Descarga - Batería Percusión

BATERIA&PERCUSION
M
A
G
A
Z
I
N
E
Núm 23
MARZO-ABRIL 2015
Damien Schmitt
Tama Superstar Hyper-Drive Maple / Aquarian Drumshead & InHead
Taller / Didáctica
sumario 03
editorial#23
Para este número de primavera contamos en exclusiva con una entrevista con
07
All Men Brothers
Entrevista
11
Haz lo que debas
Artículo de opinión de Pepe Cantó
Tenemos unas reviews e producto
variaditas, la última puesta al día de
las TAMA Superstar Hyper-Drive y
un artículo sobre diferentes parches
Aquarian.
14
Tama Superstar Hyper-Drive Maple
Review
18
Aquarian Drumshead
Review
Pepe Cantó nos entrega un nuevo
artículo de opinión con la percusión
como eje central, como siempre.
Incluimos
también las secciones
de Multimedia, Didáctica, Software
Musical… un número de lo más
completo.
22
Aquarian InHead Quick&Snare
Review
25
29
Especial fusión
Didáctica
31
Convolución
Taller
33
35
Multimedia
37
Hollywood Brass
Software
Damien Schmitt, en algún lugar entre Los Angeles y Yakarta lo localizamos y
pudimos charlar con él. Este tipo no para jamás de hacer cosas en todos los
ámbitos musicales posibles.
¿Has tocado en alguna banda con dos baterías a la vez? Los baterías de All Man
Brothers – tributo a los Allman- nos cuentan como lo hacen.
Tenemos unas reviews
e producto variaditas,
la última puesta al día
de las TAMA Superstar
Hyper-Drive y un artículo
sobre diferentes parches
Aquarian.
Me complace también anunciaros que en la próxima entrega de Bateria
Percusión entrevistamos en exclusiva a uno de los más grandes bateristas
dentro del jazz y el jazz-fussion de todos los tiempos, ni más ni menos que
el maestro Peter Erskine. Todo un lujo para la revista que nos enorgullece
ofreceros.
Me gusta recordaros que visitéis las webs de nuestros anunciantes, siempre
tienen propuestas interesantes que ofrecernos y gracias a ellos son posibles
estas páginas.
Gracias por estar ahí
Damien Schmitt
Entrevista
Auriculares
Taller
I walk the line
Relato de Toni Garrido Vidal
PORTADA
Damien
Schmitt
Asensio Ros “Wally”
Un tipo renacentista
Le consideramos renacentista por la gran
cantidad de distintas tareas que se vertebran en el contexto musical que es capaz
de realizar. No sólo se ocupa del groove,
canta, compone, toca varios instrumentos… estaba realizando sesiones entre Los
Angeles y Yakarta y en algún punto del
camino paró para charlar con Batería Percusión, esto es lo que nos contó.
PORTADA
¿Cómo fueron tus comienzos? Explica un
poco cómo fue tu proceso de aprendizaje.
Empecé con mi padre que daba clases de
batería en casa y yo me quedaba en un rincón de la sala observando el aprendizaje de
los otros estudiantes. Lo continué como si
fuera un videojuego o jugar al fútbol…
¿Cuándo decidiste que querías ser músico?
Siempre quise ser músico. Como mis padres eran músicos nunca tuve otros sueños
más que éste, y lo hice. Le doy gracias a la
vida cada día.
Tu familia viene con tradición en la música y tú tocas la batería, guitarra, bajo,
piano, cantas... Cuando se trata de expresarte, ¿Cuál es la diferencia entre los
tambores y otros instrumentos? ¿Cuál te
hace disfrutar más?
Cada instrumento tiene su propio papel,
me gusta cada uno de ellos. Me encanta tocar la batería, por supuesto, porque soy el
latido del corazón de la banda, le doy matices y energía. Cuando estoy cantando, puedo compartir más el ritmo con el público,
puedo compartir ideas debido a las letras...
y realmente me encanta también. Cantar es
mi favorito.
¿Cómo mejora la batería tus otras habilidades y conocimientos de otros instrumentos?
Yo diría lo contrario, ¿Cómo los demás
instrumentos mejoran tu batería? Porque
cuando tocas el bajo o la guitarra o el teclado o cualquier instrumento del que tenga
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
una mejor comprensión y puede anticiparte a los otros músicos, les darás un mejor
acompañamiento. Respondiendo a tu pregunta: La batería una mejor comprensión
del ritmo para todos los demás instrumentos.
¿Cómo te definirías como baterista?
¿Qué habilidades necesita un baterista?
Soy polivalente, como crecí con mis padres
en la carretera con su banda, puedo tocar
muchos tipos diferentes de música. Luego
estudié música latina y jazz... Solía tocar
con diferentes bandas para cada estilo: Hip
Hop, R&B, funk, metal, música africana, fussion etc. La mejor habilidad para mí es ser
polivalente en la música. De esta manera
puedes tocar cualquier tipo de música y a
tu estilo favorito le podrás importar algo de
sabor de otros estilos.
Siempre quise ser músico. Como
mis padres eran músicos nunca
tuve otros sueños más que éste, y
lo hice.
¿Quiénes son tus bateristas favoritos y
los que más te inspiraron?
Cuando tenía 11 años conocí a Dennis
Chambers que me dio su pedal doble. Eso
fue realmente un gran recuerdo para mí y
me marcó una meta, pensé que yo debía
ser igual que él. No creo en eso ahora, pero
me esfuerzo para tocar a mi manera. Por
supuesto que tengo muchos baterías que
han servido de inspiración, el primero de
todos es mi padre. Me gusta mucho la nueva generación.
Has mencionado que no practicas batería desde hace un tiempo. Sin embargo,
tu técnica y el rendimiento están mostrando lo contrario. ¿Cómo lo explicas?
Sí, eso es cierto, ni siquiera tengo una batería en casa (risas). Prefiero practicar otros
4
PORTADA
instrumentos y componer canciones.
Pero creo que ese descanso con la batería me da un nuevo enfoque cuando
vuelvo al kit, y entonces es como la bicicleta… No lo olvidas y tienes una nueva
inspiración.
¿Cómo y en qué medida Los Ángeles
y Montreal te enriquecen como músico?
Viajo más porque busco un lugar para
alojarme más que un lugar para tocar.
Para mí todo dependerá de lo que busques en tu vida. La música es genial en
todas partes. Lo que es enriquecido es
tu experiencia de vida, no por la ciudad
en que vives, incluso si pudiera ser parte de ella, por supuesto.
Has desempeñado una gran cantidad de instrumentos en diferentes bandas y para diversos artistas
(funk, hip hop, jazz, big band... Cuando se trata de interpretación, ¿Cuál
es más difícil? ¿Y el que más disfrutas?
Cada estilo es diferente y cada uno necesita una manera de tocar batería y
una filosofía diferente. Es como ponerte una chaqueta diferente al subir al escenario y debes tocar en ese estilo. Así
que cada actuación es difícil y las condiciones pueden ejercer presión sobre
uno. Así que mejor tomarlo con calma
para dar buen groove y que la gente se
sienta como si fueras un jazzman real
o rastaman. Lo que marca la diferencia
entre los bateristas es la cultura musical. Algunos piensan que el reggae
es fácil. Para nada, es tan fácil como
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
el blastbeat... Ya sabes lo que quiero
decir... Nada es fácil si no se sabe muy
bien el registro principal de este tipo de
música y si ya tocaste en este tipo de
banda. Es por eso que tuve la suerte de
tocar de joven con diferentes bandas y
estuve dentro de muchas culturas diferentes.
¿Cuál es tu opinión sobre la escena
de la música hoy en día, con toda la
nueva tecnología y las muchas posibilidades de difusión?
Estamos en el comienzo de un cambio real. El cambio de la música con la
gente. La próxima generación parece a
punto de cambiar este sistema del viejo mundo que está muriendo ahora.
Veamos qué va a suceder. Pensé que
el Jazz estaba muerto, pero cuando veo
alguna banda o artista salir en YouTube
como Dirty Loops o Snarky Puppy o Jacob Collier. Creo que el futuro va a ser
increíble.
¿Qué nos puedes decir acerca de
Electro-Schmitt?
Estoy muy orgulloso de ello porque lo
hice por mí mismo, excepto por alguna
parte de la trompeta o el banjo. Invité a
otro cantante, pero estoy orgulloso de
ello porque toco baterías electrónicas a
mi manera. Realmente suena como el
“jungle beat” de principios de 1995. Voy
a hacer otro el año próximo, sin duda,
pero quiero invitar a muchos de mis
amigos a tocar en vivo.
¿Qué estás haciendo ahora?
Ahora estoy trabajando en un proyecto
Viajo más porque busco un lugar para alojarme más que un lugar para tocar.
increíble de App llamada ISYOURTEACHER. Estará online muy pronto. Puedes visitar nuestro sitio web.
Lo hicimos (con mi colega Alex Grousset) para ofrecer las herramientas que
todos soñamos cuando éramos niños.
Se inicia con una sesión en vivo, desde
esta el Maestro te da algunos consejos
sobre la técnica, teoría, consejos... Lo
que es súper increíble es que se puede elegir el tempo de las lecciones de
vídeo, elegir el ángulo de las cámaras y
viene con la partitura y las funciones de
acompañamiento. Aquí están los profesores:
Bajo: Dominique di Piazza, Alain Caron, Michel Alibo
Guit: Pierre Coté
Teclado: John Roney.
Batería: Virgil Donaty, Thomas Lang,
André Ceccarelli, Jean-Philippe Fanfant y yo.
Pronto George Kollias, Hadrien Feraud
y Greg Howe serán parte de ella y muchos más...
Estoy trabajando en mi pop cantado
con el álbum IRREMPLAÇABLE. Saldrá
en octubre y grabaré pronto un nuevo
proyecto musical llamado DAM’NCO
inspirado en música de fusión, jazz,
electro. No tendrá mucha improvisación. Haremos una gran cantidad de
vídeo.
