Julio - Agosto 2013

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Periódico
I
Informaciones, opiniones y todo lo que necesita saber
sobre el arte en Colombia.
“El arte no es algo que se pueda tomar y dejar. Es necessario para vivir”. Friedrich Nietzsche.
Año 8 # 39. Julio - Agosto 2013.
Versión descargable en PDF www.periodicoarteria.com
Obra de Lorena Espitia (2006). Cortesía Ministerio de Cultura.
El Salón (inter) Nacional de Artistas se reinventa
Con artistas y curadores del país y del exterior, y dejando atrás el esquema
de los Regionales, la versión 43 busca renovarse en Medellín. Página 5.
Llega el inusitado arte de Vik Muniz
Toy Soldier, 2003 (Detalle). Cortesía Subgerencia Cultural Banco de la República.
Pocos pensarían que el azúcar podría mostrar la amargura de la pobreza o que la mermelada podría darle dulzura a la Mona
Lisa, pero a este artista brasileño todo parece servirle para expresar su visión del mundo. Los colombianos podremos ver
su arte sorprendete, hecho con materiales para otros deleznables, en el Museo de Arte del Banco de la República. Página 4.
Cien años de misterio
Fotografía: Germán Ortegón.
Hace un siglo, con las primeras excavaciones en San Agustín, empezamos
a entender que en estas tierras vivían genios de la escultura. Páginas 8-9.
ARTERIA Ed. 39
2
Julio - Agosto 2013
LIBROS
EDITORIAL
NOTICIAS
Por: Nelly Peñaranda
E
l Periódico ARTERIA siempre se ha
pensado como un espacio para la
comunicación que, dedicado a las
artes plásticas y visuales, se enfoca
especialmente en planteamientos relacionados
con la actualidad y sus manifestaciones en el arte
contemporáneo.
Sin duda, una intención que se mantiene
vigente y damos cuenta de eso a través de
varios de los temas abordados en esta edición.
Entre ellos están la apertura del espacio de
residencia, investigación y creación Flora
ars+natura, el desarrollo del primer laboratorio
interactivo del agua, concebido como punto de
encuentro para los cruces entre arte, ciencia y
tecnología; la muestra del brasileño Vik Muniz
en el Museo de Arte del Banco de República, y
cuatro ejemplos de salones, que actúan o como
lugar de encuentro para artistas o como excusa
para el diálogo entre temáticas. Uno es el Salón
de Arte Universitario en Bogotá, otros dos en
Cúcuta, que resultan ser un caso atípico en una
ciudad que no cuenta con centros de educación
formal para la enseñanza de las artes. Aún así,
esta ciudad avanza con ventaja sobre muchas
del país, al realizar los salones ´del Agua´y ´de
Fotografía´. Por otra parte comienza a sonar lo
que será la versión 43 del Salón (inter) Nacional
de Artistas, previsto para la primera semana de
septiembre en Medellín, retomando un formato
de gran evento expositivo en varias sedes de la
ciudad y durante dos meses.
Pero más allá de lo que pueden significar estas
exhibiciones, en esta edición de ARTERIA
hemos prestado también atención a la historia,
que como una especie de laboratorio del tiempo
nos da en su estudio, recorrido y maneras de
aproximarse, otras formas de entender de qué
habla el arte contemporáneo. Es el caso de la
revisión a la publicación del libro Procesos de Arte
en Colombia, de Álvaro Medina, luego de 35 años
de su primera edición.
Spencer Tunick tomará fotos en Bogotá
De otro lado, sea o no casualidad, son tres los
museos en Bogotá que hablan de historia y de
como el arte y la estética eran importantes en
culturas como la Griega (Museo Nacional), los
Muiscas (Museo del Oro) y lo siguen siendo
en Iberoamérica (Mambo). Una situación que
nos lleva a la presentación y valoración de la
cultura de San Agustín, en conmemoración de
los 100 años de investigación arqueológica en el
departamento del Huila.
Frente a tantas lecturas que en este momento se
dan sobre las artes, ARTERIA desea contribuir a
que se mantengan diferentes aproximaciones a
sus fenómenos. Por eso esta edición se presenta
como alternativa para los cruces o viajes de reconocimiento en el tiempo, para ver lo que se da hoy.
Mario Vélez
La trayectoria de Mario Vélez (Medellín, 1968)
arranca por los años 90, luego de estudiar arte en
la Universidad Hochschule für Angewandte, de
Viena, ser maestro de artes plásticas en la Universidad Nacional (Medellín) y cuando se hizo
finalista del concurso de Milán, ‘Oltre il Muro’.
A partir de ahí, ha tenido reconocidas muestras
en Europa, América y Asia. Este libro es obra del
crítico Luis Fernando Valencia, profesor de las
maestrías de Historia del Arte, de la Universidad
de Antioquia, y de Obra Plástica, de la Universidad Nacional (Medellín).
Cortesía: Christian Padilla.
‘Camera degli Sposi’ (Homenaje a Mantegna), 1958. (De Patrick B. McGinnis - New York). Sección quinientas palabras.
Sus sugerencias y comentarios son importantes
www.periodicoarteria.com
www.fundacionarteria.org
El libro no propone un cúmulo de sucesos ordenados cronológicamente, sino una colección de
la obra pictórica en buena resolución, con una
portada dura con agujeros que juega con el estilo
del artista. En palabras de Valencia, “Si toda pintura debe ser testimonio de su época y además
llevar detrás de sí la tradición que abandona, la
pintura de Mario Vélez patentiza este hecho con
elaborada resolución”.
Editor: Villegas editores, 2013. 239 págs.
Consejo Editorial
Juan Fernando Herrán, Carlos Andrés
Hurtado, Humberto Junca, José Ignacio
Roca, María Belén Sáez de Ibarra,
Luisa Ungar.
Editor
Diego Guerrero.
[email protected]
Colaboran en esta Edición
Camila Amado, Ricardo Arcos Palma,
Germán Ortegón, Iván Camilo Ospina,
Christian Padilla, María Alejandra Toro,
Guillermo Vanegas.
Fotografía
Óscar Monsalve.
[email protected]
Suscripciones
$25.000 Bogotá.
$37.500 resto del país.
1 año (5 ejemplares)
Contactos
[email protected]
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www.facebook.com/pages/ARTERIA/
twitter: @arteria_
Concepto Editorial
Paulo Ramírez, Manuela Calle L.
ARTERIA cuida el medio ambiente.
El papel utilizado para la impresión
de este periódico es 100 % reciclable.
Periódico Arteria es una publicación de Colombian Art Crafts SAS y Fundación Arteria.
Proyecto apoyado por el Programa Nacional de Concertación Cultural
Santa Marta, Maicao (Guajira), Sincelejo, Tolú
(Sucre), Aracataca (Magdalena) y Pamplona
(Santander) tendrán laboratorios dirigidos a
diseñadores, fotógrafos y artistas plásticos.
‘Sitio específico’, dirigido por el curador Javier
Mejía y los artistas Aldo Hollam y Susana Bacca
se instalará en Santa Marta, en el Centro Cultural
Fundam, en el edificio de la antigua Gota de
Leche, y en Aracataca, en el auditorio Casa Museo
Gabriel García Márquez. En Sucre, en el Museo de
Arte Contemporáneo de Sincelejo y en el Centro
Cultural y Turístico de Santiago de Tolú.
‘Sitio específico’ hace parte del Plan de Formación Nacional del Ministerio de Cultura, con
el fin de fomentar las artes visuales en las distintas regiones del país. Inscripciones: [email protected] o al celular 301 584 9550.
Para inscribirse a ‘Fronteras creativas’ se debe enviar
un correo a [email protected].
Las opiniones consignadas en los artículos
y correos en la presente edición son
responsabilidad de cada uno de los
autores y no necesariamente expresan el
punto de vista del Periódico ARTERIA.
Apartado Aéreo 260.193
Tel. 57 (1) 4673921 / 703 8134
Cel. (317) 638 6108
Bogotá - Colombia
Laboratorios de creación e investigación de
artes, en el Caribe y Norte de Santander
‘Fronteras creativas’ será dirigido por Jaider
Orsini, con el acompañamiento de Eusebio
Siosi y Astrid Salamanca. En Norte de Santader
comenzarán desde el 31 de julio. Se realizarán
en la Biblioteca Pública Julio Pérez Ferrero, de
Cúcuta, y en la Universidad de Pamplona. En la
Guajira se llevarán a cabo desde el 10 de agosto,
en la Biblioteca Hermana Josefina Zúñiga, de
Riohacha, y en la Casa Municipal de Cultura de
Maicao.
Informaciones, opiniones y todo lo que necesita saber
sobre el arte en Colombia.
Directora
Nelly Peñaranda R.
[email protected]
El famoso fotógrafo Spencer Tunick llegará
a Bogotá en septiembre. Su arribo ha estado
rodeado de misterio, tal vez por lo atractivo
que resulta este artista nacido en Nueva York
(1967), y por la magnitud y tendencia de su
trabajo en el que suele desnudar a miles de
hombres y mujeres en espacios públicos de
distintas ciudades del mundo. Su exploración
con el cuerpo le ha valido ya cinco arrestos en
su ciudad natal, pero más allá de lo espectacular
o controversial que pueda resultar su propuesta
artística, lo cierto es que ha podido convocar a
miles de personas que admiran su labor desde
lo artístico y lo humano. No en vano ha sido
comisionado por entidades como Art Basel,
Suiza (199), el Instituto Cultura, Barcelona
(2003), la XXV Biennial de São Paulo (Brasil)
(2002), The Saatchi Galleyr (2003), MOCA
Cleveland (2004), Vienna Kunsthalle (2008).
Dónde tomará sus fotos y qué hará sigue siendo
una incógnita. A Bogotá llega por la gestión
hecha por el Museo de Arte Moderno de Bogotá,
con el patrocinio de la marca Bronzini (del grupo
Exito) y el apoyo del Instituto Distrital de las
Artes (Idartes).
Desde el 2004, el Ministerio de Cultura ha estado implementado estos laboratorios para incentivar la producción, la academia y la investigación
de las artes en diferentes partes de Colombia.
Sara Modiano
‘Del 9 de abril, a los diálogos de La Habana’
La Fundación Sara Modiano para las Artes (www.
saramodiano.org) lanzó en Colombia el libro
Sara Modiano, con más de 150 obras de la artista
conceptual colombiana que falleció en 2010. La
investigación fue hecha por el crítico Eduardo
Serrano. Los fondos recaudados por medio de la
venta serán destinados a la fundación.
Esta exposición organizada por el Centro de Memoria: Paz y Reconciliación se distribuirá en seis
partes diferentes y tratará sobre luchas políticas,
violencia y procesos de paz. Entre los elementos
expuestos se encuentran objetos, música, pinturas, animaciones y siete videos que exponen la
violencia política del país vivida desde mediados
del siglo XX.
Establecida en el 2011 por los tres hijos de la artista, la Fundación Sara Modiano para las Artes
(Fund Saramo) busca preservar el legado de la artista. El primer premio Sara Modiano, con la curaduría de José Roca, será entregado en ArtBo.
Editor: Fundación Sara Modiano, 2013.
255 páginas.
Lo peculiar de esta muestra es que se recibirán
hasta el 30 de octubre objetos, testimonios y documentos que contribuyan al esclarecimiento del origen y las causas del conflicto armado en Colombia.
Entre ellos, obras artísticas.
Este proyecto contará con seis salas con fotografías,
ARTERIA Ed. 39
pintura, videos, música y libros de las siguientes
temáticas: ‘Los años de la Violencia (1945-1958)’,
‘Frente Nacional: del plebiscito al Estatuto de Seguridad (1958-1982)’, ‘Violencia generalizada:
paramilitares, guerrillas, Estado y múltiples alianzas civiles (1982-2012)’, ‘Proceso constituyente,
Los derechos de millones de víctimas’ y ‘Caminos
de paz y conversaciones en La Habana’.
Se recibirán, además, sugerencias para el proceso
de paz. La exposición estará abierta al público
gratuitamente, de lunes a viernes de 9 a.m. a 5
p.m. y sábados de 9 a.m. a 1 p.m. Irá hasta el 24
de septiembre.
