para clowns.
Probablemente
los éxitos más
memorables que
TEA
TRO
21:00
21:00
este texto ha cosechado
sobre las tablas
han respetado esta
perspectiva y éste es el
espíritu que anima esta
versión que ahora llega al
Teatro Cánovas.
Mención especial para
el espacio sonoro de este
Esperando a Godot. La
viola de Jasio Velasco,
la trompeta de Javier
Centeno y el clarinete de
Oriol Boixader, bajo la
inspiración de clásicos
como Nino Rota, Cole
Porter o Kurt Weill,
sirven, como ya ocurriera
hace un siglo en la
cubierta del Titanic,
para endulzar
y alegrar
esta espera.
Después de sus homenajes al cine mudo con
Restaurant tú three y al mundo del circo con
Triálogos clownescos, Gregor Acuña y los suyos
abordan Esperando a Godot, su proyecto más
ambicioso, bajo la dirección del maestro Joan Font.
El absurdo está servido. El humor también.
FOTOGRAFÍA: La compañía
17
Corporeizar
el ritmo de
la palabra
teatrodanza
y
20:00
No es la lluvia,
es el viento
TRASTO TEATRO/SILENCIODANZA
DIRECCIÓN: Raúl Cortés
COREOGRAFÍA: Nieves Rosales
Trasto Teatro, Raúl Cortés, Silenciodanza, Nieves
Rosales, el teatro y la danza se unen para fusionarse
los lenguajes que cada uno explora en No es la lluvia, es
el viento o el melancólico canto de la soledad humana.
La Nave Duende de Extremadura le otorgó la Beca
Creación 2011 como ayuda a la producción de aquellos
proyectos que considera relevantes. Galardón que este
año también han recibido varias compañías de gran
prestigio internacional, como por ejemplo la compañía
de danza de Teresa Nieto.
Es la confirmación del buen hacer de Trasto Teatro y
Silenciodanza, así como de la calidad de sus propuestas.
Ambas dan un paso más allá en sus trayectorias y
ahora, se juntan en busca del misterio y una epifanía:
corporeizar el ritmo de la palabra.
La danza contemporánea fusionada con el
flamenco y todo, a su vez, tamizado por un
lenguaje eminentemente teatral. El gran reto de
capsular en el movimiento la multiplicidad de
significados y el alarde lírico de una obra de enorme
calado poético.
¿Dónde está la belleza? A veces es un escalofrío la
distancia que nos separa de las respuestas. Hay luces
que se encienden y, más que alumbrar, hieren.
18
SÍNDROME CLOWN
Idea original y guión: Síndrome Clown
DIRECCIÓN: Fernando Fabiani
Con su nuevo montaje,
Síndrome Clown da un
repaso a la industria
del cine y a la paradoja
del éxito de la nueva
tecnología 3D.
Un trasfondo de crítica,
¡tan característico en esta
compañía!, en este caso
enfocada a las nuevas
tecnologías en el cine,
las grandes diferencias
que existen con el teatro
o la eterna y, a veces,
desesperada lucha en
busca de espectadores
de dos medios tan
diferentes no resta un
ápice de comicidad al
nuevo trabajo de estos
maestros de la carcajada.
Ante la ausencia de
público, una sala de
cine clásica decide
reinventarse a sí misma:
un encargado venido a
menos, empeñado en que
le salgan los números;
una limpiadora aspirante
a actriz y un vendedor de
palomitas que hace de todo
menos vender palomitas…
deciden ser protagonistas
de sus películas preferidas.
El nuevo trabajo de Víctor
Carretero y Práxedes
Nieto, que en esta
ocasión cuentan con la
colaboración de la actriz
¡Rocky Balboa,
Marilyn Monroe o
Jack Torrance de El
Resplandor no volverán
a ser los mismos
después de… Cineclown
3D! Te proponemos una
noche con Síndrome
Clown para sentirte
mejor, para ser más
feliz. De eso se trata
En su primer espectáculo
Este circo no es normal,
trataban el circo
dentro del teatro; en La
prematura muerte de un
viajante y en Estocolmo
(se acabó el cuento) el
teatro dentro del teatro.
Ahora, con Cineclown 3D,
llevan el cine al teatro,
dando fin así a una
trilogía de las artes muy
particular y muy al estilo
de Síndrome Clown.
Pónganse las gafas 3D,
no olviden comprar
sus palomitas y…
¡Disfruten de la película!
TEA
TROCLO
WN
aL
21:00
FOTOGRAFÍA: Luis Castilla
Cineclown 3D
Anabella Hernández en el
papel clásico de payaso de
en medio, es un repaso y
un homenaje al séptimo
arte. Cine clásico y
moderno, cine de acción,
de terror… En definitiva,
un paseo por esas
películas que nos han
emocionado, hecho reír
o llorar y que, pasadas
por el filtro de Síndrome
Clown, nos sorprenden
con una nueva y
divertida perspectiva.
FOTOGRAFÍA: La compañía
19
¿Qué pinto yo?
¿Qué pinto yo?:
revindico mi infancia
La carpa teatro
TEXTO Y DIRECCIÓN: Esther Caraballo
Con esta veterana
compañía de VélezMálaga, La Carpa
Teatro, comenzamos la
programación para niños
y niñas que se centrará en
esta temporada en el mes
de diciembre y enero.
y expresiones que fluyen
de las sabias manos de
Paco Pavón y la dulce
creatividad de Esther
Caraballo. Un proceso
de complicidades donde
se encuentra la razón
fundamental de su éxito.
La Carpa Teatro está
especializada en teatro
para la infancia y la
juventud desde hace tanto
años como años tiene el
Teatro Cánovas, más de
20. Un laboratorio de ideas
En esta ocasión nos
presentan una divertida
propuesta escénica en
la que se utiliza técnicas
de teatro gestual para
recuperar y disfrutar
de la infancia.
Julieta, Raqueta, Candela
y Pedrito guardan en
sus preciosas carpetas
recuerdos que alguna vez
los hicieron felices.
Nos irán mostrando los
dibujos que guardan en sus
carpetas. Momentos de su
vida que nunca olvidarán y
que sin duda ha permitido
que pasado algún tiempo
sigan conservando la
niña o el niño que fueron
y que cuidan como su
tesoro más preciado.
TEA
TRO
PARA
LA Infancia
AL
18:30
12:00
TEA
TRO
21:00
19:30
Sé de un lugar
producciones prisamata
TEXTO Y DIRECCIÓN: Iván Morales
Estrenada en ese espacio
alternativo, La Caldera,
comprometido con la
regeneración de la escena
barcelonesa, se vuelve a
exhibir meses más tarde
en la misma ciudad en La
Seca, la nueva y flamante
sala del Espai Brossa en
el Borne, lugar donde es
descubierta por la crítica
nacional más exigente
que, desde entonces, no
ha cesado de celebrar la
llegada a los escenarios
de otro autor que se une a
Miguel del Arco o Alfredo
Sanzol, por citar sólo dos
de los casos más conocidos
de esos nuevos autores
que se han empeñado en
devolver a la comedia toda
su dignidad.
Iván Morales debuta con
este texto como autor y
director, aunque lleva
muchos años ganándose
la vida como actor de cine,
teatro y televisión. Ha
escrito los guiones de Mi
dulce y El truco del manco,
ha dirigido varios cortos,
y reconoce su deuda con
maestros tan diversos
como Darío Argento, Ulises
Dumont, Manuel Morón,
Daniel Monzón y los
Hermanos Calatrava.
Sé de un lugar esquiva
todos los tópicos de las
comedias de desamor. Su
estrategia es un devenir
imprevisible, pero sin
el menor efectismo;
tiene humor, poesía,
complejidad y pegada.
El autor y director, junto
a sus dos magníficos
intérpretes, hace sentarse
al espectador dentro
de un apartamento
Sé de un lugar, el
éxito sorpresa y la
revelación de la
pasada temporada
en Barcelona, llega a
nuestro teatro. Una
obra teatral de Iván
Morales creada a
partir de una relectura
libre de Rohmer y una
canción de Triana. Una
comedia sobre ‘el amor
después del amor’, de
la auto-exigencia de
relacionarnos más
allá de los discursos
hechos, de lo trazado
de antemano
para asistir a escasos
centímetros de distancia,
a los encuentros y
desencuentros de Simón
y Béré, una pareja que
se quiere y se necesita,
pero no puede vivir bajo
el mismo techo. El crítico
Marcos Ordóñez decía lo
siguiente tras el estreno
del espectáculo “la obra
es, a su manera, una
relectura de El trío en mi
bemol, de Rohmer, del
que toma la partitura de
encuentros espaciados en
el tiempo, la pasión por
la palabra y la anécdota
central: en ambas, el
protagonista afirma no
poder querer plenamente
a quien no ame la música
que a él le emociona. En
Rohmer era Mozart; aquí
es el inmortal tema de
Triana que da título a la
obra. También comparte
con Rohmer la mirada,
aguda y perceptiva:
ironiza, pero nunca
caricaturiza, aunque a
ratos parezca deslizarse
hacia la sátira de diversas
panaceas modernas…”
Para concluir: qué
regalo, descubrir de
repente dos actores
como ellos, completos,
rotundos, desnudándose
emocionalmente con
el público a dos pasos
y sin caer jamás en
grandilocuencias ni
chantajes. Como esta
función, tan viva, tan
intensa, tan divertida, que,
o mucho me equivoco, o va
a hincharse a girar.
