BATERIA&PERCUSION M A G A Z I N E Núm 18 MAYO-JUNIO 2014 Matt Sorum Ron Powell / Latin Percussion 50 Aniversario / Gretsch® Brooklyn Series Pruebas. Didácticas. Opinión. Reportajes. sumario 03 editorial#18 Una de las ventajas de funcionar en el mundo digital, como lo hace Batería & Percusión, y que nunca se es capaz de valorar suficientemente, es el alcance de las propuestas que realizas. En ocasiones surgen sorpresas muy agradables. Entrevistando a uno de los más importantes percusionistas como es Ron Powell, se cumplió esta cuestión cuando el propio Ron, antes que nada, te comenta que es seguidor de la revista aunque resida en USA y que es importante el trabajo que hacemos para el mundo de la batería y la percusión. Como es lógico es algo que nos enorgullece y nos motiva para seguir trabajando en la dirección que lo hacemos. Una de las ventajas de funcionar en el mundo digital, como lo hace Batería & Percusión, y que nunca se es capaz de valorar suficientemente, es el alcance de las propuestas que realizas. También resulta muy satisfactorio tener la oportunidad de poder entrevistar a uno de los mejores baterías rock de los últimos años como es Matt Sorum, su trabajo con Guns and Roses, Velvet Revolver o The Cult lo justifica. Un tipo bastante tranquilo y relajado que pasa por una etapa de madurez, estuvimos con él en Los Angeles recientemente. Estas son nuestras entrevistas para este número. Reviews de Gretsch Brooklyn y las nuevas mazas para bombo Vic Firth, lo artículos del maestro Pepe Cantó, una sección de didáctica, las recomendaciones de Danko, el apartado de software musical… completan los contenidos de este número. Como siempre os invito a visitar las webs de nuestros anunciantes porque siempre tienen buenas propuestas que ofrecernos. Gracias por estar ahí. Ron Powell Entrevista 07 Matt Sorum Entrevista 12 Microfoneando la batería Miscelánea 14 Gretsch® Brooklyn Series Review 18 Vic Firth Vickick Review 21 Latin Percusion 50 Aniversario (II) Reportaje 24 Ana está desmotivada, ¿qué hago? Artículo de opinión de Jorge Medina 26 Paradiddles Groove (I) Didáctica de Aarón Cristófol 34 The Brother. Robben Ford Didáctica de Pablo Posa 30 Trance Artículo de opinión de Pepe Cantó 32 A todo color (I) Didáctica de Raúl Guzmán 34 Cinestrings Software 36 Dime qué escuchas/ves/estudias y te diré quién eres. ENTREVISTA Jose Manuel López Ron Powell Diviértete en el camino ENTREVISTA Continuando con una serie de entrevistas a algunos de los mejores percusionistas mundiales, tenemos en esta ocasión a Ron Powell, otro de los sideman con un curriculum más importante y que ha tocado por todo el mundo, en todo tipo de lugares y con algunos de los mejores artistas. Nos cuenta todo alrededor de la percusión, su aproximación a la música etc. Nos sorprendió con este inicio: En premier lugar. Me gustaría decir que es un placer y un honor estar en vuestra revista. Aunque vivo en los USA, miro vuestra revista muchas veces. El mundo es cada vez más pequeño y es bueno que proporcionéis un medio de comunicación para los percusionistas y bateristas en todo el mundo. Gracias. ¿Qué nos puedes contar acerca de tus inicios como percusionista? Empecé a tocar la percusión en 1972. Realmente me gustaba la nueva banda Santana (que tenía la mejor sección de percusión) también Super Fly de Curtis B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 Mayfield tenía dos grandes solos de congas, Crystal Blue Persuasion una increíble parte de bongos. Esa música me hizo sentir vivo y yo quería eso. Por entonces aún no tenía un set de percusión en sí, así que esperaba que mi madre se fuera a trabajar para vaciar los contenedores de azúcar y harina en la mesa de la cocina y utilizarlos como bongos. Después de tocar durante horas los volvía a llenar y los ponía de nuevo arriba de la nevera. Tengo un tío que tocaba las congas y me regaló una conga un verano, todo el mundo vio que me encantaba. Después trabajé durante meses para poder comprar la segunda conga y ahí comenzó todo. ¿Cómo fue tu formación? ¿Con quién aprendiste? Comencé a aprender cuando escuché por primera vez la batería en la música que he mencionado, quiero decir, escuchar es aprender. Cuando mi tío me dio su conga, me mostró un ritmo. Luego he tomado lecciones con los maestros, Changuito, Víctor Pantoja, Rollando Soto, Carlinhos Brown, Zeca da Quica. He visto todos los, DVDs y leí todos los libros. He ido a innumerables clinics y clases, el único buen libro fue de Fernando Ortiz y estaba en español. He pasado mucho tiempo 4 ENTREVISTA en comunidades que no son la mía para tratar de aprender porque les gusta su música, de alguna manera, aprendo cada vez que escucho a alguien tocar -sea bueno o malo- también aprendo cuando enseño. El aprendizaje es un proceso sin final y mi mejor maestro ha sido la experiencia. ¿Se puede desarrollar todavía más la percusión o existen ciertos límites? No hay límites. Yo estudio la evolución de la percusión y soy lo suficientemente viejo como para formar parte de ella, fui uno de los primeros tipos en usar un set up de multi-percusión fuera de los clásicos. Ese fue también el momento en fusionar estilos como la percusión afrocubana con la brasileña, siempre me ha gustado usar tres congas con rudimentos y melodía, eso no era común en los 70. Existen actualmente muchas posibilidades porque aprendemos unos de otros. Es importante conocer la historia y los fundamentos de la batería pero no hay que tener miedo a dar un paso fuera de la caja y tener tu propia voz. Eres líder y fundador de dos grupos como son L.A. Samba e Igaba ¿Qué nos puedes comentar sobre ellos? Igaba es un grupo de percusión que hace representaciones sobre todo en las escuelas. Tenemos entre manos un programa que enseña a los niños acerca de la percusión. Lo más importante es que enseñamos sobre la diversidad cultural, la tolerancia y la idea de trabajar en equipo. Mi otro grupo L.A. Samba comenzó como el grupo de Sergio Mendes sin Sergio. Era una buena manera de llevar buena música a sitios donde no se podían pagar una estrella. Fue una forma de experimentar con la música y muchos grandes músicos se encontraron a través de esa banda. Has tocado con artistas de la talla de B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 Madonna, Sergio Me120des, Kenny G., Diana Ross, Barry White… ¿Cómo es de enriquecedora esa experiencia? Lo es todo, es la experiencia que ha permitido a mi familia y a mí viajar por el mundo durante 4 décadas, el aprendizaje, la enseñanza y compartir el don de la música. Podría escribir un libro sobre cada artista. Son únicos y su forma de funcionar diferente. Desde aviones privados con todos abarrotados, a ir con el equipo en un taxi, tocar para 100.000 ó 10 personas, lo he hecho todo. Tengo historias de la carretera que son increíbles para mucha gente, como salir con algunos de los personajes más famosos del mundo, o pasar el rato en las selvas de África Occidental o en las favelas de Río, pasar una semana en una cárcel de Malasia o ser arrestado en Paris ya que pensaban que era un prostituto. Asistir a fiestas privadas en Mónaco o estar de fiesta con el rey de Jordania. No siempre es divertido en el momento, pero sin duda fue esclarecedor e interesante. ¿Cuál es la diferencia entre trabajar como líder o ser un sideman? Ser líder es más difícil. La responsabilidad comienza mucho antes del concierto, la logística recae sobre ti. Conseguir el bolo, pagar a todos, que se toque sin problemas, llegar a conseguir una identidad global, por no hablar de la música…al ser acompañante tu trabajo consiste solo en reproducir música. En algunas situaciones mi papel como acompañante es más específico. Por ejemplo, en la banda de Kenny G la mayor parte de sus éxitos son baladas, mí papel consiste en llevar la emoción al show. Tengo la reputación de ser un showman. Una vez Liza Minelli me dijo: “Eres un entertainer dentro del entertainer…” Este fue un gran elogio por parte de 5 ENTREVISTA Ser líder es más difícil. La responsabilidad comienza mucho antes del concierto una de las mejores artistas de todos los tiempos, me gusta hacer que el show sea divertido. ¿Puedes describirnos el proceso de trabajar en proyectos como el El Rey León de Disney? He sido el coordinador de percusión en proyectos como el desfile de El Rey León en Disneyland, programas de televisión, obras de Broadway, grupos de danza... sé que pocas personas saben más acerca de la percusión que yo como percusionista, sé lo que se busca para esas situaciones y ofrezco mis servicios. Me gusta estar ocupado entre giras. ¿Cuál es tu set habitual para tocar? Toco en muchas situaciones diferentes, por lo que realizo cambios en el set up. A veces estoy rodeado en una gran isla de instrumentos de percusión, con todos los sonidos, por lo que puedo crear cualquier cosa, otras veces es un set de batería con un gran kit de percusión y otras un pequeño kit de batería con un pequeño set de percusión. En ocasiones se necesita un rollo tranquilo o acústico. ¿Qué utilizarías con un cantante de jazz por ejemplo? Como sideman no se trata de mi, se trata de hacer que el artista se sienta bien. Cuando he trabajado con Dianne Reeves o Al Jarreau, que conocen y entienden la percusión étnica, eso es lo que les doy. La mayoría de artistas quieren lo que hay en el disco. ¿En qué contexto musical te sientes más cómodo o es tu favorito? B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 Sinceramente disfruto en cualquier estilo que toco, si no me gusta la música no acepto el trabajo. Es necesario que haya algún tipo de reto para rendir al máximo, el desafío puede ser que haya charts difíciles, hacer una balada emocionante o recrear una pista de percusión grabada que sea difícil, el aspecto físico después de dos horas de música de baile, o las