Dossier Purgatorio

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Sala 2
PURGATORIO
De: Ariel Dorfman
Dirección: Josep Maria Mestres
Del 4 de noviembre al 18 de diciembre
Entradas 22 €. Martes y miércoles 16 €
De martes a sábados a las 20.30 horas. Domingos a las 19 horas
Paseo de la Chopera 14
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PURGATORIO
T EA TR O
De: Ariel Dorfman
Dirección: Josep Maria Mestres
Del 4 de noviembre al 18 de diciembre
Reparto
HOMBRE
Viggo Mortensen
MUJER
Carme Elias
Equipo artístico
Dirección de escena
Josep Maria Mestres
Escenografía
Clara Notari
Iluminación
Ignasi Camprodon (aai)
Vestuario
Rosa García Andújar
Una producción del TEATROESPAÑOL
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SINOPSIS
Un hombre y una mujer en una habitación. ¿Es un asilo de locos, una
penitenciaría, un reformatorio? Ella quiere escaparse y él está ahí, dice, para
ayudarle. Poco a poco nos vamos dando cuenta de que ambos residen en el
más allá, donde las almas deben hacer penitencia para poder descansar o
retornar a otra encarnación humana. Y también, poco a poco, descubriremos
que ambos, la mujer que debe purgar su pasado, y el hombre que es su
supuesto
terapeuta,
tienen
secretos,
que
esconden
sus
verdaderas
intenciones, del otro; del espectador y, a menudo, de sí mismos. Hasta que,
muy gradualmente, nos damos cuenta de la identidad de esta pareja, nos
damos cuenta de aquello que perpetraron cuando estaban vivos, nos damos
cuenta de su identidad concreta, mítica y terrible, nos damos cuenta de que
estamos ante una gran historia de amor.
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ENTREVISTA CON ARIEL DORFMAN
Defina Purgatorio
Imagínate la persona que más daño te ha hecho en la vida; imagínate que
tienes a esa persona a tu merced; le puedes dar el pase para que se
reencarne, se redima o se olvide de todo eso. Pero imaginemos que esa
persona es a la que tú más daño has hecho. Enciérralo en una pieza
(habitación) y tienes Purgatorio.
¿Cuál fue la inquietud que le llevó a escribir esta obra?
Siempre me he preguntado: una vez que tienes la confesión, una vez que
tienes el culpable, una vez que alguien te ha hecho un daño terrible, ¿qué
haces con esa persona?
A este respecto, la pregunta de La muerte y la doncella era, fundamentalmente,
si la respuesta a esa situación era la venganza o la justicia. Pero, ¿y si Hitler
estuviera frente a ti, o la persona que detuvo a tu hijo, que te exilió, o que mató
a tu mejor amigo, alguien que te arruinó la vida? Mi respuesta era siempre: yo
no buscaría castigar, sino poner a esa persona frente a frente con su víctima.
Yo me imagino casi una eternidad de enfrentamiento para que esa persona
entendiera aquello que había hecho.
No me interesa que el ciclo continúe, porque lo importante es cómo superamos
ese ciclo de odio y de rivalidad.
Esa preocupación se focaliza cuando escribo Purgatorio.
Por otra parte, hace mucho tiempo me imaginaba la idea de un par de
personajes en el más allá, enfrentándose unos a otros. Me daba vueltas un
más allá en el que se interrogaban dos personas, pero que la persona
interrogada desconocía la identidad del otro. Además, me hacía la pregunta
acerca de la vida posterior de Medea; me interesaba mucho ese personaje, la
mujer que mata a sus hijos con tanta furia que termina quemándose como un
mito en la memoria de la humanidad.
Cuando empecé a escribir Purgatorio, sólo tenía un hombre y una mujer….
Sabía cómo hablaban, se movían, se miraban: sus ritmos íntimos, pero de
repente me di cuenta de quiénes eran y desde ahí pude ir armando algunas
preguntas fundamentales: ¿Es posible la redención?. ¿El amor sobrevive a la
tragedia…? ¿Cómo son las reglas del más allá? ¿Cómo se dobla y desdobla el
tiempo en un lugar purgatorial?
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También me interesaba la historia del colonialismo, de cómo los guerreros
encuentran a una mujer que acaba traicionando a los suyos para abrir el país al
extranjero. Casi indefectiblemente, esa pareja tiene hijos, y casi
inevitablemente, el hombre la abandona. Esto pasa una y otra vez en la
Historia. Cuando el guerrero conquistador quiere establecerse con sus hijos
legítimos, se casa con una aristócrata de su propia sangre, y abandona a la
que no es de su estirpe. Esto le da a la obra una raigambre en la historia de
nuestra especie, nos hace preguntas respecto al encuentro de diferentes
culturas, pero siempre desde una perspectiva oblicua y no abiertamente
política, sin imponer un punto de vista de condena o denuncia.