Pues bien, no se había
equivocado, aquí
están y esperamos
que para quedarse.
FOTOGRAFÍA: Dani Ghedina
20
21
Los cavernícolas y...
Mamut
kirucón teatro
DIRECCIÓN: Mery Cosme
ambos licenciados en Arte
Dramático por la Esad de
Málaga. Componen un
equipo sólido e ilusionado
y dispuestos a seguir
contando historias para
formar a las espectadoras
y espectadores del futuro.
Su objetivo primordial
es presentar diferentes
estilos teatrales buscando
el acercamiento a
todo tipo de públicos,
obligándose por
tanto a ser auténticos
actores y actrices en
perpetua búsqueda de la
comunicación.
La amistad, el respeto
a la naturaleza, el
descubrimiento a través
del juego, la diversión
son las claves empleadas
en Los cavernícolas y…
Mamut, el espectáculo
para niños y niñas de 0 a
90 años que han elaborado
colectivamente; y que, bajo
la sabia dirección de Mery
Cosme, nos transportan
a un mundo extinguido
siempre por descubrir.
TEA
TRO
PARA
LA Infancia
y
18:30
y
12:00
Cavernícolas
y mamuts para
la infancia
FOTOGRAFÍA: Fran Kapilla
Baluartes de la escena
malagueña: Mery Cosme,
Concha Galán, Miguel
Guardiola y Kiu López
fundan el grupo KIRUCÓN
TEATRO en el año 2011 con
el propósito de imaginar
historias que lleguen
a un público de todas
las edades. El primer
espectáculo que eligen va
dedicado al universo de la
infancia que permanece
en el ser humano. En
esta ocasión cuentan
con los actores Inma
Caballero y Siscu Ruz,
22
El tren de la lluvia
TEA
TRO
cabaret
laví e bel XX ANIVERSARIO
DIRECCIÓN: Emilio Goyanes
aL
21:00
19:30
FOTOGRAFÍA: Jorge Rabadán
Con El tren de
la lluvia, Laví
e Bel repasa,
en el Teatro
Cánovas, los
más brillantes
números y
canciones de
sus 20 años
de exitosa
trayectoria
El 12 de octubre cumplimos 20 años.
Han sido 20 años de lucha continuada
por mantenernos en pie sin que nuestra
propuesta artística pierda frescura.
Un iceberg navega entre las olas
agitadas incapaces de hundirlo. Si
descendemos, veremos que hay una
masa enorme que lo sustenta.
Estamos con los que piensan que el
espectáculo no es más que la punta
visible de un universo sumergido.
Quiero pensar que nuestros
espectáculos son icebergs a la deriva.
Sin ese ‘derroche’ de ideas
aparentemente innecesarias, sin todas
esas horas de caminos perdidos, sin
todos esos hilos transparentes, los
espectáculos no serían más que aire.
En algunas ocasiones, esta combinación
química y casual, trabajosa y
lúdicamente elaborada, ha creado
algunos ‘momentos de ruptura’ en los
que hemos sido uno con el público, en
los que hemos podido rozar algo que
tiene que ver con el sentido del teatro.
Esos momentos efímeros han hecho
que valga la pena todos estos años de
trabajo. Pondremos toda la energía
para que la cuerda vuelva a vibrar.
El tren de la lluvia resume, de
alguna forma, esos más de 7.000
días de trabajo, es la historia
condensada de este largo viaje a
través de fragmentos, canciones y
números de Cabaret Líquido, Cabaret
Caracol, Cabaret Nómada, Yai,
Paradisi, La Barraca del Zurdo…
Nos proponemos hacer de esta
celebración una fiesta para el público,
los compañeros de profesión y
los miembros de la compañía.
Emilio Goyanes
23
y
20:00
Fedra
de Eurípides
INDuO
teatro
ADAPTACIÓN
Y DIRECCIÓN: Andreu
Desde su fundación la
compañía ha establecido
claramente su principal
objetivo: la interpretación
actoral en el teatro de
texto. En este sentido
pretende con propuestas
escénicas con tendencias
al esquematismo formal
llevar al escenario
trabajos en los que el
elemento principal sea
la comunicación del/de
la espectador/a. Entiende
que en la sociedad actual,
saturada por los medios
de comunicación y el
audiovisual, el teatro
debe levantarse sobre
los cimientos en los que
estuvo fundamentado
desde sus orígenes,
siendo a la vez vehículo
comunicativo y parte de
un proceso restaurador
de las convenciones
teatrales, tan denostadas
y olvidadas de continuo.
Bajo estas premisas nos
propone Fedra.
Quizás sea Fedra unas
de las obras más
contemporáneas del
teatro universal, porque
posee, sin lugar a
dudas en sus palabras,
una universalidad de
significados que la hace
estar siempre viva pese
a los siglos y versiones
que sobre las tablas de
los escenarios de todo
el mundo se hayan
llevado a cabo; en parte
esta afirmación radica
en el sentimiento que
hilvana toda la obra, el
amor. Único sentimiento
humano capaz de
provocar el deseo o la
animadversión, una
obsesión carnal y racional
o esa dosis de valentía
inconsciente para
llevar al ser humano a
trascender los límites de
lo moralmente razonable.
Eso es Fedra, un juego
de contrastes del alma,
donde el latir del corazón
de la protagonista se
inunda de lo prohibido,
obsesionada y
rindiéndose ante
la naturaleza pulcra
y virginal.
FOTOGRAFÍA: La compañía
TEA
TRO
Fedra: del clasicismo a
la contemporaneidad
24
Gloria
(Buscando el relevé)
Y aquí me planto!
DRAMATURGIA: Arun Mansukhani, Sergio del Pino y Luigi Ruiz
DIRECCIÓN: Luigi Ruiz
«...Gloria es una mujer,
reflejo de una generalidad
del universo femenino,
una profesional de la
danza que tiene miedo
de dar rienda suelta
a sus emociones. El
miedo al abandono, a lo
impredecible que se deriva
del riesgo no sujeto a la
disciplina inherente de
la danza, oscurece sus
afectos más íntimos en
un vaivén de feria que
lo mismo la eleva que la
arrastra por los suelos.
Pero ese continuo caer y
levantarse puede producir
dos efectos: plegarse a la
autocompasión (plié) o
la superación y elevación
(relevé). Gloria elige crecer
y dejar escapar su fibra
sensible para compartir el
universo privado y público.
Mundos éstos que desde
la dirección, hallan su
reflejo en la estructura,
y que delimitando la
escena lumínicamente,
busca campos subjetivos
independientes que
terminan fusionándose
en un final brillante que
aúna todo el escenario.
Una dirección conjunta
que tiene como cabeza
principal a Luigi Ruiz.
Coreografías bellísimas e
innovadoras que mezclan
contemporáneo y
flamenco sin despreciar
aires de muñeira, y que
empastan con textos
que hablan, desde el
conocimiento profesional,
de la psicología y de la
interdependencia personal
aunando planos líricos
y realistas.
Todos buscando la
gloria, pero ella busca
sólo el relevé.
Expresiva, dinámica
y laboriosa propuesta
sustentada por la música
en directo de la Peña
del Ñosko, que ofrece
un magnífico recital de
canciones propias».
Paco Inestrosa
(La Opinión de Málaga)
dan
zateatro
y
20:00
25
Seres queridos
BAJOTIERRA
TEXTO: Cristian Alcaraz, Alberto Cortés y las intérpretes de la obra
Coreografía: Ximena Carnevale
Dirección y dramaturgia: Alberto Cortés
De la misma forma
que una etiqueta puede
condicionar una vida, la
compañía Bajotierra ya
marca su recorrido desde
el momento en que decide
su nombre. No estamos
hablando de encerrarse
sino de resguardarse
de las molestias para
crecer bajo la tierra, y no
estamos hablando de una
necesidad, tampoco, sino
de una decisión «antes de
que me entierres tú ya me
entierro yo solito».
de la compañía, mirar
a las demás artes para
crecer, contaminarse de
todo y romper todo lo
que huele a teatro, y no
es ésta una afirmación
‘moderna’ que pretenda
revolucionar nada, sino
una cuestión de ‘gustos’.
En 2009 realizan Las
Criadas/Les Bonnes de
Jean Genet (Premio
Espacio Escénico Málaga
Crea 2010, La Noche en
Blanco Málaga 2010), en
2010 ya están jugando en
la calle y crean María por
los aires, que inaugura el
XXVIII Festival de Teatro
de Málaga y se encuentra
girando actualmente por
distintos puntos del país
(Premio Escena Joven
Ayuda a la Producción
2009), en 2011 abandonan
la calle por una casa, la de
los artistas Manu Lafont
Hay una cuestión
artística siempre
enganchada a la nuca
y
20:00
es un juego que pretende
“cambiar la vida”.
Actualmente se
encuentran de gira con su
espectáculo para espacios
íntimos Estoy buscando
algo que no sé lo que es.
En 2012 vuelven al
escenario tras la seguridad
de haber experimentado
las piedras de otros
espacios, vuelven con su
propio idioma, ahora sí. Y
no van a conformarse.
