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Symphonieorchester des
Bayerischen Rundfunks
Gustavo Dudamel director
7-04-2014
Conciertos Auditorio
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Programa
L. V. BEETHOVEN Sinfonía n.º 6 en fa mayor, op. 68
(1770 – 1827)
“Pastoral”
I. Erwachen heiterer Empfindungen bei der
Ankunft auf dem Lande (Despertar de alegres
sentimientos con la llegada al campo). Allegro
ma non troppo.
II. Szene am Bach (Escena junto al arroyo).
Andante molto mosso.
III.Lustiges Zusammensein der Landleute (Alegre
reunión de campesinos). Allegro.
IV. Gewitter. Sturm (Relámpagos. Tormenta).
Allegro.
V. Hirtengesang. Frohe und dankbare Gefühle nach
dem Sturm (Himno de los pastores. Alegría y
sentimientos de agradecimiento después de la
tormenta). Allegretto.
Duración aproximada: 45 min.
(Intermedio)
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I. STRAVINSKI
La consagración de la primavera
(1882 – 1971)
I. Adoración de la tierra
Introducción- Augurios primaverales. Danza
de las adolescentes- Juego del rapto- Rondas
primaverales -Juego de las tribus rivalesCortejo del sabio-Adoración de la tierra (El
sabio)- Danza de la tierra
II. El sacrificio
Introducción -Círculos misteriosos de las
adolescentes- Glorificación de la elegidaEvocación de los antepasados- Acción ritual de
los antepasados- Danza sagrada (La elegida)
Duración aproximada: 35 min.
© Richard Reinsdorf
Gustavo Dudamel
Director
La apasionada manera de dirigir de Gustavo Dudamel continúa inspirando al público de todas las edades alrededor del mundo. Actualmente
es director musical de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela
y de la Filarmónica de Los Ángeles, y el impacto de su liderazgo musical
se siente en todas partes. Pese a que su compromiso con estos cargos le
ocupa la mayor parte de su agenda anual, Dudamel dirige también como
invitado algunas de las instituciones musicales más importantes del mundo. Esta temporada volverá a las Filarmónicas de Viena y Berlín, y hará
una gira con la Orquesta Filarmonica della Scala, en ópera y concierto,
en Japón. Otros compromisos como director invitado incluyen Filarmónica de Nueva York, Filarmónica de Munich, Orquesta Philharmonia de
Londres, Sinfónica de Bamberg, Orquesta Sinfónica de Radio Bavaria, y
Sinfónica de Gothenburg, de la que es director honorífico.
Esta temporada, Dudamel hace su primera incursión en la composición, escribiendo la música para una película llamada Libertador (la vida
de Simón Bolívar), partitura que ha grabado con la Orquesta Sinfónica
Simón Bolívar de Venezuela.
En su decimoquinta temporada como director musical, Dudamel continúa liderando la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar tanto en su país,
Venezuela, como en gira. En 2013, participó con esta orquesta en una
producción de Tannhäuser en la Ópera de Bogotá, siguiendo con una
residencia en el Festival de Salzburgo. Con la Simón Bolívar ha estado
de gira en París y Oriente Medio en enero de 2014, después viajaron a
California, en febrero, donde ofrecieron conciertos junto a la Filarmónica
de Los Ángeles en el Tchaikovsky Fest.
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Gustavo Dudamel cumple su quinta temporada como director musical
de la Filarmónica de Los Ángeles, donde ha prolongado su contrato hasta
la temporada 2018-19, la temporada número cien de la orquesta. Bajo su
liderazgo, la Filarmónica de Los Ángeles ha diversificado su actividad en
muchos proyectos, a destacar la Joven Orquesta de Los Ángeles (YOLA en
sus siglas en inglés), influenciada por el exitoso “El Sistema” de Venezuela.
Con YOLA, Gustavo acerca la música a los niños de los comunidades
desfavorecidas de Los Ángeles, y sirve además como inspiración para proyectos similares en otras zonas de Estados Unidos, además de programas
en Suecia (Hammarkullen) y Escocia (Raploch). Esta temporada, los estudiantes de YOLA tendrán la oportunidad única de tocar junto con los
músicos de la Filarmónica de Los Ángeles en su primer concierto público
“codo con codo”.