¿Seremos capaces de verte en España pronto?
Espero que sí... Quiero volver, me encanta España.
Tres Consejos para los principiantes
bateristas y músicos en general…
Llegar a tiempo, ser puntual. Siempre
conocer la lista de pistas antes del primer ensayo. Ser humilde y agradable,
divertido, la gente necesita tener tío súper molón para tocar.
¿Alguna cuestión más que desees
compartir?
Sí. Suscribíos a mi canal de YouTube
para mantenerse en contacto y obtener los nuevos videos cada 2 semanas,
siempre en lunes;). ¡Os quiero, chicos!
5
ENTREVISTA
All Men Brothers
Un proyecto con dos baterías en la misma banda
ENTREVISTA
Nos ha parecido un proyecto tan inusual como interesante, e incluso curioso para quienes tocamos la batería.
No son muchos los grupos que a lo largo de
la historia han optado por contar con dos
baterías en sus filas. Más bien se cuentan
con los dedos de la mano. Probablemente
los más famosos, por sus largas trayectorias
y reconocido prestigio, y que han adquirido
ya la categoría de leyendas en la historia del rock, sean
Grateful Dead y The Allman Brothers Band. Otra de las
bandas que en la actualidad graba y gira con dos baterías
en su formación es Tedeschi Trucks Band, precisamente
la banda que uno de los guitarristas “actuales” de los Allman Brothers, Derek Trucks, tiene con su esposa, Susan
Tedeschi. Y si en el panorama internacional los ejemplos
son escasos, no digamos en la música de nuestro país. El
ejemplo más conocido es la grabación del Rock and Ríos y
la posterior gira que Miguel Ríos hizo como consecuencia
del éxito de su disco.
Habréis visto que un poco más arriba hemos entrecomillado la palabra actuales.
El motivo no es otro que el anuncio que
The Allman Brothers hicieron el pasado
año de que, justo en su 45 aniversario,
la banda ponía fin a casi medio siglo de
discos y giras y “jubilaban” el grupo, aunque todos sus componentes seguirían en
activo con sus respectivos proyectos en
solitario.
Y resulta que a siete músicos españoles,
amantes de la legendaria banda de rock
sureño, se les ocurrió que podían dedicar
2015 a homenajearles por los escenarios
de festivales y teatros españoles y europeos. Entre ellos hay componentes de
bandas como Burning Casablanca, La Leñera o Jerusalem. Y por supuesto, y como
no podía ser de otra manera, esta forB&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
mación que ha elegido denominarse ALL
MEN BROTHERS cuenta con dos baterías
para poder interpretar la música de los
Allman con la fidelidad y el respecto que
merecen las obras originales.
Como nos ha parecido un proyecto tan
inusual como interesante, e incluso curioso para quienes tocamos la batería,
traemos a estas páginas a Jesús Alegre y a
Pedro Navarro, que son quienes ocupan
las banquetas en All Men Brothers.
¿Cómo surgió este proyecto y cuando
os incorporasteis a él?
J: Cuando tienes proyectos te gusta compartirlos con tus amigos. Carlos Hervás,
“Nano” para los amigos y bajsita de la banda, fue el propulsor del proyecto al saber
P: Yo lo había hecho solo en alguna
jam-session.
que Allman Brothers daban por concluida
su carrera como grupo. Nos propuso este
proyecto y enseguida todos dijimos que
sí. El arranque de los ensayos fue después del verano del año pasado.
P: Me invitaron a unirme con la banda ya
formada, nada mas comenzar a ensayar,
porque, Celes Albizu, uno de los baterías
que estaba desde el principio, tuvo que
dejarlo por asuntos personales
¿Cómo os está resultando la experiencia?
J: Muy positiva y gratificante.
P: Muy enriquecedora.
Contadnos un poco como repartís los
papeles sobre el escenario, qué libertad y qué ataduras tiene cada uno con
respecto al otro, cómo os coordináis…
J: Partiendo de una base sólida que uno
de los dos mantiene, el otro realiza un
trabajo complementario con los solos
de los demás instrumentos, esto crea
polirrítmias que enriquecen los temas, y
al mismo tiempo te das cuenta que realmente estás jugando.
P: Nos repartimos los diferentes grooves
en cada canción y decidimos quien realiza las señales mas importantes en cada
tema (tempo, breaks, finales) y quien “colorea” en cada tema en concreto.
Dando por sentado que eráis conocedores y seguidores de la música de
Allman Brohters ya desde antes de
incorporaros a este proyecto, ¿alguna
vez habíais escuchado a la mítica banda americana desde la perspectiva de
estudiar el trabajo de dos baterías tocando a la vez en el mismo grupo?
J: No, hasta que no empezamos a trabajar
en el proyecto, nunca se me había ocurrido que era posible hacerlo y que los
resultados son espectaculares.
P: Siempre me había llamado la atención
los pocos grupos que se presentaban en
directo con 2 baterías. Les había escuchado y me gustaba su sonido.
¿Habéis tenido que estudiar mucho
el reparto de papeles de los baterías
originales de los Allman Brothers? ¿Seguís pautas similares a las que siguen
entre ellos?
J: Sí. Como ya os he comentado anteriormente, en nuestro caso no hay una jerarquía entre nosotros dos, es un trabajo en
¿Alguna vez antes habéis tocado en alguna banda, proyecto o grabación con
dos baterías?
J: Yo no, por lo que acabo de comentar
anteriormente.
8
ENTREVISTA
equipo, pero por supuesto el trabajo que realizan ellos
para nosotros es esencial y como punto de partida es
muy valioso.
P: Nos hemos fijado sobretodo en su feeling y formas
de compenetrarse. Ellos nunca tocan una misma canción igual. Le dan mucha importancia a la improvisación y ese es parte de su encanto, y es lo queremos
transmitir,
riqueza rítmica, ya que nos deja mucha libertad para
desarrollar nuestra imaginación.
P: Tiene una aportación increíble al sonido de la banda.
Te permite llevar un groove incansable y a la misma
vez atacar todo tipo de polirritmias sin que la canción
pierda un ápice de intensidad. Imagínate qué haría un
batería con 4 manos, cambiaría el concepto de la batería.
¿Cuál es el resultado, en vuestra opinión, de tener
dos baterías en una banda? ¿Tiene un reflejo real
en aportación de riqueza rítmica a la música o es
más bien un efecto de cara a la galería?
J: Muy divertido. Hay de las dos cosas, espectáculo y
¿Quiénes son vuestros baterías favoritos?
J: Peter Erskine, Butch Trucks, Bill Bruford y Steve Gadd.
P: Muchisimos. En rock, Ian Paice , Stewart Copeland,
Jeff Porcaro… En jazz , Max Roach, Bil Stewart, Antonio
Sanchez… Estos a día de hoy, mañana te podría decir
otros cuantos
¿Cuál ha sido vuestra trayectoria profesional hasta
llegar hasta All Men Brothers?
J: Comienzo en los años 70 precisamente tocando en
grupos con Quique Rivero (teclista de All Men Brothers).
Durante los 80 grabé con un grupo llamado Nokhis en
la famosa movida madrileña con la compañía Nuevos
Medios, apoyados económicamente por Dro y David
Summers. Al terminar con ese proyecto, con el que estuve 3 años, decidí profesionalizarme. Desde entonces
he tocado en grupos, orquestas y espectáculos musicales de muy diferentes estilos y formaciones, poco
relevantes en nombre pero que me han enriquecido
como profesional y me han permitido ganarme la vida.
He pasado por el Real Conservatorio de Música de Madrid, ya que durante muchos años era la única forma
de adquirir unos conocimientos con una sólida base,
algo que hoy en día ha cambiado totalmente, gracias
a la tecnología.
P: Soy músico profesional. Toco en grupos de jazz y
tengo mi propio grupo llamado Arlequin Jazz Project
con el que acabo de grabar nuestro primer CD: Spanish Storm. A la vez también toco en grupos de rock: he
tocado ocho años con La Leñera, pertenezco al grupo
de rock Atlantis junto a músicos de “Asfalto” y toco en
otras bandas de versiones como Electrica Soul y Ron
& Blues. Tengo la titulación superior en la especialidad
Jazz-Batería (2008, Conservatorio Superior de Navarra).
¿Cómo es la configuración y la marca de vuestros
respectivos kits y platos?
J: Yo utilizo una Yamaha Recording. con bombo de 22”,
goliat de 14 y un aéreo de 12”. En cuestión de platos,
Hi-Hat de 14 K-custom Dark,; Ride Ziljian K Ride 20
Dark y Crash Istanbul Cymbals de 16.
P: La batería que llevo para tocar con All Men Brothers
es una Sonor Designer de madera de arce. Las medidas son de 20, 10-12-14. El set de platos esta com-
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
9
ENTREVISTA
Ya estamos trabajando en la preparación
de una gira que nos lleve a los festivales
de blues y/o jazz de la geografía española
y europea.
puesto por ride de 22, crash de 18 y 16
y splash de 10 de la marca Zildjian K.
ver en vivo ya que han anunciado su
separación definitiva.
¿Habéis tenido en consideración
que los kits de cada uno sean complementarios entre sí o simplemente cada uno toca con lo que le gusta
y le apetece, sin más?
J: Bueno, no ha hecho falta cambiar
nada porque ambos kits son de por sí
complementarios. Además, coomo los
Allman Brothers han llevado percusionista en muchos momentos de su carrera, yo también llevo un pequeño kit
de percusión.
P: Mantenemos nuestro sonido personal, que se adapta perfectamente en
conjunto.
Y ya para terminar, ¿cuáles son los
planes inmediatos de All Men Brothers?
J: Lo primero es nuestro concierto presentación para el día 28 de Febrero en
el Teatro Fernando de Rojas del Círculo
de Bellas Artes, en el cual tenemos muchas ilusiones puestas.