Mathias Doldder, en Lugar a Dudas
Algo Así se trata de un local que da a la calle y que
se transformará en taller y lugar de exposición
para el artista tailandés Matthias Dolder. En
este sitio de tres por siete metros se montarán
y desmontarán varios ejercicios artísticos de
indagación del espacio, para ofrecer momentos
de exposición, más que propuestas concretas o
temáticas.
Ese lugar donde se realizaban actividades comerciales presentará diferentes instalaciones, colocaciones de objetos y eventos. La idea del artista es,
también, hacerse curador y jugar con ese espacio
cotidiano.
Matthias Dolder nació en Chiang Mei (Tailandia) y se estableció en Suiza por un tiempo. Ha
estado en una residencia con el apoyo de Lugar a
Dudas, la cual durará hasta agosto.
La exposición estará hasta el 28 de julio en la
carrera 10 No. 6 - 85 de 10 a.m. a 6 p.m.
Bogotá estrena decreto para grafiteros
Un estudio de Idartes muestra que los artistas
urbanos pintan más de 5.000 piezas al año en
las calles de Bogotá. El estudio estima que hay
cerca de 5.000 artistas de este tipo en la ciudad.
Colombianos exponen en París
‘Una escalera de agua’, con la curaduría de Natalia Valencia y la museografía de Felipe Arturo; el
artista Juan Fernando Herrán con ‘La distancia
justa’, ‘Artesur: Ficciones colectivas’, con la participación de artistas como Leyla Cárdenas e
Iván Argote, son obras de los colombianos que
participan en ‘Nouvelle Vagues’ (Nuevas olas),
proyecto del Palais de Tokio, en París.
En esta ocasión, este centro para el arte contemporáneo apunta a valorar la profesión curatorial.
Cuenta con 21 realizaciones, procedentes de 13
países, elegidas entre 500 propuestas. Son 60
exposiciones con más de 300 artistas que por la
cantidad de propuestas cubren 32 lugares más
dedicados al arte en la capital francesa.
‘Artesur: Ficciones colectivas’ es una exposición
que parte de la escritura colectiva de los participantes, escogidos de la página www.arte-sur.org,
cuyo propósito es la divulgación de arte latinoamericano contemporáneo. El proceso de escritura comenzó en febrero y terminó en marzo, y
su producto fueron 20 obras de arte.
El artista Jaime Arango Correa fue contactado
por personas interesadas en el arte de Latinaomáerica para que, luego de una exposición
personal, escogiera con Sandra Miranda Pattin
a artistas colombianos para una muestra.
La curadora y artista italiana Bianca Laura
Pettreto, dirigió la selección e hizo la gestión
como directora para que los artistas tuvieran su
espacio en el B&B Museo de Arte Contemporáneo.
En marzo los colombianos fueron invitados por
Pettreto y el diseñador y director de pasarela en
Milán Angelo Grassi para exponer en Fabbricca,
centro cultural multifuncional, ubicado en
Gambettola.
‘Exposición Erranti’ abrió sus puertas el 18 de
abril como una exposición colectiva en la Gallerie
delle Colonne, y continuó como una exposición
itinerante en la Sala del Sacchi en el mismo centro
cultural, la cual fue visitada por más de 5.000
personas hasta junio.
La Arteinet Casa d’aste de la República de San Marino espera recibir la exposición, que luego
circulará por el Palacio de Convenciones. En
agosto se espera, llegue a Milán.
Orquídeas colombianas, en España
El propósito de ‘Una escalera de agua’ es resaltar
los momentos de silencio en la reflexión diaria. El título hace alusión al libro homónimo de
Octavio Paz, en el que plantea dicho momento
como un camino imaginario de conocimiento.
Cinco colectivos de grafiteros de Bogotá y dos
cultores del street art del exterior realizarán
grafitis de gran formato entre la Avenida Caracas
y NQS, en Bogotá, con becas entregadas por el
Instituto Distrital de las Artes (Idartes). Bogotá
Street Art, M30, 20.26 DC, Vértigo Grafiti y Bicromo serán los participantes colombianos. En
el proyecto también estarán la ecuatoriana Belén
Jaramillo (BLN Bike) y el peruano Elliot Tupac.
Este concurso responde al capítulo III – ‘Estrategias pedagógicas y de fomento’–, del Decreto
Distrital 075 del 22 de febrero de 2013, “por el
cual se promueve la práctica artística y responsable del grafiti de la ciudad”.
La idea de esta actividad es promover entre los
grafiteros el conocimiento de cuáles sitios son
permitidos, las sanciones y todo lo referente a la
práctica responsable del grafiti. Este trabajo fue
realizado junto con la Mesa del Graffiti.
Cortesía de la artista.
El Centro Hispano Colombiano de Madrid, institución que busca la integración a través de actividades pedagógicas y culturales de los migrantes
colombianos en España, junto con la Fundación
Francisco Altios de Vitoria, expondrán hasta el
31 de julio ‘Tras Historias, Femme Fatale’, serigrafías de orquídeas, de 60 cm. cuadrados de la
artista colombiana Hilda Piedrahíta.
Esta exhibición se hará en Segovia 34 y
hace referencia a las flores como elemento
representativo de la feminidad. También tiene
relación con la defensa de la naturaleza ante
la intervención negativa del hombre por fines
económicos, una temática recurrente en la artista.
El Instituto Distrital de las Artes (Idartes, de Bogotá) tiene como meta formar durante el 2013
a 21.000 niños y adolescentes en danza, teatro,
audiovisuales, literatura, artes plásticas y música. Para el 2016, junto con el Ministerio de Educación, pretende formar 35.000. Las actividades
se realizarán en Centros Locales de Artes para la
Niñez (Clan).
María Clara Piedrahita, Ximena González Jaramillo, Juan Manuel Baraya Gaviria, Liliana
Zuccardi, Andrea Castro, Julia Restrepo, Luz
Beatriz Pedraza, María Pedraza, Ximena Castillo y Patricia Arango exponen en el B&B Museo
de Arte Contemporáneo de Cerdeña.
Participe en el ‘Laboratorio Mapping 3D’
El Museo de Antioquia ha abierto las
inscripciones para los artistas visuales,
sonoros y plásticos que quieran participar en
el ‘Laboratorio Mapping 3D’, que comenzará el
14 de agosto y terminará el 30 de octubre.
El laboratorio contará con el artista Panetone
(Cristiano Rosa) quien trabajará con 15
participantes en sesiones de 2 a 4 p.m., todos los
miércoles, los cuales serán elegidos a partir de
textos redactados y trabajos artísticos que envíen.
Para este programa el Museo de Antioquia
define el videomapping como “una técnica que
consiste en la proyección dinámica de imágenes
de video sobre superficies irregulares, las cuales
dan origen a nuevos ambientes en espacios
públicos y privados”. Se hablará sobre teoría del
color, fotografía, video, software y hardware.
Convocatoria ‘Colombia Hoy’
Se aceptan aplicaciones para ‘Colombia Hoy’,
una exposición que se realizará en el Museo de
Arte Moderno de Cartagena, del 7 de febrero al 7
de abril del 2014 y que hará parte de la Primera
Bienal Internacional de Arte Contemporáneo.
Vigesimoprimera Primavera en Cajicá
Apertura del primer Clan
Cortesía: Juan Manuel Baraya. Fotografía: Diego Caucayo
CONVOCATORIAS
Una guía paso a paso se encuentra en www.biaci.
org/artista. A los tres días de enviada la solicitud,
llegará un correo de confirmación de recibido
que no significará que hayan sido seleccionados.
Según la Bienal, el jurado lo conformarán Miguel
González, Mariángela Méndez, Gabriela
Rangel y Stephanie Rosenthal. En el mes de
septiembre los artistas escogidos recibirán una
notificación en su correo electrónico.
‘Melgart: arte de paseo’
Obras de colombianos van a Italia
3
Podrán aplicar artistas colombianos o artistas
extranjeros que tengan residencia legal en el
país de cinco años o más. El plazo límite para
inscribirse es el 13 de agosto a las 11:59 p.m.,
hora colombiana.
El programa de residencias de la Fundación
Hermès tiene su lugar en este evento y cuenta
con el colombiano Marcos Ávila Forero, quien
hace parte de la exposición ‘Condensación’, en la
que artistas jóvenes usaron materiales poco convencionales. El tema de inspiración es la interpretación de los sueños y la alquimia. ‘Nouvelle
Vagues’ terminará el 9 de septiembre.
Redefinir el tema del paseo es lo que busca este
proyecto en el que los integrantes del colectivo Si
Nos Pagan Boys viajarán a Girardot para producir
obras de arte en el viaje y en los diferentes
puntos de parada. Se buscarán percepciones
comunes de las ideas de viaje, paseo, ocio y otros
conceptos y se les comparará con los ideales de
paseo reflejados en obras de arte universal como
las de Manet, Monet y Courbet. Éste proyecto es
ganador de una convocatoria del Museo de Arte
Moderno de Bogotá. Antes habían desarrollado
proyectos en Artecámara (Donde manda
marinero no manda capitán) y organizaron la
exposición Mánimal, en el 2012.
Julio - Agosto 2013
El primero de los programas fue recién inaugurado en la localidad Rafael Uribe Uribe y busca
atender, este año, cerca de 3.000 jóvenes, junto
la Secretaría de Educación Distrital. También
se abrirán otros Clan en las localidades Ciudad
Bolívar, Suba, Engativá, Rafael Uribe Uribe, Fontibón, Barrios Unidos, Bosa, Tunjuelito, Kennedy, Usaquén, y Chapinero.
‘Primavera: una proyección hacia la estética
muisca’ recibirá inscripciones hasta el 19 de julio.
Para participar en esta exposición del Instituto
Municipal de Cultura y Turismo de Cajicá con
artistas nacionales y extranjeros, las solicitudes
se pueden enviar a escueladeartesimctc@gmail.
com y a la Casa Cultura No. 2 de dicho municipio.
Los artistas podrán participar en dos categorías:
La primera es para estudiantes y se aceptarán
obras de dibujo, pintura, grabado, técnicas
mixtas, instalación, performance y graffiti. La
exposición será itinerante. No puede tener
contenido sexual o violento. La segunda categoría
es la profesional y está destinada a mayores de
18 años y se admitirá: dibujo, pintura, escultura,
grabado y fotografía no hechos antes de 2011.
Además, se debe pasar una propuesta escrita
para realizar talleres prácticos.
Los resultados se publicarán en julio 27 de
2013. De agosto 9 a septiembre 13 se hará la
exposición. Habrá primer y segundo premio para
cada una de las categorías y uno para el mejor
artista cajiqueño.
Residencias en Estados Unidos
El Vermont Studio Center ofrece residencias de
estudio de cuatro a once semanas para artistas y
escritores. Recibe 50 participantes cada mes. La
beca es una residencia en un edificio histórico de
Vermont.
La próxima fecha de cierre es en Octubre primero. Mayores informes:
www.vermontstudiocenter.org
ARTERIA Ed. 39
Julio - Agosto 2013
Fotografías: Subgerencia Cultural Banco de la República.
4
‘Garden of Earthly Delights, after H. Bosch’ (2008). Rompecabezas gordiano.
La imagen, al estilo de Vik Muniz
El Museo de Arte del Banco de la
República presentará ‘Vik Muniz:
“Más acá de la imagen”’. Un
recorrido por una obra que no
deja de ser sorprendente.
V
ik Muniz ha utilizado tantas cosas y
medios para sus imágenes que resulta
difícil pensar qué hará después.
Hilo, alambre, plastilina, chocolate,
mantequilla, basura, plata, tierra, diamantes,
azúcar, fotograbado, fotografía…
El Banco de la República presentará en el segundo
piso de su sede en Bogotá, desde el primero
de agosto hasta el 28 de octubre, ‘Vik Muniz:
“Más acá de la imagen”’, una oportunidad para
apreciar los trabajos de este brasileño nacido en
1961, que no deja de sorprender.