horas de batucada o rumba… ¡Me encanta mi trabajo! Has trabajado durante largo tiempo con Latin Percussion ¿Qué te gusta de la marca? La calidad, variedad, disponibilidad y el compromiso. Lo comenzó Martin Cohen, amaba los instrumentos y a los instrumentistas, fue algo personal. Ahora la compañía es legendaria y tiene responsabilidad sobre estas cosas. Cuando se trata de fabricar instrumentos la mayoría de las veces lo hacen bien y lo más importante es que nunca dejan de mejorarlo. Cuando estoy en Inner Mongolia, Australia, South Africa o Groenlandia, en casi todas partes encuentro instrumentos de Latin Percussion para mi variedad de demandas. “LP is the best” sus sueños con pasión. Nunca es demasiado tarde o demasiado pronto para comenzar. Márcate metas y establece un plan para llegar a ellas, por ejemplo, si quieres tocar en una determinada banda, apréndete su música, haz contactos, obtén sus teléfonos, quien es su líder, su manager etc. contacta, comunícate, diles que quieres ser parte de ella. No te rindas, se persistente. Lo más importante, no trates la música como si fuera un hobby, todo el mundo intenta tener una carrera. Dedica tiempo y esfuerzo, una afición ocupa un par de horas a la semana, un trabajo 40. Una carrera son 24 horas 7 días a la semana, o como mínimo 60 horas a la semana. Dedica más de la mitad de tu tiempo a practicar, el resto del tiempo al business, consigue contactos, crea tu propia red de trabajo. Diviértete, la recompensa está en el viaje. Has tocado en La Casa Blanca para cuatro presidentes, Reagan, Clinton, Bush padre e hijo ¿Cómo te sentiste? He tocado en muchos conciertos prestigiosos, en La Casa Blanca, en el Kremlin, en el Coliseo de Roma, también para muchos presidentes, Nelson Mandela, reyes y reinas, la Princesa Diana. Es importante recordar que todo el mundo es especial. Algunos de mis conciertos más importantes y estresantes fueron en las escuelas de mis hijas, en reuniones de girlsscout y en pequeños clubs de jazz, iglesias y bembes donde la música es la vida cotidiana. ¿Qué consejo les darías a los jóvenes españoles lectores de Batería y Percusión que quieren ser percusionistas profesionales? Joven o viejo, en España o en USA, les digo que sigan 6 ENTREVISTA Nero Matt Sorum Un batería para la banda ENTREVISTA Uno de los baterías con el curriculum más envidiable dentro del universo roquero es sin duda alguna Matt Sorum. En Los Ángeles, en la NAMM de este año nos explicó su elección de kit y de platos. Ha usado Zildjian a lo largo de toda su carrera y ha cambiado recientemente a Gretsch, donde utiliza una USA Custom. Matt también dejó bien claro que con Velvet Revolver no ha jugado su última carta. El mismo afirma que no es un instrumentista virtuoso, aunque el paso del tiempo lo ha situado como uno de los grandes nombres de la batería rock debido a su enorme trayectoria. sonas con las que trabajo en Gretsch y Gibraltar, sabe muy bien ser tratado de manera “supercool”. Con Guns and Roses grabó el doble “Use Your Illusion” uno de los discos más vendidos de la historia de la música rock, siendo los Gun`s una de las bandas de referencia obligatoria. También grabó el primer álbum de Slash, el musculoso “Beyond Good and Evil” de The Cult y fundó con los antiguos Gunners, Slash y Duff McKagan, la super-banda Velvet Revolver. Después de un primer álbum en solitario “Hollywood Zen” publicado en 2004, recientemente acaba de publicar su segundo trabajo “Stratosphere” donde ¿Y que kit estás empleando ahora? Mi batería es una USA Custom Maple. El kit lo puedes ver ahora mismo aquí en la NAMM, es de acabado Red Sparkle, que en realidad se llama Red Glass, tiene más bits plateados, lo que hace que brille más bajo las luces en escena y adoro como suena. Estoy usando un kit más grande que cuando estaba en Guns N´Roses y The Con Guns and Roses grabó el doble “Use Your Illusion” uno de los discos más vendidos de la historia de la música rock. explora su vertiente como cantante. Por otro lado, gira con Kings of Chaos, superbanda que integra junto a Joe Elliott, Myles Kennedy, Corey Taylor, Slash, Gilby Clarke, Steve Stevens, Glenn Hughes, Duff McKagan y que rinde homenaje a los grupos de los que los músicos son o han formado parte, como Guns and Roses, Deep Purple, Velvet Revolver o Billy Idol. Cult. Con mi nuevo proyecto Kings of Chaos empleo doble bombo, ambos de 22”, de esa manera tengo los toms un poco más bajos. Son toms de 12”, 13” y 14” y luego en el suelo de 16” y 18”. Como ves dispongo de muchas cosas interesantes para golpear. ¿Y el hardware? Con el hardware Gibraltar consigo muy buenos ángulos para encajar todas las cosas. También estoy tocando con la nueva G Series de pedales que son espectaculares. Toqué tres años con otros pedales pero estos son los mejores que he probado. Están muy bien nivelados. Puedes cambiar el peso de la maza, me Matt, actualmente eres endorser de Gretsch Drums ¿Cómo te sientes? Si, si, estoy con Gretsch en este momento y me siento muy orgulloso. Me siento honrado, me siento como si estuviera en casa. Tengo un buen grupo de perB&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 8 ENTREVISTA encanta la forma en que se siente, estoy flipado con ello. ¿Lo ajustas para tocar leve y rápido o más pesado y fuerte? Me gustan los bombos pesados, depende del tipo de música que esté tocando pero si estoy tocando hard-rock, quiero un bombo que suene bien pesado. Estoy muy contento con él, no estoy obligado a tocarlo ni nada parecido, lo uso porque quiero, me entusiasma. Por otra parte Gretsch ha lanzado una caja que es de lo mejor que he tocado nunca, la Gretsch Belt Brass. ¿Qué características te impresionan tanto? Es absolutamente increíble para tocar rock. Probablemente funcione bien en otros formatos, pero para lo que yo hago… suena redonda y con mucha pegada. Podría decirte que usaba otra caja de otra marca pero he encontrado la caja que quiero tocar. Como todos los baterías que usan Gretsch, tengo libertad para tocar la caja que quiera, pero uso la Gretsch Belt Brass. Los ingenieros de sonido con los que trabajo en grandes escenarios, cuando toco suelen comentar: “Dios mío, esto suena muy grande…” Así que adoro esta batería y tener un kit grande y divertido. Después para casa y para otros trabajos tengo mi Gretsch más pequeña, un bombo, dos toms…para tocar más calmadamente es genial. Al respecto de los platos has usado Zildjian durante toda tu carrera ¿Hay alguna razón concreta para eso? Bueno, la gente a menudo no comprende la relación con las marcas…Aquí en Gretsch Kim (Kim Graham, Artist Relations Manager) es un ser humano increíble, disfruto estando con él, hablando con él. Por lo tanto en esta etapa de mi vida, hago las cosas que me hacen sentir bien y quiero traba- B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 Creo que en el inicio de los años 90, el estilo de tocar la batería estaba pasando por el aspecto comercial del rock and roll. jar con las personas que quiero trabajar. Zildjian también ha sido espectacular en su comportamiento hacia mí, siempre me han tratado con mucha gentileza y respeto. Saben que he estado en esas grandes bandas, pero también que siempre voy a estar enrollado haciendo cosas nuevas y siempre me apoyaron durante toda mi carrera. Empecé a trabajar con ellos en los años 80 por eso les debo respeto y agradecimiento. Y adoro a su vez los platos Zildjian. Ya has mencionado que has estado en grandes bandas a lo largo de tu carrera, en todo ese tiempo, ¿Tu estilo de tocar ha cambiado también? Creo que en el inicio de los años 90, el estilo de tocar la batería estaba pasando por el aspecto comercial del rock and roll, sufrió una especie de…no quiero decir empobrecimiento, pero había cierto tipo de producción y ciertas cosas que pasaban en el estudio, donde el batería debía tener un cierto estilo para adaptarse a las producciones del momento. Incluso cuando lo hice con Velvet Revolver tenía ese cierto estilo. Pero fuera de eso, toco rock clásico y cuando toco rock moderno lo hago de manera diferente. Depende mucho. Después de varios años tocando con mucha fuerza y también por la edad, percibí que no debía de tocar tan cañero, puedo conseguir un gran sonido igualmente. Si escuchas a los baterías ingleses más antiguos como Roger Taylor, John Bonham y Ginger Baker, muchos de ellos muy grandes, no tocaron especialmente duro, podían tocar sin demasiada fuerza y a la vez conseguir un gran sonido. Creo que me he calmado un poco a la hora de tocar, con una manera propia de mi edad y válida para lo que hago ahora mismo. Toco con más melodía y más relajado, no tengo porqué estar siempre muy por “delante”, siempre me he visto 9 ENTREVISTA Soy un músico de banda y es que verdaderamente me encanta tocar canciones. como un baterista de canciones, soy un baterista de banda. No estoy aquí para exhibirme delante de otros bateristas, de esa manera he hecho mi carrera. Quien me vea como batería podría decir: “Es un buen baterista y no por lo solos que se marca…” Siempre me acredité como un jugador de equipo y toco para la canción, soy un músico de banda y es que verdaderamente me encanta tocar canciones. ¿Cómo vais de temas para Velver Revolver? ¿Qué podemos esperar? ¿Estáis pasando por ese proceso de escuchar las maquetas que os envían vocalistas para conseguir un puesto en la banda como al principio? No, ya sabes, hemos hecho un montón de eso. Ahora estamos en un lugar donde todo sucede orgánicamente, todos somos buenos amigos y seguimos tocando música juntos. Todos tenemos el radar conectado, así que si se presenta podría suceder pero todos tenemos nuestros proyectos y estamos felices musicalmente. Creo que Velvet Revolver fue un momento clave en mi carrera por B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 haberla arrancado de nuevo