¿Cuánto tiempo tardó en escribir Purgatorio?
El proceso de escribir la obra, con su estructura, el juego del tiempo y de
identidades, duró dos semanas. Luego, otros cinco, seis, siete años para ir
limando. Éste es el texto de todos los que he escrito en el que más se me
escondían los personajes, se resbalaban, se enojaban cuando no debían,
jugaban conmigo. Me costó cuatro o cinco días darme cuenta de quiénes eran.
Ha sido un proceso muy largo hasta que estuviese lista. Ahora está, a mi
entender, lograda.
La escribí en inglés primero y luego, casi enseguida, la reescribí en castellano.
Es un proceso frecuente para alguien bilingüe como lo soy yo (o Viggo). En La
Muerte y la Doncella o artículos periodísticos, es al revés: trabajo primero en
castellano y después al transcribir en inglés, voy enmendando el texto original.
Incluso, trabajando en esta misma sala a principios del 2009, en el Parnasillo
del Teatro Español (con Viggo Mortensen, Josep Maria Mestres…) hice
algunos cambios muy importantes que incorporé a la versión inglesa.
¿Esta obra es un thriller?
Es una obra dramática, eminentemente teatral, en la que hasta el final no
sabes lo que realmente está pasando. Me gustan los thriller porque me encanta
jugar con el público, que haya una especie de suspense, que participen
conmigo en la ansiedad de la búsqueda, que tengan que trabajar como lo hice
yo para entender de qué se trataba todo esto que estamos viendo. Y en este
caso, claro, hay crímenes de un protagonista y la otra, y es interesante ir
descubriendo en qué consisten y si habrá un castigo.
Cuando escribo una obra no sé cómo va a terminar, y como yo estoy deseando
saber, espero que el público comparta ese mismo deseo.
Esta obra revela un lento proceso de desenmascaramiento, de rasgar uno a
uno los velos que nos separan de la verdad. Al final, los dos personajes van a
estar frente a frente. Todo el texto se armó para que ese proceso sea un
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desafío, para que el público haga lo mismo con su propia vida, se haga
preguntas parecidas a las que se hacen ese hombre y esa mujer.
¿Es posible que el ciclo de violencia y odio termine alguna vez?
Creo en el teatro que provoca algo dentro de cada espectador y la obra
plantea: si ustedes no quieren que esto sea eterno, pregúntense qué han
hecho en la vida y pregúntense cómo se enfrentan con quienes le han hecho
daño, y a quienes ustedes han hecho daño.
¿Ustedes son capaces de trabajar con los otros para terminar ese ciclo? En
ese sentido, la obra es una provocación. No miente sobre las dificultades.
Es cierto que de niño yo pensaba mucho en la muerte y la eternidad, en la idea
del infinito. Me causaba una tremenda angustia, pero siempre he creído que la
forma de liquidar mi angustia es compartirla con los demás. Creo que en esta
obra hay momentos en los que se abre un abismo, tiene algo de mareo
metafísico y existencial, la idea que la cosa sigue y sigue y sigue. Cuando yo
soy capaz de traducir esa sensación a palabras, entonces, tengo la esperanza
de estar acompañado, soy parte, digamos, de una comunidad. Estamos juntos
enfrentándonos a la idea de eternidad. Todo es tolerable menos la soledad
absoluta.
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ENTREVISTA CON JOSEP MARIA MESTRES
Purgatorio son seres atenazados por el miedo, y también llenos de amor,
odio… ¿cómo ha trabajado todos estos elementos con los actores?
En una primera lectura, Purgatorio puede parecer un texto árido o difícil, pero
es sólo una primera impresión; una vez te sumerges en las situaciones que
propone Dorfman, en los personajes, sus emociones, y sobre todo sus razones,
es muy sencillo. La obra se abre como un criptograma, y se entiende todo.
Incluso un niño podría entender de qué estamos hablando. Ésta es una historia
de redención, de perdón, de romper las barreras.
Uno de los principales atractivos que tiene el texto es el equilibrio entre
intelecto y emoción, aquí es donde juega sus bazas más potentes.
Hemos intentado meternos sin ningún tipo de prejuicios en la piel de estos
seres, entenderles, entender sus razones; no juzgarles y sentir sus emociones.