La exposición mostrará distintas etapas de la
obra de este artista que ha reinterpretado desde
obras claves del arte universal hasta momentos
que han quedado en la conciencia colectiva.
Se dice que Vik Muniz llegó a la fotografía por
casualidad. Su trayectoria empezó como escultor,
pero al fotografiar sus obras para documentarlas
se dio cuenta de que, en realidad, lo que buscaba
eran las fotos. Al retratar las esculturas, buscaba
la iluminación, la exposición y el ángulo perfectos
para capturar el efecto que había imaginado
cuando se disponía a iniciar la obra.
En ‘Individuals’, realizó 52 esculturas a partir
de un bloque de plastilina blanca. Cada vez que
hacía una escultura, la fotografiaba y luego la
destruía para volver a utilizar la plastilina. Al
final, de las esculturas solo quedaba la foto. En
otro proyecto, con el uso de algodón logró que
los espectadores interpretaran su obra como les
pareciera, pues sus fotos se podían interpretar
como algodón, nubes o imágenes de objetos.
Luego, utilizó alambre para dibujar, lo que
engañaba al espectador, pero solo por el
momento necesario para que este se diera cuenta
de que lo que veía era un alambre, lo que crea en
quien ve una relación especial con el material del
que está hecho el dibujo.
El azúcar lo usó luego de conocer la situación
miserable en la que vivían sembradores de caña
en la isla caribeña de San Cristóbal. Muniz
decidió reproducir las fotos que había tomado de
chicos de la isla, pero utilizando azúcar. En una
hoja negra espolvoreó azúcar de tal manera que
se fueron perfilando los retratos de los niños, lo
que señalaba el medio en el que vivían y lo que,
seguramente, les esperaba al crecer. La serie la
llamó Niños de azúcar.
Interesado en el paisaje, decidió usar hilo mediante
capas, dando la sensación de distancia y creando
una suerte de perspectiva aérea de los paisajes.
El chocolate líquido resultó ser un material útil
pero con el que tenía que trabajar rápido pues
luego de una hora se solidificaba. El movimiento
indispensable para dominarlo, le recordaba la
obra de Jackson Pollock. Debido a la fluidez
del chocolate líquido, muchas de las imágenes
reproducidas en esta serie son pinturas.
En un acto poco convencional para él, decidió
realizar la serie Pinturas de tinta, que presenta
fotografías periodísticas famosas reproducidas
con el material en el que estábamos
acostumbrados a verlas, la tinta, y ampliadas
hasta evidenciar el método de reproducción: los
puntos de la trama utilizada para la impresión de
periódicos. La razón de tomar este material fue,
en parte, entender cómo los medios impresos
han ido cediendo paso a los medios electrónicos
que con su velocidad dejan a los espectadores
‘Mona Lisa doble’ (1999). Mantequilla de maní y mermelada.
más vulnerables, en el sentido de que cada vez
tienen menos oportunidad de análisis.
Estas y otras series de Muniz van mucho más allá
de ocurrencias. En realidad su obra se apoya o se
refiere a varios de los grandes artistas o retoman
aspectos de la evolución del arte. La obra de
Warhol se referencia en su trabajo con productos
alimenticios: salsa de tomate, mantequilla y jalea
de cacahuete, judías refritas, etcétera.
Para Audiciones, realizó cuatro fotograbados –
antigua técnica- que muestra algunos bustos
escultóricos irónicos que representan emociones
básicas y universales: felicidad, tristeza, ira y
ensimismamiento, que recuerdan las esculturas
sarcásticas decimonónicas del caricaturista
francés Honoré Daumier.
Inspirado en las piezas de los representantes
del land art de la década de 1960 y 1970, como
Robert Smithson y Michael Heizer, quienes
realizaron enormes obras de arte en el desierto,
realizó una serie de copias de pequeño formato
de obras de Smithson, Heizer y otros, y las
fotografió de tal manera que era difícil distinguir
las maquetas de Muniz de los originales.
Es solo una muestra de la mirada de Muniz que
descubre enlaces entre el arte, los objetos, los
comportamientos y las personas que presenta
de manera que no deja de sorprender. Una parte
se verá en la exposición del Museo de Arte del
Banco de la República.
Con información del Banco de la República.
ARTERIA Ed. 39
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El Salón (inter) Nacional de Artistas se reinventa
Con creadores de Colombia y del exterior, y buscando un acercamiento a conceptos aparentemente opuestos
en el arte como ‘Saber Desconocer’, el evento más tradicional de las artes visuales colombianas llega a su número 43.
U
n nuevo giro dará este año el Salón
Nacional de Artistas que realizará
su versión 43 en Medellín, del 6 de
septiembre al 3 de noviembre, bajo
el nombre oficial de Salón (inter) Nacional de
Artistas Saber Desconocer.
Por un lado, el Salón se abre de manera oficial al
arte internacional con la invitación a cerca de 34
artistas del exterior. El hecho oficializa dentro
de su nombre algo que ya había surgido en el 41
Salón Nacional, realizado en Cali, en el 2008 y
2009, en el que hubo invitados del exterior. Pero
por otro lado, y tal vez sea la mayor modificación,
es que este año el S(i)NA no será un resumen o
selección de los Salones Regionales de Artistas,
como fue hasta la pasada edición.
Esto parece quitar una limitación que tenían los
curadores de salones anteriores y permite abrir
la perspectiva a otros enfoques. “En esta ocasión
no hay necesariamente una participación de lo
regional –explica Mariángela Méndez, directora
artística del Salón–. Antes, los Regionales eran
una plataforma para participar en el Nacional,
pero ahora se trata de empoderar a los Regionales
como espacios específicos y al Nacional como
otro espacio con expectativas distintas. El
Ministerio decidió de separar lo regional de lo
nacional. Esta es una exposición que recoge
artistas nacionales y del exterior”.
Finalmente, el S(i)NA tiene una variante que
puede parecer arriesgada para ser un evento de
arte contemporáneo y es un acercamiento a lo
tradicional. Un punto de vista que origina en
parte el nombre ‘Saber Desconocer’. “En el arte
se ha criticado tanto a la pintura abstracta, como
lo que se denomina ‘artesanía’. Se ha planteado
un enfrentamiento entre lo tradicional y lo
contemporáneo –dice la Directora Artística–.
Creo que en este momento ya no se puede hablar
más en blanco y negro. A lo mejor, estamos en
un crepúsculo, que no es día ni es noche”.
Florencia Malbrán, argentina cocuradora del
evento, agrega que ‘Saber Desconocer’ surge
Convocados y eventos
Entre los artistas convocados con su obra se
encuentran los colombianos Fredy Alzate,
María José Arjona, José Antonio Suárez, Kevin
Mancera François Bucher, Johanna Calle,
Antonio Caro, Leyla Cárdenas, colectivo Octavo
Plástico, Clemencia Echeverry, Juan Manuel
Echavarría, Rafael Gómezbarros, Edwin
Jimeno, Mateo López, Alejandro Mancera,
Libia Posada, José Alejandro Restrepo, Carlos
Uribe, Wilger Sotelo y Angélica Teuta. Del
exterior habrá obra de Cildo Meireles y Ernesto
Neto, de Brasil; Lida Abdul, de Afganistán;
Anuar Elías, de México; Jorge Macchi, de
Argentina, y Claudia Andujar, de Suiza.
Obras como ‘Solo de violín’, un video de Mario Opazo, realizado en 2010, harán parte del Salón, que tendrá invitados internacionales.
de la preocupación sobre la tensión entre los
distintos saberes. “Lo que ‘es’ y lo que no ‘es’
ha causado tragedias. Saber y desconocer son
opuestos, pero sabemos que las dicotomías ya
no funcionan: ¿qué pasa si traemos a los dos?
Desconocer es tomar lo establecido y volver a
cuestionarse, generar duda, ver la ambigüedad.
Por ejemplo: ¿Cómo medimos el tiempo? ¿Es
algo que puede repensarse? Los yanomami
(tribu que habita en Brasil y Venezuela) ven el
tiempo de otra manera…”.
Ante tal diversidad, la idea de mejor o peor
pierde todo sentido para la curaduría. Así lo deja
ver Méndez al hablar de cómo escogieron obras
y artistas: “Es saber que desconocemos muchas
cosas. Es una selección a partir de una edición
temporal, dentro de un marco referencial. Es una
síntesis. La curaduría no se trata de hablar de lo
mejor. Uno no es mejor que otro”.
Fotografías: Cortesía Ministerio de Cultura.
Por qué Medellín
Con más de 5.300 metros cuadrados para
exposiciones en espacios abiertos y cerrados,
Medellín albergará durante dos meses el que es,
probablemente, el evento más significativo de
las artes plásticas nacionales. En pleno centro
de la ciudad estarán como sedes el Museo de
Antioquia y el edificio Antioquia. El Museo
de Arte Moderno también recibirá al Salón, lo
mismo que espacios abiertos como el Jardín
Botánico. La inversión para esta versión del
Salón (inter) Nacional de Artistas es de 3.500
millones de pesos.
“El Ministerio de Cultura aporta 2 mil millones
de pesos y Medellín (por medio de la Alcaldía
y la Secretaría de Cultura Ciudadana) 1.500.
Medellín también fue escogida por ser una
ciudad innovadora, por su capacidad de gestión
y por su capacidad instalada”, explicó la ministra
de Cultura, Mariana Garcés.
El equipo curatorial del Salón (inter) Nacional
de Artistas Saber Desconocer está compuesto
por Mariángela Méndez, como directora
artística, Javier Mejía y Óscar Roldán-Alzate –
ambos de Colombia- y por Florencia Malbrán,
de Argentina y Rodrigo Moura, de Brasil.
Según los organizadores, habrá obras de
96 creadores, 62 del país y 34 del exterior
provenientes de 24 países de Europa, Asia y
América. Serán cerca de 100 instalaciones,
esculturas, videos, piezas de audio, fotografías
y pintura.
El evento es liderado por el Ministerio de Cultura
y la Alcaldía de Medellín en asocio con el Museo
de Antioquia, el Museo de Arte Moderno de
Medellín, la Universidad de Antioquia, el Centro
Colombo Americano y la Fundación Arteria.
El pereirano César del Valle presentará su obra
‘Restos de un falso desarrollo, desarrollo en papel’ (2012).
Algunas de las actividades que se destacan
serán el ‘Diplomado en crítica y periodismo
cultural’ y el seminario ‘Saber desconocer, vivir
en oxímoron’. También habrá conversaciones
con artistas. Se espera que 250.000 personas se
beneficien de los diferentes eventos.
La inauguración será el jueves 5 de septiembre, a
las tres de la tarde.
François Bucher (Colombia-Francia). ‘La duración
del presente’. Instalación (detalle). Técnica mixta. (2013).
Sebastián Antonio Restrepo Sierra. ‘De Láquesis
o Décima, Diez Oh Fortuna’. Acrílico sobre madera. (2012).
José Horacio Martínez. ‘Hojas sin fecha’.
Instalación de dibujos y pinturas digitales. (2013).
6
ARTERIA Ed. 39
Julio - Agosto 2013
Dos exposiciones en la frontera
las cuerdas del alumbrado público que aún existe en buena parte de
nuestras ciudades donde con el tiempo se han posado una especie
de pelusas, mezcla de hierba y polvo, creando unas extrañas formas
que parecen notas en un pentagrama. Estas fotos muy sencillas
logran hacer una descripción urbana muy a tono con nuestra época.
La foto de Tamara Clavijo, Salto de amor, es una experimentación
con cierta intimidad donde el espacio cotidiano se expone de
manera lúdica. Una lámpara y la luz que proyecta sirven de
escenario a un personaje que salta al vacío. El personaje lleva
un ramo de flores. Un dispositivo sencillo que logra realizar
una imagen muy agradable y llena de poesía. Trapitos al sol, de
Adriana Ortega Rolón está llena de mucho humor y literalidad:
las cuerdas del alumbrado sirven para colgar una serie de prendas,
que se secan al sol frente a un cielo azul.