FOTOGRAFÍA: Ben Albares
La agrupación se
constituye en 2009 pero
ya comienza a andar
desde un par de años
antes, cuando Alberto
y Alessandra entran
en contacto artístico
(el contacto personal
se mantuvo mucho
antes aún, eran vecinos
de la misma calle).
Finalizar la formación
en la Escuela Superior de
Arte Dramático supone
para ellos la libertad de
crear desde sus propias
normas. Agradecidos
y fieles a las grandes
figuras que la formación
les ha dado a conocer,
están convencidos de
lo que quieren: crear su
propio idioma.
y Pedro Okña (por eso de
seguir contaminándose),
consiguen un
éxito absoluto en
representaciones que
transforman lo íntimo en
gritos desde la calle y en
el nombre del espectáculo
vuelve a hacerse pública
toda la verdad: Estoy
buscando algo que no sé
lo que es. Este mismo año
celebraron el Día Mundial
del Teatro con la visita de
uno de sus personajes,
la Reina Isabel I, a la
casa del vencedor de un
concurso realizado vía
facebook, transformando
el uso comercial de las
redes sociales en uso
artístico. Para ellos todo
teatrodanza
Estoy buscando algo que
no sé lo que es bajo tierra
FOTOGRAFÍA: La compañía
26
La reunión
teatro línea 6
TEXTO: Miguel Palacios
DIRECCIÓN: Juan Alberto Salvatierra
Algunas de las
sensaciones más terribles
al encontrarse a un
conocido a quien no se
veía en lustros es la
constatación, en el rostro
del otro, del ineludible
paso del tiempo que
afecta a todos por igual.
Y no son únicamente
las huellas físicas que
el tiempo va dejando,
sino también, y muy
especialmente, las
huellas que el éxito o
el fracaso dibujan en
nuestra piel y en nuestra
manera de observar
el mundo.
Miguel Palacios reúne,
tras un lapso de tiempo
prudencial, a unos amigos
que llevan la derrota
tatuada en la mirada.
«Me enseñaron que con
los años se pierden los
sueños, que a los veinte se
es un revolucionario y a los
cuarenta un conservador,
que llega un momento en
la vida en que no se tiene
tiempo para nada, ni se
cree ya en nada, porque las
obligaciones cotidianas —
familia, trabajo, hipoteca…
—y el desgaste ocasionado
por los múltiples impactos
contra el mismo muro,
producen un cansancio tan
terrible que le arrebata el
sentido a la realidad.
Me enseñaron que había
que estudiar una carrera
con futuro, fundar
una familia como dios
manda, participar en la
vida de la comunidad, ser
un ciudadano ejemplar.
Me enseñaron que,
para ser feliz, había que
renunciar a los sueños.
Escribí esta obra para
hablar de un puñado
de descreídos y de un
mártir, de un grupo de
triunfadores y de un
perdedor, de un grupo de
realistas y de un soñador.»
Juan Alberto Salvatierra
coloca en el primer lugar de
sus prioridades artísticas
con este montaje situar al
espectador en el mismo
círculo de amistad en el
que se desenvuelven los
personajes, esto es, desea
que los espectadores se
sientan amigos de los
personajes, quiere que éstos
se ganen su confianza,
que el semicírculo que
formarán los actores y
actrices en el escenario en
algún momento continúe
hasta los espectadores y
que entre todos se lancen
esas miradas preñadas de
éxito o fracaso.
TEA
TRO
Y
20:00
La reunión
del autordirector y del
director-autor.
Juan Alberto
Salvatierra
versus Miguel
Palacios
27
TEA
TRO
Coriolano
Y
de William Shakespeare
21:00
FOTOGRAFÍA: David Ruano
el canal/centre
d’arts escÈniques
salt/girona/
teatre lliure
DIRECCIÓN: Àlex Rigola
Àlex Rigola, el director que nos
ha regalado tantas noches
mágicas vuelve a Shakespeare
para hablarnos del secuestro
del pensamiento crítico en las
actuales democracias
A Àlex Rigola siempre lo
habíamos recibido de la
mano del Teatre Lliure.
Ahora, una vez que se
prepara para presentar
la segunda edición de la
sección teatral de la Bienal
de Venecia de la que es
director y con coproducción
de su antigua casa y del
Canal de Salt, teatro del
que es artista residente,
lo recibimos para
presentarnos su última
puesta en escena, una
propuesta en la que vuelve
a su conocidísimo
W. Shakespeare para
analizar la relación del
poder con el pueblo, y
explorar hasta qué punto
un sistema como la
democracia no ha sido
ya amortizado.
cuestione qué entiende
por democracia,
consiguiendo otro
momento brillante en
su trayectoria.
Àlex Rigola se ha
mantenido fiel a sí
mismo. Ha condensado
las más de tres horas del
original de Shakespeare
y ha reducido a ocho la
veintena de personajes
para poner encima del
escenario un espejo de
la actualidad. El reflejo
es claro, pero más allá
del parecido, Rigola
hace que el público se
En Coriolano la lección
actoral está asegurada y
mucho más si el personaje
principal corre a cargo
de su Joan Carreras, el
actor fetiche de Rigola a
quien Marcos Ordóñez
en su crítica de El País le
dedicaba estas palabras:
«Carreras juega en otra
liga y te deja clavado
en la butaca: potencia
absoluta, no puedes dejar
de mirarlo. Es uno de
los grandes actores que
hay en España y lo digo
porque aún se le conoce
poco fuera de Cataluña.
Forma un Coriolano
grave, severo, con un
gran fuego interior,
una autoridad feroz
(le basta una mirada,
un gesto, para hacer
callar a sus adversarios)
y una melancolía
avasalladora. Borda
un trabajo purísimo,
nacido de una rigurosa
economía de recursos y
admirablemente pautado
por Rigola. ¡Bravo!».
28
dan
za
y
20:00
Destejiendo
sueños
SILENCIODANZA
COREOGRAFÍA Y DIRECCIÓN: Nieves Rosales
Destejiendo sueños,
da rienda suelta a los
sentimientos más
profundos del alma
de una mujer a través
del flamenco y el
contemporáneo, lleva
por bandera la libertad
de expresión en una
sociedad donde la ‘falsa
libertad’ nos oprime
más que libera.
Hemos perdido la
capacidad de escuchar,
de oírnos a nosotros
mismos, atender a
las pasiones… nos
asomamos sin remedio
hacia la sociedad de la
incomunicación. Este
mundo de finales de siglo,
infernal para la mayoría,
viene marcado a hierro
por la individualidad.
Ocultamos nuestras
debilidades, nuestra
fragilidad. Por eso, nace
Silenciodanza, para
recuperar lo perdido, para
expresar nuestro mundo
interior, las pasiones,
la duda, la esperanza…
Nieves Rosales,
la tejedora
de sueños
Silenciodanza establece
los cimientos en la
necesidad de levantar
un discurso propio
FOTOGRAFÍA: La compañía
Destejiendo sueños nace
a partir del mito de
Penélope. La espera de
una mujer que, durante
años, ha mantenido
con fuego el amor hacia
Ulises. Pero, ¿cuánto
hay de cierto en ese
amor? Penélope va
tomando conciencia de
que esperando a Ulises
se ha olvidado de vivir.
Ahora debe encontrarse
ella misma, destejer los
sueños que en estos años
de soledad han adornado
sus noches. El amor de
ayer convertido hoy en
soledad y angustia, en
un huracán de desilusión
y contradicciones.
a partir de la danza,
trabajar desde el miedo,
el deseo, la inseguridad,
el desequilibrio, nos
acerca a los sentimientos
más básicos del ser
humano: la miseria de
ser amado u odiado.
29
Los villanos de Shakespeare
de Steven Berkoff
DIRECCIÓN: Ramón Simó
Personajes agrios,
crueles, perturbados. El
catálogo de malvados
de William Shakespeare
constituye la mejor
colección de malos de
la historia del teatro y
de ellos se alimentan
Steven Berkoff, Manel
Barceló y Ramón Simó,
autor, actor y director de
este espectáculo mezcla
de teatro gestual, cómico
y dramático que ha sido
reconocido por la crítica
como una sensacional
exhibición de talento.
Los villanos de
Shakespeare es una
auténtica clase magistral
sobre el mal. El texto,
escrito e interpretado
durante años por el actor,
director y dramaturgo
británico Steven
Berkoff, reconocido
internacionalmente por
su extensa filmografía
y muy especialmente
por los papeles de ‘malo’
que ha interpretado
en películas como
Octopussy, Rambo o
Beverly Hills Cop, realiza
la disección y el análisis
de los malvados creados
por Shakespeare (Yago,
Ricardo III, Shylock,
Macbeth...) y profundiza
con nuevos puntos de
vista en la personalidad
y circunstancias de los
personajes y combina
la disertación sobre
el teatro isabelino, el
diálogo con el público
y la representación de
los grandes malvados
shakesperianos.
Como dice Ramón
Simó «una manera de
entender el mal y quizás
de desarmarlo, es jugar
con él. Representarlo.
Así lo ha hecho la
humanidad desde el
principio de los tiempos,
y así lo hizo Shakespeare,
y no falta quien dice que
parte importante de la
pervivencia de su obra se
debe a la inmortalidad de
sus personajes malvados.