por decirlo de alguna manera, por llevarla a la cumbre otra vez. También para Slash, para Duff, para todos. Hemos conseguido superar la escena de Guns N´Roses que ya era algo grande para todos nosotros. Si consigues imaginar tener un disco en el top de ventas, después de haber estado en una de las mejores bandas del mundo, con otra banda…eso significa alguna cosa, es un trabajo duro. Trabajamos realmente duro en el primer disco y aún más si cabe en el segundo. Bueno, si sucede… sucede, pero no voy a decir cuando… 10 GRETSCH. LA BATERÍA AMÉRICANA POR EXCELENCIA. Taylor Hawkins / Foo Fighters y su Gretsch USA Custom gretschdrums.com USA CUSTOM MADE IN THE USA Descubre más sobre Gretsch Drums. GretschDrumsES BROOKLYN SERIES Desde 1883 Gretsch ha fabricado las mejores baterías hechas en América, para los beaterías que no se conforman con cualquier cosa. MISCELÁNEA Microfoneando la batería Juan De Oliva Cómo hacer la toma de sonido de un bombo de batería, usando dos micros B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 12 MISCELÁNEA Conseguir que el bombo de nuestra batería suene bien después de estar microfoneado tanto en los directos como en estudio no es una tarea sencilla. Las sonoridades deben de encontrar su espacio en la mezcla además de conseguir el timbre deseado. Hacer una buena toma de sonido de un bombo de batería puede ser complicado. El tipo de toma de sonido y la mezcla de la batería dependen del estilo de música. Para músicas pop, rock o dance, es esencial que la batería constituya la base rítmica de las canciones y aquí el bombo juega un papel protagonista. Las preferencias tonales varían, pero en general se busca captar el cuerpo (ese sonido seco y grave) o el ataque (dado por el golpe del percutor) y en muchos casos lo mejor es hacer una mezcla de ambos. Como siempre la mejor forma de llegar a una conclusión pasa por la experiencia. Esto puede ser difícil de conseguir… La colocación de un micrófono dentro del bombo apuntando hacia el percutor captará el ataque. Por otro lado, la colocación de un micrófono justo dentro del bombo o en el agujero para la salida de aire proporcionará más cuerpo y menos ataque. Entonces… ¿cómo se capta una combinación equilibrada de cuerpo y ataque? Pedimos ayuda a Shure, para que nos aconseje como hacerlo, como lograr un fantástico sonido de bombo, con micrófonos Shure Beta 52 y Beta 91. Shure fabrica 2 diferentes micrófonos de bombo, cada uno con sus propias ventajas. El Beta 52 es ideal para B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 pegadas de baja frecuencia y es el mejor micrófono de Shure para captar el cuerpo del bombo de una batería. Por otro lado, el Beta 91, que también es idóneo para bombos, ofrece un rendimiento particularmente bueno cuando se coloca dentro del bombo para captar el ataque. Una técnica microfónica común consiste en utilizar ambos micrófonos para así captar un sonido excelente que combine cuerpo y pegada. Está técnica microfónica doble es a veces conocida como “dentro y fuera” y se consigue así: coloca el Beta91 dentro del bombo y el Beta52 junto al agujero de salida de aire, como hemos descrito antes. La idea es aprovechar las potencialidades de ambos micrófonos para hacer una mezcla del sonido de los dos. Esto ofrece varias ventajas frente al concepto de utilizar sólo un micrófono y buscar su colocación en una posición que capte tanto cuerpo como pegada. En cualquier toma de sonido multi-microfónica del mismo instrumento pueden originarse cancelaciones de fase. De cara a obtener los mejores resultados, experimenta invirtiendo la fase de uno de los canales para obtener el sonido más coherente. Como siempre la mejor forma de llegar a una conclusión pasa por la experiencia, así que hay que experimentar, ir probando los dos micros en diferentes posiciones tanto el de dentro del bombo como el próximo a la salida del aire y valorar. Si quieres aprender más al respecto de como realizar tomas de sonido de las batería, échale un vistazo al siguiente video 13 REVIEW GRETSCH ® Antonio J. Sierra Brooklyn Series desde las entrañas de NY Un legado de 131 años de experiencia es un patrimonio que muy pocas empresas en todo el mundo, sea del sector que sea, tienen en su poder. En Gretsch® este “background” pesa tanto, que Brooklyn (2012) ha sido el primer producto made in USA de diseño totalmente nuevo en decenas de años. Por este motivo y para entenderlo mejor, he decidido enmarcarlo dentro de la historia viva de esta gran marca. B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 14 REVIEW Los acabados disponibles son 4 satinados extraídos del menú de colores clásicos de la compañía en año 2012 comienza nuestra historia, una vuelta al principio, de vuelta a Brooklyn… Para Gretsch® el badge (chapa con el logo de la marca que disimula una salida de aire) siempre ha marcado los diferentes momentos de su historia, el redondo (round badge) fue utilizado en todos los tambores Gretsch® fabricados entre 1930 y 1970 y se han convertido en todo un símbolo icónico. Nuestro modelo a examen hace un guiño a esa época y presenta una versión en plata sobre fondo negro, una combinación de elementos del rico patrimonio de la marca con los continuos avances. Quitando alguna rara excepción, la madera que la compañía siempre ha usado en sus cascos de fabricación “made in USA” siempre ha sido el arce norteamericano de primera calidad, rematado con el famoso y secreto sellado interno denominado “silver sealer” que según John Palmer (Gretsch Product Manager), favorece el rebote del aire en cilindro terminando de hacer ese sonido, el famoso “That Great Gretsch Sound”. En la serie Brooklyn también se ha empleado este sello en el interior pero sus cascos están fabricados con una mezcla de arce y álamo, un Como podemos leer en alguno de sus logos, Gretsch® se fundó en el año 1883 cuando el emigrante alemán Friedrich Gretsch® abrió una pequeña tienda de instrumentos musicales en la que ofrecía toscas panderetas, sencillos banjos y tambores de banda. El emplazamiento de aquel incipiente negocio fue Brooklyn (condado de Kings) que unido a Manhattan, Queens, Staten Island y el Bronx formaron en 1898 lo que hoy conocemos como New York City (NYC). Este trozo de historia contemporánea estadounidense nos confirma que Gretsch® es una de esas 6 ó 7 marcas que a mi juicio han escrito la historia del jazz, del rock y del pop de las últimas décadas. Una carrera salpicada de geniales innovaciones como fabricar el primer bombo de 20” para el inquieto baterista Dave Tough o el primer kit con doble bombo a petición de Louie Bellson. En 1972 la compañía sale de NYC (al ser vendida a Pianos Baldwin) y recala en Arkansas donde se fabrica la línea de baterías hasta mediados de los años 80, momento en que la familia recompra la marca y mueve la planta de fabricación de baterías a la ubicación actual, Savannah (Georgia). Justo allí y B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 15 REVIEW Si tienes la oportunidad de probar uno de estos kits, estoy seguro que recordarás este artículo y que me darás la razón. Estos son los “shell packs” que se comercializan en Europa. me asistieron mi intención es no aburrirte con una serie de calificativos absurdos que no van a ningún lado. En primer lugar un evento al aire libre para unas 500 personas microfoneado y amplificado con equipos de gama alta donde prácticamente soné con el micro de bombo y los 2 overheads, el técnico del FOH me preguntó varias veces por la batería (que parches usaba, que medidas tenía, de que madera estaba fabricada) asombrado por la proyección que tenía. Pincelada de reverb y a correr… En segundo lugar lo usé para gra- 12” x 8” TT; 14” x 14” FT; 18” x 14” BD 12” x 8” TT; 14” x 14” FT; 20” x 16” BD 12” x 8” TT; 14” x 12” FT; 20” x 18” BD 12” x 8” TT; 16” x 16” FT; 22” x 14” BD 12” x 8” TT; 16” x 14” FT; 22” x 18” BD cambio en las maderas que otorga un sonido mucho más abierto, más cálido ideal para trabajar con afinaciones abiertas y si es con parches no demasiado gruesos funciona aún mejor. Otro rasgo de la Brooklyn es el ángulo del corte del casco (bearing edge) en 30º. Muchos de vosotros os preguntaréis si hay mucha diferencia entre el sonido de un tambor con el corte a 30º, a 45º ó a 60 grados y aunque parezca un detalle sin importancia, la respuesta es afirmativa. Sin embargo de nada sirve si el corte no es totalmente perfecto y plano, una obsesión para la compañía desde el inicio. Este corte define la cantidad de madera que está en contacto directo con el parche, es decir, si el ángulo es más cerrado el contacto es menor y el parche suena más abierto, se mueve con más libertad, suelto, sin corsé, más musical, más Brooklyn. Otra pata que sustenta el carácter de este kit son sus aros 302 Double Flanged, un diseño patentado en el año 1957 que era conocido como el “triturador de baquetas” debido a lo incisivo de sus bordes. El modelo actual es esencialmente el mismo pero con un borde más perfilado B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 que como consecuencia no dañará tus baquetas como lo hacia el modelo original. Este aro al ser más ligero que el clásico “die cast” que Gretsch® monta en USA Custom, New Classic o Renown Maple, fomenta ese carácter “abierto” que proporciona esa receta de arce y álamo. El resto del kit, lugs de afinación, sistema de suspensión de toms, tom holder, parches o sistema de bordonera en las cajas, son idénticos a los que sus hermanas USA Custom y USA Select traen de serie cuando salen de fábrica. Los acabados disponibles son 4 satinados extraídos del menú de colores clásicos de la compañía, Satin Black, Satin Mahogany, Satin Natural, Satin Tabasco y cuatro vinilos (nitron) nunca usados anteriormente, Black Oyster, Cream Oyster, Grey Oyster y Red Oyster. Otro guiño al pasado es el acabado de los aros del bombo que van en natural para los acabados satinados y negro con inlay en los nitron. Aunque es material premium fabricado en USA, Gretsch ha decidido vender la series Brooklyn en sets cerrados con la posibilidad de añadir elementos sueltos. 