Por: Ricardo Arcos-Palma*
Cortesía: Ricardo Arcos-Palma
Oscar Schoonewolff Romero, quien además es poeta, realizó
una obra llamada Frutero de noche, en la cual vemos un juego
compositivo de una máquina donde la circularidad hace pensar
en la redondez de algunas frutas. Ésta tiene varias calidades
plásticas y logra mostrarnos una fotografía experimental donde
la psicodelia parece tomar forma. Flor Alba Peña en su obra La
lección de los himenópteros logra realizar una fotografía digna de los
estudios científicos de los biólogos.
Jhonatan Gorrin y Hardys Morales obtuvieron el primer puesto
en el Salón de Fotografía Pedro Miguel Román con ‘Neo-inquisición’.
E
l Salón de Fotografía Pedro Miguel Román y el Salón
del Agua marcan dos momentos importantes en las
exposiciones de arte en la capital de Norte de Santander.
Ambas son organizadas por la gestora Néllyda Amparo
Cárdenas Clavijo, miembro de la Asociación de Artistas Plásticos
de Norte de Santander, Grupo Salvador Moreno, y apoyadas por el
Ministerio de Cultura, la empresa y privada y entidades regionales
del Estado.
Cuarto Salón de Fotografía Pedro Miguel Román.
Las obras premiadas en esta exhibición fueron: en primer lugar,
la obra Neo-inquisición, del colectivo Insumisión, conformado por
Jhonatan Gorrin y Hadrys Morales. Esta obra logra abrir un
espacio de reflexión con un tema de actualidad: el conservadurismo
religioso frente a la apertura sexual. Un joven desnudo abraza su
cuerpo con una brazo y con el otro sostiene un crucifijo que oculta
su sexo. El segundo lugar se lo llevó Agujero negro, de María Belén
Hernández, donde se retrata un paisaje tomado de la oxidación
de ciertos materiales y objetos. La técnica es impecable. El tercer
lugar fue para Don, de Hernando Cruz, donde una figura emerge
del negro del fondo. El tratamiento técnico es impecable y el
retratado es uno de los protagonistas de El Padrino. Cruz en este
momento está realizando una obra de denuncia social en la que
critica la violencia política que ha padecido dicha región del país.
Séptimo Salón del Agua
La séptima versión del Salón del Agua se realizó en la Biblioteca
Pública Julio Pérez Ferrero. Contó con la participación de un
jurado conformado por los artistas Carlos Alarcón, José Orlando
Salgado y quien escribe este texto. Fueron elegidas 43 obras
para la selección final. Diez obtuvieron mención y dos primeros
premios. Las obras seleccionadas se apoyan en varias técnicas,
principalmente en la fotografía, la instalación, la escultura, el
dibujo, el vídeo y la pintura.
Dentro de las obras premiadas están: Reservas, del colectivo Eon,
donde aparece representada una cantimplora, en medio de un
paisaje. La sencillez conceptual y evidente de esta obra así como
su ejecución pictórica, hizo que el jurado se inclinara por ella. Otro
de los premios fue para el artista Oscar Iván Roque con La maleta
del chamán. En ella una maleta de madera, finamente elaborada,
recogía una serie de frasquitos, dibujos, pinturillas y otra cantidad
de objetos que recordaban a las maletas de los pintores de la época
de la exploración botánica. La carga conceptual la hizo ganadora.
Otra obra que vale la pena mencionar es la instalación Jardinero,
de los artistas Juan Carvajal y Guillermo Alvarado: en ella el
espectador podía ver una especie de bodegón real conformado
por una silla de madera, una jarra y un platón de aluminio. Los
mismos objetos estaban representados en la pared mediante un
dibujo realizado en papel adhesivo, pero con dos personajes que
se sirven de los objetos, uno de ellos sobre la silla y el otro en el
platón, recibiendo el agua que sale de la jarra y cae sobre su cuerpo.
Un dispositivo muy sencillo y lleno de mucho humor.
La obra What The Water Gave Me, de Néstor Blanco, es otra muy
interesante por la ironía: un patito de hule yace al lado de un
desaguadero de baño. El patito parece deshacerse en los amarillos
y rojos que salen de su cuerpo en pintura que va chorreándose
hacia el desaguadero.
La fotografía de Juan Pablo Cho en Pura vida, no sorprende tanto
por el tema (una tortuga sumergiéndose en el agua), sino por
la factura impecable de la fotografía que hace de esta pieza una
excelente obra.
La instalación de Tatiana Rueda titulada El futuro rey de Sión
estaba constituida por una placa de metal oxidado del tamaño de
una puerta y una serie de barquitos de papel de colores amarillos,
violetas, rojos y azules que se desprenden de la puerta y van a
terminar en un balde de agua. Obra sencilla que tiene una carga
poética indudable.
De este salón hay una obra que quiero destacar, aunque solamente
obtuvo mención: Temas aguados, de María Belén Hernández.
Esta obra me sorprendió por el hecho de que es muy contundente
conceptualmente y formalmente: una repisa pegada en la pared,
soporta varios libros, una pecera y una botella de agua. En la
pecera hay una pez vivo. Los libros aluden por sus títulos a
temas relacionados con el agua. Esta obra muy simple, sencilla y
evidente es, a mi juicio, la mejor del salón y es digna de cualquier
sala internacional.
*Curador, crítico y teórico del arte. PhD de la Sorbona en Artes
y Ciencias del Arte. Coordinador Académico del Maestría en
Historia y Teoría del Arte, la Arquitectura y la Ciudad, de la
Universidad Nacional de Colombia.
La fotografía como práctica del arte contemporáneo sirve para
reflexionar sobre el valor de la imagen en la sociedad. La imagen
fotográfica ocupa un lugar esencial en nuestras vidas cotidianas,
sobre todo cuando las redes sociales y los medios digitales han
logrado democratizar el uso de este medio. Hoy, casi todos tienen
de una u otra manera acceso a la práctica fotográfica. Todo es
absolutamente fotográfico, han insistido los teóricos como
François Soulages.
Se recibieron 39 propuestas fotográficas. El jurado estuvo
conformado por los artistas Florencia Alvarado, de Venezuela,
José Orlando Salgado y quien les escribe. Realizamos una
preselección de las obras con los siguientes requerimientos:
calidades formales y técnicas, fundamentación conceptual,
anonimato de las obras, relevancia frente a las otras obras,
apuesta experimental y problematización de lo fotográfico. De las
seleccionadas, se otorgaron tres premios y diez menciones. Estas
obras conformaron la exposición, en la Torre del Reloj.
Entre las propuestas destacadas están: Noches de Venezuela, de
Carmen Lisbeth Niño, que, sutilmente, alude mediante nueve
módulos que representan con velas encendidas amarillas, azules
y rojas a la bandera de la República Bolivariana de Venezuela. El
símbolo patrio es aquí simplificado y expuesto como una luz que
se apaga en una oscuridad profunda. Muchas lecturas se pueden
hacer sobre esta obra, pero, sin duda, la más fuerte es la que tiene
que ver con la realidad política y social del país vecino.
La fotografía de María Alexandra Morelli, Entre líneas, es un
retrato urbano conformado por varios módulos. Cada uno revela
Cortesía: Ricardo Arcos-Palma
María Belén Hernández presentó ‘Temas aguados’ al Séptimo Salón del Agua. Obtuvo mención.
ARTERIA Ed. 39
Julio - Agosto 2013
7
Proyectos interdisciplinarios buscan soluciones para problemas sociales
Arte, medio ambiente y agua en la contemporaneidad
E
Cortesía: Fundación Gilberto Alzate Avendaño.
n una actividad poco común, cuatro equipos de
desarrolladores participaron en el Laboratorio Interactivo
del Agua 2013, cuya finalidad fue visibilizar las diversas
problemáticas contemporáneas que el mundo afronta
con respecto al líquido, mediante acciones que combinaron
el arte, la ciencia y la tecnología; la creación, la investigación, la
experimentación, el aprendizaje colectivo y colaborativo. El
proyecto buscó generar procesos de sensibilización, análisis y
reflexión sobre el manejo de las reservas hídricas, la preservación
del agua y su buen uso en la cotidianidad.
Fue financiado por la Alcaldía Mayor de Bogotá, la Fundación
Gilberto Álzate Avendaño (Fuga), mediante su proyecto
Plataforma Bogotá: Laboratorio de arte, ciencia y tecnología y la
Fundación Arteria.
Los equipos investigadores fueron liderados por Claudia
González, Cristian Ardila, Manuel Santana, Graciela Duarte,
Diana Paola Garzón y Jhon William Herrera. Cada uno recibió
una bolsa de hasta quince mil dólares (27.800.000 pesos). El
laboratorio realizó una programación académica que incluyó la
socialización de los proyectos seleccionados, foros, conferencias y
encuentros interdisciplinarios.
The Water Resistence Laboratory
Claudia Gonzalez Godoy, de Chile, exploró la relación entre el
agua y la electrónica y produjo una máquina ‘orgatrónica’ que
genera sonidos aleatorios. El prototipo es una fuente en el que
el agua en su caída pasa por electrodos, que crean una síntesis
sonora. El proyecto funciona como una obra de arte in situ y podría
ser aplicado a gran escala en el espacio publico.
Para este trabajo se desarrollaron pruebas hidráulicas y
electrónicas con prototipos de toboganes planos y curvos, a partir
de la inclinación y distancia variable entre los conectores metálicos
y el agua, con lo que se produjeron diferentes sonidos.
En este proceso el agua se conviertió en el componente central de
la instalación que tomó la función de una resistencia variable para
modificar y modular el sonido de los circuitos sintetizadores DIY.
Cada válvula tenía asociado un sintetizador. En esta forma, al caer
el agua por el tobogán, hacía contacto con los conectores metálicos
y generaba una frecuencia específica, diferente para cada válvula,
logrando así sonidos sintetizados en conjunto con el sonido del
agua en movimiento.
Viajes a través del río
El proyecto nació en el seno del colectivo Echando Lápiz,
conformado por Manuel Santana y Graciela Duarte, quienes se
dieron a la tarea de conocer a sus vecinos en el barrio Las Cruces,
a través de encuentros para dibujar la vegetación del barrio, de
las casas, de las aceras y el entorno en general, en un proceso de
redescubrir lo cercano y lo cotidiano.
Echando Lápiz se propuso viajar a través del Río Bogotá con un
lápiz y un diario de campo, para lo que contó con 11 colaboradores
de diferentes disciplinas, como abogados, administradores,
ecólogos, artistas y literatos.
Durante el proceso se interactuó con la comunidad de El Chircal,
logrando implementar varias propuestas pedagógicas y lúdicas
para la consecución de dibujos y nuevas miradas al río que nacieran
desde la población. Aquí se idearón proyectos como ‘El localizador
de zona de siembra, proyecto de agricultura urbana’. Una balsa por
Artistas, ingenieros y expertos en distintas áreas trabajaron en proyectos que buscaban encontrar mejores formas de actuar con el medio ambiente.
medio de la que se dibuja el río, y una exposición abierta al público
que dio cuenta de los resultados en los diarios de viaje.
Esta experiencia tuvo acogida, por lo que decidieron llevarla
a Puerto Berrío (Antioquia) y Moravia (Medellín), donde sus
habitantes se encuentran en situación de vulnerabilidad en el
contexto social y ambiental. Asimismo, exploraron en lugares
en donde encontraron población en montañas de basura y en la
rivera de los ríos en situación de alta contaminación.
Reutilizando el agua residual de la ducha
Denominada RAR, este sistema logra de forma automática
reutilizar el agua residual de la ducha, utilizando una plataforma
para la recolección previa del agua, provista de un sensor de nivel y
una bomba sumergible y complementada con un tanque en altura
como acumulador. Este lleva por gravedad el agua al inodoro.
Dicho tanque cuenta con un sensor de nivel máximo y el sistema
en general tiene un mecanismo de control de desbordamiento
que actúa cuando los tanques alcanzan su máxima capacidad de
almacenamiento.
Gracias a la colaboración del equipo formado por diseñadores,
artistas, ingenieros y administradores, el proyecto modificó su
configuración en la distribución y elementos que conforman el
sistema. Se cambió el tanque en altura por uno con estructura
apoyado al suelo, el cual evita intervenir en los acabados (como
romper el enchape del baño), y también permite acomodarlo de
acuerdo a las diferentes distribuciones de espacios.
