Arte Abstracto rte Abstracto

rte Abstracto
Arte
Arte que no imita ni representa directamente la realidad
exterior, tanto si el artista no se inspira en la realidad como si
el tema no puede descifrarse. Se basa en la idea de que el
color y la forma tienen su propio valor artístico.
Este movimiento artístico está considerado como una de
las vanguardias históricas que se comienza a desarrollar durante los primeros años del siglo XX.
Behind the sun (1943)
Anni Alberts
Diseño para una manta
Lola Massieu
Bodegón (1950-54)
Óleo sobre lienzo
Ciel Noir
Óleo sobre lienzo
Jacqueline Lamba
(1910-1993)
Sonia Delaunay
(Ucrania 1885-1979)
Estudia dibujo Ucrania y en París
en la Académie de la Palette. Colabora en el desarrollo del orfismo realizando un tipo de pintura pura y abstracta donde el color es a la vez forma y tema.
Durante la década de los años
veinte Sonia trabajó fundamentalmente en tejidos y tapices estampados a mano, y como diseñadora produjo un fuerte impacto en el mundo
internacional de la moda. Trabajó como diseñadora de decorados y vestuario para los ballets rusos. Tras una
temporada en Madrid, se establece
en París, donde se integra en los ambientes surrealistas.
Sonia Delaunay se convirtió en
la primera mujer que vio en vida sus
cuadros expuestos en el Louvre.
Su trabajo se caracteriza por una
reconstrucción de la forma sólo por
el color.
Sin título
Boceto de diseño de moda
In Spite of Everything (Spring 1942)
Le Puits
Óleo sobre lienzo
Ha sido
conocida hasta
ahora por ser la
esposa de André
Breton.
Independiente de
carácter y de
elegancia
excéntrica en sus
atuendos, fue una
pintora notable
cuya obra está
inmersa en el
surrealismo
primero y en una
abstracción lírica
más tarde. Su rasgo
más personal son
las luces: extrañas,
metafísicas, como
llamas, primero, y
como chispazos
después, que
aparecen en casi
todas sus obras.
rte optico
Arte
El arte óptico es, sobre todo, un arte abstracto, basado muchas veces en figuras geométricas, que explora en particular las posibilidades de la luz y el color para producir sensaciones ópticas, visuales, de tipo dinámico.
Por encima de lo demás, es un arte ilusionista.
Se trata de crear una ilusión visual; por tanto, conceptos como óptico, visual, retinal,
sirven para descubrir estas obras.
La imagen es casi una, y los colores ondean con una intensidad tan deslumbrante que
parecen distorsionar el lienzo.
Se usa la repetición de las formas simples. Los colores crean efectos vibrantes, con gran
efecto de profundidad.
El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve; aunque la ondulación no
sea real, el efecto es de total dinamismo. En la retina se perciben oscilaciones, altibajos,
formas que emergen y se retraen.
Bridget Riley
(Inglaterra 1931)
Pintora inglesa, sus primeras obras muestran un
estilo impresionista, para evolucionar hasta el puntillismo hacia 1958, época en la que pintaba sobre todo
paisajes. Creó complejas configuraciones de formas
abstractas diseñadas para producir efectos ópticos
llamativos.
Alcanzó una gran reputación a través de las obras
abstractas que ejecutó en la década de 1960, una pintura
de grandes superficies de colores planos, antes de realizar numerosas obras en blanco y negro. En su segunda
etapa se concentró en la creación de series de formas
geométricas, sutilmente diferentes en tamaño y forma
para conseguir un remarcado sentido de movimiento.
Riley experimentó con otro tipo de mecanismos
ópticos, pintando líneas con colores puros complementarios, cuya yuxtaposición afectaba a la percepción brillante de los colores.
Mosaico
Arcane
Acrílico sobre tela
ubismo
Cubismo
Mirta Cerra
(La Habana1904-1986)
El cubismo es un estilo pictórico que fue creado conjuntamente por
Braque, Picasso y otros artistas en el periodo de 1907 a 1914 y que
rápidamente fue adoptado y adaptado por muchos otros artistas.
El cubismo es la más radical y revolucionaria forma de representación desde el Renacimiento, pues abandona el punto de vista único y
fijo que dominó la pintura europea durante siglos por una multiplicidad de puntos de vista que, simultáneamente, representan los objetos
y figuras en la misma pintura.
Su obra se interesa por lo social, refleja
personajes de la ciudad o del campo, o el paisaje urbano.