13” x 9” TT; 16” x 16” FT; 24” x 14” BD He sometido a un kit formado por bombo de 20”x 18” con tom de 12”x 08” y tom base de 14”x 12” a dos pruebas de campo con todo original sin cambiar nada, es decir, con los parches y aros originales. Describo las charlas con los dos técnicos que 16 REVIEW bar 5 temas para una producción power pop donde tardamos unos 30 minutos de reloj en sacarle sonido. El técnico comentaba que al abrir los micros la batería ya sonaba. Sólo movió algún micro para tener más o menos efecto parche y grabamos los temas del tirón (esta vez lo traía aprendidos…). En la mezcla solo comprimió un poquito, pincelada de reverb y meterla en plano. Quitando un par de overheads de alta gama, el resto eran los micros dinámicos estándar de siempre. El único “pero” por ponerle alguno, es la limitación en acabados y medidas, esta serie quizás merecería un tratamiento a la carta como su prima USA Custom. Si tienes la oportunidad de probar uno de estos kits, estoy seguro que recordarás este artículo y que me darás la razón. Si quieres más pincha aquí Disfruta de la música, disfruta de tu batería. FICHA TÉCNICA Marca Gretsch Drums Modelo Brooklyn Series Casco 6 capas arce/álamo Acabados Satinados o Nitron (vinilo) Interior Silver Sealer Angulo de corte del casco 30 grados Hardware Cromado Aros Tom y caja 302 Double Flanged Aros Bombo Natural para satinados y negro con inlay en los Nitron Lugs Suspension de Toms Gretsch® 5472 Tom Brackets Gretsch® 9025 Sistema bordonero Lightning Parches Toms/ caja Gretsch® Permatone Parche bombo Gretsch Permatone Powerstroke® coated Gretsch® GTS Un saludo. B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 17 REVIEW Vic Firth VICKICK Mazas para pedal de bombo Un paso al frente B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 18 Juan De Oliva REVIEW Con más de 50 años de funcionamiento y experiencia en la creación de baquetas de batería, caja clásica, marching corps, así como mazas para xilófono, marimba, vibráfono, timpani, accesorios de todo tipo y un largo etcétera, lo más importante para Vic Firth siempre ha sido y es el sonido. Como el mismo dice “tu sonido es tu firma.” Esta filosofía hace de Vic Firth el fabricante número 1 en el mundo de baquetas, mazas de marimba, vibráfono, xilófono, bombo y accesorios de percusión. De ahí nace la idea de crear unas mazas para pedales de bombo, únicas, innovadoras y de una calidad extraordinaria, que nos ofrecen muchas opciones de sonido. Existen tres modelos: VICKICK FELT de fieltro de primera calidad de dureza media/dura VICKICK WOOD de madera de Arce duro. VICKICK FLEECE de lana con núcleo ovalado de fieltro. Los tres nos proporcionan un abanico de posibilidades sonoras, articulación y una calidad, que los tres consiguen resaltando las frecuencias más graves. Una vez más, la calidad del sonido es lo más importante. B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 VICKICK FELT: Esta maza tiene un diseño radial para obtener dos sonidos dependiendo de la posición que la montemos. En la posición Radial obtenemos un sonido mas definido en el ataque, resaltando las frecuencias graves y por encima de todo con una pegada contundente, ya que el impacto de la maza se realiza con una pequeña parte de la misma. En la posición plana aparecen otros matices que, dependiendo del tamaño del bombo se pueden apreciar con mucha claridad. Al golpear el parche con una superficie mayor, las frecuencias se multiplican y aparecen todos los medios y agudos, que el bombo también tiene aunque no lo parezca, enriqueciendo de esta forma su sonido. Esta maza tiene un diseño radial para obtener dos sonidos dependiendo de la posición que la montemos. 19 REVIEW VICKICK WOOD Al igual que la anterior con dos superficies de pegada para conseguir sonidos y sensaciones múltiples. Al ser esta maza de madera, igual que una baqueta, produce el sonido más definido que te puedas imaginar y una claridad sorprendente. Su pegada en la posición radial es extraordinaria y para mi ha sido la gran sorpresa al utilizarla en la posición plana. Dicha posición enriquece el espectro de frecuencias sumados a la potente pegada dando todo lo que tu bombo te pueda ofrecer. De verdad que recomiendo la probéis, es una maravilla. Su pegada en la posición radial es extraordinaria B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 VICKICK FLEECE Por último ésta es la maza que yo estaba soñando para mis bolos de Jazz. Con un núcleo ovalado de fieltro cubierto con lana, su sonido es cálido y envolvente al mismo tiempo que muy suave y matizado. Al ser una maza diferente te hace tocar de otra forma y aparecen otros músicos que todos llevamos dentro. También muy recomendable. Ésta es la maza que yo estaba soñando para mis bolos de Jazz. CONCLUSIÓN ¡Ya era hora! Os recomiendo cualquiera de las tres mazas y probar a tocar con ellas según el bolo que hagáis. Enriquecen tu sonido y aumentan nuestras posibilidades musicales y una vez más: “Tu Sonido es tu Firma”. He preparado este video para que podáis apreciar como funcionan en la práctica y como suenan claro. 20 REPORTAJE Latin Percussion Levon Green 50 ANIVERSARIO (II) La percusión por excelencia B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 21 REPORTAJE En el número anterior de Batería & Percusión relatábamos la historia de la marca de instrumentos de percusión más relevante que existe. Todo un timeline con su inicio allá por el principio de la década de los 60 del siglo pasado, cuando Martin Cohen todo un gran aficionado a la música afro-cubana, visitaba los clubs de baile de Nueva York para empaparse de ella y que llega hasta nuestros días. CONGAS En primer lugar las congas 50 Aniversario, incluyen tres unidades (quinto, conga y tumba) de 30” de diámetro. Están construidas con tres capas de nogal americano, con refuerzo de fibra de vidrio en la parte superior interna de la carcasa para garantizar una mayor duración. Presenta unos parches de cuero crudo, hardware Premium Galaxy Gold, cuyas llantas están extendidas para obtener una mayor comodidad tocando. Las placas laterales donde se engarzan las seis bellotas de afinación, están reforzadas con juntas de goma para mejorar el sustain, a su lado se ve el badge conmemorativo del 50 Aniversario, también en dorado como el hardware. Incluyen el LP ProCare Integrated Shell Protectors para evitar roturas en el casco o las bellotas ante una posible caída de la conga y el acabado es en satin finish transparente que deja ver el grano de la madera. Por último destacar que con cada tambor viene incluida la plataforma LP Conga Sound Platform. Un instrumento cómodo de tocar, con un look austero y lujoso pero atractivo, que nos ofrece unas sonoridades natuB&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 Siguiendo con la celebración de su 50 Aniversario, la marca norteamericana ha lanzado varios modelos de instrumentos de percusión a modo de tributo, que estarán a la venta durante este año y que sin duda pasarán a ser piezas de colección en un futuro. rales y orgánicas con una importante proyección de sonido. Con cada tambor viene incluida la plataforma LP Conga Sound Platform. Martin Cohen Cándido Camero 22 REPORTAJE BONGOS Pasamos a sus compañeros más pequeños, los bongos. Al igual que las congas son de madera de nogal americano con parches de cuero crudo, los herrajes son dorados y los aros proponen una curvatura para que sea confortable tocar con ellos, como así es. Monta cinco bellotas de afinación sobre una placa de apoyo de acero para garantizar la estabilidad y resistencia. Como las congas lleva un badge conmemorativo del 50 Aniversario de Latin Percussion y su acabado es en satin finish cuya transparencia deja observar el veteado de la madera. A nivel sonoro entrega unas sonoridades con una buena presencia de frecuencias agudas, que no resultan punzantes y con unos armónicos controlados. Son Latin Percussion, suenan a Latin Percussion y son el colofón de la marca iniciada por un ingeniero aficionado a la percusión Martin Cohen. CENCERRO (COWBELL) En este 50 Aniversario LP presenta una edición limitada del Black Beauty Cowbell. Fabricado a mano en USA, es el cencerro más popular y más empleado de la historia. Con un acabado dorado y el logo del 50 Aniversario impreso en un lateral, tiene un look impactante. Existe una edición para coleccionistas bañada en oro. Tiene una longitud de 5” y se puede engarzar a un sistema -para formar parte de un set de percusión- con un perno de LP garantizando su anclaje en cualquier varilla de 3/8”. B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 Proyecta un sonido brillante con unos armónicos moderados Estos son los tres instrumentos de percusión que Latin Percussion ha lanzado para celebrar su aniversario, una opción presentada para coleccionistas en unos casos, para percusionistas en todos ellos y que vienen a integrarse en el catálogo de LP. Son Latin Percussion, suenan a Latin Percussion y son el colofón de la marca iniciada por un ingeniero aficionado a la percusión Martin Cohen, siempre pendiente de construir instrumentos para percusionistas y basados en satisfacer sus necesidades. 