El proyecto ‘BioLodosDC’
El proyecto ‘BioLodosDC’ nace de la necesidad de mitigar una
problemática social: descontaminar total o parcialmente los lodos
dragados del río Bogotá, que presentan cargas de contaminantes
orgánicos e inorgánicos, entre estos últimos, metales pasados.
Se trata ce sembrar especies que influyeran en el estado del río.
En el momento de presentar la propuesta el proyecto estaba en
fase de caracterización, con pruebas de laboratorio y a la espera de
resultados para realizar la siembra con las condiciones adecuadas.
Al comenzar el laboratorio Agua 2013 se inició la experimentación,
se determinaron las especies para utilizar y la forma de siembra
correcta. Se sembraron y se dejaron las especies durante 15 días en
los lodos para, posteriormente, realizar su análisis.
Se espera que el proyecto pueda realizarse en el sitio y así analizar
detalladamente el proceso. El proyecto, además, abre una línea
investigativa acerca del aprovechamiento del residuo vegetal ya
que se espera que pueda llegar a ser utilizado en la producción de
nuevos materiales, como el icopor orgánico.
Fiesta
Fiesta
Fiesta
de
dede
Bogotá
Bogotá
Bogotá
Fiesta de Bogotá
– Exposición
– Exposición
– Exposición
dede
arte
arte
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arte
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Galería
Galería
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– Exposición de arte sonoro, Galería Santa Fe
Durante
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Durante el mes de agosto
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20132013– Veinti6. El Dorado. Primer Encuentro de Escritores y Arte Urbano 2013
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– Recorridos por Macarena, Candelaria, Chapinero, Teusaquillo y Usaquén
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2013
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– Página web Premio Luis Caballero 2013
Horario
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8
ARTERIA Ed. 39
Julio - Agosto 2013
Se cumplen cien años de las primeras excavaciones arqueológicas
San Agustín: la perfección de
Texto y fotos: Germán Ortegón*
A
quinientos años después de haber sido
descubierto el complejo arqueológico
de San Agustín, esta cultura sigue
siendo todo un misterio. Desde
cuando el español Francisco García de Tobar,
quien se encontró con la estatuaria y dio aviso
del hecho diciendo “otro México”, hasta hoy,
cuando los habitantes del municipio del Huila
esperan los resultados del Instituto Colombiano
de Antropología e Historia (Icanh) sobre la más
reciente investigación.
Los primeros textos que hacen referencia a la
estatuaria de San Agustín fueron escritos por el
cronista fray Juan de Santa Gertrudis, a finales
del siglo XVII. Asimismo, en el siglo XVIII el sabio
Francisco José de Caldas informó sobre estos
complejos funerarios.
El parque arqueológico fue creado en 1931 bajo
la administración del Servicio Arqueológico
Nacional del Ministerio de Educación, con
el fin de investigarlo y protegerlo. Desde ese
momento es una de las zonas arqueológicas
mejor investigadas y el sitio más representativo
del patrimonio arqueológico colombiano.
Desde la creación del Parque de San Agustín
la región ha sido estudiada intensamente por
arqueólogos interesados en entender esta
cultura y su estatuaria de gigantes. Entre los
más destacados sobresalen el antropólogo
El investigador Konrad T. Preuss inició las excavaciones en San Agustín. El sitio es considerado Patrimonio Cultural de la Humanidad.
alemán Konrad Theodor Preuss, seguido por el
arqueólogo español José Pérez de Barradas y los
antropólogos colombianos Gregorio Hernández
de Alba, Luis Duque Gómez y Julio César
Cubillos, mismos a los que el Icanh realizó un
homenaje durante la celebración de los 100 años
de investigación.
Un siglo de estudio
El Icanh está celebrando los cien años de
excavaciones en la zona arqueológica de San
Agustín. Para los investigadores, este es el mayor
complejo de monumentos megalíticos de la
América precolombina y está conformado por un
grupo de yacimientos arqueológicos dispersos en
una amplia región del valle alto del río Magdalena,
en el suroccidente de Colombia.
Algunas esculturas parecen mostrar personas
de diversas culturas, lo mismo que animales.
En 1995 San Agustín fue reconocido por
la Unesco como Patrimonio Cultural de la
Humanidad, gracias a que esta cultura simboliza
la capacidad de las sociedades prehispánicas del
norte de Suramérica para crear y expresar en las
esculturas monolíticas, los montículos de tierra y
los corredores funerarios su particular forma de
organización social y su visión del mundo.
Para el guía del parque Miguel Ángel Tovar, “la
estatuaría presente en San Agustín da muestras
de un homenaje a los muertos, rito común en
nuestra América indígena, con imágenes donde
se representan cerca de 34 fenotipos humanos
de diversos sitios del planeta y algunos animales
no presentes en Suramérica, como gorilas y
elefantes”. Según las investigaciones del Icanh la zona
fue ocupada por comunidades desde el cuarto
milenio a.C. Las esculturas y complejos funerarios
presentes en San Agustín se construyeron
durante el período denominado como Clásico o
Intermedio, entre el año 200 a.C. y el 800 d.C.,
aproximadamente. Esos mismos estudios han
señalado que se trataba de una sociedad cuyo
principal medio de subsistencia era la agricultura.
como la geología, la ingeniería, la arquitectura, la
gastronomía y la matemática.
Para Miguel Ángel -quien relata conocimientos
como si se tratara de un texto de estudio- es muy
importante ver todos estos complejos megalíticos
como la conjugación perfecta de diferentes
formas como círculos, cuadrados y rectángulos.
“Ellos elegían la piedra, hacían un primer boceto,
luego dividan la roca en dos cuadrados, esos
cuadrados los dividían en rectángulos, y la parte
de los ojos eran círculos perfectos. Esta es una
formula matemática y se repite en gran parte de
la estatuaría”, afirma el guía.
Piedras que hablan
De acuerdo con los informes del Icanh,
anualmente más de 60 mil personas de diversas
regiones de Colombia y de otros países han
apreciado directamente los vestigios de esta
enigmática cultura ya desaparecida.
De manera sorprendente, el guía Miguel Ángel
explica que la estatuaria de San Agustín hace
parte de toda una obra geométricamente perfecta
y que la zona arqueológica tiene que ser vista a
partir de muchas ciencias y disciplinas, debido
a que confluyen conocimientos tan diversos
La ‘Capital Arqueológica de Colombia’, como
se conoce a San Agustín, está ubicada en las
estribaciones del Macizo Colombiano, entre
los municipios de San Agustín e Isnos, entre
las cordilleras Central y Oriental, en el sur del
departamento del Huila.
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para
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artistas
ARTERIA Ed. 39
la escultura
Julio - Agosto 2013
Un ‘Solo de concertina’, en
el Colombo Americano de Bogotá
L
La concertina de uso militar, no el instrumento
musical, pasó de ser móvil a un elemento de
seguridad estático y pesimista en nuestro paisaje.
La obra de Ximena De Valdenebro recuerda su
existencia. La línea ondulada de la concertina
delimita lo público de lo privado, contiene y
aprisiona pero a la vez expulsa y protege.
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Ahora plantea trabajos que retan al ojo por sus
efectos vibrantes o que sugieren un movimiento
que, en realidad, no existe.
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El Op Art fue un movimiento artístico que tuvo
su auge en la década de los 60 y se extendió, en
menor medida, en los años 80. Básicamente, se
trataba de la realización de obras de arte a partir
n d ES
*Periodista, productor de televisión. Durante
cerca de 20 años ha recorrido Colombia para
contar historias de la cultura del país.
E
l proyecto más reciente de Barbarita
Cardozo, titulado ‘Geometría pura
mente consumista’, que se presenta en
la galería Nueveochenta, de Bogotá, es
el resultado de una relación entre arte y moda. Su
propuesta es abordada a través de la geometría
abstracta e inspirada en el Op Art (arte óptico)
con materiales usados en la producción textil.
La mayoría de la obra de Cardozo ha tratado
temas relacionados con la moda, en exposiciones
anteriores había centrado su atención en el trato
injusto que según ella, reciben los trabajadores de
maquilas orientales y el efecto de esta situación en
el mercado. Para la exposición ‘Made In’ (‘Hecho
en’), del 2009, pegó en la obra Care Instructions
(‘Instrucciones de cuidado’), diferentes impresiones
sobre acrílico que simulaban ser marquillas como
las que vienen en la ropa con indicaciones de
lavado y planchado, solo que las suyas eran de
mayor tamaño y aludían a la situación de la mano
de obra de la producción textil en países como Sri
Lanka, China, India y Vietnam.
u m A n Id
Es un ejemplo importante del arte escultórico de
San Agustín, Está ubicada a cuatro kilómetros
al norte del poblado de San Agustín, sobre la
cuchilla que separa la quebrada El Tablón, del
cañón del río Magdalena. Es un singular conjunto
de figuras naturalistas, humanas y animales,
talladas sobre las paredes de las enormes rocas
volcánicas naturales del lugar. Mira al cañón
del Magdalena, que pasa 200 metros abajo,
directamente al este del monumento. Sobresalen
tres grandes figuras humanas en relieve, talladas
en un bloque, con los brazos y los pies hacia los
lados, como en adoración.
de los patrones textiles de los diseñadores de
la época. No es la primera vez que Barbarita se
inspira en el Op Art. En ‘Optical Power’ (‘Poder
óptico’), la artista se interesó en establecer la
relación entre el arte y la moda, por la inspiración
que múltiples diseñadores de vanguardia
lograron extraer de movimientos artísticos.
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Universidad de los andes - personería jUrídica: res . no. 28 del 23 de febrero de 1949, minjUsticia
pregrado en arte código SnieS 1527 • pregrado en hiStoria del arte SnieS 91386
eSpecialización creación MultiMedia código SnieS 7026
rTE S y
H
La Chaquira
Barbarita Cardozo juega con la mirada
Alto de los Ídolos
Es después de las mesitas, los sitios con mayor
densidad de tumbas, montículos y estatuas
de la cultura arqueológica de San Agustín. Fue
reportado por primera vez por Konrad T. Preuss.
Está localizado en el municipio de Isnos, cinco
kilómetros al noreste de la cabecera municipal
de San Agustín (15 kilómetros por carretera)
y cuatro al suroeste de la cabecera municipal
de Isnos. Alberga una sede administrativa y
un museo etnográfico a cargo del Icanh. Lo
conforman siete montículos funerarios asociados
a varios sarcófagos monolíticos y a, por lo menos,
veintitrés estatuas. Los montículos fueron
erigidos sobre una loma en forma de herradura,
nivelada con una gran terraza artificial.
Para Padilla, De Valdenebro logra encontrar
la poética del elemento y reflexiona sobre las
dicotomías que este plantea, sin negar el hecho
de los ritmos de sus ondulaciones y brillos,
convirtiendo la concertina en una excusa para
sus obras sensuales.
d dE A
La fuente ceremonial de Lavapatas es un conjunto
de placas talladas sobre el lecho de la quebrada del
mismo nombre. Los canales por donde corre el
agua forman siluetas de lagartijas y serpientes,
y caen, a manera de fuente, a tres estanques. Su
función debió relacionarse con cultos al agua y
sus elementos asociados.
Ubicado entre el cerro de El Purutal y la vertiente
noroeste del cerro de La Pelota, este sitio
arqueológico está constituido por dos áreas
monumentales del periodo Clásico Regional.
Cada una tiene un montículo funerario artificial
construido sobre promontorios naturales unidos
por un terraplén artificial de aproximadamente
230 metros de longitud. El área de El Purutal fue
parcialmente excavada en 1984 por Julio César
Cubillos y está compuesta por tres estructuras:
una tumba y dos “templetes” o dólmenes, cada
uno conformado por una estructura de lajas y una
escultura policroma, recientemente afectadas por
vandalismo.
FA C u LT
A
La fuente de Lavapatas
El Purutal La Pelota
La finalidad de la concertina es la defensa de
una sociedad aterrorizada que vive en pequeños
muros restrictivos pero se queja de las fronteras
y de las grandes murallas que representan la
fobia al extranjero, al racismo, al fascismo y a las
diferencias de clase.