Hacemos lo que siempre hacemos en teatro: que lo difícil parezca muy fácil.
Cosa muy fácil cuando se tiene unos actores de la talla de Viggo y de Carme.
¿Esta obra responde a la idea religiosa que tenemos del purgatorio?
Dorfman lo único que toma de la idea religiosa -católica, en este caso, aunque
también hay otras confesiones como el Islam, o los coptos que hablan de elloes el nombre, el genérico, lo que significa genéricamente el purgatorio como
lugar de purga, de redención de unas faltas cometidas en la vida terrenal.
Lo que pasa es que en esta obra no hay premio. No se habla en el texto de
ningún paraíso, ni se habla de un dios al que rendir cuentas. Se habla, si
acaso, de una corporación que marca las normas y de cómo tienen que
funcionar los residentes en este lugar. Un lugar en ninguna parte y en todas. En
cualquier caso, a quien hay que rendir cuentas es el uno al otro y a ellos
mismos.
Háblenos de la puesta en escena, de este lugar indefinido y extraño
Ariel Dorfman habla de una especie de celda, que podría ser de un sanatorio,
de una cárcel o de un monasterio; no se concreta el lugar ni la época.
Nosotros queríamos un lugar en perpetua reforma, una síntesis de todos los
espacios y de todos los tiempos.
Siempre me gusta -y creo que a todos los que formamos este proyectoestilizar. El teatro no es explicar, sino insinuar, sugerir…
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En este sentido, hemos querido que el espacio ofreciera la connotación de
estar en todas partes y en ninguna, en todos los tiempos y en ninguno. Y sobre
todo que fuera un espacio muy cercano al espectador, que sienta la peripecia
de los dos personajes como propia, que sienta su dolor, su posible redención
como algo muy cercano. Teniendo a unos actores de este nivel como Viggo y
Carme, queríamos que se sintiera su interpretación de manera muy cercana,
ya que en esta sala se les puede sentir muy cerca.
Este es un proyecto largamente deseado, ¿a lo largo de este tiempo ha
meditado, ha visto otros matices, ha aposentado el planteamiento inicial?
Claro que sí. El paso del tiempo siempre es bueno y de hecho la otra opción es
que no pase, y eso es ir al purgatorio… de momento estamos muy bien aquí –
bromea-. Creo que se coge solidez, profundidad, se pierde miedo a la hora de
afrontarla, y sobre todo, lo que hemos ganado es complicidad, generando
mucha más confianza entre nosotros y con el texto, y para con nosotros
mismos.
ENTREVISTA CON VIGGO MORTENSEN
El origen del proyecto
Yo no conocí a Ariel Dorfman en persona, creo que hasta 2007, en el Festival
de cine de Toronto, pero nos habíamos escrito antes y me había mandado una
versión de la obra. Esta obra ha ido evolucionando; creo que se presentó en un
taller de teatro en Seattle (EEUU), y se ha intentado representar varias veces…
Ariel dice, más o menos en broma, que es una obra maldita, que cada vez que
trata de presentarla en un teatro, no funciona… alguien enferma, alguien se va,
algo pasa…, También ha sido un recorrido largo para nosotros hasta llegar
aquí.
Él me había enviado una versión en inglés, y cuando lo conocí en persona
hablábamos en español (Dorfman es chileno). Yo le pregunté por curiosidad si
existía una versión en castellano, y le pareció interesante que lo hiciera en este
idioma. Entonces, empezamos a trabajar con Josep Maria Mestres y Ariel fue
puliendo la traducción en español. Fue interesante la diferencia entre los
idiomas, en las ideas, incluso. Él fue afinando la obra con mejoras que después
trasladó a la versión en inglés. ¿Por qué él pensaba que era yo el actor para el
papel? No lo sé.
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¿Todo este tiempo ha servido para reposar ideas, matices, ha surgido
algunga óptica nueva?
Sí, por un lado, a primera vista, es una obra bastante complicada, muy
detallada, difícil de entender; por otro lado, cuando vas trabajando y
entendiendo lo que está escrito, parece todo bastante sencillo.
Es como cuando uno lo pasa bien… o las cosas van bien en una relación, o
como cuando uno actúa, que cuando funciona y todo va bien, es lo más fácil
del mundo, y lo más divertido. Cuando va mal es lo más vergonzoso y lo más
terrible que hay.