23 OPINIÓN Ana está desmotivada ¿qué hago? Jorge Medina es pedagogo, postgraduado en Pedagogía de la Percusión, profesor superior de percusión, endorser de Rasch Drums y autor del método de percusión Percuaderrno (ocho volúmenes) B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 La tarea docente, como cualquier otra, tiene experiencias maravillosas, pero también tiene un gran peligro en el que es muy fácil caer: la monotonía. Nadie puede negar que haya vivido esta sensación en su quehacer diario. Cuando observamos cierta apatía o desánimo en un alumno/a es muy importante considerar que es muy probable que parte de culpa la tengamos nosotros, los docentes. Partiendo de la necesidad de trabajar este aspecto, nos planteamos las siguientes cuestiones: ¿qué es estar motivado?, ¿por qué unos alumnos están motivados y otros no?, ¿qué responsabilidad tenemos los profesores?, ¿qué cosas concretas podemos hacer? Desde mi punto de vista y a través de mi experiencia, la motivación constituye uno de los factores psico-educativos que más influyen en el aprendizaje. La motivación que se persigue pretende un carácter permanente; no es, simplemente, la causada por una actividad concreta, un tema atractivo o un extraordinario profesor, sino que debe sostenerse ante circunstancias menos favorables. Para entender mejor todo esto vamos a conocer a una de mis alumnas: Jorge Medina ANA tiene 12 años, falta mucho a clase y cuando asiste, noto cierta apatía. Lleva 4 años estudiando Percusión y la clase huele a monotonía, a cada instante me dedica un suspiro…SÍ, ESTÁ DESMOTIVADA. ¿Soy yo el responsable? ¿Es ella? ¿Es su familia? ¿Sus amigos? …no lo sé, pero seguramente yo tenga bastante que ver. ¿Cómo puedo motivarla? La motivación se entiende como las estrategias que tengo que llevar a cabo para que trabaje. Es indiscutible que el camino acertado es hacer las clases atractivas, realizar actividades novedosas, sorprendentes…pero todos sabemos que hay situaciones arduas que requieren disciplina y esfuerzo y no es conveniente darle muchas facilidades ya que daríamos lugar a ajustar los contenidos de la enseñanza a sus niveles de pereza. No podemos dar sólo “el postre y los dulces” cuando ese no es el alimento principal. La motivación está por encima de todo esto, debemos enseñar a Ana a encontrar la satisfacción por el trabajo bien hecho, a encontrar su superación personal, a entender que el conocimiento conduce a la libertad y a ser autónomos. 24 OPINIÓN Ahora, como dice el refrán “cada maestrillo tiene su librillo” voy a contaros las estrategias que utilicé para solucionar este problema. Partimos de la base de que la educación musical no es obligatoria, así pues ya tenemos un dato muy importante, Ana esta aquí porque le gusta, también supuestamente los padres la han animado a que realice estos estudios por completar su formación en incluso puede haberse visto motivada por amigos o hermanos músicos. Mis clases son individuales generalmente, así que pese a ser un trato directo donde “es más difícil esconderse”, no trabaja en casa y las clases, más que de Percusión, son un catálogo de justificaciones; aún así, yo no me enfado, no amenazo y si hay amenaza es con muchísimo tacto, cuando la enseñanza se convierte en tortura, ya no es enseñanza,(aunque parezca una verdad de Perogrullo, esta última frase la escuché a un profesor de pedagogía en un curso del sistema Dalcroze de enseñanza musical y me acompaña en mi quehacer diario). Ana y el resto de mis alumnos nunca han oído la palabra NO en clase, siempre es: “…bien, pero vamos a mejorarlo…” para mi un error es un trampolín para mejorar, no hay mejor manera de tratar el error que considerarlo como algo positivo. En mis clases nadie es pequeño, todos son mayores tengan la edad que tengan, si tiene 8 por ejemplo, hago alusión a los niños/as de 4: “ Tú ya no tienes 4 años”, si tiene 14 : “ Tú ya B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 no tienes 10 años” etc. hacer sentirse “mayor” funciona casi al 100%. Comprobado. Las clases colectivas son un escenario ideal para motivar a los alumnos/ as, Ana tiene una capacidad increíble de leer a primera vista por lo tanto fue muy fácil conseguir una sonrisa en su rostro al demostrar al resto de sus compañeros esta virtud, si es necesario exagerando…“chicos quiero que sepáis esto: en toda mi vida he visto una persona que pueda leer música a tanta velocidad…” Es indiscutible que dentro del papel de motivador uno de los factores más importantes es la personalidad propia del docente, en mi caso, pienso que tengo bastante habilidad para relacionarme con las personas y manejo bien la empatía, una persona sin habilidades sociales, independientemente de poseer mucho conocimiento, nunca podrá ser un buen transmisor de información y por lo tanto no podrá ejercer correctamente esta profesión. Para concluir diré que un profesor/a es un actor, el alumno/a es el público, la materia la sinopsis y el aula el escenario, tenemos todos los ingredientes para una buena película…si tenemos buenos medios, solo falta un buen actor. Es indiscutible que dentro del papel de motivador uno de los factores más importantes es la personalidad propia del docente. 25 DIDÁCTICA Paradiddles Groove (I) Hola compañeros de la revista Batería Percusión, a continuación os adjunto una nueva tutorial didáctica titulada: Paradiddles Grooves 1 Esta tutorial didáctica es la primera de las cuatro tutoriales en donde trataré de aportar una visión más lúdica y didáctica al estudio y aplicación de la familia de los Paradiddles y de sus respectivas inversiones o permutaciones, creando así lo que se denomina Paradiddle Funk. Para poder abordar esta tutorial es necesario conocer tales rudimentos y poder dominarlos de la forma que se estudian normalmente en la caja para luego poder aplicarlos a este estilo y conseguir altas velocidades de interpretación. En un principio comenzaremos estudiando el paradiddle en la caja hasta que lo dominemos; luego desplazaremos la mano derecha al hit hat y realizaremos un acento en la caja en el tiempo 2 y 4. Una vez dominado esto el siguiente paso es ir añadiendo las diferentes combinaciones de bombo que planteo. Cuando tengamos superada esta fase podemos ir creando nuestras propias combinaciones de bombo. Las últimas combinaciones de bombo que propongo son los patrones característicos de bombo de la samba, tumbao, clave son y clave rumba. Otra forma bastante visual es escribir en letras el paradiddle y asignar bombos debajo de las letras y crear nuestros propios ritmos. En este caso el bombo se escribirá con la letra B. La D será mano derecha y se tocará el hit hat y la I será mano izquierda y tocará la caja. A continuación os dejo un ejemplo de cómo hacerlo. A disfrutar… Si ya tenéis dominados estos ritmos se podrían realizar los mismos patrones pero complicando un poco más la cosa: -Mano derecha en la campana del Ride. -Mano izquierda en la caja. -Hit hat con pie izquierdo: primero en tiempos 2 y 4 coincidiendo con el acento en la caja; luego Hit hat en negras y finalizamos con Hit hat en corcheas. > > 1 DIDD IDID DIDD IDID B B B B 2 DIDD IDID DIDD IDID B B B 3 DIDD IDID DIDD IDID B B B 4 DIDD IDID DIDD IDID B B B B 5 DIDD IDID DIDD IDID B BB B BB 6 DIDD IDID DIDD IDID B B B B B B 7 DIDD IDID DIDD IDID B B BB B 8 DIDD IDID DIDD IDID B BB B BB CONSEJOS PARA EL ESTUDIO DE ESTE TUTORIAL DIDÁCTICO Un consejo importantísimo es no tener prisa, con paciencia y marcándose proyectos de superación de menos complicados a más, mejoraremos mucho, mejor y con más calidad sonora e interpretativa. Importantísimo el estudio de todo con Metrónomo desde Negra = 50 hasta 150, tanto las manos como los pies por separado y luego juntos. Aarón Cristófol Con esta tutorial abordamos y podemos mejorar en la técnica de manos, en la de pies y en la interdependencia e independencia de manos y pies. Coordinación de manos y pies, posición del cuerpo ante el instrumento, psicomotricidad, movimiento y equilibrio corporal. Estilos y Groove. Aarón Cristófol Rubio es un percusionista con una sólida formación. Superior de percusión en el Conservatorio Superior Municipal de Barcelona y Superior de Pedagogía del Lenguaje Musical en el Conservatorio Superior de Valencia y Diploma en Percusión por la Universidad de Valencia. Compagina su actividad docente como profesor en el Conservatorio de Ciudad Real y en diversas escuelas, con sus trabajos como percusionista y baterista en diferentes formaciones de percusión, big band de jazz a nivel nacional y europeo. DIDÁCTICA B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 27 DIDÁCTICA Un acercamiento a los grandes de la fusión (XIV) THE BROTHER Robben Ford Oz Noy. Batería: Vinnie Colaiuta Batería: Tim Brechtlein Seguimos en la línea del último número y el tema que hemos elegido para esta ocasión tampoco encajaría en el perfil de jazz-fusión convencional, pero podría entrar en un hipotético apartado de blues-fusión, si es que se puede etiquetar de este modo a la manera de interpretar el blues de Robben Ford. Nos hemos permitido otra vez una licencia para tener la excusa de poder trabajar un tema en el que el batería sea Tom Brechtlein. Para la mayoría, este batería se ha relacionado siempre con el mítico guitarrista, pero en su curriculum podemos ver que ha tocado con gente como Chick Corea, Wayne Shorter, Al Di Meola o Jean Luc Ponty, todos ellos ligados a una manera muy concreta de hacer ese tipo de música que tanto nos agrada. El tema “The Brother” aparece en el disco de 1992 de Robben Ford and the Blue Line, pero la versión que hemos transcrito es del DVD en directo de 1993 porque nos pareció que tenía mucha más energía y que era baterísticamente más interesante. Como nota curiosa, está dedicado a los hermanos Vaughn (Stevie y Jimmie ) Este tema instrumental está en la línea de bluesrock que caracteriza la onda de los Blue-Line. Se respira el aire de blues, pero tanto la forma como la armonía se alejan de los patrones convencionales a los que estamos más acostumbrados. Sin duda, es un buen ejemplo del modo de hacer que revolucio- B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 nó la escena del blues a