Los malvados de
Shakespeare no caducan.
El público parece que no
se ha cansado de verlos,
de disfrutar con ellos, de
admirarlos y rechazarlos.
Y los actores siempre
están a punto para
ceder a la tentación de
representarlos. Como
el propio Berkoff
cuando, en 1998,
escribió e interpretó
por primera vez
Shakespeare’s villains.
Manel Barceló,
apasionado de
Shakespeare y con
la suerte de haber
representado unos
cuantos, reconocido
experto en el arte
del monólogo, será
uno de los primeros
en representar el
texto de Berkoff. Un
actor tentado por los
malvados, un actor que
ha de querer luchar al
mismo tiempo al lado
y contra los villanos,
que entrará en unos
personajes de los
cuales cuesta mucho
salir: reiremos con él,
veremos con él el lado
débil de los malvados,
sus contradicciones,
pero también nos
enseñará su fuerza, su
poder. Y volveremos
a reír. Dejar de hacer
de malvado, en el
teatro y en la vida,
no es nada fácil.
Hasta 81 personajes desfilan por el
escenario en esta producción. Una
auténtica exhibición de talento
actoral que nos hace pensar en
maestros de la talla de Dario Fo
TEA
TRO
Y
21:00
FOTOGRAFÍA: David Ruano
sala mUntaner
30
FOTOGRAFÍA: Martín Raverta, Encarni Vega
Bufones en la memoria o
la memoria de bufones
Memoria
histriónica
abulaga teatro
AUTOR: David Lobo
Dos actores, con un
mínimo apoyo de
vestuario y atrezzo, se
convierten en guías
bufonescos que nos
pasean de la mano por
los distintos rincones de
la memoria histórica.
Los ‘tópicos’ sobre
‘nuestra patria’, la cultura
del misticismo y el
oscurantismo, resurgen
en la obra ofreciendo
una nueva lectura de
lecciones aprendidas
y transmitidas como
verdades indiscutibles y
sin más razonamientos
que el ‘porque sí’ o
‘porque no’, ‘porque
lo mando yo’, ‘como
dios manda’ o ‘porque
está mal visto’ muy de
actualidad en nuestros
gobernantes. Ficción
y realidad, historia y
actualidad; un juego
maravilloso en el que,
rotos los compartimentos
estancos, se hace difícil la
tarea de distinguirlos
y acotarlos.
Es el primer espectáculo
íntegramente original de
Abulaga Teatro. Tomando
como base uno de los
periodos más difíciles de
nuestra historia reciente,
y con la claridad y nitidez
que la distancia en el
tiempo proporciona,
el montaje está invadido
de un humor burlón y
crítico con el pasado,
a veces confundido con una
reconocible actualidad.
Memoria Histriónica
de David Lobo está
sustentada sobre un
riguroso trabajo de
investigación bibliográfica,
audiovisual y humana.
Destaca en el montaje,
la música, composición
original de la
internacionalmente
reconocida Diana Pérez
Custodio, que mantiene
las claves del texto: sobre
elementos sonoros ‘cliché’
de un lugar y una época
que apelan a la memoria
colectiva, se elabora un
discurso impregnado de
una perspectiva satírica
y deformante, añadiendo
cohesión y originalidad.
TEA
TRO
y
20:00
31
de Francisco de Quevedo
teatro clásico de sevilla
DIRECCIÓN: Alfonso Zurro
¿Qué queda de la
picaresca en nuestra
contemporaneidad?
¿Qué paralelismos
o divergencias
encontramos? Éstas son
algunas de las cuestiones
a partir de las cuales
Alfonso Zurro y Teatro
Clásico nos invitan a
disfrutar de uno de los
grandes clásicos de
nuestra literatura.
El Buscón es una de las
novelas fundamentales
de la picaresca española.
Su autor, Francisco de
Quevedo, retrata las
andanzas, gracias y,
sobre todo, desgracias
de un joven llamado
Pablos que intenta subir
desde su mísera escala
social y alcanzar el
rango de caballero.
En ella el lector se
adentra en un mundo
divertido, donde
los infortunios del
protagonista, narrados
por él mismo, es lo
que le mueve a la
risa; encontrándose
con un cúmulo de
situaciones, personajes,
incidentes, espacios…
Dentro de la complejidad
propia que presenta
la composición de
esta novela, resulta
una apasionante
aventura dramatúrgica
acercarla, aunque sólo
sea tangencialmente,
al universo cerrado de
un escenario. ¿Pero cómo?
trabajar sobre el texto
como un pícaro más:
arramplar, construir,
refundir, deconstruir,
romper, enlazar, pegar,
inventar, recopilar…
Somos un país de
pícaros, se sigue oyendo
cotidianamente. Y lo
damos por válido sin
entrar en el fondo del
asunto. Desde esta
premisa también se puede
Todo clásico siempre se
ve desde los ojos de la
época del espectador que
lo lee o contempla. Es su
experiencia vital la que
le hará observarlo de
una u otra forma. Pero
TEA
TRO
aL
21:00
siempre desde su tiempo.
Es imposible para un
espectador actual
entrar en la miserable
realidad del Siglo de
Oro. Y aunque lo intente,
llevará en su bagaje
la perspectiva de las
desventuras actuales, las
hambrunas africanas,
las migraciones
desesperadas, las
imágenes de las pateras
cruzando el estrecho…
La aldea global,
la intercomunicación,
un mundo al alcance de
la mano… También esos
sucesos históricos que
ha vivido y que le dan
otro giro histórico: las
torres gemelas, el 11M,
la guerra del Golfo… Todo
suma, uno no puede
sustraerse y sentirse un
espectador virginal del
siglo XVII. Queramos o
no estamos en nuestro
tiempo y desde él
observamos el pasado.
El espectador de nuestra
propuesta quizás
considere prestar
atención desde el ayer
al hoy y tal vez se haga
algunas preguntas del
estilo: ¿Qué queda de
la picaresca en nuestra
contemporaneidad?
¿Qué paralelismos
o divergencias
encontramos? Y así
disfrutar de un clásico
titulado Historia de
la vida del Buscón,
llamado don Pablos.
Alfonso Zurro
FOTOGRAFÍA: Luis Castilla
El Buscón
32
Lo que ocurre dentro
proyectos personales
TEXTO Y DIRECCIÓN: Sergio Rubio
Lo que ocurre dentro es
una obra tan clara como
dotada de misterio,
tan previsible como
imprevisible y, sobre
todo, representativa de la
habilidad (ya conocida,
pero ahora reforzada) del
autor al mostrar la punta
del iceberg para contar el
iceberg entero.
La pieza es, también, la
más cercana a Samuel
Beckett de las que ha
escrito Sergio Rubio: dos
policías (Javi Parra y Álex
Furundarena) vigilan
a una mujer desde el
interior de un coche
aparcado en la puerta
de su casa. Anotan sus
entradas y salidas y la
actividad que pueden
distinguir a través de
las ventanas: cierre de
persianas, cambio de ropa
y otras rutinas propias de
la vida cotidiana. Aunque,
como en Beckett, el
motivo real de esta espera
nunca queda aclarado
del todo, las confidencias,
risas, miedos, fracasos
y fatalidades revelan (en
uno de esos inesperados
eurekas tan del gusto de
Sergio Rubio) la naturaleza
del thriller, íntegra y, sobre
todo, honesta.
Propiamente la obra trata
sobre dos hombres que
hablan y beben cerveza,
así que, claro, hay humor
grueso, menos grueso y
del normal, pero sobre
todo la sensación otorgada
al espectador de que está
asistiendo a la disección
de los personajes, como
criaturas observadas a
través de un cristal. El
tono brechtiano es sutil
pero muy eficaz.
Pablo Bujalance
TEA
TRO
Beckett dispuesto a la fuga
y
20:00
FOTOGRAFÍA: Juan A. Cárdenas
La intuición y la
experiencia señalan a
cualquier aficionado al
teatro la necesidad de
seguir cualquier cosa
que haga Sergio Rubio.
Este nuevo texto nos
permite comprobar que
Rubio sigue escribiendo
(muy) buenas obras de
teatro y que sus señas
de identidad son lo
suficientemente firmes
como para su feliz
reconocimiento y lo
suficientemente flexibles
como para prometer
un crecimiento dotado
de registros diferentes.
33
Incrementum
de Georges Perec
TEA
TRO
21:00
barco pirata
19:30
FOTOGRAFÍA: Antonio Vicenté
DIRECCIÓN Y ADAPTACIÓN: Sergio Peris-Mencheta
Seis magníficas actrices dirigidas
por el reconocido actor Sergio
Peris-Mencheta presentan
Incrementum, una divertidísima
farsa antisistema. ‘Un texto
musical’, que no ‘un musical’
El reconocidísimo escritor francés Georges
Perec —Premio Renaudot y Médicis en el 65 y 78
respectivamente— escribe L’Augmentation, un
cuento narrado en tercera persona e impregnado de
oralidad. Un flujo de conciencia, en un desdoblamiento
permanente, tan angustioso como estrambótico,
vertiginoso y oprimente, muy kafkiano, con una
desconcertante mezcla de ironía y pesadilla. Un cínico
retrato del universo del trabajo de ayer y de hoy.