E LoS A
Complejos funerarios en San Agustín
Christian Padilla, quien escribió el texto de
presentación para la exposición que realizará De
Valdenebro en el Centro Colombo Americano,
en Bogotá, a partir del 8 de agosto, recuerda que
“Delimitar el territorio hace parte de la naturaleza
de los seres vivos para generar distancias críticas
que garanticen la supervivencia, observación
de Deleuze y Guattari en sus Mil mesetas:
‘hay que tener en cuenta simultáneamente
dos aspectos del territorio: no sólo asegura y
regula la coexistencia de los miembros de una
misma especie, separándolos, sino que también
hace posible la coexistencia de un máximo
de especies diferentes en un mismo medio,
especializándolas’”.
Id A d d
Los escultores hacían bocetos y empleaban fórmulas para tallar la piedra.
Cortesía: Ximena De Valdenebro
os últimos trabajos de Ximena De
Valdenebro se han concentrado en un
objeto con un significado ambivalente
y contradictorio: la concertina. Esa
reja, que se podía expandir rápidamente para
obstaculizar al enemigo y guardarla ágilmente
para replegar tropas y avanzar, tiene en el nombre
una conexión con el instrumento musical del
mismo nombre que se puede expandir para
llenarse de aire.
El Parque Arqueológico de San Agustín está
conformado por cuatro mesitas (mesitas A,
B, C y D), el Alto del Lavapatas y el Bosque
de las Estatuas, donde se pueden encontrar
diversos vestigios arqueológicos. Se destacan
grandes figuras o estatuas talladas en piedra,
muchas de las cuales hacen parte de conjuntos
funerarios monumentales. Se trata de esculturas
caracterizadas por diseños que combinan rasgos
humanos y animales, cuya presencia evoca lo
ritual, la procreación, las transformaciones, el
culto a los animales y a la muerte.
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ARTERIA Ed. 39
Julio - Agosto 2013
En ‘Echar por tierra’ Eduard Moreno
muestra el lado oscuro de la minería
Así como la tierra es sacada de las minas, el artista bogotano quita el pigmento del papel
carbón para imprimir fotos que conforman una obra que, precisamente, habla de la extracción minera.
D
os bandas transportadoras de 15 metros cada una se cruzan en diagonal en
el primer piso de la galería NC-arte, en
Bogotá. Ambas fueron traídas de una
mina de carbón de la sabana bogotana, pero en
vez de piedras, ahora transportan de una esquina
a otra de la galería cerca de 40 mapas de regiones
de Colombia, impresos en formas continuas de
papel carbón. Las hojas tamaño carta se apilan sobre el piso y, en un caso, sobre un escritorio típico
de oficina pública. Una vez terminan su viaje, el
proceso se repite hacia el extremo contrario.
Mientras las máquinas mueven de un lado a otro
esas representaciones de la tierra colombiana, una
fila de fotografías de cabezas de mujeres y hombres negros, de perfil, con una batea para sacar oro
puesta en la cabeza, permanecen en una pared
cercana. Las 15 fotos, también impresas en papel
carbón, caen en cierto desorden hacia el piso.
Fotografía: Andrea Marín.
Por: Diego Guerrero
Es una modalidad que ha continuado desde el
comienzo, como la banda sin fin que arrastra las
formas continuas con sus mapas. “Es un modelo
de explotación en la que los negros de hoy parecen cargar una herencia. Es gente que hace lo que
hicieron sus ancestros, que viven en poblaciones
muy pobres donde las regalías nunca llegan”, dice
el artista.
Moreno trabajó con modelos negros, algunos,
allegados a personas desplazadas de zonas mineras por cuenta de diversos grupos armados. Para
él, “no tiene sentido que haya tanta gente pobre
en medio de tanta riqueza que se va para afuera.
Para mí es una desilusión. Es algo que se cae por su
propio peso”. Por eso tiene sentido que las hojas
con mapas vayan cayendo por “su propio peso”, lo
mismo que las fotos de rostros de los hombres y
mujeres que parecen hacer fila puestos en la pared
y que van cayendo naturalmente hacia el piso.
La hilera de fotos muestra solo las cabezas
de los fotografiados y no sus cuerpos:
“Solo es la cabeza porque esto es un problema
de colonización, que es un problema ideológico”.
En la pared del fondo está Cielo abierto, una obra
de 2,40 m. por 2,60 m., compuesta por 56 hojas
de papel carbón. Muestra un grupo de mineros
negros alrededor de un hoyo gigantesco, mientras
en el cielo se ven imágenes de ángeles pintados
por Miguel Ángel Buonarroti para El juicio final.
Así es, por lo menos en buena parte, ‘Echar por
tierra’, exposición de Eduard Moreno, curada por
Conrado Uribe. Para Moreno su obra es una metáfora de la historia de la minería en Colombia y
del problema que ha generado. “La minería empezó como algo colonial y hoy todavía lo es. En la
minería se dice: ‘Esto es mío y me lo llevo’”, explica.
Agrega que siempre ha generado desplazamiento,
antes de indígenas y luego de esclavos traídos de
África, y ahora de poblaciones que resultan afectadas por grupos armados.
Esa fila alude a un hecho que parece traído de la
época de la Colonia o de la nefasta casa Arana. En
el Cauca y Chocó, hay sitios de minería que han
sido monopolizados por grupos ilegales, dice el
artista y continúa: “Los habitantes siempre han
sacado oro de ahí, pero ahora son los que tienen
las armas los que los autorizan, entonces tienen
que hacer fila para poder explotar la mina y luego
deben pagar algo”.
Aún con toda la desilusión que le causa, Moreno
tiene paciencia para buscar la belleza mediante un
trabajo cuidado de cada hoja (ver recuadro). Tal
vez porque para él, más que la crítica social de un
tema que, de alguna manera, es conocido, lo más
importante son las personas. “Yo no lo veo tanto
como una crítica social. Para mí, es un homenaje a
todos ellos”, concluye.
Eduard Moreno utiliza bandas transportadoras y fotos en papel carbón para hacer una metáfora de la minería.
Un proceso de extracción para el arte
Si la minería consiste en remover capas de tierra
para encontrar los minerales preciados, lo que
hace Eduard Moreno es algo similar. Remueve
el pigmento del papel carbón para formar su
obra. Cuando empezó, hace algunos años, lo
hacía directamente con algodón y disolventes,
creando sus pinturas. Ahora lo hace con un intrincado proceso mediante el uso de software y
una simple impresora de punto.
Luego de tomar la foto y procesarla digitalmente, la máquina imprime la imagen sacando
un poco de pigmento del papel carbón. Para
lograr la impresión correcta de los tonos cada
fotografía debe pasar alrededor de 15 veces
por la impresora. Por eso, cada imagen de estos
mineros es un verdadero proceso de extracción.
Así sucede con las fotos de los mineros y con los
ángeles de Buonarroti que vuelan en su cuadro
Cielo abierto.
La exposición incluye una segunda parte con
videos que muestran el impacto de la minería
en Colombia y una instalación con cachuchas
bordadas en hilo de oro, que alude a la manera
en que Europa se enriqueció con la extracción de
tesoros de América.
ARTERIA Ed. 39
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Cómo es el nuevo
proyecto expositivo de José Roca
A mediados de agosto, abrirá en el barrio San Felipe, de Bogotá, Flora ars+natura, un espacio para el
arte contemporáneo, con énfasis en la relación entre arte y naturaleza. Una entrevista con su director artístico.
J
Precisamente su carrera y reconocimiento es lo
que ha generado una gran expectativa en torno
a Flora ars+natura, una iniciativa que, según
escribe en una carta abierta en su sitio web,
nace de una reflexión que le llevó a entender
la relevancia de los curadores institucionales
que pueden “crear o consolidar contexto local a
través de un proceso continuado”, como el de un
curador independiente que puede “trabajar con
quien quiera y negociar las condiciones de su
afiliación temporal”, aunque-admite “una buena
exposición de un curador independiente, en el
mejor de los casos, marca un momento, mas no
crea un tejido duradero”.
Así que con Flora ars+natura pretende ubicarse
en “una posición híbrida. La de curador
institucional independiente”. Aunque a nivel
personal es también un proyecto familiar en
el que hace parte su esposa Adriana Hurtado
como directora ejecutiva.
Para entender este espacio, el periódico ARTERIA
habló con José Roca:
¿Con qué exposición abrirá Flora ars+natura?
Flora abrirá con una exposición en torno al libro
Walden, o la vida en los bosques (1854), de Henry
David Thoreau. Es una exposición colectiva
titulada ‘Ninguna forma de vida es inevitable’,
y reúne obras que se refieren a cuestiones como
las utopías personales o colectivas, el aislamiento
voluntario, los ermitaños, y las conexiones más
esenciales con la naturaleza.
Según dice, flora tendrá una biblioteca especializada
en arte y naturaleza, un auditorio, un jardín con
especies nativas, una sala de exposiciones, un espacio
para el arte sonoro, y un estudio para residencias
de artistas y curadores. ¿Los diferentes espacios
Cortesía: José ignacio Roca.
osé Roca no necesita presentación en
el mundo del arte: director del área de
Artes del Banco de la República, en
Bogotá, Director artístico de Philagrafika
2010 (Filadelfia, EE. UU.) Curador General de la
octava Bienal de Mercosur (Portoalegre, Brasil)
y actual Curador Adjunto Estrellita B. Brodsky
de arte latinoamericano en la Tate Modern, de
Londres.
estricto del término, sino que será el resultado
de las residencias en Honda (Tolima). Inclusive
hemos pensado que tres o cuatro semanas es
muy poco tiempo para algunos artistas, así que
en la sala de proyectos se presentarán “puestas
en público” del proceso, y no necesariamente
obras terminadas. En la vitrina y en la cabina de
sonido tendremos obras comisionadas, que se
escogerán a partir de convocatorias. El corazón de Flora ars+natura será la bibliotecacentro de documentación, que es un espacio
de consulta y de trabajo. Esperamos que se
convierta en un sitio de reunión de los artistas,
de discusión, y de producción. Habrá que ver
qué efectos tiene todo esto en el pensamiento
artístico local.
La sala de exposiciones de Flora ars+natura presentará los proyectos de las residencias artísticas.
enteraran a funcionar de manera inmediata o se irán
abriendo según los requerimientos y exposiciones?
Se irán abriendo poco a poco, pues una obra de
adecuación es compleja y costosa, y lo hemos
estado haciendo conforme a las posibilidades
económicas nos lo han permitido. Los artistas
y el público nos darán retroalimentación y así
podremos ir adecuando lo que falta, que se irá
abriendo por etapas. Pero lo esencial estará listo
(¡espero!) el 17.
¿A qué se refiere con que Flora ars+natura tendrá un
carácter inclusivo?
La idea es que sea un espacio abierto para reunir
a los artistas. Es inclusivo en el sentido en que
todas las actividades son gratuitas y en que
trabajaremos con todas las facultades de arte,
con los vecinos del barrio y con aquellos que
nos propongan proyectos que nos parezcan
relevantes y pertinentes.
¿Por qué el interés en el tema de la naturaleza
y cómo cree que enfocarse en este influirá en los
procesos del arte?
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en mente pero te falta
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El tema de naturaleza siempre me ha interesado,
no necesariamente desde el arte: siempre me
gustaron las plantas, la fauna, los zoológicos, los
acuarios, los jardines, el paisajismo, el género del
paisaje, la cartografía, los relatos de viajeros, la
literatura de viajes, etc. Pero también me interesa
cómo se ve el mundo natural desde el arte, y
he organizado varias exposiciones colectivas e
individuales con artistas que tratan este tema.
Nos pareció que podía ser un buen marco de
referencia. Pero no queremos que sea una camisa
de fuerza, y si durante las residencias surgen
proyectos que se salgan de este marco, no hay
problema, los apoyaremos. Es como el Drawing
Center en Nueva York o el Fabric Workshop en
Filadelfia, que parten de una especificidad de
medio para abrirlo a otros campos.