A través de estos dos años que hemos estado trabajando, hemos aprendido
cosas, muchas cosas. Incluso anteayer, uno piensa que ya sabe lo que es la
obra, y de repente Carme dice algo, y lo entiendo de otra manera… es
complicada y está bien escrita, la estructura es muy buena y te hace pensar en
muchas cosas.
Pero está llena de trampas: son dos personas que están en el escenario y que
no paran de hacerse preguntas, de interrogar; no hay salida fácil.
¿Es posible el perdón?
Si les pones condiciones, la cagaste…. No se puede poner condiciones al
perdón, porque no es perdonar sinceramente.
El purgatorio para los católicos es un estado, un sitio indefinido, pero no es el
infierno. Tarde o temprano vas a llegar al cielo. En esta obra, no vas a llegar al
cielo. Hacer las cosas bien, pedir perdón y perdonar de corazón, sinceramente,
no tiene un premio, es el premio.
Yo pienso que no hace falta creer en Dios ni en un renacimiento para pensar
que es una buena idea; para aceptar la idea de que si perdonas sin poner
condiciones, haciéndolo sinceramente, lo vas a pasar mejor. Si pones
condiciones, no te va a servir de mucho al final.
Hay gente que respeto muchísimo, son tan inteligentes, los escuchas en una
conversación o en un debate, en el que te explican con una claridad
impresionante sus razones por haber hecho lo que hicieron -cosas feas
también- o sus razones para no poder perdonar un acto de otro, o de otra
nación, o de otra sociedad. Hay gente que dice: “Hay cosas que no se pueden
perdonar”… No lo sé… yo creo que esta obra dice que todo se puede y se
debe perdonar. Si uno quiere estar bien, básicamente.
¿Por qué ha escogido el Teatro Español y Madrid para volver al teatro?
Purgatorio se presenta en las Naves del Español en Matadero porque a Mario
Gas y a su equipo les pareció buena idea. A Ariel Dorfman también le gusta
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que se presente su obra por primera vez en castellano en el Teatro Español.
Es un sitio muy bueno; el que vaya, verá que el Matadero encaja muy bien con
esta obra, que es visualmente bastante austera. Es un sitio perfecto, hemos
tenido mucha suerte de que Mario Gas y el Teatro Español quisieran
presentarla.
Ahora estamos en la fase final de los ensayos, y como saben mis compañeros,
hay momentos donde todo parece que es imposible. Supongo que el teatro es
así; el cine es así también, hasta cierto punto. En el momento que te parece
que todo está bien, que lo has solucionado… pues hay otra toma o hay otro
ensayo, y no. Hay que estar atento, y esta obra tiene mucho que ver con eso,
con el momento.
ENTREVISTA CARME ELIAS
¿Cómo se incorpora a esta producción?
Josep Maria Mestres me llamó para pasarme el texto. Me dijo: “no vas a poder
decir que no”. El texto era de Ariel Dorfman, un autor al que yo conocía por La
muerte y la doncella, y por artículos que ha publicado en nuestro país. Y
además, con un compañero de reparto extraordinario como Viggo Mortensen,
un actor al que respeto y admiro; me parece que tiene una carrera sólida, un
tipo arriesgado por cómo enfoca su trabajo… me admira. Me leí la obra una
vez, dos veces y a la tercera estaba completamente removida por dentro. Sentí
que había una vida interna en esta función que podía ser apasionante, quizás
arriesgada y dolorosa, pero todo esto me llevó a decir “sí”.
¿Cómo se defiende un personaje capaz de amar tanto y capaz de hacer
tanto daño?
Es una mujer que ha cometido un crimen horrible, el más horrible que podamos
imaginar o que yo pueda imaginar. Quizá el más horrible de todos. Entrar en un
personaje así para conocer las razones, para descubrir los vericuetos, los
caminos que la han llevado a esto, para desentrañar sus acciones sin
juzgarla…. me pareció apasionante, y descubrí a una mujer llena de fuerza, de
ira, de violencia, pero llena también de capacidad de amar, de vitalidad, de
deseo, llena de razón, de su razón.
Ha sido un descubrimiento que se ha ido produciendo conforme iban avanzado
los ensayos. Es una obra que va abriendo caminos, es como un laberinto en el
que todavía encuentras otro camino, y otro… y ves que la salida está lejos.
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En esa mujer y en esos personajes se resume el contenido de un hombre y una
mujer, y sobre todo, la relación de pareja. Abro el periódico y todos los días me
encuentro con este tipo de situaciones, y lo siento muy cercano.
¿Es posible el perdón y la redención?