En sus paisajes de La Habana rescata una
ciudad colonial antes que moderna en cuadros en los que irrumpe a veces el neón; se
introduce en ellos el reclamo comercial, pero
ello sólo para contrastar y subrayar la belleza
del vitral, de los guardavecinos, de la persianería francesa, de los balcones y las tejas.
Retrata una urbe romántica, por momentos
caótica.
El cubismo resulta una fuente de las más
preciadas para Mirta. Considerada neocubista, vuelve su mirada al momento inicial del
cubismo (fragmentación de las formas en
planos).
Bodegón
con instrumentos
La Habana
Nadezhda Udaltsova
(1885-1961)
Cocina (1915)
Asimiló los postulados cubistas y asistió
a las clases de la Académie de La Pallette en
París.
A lo largo de su carrera Udaltsova desarrolló el cubismo hasta sus últimas consecuencias como un ejercicio de análisis y
«deconstrucción».
Para ella la forma, la estructura y la
composición eran la esencia de la pintura. Se
familiarizó también con el futurismo italiano
y la representación de movimientos rápidos
a través del espacio.
Expuso con el grupo de “La Sota de
Diamantes”, defensores de la importancia de
Cézanne y Picasso. Realizó algunas composiciones suprematistas en acuarela y aguada
pero sobresale por sus magníficos óleos
cubistas.
Liubov Popova
(1889-1924)
Nace en Ivanovskoe en una familia de comerciantes
culta y acomodada. Estudia arte, viajó por Rusia e Italia y
en 1912 trabaja en un estudio en Moscú, donde coincide
con Vladimir Tatlin y Alexei Grishchenko entre otros, y
se adhiere al cubismo interesándose más tarde por el
futurismo.
Diseñó trajes y decorados para diferentes obras de
teatro y trabajó en diseños textiles. Impartió clases en la
Escuela de Arte y Teatro Vkhutemas e ingresó en el Instituto de Cultura Artística Inkhuk, centro de las teorías
constructivistas.
Popova fue una de los miembros principales de la
vanguardia rusa a pesar de su prematura muerte. Prestó
gran atención al color y al espacio y le interesaba mucho
el valor arquitectónico de un cuadro. Rechaza la cualidad
perspectivista del color, lo que apunta a una concepción
de la pintura como un arte de superficie alejado del papel
tridimensional y por ello ilusionista, al abandonar la perspectiva, el espacio y el volumen más propios del relieve y
de la arquitectura.
adaísmo
Dadaísmo
Mujeres
y Pintura
El dadaísmo tiene su origen durante la Primera Guerra Mundial, cuando coincidieron en Zurich varios exiliados procedentes de distintos países europeos.
Expresaron su visión del mundo y del arte a través de una serie de acciones destructivas, y con un sentido del
humor imaginativo y crítico, utilizaron las palabras libres y los ruidos-música.
Entre las negaciones del dadaísmo se encuentra el arte mismo, que es rechazado como una parte importante del sistema que ha hecho posible la guerra.
Son características del dadaísmo la repulsa de la «artesanía», de la intención, de la «seriedad», etc. Esta
actitud permite liberar fuerzas creadoras, y aparecen nuevos medios expresivos: el fotomontaje, el colaje, la
«pintoescultura matérica», los «objetos encontrados», etc .
Hannah Hoch
(Alemania 1889-1978)
Artista alemana. Miembro del dadá berlinés. Practicó el fotomontaje y
el colaje; y a partir de 1916 se dedicó a la pintura abstracta y surrealista y creó objetos dadaístas.
Fotomontaje (1919)
Fotomontaje (1919-20)
Fotomontaje (1923)
El expresionismo persigue la expresión de los sentimientos y emociones dejando en segundo término la representación de la realidad.
El objetivo es lograr el impacto emocional del espectador a través
del colorido, las formas retorcidas, la composición agresiva, etc.
Se vale de una acentuación o deformación de la realidad para conseguir expresar adecuadamente los valores que se pretende poner
en evidencia.
Para ello cualquier recurso plástico es válido, y la técnica y el empleo de materiales es elegido por la artista.
O’Keeffe (1970)
xpresionismo
Expresionismo
O’Keeffe (1908)
Georgia O'Keeffe
(Estados Unidos 1887-1986)
Antonieta Raphael
La Pettinatrice
Antonieta Raphael
Fantasía
Antonieta Raphael
Desnudo
Estudió arte en Chicago y Nueva York, se dedicó a la enseñanza, que abandona en 1917 para dedicarse íntegramente al arte.