¿Qué puede esperar la gente de Flora ars+natura?¿Tiene un enfoque diferente de la exposición de arte? ¿Piensa que moverá el pensamiento
artístico de una manera diferente?
El programa expositivo está ligado directamente
al programa de residencias, así que lo que se
mostrará no será curado en el sentido más
¿Qué entidades colaboran y patrocinan, y qué
busca Flora ars+natura al realizar proyectos con
instituciones como la Fundación Gilberto Alzate
Avendaño, la Casa del Lago (centro cultural
experimental de la UNAM, en México) y el premio
arteBA (Argentina)?
La mayoría de las residencias provienen de
alianzas con instituciones públicas o privadas,
como la Casa del Lago de la UNAM, en México;
la Galería Gabriela Mistral, de Chile; el Ministerio
de Cultura de Colombia, a través de su programa
de estímulos, ArtBo, PArC, arteBA, etc., y de
varios benefactores que han querido apoyar
este proyecto de diversas maneras. La idea es
que a través de las alianzas se puede hacer más
y ampliar el radio de acción, pues, por ejemplo,
para el proyecto con Chile se involucran Flora
ars+natura, la GGM, el Centro Cultural de
España en Santiago y el Ministerio de Cultura de
Colombia, dándole a los artistas seleccionados
la oportunidad de mostrar su trabajo tanto en
Chile como en Colombia.
ArtBO dará una beca de un año para tener
en Flora a uno de los artistas participantes en
arteCámara, lo cual es un incentivo extra para los
artistas seleccionados (que fueron escogidos por
Juan Sebastián Ramírez, no por nosotros). Y así,
en cada caso, además de ayudar a financiar las
actividades de Flora, las alianzas permiten que
las acciones tengan más impacto al tener varias
esferas distintas involucradas en el proyecto.
ARTERIA Ed. 39
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Julio - Agosto 2013
<<REWIND: retrospectiva del Salón de Arte Universitario
Así ‘pintaban’ cuando empezaron
E
n 1995, por una iniciativa de la Academia de Artes
Guerrero, se realizó el primer Salón de Arte Universitario.
Hasta ahora se han hecho diez ediciones en las que han
participado los que en ese instante estaban en un proceso
de formación académico, muchos de los cuales mantienen un
trabajo vigente.
1997
Marco Mojica (1976)
El Salón de Arte Universitario presenta hasta el 2 de agsto en Ágora,
de la Academia de Artes Guerrero una exposición comparativa en
la que puso dos obras distintas de cada uno de los participantes.
Una de ellas fue realizada durante su época de estudiante y la otra,
reciente, ya como profesional.
Universidad del Atlántico.
Primer lugar en Premio Fernando Botero,
Corferias, Bogotá (2005).
II Salón de Arte Universitario (Tercer premio,
1996), III Salón de Arte Universitario
(Segundo premio, 1997), V Salón de Arte
Universitario (Mención, 1999).
De los que han pasado por ese salón muchos tienen una carrera
como artistas plásticos con múltiples menciones, premios,
selecciones y otras distinciones. Algunos de los estudiantes de arte
de dieciséis instituciones especializadas de nueve ciudades del país
cogieron otro camino en el medio artístico, unos como curadores y
otros incluso como críticos de arte.
De este salón han sido jurados Nadín Ospina, Eduardo Serrano
y José Ignacio Roca, entre otros. El Salón ha sido apoyado por la
Presidencia de la República, la Fundación Gilberto Alzate Avendaño
y el Ministerio de Cultura, en diferentes años de su realización.
Estos son algunos de los que han participado, mostrando lo que
hacían cuando eran estudiantes y lo que hacen ahora.
Cortesía: Galería El Museo.
‘Sin título’. Acrílico sobre lienzo.
2013
‘Mondrian – Machina’. Acrílico sobre lienzo.
2005
‘Guacal’. Madera.
Rodrigo Echeverri (1975)
Universidad Nacional
Ganador del Ciclo de Jóvenes Artistas, Alianza
Colombo Francesa (2007).
IV Salón de Arte Universitario (1998). Segundo
Premio, IX Salón de Arte Universitario (2005).
2003
‘Contraguerrillas’. Fotografía en papel brillante sobre retablo.
Santiago Escobar (1979)
2009
2012
‘Lugar común’. Acrílico sobre MDF.
Universidad Nacional (Sede Manizales).
Participante, Premio Fernando Botero (2006).
VII Salón Nacional de Arte Universitario (2002). VIII
Salón Nacional de Arte Universitario (2004).
‘Pueblo Fantasma’. Fotografía en papel brillante sobre retablo.
ARTERIA Ed. 39
Julio - Agosto 2013
y esto es lo que hacen ahora
2003
Saúl Sánchez (1977)
2010
‘Dos tulipanes inflables’. Óleo sobre lienzo.
Universidad Distrital
Premio Ciclo de Jóvenes Artistas, Alianza Colombo Francesa
(2006).
VII Salón de Arte Universitario (2002).
‘Al otro lado’. Óleo sobre lienzo.
Fotografías: Óscar Monsalve.
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14
ARTERIA Ed. 39
Julio - Agosto 2013
Tres culturas para ver en tres museos bogotanos
Iberoamérica, popular
Cerca de cinco mil piezas artesanales de 22
países (de América Latina, España y Portugal)
podrán verse en el MamBo hasta los primeros
días de agosto. La exposición ‘Grandes maestros
de arte popular iberoamericano’ es fruto de una
investigación de Fomento Cultural Banamex,
realizada entre 2007 a 2012, la cual exhibe el
trabajo de 500 artesanos.
Esta colección de artesanías se exhibió por
primera vez en México, luego fue presentada en
la Cumbre Iberoamericana de Cádiz, en 2012,
en España. La última vez estuvo en Madrid.
Después de pasar por Colombia, se mostrará en
Brasil y luego en Estados Unidos.
En este recorrido, hay trabajos con diferentes
materias primas como piel, papel, textiles, fibras
vegetales, además de técnicas en cerámica,
trabajo en madera, metalistería y orfebrería.
La abundancia de metales preciosos en la región
ha permitido una larga tradición orfebre y joyera,
que esta muestra evidencia, por ejemplo, en la
filigrana –tejido con hilos de metal- que se hace
con oro y plata y se combina con perlas, coral y
ámbar.
Los textiles forman una interesante rama de
la exposición, por la variedad de materiales,
técnicas y ornamentaciones. Hay piezas de origen
indígena provenientes de diferentes regiones de
México y Guatemala, ponchos, morrales, fajas y
paños de lana de Perú, Ecuador y Bolivia.
Cortesía: Museo Nacional.
O
bras que van dese las culturas
precolombinas a las de a Grecia
antigua, pasando por otras de
Iberoamérica –más recientes-,
podrán apreciarse en Bogotá durante tres
exposiciones. Orfebrería de los muiscas que
habitaban lo que hoy es Colombia podrá verse
en una exposición en el Museo del Oro, mientras
que el Museo de Arte Moderno de Bogotá
(MamBo) exhibe piezas realizadas en Portugal,
España y Latinoamérica. Además, en una sonada
exposición, el Museo Nacional exhibe cerámicas
griegas provenientes del Museo del Louvre.
También hay obras hechas con fibras vegetales:
hay canastas tejidas en Panamá, el norte de
México y la amazonia peruana y brasileña.
También se podrán ver sombreros panameños,
ecuatorianos, chilenos y, obviamente, los
vueltiaos, de Colombia, que junto con artesanías
de Tolima, Boyacá y Bolívar representan al país.
En la colección, el visitante encontrará diversidad
de técnicas, desde miniaturas de hueso mexicanas
hasta ámbar tallado y grabado en calabaza seca
proveniente del Perú. La exposición es auspiciada
por Artesanías de Colombia y Banamex y el
Banco Nacional de México.
Mitos y dioses griegos
Con motivo de la celebración de los 190 años del
Museo Nacional de Colombia, se presenta por
primera vez en el país una exposición con piezas
originales del Museo del Louvre: ‘Dioses, mitos y
religión de la antigua Grecia’, que irá hasta el 13
de octubre.
‘Atleta vencedor’. Plato de figuras rojas. Firmado Epicteto pintor. Atenas, hacia 520-510 a.C. Descubierto en 1845, Etruria Excavaciones Canino.
Son 94 piezas con múltiples técnicas pictóricas
y diversas formas de cerámica que hablan de la
visión religiosa. La muestra está dividida en tres
secciones: ‘El panteón griego’, que explica la
visión politeísta, como los dioses se identificaban
con figuras antropomorfas, cómo se definían, por
medio de qué atributos, qué relaciones tenían con
los hombres y cómo se manifestaban.
procesiones nupciales, la recepción del regalos y
el acomodamiento de la nueva esposa al hogar
de su esposo. Lo relativo a la muerte incluye la
mitología que intenta explicar lo que hay después
de ella y los rituales en los actos funerarios, como
la visita a la tumba y la exhibición del difunto.
‘La religión en la ciudad’ habla sobre las relaciones
entre los dioses y los hombres en la esfera pública.
La vida era un concepto atado a las costumbres
religiosas, como se demuestra en las reuniones
cívicas y los festivales religiosos.
Además, hay una exposición didáctica llamada
‘Keramos: el último templo de los dioses’, donde
se pretende explicar cada una de las dedidades
y la influencia de Grecia antigua en la cultura
occidental moderna.
‘La religión y la esfera privada’ muestra el entorno
familiar griego, que denominan Oikos. La religión
está en cada momento de la vida individual
y del núcleo familiar como el nacimiento,
el matrimonio y la muerte. Lo matrimonial
muestra las preparaciones de la novia, las
El proceso curatorial fue hecho especialmente
para Colombia y estuvo a cargo de Anne Coulie
del Museo del Louvre.
A la exposición se vincularon el Ministerio de
Cultura y la Embajada de Francia.
Los muiscas y sus ofrendas
Hasta el 20 de octubre de 2013 se realizará la
exposición ‘Historias de ofrendas muiscas’, en
el Museo del Oro del Banco de República. En
ella participan instituciones como Instituto
Colombiano de Antropología e Historia, el
Museo Arqueológico Casa del Marqués de San
Jorge y la Biblioteca Nacional de Colombia.
La muestra busca enseñar sobre varios
aspectos de la vida de los muiscas, pueblo
indígena asentado la cordillera Oriental, en
Cundinamarca y Boyacá. Por haber sido una
comunidad muy religiosa hacían ofrendas que
depositaban en lugares que creían sagrados. Es
así como por medio de trece de ellas se pueden
conocer sobre sus caciques, sacrificios, guerreros,
maternidad y momias.
Cortesía: Oscar Roldán.
Colombianos hacen memoria en Holanda
La exposición ´Rephrasing Memories´ se planea exhibir también en Medellín y en Buenos Aires, Argentina.
‘R
ephrasing Memories’ (algo así
como ‘Refraseando memorias’)
es una exhibición que muestra
construcciones artísticas personales
desde perspectivas geográficas diferentes. La
mayoría de ese trabajo está relacionado con
recuerdos familiares o de migración. Algunas
obras tienen una visión personal de la memoria
colectiva y otras son reinterpretadas de una
manera surrealista.
El trabajo curatorial fue realizado por Sarijini
Lewis y el colombiano Óscar Roldán-Alzate, con
otros dos curadores invitados: Anton Hoeksema
y Mirta Demare.
Este evento estará abierto desde el 4 hasta el
25 de agosto en Róterdam (Holanda), y a él
fueron invitados treinta artistas colombianos,
argentinos, holandeses y de Perú. Entre los
colombianos están Andrés Monzón, Carlos
Montoya, Catalina Toro, Fredy Alzate, Fredy
Clavijo Cuartas, Iván Carazo García, Juan David
Díaz, Juan David Higuita, Juan Duque, Laura
Montoya, Marta Lucía Ramírez, Paula Ospina,
Sebastián Restrepo, Sergio Gómez, Ricardo
Muñoz y Víctor Muñoz.