Estoy de acuerdo con Viggo: cuando perdonas, tienes que hacerlo de todo
corazón, porque si no, no es perdón; sería pura palabrería. Perdona,
perdona…. Pero ahí sigue el nudo que te impide perdonar.
Para mí todos esos conceptos van de la mano, es decir, eres responsable de
los actos que cometes; si no reconoces tu propia culpa, difícilmente puedes
arrepentirte de ella; y si no te arrepientes de ella, difícilmente puedes
perdonarte a ti misma, que es muy importante para poder perdonar al otro. Si
no puedes perdonarte a ti misma, o al otro, no hay redención posible. Creo que
son unos eslabones que hay que ir alcanzando. Hay personas que nacen con
una sabiduría innata y lo ven claramente en la vida diaria.
Estamos hablando de Hason y Medea, pero también estamos hablando de la
situación de un matrimonio, de una pareja, de nuestra vida diaria, de las
pequeñas acciones que cometemos en nuestra vida diaria que van provocando
como una especie de huracán. A veces, actuamos consciente o
inconscintemente. Es tan densa, profunda, que habla de todo eso, de lo que
nos pasa a todos.
¿Es una función que engancha?
¡Engancha muchísimo, yo estoy enganchada! La palabra thriller surge a
menudo entre nosotros porque, efectivamente, estos personajes van actuando
y a cada nuevo paso que dan, van desvelando un nuevo camino. Y a cada
nuevo paso, van desvelando cada vez más de sí mismos, hasta quedarse casi
al desnudo, mostrándose abiertamente y por qué han actuado de esa manera.
Como espectador te van sorprendiendo… es apasionante –¡como intérprete lo
es!-. Es una especie de thriller psicológico.
Tenemos un equipo extraordinario, es una oportunidad maravillosa estar en el
Matadero con esta función; me apetece mucho estar en ese espacio; no he
actuado nunca allí; y espero que la gente se emocione como nos emocionamos
nosotros con este maravilloso texto.
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Ariel Dorfman. Autor
Ariel Dorfman nació en Buenos Aires y, después de diez años de niñez en los
Estados Unidos, creció en Chile, donde participó en el gobierno de Salvador
Allende como consejero cultural antes de salir rumbo al exilio después del
golpe de 1973. Sus libros, escritos tanto en inglés como en castellano, han sido
traducidos a más de cuarenta idiomas y sus piezas de teatro montadas en más
de cien países.
Su obra dramática, La Muerte y la Doncella, que recibió el Lawrence Olivier
Award y docenas de premios en todo el mundo, fue adaptada al cine por
Roman Polanski con Sigourney Weaver y Ben Kingsley. En Broadway fue
dirigida por Mike Nichols, con Glenn Close (Premio Tony), Gene Hackman y
Richard Dreyfuss. Esta obra se encuentra en gira por España con Emilio
Gutiérrez Caba y Luisa Martín. Otras de sus obras teatrales figuran Viudas
(coescrita con Tony Kushner) y Lector, ambas galardonadas con premios del
Kennedy Center, donde se estrenó, además, en el año 2000, Voces Contra el
Poder, montada con Kevin Kline, Sigourney Weaver, John Malcovich, Alec
Baldwin, Rita Moreno, Hector Elizondo y Julia Louis Dreyfuss. Esta obra se ha
representado en todo el mundo, con actuaciones, entre otros, de Sean Penn,
Martin Sheen, Lynn Redgrave, Woody Harrelson, Loraine Bracco, Sharon
Stone, Brad Whitford o Isabella Rosellini, además de haber sido dirigida por
Mario Gas en Madrid y Barcelona. Las últimas obras teatrales de Dorfman son
Purgatorio (que se estrena en castellano en las Naves del Español) y El Otro
Lado, que se montó en Nueva York en el 2006 con Rosemary Harris y que
Charo López, José Luis Torrijos y Eusebio Lázaro (que también dirige)
presentan en toda España, después de un exitoso mes en el Teatro Fernán
Gómez de Madrid. De Ariel Dorfman como hombre de teatro, ha dicho El País:
“Ariel Dorfman es uno de los grandes dramaturgos contemporáneos. Su teatro,
como su vida de exiliado y disidente, transita por el dolor. Pero su inteligencia
hace que en ambos territorios no falte el humor, la ironía.”
También ha recibido elogios como novelista. Llamado un “gran maestro de la
literatura” (Time), cuya obra explora la intersección incesante del poder y la
identidad, Dorfman ha sido considerado por el Washington Post como “un
novelista mundial de primera categoría” y por Newsweek como “uno de los más
grandes novelistas de América latina.”