Ahora el reconocido actor Sergio Peris-Mencheta
—capitán de rugby, Trueno o Fernández de Córdoba—,
alguien que coquetea y mucho, con la dirección
teatral desde hace años, trae a nuestros escenarios
este divertidísimo y cínico texto, escrito un año
antes del 68 y adaptado al teatro en el 70, rodeado
de seis actrices de primera entre las que destaca la
portentosa María Isasi. Lo tradujo en una tarde y
decidió que si volvía a la escena sería con la adaptación
de ese texto, que él ha decidido ‘retitular’ como
Incrementum porque le parece más descriptivo.
Incrementum es una sátira, en tono de comedia,
‘pero no una payasada’, en la que Perec
reflexiona sobre ‘la perversión del sistema’, ‘lo
mismo’, dice, que ahora, 43 años después, han
hecho los indignados de la Puerta del Sol.
Según Mencheta: «Formamos parte del bicho que es
el sistema. Nos dejamos llevar como ovejas porque
lo más cómodo es serlo. Perseguimos el éxito, que
en muchos casos es simplemente un aumento de
sueldo, como en la obra, pero cuando se logra uno se
da cuenta de que la madre del cordero es la felicidad.
Es —subraya— un texto muy interesante y
original en el que el protagonista es el público, al
que se interpela con un cuento a seis voces».
Ha querido que en España los protagonistas sean
mujeres para remarcar que «el sistema es un
patriarcado creado por y para el hombre, en el
que la fuerza para obtener lo que se quiere y quién
los tiene más grandes es lo que importa».
Rosana Torres finalizaba su crítica para el diario El
País de esta forma «Un actor-músico, Sergio Villoldo;
y seis magníficas intérpretes, Marta Solaz, Rebeca
Ledesma, Ainhoa Aldanondo, Lara Cobos, Marta Aledo
y María Isasi nos muestran una historia en espiral, a
modo de melodioso recital minimalista. Una delicia».
34
El príncipe constante
de Pedro Calderón de la Barca
teatro de los orígenes
DIRECCIÓN: Gloria León y Miguel Palacios
El moribundo rey
portugués acepta la
transacción y Guillermo
es designado para
efectuar el negocio;
cuando éste llega a
Marruecos, Fernando
no acepta ser liberado
en detrimento de su
patria. Entonces, el rey
lo somete a la esclavitud.
En prisión, el infante
no acepta la ayuda de
sus compañeros.
Finalmente, muere en
la prisión y se convierte
en mártir. El ejército
portugués, enaltecido
por la muerte de
Fernando, desembarca
en Marruecos y obtiene
un gran triunfo contra
sus enemigos.
La puesta en escena
que Grotowski hizo de
esta obra se focalizaba
sobre la fortaleza del
protagonista, que se
muestra en su progresiva
degradación física a
consecuencia de las
torturas que sufre y del
proceso de inanición
al que está sometido.
TEA
TRO
y
20:00
Y su realización
espiritual a través de
la mortificación de
la carne, lo que en sí
mismo es una analogía
de la búsqueda de
trascendencia que el
actor establece en el
teatro grotowskiano
a través de la
interpretación.
La puesta en escena que
propone Teatro de los
Orígenes transforma
el texto en imágenes
y vuelve al texto para
hablar al público de hoy
con un lenguaje que le
es propio. Centramos
nuestro espectáculo en
la trascendencia buscada
y lograda por el infante,
lo que se corresponde
también con nuestra
manera de entender
el teatro.
La inmolación
del líder
FOTOGRAFÍA: Francis Fortes
El príncipe constante es
una tragedia compuesta
en 1629, dividida en tres
actos y escrita en verso.
Es una refundición de la
Crónica del infante santo
del escritor portugués
Fray João Alvares. El
protagonista de la
historia es Fernando
de Portugal, ‘el infante
santo’, hermano de
Enrique, ‘el navegante’. El
infante es hecho rehén
por los marroquíes, que
lo retienen en Tánger
en el año de 1438. Se le
da buen trato, pues los
marroquíes quieren
utilizarlo para rescatar
Ceuta, que entonces
era portuguesa.
35
TEA
TROcine
Producciones
Imperdibles,
Y
21:00
19:30
Un viaje
a
la
luna
inspirado en el guión
de Federico García Lorca
producciones
imperdibles
DIRECCIÓN: José María Roca
El guión cinematográfico de Federico García
Lorca, Un viaje a la luna, fue resultado de la
colaboración entre el poeta granadino y el
artista gráfico mexicano Emilio Amero.
Ambos se conocieron en Nueva York. Amero que
trabajaba como diseñador publicitario, compartió
con Lorca su pasión por el jazz. Los dos frecuentaban
un viejo salón de baile: el Small’s Paradise. Era
la época de Louis Amstrong, Johnny Dodds,
King Oliver y el piano ‘stride’ de J.P. Johnson. La
imaginación nos permite pensar que, quién sabe,
incluso conociera a dos estrellas emergentes de
la época y de aquellos circuitos musicales, Billie
Holiday y Duke Ellington. Federico, en un mundo
dominado por la máquina y el hombre blanco, supo
hallar en la música negra el grito de dolor que se
identificaba con su propia soledad y alienación.
cuyo
acercamiento
al Lorca de Poeta
en Nueva York
se convirtió en el
espectáculo más
visto del V Centenario,
vuelve sobre la estela del
Federico más surrealista,
sombrío y críptico con
Un viaje a la luna
Un viaje a la luna trata de la crisis de identidad de un
muchacho vestido de arlequín cuyo cuerpo de adulto
no cabe ya entre sus ropas y cuyo traje resulta triste
y un poco absurdo en medio de su nuevo ambiente. El
guión se compone de agónicas imágenes de crueldad
y de angustia sexual. Tiene todo el penetrante horror
de un choque violento entre la necesidad y el deseo.
La obra absorbe influjos de campos muy diversos.
Es difícil analizarla sin recurrir a su relación con
Dalí, el impacto que le produjeron los dibujos de
Cocteau, la obra de artistas del círculo de Diaghilev,
su admiración por Joan Miró, su conocimiento de
la obra de Chaplin, Keaton, Eisenstein, Clair…
«Mira lo que puedes hacer con esto, tal vez sirva
para algo», así entregó aquel guión Federico a
Amero, que en aquella época ya había realizado
un cortometraje, 777. La realidad es que el
mexicano únicamente empezó a trabajarlo tras
la muerte de García Lorca, como tributo a su
persona, y que nunca llegó a terminar el film.
En manos de la compañía andaluza Producciones
Imperdibles un guión cinematográfico que
ya tenía mucho de teatral, se materializa
magistralmente sobre las tablas de nuestro teatro.
36
EndGame
de Samuel Beckett
apo teatro
TEA
TRO
DIRECCIÓN: David Pinazo
Espectáculo en inglés subtitulado en español
Esta propuesta contiene
el humor negro, incluso
macabro, los continuos y
remarcados contrastes,
la musicalidad y
ritmos sonoros que
hacen del montaje,
no solo un continente
interesante, inquietante
y conmovedor, si no
que también funciona
como un espectáculo
bello, agradable y
divertido para un público
diverso y amplio.
¿Qué sentido tiene la vida,
cuando la muerte parece
haberse olvidado de ti y
solo de ti? Los personajes
se encuentran en un
mundo desierto, baldío,
muerto. El tiempo, al
haber perdido el efecto
natural sobre los seres,
al haber interrumpido el
20:00
curso natural de la vida,
deja de avanzar y atrapa
a los cuatro últimos
seres en un paréntesis
infinito en el que, como el
tiempo, ya nada sucede.
Destaca la dirección
de David Pinazo, la
sólida interpretación
del excelente y veterano
actor anglosajón Graham
Cherry muy bien
arropado por José
Luis Guerrero,
Salvador
Flores y
María del
Mar Suárez.
FOTOGRAFÍA: Pablo Souviron
Un nuevo descubrimiento,
una nueva experiencia en
nuestra programación en
la Sala Gades, es EndGame
de Samuel Beckett:
una joven compañía
malagueña, Apo Teatro,
realiza una excepcional
puesta en escena en la
lengua original (inglés)
del célebre autor del
teatro del absurdo con
subtítulos en español.
y
Auténtico Samuel Beckett
37
Mi amigo del alma
bic bic
Este espectáculo hecho
all’improviso se basa en
una intuición. Partes de
un personaje con el que
vas abriendo camino,
opciones de ‘juego’, hasta
que un día, con todo el
material acopiado, te
preguntas qué quieres
contar realmente. Miras
lo que tienes, desechas
lo que se ha vuelto
manido y te centras en lo
esencial. Y te das cuenta
de que en el trayecto te
has implicado, a veces
sin darte cuenta, que has
empezado a enfocar los
temas que te apasionan
y que, inevitablemente,
has elegido. Has
encontrado un relato. Si
la cosa empieza a rular
y te atrapa, es que has
acertado. Y queda lo más
difícil: hacer que eso
que forma parte de tus
locuras más íntimas, sea
asequible al espectador,
o sea que, lo que a ti te
mueve conmueva al que
lo ve, es decir, rematar la
faena y hacerla digerible.
Estamos en la vía
de humor negro. El
escenario es hoy, más
que nunca, el lugar
más sugestivo para
alterar la realidad.
