Aerodinamismo

AERODINAMISMO
En este momento, los productos que se elaboran en EEUU son muy artesanales y con
influencias europeas. Pero existe, al mimo tiempo, un deseo de crear un estilo propio
exponente de los nuevos tiempos y, por lo tanto, con nuevas líneas.
Será precisamente después del crack del 29 cuando estas nuevas formas se van a
introducir en el país. La duración de este estilo va desde los años 30 hasta bien entrados
los 50. el aerodinamismo será copiado posteriormente en Europa.
Los industriales norteamericanos van a contratar para sus empresas diseñadores y
crearán en ellas departamentos de estilismo. A éstos se les va a pedir que diseñen
productos de formas atractivas y vistosas que atraigan al gran público.
Esta segunda corriente, denominada Styling o streamline modern, desarrolla un concepto de visión
capitalista propio del sistema del “American way of life”, al crear productos atractivos superficialmente
que desencadenan un consumo acelerado a causa del envejecimiento psicológico determinado por la
ley del último modelo. Cabe destacar que ésta es la tendencia que aún predomina en la actualidad en
el sector automotriz. Es considerada por muchos autores como el auténtico antidiseño, pues
enmascara el producto debajo de un excesivo número de adornos con la única intención de mejorar su
aceptación por parte del consumidor y a la vez su venta.
Paradójicamente, la primera época de esplendor del diseño industrial en Estados Unidos se inició en
plena gran depresión económica en 1929 y el periodo de posguerra trae como consecuencia una
respuesta económica de acelerada producción de electrodomésticos, automóviles y en general, bienes
de consumo. La explicación que se le ha dado a este fenómeno es que en esa época de crisis en la
que las personas se rehusaban a gastar dinero, aparecieron productos irresistibles y llamativos que
impulsaban la actitud a favor de la compra. Esta tendencia fue criticada en Europa por considerarse
superficial y subordinada a la publicidad.
La forma, color, acabado, materiales, toman especial importancia en este momento. Esto lleva a las
empresas a contratar diseñadores industriales para asegurar el éxito de sus productos. Desde este
momento el diseño industrial queda unido a la producción en serie y al consumo masivo.
Styling es una modalidad del diseño industrial que se preocupa por el aspecto externo del
producto. Interesa más la forma que la función. De hecho, en algunos productos se olvida
por completo la función. El Streamline hace referencia a los productos aerodinámicos con
un aire de modernidad.
El Styling rompe un poco con las normas del Racionalismo. Frente a las formas puras y
primarias del segundo, se van a preferir otras formas. En el Racionalismo se
descomponen las cosas en sus partes esenciales para volver a componerlas
posteriormente. El Aerodinamismo va a preferir un producto sin fisuras con las partes
móviles ocultas, un producto de contornos nítidos y continuos.
El Aerodinamismo va a ser preponderante en el mundo automovilístico, en el ferrocarril y
en los aviones, fundamentalmente. En EEUU, había mucha competencia en el undo
ferroviario por lo que las compañías necesitaban diferenciarse. También será importante
en el hogar, en el mundo del pequeño electrodoméstico. También llegará a los pequeños
objetos de oficina.
R aymond Loewy
Ingeniero francés. Después del la 1GM se marcha a New York. Con 15 años, en Francia,
proyecta, construye y comercializa un avión de juguete. En esta ciudad se dedicará, en
principio, al escaparatismo. También ilustrará revistas de moda. Después se le encargará
el rediseño de una multicopista: el Duplicador Gestener.
El rediseño consistirá, básicamente, en tapar la estructura por
abajo. La casa le dio solamente 3 días, así que Loewy lo puso
sobre la mesa y pensó qué podría hacerle en tan poco tiempo.
Dice Loewy que lo que hizo fue amputarle las patas y cambiarlas
por unas patas más anchas y más bajas. También unificó las
partes del aparato, dando al conjunto unas formas más
redondeadas. Este rediseño tuvo muchísimo éxito.
Loewy colaboró con la BMW, con la General Motors, con CocaCola (estilizó la botella) la Nasa (le encarga cápsulas
espaciales). También realizó logotipos para compañías
petrolíferas (Shell y Exxon), rediseñó la cajetilla de Lucky Strike y trabajó en el campo de
los electrodomésticos.
-Frigorífico Coldpot (1935). Realiza líneas unificadas, continuas y sin
fisuras. Las estanterías interiores del mismo son de Aluminio perforado.
Las bisagras están ocultas.
-Estudio para Locomotora a vapor K451
-Locomotora 51(1938):diseño sumamente influyente en el diseño de locomotoras
posteriores, es uno de los objetos emblemáticos de la Streamline.
Para Loewy, el coche debe de dar sensación de seguridad
y considera que, aunque esté
parado, debe de dar sensación
de movimiento:
-Studebaker (1950)
-Autobús Greyhound (1945): se usó
durante mucho tiempo en EEUU
-Sacapuntas (1953)
Loewy será el creador de la ventana
“Ojo de Buey” y el avión presidencial de
Kennedy.
Diseñó también la pluma Eversharp
Symphony (1948) que, posteriormente
será adquirida por Parker. Diseñó muebles y vajillas y juegos de té, como la Línea Blanca
Moderna clásica para Rosenthal. En 1976 diseñó una vajilla para el Concorde de Air
France.
HENRY DREYFUSS
Procede del mundo del teatro. Sus orígenes están en la realización de decorados y en el
escaparatismo. Posteriormente se dedicará al mundo del diseño y es uno de los primeros
diseñadores que introduce la ergonomía en el diseño industrial. Al mismo tiempo, se va a
preocupar por la vertiente humana del producto, siendo consciente de que el fin de los
mismos es la satisfacción humana. Creará unas medidas prototipo del hombre
contemporáneo que tenía en cuenta a la hora de realizar sus objetos. Creó a w
personajes lllamados Joe y Josephine. En su libro Design for people muestras las
medidas del hombre y la mujer americano medio.
-Tlf. Modelo 300 (1937), realizado en
bakelita negra
th
-Locomotora 20 Century Limited: la
diseña tanto por dentro como por fuera
con líneas muy aerodinámicas.
TEAGUE
El primer cliente importante de Teague será la casa Kodak que lo contrata para darle a
sus cámaras un aire actual. La 1ra máquina que diseña es una cámara para mujeres que
lleva un estuche forrado en seda. Esta cámara estuvo vigente del del el 28 al 34. Pero su
cámara más famosa es la Boston Special que tiene un toque un poco Art Decó.
En 1939 se llevó a cabo la Exposición Mundial de New York que
se convirtió en un escaparate para el Aerodinamismo. Formaba
parte de la exposición una enorme caja registradora que remataba
el National Cash Register Building que fue realizado por Teague.
El tema esencial de esta exposición era la representación de la
ciudad del futuro.
FULLER
Richard Buckmisnter Fuller, diseñador norteamericano, al igual que Bel Geddes. Se va a
dedicar al diseño de coches. Fuller fue arquitecto, inventor y escritor. La culpabilidad que
sentía por la prematura muerte de su hija, le hizo embarcarse en la búsqueda de la
felicidad que explicó en sus numerosos libros. Como inventor, su invento
más importante son las cúpulas geodésicas. Va a realizar múltiples diseños
para el mundo del transporte. Fuller acuñará el término “dymaxion” que
quiere decir el deseo de extraer lo máximo
de cada material. En esta idea se basa el
automóvil que diseñó en 1933, el Dymaxion número 1. Lo
diseña con 3 ruedas, 2 delanteras de dirección y 1 trasera.
El motor estaba colocado detrás. Nunca llegó a realizarse, tan sólo el prototipo.
En 1967 hubó la una exposición en Montreal. EEUU le encarga a Fuller la realización del
pabellón del país. Fuller realizó la Cúpula Geodésica que fue la estrella de la exposición.
Se convirtió en un auténtico icono. Las cúpulas geodésicas son construcciones destinadas
a cubrir grandes espacios y están realizadas a base de elementos modulares metálicos
que no necesitan apoyos intermedios.
BEL GEDDES
Maqueta del Motor Car nº 9 (1932). Se trata también de un coche futurista. Bel Geddes
concede gran importancia a la amplitud de las ventanas. Todos estos diseños se
encuadran dentro de la línea aerodinámica
Norman Bel Geddes realiza una serie de maquetas
enlas que muestra su idea de una ciudad del futuro, lo
llama Futurama: las cuidades llenas de coches y con
edificios muy aerodinámicos.
DISEÑO EN TIEMPOS DE GUERRA
EEUU en 1941 entra en la II GM. En este momento, el caucho se
usaba muchísimo. Poco antes de entrar en la guerra, el ejército
había sacado un concurso para proyectar un coche al que se presentar 3 empresas.
Necesitaban un coche con tracción a las 4 ruedas todoterreno que puede transportar
personas y mercancías y fácil de manejar. El ganador fue el Jeep Willys. Este se usó
mucho durante la guerra.Charles y Ray Eames empezaron en este momento a diseñar
férulas para piernas de soldados heridos.
Después de la guerra el aerodinamismo se va a extender también por Europa y por
Japón, ya que durante la guerra se importaron muchos
productos americanos. En los años 30 se fabricaban en Europa
alguno automóviles de líneas aerodinámicas,
por ejemplo el
Fiat Topolino del 34. En 1936 se va a realizar
el Citröen 2 CV
y
en el 38 la Volkswagen saca el Beetle.
Boulanger es nombrado director general de la casa Citröen y decidirá desarrollar un coche
para las clases rurales francesas mínimo y fundamental, con capacidad para personas y
mercancías, fácil de conducir y fabricar y con un bajo consumo. La leyenda dice que se
pedía también que fuese capaz de llevar huevos por los caminos rurales sin que se
rompiese ninguno. Fue un coche con una magnífica suspensión y con un balanceo muy
peculiar. Para aumentar su capacidad, los asientos tenían forma de hamaca y el techo era
enrrollable. La guerra interrumpió el comercio del Citroën 2CV pues estalló justo cuando
las primeras unidades estaban a punto de salir. Es así que hasta el 48 en la Feria de París
no vió la luz de nuevo.
A Raymond Loewy, tanto el 2CV como el Escarabajo le parecen espantosos e inseguros.
ORGANICISMO
Durante la 2GM las mujeres se fueron a trabajar en las fábricas. En cuanto acabó la
guerra, volvieron a sus cocinas, por lo que el diseño se va a reorientar hacia los pequeños
electrodomésticos. Durante los 40, los diseñadores empezarán a experimentar cn los
nuevos laminados y también con las técnicas de curvatura. El plástico se va a empezar a
usar mucho y sustiruirá a la madera en muchos casos. Se puede decir que el mueble
camina hacia el organicismo: líneas envolvenes y ergonomía. Se quiere romper con la
agresividad en el ser humano. Las sillas van a ser las reinas de esta época: sillas vivas,
no rígidas. Destacan:
CHARLES Y RAY EAMES
Charles se matricula y estudia en la Academia de Artes Cranbrook en Detroit. En ese
momento, el director es Eliel Saarinen, un arquitecto finlandés que se trasladó a EEUU en
1923. Los alumnos debían relacionarse con el resto de las áreas impatidas en la escuela.
Se va a hacer muy amigo del hijo del director, Eerio Saarinen y acabarán trabajando
juntos y desarrollando múltiples proyectos. Experimentarán sobre las maderas y los
contrachapados:
-Silla DAR (1948-50): contrasta la gran concha envolvente del
asiento y el respaldo con las endebles patitas metálicas.
-Silla Chaise (1948):
-Lounge chair (1957):
hito en la historia del
diseño del s. XX. Está
relleno de plumas de
pato y se realiza
teniendo como objetivo
la comodidad. Lo que más se celebró en este sillón es
la madera curvada que se usa junto al aluminio fundido
y que se utilizó para unir las diferentes partes de la
pieza.
Eero Saarinen y Charles Eames se presentan a un concurso organizado por el MOMA de
New York y lo ganan.
EERO SAARINEN
-Silla Tulipa, Eero Saarinen
(1955-7): con un pedestal único.
Se inspira en una copa de vino
estilizado. El pedestal era metálico
pero lo forran de plástico para
unificarlo con el resto del mueble.
-Eero Saarinen: Terminal del JFKennedy Airport en New York (1962). El exterior está
realizado en hormigón y tiene forma de alas de avión . El interior que es tremendamente
organicista, todo es curvo.
HARRY BERTOIA
-Harry Bertoia, silla Diamond (1952): silla realizada en malla
metálica. Bertoia era un diseñador italiano. Es una silla muy
ligera y visible desde todos los lados. Realizada en alambre de
acero dispuesto en forma de rombo.
ARNE JAKOBSEN
-Arne Jakobsen, Ant chair (1952): Realizada en una sola lámina
de madera contrachapada y curva. Se la llamó así por su
respaldo que se estrecha y que tiene una concavidad en la parte
baja. A Jakobsen se le atribuye el haber introducido en el diseño
una nota lúdica: el gusto por el color, las combinaciones con
cojines y elementos giratorios, etc.
ALEMANIA Y LA ESCUELA DE ULM
Antes de la guerra había habido en Alemania la experiencia de la Bauhaus. Una vez
terminada esta, Alemania quiere continuar con la experiencia del Racionalismo
Funcionalista. Por este motivo, se funda una nueva escuela cuyo director es Inge Scholl.
Sus hermanos habían sido ejecutados por los nazis, así que funda en Ulm (al sur de
Alemania) una Escuela Superior de Diseño en 1953. A Scholl se le ocurre que sería
positivo reeducar a la juventud, ya que el país está destrozado física y anímicamente. La
Escuela está financiada por el Gobierno alemán, por empresas, tanto públicas como
privadas y por particulares. Así nace la famosa Escuela de Ulm. El primer rector de la
escuela será Max Bill que se había educado en la Bauhaus. De nacionalidad suiza, a él se
le atribuye la creación del concepto de la gutteform (buena forma). Este concepto nace
con el deseo de acercar la cultura del diseño a la población y de acostumbrar a la gente a
los productos de calidad (finalmente toma una connotación elitista).
Max Bill será el autor del edificio que albergará la escuela. Este edificio sigue en
funcionamiento y forma parte de la facultad de Medicina en la actualidad. Se trata de un
edificio de hormigón con amplios talleres y aulas y con dormitorios para los alumnos, con
muebles muy funcionales.
Estudió en esta escuela gente de todas partes del mundo: sudamérica, Japón, Europa,
etc. Para la inaguración de la escuela se requiere la presencia de Walter Gropius (quien,
por aquel entonces, ya vivía en EEUU) y éste dice en su discurso inagural que el diseño
debe aspirar al equilibrio entre la estética y la utilidad. De esta forma, contradice a
aquellos que se habían atrevido a criticar a la Bauhaus por su frio racionalismo.
A partir de 1957, Tomás Maldonado será el nuevo director. La planificación de la escuela:
4 cursos, el primero común para todos. A continuación, los alumnos podían elegir entre
diseño industrial, construcción, comunicación visual, información y cine. En su primera
etapa, la escuela seguirá una vertiente romántica pero, a partir de Maldonado, la escuela
tomará una orientación científica, explorando la relación entre diseño y ciencia.
Maldonado, de origen argentino, tendrá siempre presente las necesidades reales de la
industria del país. Cambiará, entre otras cosas, la orientación del departamento de diseño
industrial, enfocándolo hacia el estudio y profundización de los métodos para proyectar el
diseño. Se introducirán nuevas asignaturas, como la Psicología, la Sociología, la
Economía y la Ergonomía. El diseño de productos ha de estar orientado hacia la
fabricación industrial, deshechando cualquier proyecto artístico o artesanal. Tomás
Maldonado considera que el diseñador no tiene que ser, necesariamente, un artista. Por
todo ello, tratará de enfocar el diseño hacia las necesidades prácticas de la sociedad.
Con la escuela de Ulm, por lo tanto, el diseño se va a orientar hacia la Función; esto se ha
llamado “el concepto de Ulm”.
En el año 68, las puertas de las escuela se cierran. En un principio, la escuela pasará a
estar bajo la tutela de la Universidad de Stuttgart y cambia su nombre (Instituto para el
Diseño Ambiental). En el año 67, a la promoción de alumnos que se matricula en el primer
curso se les promete que terminarán los estudios. En el 72, termina esta última
promoción. En total, debió haber 670 estudiantes que fijaron su residencia en Alemania
pero muchos otros se trasladaron a Italia (arquitectos) o a Suiza (diseñadores).
Se puede decir que esta escuela supuso una alternativa al Styling norteamericano Los
productos que salían de ella eran de líneas austeras y bellas y procuraban no caer en la
extravagancia. Eran productos serviciales y funcionales. Se buscaba que fueran
duraderos y seguros y que además, tuviesen en cuenta la ergonomía. Los productos
trataban de llegar al mayor número de personas y contribuir al bienestar social.