Sus obras más conocidas son Viudas, Konfidenz, La Nana y el Iceberg,
Acércate más y más (cuentos) y Terapia, cuyo guión acaban de terminar Ariel
y su hijo mayor, Rodrigo, con un contrato con Salma Hayek. Otra novela
reciente es Burning City que escribió con su hijo menor, Joaquín, y que tiene
como productor a Richard Gladstein (Pulp Fiction). Ha escrito también un
cuento infantil, La Rebelión de los Conejos Mágicos. Su última novela,
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aparecida en 2009, Americanos, Los Pasos de Murieta, es una epopeya que
cuenta la historia de las dos Américas, del Sur y del Norte, durante 150 años de
luchas y migraciones. Entre sus obras de no ficción destacan el ya clásico
ensayo Para Leer Al Pato Donald (con Armand Mattelart); Patos, Elefantes y
Héroes; Más allá del Miedo y Memorias del desierto (premiado como el mejor
libro de viajes publicado en los Estados Unidos en el 2004). Su aclamada
autobiografía Rumbo al Sur, Deseando el Norte fue la base del documental El
largo Exilio de Ariel Dorfman, de Peter Raymont (premio Emmy), que estuvo en
la lista corta para los Oscar 2008. Dorfman colabora con los más importantes
periódicos y revistas del mundo (The New York Times, Los Angeles Times,
Washington Post, the Guardian, le Monde, Frankfurter Algemeine, etc.), y
desde hace décadas con El País de forma regular. Estas crónicas han sido
reunidas en el libro Otros Septiembres. Es autor, además, del libreto de una
musical, DANCING SHADOWS (con música del recientemente fallecido Eric
Woolfson, del Alan Parsons Project), obra que se estrenó en Seul hace un par
de años y recibió cinco “Premios Tonys coreanos”. Ha hecho incursiones
también en el cine, escribiendo para la BBC con su hijo Rodrigo Prisoners in
Time (protagonizada por John Hurt), premio al mejor guión de la televisión
británica en 1995; y Deadline, un film de ficción armado a partir de los poemas
de Dorfman, y con la participación de las voces de Bono, Harold Pinter, Emma
Thompson, entre otros. Un activo defensor de los Derechos Humanos y
Profesor Distinguido en la Universidad de Duke, vive en los Estados Unidos
junto a su mujer, Angélica, desde 1980, manteniendo una casa en Santiago de
Chile.
Su sitio web es www.adorfman.duke.edu.
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Josep Maria Mestres. Dirección
Licenciado en Ciencias de la Educación por la Universitat de Barcelona y en
Interpretación per el Institut del Teatre de la Diputació de Barcelona, Josep
Maria Mestres es un prolífico director de escena, además de haber trabajado
como actor y de impartir cursos de Interpretación y Dirección Escénica en
diversas escuelas y centros de España.
Miembro de la compañía Zitzània Teatre (1990-98), miembro fundador de la
compañía Kràmpack (1994-97) y director-fundador del Aula de Teatro de la
Universitat Pompeu Fabra (1995-99), Josep Maria Mestres ha dirigido, desde
mediados de la década de los ochenta, alrededor de medio centenar de
montajes, desde clásicos a textos actuales y zarzuelas, en destacados teatros,
como el TNC, el Teatre Lliure o el Teatro de la Zarzuela.
Entre sus últimos trabajos, figuran Un mes al camp de Iván Turguénev (TNC,
2011); Duda razonable de Borja Ortiz de Gondra (Vaivén Teatro. Teatro
Victoria Eugenia de San Sebastián); Almuerzo en casa de los Wittgenstein
(Ritter, Dene, Voss) de Thomas Bernhard (Teatre Romea, Festival Grec) y Nit
de Reis de William Shaskespeare (TNC), todas ellas en 2010.
En 2009, dirigió Un marit ideal de Oscar Wilde, Teatre Goya; Algo más
inesperado que la muerte de Elvira Lindo y Borja Ortiz de Gondra; La casa
dels cors trencats de Bernard Shaw (TNC); y La infanticida/Germana Pau de
Víctor Català (Teatre Romea).