FOTOGRAFÍA: Enrique Cameno
DIRECCIÓN: Juan Carlos Sánchez
La verosimilitud en teatro
es mucho más elástica
que en otros medios de
expresión. La función
teatro es un paréntesis
en la vida de una persona
en el que nos permitimos
soñar sin reglas.
Nuestro trabajo al hacer
el espectáculo es ser
coherentes en nuestros
planteamientos: todo es
posible si va bien trabado.
El teatro, lo quieras o
no, es un transmisor de
ideas pues su lenguaje
está inevitablemente
fraccionado y
manipulado. El trabajo
del dramaturgo es el de
elaborar las condiciones
oportunas para ‘ese’
espectáculo en ‘ese’
momento único.
Después de una larga
etapa de ensayos en la que
hemos recibido muchas
referencias de nuestros
colaboradores ‘especiales’,
nos hemos quedado solos
ante el peligro, un actor
ajoporro, otro actor sin
ayudas y un director a
las puertas de la muerte.
Y esto es lo que ha salido
“mi amigo del alma”.
Juan Carlos Sánchez
La máscara
contemporánea
al servicio del
humor negro
TEA
TRO
y
21:00
38
El ladrón
de voces
TEA
TRO
y
síndromedario
20:00
TEXTO: Ery Nízar
DIRECCIÓN: Inés Gandiaga
Jean-Pierre Jeunet, Tim Burton, Terry
Gilliam, Cocteau, Charles Dickens son
los nombres que inspiran este estreno de
la compañía malagueña Síndromedario
que dará un giro copérnico a su carrera
artística con este montaje: la búsqueda
de un nuevo lenguaje, de un universo
propio, son las claves para entender
la propuesta de El ladrón de voces.
La lucha por la
palabra y dejarse oír
La obra-fábula, escrita por el
joven y prometedor Ery Nízar, con
abundantes guiños a los cineastas
antes mencionados, se caracteriza
por personajes simples pero decididos e
inmersos en un mundo casi apocalíptico
y que en ocasiones recuerda a la película
La ciudad de los niños perdidos de JeanPierre Jeunet, aunque hay elementos
más allá de la realidad como una
máquina que atrapa voces convirtiendo
a los ciudadanos y ciudadanas en
robots con ansias compulsivas de
comprar. Cuenta con un excepcional
elenco de la excelsa y productiva escuela
malagueña: Noelia Galdeano, Steven
Lance y Mariché López.
ILUSTRACIÓN: Omar Janaan
Habla de amistad, de voluntad, de
cómo olvidamos con facilidad nuestros
sueños y deseos para sustituirlos por
objetos sin alma. También del amor,
de confianza en uno mismo y en los
demás. Habla de respeto, de derechos.
La felicidad está en la mayoría de las
ocasiones al alcance de nuestras manos
solo hay que estar atentos para esquivar
la luz artificial que a veces nos ciega.
39
Petí comité
teresa nieto en compañía
COREOGRAFÍA: Teresa Nieto en Compañía
Coreografía para cinco bailarines
Petí Comité es un recorrido
por diversos paisajes,
situaciones, ambientes.
Un espectáculo compuesto
por seis piezas cortas:
Tuiyo, Ex-aequo, Sara,
Punto de fuga, Ritorniamo,
Uno y un epílogo.
Se trata de una
propuesta en constante
revisión, abierta a la
incorporación de nuevas
piezas, un espectáculo
que evoluciona, que se
reinventa, que respira al
unísono con todos los que
lo encarnamos.
FOTOGRAFÍA: Pedro Arnay
Petí Comité es un trabajo
de búsqueda, nacido de
la necesidad de transitar
nuevos caminos, nuevas
formas, nuevos conceptos,
nuevas premisas.
Algunas piezas beben
directamente de las aguas
del imaginario de Teresa
Nieto, y otras bucean
en otros mundos más
lejanos, misteriosos a
veces, sugerentes siempre.
O como dice Teresa Nieto:
«Desde mis cuarteles
de invierno he escrito
estas seis notas para que
las leas en mi ausencia.
Son pequeños poemas
elaborados solo con luz y
carne.
Para ti
seis búsquedas,
seis deseos,
seis emociones,
seis encuentros,
seis vivencias…
seis evanescencias que
espero recuerdes.
Algún día nos alejarán,
llegará ese momento.
Solo pido que me dejen
conservar un tiempo
más mis instrumentos
de contar. Si lo consigo,
seguiré escribiendo
poemas en el aire con
cuerpos prestados y
emociones propias».
dan
za
y
21:00
Premio
Nacional de
Danza 2004,
Premio Max a la
mejor intérprete
femenina en
2007 y 2009,
entre otros,
son algunos de
los numerosos
premios que
han sido
otorgados a
esta coreógrafa
y bailarina de
larguísimo
recorrido.
Una de las
imprescindibles
en la danza
contemporánea
española
40
TEA
TRO
21:00
Las
criadas
de Jean Genet
lazona
DIRECCIÓN: Pablo Messiez
Daniel Veronese,
Claudio Tolcachir, Rafael
Spregelburd y… ahora
Pablo Messiez, director
de estas Criadas son
algunos de los nombres
propios con los que el
teatro argentino está
ayudando a regenerar
la escena española.
Llegados desde ese país
que ama la palabra
sobre todas las cosas y
cuya base social parece
haber decidido darle a la
producción escénica el
estatus de ‘bien de primera
necesidad’, saben bien lo
que es hacer teatro con ‘lo
mínimo’, con su esencia:
un buen texto y unos
actores extraordinarios
excelentemente dirigidos
como es el caso de Las
criadas. Todos ellos,
como Messiez, cabalgan
bien sobre las olas de la
pertinaz crisis y salen más
que airosos.
El director argentino Pablo Messiez
convierte esta enésima versión del
texto del iconoclasta autor francés en
un grito de clases complejo y poderoso
Desde hace algunos años
Pablo Messiez nos ha
acostumbrado a esperar
lo mejor y, de momento,
no defrauda. Si antes
bebió libremente de
Galdós en la vibrante Los
ojos, aquí opta por cederle
protagonismo a Genet,
si bien no sitúa al texto
original en un altar.
De origen argentino,
como su reparto
—aunque es una
coproducción del Festival
de Otoño en Primavera,
y todos llevan ya años
en Madrid—, Messiez
acerca la expresividad,
los giros y los modismos,
al castellano de su país.
Es una hermandad
lingüística y estética
lógica: sus criadas son
mucamas, chachas que
solía decirse, empleadas
domésticas si prefieren,
cuyo uniforme es un
chándal y una camiseta
sudorosa, dos criaturas
de las ‘villas’ de Buenos
Aires, pero también
de la periferia de
cualquier gran ciudad
europea; dos jóvenes
instaladas en el fracaso
que bailan al son de
éxitos de radiofórmula.
Desprovistas de glamour,
Messiez las hermana
con habilidad y todo
resulta actual, cotidiano,
casi costumbrista, lo
cual no deja de tener
mérito en un texto tan
existencialista y alejado
de la calle.
El creador acerca a
nuestros días de crisis y
abusos una inquietante
obra que se inspira en
la tremenda historia
de las hermanas Papin,
que en 1933 mataron
brutalmente a su señora
y su hija en un grito
agónico por sobrevivir.
Messiez reinterpreta este
texto emblemático para
hablar de la rabia de dos
seres sometidos al poder
impune de su superior.
En palabras del propio
Messiez: «Releer la
obra en el contexto
de nuestro presente
resulta particularmente
inquietante: cada día
vemos cómo la crisis
económica omnipresente
en los discursos termina
por desplazarse hacia
otras zonas y acaba
por ser la justificación
de cualquier conducta.
Como si una vez
instalada la convención
de la crisis, las señoras
tuvieran ‘vía libre’ para
justificar sus abusos».
Todo el reparto, Fernanda
Orazi, Bárbara Lennie y
Tomás Pozzi, logra que
estas Criadas emocionen,
convenzan y propongan
cómo innovar con Genet
en el siglo XXI.
FOTOGRAFÍA: Javier Naval
y
41
La mirada interior
producciones imperdibles
IDEA, ESPACIO ESCÉNICO Y SONORO: José María Roca
Coordinación artística: Gema López, José Pipió, José María Roca
Con este nuevo
espectáculo
Producciones Imperdibles
profundiza en la
investigación iniciada
a principios de esta
década que tenía como
finalidad provocar una
mirada diferente del
espectador: otra forma
de vivir la danza.
El espectador, pieza
clave en esta serie
de creaciones, ha
participado de formas
muy diferentes: con
la cabeza metida en
un agujero, sentado
debajo de un escenario
transparente, a través
de los reflejos que
proponen los espejos
de un calidoscopio
gigante, asomado
a los pasillos de un
andamio rectangular...
Ahora llega La
mirada interior.
y
21:00
Nuestra nueva propuesta es en apariencia bastante simple, un círculo.
El público, sentado en el contorno con auriculares, escucha.
Los danzantes ocupan el centro, interactúan con él.
¿Por qué es interior?
Porque solo tú escuchas lo que escuchas.
Por fuera todo se mueve en el silencio.
Por dentro, tú decides tu espacio sonoro entre tres propuestas distintas.
Y desde ahí miras la danza. O la vives.