Sus cuadros son casi abstractos, basados en ampliaciones de plantas y flores. Se trata de obras de gran elegancia y vitalidad, con formas sensuales
llenas de sugerencias sexuales, paisajes urbanos en los que la ciudad se transforma en unas imágenes fantásticas con unas composiciones de formas
geométricas muy coloristas, y es frecuente que aparezca el paisaje del desierto en sus cuadros.
A partir de 1953 comenzó a viajar intensamente visitando Egipto, Grecia, Oriente Medio... y en la década de los sesenta, inspirándose en los vuelos
aéreos, introduce en sus telas vistas de la tierra, del cielo y de las nubes contempladas desde un avión.
Tenía el don de ver y el interés por pintar las formas abstractas de las cosas visibles sin abandonar del todo la apariencia natural de éstas.
Sin título
Flores (1925)
Serie Desnudos VIII
Desnudo XII
auvismo
Fauvismo
El fauvismo es el primer movimiento revolucionario artístico del siglo XX.
La denominación deriva de la palabra «fauves» (fieras).
Se desarrolla durante los años 1903 a 1907.
Se caracteriza por una desmedida pasión por un uso violento y salvaje del
color hasta llegar a la exaltación o la violencia, sin mezclas o matices. El color
se independiza del objeto, haciendo un uso arbitrario de éste respecto de la
naturaleza, cuyo resultado son rostros verdes, árboles azules, mares rojos,
rosáceos o violetas, sus tonos preferidos.
Además se recurre a la extrema simplificación de formas y elementos: los
objetos y los contornos se perfilan con pinceladas gruesas, anchas, bastas y se
rellenan con manchas de color planas.
Destaca la interpretación lírica y emocional de la realidad con temas agradables, en especial paisajes o retratos.
La profundidad desaparece.
María Blanchard dando clase
Natalia Gontcharova
Títulos desconocidos
María Blanchard
(1881-1932)
María Gutiérrez-Cueto Blanchard nace en Santander en
una familia de la burguesía culta que apoyó siempre su temprana
vocación artística.
Estudia pintura en Madrid y se traslada a París con una beca,
donde su pintura se acerca al fauvismo. Con posterioridad su
obra deriva hacia el cubismo. Ejerce de profesora de dibujo en
Salamanca y vuelve definitivamente a París en 1916.
Su obra fue figurativa académica, de dibujo firme y tonos
sobrios con predominio de las escenas costumbristas, pasando
por una etapa fauvista y más tarde una etapa cubista, de intensos
contrastes cromáticos y construcción monumental en la forma,
con unas notas expresionistas muy personales.
Al final de su carrera, la figura humana, sobre todo seres
enfermos y dolientes situados en ambientes tristes, será el centro de su obra. Son pinturas de color delicado y ritmos angulares
que reflejan la infancia, la soledad, el abatimiento, la tristeza, la
enfermedad.
La echadora de cartas
(fragmento) (1925-1926)
La convaleciente (1930-1932)
Museo Nacional Centro
de Arte Reina Sofía, Madrid
Natalia Gontcharova
(1881-1962)
Nace cerca de Tula en el seno de la alta burguesía rural rusa. Se dedica
en principio a la escultura hasta que el pintor Michail Larionov la orienta
hacia la pintura, al observar su predisposición al color. Sus primeras obras
tienen influencias impresionistas, simbolistas, fauvistas o cubistas a las que
se unen la tradición rusa (los iconos), el arte popular (los lubki) y las escenas
de la vida campesina.
Formó parte, al lado de Larionov, de diferentes grupos dentro de la
vanguardia rusa y definen juntos un nuevo estilo pictórico: el rayonismo.
La creatividad de la pintora no se limita a un solo movimiento sino que
recoge aspectos de los diversos lenguajes vanguardistas. Trabajó para los
decorados y el vestuario de algunos de sus ballets rusos. En los años veinte
Natalia conoce a Matisse, Derain, Picasso, Delaunay, Léger y Cocteau
entre otros.
Proclama el rechazo del pasado y el advenimiento de una estética nueva, apropiada al mundo de la velocidad y de las máquinas, y a la ciudad moderna. Boccioni, Carrà, Russolo, Severini y Balla redactan el
Manifiesto de los Pintores futuristas (1910) e insisten en la velocidad y el dinamismo como expresión
de modernidad.
Movimiento iniciado en la literatura, se extiende a todos los campos del arte con connotaciones políticas
muy fuertes y contradictorias.
Utilizan técnicas puntillistas y colores neoimpresionistas, y las temáticas de todos ellos son similares,
basadas en el dinamismo y el movimiento, la metrópolis caótica y el trabajo.