P: Y después ya estamos trabajando
en la preparación de una gira que nos
lleve a los festivales de blues y/o jazz
de la geografía española y europea,
porque nuestra intención es intentar
internacionalizar la banda. En Europa
hay muchos seguidores de los Allman
y esperamos que promotores y público
acojan con interés nuestro proyecto.
¿Qué esperáis de este proyecto?
J: Supongo que todo proyecto genera
ilusiones, y metas a conseguir. Nosotros esperamos que se cumplan todas
nuestras expectativas. De momento
estamos trabajando para ello y esperamos que al público le guste.
P: Tocar cuanto mas mejor y disfrutar
y hacer disfrutar al publico con este
homenaje tan merecido a Allman Brothers , banda que nunca más podrán
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
Gracias por vuestras respuestas. Desde estas páginas os deseamos el mejor
de los éxitos. Y desde luego estaremos
el 28 de febrero en el Círculo de Bellas
Artes en vuestro arranque.
10
OPINIÓN
Haz lo que debas
Estoy con los auriculares
puestos, esperando claqueta
para grabar, noto cómo se
abre el sonido, levanto las
manos, abro los ojos, respiro,
me concentro, repaso mentalmente la entrada, me da
tiempo a mirar hacia el atril
-todo ok-, mis gafas no están
demasiado empañadas y veo
bien esas mosquititas que
me han escrito por los pentagramas, y que son notas, han
pasado milésimas de segundo, pero me ha dado tiempo
a memorizar los primeros
compases, qué puñetas, los
primeros compases, hasta
el break del compás 59, que
por cierto, que difícil es, eh,
cuidado, no te desconcentres, respira más, las manos
en posición, la entrada, la
entrada, la entrada, estamos
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
a punto, ahora mismo sonará la claqueta y entraré,
en anacrusa, cuidado, gafas,
partitura, el atril tiene un piquito de óxido, no te desconcentres, manos, espalda, el
soplidito del audio, ya estamos dentro, casi, casi...¿Qué
pasa? no está sonando la
claqueta, oigo una voz humana, qué desconcierto, ¿qué
pasa ahora?, es el técnico, o
el productor, o uno que está
en la sala y no sé quien es...
suena la voz amigable, segura, amiga, cercana: “oye mira,
es que, haz lo que quieras,
pero yo creo que deberías...”
Pepe Cantó
conseguiremos que las enseñanzas
del preparador calen en nuestro
interior. Es realmente complicado
enseñar algo, a alguien que expresa
continuamente dudas y reservas a
las enseñanzas de sus maestros.
Ahora bien, eso no debería convertir
al alumno en un autómata, que obedezca como si fuera un marine de
película americana. Debería por tanto el alumno mantener en su interior
un pensamiento crítico y sobre todo
analítico a lo que se le está transmitiendo. Pues en definitiva será él, el
que decodifique tales enseñanzas y
las distribuya en su cerebro, siempre
teniendo en cuenta traducirlas a su
criterio y a sus aspiraciones.
- El entusiasmo del aprendizaje
Cuando uno comienza a aprender,
todo es entusiasmo, ganas, alegría.
Aceptamos la disciplina como medio,
como base. Esa disciplina impuesta
por quien ya sabe lo que nosotros
queremos saber, y suponemos que
con ella vamos a alcanzar los conocimientos y el control técnico al que
aspiramos.
Así que en un principio aceptamos
a nuestros maestros como guías, un
poco como chamanes o iniciadores
de nuestros deseos de sapiencia.
Empieza así una relación, que desde
un principio, deberíamos aceptar sin
desconfianzas ni dudas. Es de tal manera, abriendo nuestra mente, como
Se suele decir que un buen profesor
es aquel que direcciona al alumno
dependiendo de las aspiraciones de
éste.
11
OPINIÓN
Se suele decir que un buen profesor es aquel que
direcciona al alumno dependiendo de las aspiraciones de éste. Tal vez esto sea posible en algunas fases
muy especializadas de la enseñanza, por ejemplo, si
un músico con cierta formación y conocimientos,
quisiese especializarse, o simplemente desarrollar
sus conocimientos en un estilo determinado, pongamos que funk. Entiendo que a ese músico que ya
sabe y es capaz de tocar paradiles, y moverse con
soltura entre sistemas binarios, ternarios y swing,
se le podrá preparar para tal especialización. Pero
antes de esa fase, sería conveniente que el alumno
adquiriese conocimientos y destreza en aspectos
meramente generales y básicos. Por lo que su profesor en dicho momento, poco podrá personalizar,
pues de la A la Z hay un número fijo de letras, y con
esas son con las que conformamos las palabras, las
frases y, con bastante esfuerzo, los pensamientos.
Creo que es aquí en esta fase, donde el músico, al
igual que el niño pequeño, tiene que superar uno
de los estadios más importantes en su formación: el
estadio de la frustración. El estadio de la frustración
no tiene, pese a su definición, porqué ser negativo,
todo lo contrario, la frustración en este caso es positiva, es el momento en que aprenderás que esto o
aquello no es de la forma en que tú lo piensas, sino
que existe una forma correcta y otra incorrecta. Si,
ya sé que puede parecer, de tan dogmático un tanto
dictatorial, pero ¿acaso un cuatro por cuatro no tiene cuatro tiempos? ¿No se divide una negra en dos
corcheas? ¿No se divide en tres si tiene un puntillo?
Y llegados a este punto, nos encontramos con que
hemos sido direccionados, dirigidos, preparados. Se
nos ha dicho la manera de hacer las cosas para que
suenen bien, para poder comunicarnos con otros
músicos en este lenguaje universal en el que nos
desenvolvemos.
- La experiencia sumisa
Los primeros años en los que uno coge sus tambores
y se enfrenta a tocar con otros músicos, son fundaB&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
La humildad no tiene porque pasar por acatar sin
más, pero si por escuchar,
por valorar y por decidir
qué es lo más conveniente.
mentales. Hay factores que determinarán tu posicionamiento en el ambiente musical. Da igual que seas
músico de grupo, o que pretendas ser acompañante
o músico de sesión, incluso un solista con nombre
propio. Siempre habrá alguien que te diga, tenga o
no ese cometido, cómo debes hacer las cosas.
Podéis pertenecer a esa banda, tal vez de colegas,
con la que pretendéis hacer vuestra música y aspiráis a esa independencia creativa, participativa, de
respeto mutuo y conexión “a tope”. No importa, habrá alguien con más experiencia, que si bien no dirige a la banda, sí que influenciará la dirección de ésta,
pero claro, desde sus conocimientos, gustos y preparación. Si empezáis a dejaos querer por artistas,
grupos, productores y demás fauna del negocio musical, pues vuestra aspiración es la de ser un buen
instrumentista acompañante, ya dais por sentado
que reivindicáis dicha dirección, pues lo que desearéis es poner en práctica vuestros conocimientos interpretativos, dentro de una estructura ya diseñada,
organizada, casi que suene por sí misma.
¿Y si vuestros anhelos aspiran al nombre propio?
Pues si a priori pensamos que tendremos, por si llamarlo, la sartén por el mango, pronto y dependiendo de lo que hagamos, nos daremos cuenta de que
también tendremos distintos satélites que nos guíen
en nuestro intento de independencia creativa. Bien
podemos necesitar de productores o arreglistas, de
técnicos y mezcladores o, simplemente de colaboradores con los que llevar a cabo nuestras ideas musi-
cales. Entre ellos siempre habrá alguien que por preparación, experiencia o simplemente personalidad:
nos asesorará, ayudará, aconsejará o incluso dirigirá.
Esas primeras experiencias, si bien a simple vista un
poco sumisas, nos ayudarán más de lo que pensamos en nuestro desarrollo. La humildad no tiene
porque pasar por acatar sin más, pero si por escuchar, por valorar y por decidir qué es lo más conveniente. Todo esto hará que aprendamos nuevas
formulas, visiones más expertas que van más allá del
aprendizaje básico y nos llevarán a alcanzar soluciones apropiadas al arreglo musical, a la dinámica del
tema o al engranaje con el resto del equipo.
Tal vez esto pueda convertirse en un arma de doble filo y alejarnos de nuestra personalidad, o cuanto menos, de la búsqueda de ella. No toda opinión
de alguien más experto o cualificado tiene porque
ser la mejor. Y aunque lo sea, ciertas soluciones podrían ser antinaturales a nuestra forma, no solo de
sentir, sino de interpretar. Cada músico tiene unas
características que le hacen tocar de forma más fluida unas cosas que otras. A veces vemos a un batería empeñado en convertirse en el rey del doble
bombo, cuando tiene carencias de independencia.
Otras vemos a percusionistas perdidos en ritmos
sincopados, cuando aún no tienen muy bien definidos los tiempos fuertes. Es necesario conocernos a
nosotros mismos para saber aquello que se nos da
bien, que nos suena con naturalidad y así saber responder ante las exigencia de un director o, a las propuestas de ese colega de grupo, que siempre tiene
ideas para lo que tú tienes que tocar, antes de que
te dé tiempo a pensar, tan siquiera, en la velocidad
del tema.
- Decidir la indecisión
Recuerdo cómo en una producción de directo, muy
dirigida, cosa que no me disgusta, hubo una duda
ante qué ritmo tenía que tocar en un tema. Querían
que tocara un ritmo de bolero en las congas, que
empastara en un ritmo muy funky tocado por la ba12
OPINIÓN
Estar indeciso es
bueno, es positivo,
es necesario, porque te hará reflexionar en la búsqueda
de una solución meditada.
tería y el bajo. La verdad es que más que empastar,
lo que me proponían, más bien empastraba. Es en
esos momentos donde surge la indecisión. ¿Qué
hacer? Sabes que suena mal, es ortopédico, no hay
lugar al “es cuestión de gustos”, más bien sería de
mal gusto. Te das cuenta que quien te dirige está
intentando que toques algo que tiene prefijado, que
seguramente es parecido a algo que ha escuchado,
le gusta mucho y quiere que lo toques. Intentas demostrarle que no funciona, buscas alianzas rápidas
con el batería, que por su gesto deja claro que está
contigo, incluso que lo que te van a hacer tocar le va
a entorpecer su marcha rítmica. Es en ese momento donde tienes que decidirte por algo, en mi caso
fue tocar lo que me pedían, pero adaptado a lo que
yo pensaba que sonaría mejor; variar alguna de sus
corcheas a semicorchea y variar algún acento hasta
conseguir empastarlo completamente con el ritmo
de la batería. De esa forma, supongo que alguien
pueda pensar que estamos “engañando” al arreglo,
o lo que es peor, a quien en ese caso te lo impone,
pues tiene dicha potestad.