En la Filarmónica de Los Ángeles, no sólo se busca satisfacer al público,
sino también la profundidad del programa interpretado bajo la batuta de
Gustavo Dudamel. Los programas de la temporada 2013-2014 continúan
representando lo mayor y más audaz: once estrenos mundiales y trece
encargos; representaciones de Aida y Réquiem de Verdi; la celebración del
décimo aniversario del Walt Disney Concert Hall, culminando con una
gran gala en dicha sala; y una gira por siete ciudades norteamericanas en
marzo de 2014. La temporada termina con una representación escenificada de Così fan tutte con escenografía del arquitecto Zaha Hadid, completando un proyecto de trilogía Mozart/Da Ponte en tres años consecutivos.
Como artista en exclusiva de Deutsche Grammophon desde 2005, el
ganador de un Grammy Gustavo Dudamel cuenta con numerosos discos
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con este sello, además de muchos video/DVD que captan algunos de los
momentos más significativos de su carrera musical.
Dudamel es uno de los directores más galardonados de su generación:
Músico del Año de la revista Musical America en 2013, Gramophone Hall
of Fame en 2013, Premio Eugene McDermott de las Artes en el MIT en
2010, l’Ordre des Arts et des Lettres como Caballero y nombramiento como
una de las cien personas más influyentes por la revista Time en 2009, “Q
Prize” de Harvard en 2008, además de diversos doctorados honoríficos.
Gustavo Dudamel nació en 1981 en Barquisimeto, Venezuela; con su
temprana experiencia musical forjó su compromiso con la música como
medio para el cambio social. En 2012, Gustavo y Eloísa Dudamel fundaron la Fundación Dudamel, dedicada a extender la educación musical y
la justicia social en todo el mundo.
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Symphonieorchester des Bayerischen
Rundfunks
Poco después de ser fundada por Eugen Jochum en 1949, Symphonieorchester
des Bayerischen Rundfunks se convirtió en una orquesta reconocida a nivel
internacional, su fama se expandió y afianzó por sus intensivas actividades
y giras. La orquesta debe su amplio repertorio y sonido a las preferencias
de programa de sus anteriores directores, así como a la gran flexibilidad y
sólida seguridad estilística de cada uno de sus músicos.
La promoción de nuevas músicas es una larga tradición dentro de
Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, con participaciones en las series “música viva”, fundadas en 1945 por Karl Amadeus
Hartmann, como una de las tareas principales de la orquesta desde el
principio. En estos conciertos, el público de Munich ha presenciado
legendarias actuaciones de obras contemporáneas en las que el compositor generalmente se encuentra en el podio. Entre estos compositores se encuentran Igor Stravinski, Darius Milhaud, Paul Hindemith,
Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen, Mauricio Kagel, Luciano Berio
y Peter Eötvös.
Durante los últimos años, Symphonieorchester ha afrontado nuevas
aproximaciones a la música antigua y actualmente colabora con expertos en representaciones históricas como Thomas Hengelbrock, Nikolaus
Harnoncourt y Ton Koopman.
Muchos renombrados directores como Clemens Krauss, Erich y Carlos
Kleiber, Charles Munch, Ferenc Fricsay, Otto Klemperer, Karl Böhm,
Günter Wand, Sir Georg Solti, Carlo Maria Giulini, Kurt Sanderling
y Wolfgang Sawallisch han dejado su huella en la orquesta en el pasado. Hoy en día, Bernard Haitink, Riccardo Muti, Esa-Pekka Salonen,
FranzWelser-Möst, Daniel Harding y Andris Nelsons son algunos de
los invitados habituales al podio de Munich. Symphonieorchester des
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Bayerischen Rundfunks fue además la única orquesta alemana con la que
colaboró Leonard Bernstein durante muchos años.
Aparte de las muchas representaciones y grabaciones en Munich y en
otras ciudades en el ámbito de emisión de la radio, las extensas giras de
conciertos son en la actualidad componentes centrales en la vida diaria
de la orquesta. Las giras han llevado a la orquesta a la mayoría de países
de Europa, Asia y América. Cabe destacar las apariciones regulares en el
Carnegie Hall de Nueva York y en las principales salas de las capitales
musicales de Japón. Desde 2004, Symphonieorchester bajo la dirección
de su actual director principal, Mariss Jansons, es además la orquesta en
residencia en el Festival de Pascua de Lucerna.
Otro compromiso especial de la orquesta es impulsar a los jóvenes
músicos. En el Concurso Internacional de Música ARD, Symphonieorchester acompaña a jóvenes músicos tanto en las rondas finales como en el
concierto sinfónico de clausura con los ganadores. Desde octubre de 2001
la Academia de Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks ha realizado una valiosa labor educacional trabajando en la preparación de jóvenes
músicos para sus posteriores carreras, y construyendo puentes entre la
educación y la actividad profesional. Aparte de esto, Symphonieorchester
mantiene un programa de gente joven con muchas actividades diseñadas
con el fin de acercar la música clásica a los más jóvenes.