Otros de los montajes que ha dirigido son: Cancún de Jordi Galceran (Teatre
Borràs, 2008); Converses amb la mama de Jordi Galceran, a partir del guión
cinematográfico de Santiago Carlos Oves (Teatre Capitol, 2008); Silencio…
vivimos de Adolfo Marsillach / Paco Mir. (Teatro Fígaro – Adolfo Marsillach,
2008); El maletín o La importancia de ser alguien de Mark Ravenhill (Festival
Grec; TNC; Festival de Otoño de Madrid, 2007); El ventall de Lady Windermere
de Oscar Wilde (TNC, 2007), por el que obtuvo el Premio ADE de Dirección; El
barbero de Sevilla-Bohemios de Nieto y Giménez (Teatro de la Zarzuela, 2007);
Baraka de Maria Goos (Teatro de La Latina, 2006); Il piu bel nome de Antonio
Caldara (Teatro Metropol. Festival d’Òpera de Butxaca, 2006); Paradís de Jordi
Galzerán y Esteve Miralles (Temporada Alta. Teatre Condal, 2005); Las
variaciones Goldberg de George Tabori (Teatres de la Generalitat Valenciana.
Teatre Rialto, en 2005). Este espectáculo fue galardonado con el Premio a la
Mejor Dirección en los Premios de las Artes Escénicas de la Generalitat
Valenciana y el Premio de la Crítica de Teatro de Valencia al Mejor
Espectáculo.
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También dirigió en 2005, Un matrimoni de Boston de David Mamet (Teatre
Lliure) y La Xarxa de Joan Brossa.
En 2004, dirigió El otro lado de la cama, la adaptación teatral de Roberto
Santiago del guión cinematográfico de David Serrano (Teatro Amaya);
Terrasanta (de Bruno Dozza y Antonio Monroy) y El retablo de Maese Pedro de
Manuel de Falla, en el Festival Internacional de Piano Ciudad de Lucena.
El Tinent D’Inishmore de Martin McDonagh (TNC); Romeo i Julieta de William
Shakespeare; Pallassos. Forum 2mil I Pico de Oriol Boixadér; No es tan fácil de
Paco Mir; Sueños & Folias. Raíces y Memoria de la Hespeia Perdida, con
dirección musical de Jordi Savall, para el Teatro Liceo; La Filla del Mar de
Àngel Guimerà; 23 centímetros Carles Alberola y Roberto García; Unes
Polaroids Explícites de Mark Ravenhill; Tot Lloll de Lloll Bertran, Guillem-Jordi
Graells y Josep Maria Mestres; La Bella Helena de Offenbach, Meilhac y
Halévy, son otros de sus montajes.
Entre los noventa y los ochenta, dirigió Fashion, Feeling, Music de Lluís
Hansen, Josep Maria Mestres y Carles Puértolas; Cantonada Brossa de Joan
Brossa (Co-dirigida con Rosa Maria Sardà, Lluís Pasqual i Josep Montanyès);
Salvats de Edward Bond; Hola Brecht; Fum, Fum, Fum de Jordi Sànchez;
Klowns de Joan Montanyès y Josep Maria Mestres, y que recibió el Premio
Especial de la Crítica de Barcelona; Dakota de Jordi Galzeran; A l’est de
Qualsevol Lloc de Edward Thomas; Kámpack de Jordi Sànchez, y que fue
galardonado con el Premio Especial de la Crítica de Barcelona; Enemic de
classe de Nigel Williams; Yvonne, Princesa de Borgonya de Witold
Gombrowicz, también Premio Especial de la Crítica de Barcelona; La Lloll, un
xou ben Viu, que fue Premi FAD; La infanticida de Víctor Català; Feminista de
Santiago Rusiñol; Negroni de Ginebra de Maria Antònia Oliver; Gran
imprecació davant la muralla de la ciutat de Tankred Dorst, que obtuvo el
Premio Especial de la Crítica Serra d’Or; y Fantasio d’Alfred de Musset (Premio
Adrià Gual 1985).
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Viggo Mortensen
Nacido en Nueva York, de madre estadounidense y padre danés. La familia
pronto se mudó a la Argentina por razones de trabajo, y Viggo se crió allí hasta
los once años de edad. Estudió teatro en el Warren Robertson Theatre
Workshop en Nueva York, ciudad en la que empezó su carrera de actor en
1982. En 1987 obtuvo el premio Dramalogue Critics' Award por su actuación en
el montaje de Bent, de Martin Sherman, en Los Angeles.