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
Estar indeciso es bueno, es positivo, es necesario,
porque te hará reflexionar en la búsqueda de una
solución meditada. Por eso es necesario cuidarse de
los gustos y opiniones de otros, cuando no tienes
claro lo que te proponen y observas que están trazando algo sin tener en cuenta, primero todos los
factores y segundo, a ti.
Una difícil mezcla de humildad, respeto u obediencia, si es que viene a cuento, no tiene porqué ser
opuesta a la toma de decisión personal, a la discusión o a la reflexión.
como pez en el agua, muy importante moverte con
diferentes tipos y tamaños de set, por supuesto a tocar con y sin dinámica, nunca se sabe lo que te puede interesar... en fin, todo absolutamente. Y cuando
aprendas todo esto, olvídate de todo y toca.
- Haz lo que debas
Siempre me ha gustado esa historia en la que el
alumno de percusión le preguntó al profesor ¿qué
me recomiendas para descubrir mi personalidad?
Y este le contestó: debes aprender los rudimentos,
todos, debes aprender todas las técnicas de agarre
de baqueta, posición de manos, utilización de dedos,
después aprende estilos, contra más mejor, deberías aprender las claves de la improvisación, también
moverte en cualquier tipo de subdivisión y compás
13
REVIEW
TAMA
Levon Green
Superstar Hyper-Drive Maple
Puesta al día
TAMA Drums, es una marca que
comercializa baterías y hardware perteneciente a la compañía
japonesa Hoshino Gakki, que
tiene su cuartel general en Seto,
Japón. Tiene sus antecedentes
en la marca “Star Drums” que
fabricaban sus modelos en la
misma fábrica que las guitarras y
amplificadores Ibanez, una filial
de Hoshino, TAMA Seisakusho.
Mientras la fabricación de guitarras abandonó la factoría en
1966, la producción de baterías
continuó su desarrollo.
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
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REVIEW
Algo más de historia
Las líneas de baterías Imperial Star Y Royal Star se introdujeron con éxito en el mercado norteamericano compitiendo con las gamas más altas de Rogers, Ludwig y
Slingerland en aquel momento. Por el año 1979 Hoshino
decidió hacer un esfuerzo para fabricar baterías de alta
calidad y comenzar a comercializarlas bajo el nombre de
TAMA algo que llega hasta nuestros días donde se cubre
las necesidades de los baterías desde iniciación a lo más
profesional.
Artistas como Lars Ulrich, Bill Bruford, Simon Phillips, Art
Blakey, Billy Cobham, Stewart Copeland, Neil Peart o Peter Erskine han usuado TAMA en algún momento de su
carreara.
De todos son conocidas las propiedades del arce en lo que a baterías se refiere.
Estamos en la actualidad
En este año 2015 hay cambios en el corazón de una de
las baterías míticas de TAMA, la Superstar Hyper-Drive.
De todos son conocidas las propiedades del arce en lo
que a baterías se refiere. Además de ser la madera más
usada en las baterías de alta gama, posee la cualidad de
tener unos espectaculares graves y a la vez dar un tono
cálido único. Esto hace del arce la mejor madera y la más
versátil a la hora del directo y del estudio.
Si a esto le sumamos las ya famosas medidas Hyper-Drive
de TAMA, que se traducen en timbales aéreos más estrechos, bases de medida regular y un bombo con una profundidad de 18 o 20 pulgadas según configuración, conseguimos unas diferencias increíbles entre toms aéreos
comprimidos, bases con cuerpo y unos bombos graves y
profundos. Hemos de añadir que todos los toms aéreos
vienen diseñados para ser colgados de los herrajes, con
lo cual evitamos que el bombo esté taladrado, lo que consigue más compresión todavía.
Las especificaciones para este año son: los toms, bases y
caja llevan 6 capas de arce laminado con un grosor de 5
mm, y el bombo 8 capas de arce laminado con un grosor
de 7 mm.
Star-Cast mounting system. Todos los sistemas de toms
Superstar están basados en las suspensiones de StarclasB&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
15
REVIEW
sic. Esto significa un aislamiento
total del casco y una ausencia
total de problemas armónicos al
golpearlo, además de ser el sistema del mercado más sencillo a la
hora de cambiar el parche.
Black Nickel Hardware. En la línea
Superstar Hyper-Drive, todos los
herrajes son Blck Nickel, un hermoso acabado que transmite una
gran sensación de calidad.
En la Superstar hyper-Drive, el
bombo de 22 pulgadas de diámetro tiene 20 pulgadas de profundidad, lo que consigue unos
graves poderosos con la máxima
resonancia.
Aros Die-Cast. Aros de fundición en toda la línea Superstar
Hyper-Drive. Ninguna otra marca
proporciona aros de fundición en
esta gama de precios. Los aros de
zinc de fundición son los mismos
que montan las Starclassic. No
solo es más sencilla la afinación,
sino que proveen a la Superstar
de una gran consistencia además
de un gran ataque, limpieza y alta
resonancia. Y por supuesto mucha más fuerza en los rim shots.
Bellotas Sound Bridge High-Tension. Las bellotas high tension de
baja masa están específicamente diseñadas para Superstar. A
la tradicional estructura se une
que el cuerpo flota sobre el tom,
minimizando así el contacto con
el casco para evitar que pierda
resonancia. Sound Bridge ofrece
más beneficios: relaja la tensión
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
En la Superstar hyper-Drive, el
bombo de 22 pulgadas de diámetro tiene 20 pulgadas de profundidad, lo que consigue unos
graves poderosos con la máxima
resonancia.
entre los dos parches, reduce el
estrés en el casco y proporciona
gran protección durante el transporte.
Parches Power Craft II. Tienes un
gran sonido desde que la sacas
del embalaje. El muffle del parche
de bombo reduce la necesidad
de tener un muffle interno.
Claw Hook. Los ganchos tensores
estabilizan los aros de madera del
bombo y llevan una protección
de goma interna que protege la
madera y mantienen la afinación
durante largas actuaciones. También los nuevos espaciadores
protegen a los ganchos tensores
de zinc de fundición de daños
cuando el bombo está en el suelo.
Para conocer los acabados y colores no dejes de visitar www.tama.
com
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REVIEW
Joaquin Tortosa
Aquarian drumshead
Probando parches
El sonido de la caja es, sin duda, uno de los principales quebraderos de cabeza con los que tenemos que lidiar cualquier baterista,
ya seamos amateurs o profesionales. En el primer caso suele ser
porque queremos conseguir que nuestra caja, normalmente no de
mucha calidad, suene lo mejor posible, y damos mil vueltas hasta
que encontramos ese parche y esa afinación con la que nos sentimos a gusto.
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
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REVIEW
En el segundo caso, los bateristas profesionales, han
de cuidar mucho el sonido según en qué contexto
musical se encuentran ya que es muy normal que
tengan que pasar del rock más duro a la balada, pasando por el flamenco o el funk, con lo que han de
disponer de recursos ilimitados para hacer sonar
sus cajas.
Bien, sabiendo todo esto, podemos asegurar que el
sonido de la caja es al que más vueltas le damos y
también con el que más disfrutamos en nuestro kit,
y uno de los factores más importantes (aparte del
material con el que esté construido el instrumento)
es el parche que usamos.
Existen infinidad de parches (una capa, dos capas,
rugoso, con power dot, sin él, blancos, negros…) que
podemos usar para cambiar el sonido a nuestra caja.
Muchas veces estos parches se tienen que adaptar
al sonido que buscamos y también a nuestra forma
de golpear a la caja, no es lo mismo un parche para
interpretar Jazz que para interpretar Metal (aunque
el baterista puede ser el mismo en ambos casos),
en muchas ocasiones también debemos buscar la
durabilidad del parche, para que no se nos rompa
en mitad de actuación. Siguiendo estas premisas, en
este artículo quiero hablaros de los diferentes parches para caja que encontramos en el catálogo de
una de las marcas más importantes a nivel internacional: Aquarian.
Aquarian Dumshead se ha convertido en una de
las marcas de referencia en el mundo de la batería.
Creada por el baterista Roy Burns en el año 1987,
Aquarian se ha introducido a nivel internacional
como marca de parches para batería, sobre todo
por su original sistema Triple Locking System™ que
evita el desajuste del parche dentro del aro y mejora
su afinación y resonancia y por su innovación a la
hora de presentar novedades que mejoren el sonido
de la batería.
En su catálogo se pueden encontrar un amplio número de modelos de parches de caja que van desde
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
No es lo mismo un parche para interpretar Jazz que para
interpretar Metal, aunque el baterista puede ser el mismo
en ambos casos.
estilos tan dispares como el jazz-funk-rock-metal… y
muchos de estos parches son muy versátiles ya que
se pueden usar en diferentes situaciones musicales.
Algunos de estos parches que, recientemente he podido probar, son:
TEXTURE COATED CON POWER DOT Parche medium de 1 capa (10 mil) con acabado rugoso Satin
Finish™ de Aquarian. Con un Power Dot™ en la parte
interior. Su sonido redondo, sensibilidad y durabilidad le hacen ideal para cualquier estilo. Un parche
realmente versátil, el parche que más he estado
usando estos años en la orquesta ya que requería
de un sonido que fuese con casi todos los estilos
musicales que tenía que interpretar cada noche.