La música conectada con el corazón. Y tú decides lo que quieres oír.
Es un trabajo de experimentación y búsqueda para los coreógrafos y bailarines.
Pero también para el espectador. Se mezclan movimientos y compases en tu propio oído.
¿Qué matices, intenciones, acentos se desvelan con una música o con otra?
¿Cómo elegir? ¿Qué dejar al azar? ¿Cómo se siente con otra música?
Interrogantes, decisiones, opciones, preferencias.
Un público activo crea en su propio oído su espectáculo privado.
Irrepetible. Esto parece interesante además de divertido.
¡Danzad, danzad, benditos!
FOTOGRAFÍA: José María Roca
dan
za
42
Ella tampoco
anura teatro
DIRECCIÓN: Laura Godoy y Mercedes Bernal
todo gira en torno
a la búsqueda de la
felicidad y el tiempo
que empleamos en ella.
Partiendo desde un punto
de vista femenino, el
espectáculo trata algunos
aspectos que todos nos
hemos planteado alguna
vez en nuestras vidas,
como las relaciones
afectivas, la maternidad,
o la falta de libertad a la
hora de elegir nuestro
camino. Son algunos de
los factores clave de la
búsqueda de la felicidad.
Y queremos pensar que
nacemos para ser felices.
El espectador vivirá
durante una hora en una
Un espectáculo
contemporáneo
conformado por distintos
lenguajes expresivos; la
TEA
TRO
y
21:00
música en directo,
la creación audiovisual,
la acción performática
y la implicación del
público transmiten más
que un espectáculo,
emociones y sensaciones.
De ahí que la obra se
estructure en ‘instantes’,
en acontecimientos
diferentes e irrepetibles
en cada representación.
Anura teatro
Ella tampoco propone una
reflexión sobre uno de los
motores principales (¿quizás
el principal?) de nuestra
existencia: la felicidad
FOTOGRAFÍA: Luis Castilla
Ella tampoco propone
una reflexión en torno
a la felicidad y su
búsqueda a través del
tiempo mediante la
visión de Mercedes y
Laura, dos mujeres que se
enfrentarán a la felicidad
y a los impedimentos
para alcanzarla,
como los complejos,
la insatisfacción,
los prejuicios o las
decisiones. ¿No es la
felicidad el principal
motor de nuestra
existencia? Motivaciones,
impulsos, deseos...
nube entre la verdad y
la ficción, porque Laura
y Mercedes confundirán
sus ‘egos’ personales con
los de sus personajes. Ella
tampoco habla de cómo
afrontamos nuestro día
a día, cómo pensamos en
los demás y en nosotros
mismos sin darnos
cuenta. Anura Teatro
intenta crear consciencia
de esos procesos, a veces
diminutos, en ocasiones
insignificantes, pero
que construyen nuestra
realidad. Sin embargo,
pese a la gravedad de los
términos, huimos de la
densidad y apostamos
por la acidez, la verdad
escénica, el desnudo de
las ideas, la generosidad
y, por supuesto, el humor.
43
...Y ADEMÁS NUESTROS CICLOS...
DEL 2 AL 5 MAYO
27 FEBRERO
6 MARZO
13 MARZO
20 MARZO
3 ABRIL
10 ABRIL
17 ABRIL
8 MAYO
15 MAYO
21.00
21.00
21.00
21.00
21.00
21.00
21.00
21.00
21.00
H
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H
H
H
H
H
DEL 21 AL 26 MAYO
18 NOVIEMBRE 21:00H.
LAS MIGAS
DEL 3 AL 9 JUNIO
28 NOVIEMBRE 21:00H.
BUD SPENCER BAND
PRESENTACIÓN DE SU NUEVO DISCO
19 DICIEMBRE 21:00H.
O SISTER!
OTROS POR CONFIRMAR
44
6 NOV 2012 - 11:00H.
concierto para niños AMPARO SÁNCHEZ
19 OCT 2012 - 11:00H.
TEATRO ATALAYA 21 Y 22 FEB 2013 - 11:00H.
Celestina. La Tragicomedia
TEATRO TEATRO CLÁSICO DE SEVILLA Ricardo Iniesta Fernando de Rojas
versión y adaptación.
El Buscón
autor.
Francisco de Quevedo Alfonso Zurro FOTOGRAFÍA: Luis Castilla
DIRECCIÓN.
24 ENE 2013 - 11:00H.
concierto para niños MAGA
11 DIC 2012 - 11:00H.
FOTOGRAFÍA: Julia Beamud
FOTOGRAFÍA: Paola Bragado
concierto para niños
LOS CORONAS
FOTOGRAFÍA: Luis Castilla
autor.
45
calendario 12-13
46
calendario 12-13
OCT
2012
13 OCT 21:00H.
18€;
VENTA ANTICIPADA:
16€
NOV
2012
1 NOV 19:30H.
2 y 3 NOV 21:00H.
16€
pop-rock
NIÑOS MUTANTES
teatro
EL VIEJO ACTOR
Náufragos
(ESTRENO absoluto)
Presentación de su disco
(concierto de inauguración)
18, 19 y 20 OCT 21:00H. 16€
19 OCT 11:00H.* 5€
teatro
ATALAYA
Ricardo
Fernando de Rojas
versión y adaptación:
autor:
dramaturgia:
Francisco Javier Poleo
DIRECCIÓN: Carlos Poleo
24 al 26 OCT 21:00H.
27 OCT 23:00H.
16€
Luis Felipe Blasco Vilches, con Homero Rodríguez Soriano
6 NOV 11:00H.* 5€
teatro-comedia-rock
MANDRÁGORA TEATRO
Sergio Rubio y Ery Nízar
DIRECCIÓN: Angélica Gómez
10 y 11 NOV 20:00H. 16€
TEXTO Y Dramaturgia:
27 y 28 OCT 20:00H. 16€
SALA GADES
teatro
TENEMOS GATO
A bombo y platillo
dramaturgia Y DIRECCIÓN:
Luis F. Blasco Vilches,
con Cristina Rojas
31 OCT 21:00H. 16€
teatro
EL VIEJO ACTOR
Sobre un escenario
(ESTRENO absoluto)
dramaturgia: Francisco Javier Poleo
DIRECCIÓN: Carlos Poleo
SALA GADES
danza
MARCOS MORAU/
LA VERONAL
Russia
DIRECCIÓN Y Coreografía:
Marcos Morau
10 NOV 21:00H.
11 NOV 19:30H.
16€
teatro
T DE TEATRE
Delicadas
Autor y DIRECCIÓN:
Alfredo Sanzol
13 NOV 10:00H. y 12:00H. 14 Y 15 NOV 11:00H.
5€
SALA GADES
Danza para niñ@s y jóvenes
DANSEHOTEL 1+1=Danza
* Función didáctica para centros docentes
Esperando a Godot 17 y 18 NOV 20:00H. 16€
SALA GADES
danza
CÍA. DE DANZA
FERNANDO HURTADO
18 NOV 21:00H. concierto para niños
AMPARO SÁNCHEZ
Sangre de lobo
TEXTO Y DIRECCIÓN: Miguel del Arco,
con Carmen Machi
teatro
TENEMOS GATO
dramaturgia Y DIRECCIÓN:
2012
1 DIC 21:00H. 16€
KAMIKAZE
PRODUCCIONES
Juicio a una zorra
Visitando otros jardines
De pelo y pluma
DIC
teatro
3 y 4 NOV 20:00H. 16€
SALA GADES
Celestina. La Tragicomedia
Iniesta
Sobre un escenario
16 y 17 NOV 21:00H. 16€
DIRECCIÓN:
15€;
Fernando Hurtado
VENTA ANTICIPADA:
pop-rock
LAS MIGAS
12€
21 a 24 NOV 21:00H. 16€
teatro
LA FUNDICIÓN DE
SEVILLA SL
Taking Sides (Tomar partido) de Ronald
Harwood (ESTRENO absoluto)
Pedro Álvarez-Ossorio
DIRECCIÓN:
24 y 25 NOV 20:00H. 16€
SALA GADES
danza
MARÍA M. CABEZA DE VACA
teatro
EXCÉNTRICA
PRODUCCIONES
de Samuel Beckett
DIRECCIÓN: Joan Font
1 y 2 DIC 20:00H. 16€
SALA GADES
teatro-danza
TRASTO TEATRO/
SILENCIODANZA
No es la lluvia, es el viento
DIRECCIÓN:
Raúl Cortés
Nieves Rosales
COREOGRAFÍA:
5 al 8 DIC 21:00H. 16€
teatro-clown
SÍNDROME CLOWN
Cineclown 3D
Idea original y guión:
Síndrome Clown DIRECCIÓN: Fernando Fabiani
6 al 8 DIC 18:30H.
9 DIC 12:00H.
7€
SALA GADES
teatro para la infanciA
LA CARPA TEATRO
¿Qué pinto yo?