Buscan una audiencia masiva, tratan de difundirse con técnicas publicitarias.
Olga Rozanova
(Rusia 1886-1918)
Empezó ilustrando libros y posando para otras grandes pintoras del
momento.
Vinculada al futurismo italiano, sus pinturas, dibujos y diseños poseen una
gran fuerza. Evolucionó desde la exploración del color al novedoso desplazamiento rítmico del futurismo para llegar a sus obras suprematistas.
Rozanova consideraba el color como la esencia y justificación de la
pintura abstracta. Ella misma denominaba su sistema pictórico como «Pintura
de color», insistiendo en que el arte no debía imitar sino simplemente tomar
los objetos como referencia.
Hombre en la calle
Vuelo de un avión
mpresionismo
Impresionismo
Considerado la última versión del realismo, se desarrolla entre el
final del s. XIX y principios del XX. El nombre se deriva de una obra de
Monet titulada «Impresión».
A partir de aquí, se produce la mayor revolución estética de la historia del arte abandonando la imitación de la naturaleza para centrase
en el lenguaje de las formas y los colores, sin intermediarios.
Al espectador se le exige una nueva actitud ante la obra de arte. Los
estilos dejan de ser internacionales para ser característicos de un grupo de artistas. Los artistas se prodigan entre escultura y pintura.
Paseo en barca (1893-94)
National Gallery of Art, Washington D. C.
Mary Cassatt
Lilla Cabot Perry
Lilla Cabot Perry
Lilla Cabot Perry
Tocando con el corazón Bailando
Óleo
Óleo
Eva Gonzalés
(1844-1926)
El palco (1882)
National Gallery of Art,
Washington
(1849-1883)
Hija del escritor francés,
Enmanuel Gonzalés, la joven burguesa
empezó sus enseñanzas en el estudio
de Chaplin en 1865 y más tarde en el
taller de Edouard Manet para convertirse en modelo y alumna.
La influencia de Manet en su pintura es muy significativa hasta 1872, en
que empieza un estilo más personal,
especializándose en obras al pastel y
tonalidades claras.
Marie Bracquemond
(1840-1916)
Expuso en diversas muestras impresionistas, hasta que abandonó la
pintura en 1890 mortificada por la severa crítica y comentarios adversos de
su marido.
Aquellas mujeres que se aventuraban a hacer carrera como pintoras
tuvieron que sufrir los numerosos prejuicios sociales, que consideraban este
tipo de actividades como esencialmente «masculinas» y, por tanto, impropias
de una mujer. Destacar como profesionales era considerado como subversivo e, incluso, peligroso.
Dibujo a lápiz
Retrato de la artista (1878)
Metropolitan Museum of Art,
Nueva York
Desde muy pequeña desea convertirse en artista y, en
contra de la opinión de su padre, se inscribe en la Pennsylvania
Academy of Fine Arts. Pintora norteamericana establecida en
París a partir de 1875, fue la única artista de esta nacionalidad
que presentó regularmente sus obras en las exposiciones del
grupo de los impresionistas.
La singular aportación de Cassatt al arte se concreta en
su exploración artística de la relación entre aquello que convertía en moderna a la pintura y en «nuevas» a las mujeres. En
reconocimiento a su importancia como principal mujer de la
modernidad y principal pintora feminista, se le pidió que
realizara un gran mural para el Edificio de la Mujer de la
Exposición Colombina Universal, (Chicago, 1893).
Berthe Morisoth
(1841-)
Comienza su educación, primero en la música y después con lecciones de
dibujo y pintura.
Alumna del famoso pintor paisajista Camille Corot, conoce al grupo de pintores impresionistas: Degas, Renoir, Sisley... Expone con ellos en la muestra que
tiene lugar en el estudio de Félix Nadar en el Boulevard des Capucines en 1874.
Pintora impresionista de lo cotidiano y de lo minucioso, compone delicadas
escenas familiares en interiores cuyos protagonistas son su madre, su hermana o
su hija. Su técnica, basada en grandes pinceladas aplicadas libremente en todas
direcciones, propia del impresionismo, dio a sus obras
unas calidades transparentes, iridiscentes y tornasoladas.
La cuna (1872)
Musée d'Orsay, París
En el balcón (1871-72)
Colección privada
Edouard Manet
Berthe Morisot con un ramillete
de violetas (1872)
Musée d'Orsay, París
inimal Art
Minimal
La simplicidad, la abstracción total, el orden y el perfeccionamiento son las características claves del
«minimal art» o minimalismo. El fundamento básico de este movimiento radica en la práctica del «reduccionismo». Sus obras son sencillas, frescas y con poco contenido.
Los minimalistas emplean formas elementales: cubos, pirámides, esferas repetidas en series con algunas variaciones. La escultura fue una de las expresiones artísticas más utilizadas por los minimalistas.
Busca formas simples, reducidas a lo esencial, y las trata con gran rigor intelectual. Es un arte agresivo y
duro. Reclama una concepción normativa del arte y la adopción de unas pautas estrictas, por lo que recurre a elementos geométricos.
Harbor number 1
Agnes Maklin Martin
La Ola
(Estados Unidos 1912-2004)
Comienza a interesarse por el arte hacia 1940;
mientras, estudia en la Universidad de Columbia;
combina esta residencia con la de Nuevo México,
llegando a impartir clases de pintura.
Su obra en principio se caracteriza por la figuración, que da paso a la abstracción. Regresa a
Nueva York y conoce a Ellsworth Kelly y a James
Rosenquist, entre otros. Opta entonces por la abstracción geométrica de gran simplicidad, quedando
su obra ligada tanto al expresionismo abstracto
americano como al minimalismo y al Hard Edge:
lienzos estructurados por una rígida trama lineal de
trazo fino en los que se observan sutiles variaciones
cromáticas.
Sin título
M
i
n
i
m
a
l
A
r
t
Conocido como art nouveau en Francia,
jugendstil en Alemania y modernismo en España,
es el nombre que se da al movimiento artístico
con el que se culminó el siglo XIX y comenzó
el XX.
El Modernismo significa libertad, la posibilidad de desarrollar cualquier forma, color o idea,
y la pintura no fue una excepción, con una gran
variedad y riqueza de temas.
Tamara de Lempicka
odernismo
Modernismo
Etienne Dinet
La Femme Repudiée
(1898-1980)
Nace en Varsovia, su infancia transcurre entre San Petersburgo, Karlsbad, Marienbad, Montecarlo e Italia,
donde visita los museos de Florencia, Roma y Venecia. Se integró en la rica sociedad de San Petersburgo y allí
conoció a Tadeusz Lempicki.
Huye a París y comienza a dedicarse a la pintura, desarrollando un estilo enigmático y personal adscrito al
art decó, y en los años veinte se convierte en retratista de moda de la aristocracia, deslumbrando con la
deliberada sensualidad de su arte.
Hermosa y elegante, mundana y sofisticada, se convirtió en el fascinante símbolo de toda una época.
Autorretrato en el Bugatti Verde (1925)
Colección privada
Etienne Dinet
A street in Laghaut Algeria
Las jóvenes (1927)
Retrato del Marqués de Sommi (1925)
Óleo sobre madera. Colección privada Óleo sobre lienzo. Colección privada
Kizette (1927)
Musée National d' Art Moderne, París
Primavera (1928)
Óleo sobre madera
Primavera (1929)
Óleo sobre madera
Las chicas (1928)
Óleo sobre lienzo. Colección privada
Mujer durmiendo (1935)
Óleo sobre lienzo. Colección privada
ueva figuración
Nueva
Durante la primera mitad de siglo el arte oscila entre dos
corrientes artísticas: la figuración y la abstracción. Este fenómeno abre camino a una nueva corriente llamada nueva
figuración, que tiene una amplia difusión en Europa y América
Latina y sigue dando resultados plásticos en la producción
artística de la actualidad.
El artista refleja en sus obras la realidad que lo rodea tal
como es y por más cruda que resulte. Otorga vida a las figuras
estáticas y las ubica en contextos desgarradores y dramáticos.
La libertad es una característica propia de estos artistas,
quienes confieren a la figura humana un sentido de vitalidad al
sacarla de sus propios límites.
Mariona Brines
(Valencia 1962)
Lola Massieu
Serie manzana podrida
Técnica mixta sobre lienzo
Mariona Brines
La casa del mago
Amelia Peláez
(1896-1968)
Estudió arte en La Habana y perfeccionó sus conocimientos artísticos en
varios países de Europa, donde ha expuesto con frecuencia, así como en Cuba
y los Estados Unidos.
Su obra es abundante no solo en pintura, sino también en piezas cerámicas, grabados y murales.
En sus naturalezas muertas los elementos aparecen enmarcados en
gruesas líneas negras que provienen de la admiración que la pintora siente por
determinadas tallas en madera de puertas y mamparas o del embe-llotado de
los vitrales de La Habana. Gracias al grosor de tales líneas Amelia Peláez consigue que sus pinturas presenten composiciones con una contundencia similar
a la de la arquitectura.
Mujeres (1958)
Jugadores de cartas
Estudió diseño de moda en Hamburgo, trabajó como diseñadora de
moda en Alemania, y como maquetadora y directora artística en diferentes agencias publicitarias en los ámbitos de la moda y la fotografía.
Se la relaciona con la pintura, la fotografía, el land-art, la fabricación
de papel, el grabado y la xilografía.
Su acercamiento no académico a la pintura puso en movimiento
reflexiones sobre el proceso pictórico en sí, sobre la importancia de la
propia percepción y su plasmación, sobre el saber ver y, en definitiva,
sobre cómo encontrar y crear nuevos mundos pictóricos.
En 1999 la artista se trasladó nuevamente a Valencia, donde trabaja
como pintora en la actualidad.
Aprendiendo a volar (2005)
Acrílico, U.P.V.
Elca. Acrílico
Criptograma (2005)
Acrílico, U.P.V.
Mujeres
aÍ f
Na
y Pintura
El término naíf se aplica a la corriente artística caracterizada por la búsqueda de la candidez y la ingenuidad,
la espontaneidad, el autodidactismo de las artistas y los artistas, los colores brillantes y antinaturalistas, y una
perspectiva acientífica. Otros rasgos son los siguientes:
Contornos definidos con mucha precisión.
Falta de perspectiva.
Extraordinario color. Gamas cromáticas muy refinadas.
Pintura muy detallista y meticulosa.
Gran potencia expresiva.
La sensación volumétrica se consigue por medio del color.
El dibujo puede ser incorrecto. Las firmas suelen ser de gran tamaño.
NaÍf
Ángeles Violán
(España)
Nace en Los Realejos,Tenerife. En su juventud recibió clases de Manuela Miranda,
Felipe Mesa y Armenia Acosta, artistas de Tenerife, hasta que descubrió el naíf, un estilo
ingenuo, libre y personal. A partir de los años 80 presenta su obra en numerosas exposiciones colectivas e individuales. El Ayuntamiento de Puerto de la Cruz y El Cabildo
Insular de Tenerife cuentan con algunos de sus cuadros. Últimamente ha pintado por encargo, mientras hacía realidad la Guía naíf de costumbres canarias.
El chorro
Mujeres calando
Alfombras de flores
Movimiento artístico de los años sesenta, que ha evolucionado hasta nuestros días, y que utiliza en sus composiciones productos habituales de consumo y procedentes de
la publicidad.
La inclusión de estos productos tan banales en las imágenes artísticas nos provoca sorpresa y los convierte en objetos de arte.
rte pop
Arte
Esperanza Casa
Aquí hay tomate
Carmen Roig
Consiga por fin lo que la naturaleza no le pudo dar
EQUIPO LÍMITE
(España)
Está compuesto por Esperanza Casa
Guillén (Cuqui) y Carmen Roig Castillo (Cari),
dos artistas valencianas que se conocieron
primero en el Instituto San Vicente Ferrer y
coincidieron después en la Universidad de
Valencia.
Una de las características de sus obras
neo-pop es la de mezclar en su iconografía
elementos homogéneos, procedentes de la
baja cultura, haciendo casi nula referencia a
ningún icono del arte, reciclando imágenes
que apelan a la trivialidad de un discurso, de
modo deliberado y antifeísta, antimoderno,
anticrítico y superkitsch. En sus comienzos
hay un uso constante del método colaje que
con posterioridad va cediendo paso a un
montaje pictórico que le ha dado a los títulos
de sus obras un trascendental protagonismo
provocador, revelando un valor añadido en el
lenguaje.
Carmen y Esperanza
Cuando rugen los leones
Carmen y Esperanza
Atadas
Carmen y Esperanza
Cariño, dale de comer al pajarito
El siglo XIX supone para Europa la consolidación de la burguesía en el poder. En el terreno artístico se produce una reacción contra los valores idealistas y metafísicos que inspiraron
al neoclasicismo y al romanticismo.
Algunos autores consideran función de la pintura reproducir
la realidad tal como es, libre de todo prejuicio filosófico,
moral, político o religioso. La función del artista consiste en
reproducir la realidad con toda su problemática, sin ideas
prefijadas. Muestra la vida cotidiana de la clase obrera, presentando la situación social en toda su crudeza y de forma combativa, lo que no le impide conseguir efectos de gran belleza
incluso cuando se representan los temas más escabrosos.
ealismo del siglo XIX
Realismo
Cecilia Beaux
Sita and Sarita
Ovejas junto al mar (1869)
National Museum of Women
in the Arts, Washington D. C.
Retrato de la artista Rosa Bonheur (ca. 1871)
Andrè Adolphe Eugëne Disdèri (fotógrafo)
La feria de caballos (1853-55)
Fine Arts Museums of San Francisco
Metropolitan Museum of Art, Nueva York
Rosa Bonheur
Cecilia Beaux
Mrs. Richard Lox
Cecilia Beaux
Mother and Son
Sophie Anderson
(Francia 1823-1903)
Francesa, de soltera Sophie Gengembre. Fue una pintora de
género, conocida por sus sentimentales retratos de niños
victorianos.
De formación autodidacta, estudió la técnica del retrato con
el Baron Charles von Steuben en París. En 1848, con la Revolución, viajó con su familia a America, residiendo en Cincinnati y
Pittsburgh. Allí se convirtió en una retratista famosa y se casó con
el artista británico Walter Anderson. Regresó más tarde a
Inglaterra.
Su obra más conocida es «No Walk Today».
(Francia 1822-1899)
Recibió su formación artística de su padre y se especializó en pintar
animales salvajes, llegando hasta la perfección. Su obra obtuvo gran éxito
mercantil y de crítica. En 1865 Bonheur fué la primera mujer que recibió la
Gran Cruz de la Legión de Honor.
Le gusta representar escenas campestres con animales. Para poder
pasar inadvertida, solicita un permiso especial a la policía para vestir ropa de
hombre en público. Seguía también los usos masculinos al montar a caballo,
fumaba en público y llevaba el cabello corto.
Su pintura, dentro de las tendencias realistas, parte de la más estricta
observación de la naturaleza.
Cuestionó las opciones personales y profesionales que tenían las
mujeres en el siglo XIX y ayudó a comenzar a poner fin a las verdades
profundamente arraigadas en su tiempo. Se identificaba a si misma como
«contra sexual», perteneciente al «tercer sexo», una «mujer masculinizada».
Peek a Boo
No walk today
omanticismo
Romanticismo
El vals (1895-1905)
Colección particular
El abandono (1888)
Colección privada
El Romanticismo es el responsable de la gran revolución que se produce en el
arte pictórico y escultórico del siglo XIX. La importancia que el romanticismo
concede a la representación de la naturaleza provoca un gran desarrollo de la
pintura del paisaje, en el que el artista proyecta su interior, con la intención de
comunicar una emoción o un sentimiento al espectador.
Algunas de las características que definen el Romanticismo son: el protagonismo del individuo, la búsqueda entusiasta de los vestigios del pasado, el amor a la
naturaleza, la preeminencia de la pasión y la sensibilidad por encima de la razón.
Retrato de Camille Claudel
(ca. 1884)
fotografía de César
Musée Rodin, París
Camille Claudel
(1864-1943)
Mientras su padre comprende la inclinación de Camille hacia el arte, su madre se opone duramente a lo que considera una desviación radical de las reglas
que rigen la vida burguesa en la sociedad del momento.
Cursa estudios artísticos en la Académie Colarossi, conoce al escultor Auguste Rodin, su amante y maestro. Camille posa para él y colabora en la
realización de las figuras. La obra de la escultora, muy cercana a la de su maestro, no es nunca una copia. Se produce entre ambos un clima de colaboración y
enfrentamiento que enriquece la labor mutua, mientras, sus obras alcanzan cierto éxito y aparecen con frecuencia artículos sobre ella en las revistas de arte.
Más conocida por su atormentada existencia que por la calidad de su producción y la extraordinaria modernidad de sus obras, Camille posee una gran
habilidad técnica para la escultura dominando a la perfección la talla del mármol, llegó incluso a permitir que Rodin firmara alguna de sus obras.
Mujeres
iglo XVII
Siglo
y Pintura
Rosalva Carriera
(Italia 1675-1757)
Nace en Venecia. Conocemos muy poco de su biografía, aunque se conservan muchas
obras firmadas por la pintora por toda Europa.
Retratista de miembros de la nobleza y de las clases adineradas, realizó miniaturas
sobre marfil, una de las cuales le abre las puertas de la Accademia di San Luca en Roma. Es
admitida en la Accademia di Bologna y también en la Académie Royale de Peinture et Sculpture
de París.
Mujeres
y Pintura
iglo XVIII
Siglo
Angélica Kauffmann
(Suiza1741-1807)
Se inició en la pintura siendo aún muy
pequeña y se forma junto a su padre, pintor
suizo, en Florencia y Roma.
Artista respetada por sus contemporáneos, a los 23 años forma parte de la
Accademia di San Luca de Roma. Desarrolla
una parte importante de su carrera profesional en Inglaterra, ingresando en la Royal
Academy de Londres como una de sus miembros fundadores, junto a otra mujer, Mary
Moser, pero con las restricciones que las
Academias imponían a las mujeres (por ejemplo, la prohibición de asistir a las clases de
desnudo).
Retratista, también se dedicó a la pintura
de temas religiosos, históricos o mitológicos,
despertando el interés de cortes y coleccionistas de toda Europa.
Retrato de mujer como una
vestal
Anna von Escher van Muralt
Autorretrato
Elisabeth Louise Vigée-Lebrun
(1755-1842)
Empieza a pintar desde muy pequeña en París. Con quince años ya puede sustentar a su madre y su hermano pequeño con la
venta de sus retratos. Casada con el pintor, coleccionista y marchante de arte Jean Baptiste Pierre Lebrun, puede ampliar sus
conocimientos en pintura observando los cuadros de los grandes maestros de su colección privada. Comienza una carrera de
éxito que la llevará a ingresar en 1783 en la Académie Royale, lo que le abrirá las puertas de la corte de Francia. Realizó un retrato de
María Antonieta que la convirtió en pintora oficial de la reina.
Se dedicó principalmente al retrato, género para el que demostró una gran habilidad, siempre en la línea de la moda y el gusto
de la época y con una gran capacidad para adaptarse a los deseos de sus modelos. Es espléndido el del pintor Hubert Robert
realizado en 1788 (Musée du Louvre). Consciente de su belleza, que contribuyó en alguna medida a su éxito, dejó numerosos
autorretratos, destacando el Autorretrato con la hija de 1789 (Musée du Louvre).
Dejó escritas unas Memorias y también unos Consejos para la práctica pictórica.
Condesa A. S. Stroganova y su hijo
Autorretrato
Retrato de la reina María Antonieta
Autorretrato
Retrato de Hubert Robert
Este movimiento artístico se desarrolló entre las dos Guerras Mundiales
y gozó de gran repercusión internacional.
Los surrealistas expresaron sus ideas en poesía, pinturas, ensayos, o en su
manera de vivir. Rechazaban la religión, la lógica, el sentido común, la fe, la
ley, la burocracia, la obediencia a la autoridad, y el militarismo. Se expresan
de diversas maneras: figuración de gran realismo o de carácter onírico, abstracción, cubismo...
Mujeres en el movimiento surrealista: ninguna mujer fue considerada como surrealista por los
miembros de este movimiento. Los surrealistas pensaban en la mujer como una mediadora
entre la naturaleza y el subconsciente, una «femme-enfant», una musa, y un objeto de los deseos
de los hombres. El concepto de la mujer objetivado por las necesidades de los hombres estaba en
conflicto directamente con la necesidad (subjetiva) de las mujeres individuales a expresarse
libremente.
urrealismo
Surrealismo
Amelia Peláez
El mantel blanco
Óleo sobre tela
Remedios Varo
(España 1908-1963)
Frida Kahlo
(Méjico 1907-1954)
Obra y personalidad son consecuencia de dos
factores fundamentales: su desmedido amor y obsesión por la figura de su marido, el muralista mejicano
Diego Rivera, y su quebradiza salud, fruto de todos
los procesos quirúrgicos que sufrió a lo largo de su
vida. Destaca la forma tan cruda y desgarrada de expresar sus sentimientos y anhelos más profundos, a
través de sus numerosos autorretratos.
Diego en el pensamiento
(1929)
Figura de primer orden del surrealismo.
En sus obras vemos identificaciones de la mujer
con poderes misteriosos y regenerativos conectados a la naturaleza. Ella rechazaba las representaciones de la mujer impuestas por los
hombres del movimiento surrealista, como Dalí
y Bellmer, porque representaban a la mujer
como un objeto de deseo de los hombres; ella
pintaba a la mujer en la perspectiva de su propia
experiencia.
Ilustradora de investigación científica, crea
un espacio para lo racional en el mundo de la
fantasía.
Frecuentemente los caracteres de sus dibujos tienen ojos como almendras, similares a
sus propios ojos, para demostrar el parecido de
su experiencia con los temas de sus obras.
Dolor reumático
Aguada sobre cartulina
Las dos Fridas (1939)
El venado herido (1949)
Banqueros en acción
Óleo sobre mansonite
Emigrantes (1962)
Mixta sobre cartulina