HI-ENERGY™ Parche transparente medium de una
capa (10 mil) con un extra fino Power Dot™ en toda
su superficie y reforzado con otro Power Dot™ en su
centro. Este es el parche para baterías con potencia.
Con un sonido muy característico, es el parche ideal
para baterías que le dan duro.
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REVIEW
HI-VELOCITY: Parche de 2 capas rugoso (2 7 mil) con un Power Thin dot
interior para una resistencia extra. Muy
versátil es ideal para cualquier estilo
incluyendo Rock, Country, Blues o Pop.
Una característica de este parche es
que está disponible en blanco y en negro.
la caja. Con muffle, ideal para microfonear en directo o estudio. Rugoso de
una capa 10 mil. Con Power Dot™ interior.
STUDIO-X™: Parche transparente o rugoso de una capa medium (10 mil) con
el Power Dot™ de Aquarian. Tiene en su
interior un fino muffle pegado que ayuda a eliminar los armónicos sin cambiar
el sonido. Está disponible con Power
dot y sin él.
FOCUS-X™ Viene con un aro de ventilación que elimina los armónicos. Mantiene un tono sensitivo y articulado en
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
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REVIEW
TRIPLE THREAT™ Parche con tecnología de 3 capas
de Nu-Brite (7 mil) que actuan como una sola. Es el
parche más duro, potente y duradero, pero con respuesta. Especialmente enfocado para Hard Rock y
Metal. Para mi la joya de la corona, ideal si le pegas
duro de verdad y en especial si utilizas baquetas que
no son de madera como por ejemplo las Titan 5B de
Vic Firth ya que la durabilidad de este parche con
respecto a cualquier otro es abismal.
Para que puedas tener una pequeña guía de cómo
suena cada uno, he realizado una comparativa entre parches para caja de la marca Aquarian. En este
video podrás escuchar la diferencia entre 6 de los
modelos de parches Aquarian disponibles en el mercado sonando en un mismo tema. Los parches están
colocados en una caja Mapex Velvetone fabricada
en arce y nogal y un tamaño de 14x5,5. Los parches
tienen todos una afinación media-alta (dependiendo
de la tensión cambiaría el sonido de cada parche).
Demo
Espero con esta información haber sido de ayuda en
tu búsqueda del sonido ideal para tu caja.
Me gustaría añadir que algunos usuarios de Aquarian son bateristas como Jack DeJohnette (jazz leyend),
Roberto Lozano (Los Coronas, Sex Museum), Sam Fogarino (Interpol), Galder Izaguirre (Berri Txarrak), Juan
Diego Gosalvez (Russian Red), Jim Bogios (Counting
Crows)…
Estos son los 6 parches para caja que he podido probar recientemente. Hay parches para todos los gustos y estilos, cualquiera de ellos podrá satisfacerte
dependiendo de el estilo u estilos que tengas que interpretar, o simplemente seleccionar el parche que
mejor sonido saque a tu caja.
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
Hay parches para todos los gustos y estilos,
cualquiera de ellos podrá satisfacerte dependiendo de el estilo u estilos que tengas que
interpretar.
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REVIEW
Aquarian INHEAD
Miguel Ángel Nueda
Álex Casal
Quick&Snare bundle pack
Dale a tu batería un nuevo mundo
de posibilidades
Roy Burns es uno de los pocos baterías cuya carrera ha abarcado
prácticamente todos los aspectos del instrumento y del negocio
de la música. Ha sido profesor, compositor, ha impartido clinics,
ha trabajado como batería de estudio, ha publicado libros,… hasta
que en 1980 además se convirtió en uno de los propietarios fundadores de Aquarian Drumheads.
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
22
REVIEW
Comenzó su carrera como batería acompañando a
artistas como Benny Goodman, Lionel Hampton, y
Woody Herman. Durante los ’70 se centró en el trabajo de músico de estudio en el área de Nueva York
e incluso participó en las bandas de programas de
televisión como The Merv Griffin Show y el Tonight
Show.
Durante todo este tiempo compaginó su trabajo con
la enseñanza, llegando incluso a desarrollar varios
libros y métodos. E incluso fue de los instrumentistas pioneros en la realización de clínics por todo el
mundo.
Todo su amplio conocimiento del mundo de la batería ha ayudado a que su trabajo de desarrollo e innovación en Aquarian haya hecho de ella una empresa
puntera para el instrumento.
InHEAD y la tecnología FSR
Aquarian ha desarrollado una gama de parches híbridos electro-acústicos que nos permiten tocar
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
Estos parches funcionan con la tecnología de detección
FSR, basada en un sistema de parches multicapa que son
capaces de detectar la presión y la vibración de forma natural.
nuestra batería de forma natural manteniendo su
sonido y además poder trabajar con la electrónica
simultáneamente. Estos parches funcionan con la
tecnología de detección FSR, basada en un sistema
de parches multicapa que son capaces de detectar
la presión y la vibración de forma natural, disparando la señal hacia un módulo electrónico de forma
precisa.
Estos parches sólo disparan la señal cuando detectan la presión de las baquetas, escobillas,… o incluso
los dedos pero nunca por la vibración que pueda recibir el casco o los parches por factores externos, y
por supuesto detectan la fuerza e intensidad de ese
impacto.
Aquarian bautizó su sistema como FSR “Force Sensing Response”, convirtiendo los parches de la batería en el “gatillo” del módulo electrónico, el fun-
cionamiento consiste en que en distintas capas del
parche se sitúan dos películas con incrustaciones
de tinta conductora de la electricidad que al golpear
el parche hace que se pongan en contacto y lancen
una señal limpia y precisa al módulo.
Si al sistema InHead le sumamos los disparadores
de borde que nos propone Aquarian, los RIMSHOT,
conseguimos una lectura completa de todo lo que
podemos tocar en nuestra batería, detectando prácticamente cualquier golpe tanto en parches como
en aros. Estos vienen preparados para anclarse con
un sistema de abrazaderas adaptables a cualquier
tipo de aro.
23
REVIEW
Con un buen módulo de sonido al que conectar el sistema de Aquarian no tendremos límites en el sonido de la batería.
Un sistema muy práctico que junto
con el rimshot y el kickzone se complementa a la perfección. No hay mejor recomendación que el invitaros a
que lo probéis por vosotros mismos y
exploréis hasta donde podéis sacarle
partido.
Pack InHEAD Kick & Snare
Aquarian nos presenta en formato de
pack todas las herramientas para llevar
nuestra batería a otro nivel empleando
la electrónica. En el KICK & SNARE encontrarás las piezas para sacarle más
partido a tu caja y bombo con el parche
de 14” InHead para la caja, el trigger inbox para la caja y su sistema de fijación
con salida de Jack, el trigger rimshot
para el aro y el trigger Kickzone para el
bombo.
De esta forma tienes completamente
recogida la parte central de tu batería,
permitiendo recoger en la caja Inbox 3
líneas independientes, 2 para la caja y
una para el bombo.
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
CONCLUSIÓN
En resumen, tenemos en un formato
pack los elementos para darle un nuevo aire a nuestro sonido y abrir nuestra
batería a un mundo de posibilidades,
sonidos para música electrónica, apoyo
para directo, nuevas paletas de sonido
y percusión,… prácticamente lo que se
nos ocurra.
Con un buen módulo de sonido al que
conectar el sistema de Aquarian no
tendremos límites en el sonido de la
batería, con la gran ventaja de poder
combinar nuestro sonido natural de
caja con la electrónica, sin tener que
marearnos con llevar varias cajas o con
los rebotes y dinámicas distintas de los
parches.
24
DIDÁCTICA
Especial fusión
NITE CLUB
(Tribal Tech)
Pablo Posa
Batería: Kirk Covington
El tema que hemos elegido este mes pertenece a Tribal Tech,
uno de los grupos de referencia de la fusión moderna. “Nite club”
pertenece al álbum “Reality Check” grabado en los estudios Ocean
Way de Hollywood (California) en Noviembre de 1994. La banda
que grabó este disco estaba formada por:
Scott Henderson (guitarra), Gary Willis (bajo),Scott Kinsey (teclados) y Kirk Covington a la batería.
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
der mejor la estructura y situarnos mejor
en el desarrollo de los mismos. El solo de
teclados sigue la forma del anterior (No
esta marcado) Al acabar los solos vuelve al tema con la intro y repite la B como
Coda del tema.
¡Ojo, el final! Justo antes de los 2 últimos
compases hay una pausa que en el papel hemos reflejado en forma de 1/8. Es
una pequeña trampa que hay que estudiar porque si no, nos meteremos en un
tremendo desplazamiento que nos haría
sufrir innecesariamente.
Que lo disfrutéis y seguiremos fusionando muy pronto.
No vamos a descubrir a esta bestia de la
batería a estas alturas, pero si que podemos dar fe de que es difícil encontrar
en el panorama actual una mezcla de virtuosismo y energía tan aplastante como
la que transmite Kirk Covington. Y por si
fuera poco su saber hacer en la batería,
vale la pena escuchar a Kirk cantando y
tocando los teclados en Volto! , un pedazo
de banda en la que el batería no es otro
que Danny Carey (Si, si, el de los Tool)
Pero volviendo al asunto que nos ocupa,
el tema se mueve dentro de unos parámetros de funk-fusion con un patrón en
semicorcheas en el HH y evitando el uno
de cada tiempo para darle un aire menos
pesado que un patrón convencional. Hay
una marca en la última semicorchea de
cada 2 compases que se mantiene hasta
la llegada de la B, aunque ésta es más evidente en la intro.
La B tiene un feel más rockero, con el
bombo y la caja más contundentes, eso
sí haciendo los obligados del arreglo. Después viene un interludio similar a la intro
pero con una resolución diferente para
preparar los solos.
En los solos, hemos querido que la armonía estuviera presente para poder enten25
DIDÁCTICA
Nite Club
(Scott Henderson)
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DIDÁCTICA
ROOM 335
(Larry Carlton)
Batería: Jeff Porcaro
El tema del que nos ocuparemos en esta ocasión es “Room 335”
de Larry Carlton, un clásico de la fusión de los setenta.