Una forma fácil de
acabar con todo
TEXTO Y DIRECCIÓN:
María M. Cabeza de Vaca
11 DIC 11:00H.* 5€
Esther Caraballo
dirección e interpretación:
28 NOV 21:00H. 16€
pop-rock
BUD SPENCER BAND
Presentación de su nuevo disco
concierto para niños
LOS CORONAS
15 DIC 21:00H. 16 DIC 19:30H.
16€
30 NOV 21:00H. 16€
teatro
EXCÉNTRICA
PRODUCCIONES
Esperando a Godot de Samuel Beckett
DIRECCIÓN: Joan Font
teatro
PRODUCCIONES
PRISAMATA
Sé de un lugar
Iván Morales,
con Anna Alarcón y Xavier Sàez
TEXTO Y DIRECCIÓN:
47
15 y 22 DIC 18:30H.
16 y 23 DIC 12:00H.
19 y 20 ENE 20:00H. 16€
teatro para la infancia
KIRUCÓN TEATRO
Gloria (buscando el relevé)
SALA GADES
7€
SALA GADES
danza-teatro
Y AQUÍ ME PLANTO!
Los cavernícolas y...
Mamut
Arun Mansukhani,
Sergio del Pino y Luigi Ruiz
DIRECCIÓN: Luigi Ruiz
DIRECCIÓN:
Mery Cosme
23 ENE 20:30H.
19 DIC 21:00H. 12€
jazz
O SISTER!
ENE
dramaturgia:
2013
10 a 12 ENE 21:00H.
13 ENE 19:30H.
El tren de la lluvia
26 y 27 ENE 20:00H. 16€
DIRECCIÓN:
SALA GADES
Emilio Goyanes
12 y 13 ENE 20:00H.
16€
SALA GADES
teatro
INDUO TEATRO
Fedra de Eurípides
ADAPTACIÓN Y DIRECCIÓN:
teatro-DANZA
BAJOTIERRA
Seres queridos
TEXTO: Cristian Alcaraz y
Alberto Cortés Coreografía: Ximena Carnevale
Dirección y Dramaturgia:
Alberto Cortés
Andreu
FEB
16 ENE 20:30H.
XIX CICLO DE MÚSICA
CONTEMPORÁNEA
19 ENE 20:30H.
XIX CICLO DE MÚSICA
CONTEMPORÁNEA
Àlex Rigola
9 y 10 FEB 20:00H. 16€
SALA GADES
24 ENE 11:00H*. 5€
16€
2013
2 y 3 FEB 20:00H. 16€
SALA GADES
teatro
TEATRO LÍNEA 6
La reunión (ESTRENO absoluto)
autor:
Miguel Palacios
Juan Alberto Salvatierra
DIRECCIÓN:
flamenco viene
del sur
Coriolano de W. Shakespeare
COREOGRAFÍA y DIRECCIÓN:
concierto para niños
MAGA
27 FEB 21:00H.
MAR
adaptación libre y DIRECCIÓN:
danza
SILENCIODANZA
XIX CICLO DE MÚSICA
CONTEMPORÁNEA
(XX ANIVERSARIO)
teatro
EL CANAL/CENTRE
D’ARTS ESCÈNIQUES SALT/
GIRONA/TEATRE LLIURE
XIX CICLO DE MÚSICA
CONTEMPORÁNEA
26 ENE 20:30H.
teatro-cabaret
LAVÍ E BEL
8 y 9 FEB 21:00H. 16€
Destejiendo sueños
Nieves Rosales
2 MAR 21:00H.
3 MAR 19:30H.
16€
teatro
BARCO PIRATA
Incrementum de Georges Perec
dirección y adaptación:
Sergio Peris-Mencheta
15 y 16 FEB 21:00H. 16€
Teatro
SALA MUNTANER
Los villanos de
Shakespeare de Steven Berkoff
Ramón Simó, con Manel Barceló
DIRECCIÓN:
2 y 3 MAR 20:00H. 16€
SALA GADES
teatro
TEATRO DE LOS
ORÍGENES
El príncipe constante
de Pedro Calderón de la Barca
(estreno absoluto)
DIRECCIÓN: 16 y 17 FEB 20:00H. 16€
Gloria León y Miguel Palacios
teatro
ABULAGA TEATRO
6 MAR 21:00H.
SALA GADES
Memoria histriónica
autor:
David Lobo
21 y 22 FEB 11:00H*. 5€
21, 22 y 23 FEB 21:00H. 16€
flamenco viene
del sur
8 y 9 MAR 21:00H.
10 MAR 19:30H.
16€
Teatro
TEATRO CLÁSICO DE SEVILLA
teatro-cine
PRODUCCIONES
IMPERDIBLES
de Francisco de Quevedo
DIRECCIÓN: Alfonso Zurro
Inspirado en el guión de Federico García Lorca
DIRECCIÓN: José María Roca
El Buscón 23 y 24 FEB 20:00H. 16€
SALA GADES
teatro
PROYECTOS
PERSONALES
Lo que ocurre dentro
TEXTO Y DIRECCIÓN:
Sergio Rubio
Un viaje a la luna
9 y 10 MAR 20:00H. 16€
SALA GADES
Teatro
APO TEATRO
EndGame de Samuel Beckett
Espectáculo en inglés subtitulado
en español
DIRECCIÓN:
* Funciones didácticas para centros docentes
2013
David Pinazo
48
calendario 12-13
13 MAR 21:00H.
flamenco viene
del sur
15 y 16 MAR 21:00H. 16€
Teatro
BIC BIC
danza
PRODUCCIONES
IMPERDIBLES
La mirada interior
idea, espacio escénico y sonoro:
José María Roca
Mi amigo del alma
DIRECCIÓN:
19 y 20 ABR 21:00H. 16€
Juan Carlos Sánchez
15 y 16 MAR 20:00H. 16€
SALA GADES
Coordinación artística: Gema
López, José Pipió, José María Roca
MAY
2013
Teatro
SÍNDROMEDARIO
2 al 5 MAY
(ESTRENO absoluto)
texto: Ery Nízar DIRECCIÓN: Inés Gandiaga
8 MAY 21:00H.
El ladrón de voces
20 MAR 21:00H.
flamenco viene
del sur
ABR
2013
3 ABR 21:00H.
flamenco viene
del sur
5 y 6 ABR 21:00H. 16€
DANZA
TERESA NIETO EN
COMPAÑÍA
Petí comité
coreografía:
en Compañía
Teresa Nieto 10 ABR 21:00H.
flamenco viene
del sur
12 y 13 ABR 21:00H. 16€
BLUES FESTIVAL
flamenco viene
del sur
10 y 11 MAY 21:00H. 16€
Teatro
ANURA TEATRO
Ella tampoco
Laura Godoy y
Mercedes Bernal
DIRECCIÓN:
15 MAY 21:00H.
flamenco viene
del sur
21 al 26 MAY
IX FESTIVAL
INTERNACIONAL DE
TEATRO CON TÍTERES,
OBJETOS Y VISUAL
JUN
2013
3 al 9 JUN
VIII CICLO DE HUMOR
teatro
LAZONA
Las criadas de Jean Genet
DIRECCIÓN:
Pablo Messiez
17 ABR 21:00H.
flamenco viene
del sur
Programación susceptible de cambios
abonos de temporada 12-13
49
Nuestro sistema de venta preferente te garantiza:
• Tarifas más rentables
• Posibilidad de elegir los espectáculos que más te gusten
• Prioridad en las reservas
• Reserva de butacas preferentes
• Asistencia telefónica
• Información mensual actualizada
• Invitación a actividades paralelas
ABONO
20
ABONO
10
210€ para 20 entradas
105€ para 10 entradas
Validez: Temporada 2012/2013.
Con un máximo de 4 entradas a
elegir entre todos los espectáculos de
temporada, excepto ciclo Flamenco
viene del Sur, ciclo de Música
Contemporánea y Blues Festival.
Validez: Temporada 2012/2013.
Con un máximo de 2 entradas a
elegir entre todos los espectáculos de
temporada, excepto ciclo Flamenco
viene del Sur, ciclo de Música
Contemporánea y Blues Festival.
Precio:
(precio medio entrada 10,50€)
Número de abonos limitado.
ABONO
CICLO
FLAMENCO
VIENE DEL SUR
Tarifas
especiales para jóvenes,
estudiantes, desempleados,
jubilados y otros colectivos
mostrando la acreditación
correspondiente. Consultar tarifas
especiales para grupos e
Institutos de Enseñanza.
TARJETA
AMIGO
Consultar
condiciones
de la tarjeta
Precio:
Precio/entrada:
(precio medio entrada 10,50€)
Válida para toda la
programación del Teatro
Alhambra de Granada, Teatro
Central de Sevilla y Teatro
Cánovas de Málaga, excepto
espectáculos fuera de abono.
12€
Número de tarjetas limitado.
Número de abonos limitado.
Precio: por confirmar
ABONO
FESTIVAL
INTERNACIONAL
DE TEATRO CON
TÍTERES, OBJETOS Y
VISUAL
Precio: por
confirmar
INFORMACIÓN Y SUSCRIPCIÓN
ABONOS TEATRO CÁNOVAS
SISTEMA DE VENTA ANTICIPADA
Consulta nuestra web
Pza. de El Ejido, 5. 29013 Málaga
www.teatrocanovas.es T. 951 308 902
[email protected]
Horario de taquilla: de martes a viernes de 10:00h
a 14:00h y de 17:00h a 20:00h, sábados, domingos
y festivos 1 hora antes de la representación.
50
El Teatro Cánovas
quiere agradecer su
colaboración en la
programación de esta
temporada a: