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cómic tecla
septiembre/ noviembre 09
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en el cómic julius knipl, fotógrafo
inmobiliario río loco las calles de
arena burbujas el gusto del cloro
pluto team medical dragon lou!
negro cero a la izquierda sergio
toppi: un visionario entre dos
mundos 11-m: la novela gráfica
los cuatro ríos scott pilgrim as de
pique cómics que a mi parecer
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novedades
recomendadas
en memoria
POR ANTONI GUIRAL
EN MEMORIA DE VIDAL SALES
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Muchas
Muchas gracias
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por todo,
todo, señor
señor Vidal
Vidal Sales.
Sales.
Antoni
Antoni Guiral
Guiral
BIBLIOTECA CENTRAL TECLA SALA CÓMIC TECLA 30 (SEPTIEMBRE / NOVIEMBRE 09)
1
artículo
POR BEATRIZ GARCÉS
mujeres en el cómic
En los últimos años, la lucha de las mujeres por la igualdad de derechos y oportunidades ha
dado sus frutos. Ahora, las mujeres son más visibles en todos los ámbitos de la sociedad.
El mundo del cómic no ha sido una excepción y, aunque siempre ha habido mujeres dibujantes,
ilustradoras, coloristas, guionistas, etc. ahora se presta una especial atención a las AUTORAS
así, en mayúsculas.
Centrándonos en el panorama español nos encontramos que algunas editoriales han abierto
líneas dedicadas a publicar obras de autoras de cómic.
Es el caso de la madrileña Sins Entido que ha creado el sello “Sin Nosotras” donde ya ha
publicado las obras de artistas como la española Sonia Pulido, la israelí Rutu Modan, la
libanesa Zeina Abirached, la coreana Kim Eun-Sung o las francesas Aude Picault, Catel
Muller o Rachel Deville. En 2008 programó una exposición de cuatro de estas autoras en su
galería de Madrid, “Espacio Sins Entido”.
Por otro lado tenemos la franquicia española de la francesa Glénat, que en su afán por recuperar
la memoria histórica del cómic español, ha iniciado la línea “Claro de Luna”, que pretende
recuperar a las autoras clásicas del cómic femenino español como Trini Tinturé. Por otro, Glénat
también está trabajando en la recuperación de toda la obra de Purita Campos, editada gran
parte de ella en el extranjero.
Mención especial merece este punto, pues la reedición de Esther y su mundo ha supuesto un
éxito de ventas sin precedentes en la editorial y esto les ha llevado a poder reeditar otras obras
de la autora como Gina y Jana y, además, a iniciar una nueva serie, Las nuevas aventuras de
Esther, donde se recupera este personaje, ya adulto.
Pero Glénat también publica obras de autoras actuales que ha catalogado en una línea
diferenciada del resto de sus publicaciones denominada “Chix” y que pretende hacernos llegar
“cómics contemporáneos con temática femenina, escritos y dibujados con sentido del humor,
atención a los temas sociales y altas dosis de creatividad. Una enorme variedad de perspectivas
- incluyendo la masculina - que aportan visiones frescas sobre el universo femenino y que nos
descubrirán algunos nuevos talentos del tebeo”.
De los 7 álbumes editados hasta la fecha, tan solo uno de ellos está realizado por un hombre.
[Continúa en la página siguiente…]
BIBLIOTECA CENTRAL TECLA SALA CÓMIC TECLA 30 (SEPTIEMBRE / NOVIEMBRE 09)
2
artículo
POR BEATRIZ GARCÉS
[…Viene de la página anterior]
Otras editoriales publican obras de autoras de cómic pero sin “encasillarlas” dentro de ninguna línea o
colección específica. Es el caso de Dibukks que ha publicado varias de las obras de la francesa Nancy
Peña y de otras autoras como la española Olga Carmona o la estadounidense Hope Larson.
Si buscamos en el catálogo de la editorial barcelonesa La Cúpula, encontramos multitud de nombres
femeninos, cada vez más, como el de las representantes y pioneras del cómic underground
norteamericano Alison Bechdel, Debbie Dreschler o Phoebe Gloeckner junto otros nombres menos
conocidos como los de Lilli Carré, Megan Kelso, Cathy Malkasian o Camille Jourdy.
Ponent Mon edita las obras, alejadas del manga más clásico, de las japonesas Kan Takahama y Kiriko
Nananan, y Astiberri ha publicado parte de la obra de autora norteamericana Jessica Abel.
Norma editorial tampoco tiene una línea diferenciada pero en su catálogo encontramos las obras de la
archifamosa iraní Marjane Satrapi, de las francesas Claire Bretecher y Marguerite Abouet o los álbumes
de la ilustradora Victoria Francés.
En todas las editoriales donde se publican mangas encontramos que las autoras de cómic japonesas, que
las hay y muchas, no se distinguen de sus colegas masculinos, sino que las obras se clasifican dentro de
la división de géneros habitual del manga: shonen, shojo, seinen, etc.
Ahora llega el momento de reflexionar. ¿Por qué algunas de estas editoriales han decidido crear líneas o
colecciones específicas para mujeres siendo este el único denominador común para agrupar a autoras tan
diferentes?
Lo más lógico es pensar que se trata de una estrategia de marketing; es decir, que poniendo esta etiqueta
captarán la atención de otras mujeres que comprarán esos álbumes por el simple hecho de que las
autoras son féminas.
Esta etiqueta puede ser contraproducente, pues al mismo tiempo que, tal vez, pueda atraer a un
determinado público femenino, puede echar para atrás a otro público, masculino mayoritariamente, que
por la misma regla de tres rechace esas obras por ser “para mujeres”.
Si bien es cierto que muchas de las obras de todas las autoras mencionadas hasta la fecha tratan temas
autobiográficos esto no es una particularidad del género femenino, sino una tendencia del cómic actual
denominado “slice of life”, trozos de vida.
Dentro del ámbito que nos concierne, el de las bibliotecas, encontramos, al menos, dos bibliotecas en la
provincia de Barcelona que prestan una especial atención a estos cómics realizados por mujeres. Se trata
de la Biblioteca Francesca Bonnemaison de Barcelona y de la Biblioteca Armand Cardona Torrandell de
Vilanova i la Geltrú. Las dos tienen un fondo especializado dentro de sus estanterías de cómic, las dos
han editado sendas guías de lectura para poder recuperar estas obras con mayor facilidad y las dos
organizan actividades para promocionar este fondo.
Pero, ¿a qué se debe todo este interés? ¿A que ahora hay más mujeres que hacen cómic? ¿Son estas
obras de calidad o se publican simplemente por ser políticamente correctas? ¿Hay realmente un público
específico para estas obras, una demanda? Todas estas son preguntas que tenemos que mirar de
responder, pero lo que sí es obvio, es que las mujeres están (estamos) de moda, y esperemos que sea
por muchos años más.
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3
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JULIUS KNIPL, FOTÓGRAFO INMOBILIARIO / Ben Katchor
Astiberri. 116 p. B/N. Rústica con solapas. 18 €
Ben Katchor (Nueva York, 1951) es uno de esos autores de cómics absolutamente
inconfundibles. Su obra propone un tipo de relato particular, que sustentan textos
distintos de los de cualquier otro, y un grafismo de rasgos fuertemente personales. Todo
en sus páginas parece peculiar y propio, como nacido de y con una visión del mundo y
de los recursos del creador de historietas. Katchor es siempre Katchor.
Es probable que sus raíces y su trayectoria profesional tengan mucho que ver. Katchor
nació en una familia judía de ideas progresistas y, según cuenta, dibujó cómics desde
muy niño, casi antes de ser capaz de leerlos por sí mismo. Su fuerte vocación le ha
conducido a ser un autor de minorías, muy obviamente alejado de los temas y hechuras
del cómic comercial, y al tiempo un profesional que se gana la vida con sus viñetas.
Acompaña en esta posición infrecuente a su amigo Art Spiegelman. Katchor fue uno de
los colaboradores asiduos de la revista Raw de Spiegelman y Françoise Mouly, uno de
los que contribuyeron a definirla. Colabora habitualmente desde hace más de veinte años
en periódicos y revistas, entre ellos cabeceras de la difusión como The New York Times
y The New Yorker, enseña en la Escuela de Artes Visuales de su ciudad y extiende sus
actividades a otros medios, pues ha escrito para la escena y para la radio.
A Katchor lo han traducido al castellano sólo muy recientemente. Ya podemos leer aquí
El judío de Nueva York y Julius Knipl, fotógrafo inmobiliario, ambos títulos editados por
Astiberri. Este último, el primer libro de los que recopilan las historias que protagoniza su
personaje más conocido, ofrece una buena muestra de lo más característico y singular
de su arte.
Katchor afirma que prefiere escribir y dibujar historias cortas y que el formato de la
novela gráfica, que parece de rigor para los autores que pretenden expresar algo propio
en la actualidad, no le atrae particularmente. Concibe su obra al modo tradicional de los
dibujantes en prensa: compone colaboraciones breves, de media página y pocas viñetas
(lo habitual, casi sistemático en Julius Knipl es que sumen ocho), aunque sin descartar
que un día pueda recopilarlas en un libro. Cada historia puede leerse, pues, de forma
independiente y sólo por excepción muestran algún tipo de continuidad argumental entre
ellas o componen una serie. Y ello ha configurado sin duda el peculiar estilo narrativo de
Katchor.
Éste crea escenas breves, contadas de forma concisa (aunque sus viñetas parezcan
ocasionalmente cargadas de texto para lo que es pauta habitual en el medio), que
recurren a frecuentes elipsis y concluyen de modo brusco. Por lo general, el texto
narrativo y las imágenes con sus diálogos fluyen en paralelo, como si uno y otras
compusieran una melodía con sus armónicos o jugaran a una especie de contrapunto.
En alguna entrevista, Katchor ha señalado que la “tensión interesante” del cómic es la
que brota “cuando puedes tener el mundo real o una representación de éste y una capa
de palabras, de abstracciones que lo sobrevuelan”. El juego entre imagen y texto, bien
imbricados o levemente desajustados, produce en sus páginas efectos insólitos que
contribuyen a definir su personal gramática.
El dibujo de Katchor define en buena medida la atmósfera entre burlesca y
desconcertante de sus páginas. Compone las perspectivas más variadas del paisaje
urbano con línea insegura, las emborrona de grises con aguadas, las puebla con figuras
humanas de estatura cómicamente baja y con globos de diálogo escorados y bien
nutridos de discurso. El conjunto da a sus páginas un aspecto característico, correlato
visual de su propensión al humor grotesco y a la descripción melancólica de actividades
insensatas.
[Continúa en la página siguiente…]
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[… Viene de la página anterior]
Su protagonista, Julius Knipl, es un personaje vacío, al que nada identifica, aparte de su bigotillo y su
facha de tipo bien trajeado, siempre cubierto con sombrero y que carga sobre pecho y espalda dos
mochilas o talegas a las que, sin embargo, nunca le vemos echar mano. Nada sabemos de su pasado,
su familia, el lugar donde vive, sus gustos o emociones. Nunca le vemos ejercer su extraño oficio de
fotógrafo inmobiliario. Se limita a pasar: contempla rincones, asiste a escenas, escucha conversaciones
o simplemente transita por los lugares en que éstas se producen para que el lector las vea y escuche en
su lugar. Knipl es sólo la excusa narrativa de Katchor, su testigo itinerante, lo que constituye una
peculiaridad notable en un medio hecho a los protagonistas hiperactivos y capaces de atender a todas
las contingencias.
Y es que al autor no le interesa su personaje, sino la ciudad que recorre. Katchor la representa con los
rincones, ocupaciones y sucesos más insólitos, incongruentes, risibles. Conocemos el teatro
excursionista, representado cada noche en el interior de autobuses que circulan, el comedero de uñas,
donde los usuarios pueden darse a su vicio sin que los molesten, el taller de reparación de almohadas
eléctricas; vemos trajinar al diseñador de vestíbulos, al vendedor de calendarios, al conferenciante
improvisador; oímos historias extrañas en parques, sedes de asociaciones, salas de cine o tabernas. A
constituir tal inventario de rarezas contribuyen no poco oficios dedicados a catalogar o analizar detalles
de comportamiento: nos cruzamos con el cartógrafo de la migración de estilos de peinado por la ciudad,
el experto en ungüentos curativos o el lector de coches aparcados, capaces con sus artes de adivinar las
personalidades y propensiones de cada individuo, consultamos el listín del canal alimentario para
conocer los avatares de la digestión de cualquier vecino, o acudimos al observatorio de las cojeras.
Las páginas apaisadas del Julius Knipl de Ben Katchor reúnen, de este modo, una cantidad insólita de
anécdotas surreales, presentadas con el humor contenido de un agudo observador de la conducta
humana y un audaz forjador de ficciones. Katchor repasa las huellas del ajetreo de los habitantes en las
zonas más llenas de historia y de cicatrices de la gran ciudad. El suyo, aunque nutrido de ocurrencias y
de fantasía, es un cómic sobre Nueva York; lo es como ningún otro, pues documenta la capacidad del
ser humano para producir desvaríos, soledades y parajes ruinosos en la urbe por antonomasia de hoy,
sobre todo en esa frontera indecisa entre el barrio populoso y el que hace un tiempo ya que comenzó a
convertirse en historia urbana, en resto de una época. Katchor, a su personal modo, viene componiendo
una caricatura de la urbe contemporánea en la que son visibles por igual los colores de la ironía y de la
ternura.
JUAN MANUEL DÍAZ DE GUEREÑU
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RÍO LOCO / Javier de Isusi
Astiberri. 192 p. B/N. Rústica con solapas. 18 €
En 2004, Javier de Isusi (Bilbao, 1972) sorprendió a los lectores de cómics con La pipa de
Marcos. Causó sorpresa que un autor novel publicara una obra tan sólida, de argumento
denso y bien estructurado, dibujo fácil e intenso aliento narrativo. Los principiantes no suelen
ser tan ambiciosos y, cuando lo son, a menudo se estrellan contra sus propias limitaciones.
Causó más sorpresa aún saber que aquella era sólo la primera entrega de una serie de
cuatro, Los viajes de Juan Sin Tierra, que Isusi decía tener planeada en su conjunto. Desde
entonces, ha dado a la imprenta dos más, siempre editadas por Astiberri: La isla de Nunca
Jamás en 2006 y Río Loco en este 2009. Aún le queda pendiente la cuarta y última, pero ya
está claro que Isusi ha conseguido combinar con acierto una aventura interesante, una
galería de personajes complejos y creíbles, y una descripción viva de realidades distantes y
desconocidas. Y que su relato visual ha ganado en versatilidad sin perder frescura.
El protagonista de la serie, Vasco, sigue el rastro de su amigo Juan por tierras
hispanoamericanas. De inicio, no conocemos los motivos por los que Juan las recorrió, al
parecer sin rumbo; tampoco los que incitan a Vasco a seguir sus pasos buscándolo, más allá
de la amistad. El lector simplemente viaja con Vasco, mientras intenta reconstruir las
andanzas de Juan, entender sus motivaciones y conocer su destino. Acude en el primer
volumen a La Realidad, un poblado mejicano, cerca de la frontera con Guatemala, que
participa de la revuelta zapatista; viaja en el segundo a la isla de Ometepe, en el
nicaragüense Lago Cocibolca; y recorre en Río Loco el río Napo, en la alta Amazonía, entre
Ecuador y Perú.
En cada etapa de su trayecto, Vasco va conociendo las complejas realidades de dichos
lugares y de sus gentes, con lo que la serie viene a ser un cuaderno de bitácora de este
viajero contemporáneo, entre curioso y explorador, que, aunque de entrada opta por la
neutralidad del visitante de paso, acaba por participar de alguna manera en problemas y
conflictos. Está claro que el modelo de héroe o antihéroe al que se ajusta Vasco es el de
Corto Maltés de Hugo Pratt, al que aluden los sucesivos tomos de la obra: en La isla de
Nunca Jamás, una amiga reprocha a Vasco que quiera parecerse a alguien que no es, “un
marinero errante, cínico y desapegado, por ejemplo”; y en Río Loco, su amigo Héctor, un
argentino con ambiciones de escritor, sigue las rutas borrosas de un mapa sacado de una
historieta del Maltés. Isusi reconoce sin ambages que la sombra del marinero creado por
Pratt era ineludible en una obra como la suya, porque también Vasco se identifica con Corto,
esa “encarnación del mito del héroe occidental”, aunque no sepa si es capaz de equipararse
a él.
Una de las cartas con que juega hábilmente Isusi al construir su historia y dotarla de interés
humano y cierta intriga es el desvelamiento progresivo de las biografías y personalidades de
sus dos protagonistas. Tanto el desaparecido Juan, siempre presente en los diálogos, como
su pertinaz rastreador Vasco van adquiriendo consistencia concreta de individuos con un
pasado en parte compartido. Las peripecias de Vasco lo van retratando y dan pie para que la
figura de Juan adquiera también gradualmente su perfil. En Río Loco, por ejemplo, Vasco
confiesa que se siente muy por debajo de “aquel Juan Sin Tierra viajero y defensor de
causas nobles” que van descubriendo.
[Continúa en la página siguiente…]
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[… Viene de la página anterior]
Tal definición progresiva de los protagonistas no elimina, sin embargo, las ambigüedades e
incógnitas que los constituyen. Por un lado, porque las motivaciones de Juan, lo mismo que
la trayectoria de sus viajes, las van reconstruyendo los demás a base de suposiciones y
conjeturas a veces discordantes, y porque Vasco, circunspecto y muy poco propenso a las
confidencias, apenas si declara las suyas. Y si Río Loco da ocasión para que Vasco recuerde
detalles concretos de su amistad con Juan, también confiesa que no sabe gran cosa de su
propio pasado familiar. En un raro momento de franqueza revela a Héctor que nació en
Lisboa y que su nombre viene de Vasco de Gama y de un padre desconocido que, según su
madre, “era de un pequeño pueblo pesquero llamado Andorra” (quizá por Ondarroa); “puras
incongruencias”, concluye. También su modo de actuar trasluce una personalidad compleja y
de algún modo indefinible. Así, en esta tercera entrega de su periplo lo descubrimos mucho
más proclive a la violencia de lo que se había mostrado hasta aquí.
Pero esta construcción contradictoria y difusa de los personajes no sólo dota a los
protagonistas de Isusi de su halo de misterio y a su relato de una intriga estimulante para el
lector, sino que está en la base de su modo de percibir la realidad y de retratar a los
indígenas con los que trata Vasco. Isusi ha reconocido más de una vez que Los viajes de
Juan Sin Tierra están basados en el que, tras concluir sus estudios de arquitectura, él mismo
realizó durante un año por tierras hispanoamericanas, y que los personajes secundarios de
su historia están basados en gentes que conoció entonces. Naturalmente, a aquella
experiencia se añaden numerosas lecturas, de modo que, al igual que la del personaje de
Pratt, las sombras de los de Stevenson, Barrie o Conrad animan su universo humano. Pues
bien, su modo de retratarlo hace notorias las perplejidades que dominan la relación entre el
viajero “civilizado” y el poblador de aquellas tierras.
En cada nueva etapa de su viaje, Vasco entra en contacto con gentes que viven miserias y
dificultades materiales, que sufren explotación e injusticias y que, sobre todo, padecen la
ceguera de una civilización reducida al trato comercial. Cada nuevo encuentro da cuenta de
las heridas y estropicios causados por el choque cultural. Las relaciones están trenzadas
entre reticencias, ocultamientos y mentiras, propiciadas por la desconfianza o el interés. Ya
La pipa de Marcos enmadejaba máscaras y espejismos nacidos del desconocimiento o la
propaganda. Vasco, y con él el lector, intenta desenredar engaños y confusiones, sin tener a
la postre la certeza de lograrlo sino en parte. Con ello, ganan en densidad y sutileza el relato
y los retratos honestos de gentes y situaciones que lo alimentan.
“Cada uno somos muchos a la vez, ¿no crees?”, le espeta a Vasco un muchacho indígena
en este su tercer viaje. Múltiples son, en efecto, los seres concretos que pinta Isusi, tan
suyos e impenetrables como cada cual. Y la aventura se torna, en suma, la de tratar de
comprenderlos y respetarlos.
JUAN MANUEL DÍAZ DE GUEREÑU
BIBLIOTECA CENTRAL TECLA SALA CÓMIC TECLA 30 (SEPTIEMBRE / NOVIEMBRE 09)
7
reseñas
LAS CALLES DE ARENA / Paco Roca
Astiberri. 102 p. Color. Cartoné. 15 €
…o el día en que Paco Roca cayó en una madriguera y se adentró en un barrio
fantástico de calles movedizas, donde un hombre sin nombre perdió su camino de vuelta
a casa.
La odisea comienza cuando el protagonista, un joven que acude impuntual a una cita con
su novia, intenta cruzar el barrio antiguo con una estatua, tamaño natural, de Corto
Maltés bajo el brazo. Incapaz de encontrar la salida en ese laberinto de callejuelas, se ve
atrapado en una cotidianeidad implacable, repleta de personajes tan absurdamente
reales como extraordinarios. Una recepcionista que no consigue un día libre, un operario
que siempre repara la misma avería, un hombre atrapado que consume los días
comprobando que tiene todo lo que necesita para escapar, otro hombre que espera la
muerte dentro de un ataúd, un aventurero con agorafobia y una joven cartera que sólo se
comunica por carta. Personajes convertidos en iconos que traslucen una mirada aguda y
sensible a las relaciones humanas del siglo XXI. Y, tal vez, símbolos del subconsciente
colectivo de esta sociedad paradójica que nos impulsa a seguir por caminos que en
realidad no son los que queremos transitar.
Sin lugar a dudas, el personaje que más me ha conmovido es el de la joven cartera que
en sus escritos (porque no habla) nos deja perlas como ésta:
“Estimado hombre sin nombre:
Estaría encantada de que pudiésemos vernos de nuevo. Como dedico medio día a
escribir las cartas y el otro medio a repartirlas, apenas tengo tiempo libre.”
O ésta:
“Necesito contarle a la gente lo que siento. Escribo porque me siento sola.”
Una lúcida interpretación de las relaciones en la era de Internet que Paco Roca sitúa en
el barrio antiguo, ese lugar convertido en el absurdo reflejo de nuestra realidad cotidiana
y al mismo tiempo un escenario donde los deseos son poderosos y que nos alienta a
seguir soñando en libertad. Fantasía y realidad chocan en estas calles de arena.
Personajes encerrados en bucles, circunstancias que encarcelan, que oprimen, que
convierten la vida en una sucesión de días sin escapatoria. Es una historia sombría en la
que, por fortuna, vence la fantasía.
Transitando estas calles, encontramos a Borges, a Kafka y a Cortázar, autores
empeñados en mostrarnos los caminos misteriosos que recorremos sin ni siquiera ser
conscientes de los deseos o ilusiones que guían nuestros pasos. Pero aquí no acaban
los guiños que arrancan sonrisas. El hombre corriendo por la calles con la estatua bajo el
brazo me ha transportado a la película After hours de Scorsese, mientras que el
Doppelgänger ladrón de identidades nos lleva al Yehudi Smith que encontramos en La
noche a través del espejo de Fredric Brown, obra que por supuesto es un homenaje a
Lewis Carroll. No en vano Paco Roca escoge esta cita para abrirnos las puertas de sus
calles de arena.
-
¿Quieres decirme, por favor, qué camino debo tomar para salir de aquí?
Eso depende mucho de adónde quieres ir – respondió el Gato.
Poco me preocupa dónde ir – respondió Alicia.
Entonces, poco importa el camino que tomes – replicó el Gato.”
Alicia en el País de las Maravillas de Lewis Carroll.
PATRÍCIA MUÑIZ
BIBLIOTECA CENTRAL TECLA SALA CÓMIC TECLA 30 (SEPTIEMBRE / NOVIEMBRE 09)
8
reseñas
BURBUJAS / Daniel Torres
Norma. 280 p. Bitono. Cartoné. 24 €
Difícil tarea la de reinventarse, sobre todo cuando se pasa la cincuentena y ya se lleva toda
una carrera a las espaldas, firmemente consolidada y de gran éxito. Pues bien, el autor de
Roco Vargas supera todos los escollos dándoles la vuelta como a un calcetín y poniéndolos
en remojo, nunca mejor dicho. Para deleite de todos sus admiradores y haciendo fácil lo
difícil, Torres certifica en este alter ego que es Ramón Sánchez, una especie de señor Jean a
la española, más costumbrista si cabe, pero con los mismo miedos de la crisis de los treinta,
cuarenta, o cincuenta que hace cuestionarse algunos de los pilares de las masculinidad más
freudiana: la virilidad, la autoafirmación, la felicidad, etc. En definitiva, la búsqueda del placer
por la sublimación de la realidad.
El protagonista, que se encuentra sumido en una fuerte y fugaz depresión, intentará salir
adelante por todos los medios. Su mujer, sus hijos, sus amigos, sus cinematográficas
apariciones, los peces del acuario… todos ellos irán conformando un tejido de secundarios
con una función claramente diseñada para ir quitando capas de cebolla en la vida de Ramón
hasta llegar a lo más profundo y sincero de sí mismo, hasta encontrar el camino de la
felicidad, oculto por las rutinas y las responsabilidades de la vida. Una nimiedad hará que
tome conciencia de cuanto ha cambiado hasta llegar al punto de no reconocerse a sí mismo
y sentirse invadido por la soledad. El dejarse llevar es el camino fácil que te conduce a una
felicidad artificial, en la que en cuanto falla una pieza todo se desmorona. No es fácil mirar
dentro de uno mismo: ese abismo insondable siempre da sorpresas, es un filtro entre los
sueños y la vigilia, entre la realidad y la ficción. Una encrucijada difícil de discernir, cabeza o
corazón, ¿quién tiene la razón?
Pero vayamos por partes. En el acuario encontrará ese alter ego que es el pez, cuyo único
fin en la vida es ir echando burbujas sin ninguna otra preocupación, feliz. Es un espejo con el
que Ramón se siente a gusto, monologando hasta la saciedad. El pez en su inconsciencia es
el único que le escucha sin importarle nada. El burro representa la ingenuidad, como cuando
un niño hace una trastada y se esconde; el burro le devuelve la imagen del pesimista, de los
tontainas, del perdedor resignado. Robert Mitchum es la valentía inusitada, la fortaleza, un
salvavidas o una válvula de escape como lo define el propio autor, mientras que John Wayne
representa el desafío, la magnificencia de la masculinidad, la valentía que no existe. Son dos
caras de una misma moneda: la esperanza y la decisión. Arturo, el amigo de Ramón es la
cinta de Moebius que cae una y otra vez en el mismo error disfrazado de mentira.
Efectivamente, el hombre es el único “pez” que tropieza dos veces con la misma piedra.
Marga, su mujer, es la representación de todas sus frustraciones cuyo único fin en la vida es
salir en la tele, a cualquier precio. Para el final hemos dejado lo mejor, sus hijos, que serán la
llave de todo y en los que Daniel Torres esconde una de las más acertadas reflexiones de las
muchas que contiene el libro. Mina es una gótica postmoderna aficionada a los vampiros,
mientras que Mono vive obsesionado con el mundo de los ordenadores y de Internet. Ambos
le proporcionarán dos acertadas respuestas sobre lo que está viviendo. Ellos le señalarán el
camino y él se verá sorprendido al encontrar un reflejo de su juventud en ellos. ¿Sus hijos no
le escuchan, o es él que no escucha a sus hijos? Ellos nos recuerdan que nosotros fuimos
igual de desafiantes y rebeldes sin causa, cuando nosotros éramos nosotros mismos de
verdad. Ellos son nosotros antes. Sorprendentemente sus hijos pondrán en marcha el motor
que hará saltar la banca en el cerebro de Ramón. Les quiere más de lo que pensaba, o
quizás simplemente se le había olvidado, como tantas otras cosas.
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A lo largo de toda la obra, Torres nos deslumbra con un estilo en el que aún se puede
reconocer su famosa línea clara valenciana, pero desprovista de artilugios farragosos,
propios del color y del tono de sus otras obras hasta la fecha. El bitono y el formato novela
gráfica, más acorde con la narración slice of life del libro, encajan como anillo al dedo,
proporcionando una libertad creativa inusual a lo largo de todas sus otras obras. Las
metáforas visuales juegan con los personajes y los entornos con gran originalidad y frescura,
conformando una lectura muy entretenida y reflexiva, que es un encaje de manos para
muchas generaciones y un camino de aprendizaje para muchas otras. En la página web de la
obra encontrareis una entrevista que completa una interesante visión global del libro:
http://www.normaeditorial.com/burbujas/
Así pues, buen trabajo Daniel Torres, esperamos más sorpresas de este calibre, me voy a
hablar con mi pecera…
JAUME VILARRUBÍ
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EL GUSTO DEL CLORO / Bastien Vivès
Diábolo. 144 p. Color. Cartoné. 17,95 €
No cabe duda que los que de una manera u otra estamos implicados en esto del cómic,
estamos de enhorabuena. Toda la reciente polémica en torno a la columna de Vicente
Molina Foix en la revista Tiempo el pasado 18 de septiembre, en la que atacaba
furibundamente al tebeo, no hace más que corroborar los buenos augurios que corren
para el cómic.
Ya a principios del siglo XX, con el incipiente cinematógrafo dando sus primeros pasos,
las fuerzas intelectuales más inmovilistas arreciaron en su desdén hacia el nuevo medio
que tildaban de mera atracción de barraca de feria. Después vendrían Ford, Murnau,
Stenberg, Fellini, Welles, Hitchcock, Visconti, Bergman o tantos otros para dejarlos en
evidencia.
Si bien es cierto que el cómic acumula tanta andadura como el cine, en cambio no había
logrado aún un ataque tan furibundo de una voz de prestigio. Es cierto que la censura ha
recaído en él como en toda creación (sirva como epítome de las censuras que para el
cómic son y han sido, la ya casi entrañable figura de Frederic Wertham), pero siempre
desde un punto de vista moral, pocas veces atacando su estatus como creación artística;
y esto no ha sido así hasta ahora, porque no se le había reconocido tan
mayoritariamente la posibilidad de ofrecer un discurso creativo propio y perdurable.
Industrialmente el cómic ha podido vivir épocas de oro, plata o bronce, ha llegado incluso
a crear una puntual industria en nuestro país (la época Bruguera); pero artísticamente,
pese a los maravillosos logros de los pioneros y la eclosión artística e intelectual de los
80, que precisó de una crisis en los 90 para poder ser digerida, el cómic no había
alcanzado una continuidad en calidad y ambiciones artísticas tal y como está viviendo en
los últimos tiempos. Por ello no podía ser más que un intelectual de fuste el que diera
carta de legitimidad a este momento. Una vez diluida la algarabía entre exabruptos de
algunos, reflexiones de otros, y respuesta orgullosa del aludido, lo que resta es
congratularse de que el debate sobre el cómic vaya abandonando los guetos a los que
hasta ahora parecía confinado.
¿Y qué tiene que ver todo esto con la obra de Bastien Vivès, que se supone razón de ser
de esta reseña? Pues mucho. Primero, porque El gusto del cloro es la obra de un joven
de tan sólo 25 añitos, y el que un autor con esa edad haya pergeñado un cómic como
éste, da muchas esperanzas para el futuro del arte secuencial. Y segundo, porque los
argumentos argüidos para racanearle al cómic su capacidad para crear un discurso
creativo propio quedan desvencijados ante una historia tan sencilla (chico encuentra
chica), que hace que todas sus virtudes recaigan en su habilidad para convertirse en una
experiencia puramente sensitiva.
En la infame película Polyester (dicho esto no en tono despectivo, sino todo lo contrario),
obra del maestro del mal gusto John Waters, se ensayó un sistema único hasta entonces
en el cine: el inefable Odorama. La técnica en cuestión consistía en unas cartulinas con
varios puntos numerados que los espectadores recibían al entrar a la sala en que se
proyectaba. El procedimiento era sencillo: en determinadas escenas aparecían unos
números en la esquina de la pantalla, y era entonces cuando el aplicado espectador
tenía que rascar el número correspondiente, y aspirar la pestilencia que la protagonista
estaba experimentando en sus propias y abundantes carnes desde la película. Eso sí
que era cinema verité, y no el cine dogma.
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Vivès recurre a un método mucho menos prosaico, pero el efecto que consigue, es como si el Odorama
se hubiera conseguido aplicar a las artes de la imprenta. En este caso son los volúmenes, los colores, el
reparto del espacio en las viñetas, o los contornos de unos cuerpos cuyos movimientos se diluyen
ondulantes bajo el agua de la piscina en la que se desarrolla la trama. No es ya el olor del libro nuevo
recién abierto: es el sabor del cloro al que alude el título, es el eco de las voces confundiéndose con los
chapoteos de los nadadores, es la mirada acuosa a través de las gafas de natación. Y es que el deseo,
antes del choque inequívocamente sólido de los cuerpos, tiene algo de líquido más allá del intercambio
de fluidos. Un efecto de maleabilidad, de contorsionismo en los gestos y palabras de los protagonistas
de esta acuática danza de cortejo, que termina provocando en el lector una sensación cercana a cuando
nos sumergimos en la playa y los gritos de la orilla, los motores de los barcos, y el rumor del oleaje nos
llegan en sordina, ahogados tal y como nos imaginamos que nos llegaban los sonidos cuando
flotábamos en líquido amniótico.
No se precisa de mucho diálogo; la historia se va conformando en los detalles, en las sutilezas que, en
algún momento, me hicieron recordar la exquisitez de Wong Kar-Wai en su película Deseando amar. Y
es que algo de esa sabiduría contemplativa de los grandes maestros orientales impregna la obra del
joven Vivès. Si para los puristas el auténtico cine fue el mudo, ya que todos los recursos para narrar las
historias provenían de la imagen, algo así habría que decir respecto de este cómic. Los recursos
expresivos que maneja el joven autor son genuinamente propios del lenguaje secuencial: la elipsis, la
personalidad en el trazo, el cromatismo…
Como siempre, es peligroso lanzar las campanas al vuelo, pero aún siendo precavidos, el que
propuestas tan estimulantes como este cómic reciban respaldo editorial, y tengan un nicho de público
deseoso de recibirlas (y no digo en su Francia de origen, donde esto es lo habitual) refuerzan la idea de
que lo sembrado en los 80 está dando sus frutos en esta primera década del siglo. El gusto del cloro
recibió el premio Revelación Esencial en el Festival de Angoulême de 2009, y exactamente eso puede
resultar este cómic para tanto público que aún no sabe que le gustan los cómics: una revelación. Para
los que ya lo sabemos, una nueva y gozosa reafirmación.
VICENTE FUNES
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PLUTO (VOL. 1 A 3) / Naoki Urasawa
Planeta-DeAgostini. 192 / 208 p. B/N. Rústica 7,95 €
Pues ya tenemos aquí la nueva obra del mangaka más adictivo que servidor ha conocido. No
es necesario recordar que Urasawa consigue con sus obras despertar los más bajos instintos
compulsivos y las pulsaciones más ansiosas que uno recuerda desde la adolescencia a la
espera de resolver sus continuarás. He de reconocer que este autor me tiene ganado, y que
igual que sucede con Taniguchi (son dos autores bastante diferentes pero igual de brillantes)
me tiene absolutamente entregado, aunque hay un “pero” que se le puede poner al autor de
obras tan extraordinarias como Monster, o 20th Century Boys: su dispersión a la hora de
rematar sus argumentos. A mi juicio y en su defensa, quiero destacar esta reflexión: a veces
y en obras tan largas, valorar el final como un elemento en exceso determinante puede ser
injusto; animo a valorar el trayecto del principio hacia el final, de A hacia B. Urasawa traza
unos trayectos espléndidos, con giros argumentales maestros y con muy pocas trampas,
algo que no está al alcance de casi nadie. Dicho esto y rendido ante él, pasemos a valorar
Pluto.
Estamos ante una obra que cuenta con la colaboración de Takashi Nagasaki, y que el autor
ha querido que vaya firmada también por Osamu Tezuka, ya que es una revisión de una
historia original aparecida en Astroboy hace ya una cincuentena de años (la historia, con el
título El mejor robot sobre la faz de la tierra, aparece en el número 3 de la edición española
de Glénat). Pluto no es más que un thriller futurista sobre la convivencia entre robots y
humanos en un mundo que ya ha soportado varias guerras, en las que los robots han tenido
un papel determinante para conseguir la paz. A través de sus páginas vemos un tema tan
recurrente como el de la discriminación: antes era por raza, color, o clase social, y ahora lo
es por ser robot (los robots son casi iguales a las personas. ¿Quizás mejores?). Algunos
robots muestran estímulos cercanos a los sentimientos, con todo lo que esto comporta,
porque ya se sabe… ¡Errare humanun est!
Centrémonos en la historia. Nos encontramos con Gesicht, un policía alemán de la Europol,
que lleva el peso del argumento. Gesicht tendrá que investigar los fulminantes y mediáticos
asesinatos de unos robots legendarios, hechos que sólo serán la punta del iceberg de lo que
se le viene encima. Alguien está asesinando pautadamente, y con una eficiencia sin
precedentes, persistente y sin pruebas, a los robots más importantes de la humanidad, los
cuales tienen estatus de héroes nacionales, algo parecido a superestrellas del deporte o de
la música.
A partir de este hilo conductor Urasawa irá desarrollando sus subtramas sorprendentes,
caracterizando a sus secundarios, profundamente elaborados, y componiendo y
recomponiendo a su antojo el puzzle de la obra rozando la perfección, como viene siendo
habitual.
Si el argumento es uno de los puntos fuertes del autor, el dibujo no se queda atrás. Brillante,
con fondos trabajados, con planos que insinúan cuando es necesario y que esconden
cuando es apropiado. Es cierto que Urasawa, igual que Taniguchi, acostumbra a gustar
mucho visualmente a los profanos del manga, o eso parece, hecho que puede facilitar su
acercamiento a otros lectores.
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13
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Es también de reseñar la caracterización de Astroboy, acostumbrados como estamos a la
angelical imagen de Tezuka, aquí adquirirá mayor profundidad, marcada por una intensa
tristeza en la mirada (según el propio autor esta tristeza es la misma que le sugiere el tema I
just wasn’t made for these times del maravilloso Pet Sounds de los Beach boys. Curioso
como mínimo). Quizás, y aprovecho para hacer un inciso para los bibliotecarios, sea una
buena ocasión para quitarle el polvo a los ejemplares de Astroboy y aprovechar para
recomendar su lectura.
Veremos cómo se desarrolla la obra (serán ocho volúmenes en total) pero a fecha de hoy y
con tres números leídos, auguro que no defraudará nada en un autor que tiene el listón
peligrosamente alto.
Para terminar, destacar que la edición de Planeta es muy buena (qué lástima los oscuros y
los quemados de 20th Century boys), a la altura de lo que se merece.
Para quién quiera profundizar en el autor, una excelente entrevista:
http://www.gottsu-iiyan.ca/gib/index.php/2009/01/21/quick-japan-urasawa-naoki-interviewpart-1.
Celebramos que Urasawa haya vuelto en plena forma, y esperamos ya su próxima nueva
obra: Billy bat. La espera será larga.
JAUME VILARRUBÍ
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TEAM MEDICAL DRAGON / Taro Nogizaka y Akira Nagai
Planeta-DeAgostini. 216 p. B/N. Rústica. 7,50 €
Es cosa sabida (al menos en Japón) que el manga abarca todos los géneros y temáticas
imaginables: no sólo hay mangas para niños, adolescentes o adultos, sino que también
los hay específicamente destinados a colectivos como oficinistas, amas de casa, etc. El
mundo de la medicina no ha sido una excepción: diversas obras se han ocupado de
narrar las tribulaciones de estos profesionales, con el característico enfoque del cómic
japonés. En España, Planeta ha iniciado la publicación de una nueva obra: Team Medical
Dragon, de Taro Nogizaka y Akira Nagai, un manga para adultos que ha cosechado un
gran éxito en su país de origen.
El protagonista es Ryutaro Asada, un joven y excepcional médico cirujano que ha sido
rechazado en su país por permanecer más tiempo del debido en una misión en el tercer
mundo con una ONG. Consciente de ello, una profesora asociada que intenta hacerse un
hueco en un hospital universitario, lo ficha para "cambiar las cosas desde dentro". Y es
que, como los mismos protagonistas dicen, "la medicina japonesa es de tercera fila".
Dentro de la sociedad cuasi feudal de esos hospitales universitarios, no cesan los casos
de corrupción y errores médicos que en seguida son enmascarados (como vemos en el
manga: "la operación ha sido un éxito", dice un médico, "no obstante el paciente ha
muerto").
En este devastador panorama se alzarán Ryutaro Asada y su grupo, para intentar
cambiar las cosas a mejor y conseguir un trato más humano en la medicina japonesa.
Las injusticias, las luchas intestinas entre los médicos, unos buscando su propio
beneficio, y otros el de sus pacientes, son los principales ingredientes de este manga,
que arrastra al lector en su lectura. A un planteamiento muy visual, se le debe añadir el
brillante uso de cliffhangers o ganchos entre uno y otro tomo que contribuyen a mantener
la tensión del argumento.
La serie acaba de arrancar en España, pero tiene muy buenas perspectivas: una obra
que tiene la virtud de atrapar al lector con unos ganchos tremendos en el argumento y
unos personajes con los que el lector empaliza muy rápidamente. Muy recomendado a
los aficionados a las series de médicos.
JOSÉ OLIVER
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LOU! VOL. 2 / Julien Neel
Glénat. 112 p. Color. Rústica. 18 €
Dentro de su línea Petit Glénat, dedicada a los lectores más jóvenes, Ediciones Glénat nos
presenta Lou!, serie procedente de la revista mensual Tchô, editada por la casa madre
francesa, y de la que también ha publicado en dicha línea Capitán Bíceps y ese fenómeno
multimedia - allende los Pirineos, evidentemente, ya que en España no ha terminado de
cuajar del todo - que es Titeuf (el cual, tras un primerizo álbum a cargo de Glénat, seguido de
varios más publicados por Salvat, ha vuelto a su editor inicial).
Lou!, creada en 2003 por Julien Neel para la citada revista, para obtener la pertinente edición
en álbumes de tapa dura a partir del año siguiente, está siendo recopilada en su edición en
castellano en volúmenes de tapa blanda que abarcan cada uno dos álbumes de la edición
original; así, el volumen que ahora analizamos contiene la tercera y cuarta entrega francesas.
La heroína titular, contrariamente a la mayoría de los personajes de historieta, crece de
manera pausada, pero contínua: así, al inicio de la serie, tiene 12 años, y en el curso del
segundo álbum francés, cumple los 13. Lou es hija de madre soltera - con compañero
sentimental, Richard -, la cual lucha por convertirse en una escritora de éxito. Como todas las
chicas de su edad, va al colegio, tiene su “amiga del alma” - Mina, de raza negra -, su “casi
novio” - Tristán, al que había perdido la pista al final del primer álbum francés - y, ante todo,
es consciente de que ella misma está experimentando un período de cambios, tanto
físicamente como emocionalmente, al igual que su entorno: este volumen se inicia con la
vuelta a clase, donde Lou descubrirá con decepción que ya no irá a la misma clase que Mina,
hallando una nueva compañera en María Emilia, una “gótica” hija de padres adinerados - a
pesar de lo cual menosprecia su posición social - y llena de ideas revolucionarias.
Cada página de Lou!, pese a constituir por sí misma un gag autoconclusivo, forma parte de
una continuidad argumental, a lo largo de la cual veremos cómo la protagonista evoluciona y
descubre con juvenil pasión el mundo que la rodea. Tal continuidad se aprecia especialmente
en la segunda mitad del presente volumen - equivalente al cuarto álbum francés, recordemos
- en la que Lou pasa sus vacaciones de verano con sus amigas en el chalet de los padres de
María Emilia, asistiremos a su 14º cumpleaños, y a su reencuentro con Tristán, mientras su
madre está de gira por la región en compañía de Richard, debido al lanzamiento de su primer
libro, y eventualmente también hará una visita a Lou. Todo desemboca, en las últimas
páginas, en un frenético “fin de fiesta” en la piscina del chalet con ecos de la comedia de
Blake Edwards El guateque (The Party).
El estilo gráfico de Neel es plenamente personal - aunque algunos acaso hallen en el mismo
rasgos de la línea clara - con un uso cuidadoso e inteligente, casi psicológico, del color y una
composición de las viñetas elaborada y hasta, en ocasiones, experimental: a este punto, la
página 20 del presente volumen, compuesta de nada menos que 48 viñetas desarrolladas sin
palabras, es casi de antología, leyéndose como el storyboard de una película.
Lou! se ha convertido en uno de los grandes éxitos de Tchô, en vías de seguir el mismo
camino hacia el estrellato que ya ha recorrido Titeuf: el primer álbum le valió a su autor el
premio del Salón de Angoulême de 2005 al mejor álbum juvenil, y la rubia preadolescente ha
obtenido recientemente su serie de dibujos animados. Neel ha asegurado que la saga de
Lou! concluirá con el octavo álbum (que equivaldría, por lo tanto, a la segunda mitad del
cuarto de la edición española), cuando ésta cumpla los 18 años; entretanto, ha extendido su
actividad hacia otras creaciones: es guionista de Mon ami Grompf, serie también publicada
por Tchô sobre un niño y su mascota, un enorme y peludo yeti - cuya parte gráfica va a cargo
de otro dibujante, Nob - además de haber realizado un par de cuentos ilustrados para la
editorial Gallimard.
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16
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Lou constituye, por tanto, un valioso aporte al semidesértico - un calificativo lamentablemente
(¿e irremediablemente?) inmutable desde hace casi tres décadas - mercado de ese sector
tan poco “mimado”, al menos aquí en España, y más complejo de lo que muchos se
imaginan, como es el público infantil/juvenil; y que, como todo producto para niños bien
hecho y que no subestima la inteligencia de estos, gustará igualmente al lector adulto,
haciéndonos aguardar ansiosamente el siguiente volumen... aunque para ello habrán de
pasar entre uno y dos años, ya que el quinto álbum - que equivaldría a la mitad del tercero
español - recién ha aparecido en Francia este pasado noviembre. Las cosas buenas, ya se
sabe, suelen hacerse esperar.
ALFONS MOLINÉ
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NEGRO / Baru
La Cúpula. 148 p. B/N. Rústica. 15 €
CERO A LA IZQUIERDA / Pierre Pelot y Baru
Dibbuks. 80 p. Color. Rústica con solapas. 16 €
Si nos guiáramos por la forma en que se ha publicado la obra de Baru entre nosotros,
dispersa en el tiempo y en las editoriales - cuatro hasta ahora - tendríamos que concluir que
se trata de un autor francés que se ha ido redescubriendo intermitentemente pero que no ha
acabado de calar entre nuestro menguado público. Y sin embargo estamos hablando de un
clásico actual de la historieta europea: así lo constatan tres premios de Angulema, uno de
ellos por una obra consecuencia de un encargo de la editorial japonesa Kodansha (que otra
cosa no, pero ojo sí que demostraron tener en su selección de autores). También es cierto
que se trata de un autor que sin ser para nada repetitivo es muy fiel a sus orígenes y a su
estilo, lo que por una parte le ha llevado a ser muy actual sin por ello estar incluido en
corrientes estilísticas de moda y por otra a tratar temáticas que no entran en los campos de
afición de nuestros diferentes frikismos. Y esto último a pesar de que la juventud, edad
mayoritaria entre el público de la historieta, ha sido desde Quequette blues (1984)
protagonista de la mayoría de sus obras.
Precisamente la juventud vuelve a ser el nudo central de las tres narraciones que,
agrupadas en un mismo tomo bajo el título de Negro, ha publicado La Cúpula. Vale la pena,
por una vez, leerse el prólogo, ya que está escrito por el propio Baru y es muy explicativo.
Así nos sitúa el origen de las historias en el tiempo y en su evolución creativa. En cuestión
de fechas, se ubica entre 1995 y 1998, a partir de la realización de La autopista del sol
(1995), el mencionado encargo de Kodansha. Por lo que respecta a opciones de estilo, se
inscriben según sus propias palabras en la voluntad de trabajar una limitación técnica propia:
el blanco y negro, aunque lo hiciera de manera suave , en semitonos…Finalmente, descubrí
la adecuación perfecta de esta técnica gracias a su relativa rapidez de ejecución, a mi
búsqueda de un grafismo nervioso al servicio de una narración dinámica y reactiva. Y no hay
por menos que reconocer que tiene razón ya que sus historias están imbuidas de
movimiento y vitalidad, conseguidos tanto por el diseño de las figuras y la puesta en escena
como por la gestualidad de los cuerpos y la mímica de las caras. Su peculiar síntesis de
simplificación y eficacia expresiva consigue definir situaciones y comunicar de forma muy
directa los estados de ánimo de los personajes. Con ello se consigue un ritmo muy fluido al
tiempo que se implica a la mirada lectora en la narración.
En 1995 y para el volumen colectivo Avoir 20 ans en l'an 2000 (Histoires graphiques de Ed
Autrement), Baru realizó una historia de 21 páginas, con el título de Bonne Année que aquí
se ha traducido, al pasar a ser el primer relato de Negro, por Feliz 2016, con el consiguiente
salto en el tiempo. Es una historia que se ha actualizado en parte con el simple cambio, en
sus tres primeras páginas, de la imagen del político de ultraderecha Le Pen por la de Nicolás
Sarkozy, en la pantalla de una televisión que en la siguiente página volará por los aires para
acabar estrellándose contra el suelo, en un sencillo pero catártico montaje de dos viñetas
verticales. El tono de la historieta es más bien humorístico, ya que juega irónicamente con
los pequeños absurdos y paradojas que provocaría en un futuro cercano el aislamiento de
los suburbios de las ciudades francesas y especialmente la escasez de gasolina.
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18
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En 1998 publicó un libro con el mismo título que la narración anterior, Bonne Année, de la que en parte viene
a ser una prolongación y desarrollo. Aunque también puede ser considerada una actualización Quequette
Blues, en tanto que su narración abarca, como aquella, una serie de anécdotas que suceden a un grupo
de jóvenes en el ámbito de una Nochevieja, sólo que en este caso será la que dará paso al 2016, aunque
en Negro esta historieta de setenta páginas vuelve a viajar temporalmente para convertirse en Feliz 2047. Se
trata pues de una historia de historias de carácter coral en la que el tono humorístico ha dejado paso a otro
más crispado, ya que la pugna entre el vitalismo juvenil y las restricciones que se le intentan imponer de
forma autoritaria sigue provocando situaciones divertidas, pero estas bordean casi siempre el drama. Baru,
desarrolla en esta historieta la situación de aislamiento de los suburbios tanto gráficamente, con muros,
alambradas, zonas abandonadas y controles militares, como a través de la exageración de fenómenos
latentes en la actual sociedad francesa, tales como el racismo y el temor al SIDA. Con ello realiza una
proyección de la forma de vivir, en esa mañana imaginada, de los jóvenes de las clases bajas, los mismos a
los que Sarkozy se refiere continuamente como “Racaille” (chusma). No hay móviles, portátiles, ni redes
sociales, sino grupos de amigos, solidaridades generacionales, identidades en las vestimentas, expectativas
vitales, deseo sexual, escasez de condones, buenas dosis de frustración y mucha incertidumbre. Es evidente
que a través de ese escenario pesimista, Baru denunciaba potenciales peligros que serían confirmados por
la realidad del estallido de los suburbios del otoño del 2005.
Balada irlandesa, la tercera historia de este volumen, retoma el tema de Romeo y Julieta y lo sitúa en la
Irlanda del Norte de final del siglo pasado, cuando el enfrentamiento entre católicos y protestantes se dirimía
más con las armas que con la política. Se trata de la adaptación de un relato del guionista Rodolphe que
Baru realizó en 1996 para un proyecto de revista que no llegó a consumarse. Aporta buenos momentos
gráficos y un final pelín optimista en su escenificación del odio amansado ante el amor juvenil.
Lo contrario de lo que sucede en Cero a la izquierda, traducción de Pauvres Zhéros, donde no hay grandes
sentimientos sino bastas emociones, mezquinos intereses y un final poco feliz para muchos de sus
protagonistas. Esta obra es una adaptación realizada por Baru de la novela del mismo título de Pierre Pelot y
fue publicada originariamente en el 2008 en la colección Rivages/Casterman/Noir, que pretende trasladar al
campo de la historieta el prestigio de Rivages, colección literaria especializada en género negro. En Francia
la confluencia de la novela negra y de la historieta no es algo nuevo, se remonta a una reivindicación común
de su calidad artística en los años sesenta del pasado siglo, y ha producido ofertas editoriales interesantes.