La historia de la orquesta está estrechamente ligada a los nombres de
los directores que ha tenido, que fueron también directores del Coro de
Bayerischen Rundfunks. El fundador, Eugen Jochum, lideró la orquesta
durante once años (de 1949 a 1960). Él fue quien construyó la orquesta con músicos del máximo nivel y logró su reputación mundial en sus
primera giras en el extranjero. El público de Munich tiene que agrade-
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cerle incomparables interpretaciones de las sinfonías de Anton Bruckner.
Aparte de Bruckner, Eugen Jochum le dedicó una especial atención a la
interpretación de música sacra, e incluso hizo apariciones regulares en el
podio de “musica viva”.
Rafael Kubelík lideró la orquesta durante dieciocho años (de 1961 a
1979), y tras ese periodo permaneció vinculado a la orquesta como director invitado. Él amplió el repertorio para incluir obras de compositores
eslavos como Smetana, Janáček y Dvořák, y otros compositores del siglo
XX como Karl Amadeus Hartmann, y dirigió el primer ciclo de Mahler
con una orquesta alemana, que más tarde fue grabado. Su impulsivo y
emocionante acercamiento a la música se ganó los corazones de todos los
músicos e hizo de la era Kubelík una de las más fructíferas en la historia
de la formación.
Cuando el recién nombrado nuevo director Kyrill Kondrashin, murió
de manera inesperada en Amsterdam, la orquesta buscó a Sir Colin Davis,
ganando a un reconocido especialista en Berlioz como director principal
(de 1983 a 1992), y a un excelente defensor de la Era Clásica Vienesa y de
las obras de compositores ingleses, especialmente Edward Elgar, Michael
Tippett y Ralph Vaughan Williams.
De 1993 a 2002 Lorin Maazel dirigió la Symphonieorchester. Él estableció nuevos estilos de programación interpretando ciclos de obras
sinfónicas de Beethoven (1995 y 2000), Brahms (1998), Bruckner (1999)
y Schubert (2001). Se despidió de la orquesta con un ciclo de Mahler en
2002.
Un nuevo y fascinante capítulo en la historia de Symphonieorchester
comenzó en octubre de 2003 cuando el candidato favorito de todos los
músicos, Mariss Jansons, asumió el puesto de nuevo director principal
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del Coro y la Orquesta. En poco tiempo, consiguió crear una atmósfera
de los más altos estándares artísticos y una estrecha relación emocional
con la orquesta. Jansons recibe regularmente críticas entusiastas tanto por
sus conciertos en Munich como por sus muchas participaciones como
invitado en las principales capitals de Europa, América y Japón. Mariss
Jansons dirige un amplio repertorio, cubriendo los períodos clásico y romántico, continuando con la música del siglo XX y obras de compositores
contemporáneos.
Con un buen número de grabaciones, entre otras las realizadas en
vivo de los conciertos en Munich, Mariss Jansons continua expandiendo la vasta discografía de la orquesta. El disco de la Sinfonía n.º 13 de
Shostakovich ganó un Grammy a la “Mejor Interpretación Orquestal” en
2006. Desde septiembre de 2009, Symphonieorchester des Bayerischen
Rundfunks publica sus CD y DVD con su propio sello, “BR-KLASSIK”.
En diferentes listados de críticos musicales, Symphonieorchester des
Bayerischen Rundfunks está situada entre las diez orquestas más importantes del mundo. En 2008, la revista inglesa “Gramophone” le otorgaba
el sexto puesto del ránking, y la revista japonesa “Mostly Classic” en 2010,
el cuarto puesto.
En agosto de 2013, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks
fue galardonada con el “Klassik Echo” por la grabación de la Sinfonía
n.º 9 de Gustav Mahler con Bernard Haitink, así como con el “Preis der
Deutschen Schallplattenkritik” (Premio de la Crítica Discográfica Alemana) por la Sinfonía n.º 9 de Antonín Dvořák dirigida por Andris Nelsons.