La canción lleva este título como referencia a los estudios del mismo nombre donde se grabó el disco en 1978. También hay que
decir que a Larry Carlton se le conoce como Mr. 335 por haber
conseguido su sonido tan personal utilizando una Gibson ES-335.
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
Entre los músicos que grabaron este disco hay nombres legendarios en lo que se
refiere al trabajo en estudio como Abe
Laboriel (bajo), Gregg Mathieson (teclados), Paulinho da Costa (percusión) y el
grande entre los grandes:Jeff Porcaro a
la batería. El disco se conoce como Larry
Carlton (The Album). Fue su primer trabajo para Warner Bros. y supuso un punto
de inflexión en la carrera del guitarrista de
California ya que hasta entonces se le conocía sobre todo por su trabajo con The
Crusaders y como músico de sesión.
Ahora que nos hemos situado en el tiempo, nos centraremos en el tema. El aire
setentero está presente por todas partes:
la sección de cuerdas, el piano Fender,
etc... En lo que se refiere a la batería, el
tipo de patrones que se van sucediendo
poco tienen que ver con lo que entendemos por batería tipo fusión en la actualidad, en cuanto que la improvisación y
la complejidad están supeditadas al mantenimiento de un groove casi bailable en
algunos momentos. El concepto de producción del tema está en la línea comercial de la época. Nada que ver con el tema
Nite Club del último número de la revista
(por ejemplo)
La partitura está pensada como guión, no
como una transcripción exacta del instrumento. Partiendo de esta base, podemos
tocar con cierto margen de libertad siempre que respetemos la esencia del patrón
que estamos interpretando y por supuesto la forma y los arreglos. El patrón de la
Intro y la A tiene unas notas entre paréntesis que implican la opción de tocarlas o
no. No son ghost notes.
En los solos, Jeff Porcaro se anima y todo
camina con un aire más funky que en el
tema. El desarrollo de los solos se presta
a ello.
La parte del Vamp del final está escrita
de forma abierta esperando la señal del
solista, en la onda de la interpretación de
directo.
Esperamos que disfrutéis con el tema. ¡A
seguir fusioneando!
27
DIDÁCTICA
Room 335
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B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
End
Transcripción:Pablo Posa
28
TALLER
AURICULARES
Especificaciones Técnicas
Una de las decisiones que a los bajistas que realizan muchos directos o grabaciones les toca tomar, estriba en decidir al respecto de la
elección de un buen sistema de auriculares, el no disponer de ellos en
ocasiones puede convertir la experiencia de tocar en algo desagradable. La gente de Shure nos cuentan es ese sentido que parámetros y
características pueden ser importantes a la hora de valorar para tomar
una decisión.
Marc Henshall
Digital Marketing Executive en Shure Distribution UK
En los últimos años, tanto la dilatada experiencia del equipo
humano de Shure como la excelencia de los sistemas de la marca
se han visto materializadas en numerosos modelos de auriculares,
tanto in-ear (earphones) como de
diadema (headphones).
En contínuo contacto con los
usuarios de los sistemas que fabrica, Shure ha comprobado que
las especificaciones técnicas de
los auriculares resultaban difíciles
de leer y de entender para muchos, complicando la tarea de seleccionar el modelo más ajustado
a sus necesidades. Para facilitar
esta decisión, Marc Henshall (Digital Marketing Executive Shure
Distribution UK) explica en este
artículo las especificaciones técnicas más comunes, ayudando
así a los usuarios de auriculares a
tomar una decisión basada en el
conocimiento.
Rango de frecuencia:
Este dato hace referencia al margen total en el que unos auricula-
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
29
res operarán. Básicamente mide
desde qué frecuencia los auriculares comienzan a producir sonido y en cuál dejan de hacerlo. Por
ejemplo, desde 10Hz (frecuencia
más baja) hasta 25KHz (frecuencia más alta).
Respuesta en frecuencia:
Este parámetro se diferencia del
anterior en que indica, usualmente mediante una gráfica, cómo los
auriculares responden en diferentes rangos de frecuencia. Esto
es perfecto para identificar si un
producto tendrá más o menos
graves, medios o agudos.
No todos los oídos son iguales:
Cuando tomemos en consideración el rango y la respuesta en
frecuencia, es importante recordar que la escucha es individual.
Independientemente de lo que
diga la especificación, cada persona vivirá la experiencia auditiva
de manera diferente de acuerdo
a la estructura interna de su oído.
Otros factores que influirán sobre
TALLER
La mejor manera de determinar si un producto es bueno
para ti, es probarlo, por lo que la decisión queda en tus
manos.
cómo sonarán los auriculares son: estilo musical, tipo
de reproductor y, en el caso de auriculares intraaurales,
las almohadillas auditivas utilizadas.
Sensibilidad:
Este parámetro se mide en decibelios de presión sonora por miliwatio y constituye una buena referencia
para conocer cómo responderán unos auriculares (en
lo que intensidad del sonido se refiere) una vez se les
aplique una señal de entrada concreta. Por otro lado,
cada dispositivo al que conectes tus auriculares tendrá
un nivel de salida diferente. Los dispositivos portátiles
suelen tener los niveles más bajos aceptables para unos
auriculares. Un dispositivo conectado a la red eléctrica,
como una mesa de mezclas, tendrá más potencia de salida, permitiendo así a los auriculares sonar con mayor
intensidad.
Máxima potencia de entrada:
La potencia máxima de entrada típica para unos auriculares de estudio es aproximadamente 1 Watio. En algunas aplicaciones, como equipamiento de DJ, la salida
de auriculares puede ofrecer hasta 3 Watios. Este valor
constituye una potencia altísima para un dispositivo que
emitirá sonido básicamente pegado al tímpano y puede dañar tanto el producto como el oído, si no se usa
correctamente. En resumen, esta especificación ofrece
una guía para juzgar si el producto es una buena elección de acuerdo al equipo o dispositivo al que se va a
conectar.
corriente alterna (como una señal de audio). La impedancia es importante porque querrás asegurar que tu
reproductor o fuente de audio tiene una impedancia de
salida que sea menor (a menudo 8 veces menor). Por
ejemplo, si tu reproductor tiene una impedancia de 8
Ohmios, entonces querrás asegurar que tus auriculares
tienen una impedancia de varias veces este factor. En
este caso 64 Ohmios sería un buen valor para asegurar
un funcionamiento seguro. Esto no se debe confundir
con calidad, puesto que un valor elevado de Ohmios
no significará mejor sonido. Simplemente significa que
cada auricular se adapta mejor a un dispositivo o aplicación.
¿Cuáles son los auriculares correctos para mí?
Al fin y al cabo, cifras aparte, la mejor manera de determinar si un producto es bueno para ti, es probarlo, por
lo que la decisión queda en tus manos.
Ponderando todos estos factores y poniéndose en situación, la elección de un buen sistema de auriculares
te va a ayudar a disfrutar de la interpretación con tu instrumento.
www.shure.es
Impedancia:
La impedancia es un término de electrónica que mide
la oposición que presenta un dispositivo al paso de una
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
30
TALLER
CONVOLUCIÓN
Éste bien podría ser el comienzo de una historia de terror de
lo más esotérica. En cambio, nuestro objetivo es bien distinto,
vamos a intentar destripar los “secretos” de una serie de simuladores de salas y efectos musicales que consiguen resultados
sorprendentes basándose en un proceso para muchos un tanto
misterioso: la convolución.
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
Daniel Fernández Comesaña
Paúl Rodríguez
ejemplo el de un globo, un disparo de fogueo o un petardo.
El comportamiento cambia dependiendo
de dónde se produzca el impulso y dónde nos posicionemos para escucharlo. Por
tanto, la grabación de respuestas al impulso nos proporciona una idea muy realista
acerca del comportamiento único de una
sala para una posición concreta, capturando parte de su “alma”.
Suplantando identidades: la convolución
La palabra “convolución” es un término
cuyo significado es normalmente malentendido o simplemente desconocido.
Aplicado al mundo del audio nos aporta
muchas posibilidades por lo que es interesante entender un poco más acerca de
este proceso. A pesar de que la convolución como operación matemática fue introducida ya a comienzos del Siglo XX, los
amantes de la música hemos tenido que
esperar hasta principios de los 90 para
poder empezar a disfrutar de sus posibilidades. Poco a poco han ido surgiendo
programas que incorporan esta tecnología
como motor interno para simular ciertos
entornos acústicos o incluso cambiar el carácter de un instrumento musical.
Pero... ¿Qué es lo que hace tan especiaL la
la convolución? Su habilidad para fusionar
las características de dos grabaciones totalmente independientes. Y es aquí donde
la “respuesta al impulso” cobra un papel
El potencial de esta operación para la
acústica ha cambiado la forma de crear
todo tipo de sonidos virtuales, desde motores de reverberación hasta instrumentos sintéticos. Por ello, explicaremos qué
es lo que se esconde detrás de todo esto,
describiendo tanto sus ventajas e inconvenientes así como algunas curiosidades.
¿Podemos decir que una sala tiene
‘alma’?
Antes de entrar en detalles acerca de los
usos de la convolución tenemos que aclarar a qué nos referimos cuando hablamos
de “alma”. Temas paranormales aparte,
definiremos el alma de una sala como la
forma en la que un sonido cambia desde
que es creado hasta que lo escuchamos.
Esta es una característica muy particular
asociada a la geometría, materiales y distribución de la propia sala, que además
depende en qué parte nos encontremos
situados. Para capturar toda esta información es necesario medir la “respuesta
al impulso” (en inglés “Impulse Response”
o IR) producida para nuestra posición de
escucha. Y como bien describe su nombre,
esto no es más que el comportamiento
que presenta el habitáculo una vez que es
excitado durante un periodo muy corto de
tiempo.