principios de los noventa. La personalidad de Tom Brechtlein a la hora de tocar este tema se refleja en la manera que tiene de construir sólidos grooves que, manteniendo por un lado la vertiente más rockera, tienen por otra parte una atmósfera más libre a base de ghost notes, variaciones y un punto de improvisación. Entrando en materia. Los patrones rítmicos están escritos en su versión más simple. Es decir, no aparecen rellenos, ya que se trata de facilitar la lectura y hacer accesible desde el primer momento la interpretación. Conforme vayamos tocando y sobre todo, después de escuchar cómo lo hace el señor Brechtlein, podremos ir incorporando más y más detalles. Atención con la forma del tema. No es un tema complejo de estructura , pero hemos de estar atentos a las repeticiones y los saltos en el papel. ¡No es un blues de 12 compases! Para acabar, mencionar que aunque la mayoría de los fills pueden hacerse tranquilamente a gusto del consumidor, hemos escrito algunos de los que tienen más el sello de Brechtlein. Sobre todo, el que prepara la marca final. !Qué lo disfrutéis! Textos y transcripción: Pablo Posa Edición en Finale: Jordi Herreros 28 Pablo Posa DIDÁCTICA œ . xœ ã œ 6 4 The Brother robben ford 4 4 x x x x x x x x œ. œ œ œ œ œ œ œ œ. ã ‘ 2 ã4 C % 3 A 4 4 Fill .. ‘ B 1. x x xœ x x x xœ x œ. œ œ ‰ œ J xxxxxxxx ã œ œ Œ œœ 28 x x xxx xx x ã œ. œ œ œ ‰ œ œ œ. J 32 ’’’’ ’’’’ x x x Go to % ‘ ‘ B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 ‘ ‘ x x. œ œ œ œ œ œ œ œ œj œ œ œ œ . œ œæ x x x. œ œ œ œ œ œ œj œ œ œ œ œ. j j œ œ œ Œ. œ œ j œ 3 ‘ ‘ x x œx x@ x x œ œ œ œ œœ x x x x x x x x œ. œœ œ œ œœœ œ 2. x œ x œ œ œœ œ Ó x. x x œ œ. œ œ ride Fill like intro ‘ 2 4 ‘ x x œx œ œ œ œx . x x xœ x x x œx x ‰ œ œ. œ œ œ œ . œ J > > > x x x x x x x x ã œ œ Œ œ œ 19 ‘ 3 xx xxxxxx ã œ. œœ œ ‰ œ œ J 14 x. x x œ. œ œ œ Transcription Pablo Posa Writing Jordi Herreros œ e œ œ e œ œ e >œ œ œ >œ œ œ œ œ œ œ ã 4 x x x œ œæ 10 2 x x œx œ œ œ œx œ œ œ œ ‰ œJ œ œ œ œ œ œ œ j œ fi x x x x x xj x x œ. œ œ œ ‰ œ œ œ. The Brother ã ’ 37 ’ Solo E7 ã .. 39 ã Simil patern as A 4 ô 4 ô E7 47 ã � 55 x œ Last bar solo C9 j œ B x x x x x x x x ã œ. œ œ œ œ. œ œ 64 ã 68 ‘ ‰ œœœœœœ ‘ 2 ô E7 ’’’’ ’ ’ ’ ’ .. x . To C and fi œ œ . x œ œ ∑ E7 ’’’’ Same patern as B � x œ J D9 ’’’’ x x xœ x x x œx x . . ã œ ‰ œ œ. J Ó 2 ô A7 A 4 ã4 œ x ‰ œ x x xœ x x x xœ x œ. œ œ ‰ œ J ‘ ‘ ‘ œœœœœœœœœœœœœœœœ x œ œ œ œ Œ œœ œœœ œœœ 29 2 4 x. x x œ œ. œ œ x. x x x x. œ œ œ. œ œ œ œ œ. œ œ œ œ œ œ œ œ œ œ œœ œœ œ œ œ .. ‘ ‘ x. x œ. œ Œ Ó OPINIÓN Trance Pepe Cantó El trance Atardecer de Septiembre en Marrakech, el color rojizo empieza a mutarse en azul noche y algunas tiendas empiezan a cerrar en la Medina. Parado en una esquina, esperando a mi pareja mientras discute una y otra vez el precio de unas babuchas, observo cómo tres jóvenes paralizan el cierre de su puesto y, dejándolo todo a mitad de recoger, se enfrascan en tocar los qraqebs. Mientras dos de ellos los tocan e intentan crear una polirritmia a dúo en la que la semicorchea se confunde con el tresillo, el tercero, situado en medio, dirige los continuos intentos de ensamble rítmico. Infructuosos sus intentos uno tras otro, el director cambia de expresión continuamente, ante la obcecación de empastar una célula rítmica con la otra. Empiezo a sufrir como si yo mismo estuviese implicado en ello, pretendo entender dónde reside el problema: el continuo choque de acentos, la articulación, la subdivisión… hasta que en una fracción de segundo, todo funciona, todo fluye, las expresiones de los tocadores ya no muestran preocupación, ni tan siquiera concentración, el director sonríe y baila a la vez, y yo no pienso en tresillos, puntillos o zarandajas métricas occidentales, yo, por unos incontables momentos, no pienso nada, hasta que escucho: ya tengo las babuchas, ¿seguimos? Vuelvo a la realidad: feliz, descansado, relajado y activo a la vez, y creo entender las palabras de Juan Goytisolo al referirse a los beneficios del Gnawa y el trance: …aquietar la angustia difusa…eliminar los obstáculos interiores a la convulsa expresión de deseos y aspiraciones. PepeB&P Cantó. Fez, 1982 Magazine. Isue MAR/ABR 2014 Gnawa Gnawa, plural de gnawi, cofradías místicas subsaharianas que utilizan su música para llegar al trance. Gnawa, esclavos negros procedentes del África occidental. Gnawa, canciones de esclavos procedentes del Sur y vendidos en Marruecos y Argelia. Gnawa, habitantes del sur del desierto cuya lengua, mezcla de árabe y bereber, no entendían quienes fueron a esclavizarlos. En Marruecos el acto de entrar en trance por medio de la música Gnawa tiene connotaciones místicas y sanadoras. Qué es el trance sino un estado momentáneo de abandono de los sentidos, en el que se alcanza un nivel de conciencia diferente. Sin entrar en profundidades psicológicas o espirituales: toda pérdida de la conciencia del presente durante unos instantes, en que nos concentramos en algo para alejarnos de todo, produce descanso, paz y recarga de energía. A los instrumentos tradicionales de las cofradías gnawa, el tbel (tambor grande que se toca con baquetas curvas) y los qraquebs (castañuelas metálicas) se han unido: el bendir (pandero con cuerdas) el tbila (bongós de cerámica) tocados a veces con pequeñas baquetas sustituyendo el tbel y, en ocasiones, por influencia oriental, la darbuka. Al margen de la percusión, destacar el papel del guembri o sintir, el bajo gnawa, pura magia sonora. Desde mi punto de vista, los qraqebs son el primer instrumento en producir ese estado hipnótico con el que se puede alcanzar el trance. Está claro que los coros y respuestas de los cantantes, la profun30 que bailaban? Momento lúdico, aparentemente alejado de cualquier misticismo, que sin embargo se convierte en catarsis para conseguir algo más allá del puro placer físico, sin necesidad de pasar por ningún tipo de proceso intelectual. Vuelven las palabras de Goytisolo:…aquietar la angustia difusa. Por supuesto, no sólo en las músicas bailables existen muestras de altas dosis hipnóticas. John Coltrane, Miles Davis o Pink Floyd, podrían entenderse como buenas pruebas de ello. Pero estaríamos hablando de otra cosa, pues el uso del intelecto, la atención necesaria para su escucha o la estructura con cambios armónicos continuos, nos devolverá la conciencia continuamente, avisándonos de que algo ha cambiado en el camino. OPINIÓN Saidi, entre otros. El Karsilama turco, ese 9/8 endiablado, o la danza de los derviches, menos percusiva, pero una de las más altas muestras del trance a través de la música. Desde la sonoridad y complejidad rítmica de la tabla hindú hasta la poética aguerrida de los taikos japoneses. En todas estas representaciones nos encontramos con un nexo: la percusión. Su sonoridad, sus células rítmicas y sus posibles polirritmias, producen un proceso químico que puede, si nos dejamos llevar por sus sensaciones sonoras, trasladarnos a ese otro estado transitorio de la conciencia al que podríamos llamar, trance. didad del sintir, o el toque del tbel, que contribuirá a que no pierdas el sentido de tierra o conciencia rítmica, son todos uno. Pero insisto, hay algo en la monotonía del ritmo de los qraqebs, en esas frecuencias agudas tan sucias, en ese choque de acentos, pero sobre todo, en esa forma de subdividir, que convierten el 6/8 en 4/4 y viceversa que te atrapa de inmediato. Que el golpe grave del bendir, o de uno de los tbel, ataque en el 2 y medio y 4 y medio del compás, produciendo una sincopa traicionera a oídos occidentales, puede crear un espejismo sonoro a oídos no entrenados; la llegada de las palmas a tiempo en los estribillos devolverá, en caso de pérdida de concreción rítmica, la sensación de tierra, el afincamiento, el relax, tal vez el trance. Los otros lados Los otros lados de África del norte como referencia cardinal: oriente y occidente. En la América negra, poblada por antiguos esclavos del Este de África, existen estilos, toques y celebraciones que como B&P Magazine. Isue MAR/ABR 2014 el Gnawa pueden conducir al trance. Los ritmos de la santería Yoruba en Cuba, ejecutados con los tambores batá o el Candomblé en Brasil, junto a otras representaciones de cofradías religiosas contienen también los elementos necesarios para transportarnos a ese otro estado en que la conciencia no duerme, sino que viaja por otra carretera. Sin ser religiosos ni de origen místico, también nos encontramos con estilos y géneros con la propiedad de poder abducirnos de la realidad, entre ellos, el complejo de la Rumba en Cuba, donde la polirritmia perfecta y avanzada de su composición es capaz de transportarte a otro espacio interior, más lúdico que el Gnawa, menos místico, pero igualmente hipnótico. Hacia Oriente, desde Egipto a Japón, pasando por Turquía, encontraremos muestras de estilos y ritmos que a través de la percusión, como motor principal, nos inducirán a estas transiciones mentales de huida del yo para alcanzar un otro yo. Los cadenciosos ritmos de la danza del vientre: el Baladi, el Maksum, el Algo más que gozar En la cultura occidental moderna, es en los estilos más rítmicos y bailables donde mejor se aprecia la influencia de todo lo dicho. Puede parecer que entrar en trance bailando en la pista sea un poco exagerado, aunque si pensamos en el Sex Machine de James Brown, tal vez cambiemos de opinión. Un ritmo de bajo y batería capaz de mover el pie más torpe, una armonía tan parca que no nos despistará del movimiento, un coro a modo de letanía que funciona por sí solo; elementos que nos pueden llevar a tal liberación de endorfinas, a tal disfrute, que nos hagan por un espacio de tiempo abandonarnos al placer, facilitando la desconexión con los problemas cotidianos, con la ansiedad del camino, con las responsabilidades laborales y personales. Me vienen a la mente escenas del Wigan Casino, uno de los templos del Nothern Soul, en Inglaterra, ¿acaso los jóvenes bailadores que allí acudían, no buscaban un momento de liberación de la presión a la que la existencia te somete? ¿Y la forma para conseguirlo no era el ritmo sugestivo y embriagador de la música Los portadores Los músicos convertidos en chamanes, en guías para mostrar las rutas diferentes a la conciencia, y los tamboreros como soporte, como base, como esencia del allanamiento del camino, que lo haga liso, ligero, ingrávido. Los que, además, no pueden olvidar que son los facilitadores, y no los que alcancen ningún trance, pues en el acto de la ejecución musical no puede desaparecer la conciencia, ya que sin ella, difícilmente se conseguirá la inducción necesaria para proporcionar, si quizás el trance pretencioso, cuando menos algo de placer. Algunas muestras actuales de música Gnawa y del desierto, muestras que valen la pena descubrir y disfrutar. Nass Al Ghiwane, Nass Marrakech, Tinariwen, Aziz Sahmaoui, Hassa Hakmoun, Maalem Said Damir, Hamid El Kasri. 