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Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks
Violines primeros
Radoslaw Szulc
Anton Barachovsky
Florian Sonnleitner
Tobias Steymans
Jürgen Besig
Bernd Herber
Michael Christians
Peter Riehm
Corinna Clauser-Falk
Franz Scheuerer
Michael Friedrich
Andrea Karpinski
Daniel Nodel
Marije Grevink
Nicola Birkhan
Karin Löffler
Anne Schoenholtz
Daniela Jung
Violines segundos
Korbinian Altenberger
Heather Cottrell
Yi Li
Wolfgang Gieron
Andreas Wohlmacher
Angela Koeppen
Nicolaus Richter de Vroe
Leopold Lercher
Key-Thomas Märkl
Bettina Bernklau
Valérie Gillard
Stephan Hoever
David van Dijk
Susanna Pietsch
Celina Bäumer
Violas
Hermann Menninghaus
Wen Xiao Zheng
Benedict Hames
Andreas Marschik
Andreas Muck
Anja Kreynacke
Mathias Schessl
Inka Ameln
Klaus-Peter Werani
Christiane Hörr
Veronique Bastian
Benedikt Schneider
Violonchelos
Sebastian Klinger
Hanno Simons
Stefan Trauer
Eva-Christiane Lassmann
Jan Mischlich-Andresen
Uta Zenke
Jaka Stadler
Frederike Jehkul-Sadler
Samuel Lutzker
Contrabajos
Heinrich Braun
Philipp Stubenrauch
Otmar Kopold
Alexandra Scott
Karl Wagner
Frank Reinecke
Piotr Stefaniak
Teja Andresen
Werner Mittelbach
Bettina Faiss
Heinrich Treydte
Fagotes
Eberhard Marschall
Marco Postinghel
Wolfgang Piesk
Rainer Seidel
Susanne Sonntag
Trompas
Eric Terwilliger
Carsten Carey Duffin
Ursula Kepser
Thomas Ruh
Ralf Springmann
Norbert Dausacker
Francois Bastian
Trompetas
Hannes Läubin
Martin Angerer
Wolfgang Läubin
Thomas Kiechle
Herbert Zimmermann
Flautas
Philippe Boucly
Henrik Wiese
Petra Schiessel
Natalie Schwaabe
Ivanna Ternay
Trombones
Hansjörg Profanter
Thomas Horch
Uwe Schrodi
Richard Meyer
Joseph Bastian
Oboes
Stefan Schilli
Ramón Ortega Quero
Marie-Lise Schüpbach
Dieter Salewski
Tobias Vogelmann
Tuba
Stefan Tischler
Clarinetes
Stefan Schilling
Christopher Corbett
Percusión
Markus Steckeler
Guido Marggrander
Christian Pilz
Timbales
Stefan Reuter
Raymond Curfs
Notas al programa
Dos jardines, una tormenta y un sacrificio
La relación del ser humano con la Naturaleza ha marcado la historia
de la civilización y por tanto la del arte. El fenómeno urbano en el que
aún estamos inmersos, que arrancó en la baja Edad Media, extirpó a las
personas de su contexto. Una vez desnaturalizada, la humanidad tuvo
que plantearse de nuevo su relación con lo que no era ciudad. La forma
de recrearla dentro de la misma fueron los jardines, como extensión de
las residencias de las clases más favorecidas y, a partir del siglo XIX, los
parques de carácter público que desahogaban las tramas urbanas. Ya desde
la Ilustración podemos advertir la existencia de dos tipologías de jardín: el
francés y el inglés. Las dos obras que vamos a escuchar esta
noche exploran esa voluntad de volver la vista atrás.
Beethoven (1770-1827) fue el compositor a partir del cual el mito del
genio creador se impuso como criterio narrativo de la Historia de la Música. De hecho la larga sombra del compositor alemán se proyectó hasta
el tiempo de Stravinski (1882-1971), que durante toda su vida trató, con
alguna que otra incoherencia, de producir no solo música, sino también
su imagen pública de gran compositor.
Beethoven había escrito la Sinfonía Pastoral, que sería su sexta, durante
el verano de 1808 en Heiligenstadt, un pueblecito situado apenas a ocho
kilómetros de Viena, donde se retiraba ocasionalmente para cuidar de su resentida salud. El estreno se produjo el 22 de diciembre de ese mismo año en
un concierto benéfico que el compositor organizó en el Theater an der Wien.
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Fue una velada inacabable en la que se estrenaron a la
vez la Quinta y Sexta Sinfonías, el Concierto para Piano
nº 4, un aria de concierto y la Fantasía Coral, que había
compuesto ad hoc para la ocasión.