Aquí, entre nosotros ya es otra cosa. Hay que advertir que Pauvres Zhéros no se trata de una novela negra
de intriga al uso con ladrones o asesinos y policías. No, aquí hay una desaparición, pero la trama no se
centra en la aclaración de un misterio mediante la búsqueda y consiguiente investigación. El relato
aprovecha esa ruptura de la normalidad cotidiana y la serie de hechos entre fortuitos y voluntarios que se
desencadena para describir actitudes, valores, prejuicios y situaciones sociales del cerrado entorno de una
pequeña ciudad, o pueblo grande, de provincias. La tensión de la situación empuja a los protagonistas,
perdedores de variado pelaje y miserables triunfadores, hacia una tragedia tan contundente como mezquina
es su atmósfera social.
El hecho de que la obra engrosara la lista de la selección oficial del pasado festival de Angulema habla de la
coherencia, agilidad y credibilidad de la narración. El estilo Baru, aquí de nuevo en color, consigue transmitir
a través de su caricatura la catadura moral de los personajes, dota de fuerza dramática a las situaciones
vulgares y en esta ocasión, aunque menos que otras veces, también consigue momentos de impactante
dinamismo.
PEPE GÁLVEZ
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19
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SERGIO TOPPI: UN VISIONARIO ENTRE DOS MUNDOS / Yexus
Dolmen. 136 p. B/N. Rústica con solapas. 9,95 €
Cuarta entrega, tras las monografías dedicadas a Max, Hermann y Pratt, de la colección de
monográficos “Viñetas” de la editorial mallorquina Dolmen. El autor de la presente
monografía no es otro que el cántabro Yexus, que ya se encargó de inaugurar la colección
con el libro dedicado a Max, y el creador al que está dedicado el texto es el milanés Sergio
Toppi. No vamos a descubrir aquí y ahora quién es Sergio Toppi (sin duda uno de los más
grandes autores de la historia del cómic), más que nada porque eso ya lo hace con detalle,
meticulosidad y brillantez el texto de Yexus.
Lo que sí conviene resaltar desde un principio es que Yexus es, ya desde hace unos cuantos
años, uno de los integrantes más notables del reducido número de críticos/teóricos de
nuestra historieta. A la ya mencionada monografía sobre Max (y a la que nos ocupa) hay que
añadir otras dos obras editadas en su día por Sinsentido: Paisajes bárbaros, aparecida en
2004 y dedicada al personaje conocido como “Conan, el bárbaro”, y Berni Wrightson: el
espacio abisal, publicada en 2007. Además, entre otras muchas labores, ha coordinado
recientemente un magnifico número dedicado a la historieta en la revista Peonza.
Como decía un poco más arriba, Yexus nos ofrece en su monografía acerca de Toppi un
trabajo riguroso, meticuloso y, como es habitual en sus escritos, ameno y didáctico.
Especialmente destacable es el acierto de Yexus a la hora de escoger el autor al que dedicar
su texto, ya que no solo se da la circunstancia de que Sergio Toppi es un autor de un talento
y unas capacidades únicas y portentosas, sino que además en el milanés confluye la
particularidad de ser uno de los creadores que ha jugado en primera persona (junto a otros
autores como Pratt, Crepax o Battaglia, por mencionar tan solo a alguno de sus
compatriotas) un papel protagonista en el proceso de madurez de la historieta de nuestro
viejo continente.
El acercamiento que Yexus hace a la figura de Toppi queda claro desde el propio título de la
monografía, en el que ya se hace hincapié en las dos las características esenciales del
creador milanés. La primera de ellas sería ese carácter de autor adelantado a su tiempo, la
de un creador al que, conscientemente o no, le tocó el papel de ir abriendo fronteras al
campo de la historieta. La segunda característica sería esa forma tan inusual y personal con
la que Toppi conseguía - y consigue, ya que todavía sigue publicando - integrar la narración
secuencial y la ilustración; lo que Yexus llama en su texto la “ilustración narrativa”.
NORMAN FERNÁNDEZ
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20
reseñas
11-M: LA NOVELA GRÁFICA / Guiral, Gálvez y Mundet
Panini. 128 p. Color. Cartoné. 19,95 €
Existen obras que, por muy diversas circunstancias, están llamadas a jugar un papel destacado
en la consideración que se tiene de un medio (como es el de la historieta, en el caso que nos
ocupa) y en la evolución de la visión generalizada sobre él. Una de estas obras es, sin duda,
aquella a la que se refiere la presente reseña. 11-M: la novela gráfica es un volumen unitario,
escrito por Antoni Guiral y Pepe Gálvez e ilustrado por Joan Mundet, y que cuenta con un emotivo
prólogo de Pilar Manjón, presidenta de la “Asociación 11M Afectados del Terrorismo”.
De las diversas maneras que tenían para acercarse a lo sucedido en Madrid el jueves 11 de
marzo de 2004, los autores deciden utilizar como base para la construcción de la narración el
apartado de los Hechos Probados de la sentencia del juicio sobre el 11-M. En palabras de Antoni
Guiral en una magnifica entrevista que realizaron a los autores en la página Web “Zona Negativa”
(http://www.zonanegativa.com/?p=9143): “Desde el principio estuvo claro que había que esperar a
la sentencia y, a partir de ahí, pensar en cómo desarrollarlo. Creo que nosotros sabemos
perfectamente que la historieta es un medio más que capaz para abordar cualquier tema, por
complejo que fuera, y este encargo venía a confirmarlo. Eso sí, ha costado mucho y ha sido
realmente muy complejo, pero creo que ha valido la pena.”
De este modo la obra comienza el 31 de Octubre de 2007, con la lectura pública de la sentencia
del 11-M y a partir de ahí, a través de diferentes idas y venidas en el tiempo, se nos irá
desgranando lo que sucedió antes, durante y después de los atentados. Pero, afortunadamente
para los lectores, los autores toman también la decisión de no limitarse a hacer una descripción
ilustrada de los hechos tal y como los describía la sentencia e introducen tres personajes ficticios un periodista, un policía y la familiar de una de las víctimas mortales - que les facilitan un contexto
dramático y, a la par, les posibilitan el humanizar la obra, introduciendo con ellos la empatía, algo
totalmente necesario para entablar la realización de una obra de esta naturaleza.
Formalmente muchos son los aspectos que hay que destacar de 11-M: la novela gráfica. Para
empezar, Antoni Guiral y Pepe Gálvez demuestran una innegable habilidad para estructurar el
guión, sin que la cantidad de información que se ofrece lastre la narratividad. Prueba de ello es
que 11-M: la novela gráfica es un libro, por momentos, densamente poblado de textos de apoyo y,
por momentos, silencioso y reflexivo. Por su parte, Joan Mundet realiza un trabajo sobrio,
detallado y, como sus guionistas, sabe integrar toda la información (en su caso, visual) que existe
sobre los atentados. Tal vez la mejor manera de explicar la bondad del trabajo de los autores sea
acudiendo a la brillante forma en la que solucionan la secuencia de las explosiones en los trenes.
Volviendo al principio de este texto, allí manteníamos que 11-M: la novela gráfica es un cómic
destinado a modificar la consideración general sobre la historieta. Tal afirmación deriva de la
combinación de dos elementos: el primero es que, debido a la naturaleza del tema que trata,
posibilita que se acerque a la historieta un segmento de público que habitualmente no la consume.
Y lo que se encuentra ese público es el segundo elemento del que hablábamos: la demostración
palpable de que el cómic es un medio de expresión que puede abarcar cualquier tipo de temática
y sensibilidad. Máxime cuando se hace con talento, respeto y empatía, como sucede en este
caso.
NORMAN FERNÁNDEZ
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21
reseñas
LOS CUATRO RÍOS / Fred Vargas y Baudoin
Astiberri. 224 p. B/N. Rústica con solapas. 18 €
Creo que en pocas ocasiones el epígrafe “novela gráfica” habrá tenido tanto sentido como en
ésta. ¿Por qué? ¿Porque se pone en imágenes una novela? No; Los cuatro ríos es una
historia escrita por Fred Vargas, autora de novela negra, para ser transmitida en viñetas por
Baudoin, figura clave de la nouvelle bande dessinée por sus aportaciones, por romper
esquemas, por crear nuevos, como referente. ¿Porque es una historia larga, para adultos, en
blanco y negro y pieza única? Es todo eso, pero es más. Y una “novela gráfica” también
puede publicarse a todo color. ¿Porque incluye elementos de la narrativa literaria y de la
narrativa gráfica? Los incluye. Pero no divaguemos; no se trata de una obra con largas
porciones de texto que se mezclan con páginas en viñetas. ¿Entonces? Entonces es que, tal
vez, la “novela gráfica” sea algo más que un formato; sea una forma de narrar. ¿Por qué?
Analicemos Los cuatro ríos.
Hay una historia policíaca; el embrión, mejor dicho, podría parecer el de una historia
policíaca. ¿El embrión? Sí, la carcasa, incluso la estructura. Un pequeño robo perpetrado por
dos jovenzuelos deviene en un asesinato y en la búsqueda del asesino. La obra plantea el
conocimiento de los dos ladronzuelos y, posteriormente, de su víctima; también el asesinato
de uno de ellos por parte de la víctima, y el inquietante contenido de la bolsa que le han
robado y que ha ido a parar a manos de Grégoire, un adolescente que recoge chapas y latas
de cerveza para su padre, escultor obsesionado con “La fuente de los cuatro ríos”, obra del
italiano Gian Lorenzo Bernini. ¿Inquietante contenido? Dientes, pelos humanos, utensilios
para la magia negra… y una gran cantidad de dinero. ¿Qué pasa con Grégoire? Tiene la
bolsa y se convierte en el objetivo de su dueño, un extraño viejo, una especie de maestro de
un culto propio que utiliza a su protegida para atraer al chaval. ¿Lo consigue? Sí, pero, como
en toda buena novela policíaca, el argumento da un giro inesperado, sobre todo con la
aparición del comisario Adamsberg, atípico policía que ha protagonizado varias novelas de
Fred Vargas. ¿Cuál es ese giro? No viene al caso. ¿Pero hay algo más que un argumento
detectivesco? Una historia de humanidad. De personajes variopintos encerrados en su
concha, sin posibilidad de escape. ¿Una lectura moral? No en el sentido estricto, pero sí, hay
una ética particular en sus decisiones, en sus actos. ¿Marcan el argumento con esos actos?
Lo complementan, lo enriquecen; todos ellos - el padre, Grégoire, sus hermanos, el
comisario, su ayudante Danglard, el asesino, Estelle, su protegida, incluso los personajes
episódicos -, todos ellos, digo, marcan el compás de la narración y aportan mimbres a una
compleja cesta de obsesiones y sentimientos.
Pero volvamos al concepto de “novela gráfica”. ¿Por la narración? Uno de los puntos clave.
¿Cómo deviene? Con la inteligencia de quien sabe que está trabajando con herramientas
inherentes a la historieta. ¿Hay mucho texto? No necesariamente. Los textos no explican el
dibujo, es el dibujo el que ayuda a avanzar al texto. ¿Cómo? Es particularmente
enriquecedor el formato para exponer los muchos diálogos de la obra. Baudoin esquiva
adrede el plano-contraplano; las páginas de diálogos parten de una imagen o de las cabezas
de quienes hablan, el diálogo fluye, no se estanca, es una réplica-contrarréplica constante.
¿Y eso es historieta? Sí, cuando forma parte de un todo; Baudoin cose estas páginas con
otras casi mudas, que relajan el tiempo, imponen silencios, hablan sin diálogo. ¿Una mezcla?
No, un todo. El formato de libro es aquí un componente básico de la obra, la regula; se trata
de una historieta con cadencias, en la que el dibujo es voz. ¿El dibujo es voz? Sí, cuando el
trazo de Baudoin es libre pero medido, adaptable al ritmo de lectura y a las sensaciones que
buscan - y encuentran - al lector. El de Baudoin es un pincel a mano alzada, justo en su
medida, evocador o figurativo, pero al servicio de la historia. ¿Es una lectura fácil? No, en
ninguna parte está escrito que una historieta, que una obra formulada en un medio de
comunicación, tenga que serlo. Entendiendo por fácil lo obvio. Los cuatro ríos exige al lector,
pero también le invita a participar. ¿Recomendable, entonces? Absolutamente.
ANTONI GUIRAL
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reseñas
SCOTT PILGRIM / Brian Lee O’Malley
De Bolsillo. 168 p. B/N. Rústica. 8,50 €
Hacer una reseña de los primeros volúmenes de Scott Pilgrim es una tarea complicada.
No porque el tebeo lo sea, que no lo es, sino porque uno desearía que el lector de turno
se acercara a esta obra con la misma falta de referencias que el que esto escribe, y que
es una de las gracias, aunque no la única, de este tebeo. Así que, si no queréis que me
ventile esta reseña en una sola línea (“comprad Scott Pilgrim”) dejadme que hoy hable
más de sensaciones que de argumentos. Esta última parte la tendréis que descubrir
vosotros pasando por vuestra librería especializada o biblioteca más próxima.
De buenas a primeras podríamos decir que Scott Pilgrim es un tebeo fruto de la
globalización (algún aspecto positivo tenía que tener ¿no?) ya que no se me ocurre otra
manera de explicar la extraña amalgama de influencias que se desprende de la lectura
de cualquiera de sus volúmenes. Para empezar el autor, Brian Lee O'Malley, es
canadiense y este hecho, a priori (y es una apreciación completamente personal), de
algún modo tiene que notarse en su forma de trabajar. Sobre todo porque la falta de una
industria propia (los autores canadienses, al igual que los españoles, siempre han tenido
que cruzar la frontera para poder ganarse el pan) les ha permitido estar libres de las
tradiciones, o limitaciones, temáticas e industriales propias de los países con estructuras
comiqueras más consolidadas (EEUU, Japón, Francia...). Y para más muestras otro
botón: el Wonton soup de James Stokoe también publicado en EEUU por Oni Press es
otro ejemplo de tebeo “raro” y sorpendente.
Esta “libertad mental” de los autores puede ser uno de los motivos por los que en Scott
Pilgrim no hay normas. Y si las hay se pueden romper en cualquier momento, siempre a
gusto del autor. Con un grafismo a medio camino entre el manga y el cómic
independiente, un argumento costumbrista (ay, el amor), toques de juegos de ordenador,
los mangas de tortas estilo Naruto (en serio), pinceladas musicales, mucho humor y una
extraña auto conciencia de su naturaleza comiquera, es difícil no sentirse sorprendido
por los derroteros que toma el guión de O'Malley continuamente.
Sin embargo, el peligro para Scott Pilgrim es su alta posibilidad de pasar desapercibido
por parte de la mayoría de lectores. No sólo por la tan manida crisis que provoca que
reduzcamos las compras y, sobre todo, que nos arriesguemos menos en obras más
desconocidas sino porque su publicación por parte de Mondadori (editorial muy
prestigiosa en la edición de libros pero que en esto de las páginas con monigotes y
globos de texto es una principiante) puede significar que el radar de los lectores
habituales no lo detecte. Pero, oye, quizás eso provoque que llegue a un público más
generalista. Puede. Aunque francamente lo dudo. Y sería una pena que no se le diera
una oportunidad más que merecida. Por ahora nos han llegado los dos primeros tomos;
seamos optimistas y esperemos que se publiquen los cuatro siguientes que conforman
una de las obras más frescas y sorprendentes de los últimos tiempos.
HÉCTOR CALVET
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reseñas
AS DE PIQUE / Ricardo Barreiro y Juan Giménez
Dolmen. 224 p. B/N. Cartoné. 25 €
Muchos son los motivos por los que esta edición integral que Dolmen Editorial nos ofrece de
la serie As de Pique se nos antoja como un producto imprescindible. Empezando por el final,
uno de estos motivos es la magnífica edición que la editorial mallorquina, en su línea
coordinada por Jorge Iván Argiz, ha realizado del mítico trabajo escrito por Ricardo Barreiro e
ilustrado por Juan Giménez, integrando los 23 episodios de la serie en un solo tomo de
factura impecable.
As de Pique, que debe su nombre al del bombardero norteamericano de la Segunda Guerra
Mundial que la protagoniza, se publicó originariamente entre 1977 y 1979 en la revista
argentina Skorpio. Supuso en su momento el arranque de la portentosa carrera de su
dibujante, y el inicio de su fructífera colaboración con Ricardo Barreiro, que dará lugar a otras
grandes obras como Ciudad o War III. Aunque es innegable que, por momentos, se deja
notar ese carácter primerizo de Juan Giménez, por ejemplo en esa tendencia a recargar el
dibujo, poblando las viñetas de detalles superfluos. No puede dejar de resaltarse la inusitada
fuerza expresiva de su trazo, así como su más que notable capacidad para descomponer en
imágenes la acción: algo especialmente importante para algo tan difícil de visualizar como
son los combates aéreos.
Ricardo Barreiro, que ya había realizado algún trabajo más que Juan Giménez (Slot Barr, por
ejemplo, con Francisco Solano López), no puede tampoco evitar algún detalle que destapa
un cierto carácter primerizo: en especial en algunos casos en los que los personajes de dan
unos a otros una serie de informaciones que todos conocen o que están fuera de lugar, para
que el lector las conozca (mi favorita aparece en la segunda viñeta de la página 92 de la
edición de Dolmen). Pero, como sucede en el caso de su dibujante, los aciertos son muchos
más que los defectos y, así, Barreiro va construyendo unas historias con un profundo sentido
humanista, alejadas de cualquier atisbo de épica. Especialmente destacables son algunas de
ellas, como las dos que llevan por título “El juego del gato y el ratón”, en las que se nos
ofrecen dos versiones de una misma acción, primero desde el punto de vista de los militares
norteamericanos y luego desde la visión de los aviadores alemanes. Eso por no mencionar
las diferentes historias que van mostrando los efectos sobre la población de los ataques de
los bombardeos aliados.
En resumen, podemos decir que estamos ante una obra capital de la historieta realizada en
castellano, que ahora Dolmen nos acerca en una edición imprescindible para todos aquellos
que no la conozcan y definitiva para quienes ya la habíamos disfrutado en su momento.
NORMAN FERNÁNDEZ
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microreseñas
POR JAUME VILARRUBÍ
CÓMICS QUE A MI PARECER QUIZÁS HAYAN PASADO DESAPERCIBIDOS
(Y ES UNA PENA)
EL REY DE LAS MOSCAS VOL. 1: HALLORAVE / Mezzo y Pirus
La Cúpula. 64 p. B/N. Cartoné. 18 €
Victor Mezzo y Michel Pirus son dos autores franceses cuyas obras
destilan género negro surrealista con muy mala leche, a medio camino
entre la parte más oscura de Tarantino y la parte más surrealista de David
Lynch. Todo esto aliñado con evidentes influencias de la cultura
norteamericana y de lo más decadente del American way of life. Dicho
esto, que debe aclarar poco, advierto que estamos ante un cómic enorme,
arrebatador y angustioso, pero de un maléfico magnetismo que nos
mantendrá enganchados (obligado leer Negro Oscuro).
Y sí, efectivamente, el siguiente silogismo es cierto: ¡si te gustó Agujero
Negro, éste es tu cómic!
VAQUERO / Jordi Pastor
De Ponent. 85 p. Bitono. Rústica. 15 €
Tercera obra de empaque del autor i realizador barcelonés Jordi Pastor
después de las prometedoras Reacción y Encuentro. Vaquero no es más
que una tragicomedia urbana en la que una estatua viviente de la Rambla
barcelonesa luchará por huir de sus miserias y de las de sus compañeros.
Una lucha diaria por la supervivencia entre inmigrantes con la fortaleza de
la esperanza por bandera en la otra Barcelona, la que nunca aparece en
las postales. Mencionar también la mimada edición que emula aquellas
novelas de género que tanto placer repartieron antaño, un homenaje nada
casual.
Para más info la excelente página web que ha confeccionado el autor no
tiene desperdicio: http://vaquerocomic.blogspot.com/
UN PUEBLO BLANCO: EL BAR DEL BARBUDO / Tomeu Pinya
Planeta-DeAgostini. 96 p. B/N. Cartoné. 9,95 €
Primera obra publicada por Planeta de este joven y prometedor autor
mallorquín, en la que en forma de comedia coral vemos como las vidas de
unos asiduos clientes a un bar de pueblo se entrelazan de forma
apasionada y vehemente. Una historia que se lee con facilidad y que deja
una enorme sonrisa de oreja a oreja, perfecta para apagar la luz, taparse,
y dormir el sueño de una noche de verano.
Realmente el autor podría desarrollar más algunos personajes, es buena
señal que sepa a poco, por lo que le animo a seguir con la trayectoria de
estos personajes más allá. Creo que Alex Robinson lo hubiera hecho.
[Continúa en la página siguiente…]
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microreseñas
POR JAUME VILARRUBÍ
[… Viene de la página anterior]
TEKKON KINKREET / Matsumoto Taiyou
Glénat. 616 p. B/N. Rústica. 20 €
Sorprendente manga de dibujo poco habitual y con el aliciente de
encontrar en un solo tomo (eso sí, suficientemente grueso) una historia
completa, que además también cuenta con una adaptación animada
absolutamente genial. Los protagonistas, Shiro (blanco) y Kuro (negro)
son dos niños de extraordinarias habilidades que viven en la calle al
margen de toda ley y toda norma: ellos son la norma, y ellos deciden
sobre el concepto de bien y mal. En un barrio decadente se tendrán que
enfrentar al poder del establishment Yakuza, una lucha a cara o cruz, a
vida o muerte.