31 DIDÁCTICA A todo color (I) Muchas veces deseamos aumentar nuestro repertorio de recursos aprendiendo la mayor cantidad de patrones con el fin de aplicarlos según la situación musical en la cual nos encontremos. Sin embargo, esto tiene su lado flaco: está metodología de estudio no nos permite profundizar en las infinitas posibilidades de cada patrón. Un músico creativo puede dar diversos matices a un patrón cualquiera, por más “simplón” que este sea. Este artículo abordará, o al menos lo intentará, algunos recursos creativos para matizar patrones de batería. Los matices son un aspecto muchas veces olvidado en el aprendizaje de la ejecución baterística; probablemente se deba a que este aspecto es eclipsado por la técnica. Existen tres maneras básicas para matizar un patrón rítmico: una es la velocidad o tempo, otra es la intensidad o dinámica y una última posibilidad es la orquestación. La velocidad como fuente de variación fue tratada en un artículo anterior en B & P número 13, así que nos concentraremos en la intensidad y la orquestación. En esta oportunidad estudiaremos la intensidad como medio para matizar un patrón rítmico. Al hablar de inensidad estamos introduciendo el uso de notas acentuadas, notas no acentuadas, notas fantasma y reguladores; así como indicaciones dinámicas. Los cambios de intensidad se señalan de dos formas en la música escrita. Una forma de indicarlas es escribiendo el símbolo (>) arriba o abajo de la nota que afectan. Dicha nota debe sonar un poco más fuerte que el resto de notas no centuadas ¿cuanto? Una referencia práctica nos la proporciona nuestro lenguaje hablado. Busca palabras acentuadas y pon atención a su pronunciación. Notarás que no es necesario gritar la silaba acentuada, sólo se debe lograr que resalte del resto. Igual sucede con la música; sólo se debe lograr que la nota acentuada llame la atención del oyente. Otra forma de señalar el cambio de intensidad de varias notas es a través de los reguladores (< >). En esencia, son símbolos iguales a los de acentuación usados para notas individuales, pero estos afectan grupos de notas sucesivas. Lo más importante en su ejecución es resaltar la progresividad del aumento o descenso del volumen. Dicha progresividad no tiene que ser obligatoriamente lineal; también puede seguir una trayectoria concava (como tobogan). Lo más importante es el efecto sonoro ¿qué tan inclinada será esa trayectoria de cambio de intensidad? Dependerá de las intensidades anterior B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 Raúl Guzmán Existen tres maneras básicas para matizar un patrón rítmico: una es la velocidad o tempo, otra es la intensidad o dinámica y una última posibilidad es la orquestación. y posterior al regulador. Noten que no hay una referencia absoluta para la acentuación, recuerden que es música y esa “imprecisión” es el espacio para tener iniciativa y ser creativos. Otra manera de señalar el cambio de intensidad es mediante indicaciones dinámicas. Estas indicaciones son letras en minúscula y cursiva escritas debajo de las notas que afectan. Su efecto perdura hasta que se indique otra dinámica o termine la música. Las indicaciones dinámicas se encuentran combinadas con acentos (>). Para tener una idea intuitiva de esta combinación, supongan decir una frase a diferentes niveles de volumen. La acentuación de las palabras no se pierde ni cambia. Las indicaciones dinámicas más usadas van desde triple piano (ppp) hasta triple forte (fff) pasando por una variedad de niveles intermedios. El ejemplo 1 incluye audio de muestra. El efecto contrario a la acentuación es el perseguido con las notas se ejecutan piano. En la práctica, estas son ejecutadas principalmente en la caja, haciendo recorrer la baqueta una distancia de 5 centímetros del parche. Su objetivo es el de “adornar” una nota importante, ya sea como anticipación o retardo. También 32 DIDÁCTICA se utiliza para rellenar espacios en patrones baterísticos a lo largo de un patrón como se vió en B & P número 10. El ejemplo 2 muestra como variar un patrón partiendo en cambios en su acentuación. Primero se presenta el patrón de referencia para luego desarrollar diversas acentuaciones en el hi-hat. La primera acentuación enfatiza la parte fuerte de cada tiempo; la segunda variaión convierte el patrón original en un contratiempo; la tercera variación le da un carácter incisivo al patrón original convirtiendolo en un Shuffle. Es importante tener en mente el carácter incisivo del patrón para lograr el efecto sonoro deseado. De nada sirve un patrón complejo o rápido con acentuación desorganizada. Provocaríamos en el oyente la misma impresión de un no hispano-hablante hablando en nuestro idioma: las sílabas estarían ahí, pero la acentuación, la expresión y gran parte del significado se perderían. Estas dos situaciones, el no hispano-hablante y la acentuación músical inadecuada, tienen en común el hecho de ser síntomas de no dominar el idioma, tanto el hablado como el musical. El ejemplo 3 muestra como cambia un fraseo “plano” al añadirle los recursos dinámicos comentados. El ejemplo de audio 2 contiene el ejemplo 1 seguido del ejemplo 2. ¡Cuanta vida sólo con acentos! B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 No puedo terminar este artículo sin mencionar el acento agógico. Este es el acento, o su percepción, formado sobre la nota de mayor duración dentro de una sucesión de notas. Es el efecto común percibido al finalizar un redoble en la caja o una sucesión de rápida de notas en el doble bombo. La última nota, aunque no esté acentuada, se percibe como tal, porque atrae nuestra atención. AUDIO 1 AUDIO 2 33 SOFTWARE Agus González Lancharro CINESTRINGS CORE “más cuerda, maestro” B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 SOFTWARE Mucho ha pasado desde que Cinesamples lanzara CineBrass en 2011. Más y más productos vieron la luz, como fueron CineWinds o CinePerc, aunque la calidad sigue siendo la misma. En otras palabras, Cinesamples no cambiará. CineStrings completa la última pieza que faltaba en las secciones orquestales, bueno, siempre y cuando no contemos al coro como elemento orquestal. La biblioteca es muy diferente al resto, sobre todo en su funcionalidad. Aparte de las articulaciones estándar como spiccato, staccato, marcato, armónicos, pizzicato, col legno y legato, CineStrings incorpora varias opciones nuevas such como Hairpin Legato Creator o diferentes ataques de arco. CineStrings es una biblioteca profundamente muestreada con un máximo de 8 round robins y 5 capas dinámicas. La biblioteca consta de las cinco familias de instrumentos de cuerda: violines primeros y segundos, violas, violoncelos, contrabajos y cada uno cuenta con los siguientes patches: articulaciones, true legato, pizzicato y col legno y armónicos. La interfaz es muy flexible, haciendo que cada articulación pueda ser cargada con facilidad y de diferentes maneras, como el CC. Tras trastear con la biblioteca por un tiempo, se pueden apreciar algunos problemas extraños. En primer lugar, no existe una superposición de ataque de sustain de manera predeterminada, esa opción se puede activar en la página Mapping, pero cuando está desactivada, la muestra comienza con un pop. El Hairpin Creator, por ejemplo, a veces deja de funcionar correctamente, De todas maneras, este feature es sin duda lo de la librería... el polilegato no funciona en velocidades altas (más de 90), difícil de decir por qué... B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 el sonido es fuerte y con proyección, pero carece de profundidad y detalle a volúmenes más bajos La articulación del legato te permite controlar tanto la dinámica y vibrato en tiempo real, todas las CC pueden ser perfectamente reasignadas. Así como los dinámicos cortos posibles de controlar a través tanto de CC como de velocity. Cinesamples cuenta con su propia huella sónica y Cinestrings no es una excepción. Similar a ProjectSAM, el sonido es fuerte y con proyección, pero carece de profundidad y detalle a volúmenes más bajos. Un punto a favor es la gran variedad de presets de mix. Dennis Sands, reputadísimo ingeniero de mezclas en Hollywood, se encargó de la mezcla de esta librería y nos ofrece un preset customizado, aunque también podemos contar con otros de serie, como el Classic JW (John Williams), Cartoon o Ambient Conclusión El generador de Swells es increíble y contiene muchos efectos de serie, la flexibilidad no tiene precedentes a través de la reasignación de CC y la velocity y la funcionalidad de poli-legato es muy útil. La profundidad de customización también es un punto muy a favor. La biblioteca tiene un montón de opciones, 5 posiciones de micrófono y abundancia de articulaciones, sin