La consagración de la primavera, por su parte, fue un ballet que
Stravinski empezó a componer en la finca familiar de Ustyluh, en la
actual Ucrania, en 1911 por encargo de Diaghilev para sus Ballets
Rusos. El libreto fue escrito por el polifacético Nikolai Roerich, el
impulsor de un pacto con Estados Unidos que daría lugar a la Convención de La Haya para la Protección de los Bienes Culturales en
Caso de Conflicto Armado de 1954. El Ballet finalmente se
estrenó en mayo de 1913 en el Teatro de los Campos
Elíseos de París, coreografiado por Nijinsky. Pertenece
al anecdotario de la Historia de la Música que en el intermedio hubo
un auténtico escándalo por parte del público, aunque todo indica a
que el espectáculo pudo finalizar sin altercados y que se mantuvieron
el resto de funciones programadas.
Los jardines franceses, de los que el parque del Palacio de Versalles o
el del Castillo de Schöbrunn en Viena son un claro ejemplo, amaestran
la Naturaleza y la presentan de forma ordenada, armónica, insultantemente perfecta. Esta modalidad paisajística encierra una concepción
social rousseauniana propia de los albores del capitalismo, por la que, si en
la faceta humana el salvaje era un ser moralmente bueno, el campo debía
ser, por analogía, amable y complaciente.
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La peripecia programática de la Sinfonía Pastoral retrata a un inédito Beethoven que describe sensualmente
la paz y el sosiego que un paseo por el campo puede
provocar en un espíritu noble. Durante la caminata el héroe se
mezcla con unos alegres campesinos y se deleita junto un arroyo cristalino.
Todo este optimismo solo se ve alterado por una violenta y pictoricista tormenta de verano, tras la que el paseante siente cómo su paz interior brota
aún con más fuerza. Beethoven en realidad nos está llevando
de paseo por un pulido y ordenado jardín francés en el
que todo está bajo control.
Los jardines ingleses, sin embargo, encerraban el mismo arduo trabajo
de diseño que un jardín francés, pero pretendiendo impostar la espontaneidad, el azar, lo agreste. Los caminos sinuosos e irregulares conducían al
paseante a dramáticos y teatrales recodos en los que se pretendía provocar
la conciencia de la pequeñez humana, del sobrecogedor espectáculo de
la Naturaleza.
Stravinski en su Consagración de la Primavera nos mete abruptamente
en uno de estos jardines. La mirada no puede ser, más de un siglo después de la Sinfonía Pastoral y solo unos años antes de la Primera Guerra
Mundial, tan limpia como la de Beethoven. En el jardín inglés de
Stravinski, construido con precisión milimétrica y tenaz
oficio musical, la Naturaleza es brutalidad pagana y sus
habitantes no pueden hacer nada por escapar a su designio. La Tierra no es un lugar para pasear sino una fuerza telúrica que
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exige una víctima anual –una adolescente– que ha de morir bailando hasta
el desfallecimiento. Un jardín en el que podemos sentirnos por momentos
incómodos, asustados, ofendidos, atrapados, pero que no deja de ser una
atracción estética cuyo éxito radica en la cantidad de sensaciones atávicas
que haya sido capaz de suscitar.
Con dos visiones contrapuestas pero complementarias de un mismo
objeto creativo, este concierto se nos presenta como la finca de un noble
que se ha hecho construir dos tipos distintos de jardín en su propiedad.
Beethoven solo escapó formalmente de la sinfonía clásica introduciendo
el cuarto movimiento en el que la tormenta rompe tanto el argumento
como la forma musical. Esa tormenta ya anticipaba que cada primavera
habría que sacrificar a una inocente que tendría que bailar hasta la agonía.
De nuevo la música llenando de significado realidades de varios periodos
históricos, incluso el actual: They shoot horses, don’t they?
Carlos García de la Vega
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10 de abril (C.A.) 20.00 horas
AMSTERDAM BAROQUE ORCHESTRA & CHOIR
TON KOOPMAN director
Coro de niños de la Fundación
Príncipe de Asturias
Programa
J. S. BACH, La Pasión según San Mateo BWV 244
8 de mayo (C.A.) 20.00 horas
ELĪNA GARANČA mezzosoprano
OVIEDO FILARMONÍA
KAREL MARK CHICHON director
Programa
Obras de A. Dvořák, P. I. Chaikovski,
C. Saint-Saëns, C. Gounod y G. Bizet.
10 de mayo (C.A.) 20.00 horas
Orquesta Filarmónica de la BBC
Julia Fischer
Juanjo Mena
Programa
G. Pierné, Obertura de Ramuntcho
M. Bruch, Concierto para violín y orquesta n.º 1 en sol
menor, op.26
S. Prokófiev, Selección del ballet Romeo y Julieta, op.64
D.L.: AS 00153-2014
© Marco Borggreve
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