Su trayectoria cinematográfica comienza con intervenciones en películas como
Único testigo (1985), Jóvenes ardientes (1988), La piel que brilla (1990),
Extraño vínculo de sangre (1991), Atrapado por su pasado (1993), y sigue con
papeles en Marea roja (1995), Retrato de una dama (1996), La teniente O'neill"
(1997), Un crimen perfecto (1998), y La tentación (1999), entre otras
producciones. A partir de 2001, con el estreno de la primera parte de la más
que exitosa trilogía de El señor de los anillos, Mortensen empieza a interpretar
personajes cada vez más desafiantes. Destaca su trabajo en Alatriste (2006),
de Agustín Díaz Yanes, y las tres películas que ha hecho con David
Cronenberg -- Una historia de violencia (2005), Promesas del este (2007), y Un
método peligroso (2011). En España, además de Alatriste, ha participado en
Gimlet (1995) y La pistola de mi hermano (1997). Ha sido candidato al Premio
Goya por Alatriste, y al Oscar, Globo de Oro, y el BAFTA por Promesas del
este. En 2012 se lo verá en On the road, de Walter Salles.
Además de ser actor, Mortensen es fotógrafo y pintor y ha expuesto su trabajo
en galerías y museos en Nueva York, Washington, Los Angeles, Cuba, Nueva
Zelanda, Islandia, y Dinamarca. Es fundador y editor de la editorial Perceval
Press, basada en California. Se han publicado varias colecciones de su poesía,
la última titulada Canciones de invierno (2010). Sus últimos discos de
grabaciones de piano se llaman Time Waits for Everyone (2007), y Reunion
(2011) con el guitarrista Buckethead.
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Carme Elias
Con una veintena de películas y otros tantos montajes teatrales, Carme Elias
es una actriz de enorme talento y sólida trayectoria, que ha trabajado con los
grandes directores, desde Miguel Narros y Josep María Flotats en teatro a Pere
Portabella, y con Pedro Almodóvar y Javier Fesser en cine. Con éste último,
protagonizó Camino, filme por el que obtuvo el Premio Goya a la Mejor Actriz
Protagonista, entre otros galardones.
De sus montajes teatrales, cabe destacar Prometeo, dirigido por Carme
Portaceli; La casa de los corazones rotos, con dirección de Josep Maria
Mestres (con quien repite ahora en Purgatorio), El Ventall de Lady Windermere
con el que obtuvo el Premio Butaca a la Mejor Actriz de teatro, Edipo Rey, a las
órdenes de Jorge Lavelli, El rey Lear, de Gerardo Vera, 84 Charing Cross
Road, con Isabel Coixet; La Gaviota con Amelia Ochandiano, por el que recibió
el premio Villa de Madrid a la Mejor Actriz de Teatro, o Els gegants de la
montanya, dirigido por Georges Lavaudant. Otros espectáculos en los que ha
participado son La doble inconstancia y Casi una diosa, dirigidos por Miguel
Narros; El Misántropo y Lorenzaccio, a las órdenes de Josep Maria Flotats;
Absalón, con José Luis Gómez; Madame de Sade, de Joaquín Vida,
Acreedores de Strindberg de Juan Carlos Corazza y La gata sobre el tejado de
zinc con dirección de Carlos Gandolfo.
Además del Premio Goya a la Mejor Actriz, Carme Elias recibió otros
prestigiosos galardones por su trabajo en Camino: Mejor Actriz Protagonista de
la Unión de Actores; Premio Sant Jordi de RNE; Premio Butaca a la Mejor
Actriz Catalana de Cine; Premio Turia a la Mejor Actriz y Premio a la Mejor
Actriz de la Semana del Cine y de la Imagen de Fuentes de Ebro (SCFE).
En la gran pantalla, hemos podido ver también a Carme Elías en Planes para
mañana, de Juana Macías; ¿Estás ahí?, de Roberto Santiago; Los aires
difíciles, de Gerardo Herrero; Cien maneras de acabar con el amor, de Vicente
Pérez Herrero; No se lo digas a nadie, de Francisco Lombardi, Pesadilla para
un rico, de Fernando Fernán Gómez; El hombre de arena, de Vicente Pérez
Herrero; La flor de mi secreto de Pedro Almodóvar; Los peores años de nuestra
vida, de Emilio Martínez Lázaro, o Stico de Jaime de Armiñán.
Carme Elias ha participado en más de una veintena de series de televisión, y
en dos ocasiones fue candidata al Fotograma de Plata a la Mejor Actriz de
Televisión por Turno de Oficio (en sus dos ediciones) de Antonio Mercero.
Entre sus trabajos figuran Bandolera, Gavilanes, Herederos, Hasta luego
cocodrilo de Alfonso Ungría y las legendarias series: Las aventuras de Pepe
Carvalho o Anillos de oro.
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