embargo todavía sufre de los problemas sufridos por sus hermanos mayores, requiriendo muchos recursos y siendo poco fiable. The Mastery Of Tone. DIME QUE... Dime qué escuchas/ves/ estudias y te diré quién eres. CD Lucas Jiménez The Killer Groove Seguimos con los productos con denominación de origen. Se sabe que para ser un gran músico hay que ser una gran persona, por eso de: “tocas como eres”. La semana pasada fui a verle a un clinic que dio en Barcelona, en una gira que está realizando con varias marcas y el apoyo de Iberdrum y presentando su nuevo trabajo “The Killer Groove”. Os estoy hablando de Lucas Jiménez. Baterista de sesión, ha trabajado con muchísimos artistas y proyectos del país, se le puede ver con Presuntos Implicados, pero B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 Danko Compta Discos, directos, métodos, websites, y curiosidades en los que parar, ya sea un ratito o para que formen parte de tus incunables. hace años que guarda en su tiempo una parcela para su propia firma. En este disco tan bien acompañado por Julio Montalvo, productor y compositor cubano que junto a Lucas construyen un disco realizado por muchos más músicos igual de enormes, en el que se puede disfrutar del jazz fusión amalgamado con la música latina y algunos patrones de flamenco. Un disco que capta perfectamente la inquietud de este músico nacional que es Lucas que busca conectar la técnica con la expresión de un mensaje. Lo brillante: que lo hace siempre con una sonrisa en sus fauces. ¡Muy recomendable! “Ending is the beggining: Mitch Lucker Memorial Show” que hicieron los restantes miembros de la banda: “No todo está en hacer un conciertazo en su memoria, se llevó más lejos, invitando a cantantes y otros instrumentistas de los grupos más famosos de la escena del momento a hacer realidad el set list con ellos: Jonny Davy, Greg Wilburg, Brook Reeves, Ricky Hoover, Phil Bozeman, Myke Terry, Danny Worsnop, Johnny Plague, Cameron “Big Chocolate” Argon, Burke Vanraalte, Anthony Notarmaso, Tim Lambesis, Hernan “Eddie” Hermida, Austin Carlile, Chad Gray, Robb Flynn, Max Cavalera, Randy Blythe, Josh Goddard, Rick Ash, Scott Proctor. ”El DVD de este concierto se puede encontrar en cualquier lado junto con una camiseta dedicada a Mitch, con una foto suya…” Lo recomendamos encarecidamente, por mover el cuello, por el espectáculo y por el trabajo rítmico que hay en este estilo: ¿llevamos los rudimentos al siguiente nivel? VIDEOS Suicidal Silence Ending is the beginning: The Mitch Lucker Memorial Show Nos vamos a poner serios un momento. Funky, rock, groove, latin, metal, pero hace tiempo que no hablamos de algo realmente duro, como es el Metal Core de Suicidal Silence. Me he documentado con la ayuda de mi compatriota “Nezar Kamal” de la banda “Between Humans and the Beasts” que nos habla de un directo muy intenso, el tributo al vocalista de Suicidal Silence: 36 DIME QUE... DOCUMENTAL Architects One Hundred Years Y ya que hablábamos de lo que nuestras abuelas considerarían “ruido” (o los hipsters, que creo que también les asusta una distorsión generosa) Nezar me habló de los grandes del Metalcore inglés: “Architects”. “…Catalogada como de las mejores bandas y nominada al mejor CD “Lost Forever//Lost Together”. Editaron el DVD “One hundred days” que documenta la gira que realizaron por 25 países, con 75 actuaciones y en el que comparten la reflexión de la cotidianeidad de un músico en una gira así, y persiguiendo una meta, un objetivo, un sueño. Interesantes reflexiones que te hacen dar cuenta de las dificultades, no sólo técnicas, económicas, sino sociales, culturales que puede haber en más de un país, más B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 de una raza, más de un estilo…” Realmente lo interesante de documentales así es que, realizadas en un formato casi cinematográfico comercial, con un guión, músicas incidentales, etc. Hablan de realidades que puedes ver encima de un escenario, y que como músicos, tantos perseguimos. No nos dejemos engañar, al menos no del todo, por la ficción que nos rodea y empapémonos del testimonio de los que luchan, y consiguen, a pesar de las dificultades. Llevemos los rudimentos al siguiente nivel. y con todas las figuras y combinaciones posibles con las piezas de la batería y articulaciones de su cuerpo, propone posibilidades muy interesantes para ese fin que ya sabéis que tanto me gusta: hacer música, contar historias, crear melodías con nuestro instrumento, la batería. Hacer de los rudimentos algo más que un ejercicio. MÉTODO INSTRUCCIONAL (DVD/LIBRO/ AUDIO CD) Gavin Harrison & Terry Branam Rythmic Composition Rudimentos, chops, Fils, grandes bateras de sesión, de bandas, hablar de métodos instruccionales significa hablar de alguien que edita un DVD en el que nos explica su forma de tratar la música según lo que ha aprendido para hacer lo que hace. Uno de los que mas admiro y me parece más interesante de los últimos años, además de que está como de moda (lo cual no discuto) es Gavin Harrison. En esta ocasión se une a Terry Branam, otro grand baterista, con el que repasa la forma de orquestrar músicas del estilo en el que se desenvuelven con la batería. Gavin, popular con su trabajo con Porcupine Tree, sigue investigando en estilos cercanos al rock progresivo/simfónico, 37 DIME QUE... WEBSITE - APP Mr. Online Drums TV Y volvemos a un nombre, el de Lucas Jiménez, hablando de otro de sus proyectos, que demuestra como se pueden hacer varias cosas al mismo tiempo (siendo un hombre, y siendo baterista, así que no estamos tan mal capacitados chicos). MrOnlineDrumsTV es una idea que sintió que hacia falta en España. Una idea propia que ha podido llevar a cabo con el apoyo de Miguel Valls y Santi Miquel de Avant Producciones que se encargan de todo lo referente a la edición y grabación de video. Un programa pensado por y para los baterías, con diferentes contenidos: bancos de pruebas, entrevistas, laboratorio y técnica, el groove del mes, B&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 tiendas especializadas, y el apartado 4x4: cuatro baterías en cuatro minutos, donde cada batería toca un minuto expresando lo que más vaya con su forma de tocar, sea bien un groove, un “solo”, un ejercicio técnico etc. Se declara como una televisión interactiva y totalmente a la carta, pudiendo mandar sugerencias a “[email protected]” (vídeos con esa duración de 1 minuto hasta proposición de temáticas para el programa). Una propuesta arriesgada y que cuenta, una vez más, del ingrediente para mí indispensable: colaboracionismo, entre músicos, distribuidores, sector del video, el claro ejemplo que aunando fuerzas se consigue llevar a cabo una idea que tiene el fin de comunicar, compartir y enriquecer el mundo de la batería. Encontraréis la info de la periodicidad de la publicación de los programas y más noticias en el Facebook. de Taiko-Kodo a cargo de Isabel Romero (Madrid), y el segundo día se organiza el concierto para 50 baterías. Se trata de juntar alumnos y profesores de varias escuelas, todas aquellas que quieran participar, traer las baterías a Lérida, montar los 50 set en disposición de semicírculo y separados por 3 colores: - Amarillo – Nivel 1 - Rojo – Nivel 2 - Azul – Nivel 3 Cada color tiene una partitura diferente de la misma pieza, se hace un único ensayo y se regala al público un concierto de unos 45 minutos en los que el único protagonista son las 50 baterías. Una iniciativa que se realiza por todo el territorio ya que los organizadores son nómadas y montan espectáculos de este tipo por toda la geografía catalana, así que, si creéis que puede interesar en vuestra localidad, poneos en contacto con ellos y a llevar los rudimentos arriba y abajo. FESTIVAL INTERNACIONAL Planeta Batería Lleida En tierras catalanas, concretamente en Lérida se realiza cada año un pequeño festival totalmente autogestionado y con un propósito estupendo, juntar a bateras de diferentes generaciones, localidades y niveles y tocar juntos después de compartir información. ¿Cómo funciona? Durante dos días por lo general se organizan actividades como demostraciones de baterías, esta edición 2014 han contado con Manolo Cascales con un clinic acerca del lenguaje de John Bonham, tuve el placer de disfrutar en la edición de 2012 de una demostración 38 DIME QUE... re (con el nivel técnico que implica para los baterías, se pueden ver auténticos cracks). Si estáis de paso, tomaos una a mi salud, o nos la tomamos juntos si topamos por ahí. SALA DE CONCIERTOS Nevermind Barcelona http://www.nevermindbcn.com Y como no lo puedo evitar… No lo hago. Un “garito” de Barcelona que creo que ha de flipar a cualquiera que lo pise. Vale, no a todos os va el rollo grunge, skate, grafitero. Vale, está tan de moda ahora que incluso puede haber perdido la gracia, pero “Nevermind Barcelona” lleva abierto desde los albores del tiempo y organiza pases de películas del estilo, genera un ambiente único en su estilo y organiza conciertos emplazados en su zona de skate indoor. Sí, un “bar” que tiene un mini skate park en su interior, el terror de los teenagers, pero, a mi parecer, un sitio fabuloso en el que ir a tomar algo y ver conciertos de bandas locales, nacionales e internacionales de grunge, rock, hardcoB&P Magazine. Isue MAY/JUN 2014 Seguimos alentándoos que nos escribáis si conocéis de alguna cadena de tv o radio nacional o local que se nos escape y poder así compartirla con todos nuestros lectores, ¡Qué no son pocos! ¡Gracias! DANKO COMPTA HIRNYJ 39 bateriapercusion.com 18 Jefe de Redacción Asensio Ros “Wally” Artículos y Entrevistas Agus González-Lancharro Pepe Cantó Danko Compta Hirnyj Jose Manuel López Aarón Cristófol Raúl Guzmán Levon Green Pablo Posa Nero Juan de Oliva Jorge Medina Antonio J. Sierra Maquetación Diego Vieites