En Alemania se fundó la Escuela Superior de Diseño de Ulm (Hochschule für Gestaltung –HfG de Ulm-), considerada la
entidad más importante creada después de la Segunda Guerra Mundial para la formación de profesionales y que ha
dejado una profunda huella a nivel mundial.
Desde su apertura en 1947 se planteó un programa de estudios que seguía el modelo Bauhaus, sin embargo, en él las
artes se incluían con un interés meramente instrumental. En su desarrollo acentuó la estrecha relación entre diseño y
tecnología por medio de la inclusión de asignaturas de carácter científico.
Varios de los institutos pertenecientes a la HfG de Ulm dieron a entender a los empresarios la importancia de integrar el
diseño industrial a la producción, y para ellos crearon proyectos específicos. Asimismo su influencia llegó al punto de
que sus profesores y alumnos eran una especie de jueces que determinaban qué era buen o mal diseño en la
República Federal Alemana. Las áreas cubiertas por esta escuela fueron la construcción, la cinematografía, la
información, productos diversos y la comunicación visual.
Cerró sus puertas por problemas políticos en 1966 y se considera que su principal aporte fue crear una metodología del
diseño, expresión del racionalismo y la objetividad germana que se extendió al modelo de la empresa Braun, punto de
partida del movimiento “Gute Form” (buena forma), el cual se apegaba a la frase “la forma sigue a la función”.
A comienzos de los 80’ el concepto “Gute Form” comenzó a ser cuestionado, dando un giro inesperado hacia la
emotividad y la creatividad del “object trouvé” y del “ready made”. Esa idea fue la simiente del movimiento
contrapuesto: el Nuevo Diseño Alemán, cuya aparición fue influenciada por el eclecticismo posmoderno. Su principal
característica ha sido la tendencia a crear piezas únicas o fabricadas en series limitadas, que han echado al trasto de la
basura la idea de que el diseño industrial únicamente se aplica a la fabricación en grandes volúmenes.
HANS ROERICHT
-Vajilla mod. TC100 (59). Se trata de una vajilla
apilable destinada a un uso hostelero. Se caracteriza
por sus formas sencillas, funcionales y por su
economía. Está fabricada en porcelana blanca de
alta densidad.
HANS GUGELOT
-Reinhold Hocker y Hans Gugelot: proyector Carrusel (62). Durante una de sus etapas,
Gugelot también fue director de la escuela.
DIETER RAMS
La escuela empieza a colaborar con Braun. En 1951, Artur Braun hereda la dirección del
negocio familiar. Desde el principio se sintió atraído por lo que se hacía en la Escuela de
Ulm. Enseguida encargó una amplia gama de productos: electrodomésticos, máquinas de
afeitar, etc. Todos los productos tuvieron muchísimo éxito por su sencillez, fiabilidad, su
facilidad de uso. Dieter Rams fue quizás el diseñador alemán más famoso. Será
nombrado director de diseño de la casa Braun.
-Gugelot y Dieter Rams, Phonosuper Sk4 (56).
Obra emblemática dentro del diseño de este año.
Se trata de un aparato muy sencillo: una caja de
madera de haya barnizada con aluminio pintado
de blanco Incluye 2 rejillas para el sonido
perfectamente proporcionadas con el resto de la
pieza.
Desde 1958 algunos productos de la Braun pasaron a formar parte de la exposición
permanente del MOMA de New York.
Características del diseño de Dieter Rams: armonía, austeridad de líneas, restricción de
colores, simplicidad, funcionalidad y ergonomía. Dieter Rams decía que el mejor diseño 2era el “menos diseño posible”.
-Dieter Rams, TP-2 Radio
tocadiscos (58-60). Obra
emblemática del diseño.
-Calculadora Control ET-22(77)
Tomás Maldonado dice que fue
gracias a Dieter Rams que la
Braun consiguió la “unidad en el
estilo” vs. Olivetti que es la “unidad en la diversidad”.
RICHARD SAPPER
-Richard Sapper, lámpara Tizzio (1972). También fue alumno de la
escuela. Este diseño se convirtió en objeto de culto.
WILHEM WAGEFELD
-Wilhem Wagefeld, Salero y pimentero Max y Moritz
(1952): realizados en acero y cristal. Se estrechan en la parte central.
DISEÑO EN GRAN BRETAÑA
Gordon Russell, fabricante de muebles que destaca a principios del s. XX. Va a seguir en
un principio el Arts&Crafts pero pronto se dará cuenta de lo beneficiosa que resulta la
máquina para la realización de objetos a bajo coste. Por lo tanto, durante los años 20 se
dedicará a producir muebles sencillos y muy pulcros. Algunos seguirán el estilo
modernista y otros el neogótico. En 1930, Russell va a visitar una exposición de muebles
en Estocolmo (Suecia) lo que le va a permitir entrar en contacto con el Diseño
Escandinavo. A partir de entonces, unirá la tradición artesanal con la técnica de la
producción industrial.
Murray era un arquitecto que no estaba en contacto con la tradición artesanal y, sin
embargo, conoce al dedillo los materiales. Va a producir muebles caracterizados por la
elegancia de sus diseños.
GEORGE CARWARDINE
-George Carwardine era un ingeniero mecánico que e va a dedicar
fundamentalmente a trabajar en la suspensión de automóviles.
Realizó una lámpara que se hizo muy famosa llamada “Lámpara de
trabajo articulada Anglepoise” (1932): reproduce los movimientos
del brazo humano mediante una serie de tensiones y muelles.
Jakobsen compra la patente y va a realizarla en su país y le llamará
“lámpara Luxo-L” en 1937. Se venden unos 25 millones de
unidades de la lámpara.
WELL COATES
Well Coates es de origen japonés pero con 18 años se
va a vivir a Londres, donde desarrollará una actividad
que lo relaciona con las ideas del movimiento moderno
que tuvo lugar en Inglaterra antes de la 2 GM. Era un
gran admirador de Le Corbusier y de la estética zen
japonesa. Cuando decora interiores los hace muy
austeros y minimalistas. Sus mueble estarán
influenciados por maestros de la Bauhaus, sobre todo
Marcel Breuer en el uso del contrachapado y el tubo de acero.
-Escritorio (1933)
-Radio Ecko (1934): Realizada en bakelita. Hasta ahora las
radios eran paralelepípedos, con lo que Well Coates innovará
en la forma y también en el material.
Durante los años 40, debido a la guerra, hay un momento de
crisis por lo que se pone en marcha el llamado programa utilitario que contará con el
apoyo del propio gobierno británico y que estará vigente hasta 1953. Se le pide a los
diseñadores que no hagan más de un determinado número de diseños y a los fabricantes
de ropa que hagan telas resistentes. A Gordon Russell se le encomienda la elección de
los diseños de muebles que se han de fabricar dentro de este plan. Entra en vigor en el 42
y en el 43 sale ya la 1ª colección de muebles destinados solamente para las víctimas de
las bombas y para los recién casados.
En el 44 se va a formar un comité para el diseño industrial en donde se tratará de mejorar
el diseño de los productos, primero para consumo interno y después para la exportación.
En el 46 se formará una exposición en el Museo Victoria y Alberto de Londres. En ella se
expondrá un poco de todo: menaje, muebles, ropa, maletas....
ERNEST RACE
Esencialmente se mostraban los diseños de los años 30 con ligeras modificaciones. Hubo
algunas excepciones como la Silla BA (1946)de Ernest Race.
Después de un viaje a la India, Roca monta un negocio de
telas y después empezará a producir mueble sencillos y a
buen precio. Usa materiales que recomiendan en el Plan
Utilitario. La silla está realizada en aluminio reciclado de
aviones de combate. De Roca son también la silla y la mesa
Antilope (1950).
En esta exposición se va a exponer una cama con aire
acondicionado, bastante vanguardista.
En los años 50 el diseño de productos se va a dedicar esencialmente al consumo interior.
Sin embargo, se hace un excepción con los automóviles. Jaguar o Rolls Royce realizarán
modelos de lujo. Dentro de los utilitarios, en el año 1959, Alec Issigoris diseñará el Morris
Mini: se trata de un espacio minúsculo con el máximo de aprovechamiento de espacio.
Gustó a todas las clases sociales.
Douglas Scott empieza formándose como platero y trabaja durante 3 años con Raymond
Loewy que abre una agencia en Londres. Acabará realizando para Electrolux aspiradora y
frigoríficos. Finalmente se independiza y abre su propio estudio de diseño y se dedica a la
docencia: Autobús Roadmaster, autobús de 2 pisos al que en 1954 le rediseña el chasis.
ROBIN Y LUCIENNE DAY
-Silla aplilable Poli (1962-63): Realizada en polipropileno. Robin Day
realizará sillas de plástico con pata de tubo de acero. Es una silla
muy resistente que se vendió en una gran cantidad de países. Con
ella se experimentó el termoplástico.
En los años 60, Kenneth Grange estará emparentado con la
Escuela alemana de Ulm en donde buscará su inspiración. Tratará de diseñar productos
duraderos, sencillos y con rigor. Grange diseñó máquinas de afeitar, pequeños
electrodomésticos, cámara de fotos (x ej. la cámara instantánea para Kodak del 68 que
tuvo un gran éxito de ventas).
Las tiendas Hábitat, abiertas en el 64 en Londres ofertaban una gran novedad: muebles
embalados para montar en casa. Terence Conram el dueño, se encuentra al principio con
de los distribuidores, que eran muy lentos. Las tiendas tendrán un diseño simple e
inteligente.
DISEÑADORES EN FRANCIA
En los años 20, estamos inmersos en Francia en el Art Decó. Aparte del lujo y la
suntuosidad de éste, apareció una vertiente más popular. Por ejemplo, la lámpara de
Wilfrid Edouard.
En el 29, un grupo de artistas renovadores fundan la UAM (Unión de Artistas Modernos) e
intentarán introducir en Francia las ideas funcionalistas y de cambiar la producción
artesanal destinada a unos pocos por productos destinados al consumo masivo. Después
de la 2GM hay en Francia una espléndida generación de interioristas que van a trabajar
para la élite que tiene, por lo general, gutos conservadores.
Hay en los mueble de la élite una mayor preocupación por el estilo que por los problemas
de la producción industrial. En los 50 se dará en el mueble el llamado “estilo libre” con
influencias de los artistas modernos.
SERGE MOUILLE
-Sege Mouille: Lámpara Standard (1953). Influencias de
artistas modernos.
En los nuevos muebles se empleará una gran cantidad de
materiales distintos. En los años 80 destacamos la
presencia de Phillippe Starck que se convertirá en una
personalidad del diseño de fama internacional. Fue
interiorista y diseñador industrial. Se caracteriza por unos productos de acabados
perfectos y por el uso de todo tipo de materiales.
En Francia es importantísimo el Concorde, diseñado entre Francia e Inglaterra. Estuvo en
funcionamiento desde el 76 hasta el 2006. Fue un éxito desde el punto de vista
tecnológico pero un gran fracaso comercial. Fue el primer avión supersónico para
pasajeros. El morro es muy puntiagudo para permitir la máxima entrada de aire y se
movía independientemente del resto de la estructura para darle al piloto una mayor
visibilidad.
-Citröen DS (1955): conocido
popularmente con el nombre de
Tiburón. Su diseñador fue un
ingeniero, Flaminio Bertoni. Forma
aerodinámica en la carrocería, por lo
que ofrece poca resistencia al aire.
Se estrecha en la parte trasera. Tenía muchos adelantos técnicos: sistema de
amortiguación, frenos de disco, dirección asistida, circuito hidráulico de alta presión, etc.
ROGER TALLON
Durante los años 60 y 70, Francia no supo aprovechar el diseño como herramienta para
realizar productos atractivos que le permitieran estar a la altura de otros países en el
boom de los 80. Será importante en el mundo del transporte, de la moda, artículo de lujo,
etc. La excepción fue Roger Tallon quien realizará aparatos provisto de carrocería y será
el director de una agencia de diseño desde los años 50 hasta el 73 en que fundó la suya
propia.
-Roger Tallon, Televisor Teleavia (64): de formas orgánicas y líneas
aerodinámicas. Seguía esencialmente la estética pero lo que más va a
importar es la función del objeto. Se fija en el diseño de productos
americano Se decanta por las formas orgánicas o aerodinámicas
fijándose siempre en la naturaleza del objeto.
EL DISEÑO EN ITALIA
Existen 2 corrientes, una racionalista y otra más suntuosa.
El diseño de productos en Italia estuvo ligado a los arquitectos porque de esta forma
podían estar más en contacto con los usuarios.
A diferencia de otros países como Alemania o los escandinavos, en los que los
diseñadores están integrados en el organigrama de las empresas, en Italia no va a ser
así. Suelen tener contratos temporales, a veces para un proyecto completo pero otras
veces como asesores temporales.
El magnífico contacto existente entre los arquitectos, diseñadores y los empresarios fue el
motivo del gran auge que alcanzó el diseño industrial en Italia.
LINEA RACIONALISTA
Anterior a la guerra mundial
-Pininfarina: coches de lujo. Lancia Aprilia (1936)
-Fiat 500 Topolino (1936), Dante Giacosa. Coches más sencillos,
más baratos, compañero del 2 CV.
En Italia los diseñadores no tienen la vocación social como en otros países. Van a diseñar
sobre todo para una clase urbana y acomodada. Son elitistas.
Después de la guerra:
Hay que reconstruir el país y los diseñadores se encuentran con un nuevo panorama
socioeconómico. Los productos tienen que democratizarse, llegar a un número más
elevado de personas, productos buenos y baratos. A partir de aquí hay que hablar de 2
líneas paralelas en el campo del diseño: la línea económica y la línea lujosa.
Línea económica: en el 57, Giacosa rediseña un nuevo Fiat 500
-Vespa MP6 (1946) Corradino d'Ascamo. Modo de conducir barato. Línea
aerodinámica. La persona que la conduce va cómodamente sentada y
con la facilidad de colocar una rueda de recambio. Está realizada en
chapa forjada. La Lambretta innocente y la Vespa vienen a ser un
símbolo incipiente después de la 2GM.
-Ermenegildo Pretti, Isetta Bubble-car (62).
Mobiliario
Exposición del Mueble de Milán de 1946. El tema de esta exposición era funcionalidad,
rentabilidad y buen gusto. Se trata de realizar muebles funcionales, baratos, sencillos,
puesto que había que amueblar unos 15 millones de habitaciones como se preveía en los
proyectos de construcción. Escasez de todo y los diseñadores de los primeros años de la
postguerra tenían que atenerse a lo que había. Sin embargo, los diseñadores italianos
van a saber darle al rigor del funcionalismo una gran elegancia. Los productos italianos se
caracterizan por sus formas bellas y claras. Se preocupaban por la estética, la belleza y la
función del objeto.
En los 50 se van a realizar muchos diseños innovadores con materiales originales que se
van a importar.
GIO PONTI
Nació en Milán. Abarcó muchos estilos de diseño incluyendo los uebles modernos y
contemporáneos. También arquitectura, escultura y enseñanza. Fue arquitecto y
diseñador y le gusta dotar a sus edificios y productos de belleza y sobriedad tratando de
buscar una modernidad eterna para sus obras.
-Silla superleggera (1957): realizada en madera de fresno.
Recibe este nombre porque pesa 1,7 kg. Es superresistente.
Para probarla la tiró desde un 4º pi y no se rompió. Se
caracteriza por su sencillez.
-Máquina de café La Pavoni (1947): gustó
mucho por su diseño. Aire dinámico.
Los arquitectos italianos se habían formado dentro del racionalismo. Se meten en el
diseño de interiores y luego en el de muebles. También trabajan las lámparas.
MARCO ZANUSO
Elegancia y funcionalidad
-Butaca lady (1957). Utiliza la espuma de látex.
No es la primera serie. Las realiza para la casa
Artiflex.
Los productos dotados de mecanismos y carrocería fueron los que más grado de
industrialización tuvieron. Todo tipo de electrodomésticos, máquinas de coser, de escribir...
Marco Zanuso va a realizar una serie de productos para la casa Brionvega.
-Televisor Black (1969). Lo realiza con Richard Sapper.
Televisor cuadrado y negro.
Gran desnudez e el proyecto.
Se preocupan porque sea un
aparato de fácil manejo y por
su funcionalidad.
-Radio TS 502. Lo realiza con
Sapper en 1964. Tiene unas
formas muy simples.
LÍNEA NO RACIONALISTA
Frente a estos productos de corte racionalista, existirán en Italia también otros productos
más suntuosos.
LINO SABATTINI
-Servicio de té y café “Como” de Lino Sabattini (1957). Se trata
de un juego revestido en plata. Formas muy libres y
expresionistas.
-Cubertería de acero, Lino Sabattini (78)
FLAVIO PONTI
Flavio Ponti empezó trabajando como
ceramista pero acabará destacando por sus series de cristales donde
va a usar el vidrio contrachapado.
-Jarrón (54): Busca la decoración a partir del color del cristal.
-Botellas con tapones “in calmo” de Benini (50). Botellas muy estilizadas de cuello
alargado. Vidrio de colores.
A medida que pasa el tiempo la innovación se dará básicamente en los materiales.
MARCELO NIZZOLI
-Marcelo Nizzoli, máquina de coser
Mirella ( 1957). Pionera en la técnica
de vaciado del acero.
-Marcelo Nizzoli, Lexicon 80 (48) 2
piezas de metal con la unión
convertida en un rasgo visual.
VICO MAGISTRETTI
El plástico fue un material que se empieza a usar durante la 2GM para realizar objetos
sencillos y funcionales en serie. Después de la guerra habrá empresas como Kartell que
en el 1949 va a realizar productos de plástico y dotarles de belleza. Desde mediados de
los años 50 y hasta mediados de los 60, el plástico se va a usar mucho en Italia porque es
un material ligero, resistente que se adapta muy bien a las formas curvas y orgánicas y
tiene unos colores muy atractivos. Se usará mucho en los muebles, electrodomésticos y
utensilios de cocina. La mayor parte de los diseños italianos influenciados por el pop-art
usarán el plástico. Dentro de una línea más funcional van a destacar diseñadores como
Vico Magistretti.
Fue uno de los diseñadores partidario de un buen entendimiento entre diseñadores,
técnicos y fabricantes. Esto contribuyó al éxito alcanzado por el diseño italiano. Estudió en
Milán arquitectura en el Politécnico de su ciudad. Se convirtió después en uno de los
principales arquitectos de la postguerra italiana. Como otros muchos de sus compañeros
pasó de la arquitectura al diseño de productos. A principios de los 50 diseñó para la casa
Arflex una de las primeras sillas de comedor de plástico y colores brillantes. Quería
familiarizarse con el plástico y explotar al máximo sus cualidades.
-Silla Simba (82): inspirada en una manta de caballo que
Magistretti encontró en una tienda de Londres. La pequeña silla
de madera con un asiento de mimbre es uno de los primeros
diseños que hizo en los años 60 para Cassina. Los trabajos de
Magistretti se caracterizan por su elegancia de contenido, un
gran conocimiento de los materiales usados y una
gran preocupación por la ergonomía.
-Silla Selene (69): silla apilable de plástico. Una de
las primeras en usar el moldeo por inyección.
CARLO MOLLINO
Es una figura muy importante dentro del
diseño italiano de mediados del s. XX y
que se caracteriza por su imaginación,
fantasía y sensualidad. Mollino se
relaciona con Gaudí por las formas
orgánicas y por la rotundidad de sus
curvas que se ha llamado “Surrealismo
Aerodinámico” que se muestra en su
mesas “Arabesca”. Mollino trabajaba en
base a ramas, aves y formas naturales
para establecer la serie de muebles
mencionada anteriormente. Estas formas eran más expresivas que las que se producían
en Milano. La mesa Arabesca (1949) está realizada en madera y cristal. Está inspirada en
un cuadro de Leonor Fini y recuerda la espalda desnuda de una mujer. La estructura de
madera está perforada y hay recuerdos en ella también del escultor Jean Arp.
-Torpedo Bisoluro: automovil diseñado por Mollino.
ACHILLE, PIER-GIACOMO Y LIVIO CASTIGLIONE
Achille produjo mś de 150 productos durante toda su carrera. Lo más importante de sus
carreras fueron las lámparas diseñadas para la marca italiana Floss.
-Silla Mezzadoro (1957)
-Silla Primate (1970)
-Lámpara de pie Luminator
(1955): sus diseños son en
general desnudos y sencillos.
-Lámpara Turbino de Achille y Pier Giacomo Castiglione
para Floss (1950). Forma y función están expresivamente
integradas.
-Radio Phonolo (1939): pretendía parecer un teléfono.
En los años 60 y 70 el diseño italiano se consagra internacionalmente. Los diseñadores
italianos ayudarán a otros países a extender sus productos por el mercado.
-Volkswagen Golf (1974): Giorgio Giugiaro un coche que tuvo muchísimo éxito.
En 1972 habrá una exposición en New York que se titula “Italia: nuevo horizonte
doméstico”. Será un escaparate internacional en el que se exponen todas las tendencias
más modernas del diseño italiano. Se verán las fantasías de Lino Sabattini, piezas de
Carlo Mollino, Marco Zanuso con su gusto por la estética, la función y la ergonomía. Junto
a éstos estarán los grupos contestatarios del diseño radical. Algunas instituciones
entrarán en crisis como el Compasso d'oro, premio que habían instaurado unos grandes
almacenes milaneses. También entra en crisis la A.D.I. (Asociación para el Diseño
Industrial) porque se produce una escisión entre los grupos que buscan un mayor
entendimiento entre diseñadores y fábricas y aquellos otros que cuestionan que la
actividad proyectual está en manos de una tecnología burguesa. A pesar de todo esto
habrá en Italia diseñadores que seguirán trabajando siguiendo las líneas del Bel Design.
-Alberto Meda (1989),
lámpara Luceplan. Meda
va a introducir en sus
diseños materiales de
última generación.
La reputación del diseño
italiano se basó en la creación de artículos dedicados a una élite social.
-Osvaldo Borsani (mediados de los 50)
diseñado para Tecno. Silla reclinable.
-Hans Koray: silla apilable aluminio
(mediados de los 50). Con respaldo
agujereado.
-Gino Sarfatti (1955) para Arteluce.
Cristalerías italianas de postguerra. Empleo de formas expresivas y colores brillantes.
DISEÑADORES JAPONESES
Antes de la 2GM, ya había contacto entre Japón y Occidente. Artistas como Bright se
trasladaron hasta allí. De Japón se exportaban pequeños productos a Occidente:
abanicos, kimonos, objetos cerámicos producidos artesanalmente...Las cosas van a
cambiar después de la 2GM, ya que Japón debe adaptarse ya de lleno al modelo
occidental. Japón ha sido derrotado y los vencedores le exigen la construcción y
amueblamiento de 20000 viviendas para los vencedores. Se dan cuenta de la importancia
del desarrollo industrial. Japón funde su gusto con el de los vencedores. Se apropia de
modelos extranjeros y comienza a desarrollarse enormemente, multiplicándose la
demanda interna de productos. Sus productos llegan a Europa y a América. Existe una
gran urgencia por desarrollar el diseño industrial. En 1931, la mayor parte de las
universidades de Jaspón introducen la asignatura de diseño. En 1952, e crea en japón la
Asociación de Diseñadores Industriales. El Ministerio de Industria crea una organización
para la promoción del diseño japonés. Asesores y diseñadores les piden que se trasladen
hasta allí para ayudar. A mediados de los 50, casi todas las compañías industriales
japonesas contaban con un departamento de diseño. Al mismo tiempo, se creaban
agencias de diseño independiente.
En los años 60, Milán es la capital del diseño. Va a ver cómo vienen a sus escuelas de
Diseño y Arquitectura muchos japoneses. También venían a la Escuela de Ulm. Llegan a
Europa y se encuentran con la austeridad del funcionalismo racionalista Esto les resultaba
muy familiar, ya que procedían de la cultura zen con una clara estética minimalista.
En conclusión, es un diseño que está bebiendo continuamente de otras fuentes pero aún
así, tiene su propia personalidad, ya que los japoneses copian primero y luego innovan el
producto.
Aparatos eléctricos y automóviles
La estrategia era ofrecer productos de alta calidad actualizados y asequibles. En Japón
hay una gran preocupación por los avances de la ingeniería. Una tendencia de los
japoneses es la miniaturización. Luego fue copiafa por Europa y América. Los japoneses
viven en espacios pequeños por lo que les hacen falta objetos pequeños. Esta tendencia
será copiada en Europa.
-Walkman, equipo de diseño de Sony (1980). Se empieza a comercializar en el año 80.
Pensaban que no iba a tener mucho éxito pero se equivocaron. El principal problema fue
el sistema de audición. Al principio se incorporó un audífono y luego unos cascos que
cada vez se fueron haciendo más pequeños.
Sony, Sharp, Canon y Olympus estarán a la cabeza en los años 80 en el diseño de este
tipo de aparatos electrónicos.
-Motocicleta Honda 50 Super Club (1958): corriente de conducción barata. Son motos de
líneas competitivas, fue ésta la primera vez que se usó el plástico de forma generalizada.
Suzuki y Yamaha son líderes en la producción de motos en la actualidad.
Muebles
-Taburete Butterfly de Sori Xangi (1954), realizado a base de piezas de madera idénticas.
ISAMU NOGUCHI
Natural de L.A. Hijo de un poeta japonés y una escritora norteamericana. Pasa su
juventud en Japón y se traslada luego a EEUU. Allí estudia medicina pero la abandona por
la escultura, su verdadera vocación.
Fue uno de los escultores más
importantes del s. XX
comparable a Calder o
Giacometti. Su estilo es
organicista y pretende llevarlo a
la producción industrial.
-Radio Nurse (1937) Realizada
en bakelita. Recuerda a las
máscaras de los guerreros japoneses.
-Mesa IN50 (1944)
-Lámpara Akari (1960) Todas sus obras son muy
minimalistas y están influenciadas por la estética zen. Esta
lámpara está realizada en papel. Es como un cuarto de
luna y proporciona una luz muy etérea.
-Radiocassette stereo QT12 para Sharp, realizado en
plata, rojo y azul
-Máquinas de coser.
LATINOAMÉRICA
Durante los años 30, muchos artistas europeos, escapando de los nazis, se refugian en
América. Gropius, Mies van der Rohe...Todos habían estado en contacto con las
vanguardias europeas y la Bauhaus. Van a difundir por allí las ideas del movimiento
moderno, aparte de esto, van a contribuir en la toma de conciencia de la importancia de la
producción industrial frente a los planteamientos artesanales.
Esta evolución del diseño industrial fue diferente en los distintos países sudamericanos:
Brasil
No se puede hablar de diseño industrial hasta la década de los 50. Antes sólo podemos
hablar de Lina Bo Bardi. Esta mujer estia arquitectura en Roma y se desplaza a Milán
donde va a trabajar como ayudante en el estudio de Gioponti. Luego se casa con Pierre
Maria Bardi y se desplazan ambos a Brasil en 1946. Su esposo fue el primer director del
Museo de Arte de Sao Paulo y el primer director de la revista de diseño Hábitat..
Lina, arquitecta y diseñadora llena de sensibilidad y amante de la armonía funda un
estudio de arte “Palma” en 1948 en Brasil. Este estudio funciona hasta el 50 y en él se
explorarán las maderas típicas de Brasil que se caracterizan por sus colores y vetas.
Realizó sillas muy sencillas a finales de los 40.
Argentina
-Silla BKF, Antonio Bonet, Kumichan, Jorge
Ferrari Hardoy (38). La comercializa Knoll
con el nombre de Butterfly. Es muy famosa
todavía hoy. Se basa en un concepto de
estructura plegable y, a partir de la
estructura, se desarrolla una construcción
de 2 curvas en la que se usa una varilla de
acero y luego por encima lleva una funda de
cuero que se pliega en las esquinas y que
conecta el respaldo con la estructura. Da
una gran ligereza visual.
En la 2ª mitad del s. XX, destaca Ricardo Blanco que realiza varios muebles:
-Sillopatía (2000)
-Magiclick (1963) Hugo Kogan. Ideó este encendedor de cocina muy útil. Fue un gran
éxito comercial.