Una narración trepidante y formalmente muy original, y con un guión a la
altura de las mejores expectativas.
TERMINAL CITY / Dean Motter y Michael Lark
Planeta-DeAgostini. 232 p. Color. Rústica. 16,95 €
Edición por parte de Planeta de la primera saga de Terminal City en un
solo tomo, una obra previamente publicada por Norma dentro de la línea
Vertigo, a finales de los noventa, y que no puedo más que reivindicar una
y otra vez por su gran calidad en todos sus aspectos: argumento, guión,
resolución, profundidad, dibujo, etc.
En este cómic retro-futurista (es decir ambientado en el futuro como era
visto desde nuestros años 30), cuatro personajes provinentes del mundo
del espectáculo se encuentran en pleno declive, una vez que sus
facultades han perdido el poder de fascinación que tuvieron años atrás en
la ciudad de Terminal City. Desde su decadencia intentarán ajustar
cuentas pasadas pero no olvidadas.
IBICUS (OBRA COMPLETA) / Pascal Rabaté
Glénat. 536 p. B/N. Cartoné. 24 €
Últimamente veo una agradable tendencia, muy habitual en Francia: la
reedición de grandes títulos en un solo volumen, en buenas ediciones, y a
precios bastante ajustados (en ocasiones). Desde las obras de Bourgeon
hasta Sambre, no puedo evitar destacar una obra de la talla de Ibicus, del
francés Pascal Rabaté, que se alzó con el premio Alph Art a mejor obra
en Angoulême el año 2000.
En ella Simeón se lanza en busca de la riqueza prometida por una gitana
en medio de la revolución rusa. Desde lo más profundo de la infamia
hasta lo más alto de la codicia de la condición humana, nuestro
protagonista luchará por sobrevivir en un mundo sumamente hostil y cruel.
Para mí la mejor obra de este autor, que no tiene pocas, y muy buenas.
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26
novedades recomendadas
POR DAVID CUADRADO
Autores españoles y sudamericanos
Agrimbau, Diego; Ippoliti, Gabriel. Planeta Extra. Planeta-DeAgostini. 80 p. Color. Cartoné. 13,95 €
Almendros, Felipe. Save our souls. Apa Apa. 136 p. B/N. Rústica con solapas. 15 €
Bartual, Manuel. ¡Escucha esto! Astiberri. 96 p. Color. Cartoné. 16 €
Bonet, Enrique; Munuera, José Luis. El juego de la luna. Astiberri. 134 p. B/N. Cartoné. 21 €
Busquet, Josep; Pol. La sonrisa del mono. Planeta-DeAgostini. 48 p. Color. Cartoné. 9,95 €
Bustos, Luís. Zorgo vol. 2. Dibbuks. 48 p. Color. Rústica. 12 € INFANTIL
Campos, Purita. Heidi. Glénat. 64 p. Color. Cartoné. 14,95 € INFANTIL
Campos, Purita; Douglas, Philip. Esther y su mundo vol. 9. Glénat. 112 p. Color. Cartoné. 17,95 € INFANTIL
Calatayud, Miguel. Peter Petrake: de los años 70 al siglo XXI. El Patito. 96 p. Color. Rústica. 20 €
Cosnava, Javier. Un buen hombre. Glénat. 82 p. Color. Cartoné. 18,50 €
Costa, Jordi; Adanti, Darío. Mis problemas con Amenábar. Glénat. 48 p. Color. Rústica. 9,95 €
Crespo, Borja; García, Chema. Corto Cuentos. Astiberri. 128 p. Color. Cartoné. 17 €
Entrialgo, Mauro. El demonio rojo: siga usted todo tieso. La Cúpula. 62 p. Color. Cartoné. 16 €
Entrialgo, Mauro. Ángel Sefija con el sexto sentido. Astiberri. 80 p. Color. Rústica con solapas. 13 €
Fonollosa, José. El viaje de Darwin vol. 3: la pampa. Planeta-DeAgostini. 48 p. Color. Cartoné. 9,95 €
Fontdevila, Manel; Monteys, Albert. ¡Para ti que eres joven!: cantan en español. El Jueves. 192 p. B/N. Rústica. 7,50 €
García, Santiago; Olivares, Javier. El extraño caso del Doctor Jekyll y Mister Hyde. SM. 32 p. Color. Cartoné. 9,20 € INFANTIL
García, Santiago; Pérez, Pepo. El vecino vol. 3. Astiberri. 72 p. Color. Cartoné. 16 €
Gómez, Ricardo; Ríos, Emma. Amadís de Gaula. SM. 32 p. Color. Cartoné. 9,20 € INFANTIL
Hernández, Beto. Hablando del diablo. La Cúpula. 130 p. B/N. Cartoné. 18 €
Ippólito, Abel. Nosotros las bestias. De Ponent. 172 p. B/N. Rústica. 16 €
Lorenzo, Enrique. El médico a palos. SM. 32 p. Color. Cartoné. 9,20 € INFANTIL
Martín, Miguel Ángel. Surfing on the third wave. Sins Entido. 278 p. Color. Cartoné. 24,95 €
Martín, Óscar. Solo vol. 2: los supervivientes del caos. De Ponent. 64 p. Color. Cartoné. 18 €
Mediavilla, Juan; Gallardo, Miguel. Makoki: fuga en la modelo. La Cúpula. 78 p. B/N. Cartoné. 16 €
Robledo, José; Toledano, Marcial. Ken Games vol. 2: Feuille. Diábolo. 48 p. Color. Cartoné. 15,95 €
Rubín, David. El monte de las ánimas. SM. 32 p. Color. Cartoné. 9,20 € INFANTIL
Ruiz, Emilio; Miralles, Ana. De mano en mano. De Ponent. 48 p. Color. Cartoné. 18 €
Trillo, Carlos; Fernández, Fernando. La leyenda de las cuatro sombras. Glénat. 70 p. Color. Cartoné. 19,95 €
Vázquez, Manuel. Super humor clásicos vol. 9: Anacleto agente secreto. Ediciones B. 192 p. Color y B/N. Cartoné. 15 € INFANTIL
Vermut, Carlos; De la Iglesia, Álex. Plutón B.R.B. Nero: la venganza de Mari Pili. Astiberri. 94 p. Bitono. Cartoné. 14 €
Vergara, Bernardo. El mundo según Ptolomeo. Diábolo. 80 p. Color. Rústica. 13,95 €
VV.AA. Historias tremendas. Glénat. 258 p. B/N. Cartoné. 19,95 €
Zapico, Alfonso. La guerra del Profesor Bertenev. Dolmen. 80 p. Color. Cartoné. 18,95 €
Autores europeos
Abadzis, Nick. Laika. Glénat. 208 p. Color. Rústica. 19,95 €
Abirached, Zeina. Me acuerdo. Sins Entido. 95 p. B/N. Rústica con solapas. 12 €
Balac; Yslaire, Bernard. Sambre (integral). Glénat. 304 p. Color. Cartoné. 45 €
Baru. Negro. La Cúpula. 144 p. B/N. Rústica con solapas. 15 €
Baudoin, Edmond. Arlerí. Astiberri. 104 p. Color. Cartoné. 18 €
Berberian, Charles. Sacha. Bang. 168 p. B/N. Rústica. 13,50 €
Bertho, Pascal; Boidin, Marc Antoine. Chéri-Bibi. Planeta-DeAgostini. 170 p. Color. Cartoné. 15,95 €
Blain, Christophe. Gus vol. 3: Ernest. Norma. 88 p. Color. Cartoné. 17 €
Brávo, Émile. Las aventuras de Spirou y Fantasio de Émile Bravo: diario de un ingenuo. Planeta-DeAgostini. 72 p. Color. Cartoné. 10,95 €
Briggs, Raymond. Gentleman Jim. Astiberri. 32 p. Color. Cartoné. 12 €
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27
novedades recomendadas
POR DAVID CUADRADO
Dabitch, Christophe; Flao, Benjamin. La línea de fuga. Norma. 120 p. Color. Cartoné. 17 €
Duchazeau, Frantz. El sueño de Meteor Slim. Ponent Mon. 160 p. B/N. Rústica. 15 €
Forest, Jean-Claude; Gillon, Paul. Los náufragos del tiempo vol. 2 y 3. Glénat. 112 / 114 p. Color. Cartoné. 19,95 €
Goscinny, René; Uderzo, Albert. El aniversario de Astérix y Obélix: el libro de oro. Salvat. 56 p. Color. Cartoné. 12 €
James. Como un lunes. Bang. 160 p. B/N. Rústica. 12,50 €
Jourdy, Camille. Rosalie Blum vol. 1: una sensación conocida. La Cúpula. 128 p. Color. Rústica. 18 €
Loisel, Régis; Tripa, Jean-Louis. Magasin General vol. 4: confesiones. Norma. 80 p. Color. Cartoné. 17 €
Marazano, Richard; Durand, Michel. Cuervos (integral). Glénat. 192 p. Color. Cartoné. 24 €
Midam. Kid paddle vol. 6: rodeo blork. Norma. 48 p. Color. Cartoné. 10 € INFANTIL
Milani, Mino; Pratt, Hugo. Sandokán vol. 1: el tigre de Malasia. Norma. 80 p. B/N. Cartoné. 19 € (també disponible en català)
Moebius (Jean Giraud). Inside Moebius vol. 1. Norma. 220 p. Color. Cartoné. 29 €
Pelot, Pierre; Baru. Un cero a la izquierda. Dibbuks. 80 p. Color. Rústica con solapas. 16 €
Pratt, Hugo. Diario de guerra vol. 2. Panini. 272 p. B/N. Cartoné. 15 €
Sente, Yves; Rosinski, Grzegorz. Thorgal vol. 31: el escudo de Thor. Norma. 48 p. Color. Rústica. 9 €
Sfar, Joann; Guibert, Emmanuel. Sardina del espacio vol. 1 y 2. Planeta Junior. 128 p. Color. Rústica. 9,95 € INFANTIL
Sís, Peter. El muro. Norma. 48 p. Color y B/N. Cartoné. 16 €
Stento, Samuel; Trouillard, Guillaume. La estación de las flechas. Sins Entido. 104 p. Color. Cartoné. 19 €
Tome; Janry. El pequeño Spirou vol. 8: ¡tienes que aguantarte! Kraken. 48 p. Color. Cartoné. 14 € INFANTIL
Trondheim, Lewis. Lapinot y las zanahorias de la Patagonia. Astiberri. 512 p. B/N. Rústica. 35 €
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Davis, Jim. Garfield vol. 1: 1978-1980. Planeta-DeAgostini. 320 p. B/N. Cartoné. 16,95 € INFANTIL
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