Uno de los métodos más comunes de llevar esto a la práctica es grabando el sonido producido por un estallido, como por
31
TALLER
En los últimos años se han llevado a cabo investigaciones
sobre la posibilidad de usar la convolución desde un punto de vista más creativo
protagonista, porque actúa como una unidad fundamental, el “alma” que describe el comportamiento de una sala
ante una excitación simple. Convolucionando el sonido
de nuestro instrumento con una respuesta al impulso de
una sala convertiremos cada muestra, cada segmento
mínimo de nuestra grabación, en un impulso que experimentará un comportamiento marcado por el “alma” de
dicha sala. Por tanto, es posible transportar virtualmente
nuestra grabación a otra sala completamente diferente
convolucionando el sonido producido por nuestro instrumento con una “respuesta al impulso”.
De la teoría a la práctica
Aunque el uso de la convolución se presente como una
solución ideal para conseguir efectos impresionantes,
debemos aclarar una serie de detalles:
• La grabación de nuestro instrumento es crítica. La convolución es un proceso con el cual es posible fusionar
dos señales, con todo lo que ello conlleva. Cuando grabamos nuestra guitarra, batería,...el micrófono recoge el
sonido de nuestro instrumento mezclado con la acústica
del local. El resultado de convolucionar nuestra grabación con una respuesta al impulso de otra sala será una
mezcla del sonido original del instrumento en conjunto
con la acústica de las dos salas. Por ello, es siempre recomendado grabar los instrumentos en entornos “secos”,
con poca reverb, para poder añadir a posteriori el ambiente que más nos guste sin que la grabación original
nos limite.
• Una respuesta al impulso corresponde a una medida
en unas condiciones muy concretas. Las respuestas al
impulso no sólo son usadas para simular reverberación
sino también para capturar las características de ecualizadores, compresores, pre-amplificadores,etc. El proble-
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
ma es que no es posible extraer todo lo que nos puede
dar cada uno de estos elementos. De la misma forma
que para las salas las variaciones serán diferentes dependiendo de dónde nos posicionemos, una sola respuesta
de un compresor nos puede ayudar a simular el hardware original, pero de ninguna manera caracteriza por completo el comportamiento que tendríamos en realidad.
• Maximizar el realismo de nuestra grabación no siempre
conlleva al éxito. De nada vale obsesionarse con obtener
los efectos más “realistas” si tenemos en cuenta que en
una grabación musical lo que tiene que primar es que
el resultado final encaje con nuestra mezcla. Y para ello
muchas veces hasta a los simuladores más simples se le
puede sacar mucho juego.
En resumidas cuentas, si combinamos la respuesta al impulso de una sala con el sonido de nuestro instrumento,
grabado en un ambiente con poca reverberación (anecoico), podremos conseguir efectos muy realistas.
Softwares comerciales
En el mercado hay varios tipos de reverberaciones que
hacen uso de la convolución. Simplemente cargando
respuestas al impulso de diferentes salas podrás sonar
como si estuvieses dentro de ellas.
Uno de los primeros paquetes software de reverberación
realizada con respuestas impulsivas fue proporcionado
por Ease Audio y se llama Altiverb. En su web proporcionan las respuestas al impulso de todo tipo de salas y lugares, desde el estadio de Wembley hasta las pirámides
de Giza, aunque su precio es algo prohibitivo.
Otras compañías como Waves también disponen de reverberaciones que usan la convolución en formato plugin
como es el caso de su afamado IR-1.
También existen plugins que usan las respuestas al im-
pulso de unidades famosas de reverb en formato hardware como por ejemplo el Lexicon 300. Por lo tanto, podrás recrear de una forma más barata las reverbs que se
usan en los estudios profesionales.
Existe en Internet un gran número de diferentes respuestas al impulso que pueden ser encontradas fácilmente.
La mayoría de plugins pueden utilizar dichas respuestas
impulsivas (IR) en múltiples formatos (WAV, FLAC, OGG,…)
Curiosidades: usos de la convolución
En los últimos años se han llevado a cabo investigaciones sobre la posibilidad de usar la convolución desde un
punto de vista más creativo: ¿Podemos modificar una
respuesta al impulso de manera que nos permita obtener un sonido único y diferente? ¿Qué pasaría si convolucionamos la respuesta al impulso de dos instrumentos?
A pesar de que la propuesta pueda sonar bastante atractiva, hoy en día todavía no se ha explotado todas las posibilidades que nos puede aportar el uso de la convolución
y respuestas al impulso en un futuro no muy lejano.
En el ámbito de la industria también se hace uso de la
convolución. El diseño de un coche es un proceso muy
complejo que requiere integrar todo tipo de expertos,
incluidos los ingenieros acústicos. Para los automóviles
de gama media-alta es de vital importancia cuidar cada
detalle. Desde garantizar el confort minimizando el ruido
durante la conducción, hasta conseguir transmitir sensaciones de calidad y robustez cuando escuchamos cerrar
una puerta. Para ello, han sido desarrollados todo tipo de
complejos simuladores, muchos de los cuales, hacen uso
de la convolución para permitir obtener una idea aproximada de qué sucederá cuando se construya un vehículo.
Espero que este artículo os haya sido de ayuda, o por lo
menos lo hayáis encontrando interesante. Si tenéis cualquier pregunta u os gustaría que habláramos de otros
temas que os interesan, ¡no dudéis en contactar con nosotros ([email protected]), ¡Somos todo oídos! ¡Un
saludo!
32
MULTIMEDIA
Multi
Media
trabajo de Bobby Owsinski , autor superventas pro audio junto al ingeniero de
grabación Dennis Moore, en donde ponen
de manifiesto algunos de los secretos empleados en grabaciones de grandes bandas de todos los tiempos.
Todo un exponente de su onda, virtuosa, melódica, espontánea y salpicada del
sentido del humor que caracteriza al trío.
Tienes más info visitando su sitio web en:
www.the-aristocrats-band.com
Incluye entrevistas con Bernie Dresel, Ricky Lawson, Brian MacLeod y Dave Weckl.
En este manual acompañado de DVD se
puede aprender entre otros conceptos,
como afinar la batería para el trabajo de
estudio de manera correcta, las técnicas
de microfonía necesarias para cualquier
tipo de formato de grabación, la forma
adecuada de mezclar las pistas de batería
en cualquier género musical etc.
CD / Live
The Aristocrats
Culture Clash Live!
Poco queda por decir de la formación
que componen Guthrie Govan, Marco
Minneman y Bryan Beller que no se haya
dicho ya. El supergrupo power trío The
Aristocrats lo han explicado alrededor del
mundo con sus álbumes y sus directos.
Ahora presentan su última publicación
llamada Culture Clash Live! Un pack compuesto por el trabajo que da nombre al
álbum, que son unas grabaciones en directo de su última gira, realizadas en seis
localizaciones de cinco países diferentes
en tres continentes distintos, a lo que se
suma un DVD de un directo en Osaka.
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
LIBRO
The drum recording handbook.
Bobby Owsinski, Dennis
Moody.
Durante 90 minutos, Michael White baterista de Steely Dan y Earth, Wind and Fire,
va mostrando los procesos utilizados para
conseguir una grabación de batería eficaz,
independientemente de que dispongas de
un estudio profesional o un simple estudio
casero. Alrededor de 30 dólares tienen la
culpa de tenerlo a tu disposición.
El grabar baterías acústicas es una de las
habilidades que debe de tener cualquier
ingeniero de sonido, un conocimiento en
ese sentido no está de más en los propios
instrumentistas.
The Drum Recording Handbook, es un
33
MULTIMEDIA
CD
Los Radiadores.
Gasolina, santos y calaveras.
A un grupo se le empieza a conocer, de
verdad, a partir de su tercer disco. El debut
suele ser como una descarga inmediata de
todas las ideas almacenadas. Y el segundo
como esa asignatura pendiente que hay
que aprobar mientras mil ojos vigilan. Con
el tercero empieza lo bueno. Ya se han ajustado cuentas con uno mismo y con los demás y se camina con la única incertidumbre
de que las canciones no desaparezcan.
Los Radiadores se encuentran en ese feliz momento. Arrancaron con un mini-lp,
“Bienvenido” (Flor y Nata Records, 2011),
tan ansioso como certero, y dos años después, dieron un puñetazo en la mesa con
“Manual de supervivencia” (Bonavena Música, 2013). Ahora llega “Gasolina, santos y calaveras” (Bonavena Música, 2015), sin duda,
su mejor trabajo hasta la fecha. Diez canciones sin tregua, hijas de los tiempos que
vivimos, esquivando con acierto el panfleto,
pero sin olvidarse de decir las cosas claras.
Vuelven a arrancar (como en el disco anterior) con un acople que sirve de preaviso de
lo que va a llegar. La rabia callejera de los
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
primeros discos de The Clash, la querencia
por los estribillos tarareables de Ramones,
la elegancia arrolladora de Wilco, la rotundez instrumental de Drive-By Truckers, o los
apuntes pantanosos de The Cramps. Entre
la sobriedad estilosa del pub rock y la crudeza del punk, con ecos de Enemigos, Parálisis Permanente, 091, Los Nikis, Lagartija
Nick, pero sobre todo, Radiadores, mucho
Radiadores.
En el disco hay Rock and roll de guitarras
con actitud, que le habla claro, y de cara, al
desencanto, pero sin dejar de sonreír. De la
efervescente velocidad de “Un nuevo imperio” a la estilizada (benditos teclados) “Círculos concéntricos”, con la que rozan la psicodelia y cierran el disco, hay todo un mundo
por descubrir en cada escucha. Si el rock
urbano no hubiera degenerado tanto desde los tiempos de Burning (también muy
presentes en el álbum), “Gasolina, santos y
calaveras” sería un brillante representante
del mismo. Chicos de barrio pisando fuerte,
empuñando guitarras, cantando con rabia
himnos de los de puño en alto y prestos
a hacer un remake del “London’s burning”
en sus propias calles. Joe Strummer estará
orgulloso de ellos allá donde se encuentre.
Rafa Rodríguez Gimeno
www.losradiadores.com
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RELATO
I Walk the line
J.W II caminaba a paso ligero por el arcén de la autopista, casi sin ser visto por los coches que pasaban a
pocos metros de él. La fina lluvia le tenía totalmente
empapado y debajo de sus botas solo encontraba
trozos de botellas de plástico y barro.
Todo era frío y gélido a su alrededor, ni siquiera su
cazadora militar le podía proteger de una manera
cierta de aquel pequeño apocalipsis que le rodeaba.
Las entradas de aceleración eran peligrosas, no
podía tener ni un descuido, aquel arcén era estrecho
a pesar de ser una autopista de grandes dimensiones. Cuando la lluvia empezó a ser más intensa, optó
por deslizarse hacia la parte baja por donde fluía un
agua marrón junto a los restos de basura automovilística.
Llegó al punto donde la valla de separación estaba
agujereada, pasando así hacia la vía de servicio que
daba a un inmenso polígono industrial.
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
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Toni Garrido
RELATO
En ese momento, se detuvo y respiró
tranquilo bajo la espesa lluvia mientras
escuchaba a través del abollado walkman el Down on the street de los Stooges. Ciertamente, aquello era algo que
le hacía sentirse más vivo en un mundo
donde no existía casi nadie, era como un
chico invisible a los ojos de la gente. Ni
siquiera su padre J.W senior, le tuvo en
mucha consideración. Así que su única
compañía, era aquel viejo walkman Sony
en el que escuchaba cintas de cassette
que encontraba por los arcenes de la autopista o en la basuras del polígono.
Corrió por varias calles entre naves de
construcción metalúrgica, llegando hasta
unos contenedores que se encontraban
justo al lado de unas oficinas. Muchas
veces, colocaba en su bolsa suficiente
materia prima para alimentar su espíritu
cada vez más etílico y perdido.
De todas formas no estaba mal para ser
su primera incursión de la semana, encontró algunas revistas de economía, ca-
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
tálogos empresariales y una botella 100
Pipers medio llena, quitó el tapón de un
solo tirón, pegando un trago corto pero
intenso y sabiendo que aquel whisky escocés le daría el calor necesario para el
camino de regreso a su escondite.
Volvió por el mismo sitio desde donde
había accedido al polígono, y la lluvia seguía castigando aquel asfalto mermado
por el duro clima.
Su refugio estaba a un lado de la autopista, en un pequeño recoveco situado
sobre un campo de naranjos. Al otro extremo, se alzaba una lujosa urbanización
con edificios acristalados de varios pisos
color ocre que embellecían el paisaje
cuando caía la tarde a los reflejos del sol,
y justo a un lado, se encontraba un lago
de aspecto pantanoso lleno de ranas y
trozos de madera flotante. Aquel era su
lugar de descanso, sobre todo en los
calurosos veranos, cuando escondía alguna botella de whisky para mantenerla
más fresca.
Al día siguiente se levantó muy temprano y se dirigió hacia un gigantesco trébol
con varios puentes y direcciones, era un
espectáculo observar el inmenso tráfico.
Se introdujo por unas tuberías de desagüe para acceder al otro lado de la calzada y así poder revisar el otro arcén que
se encontraba más al norte.
Con su Walkman, seguía escuchando el
Fun House de los Stooges, que recogió
de un accidente donde quedaron destrozados varios coches y un camión. El
fuego lo quemó casi todo pero pudo rescatar algunas cosas.
Aquellos naufragios en la autopista, le
proporcionaban muchas veces buenos
discos de rock and roll, alcohol y hasta
algún que otro santo o cristo de los cuales tenía una buena colección.
Observó una columna de humo unos
metros más adelante tras una curva,
y aceleró su marcha. Al doblar, vio un
Chevy que ardía de una manera violenta
por la parte delantera. Al acercarse más,
pudo comprobar que era un imponente
Chevrolet Silverado con unos asientos
de cuero negro. Lo extraño es que no
había nadie y sonaba el I walk the line
que Johnny Cash grabó de nuevo para
Columbia en 1964, abrió la puerta con
decisión y empezó a remover la parte
trasera... una botella de ginebra Seagram´s, un pack de Pepsi Cola caliente,
un paquete de Marlboro blando casi lleno y la caja del I walk the line, se dirigió
a la parte delantera y sacó rápidamente
el disco del lector mientras sonaba ya el
Bad News... me vuelve loco ese cabrón!!!
joder ya lo creo, joder ya lo creo! ... se decía a si mismo el joven J.W.
Nada más cerrar la puerta y lanzarse
hacia atrás por el calor, el fuego había
hecho pasto de esa preciosa obra de in-
geniería.
Sin perder tiempo y con su bolsa llena
de nuevas delicias, volvió sus pasos por
la tubería mal oliente, donde llegaban
aguas subterráneas mezcladas con el torrente de lluvia que venía cayendo desde
hacía días.
Una vez más en su refugio, colocó cada
cosa en su sitio, las botellas, el tabaco
y su nuevo disco de Johnny Cash, que
puso justo al lado del disco que grabó en
directo en la cárcel de San Quentin en
1969. Un verdadero lujo del artista más
grande de América junto a Elvis y Dylan.
Muchos sábados por la noche y en honor al viejo de Arkansas, J.W se instalaba en las orillas del lago para escuchar
el Johnny Cash at San Quentin en un
tocadiscos que conectaba a una batería
Lifeline que encontró en un container
del polígono. Siempre tiraba piedras sobre aquellas aguas estancadas mientras
sonaba A boy named Sue, Wanted Man
o el Folsom prison blues, y reía y gritaba
como un chiquillo.
Con la única compañía del croar de las
ranas, Johnny Cash y el rugido de la ciudad que escuchaba en el silencio de la
noche , el chico montaba buenas fiestas
con alguna botella de licores mezclados
a lo largo de varias semanas y un tarro
de crema de cacahuete con pan tostado
que conseguía en el área de descanso
más cercana.
Algunas noches, escuchaba aquel rugido
en silencio, y dirigía su mirada a la intensa luz que emergía detrás de las montañas que rodeaban la autopista... más allá
de la autopista, más allá de las montañas, más allá , chico...
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SOFTWARE
Agus González Lancharro
Hollywood
Brass
La serie continúa
Aprovechando la enorme acogida que tuvo Hollywood Strings, EastWest
quiso lanzar la version Brass (metales) y empezó a suministrar sus bibliotecas en discos duros, lo que permite no sólo una instalación simple, sino
también el uso directo desde el disco proporcionado. Hollywood Brass
viene en tres versiones: Diamond, Silver y Gold.
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
SOFTWARE
La principal diferencia es que Diamond
pesa 150 GB y viene en un disco duro
interno de 3,5 pulgadas, mientras que la
edición Gold, de 20 GB, viene en un conjunto de DVDs. La razón de la diferencia
de tamaño es que la edición Gold tiene
mucho menos contenido que Diamond
y menor fidelidad de sonido - 16 bits, en
lugar de 24 bits de Diamond.
El contenido que falta comprende cuatro
de las cinco configuraciones de micrófono: Gold ofrece sólo uno, el Decca Tree,
mientras que Silver está a medio camino.
Por el lado positivo, todas las articulaciones están incluidas en Gold, por lo que la
transición debe ser más suave en caso
de que desees actualizar más tarde a la
versión Diamond o Silver.
Tal y como sucedía en Hollywood Strings,
está dirigido a las banda sonoras y la música mainstream, y fue producido en el
EastWest Studio 1 de Sunset Boulevard.
Las cinco configuraciones de micrófono también son las mismas que en Hollywood Strings y se pueden mezclar y
combinar hasta cuatro de ellas de forma
simultánea. Los instrumentos fueron
grabados en posición orquestal estándar
y el espectro estéreo completo fue capturado por todas las posiciones except el
micro Close
Los instrumentos comprenden trompeta, corneta francesa, trombón, tuba
y cimbasso. Todos están disponibles en
patches independientes, y luego en una
serie de grupos específicos de los instrumentos, para un sonido más realista de
sección. El tamaño máximo de las agrupaciones puede variar en distintas combinaciones.
B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2015
Las articulaciones incluyen sostenidos,
staccatos, muteados, legatos y diferentes
efectos para casi todos los instrumentos. También incluyen efectos de jazz de
trombón solista. ¡Ojo!… tener articulaciones de jazz no significa que tengas una
sección compuesta por gente como Al
Porcino, Bobby Shew, Dusko Goykovich,
Don Rader, Maynard, Lin Biviano o sección de trompetas de Stan Kenton. Una
vez dicho esto mi sugerencia sería en
no obcecarse a pensar que Hollywood
Brass es enteramente para cine, juego, y
el trabajo y directos. La serie Hollywood
da mucho juego de todas maneras y dispondrás de flexibilidad en esta biblioteca
para cruzar estilos musicales hasta cierto
rango.
Hollywood Brass no tiene el número de
articulaciones como Hollywood Strings
(¡En realidad es un punto positivo!) En
consecuencia, supongo 1-2 horas de
experimentación bastarían con las diversas articulaciones para conocer perfectamente lo que tienes disponible y
empezar con la creación de tu paleta de
sonidos.
La organización general es muy buena y
permite un gran margen de maniobra a
la hora de escribir con flexibilidad
Como sabemos por experiencia, varias
bibliotecas de metales funcionan a través de cambios de volume a través de
cambios de velocity y otros con fundido
cruzado (cross fades).
Aquí encontraremos el Cross Fade, que
nos permitirá crear una línea mucho más
natural sin preocuparse de tonalidades
duras y saltos grandes de dinámicos
CONCLUSIÓN
Excelente sonido, consistente.
Buena mezcla de patches individuales y de sección. Empasta a la
perfección con Hollywood Strings
y su procesador de convolución integrado es de alta calidad.
Por contra, no incluye los útiles
keyswitches y la única posición de
micros de la edición Gold es escasa.
bateriapercusion.com
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Jefe de Redacción
Asensio Ros “Wally”
Artículos y Entrevistas
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