“En la exposición habrá dibujos, fotografía, performance, collages y video. Este trabajo comenzó en
Latinoamérica y por lo tanto la narrativa en él tendrá muchos elementos que podremos reconocer.
La memoria puede crear nuevas ideas o modificar
la realidad, es con eso con lo que se quiere jugar en
esta exposición”, dice Roldán-Alzate.
Roldán-Alzate es cocurador del Salón (inter)
Nacional de Artistas No. 43, es profesor en
la Universidad de Antioquia, donde también
estudió, y es curador del Museo de Arte Moderno
de Medellín.
Este proyecto será presentado en la galería WTC
(Meent 132B) y en la galería Mirta Demare
(Bergsingel 176B), ambas en Rotterdam.
ARTERIA Ed. 39
Combate
Julio - Agosto 2013
15
Celebraciones
Cortesía: Álvaro Medina.
Un análisis al libro Procesos del arte en Colombia, de Álvaro Medina, cuando se cumplen 35 años de su publicación.
Por: Guillermo Vanegas*
E
l libro Procesos del arte en Colombia, de Álvaro Medina, exige
1. Una reimpresión. 2. Una o tres tesis de maestría y doctorado. 3. Un tratamiento en web más digno que el recibido hasta el momento. ¿Por qué? Estamos a treinta y cinco
años de su publicación en la Biblioteca Básica Colombiana y valdría
la pena volver a él para contrastar la posición de su autor con el perfil
que adquirió posteriormente en el campo artístico local o reexaminar su lectura hacia algunas obras, épocas y trayectorias.
Republicarse en la web, porque: 1. Su versión actual deja mucho
que desear (profusión de erratas e hipervínculos sobrantes). 2. Las
imágenes de las obras mencionadas simplemente no existen (es
verdad). 3. A la introducción original podría añadírsele una minicontextualización de autores y época (para colaborarle al lector que
se sumerge por primera vez en ese documento).
Antes de escribirlo, Medina leía las reseñas que publicaba el boletín de prensa del Museo de Arte Moderno de Bogotá. Y, entre otras
cosas, le molestaban la grandilocuencia y los extraños y reiterativos
vacíos que percibía allí. En los boletines, no en el Museo. De cierta
forma, comenzó a alentarle un espíritu revisionista y comenzó a hacer piezas monográficas sobre el trabajo de varios artistas. De otro
lado, recibió una invitación de Germán Vargas, entonces director de
la Radiodifusora Nacional, para que hiciera un programa de crítica
de arte semanal, de quince minutos de duración. En realidad, esta
iniciativa hacía parte del plan de Vargas para darle visibilidad a la
actividad artística del contexto local.
Entre otros, el autor de Procesos estuvo acompañado por María Mercedes Carranza, reseñando poesía, y de Carlos Orlando Pardo, encargado de la sección de narrativa. Toda una oficina de extensión cultural
que, de hecho, se presentaba en dos versiones. La semanal, mediante
la asignación de un día a cada disciplina, y la dominical, que ofrecía los
programas en combo. Un banquete para fanáticos. Y, en cierta forma,
la adquisición de disciplina para escribir frecuentemente.
Pero el autor no se quedó en la defensa de la maledicencia crítica. De
hecho, hizo eco de una tendencia historiográfica alimentada entre
algunos intelectuales de su generación, que para examinar un fenómeno creían necesario enmarcarlo dentro del contexto social, económico y político del período donde se presentaba. ‘Mamertismo’
se le dice hoy a ese método. Y la falta que hace.
Veamos: si el autor reconoce que un campo artístico se configura
con base en una serie de aspiraciones estéticas o espirituales o místicas -póngase el adjetivo que se quiera-, de pronto piensa que las
personas que formulan o representan o difunden o defienden esas
aspiraciones no se alimentan de aire y/o poesía, sino que de pronto
han surgido de una clase social cuya fortuna se ha incrementado
por medio de la explotación de X recurso o X población o X etnia
o X región. Y por lo mismo, de pronto, quizá, tal vez, en la elaboración de sus elevadísimas propuestas artísticas transmitan algo de su
condición de origen. Así, si son fruto de un contexto retardatario,
quizá sean tradicionalistas. O, lo contrario, si no siguen los condicionamientos de su clase, resultará de supremo interés notar cuándo y
por qué tomaron un camino distinto al de sus iguales. Pero mejor,
que lo diga Medina, en relación con la Escuela Nacional de Bellas Artes, la institución menos politizada del campo artístico colombiano
que ha existido jamás:
Entonces, reimprimirlo, porque: 1. Hoy es una joya de librerías de
viejo (resulta difícil de conseguir). 2. Se descuaderna fácil (resulta difícil de leer) y 3. Las imágenes de las obras comentadas por su autor
o los críticos que recupera son francamente punibles (noticia: el arte
colombiano no es monocromo).
Estudiarlo a profundidad, porque: 1. Opera como canon editorial
para publicaciones que aparecieron luego en el campo artístico (capítulos donde su autor se compromete en una serie de hipótesis y
no omite presentar sus fuentes). 2. Se propone una estructura que
declina en interés (presenta los obvios altibajos de una obra de esa
magnitud). 3. No ha sido incluido dentro de estudios que permitan
comprender porqué el segundo lustro de la década de 1970 es una
de las épocas doradas de la historiografía del arte colombiano (se le
ha leído poco).
biera sido objeto de lecturas contemporáneas. Entonces: valoración
actual mesurada + apoyo en la crítica del momento. Gol. Por eso,
gente, hay que criticar. Y si se puede siempre, mejor.
Primera edición del libro ‘Procesos del arte en Colombia’.
Luego, otra invitación. Esta vez del inefable Juan Gustavo Cobo.
Medina había sido galardonado en un concurso de cuento y, atendiendo el interés que le despertó la prosa de ese nuevo talento, el
promotor literario más voluminoso del país decidió invitarlo a publicar. Su respuesta fue una investigación monográfica que había
adelantado alrededor de la figura de (el buen pintor que era, ya no)
Fernando Botero, pero con un esguince metodológico: no sólo
atendería los éxitos del artista para incrementar su aura de genialidad inabarcable, sino que revisaría el desarrollo de su carrera para
identificar los baches y las transformaciones que le permitieron encontrar un lenguaje propio. (Noticia: los artistas modernos se desvivían por adquirir un estilo que luego repetían hasta la fatiga –o la
especulación, o ambas).
“Si trazamos la influencia de la aristocracia en la plástica colombiana a partir del academicismo, encontramos el papel decisivo que en
cada etapa cumplieron encumbrados personajes pertenecientes a
esa aristocracia: Alberto Urdaneta en primer término, uno de los
protagonistas del ascenso de la aristocracia que políticamente se organizó en la Regeneración, cuyo proyecto academicista salió adelante triunfalmente a pesar de su muerte prematura en 1887; Andrés
Santamaría, primer antiacademicista cuyas propuestas tuvieron
escasa acogida en el medio; finalmente, Roberto Pizano, el culto
aristócrata que se convirtió en el alma del Círculo de Bellas Artes,
quien pudo colocarle al arte colombiano de la época el sello de su
clase y fomentó un relativo auge que fracasó estéticamente ante las
generaciones siguientes, a diferencia de lo que le aconteció a Urdaneta con el academicismo.”
Así, en términos de consolidación metodológica para la historia del
arte local, la posición de Medina es, por lo menos, destacable y, comparándola con la de sus colegas, alentadora.
¿Vieron amigos? No es generación espontánea. Sino más bien la
aplicación de ciertos principios metodológicos –aun no revisados,
insisto-, gasto de horas/hombre en búsqueda de fuentes primarias
y la elaboración de lecturas que intenten ir más allá de las perspectivas canónicas. Por esto, Procesos del arte en Colombia es uno de
esos frutos extraños y cada vez más solitarios de la historia del arte
colombiano. Por eso y por tener subtítulos como el que introduce
el libro. “Para entrar en combate” es una expresión con la que hoy
ninguna revisión histórica se atrevería a comenzar. Debe ser terrible
haberse quedado tan solo. Y habiendo tenido la razón, además.
Pues comprendió tres cosas. Que al reseñar una obra sólo estaba
ofreciendo un comentario editorial. Que si este tenía que ver con
una pieza de arte antigua podría generar una contextualización
equivocada. Y que, además cabría la posibilidad de que esa obra hu-
*Psicólogo sin maestría en Historia del Arte de la Universidad Nacional de Colombia. Pretende recorrer facultades de arte del mundo a
punta de becas. Se enoja cuando no le salen. Insiste.
Y su idea fue la de tratar de subsanar errores en la apreciación de
la producción artística de un país cuyo modelo de lectura se había
anquilosado alrededor de Marta Traba como aquella mater crítica
ausente que resultaba insuperable porque sí, porque todo lo bueno
que hizo no merecía revisarse.
Galería Espacio Alterno
Curaduría por: Caridad Botella y Juan David Quintero
8 de agosto- 27 de septiembre de 2013
ASOCIACIÓN DE EGRESADOS
de la Universidad de los Andes
Adriana Marmorek, Andrea Aguía, Daniel Sánchez, Luiza
Prado, Sylvia Jaimes, Mónica Hernandez, Verónica Giraldo
y Venuz White
Sede Nacional Cll 92 Nº 16 - 11
[email protected] - 6162211 Ext. 107 - 135
ARTERIA Ed. 39
Julio - Agosto 2013
Circular
EXHIBICIONES INSTITUCIONALES
BOGOTÁ
Sala de exposición Artecámara –
Cámara de Comercio de Bogotá,
Sede Chapinero
Exposición colectiva: ‘Amalgama’
Desde julio 18 hasta agosto 22
MEDELLÍN
Casa Museo Pedro Nel Gómez
‘Pedro Nel Gómez – Cronista de su tiempo’
Hasta agosto 30
Cortesía: Casa Museo Pedro Nel Gómez
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De un modo pacifista, la Casa Museo, que fue el hogar del artista
antioqueño, presenta una exposición que busca hacer un recorrido
histórico de imágenes por la violencia del país e incluye temas como: la
muerte, el trabajo colectivo, testigos, memoria histórica, voces silenciadas
y la vorágine urbana.
BOGOTÁ
Cámara de Comercio de
Bogotá – Sede Chapinero
Nelson Vergara y Antonio Briceño:
‘Paisaje y lenguaje’
Hasta junio 15
BOGOTÁ
Sala de exposición Artecámara –
Cámara de Comercio de Bogotá Sede Salitre
Exposición colectiva: ‘La “Rolez” Bogotá, moda
e Indumentaria 2013’
Hasta julio 29
Esta muestra es resultado de una investigación de los estilos y las
subculturas de la moda de Bogotá de cinco marcas: Bendita Seas, Tul,
Mucca, A New Cross e Imperio Bastardo. Combina diferentes disciplinas
como las artes plásticas, la publicidad, el diseño gráfico e industrial y la
joyería. La finalidad es ofrecer alternativas de vestuario para resistir el
clima cambiante de Bogotá. Incluye vestuario, video, diseño textil y
gráfico e ilustración. La curaduría fue realizada por David Pérez.
Cortesía: Cámara de Comercio de Bogotá.
Esta exposición incluye obras de María Angélica
Madero, Laura Trujillo, Santiago Reyes, Néstor
María Angélica Madero, ‘Infinito’ (video). Cortesía: CCB.
Gutiérrez y Carmen Elvira Brigard. Su curadora es
Carolina Cerón. En esta muestra se busca explorar los límites del dibujo y el texto, mezclándolos y
tratando de definir el principio y el fin de los mismos. También hay video, escultura e instalación.
BOGOTÁ
Museo de Arte Contemporáneo
de Bogotá
Exposición colectiva: ‘Tendencias,
artistas y estudios del tatuaje’
Hasta julio 31
Esta colección se organiza ahora en cinco
curadurías independientes conformadas
Cortesía: Banco de la República.
por obras de todo tipo de origen colombiano,
latinoamericano e internacional con ayuda de reconocidos investigadores: Beatriz González,
Álvaro Medina, Carmen María Jaramillo, Jaime Borja y Sylvia Suárez. Entre los artistas
colombianos encontramos a Gregorio Vásquez, José María Espinosa, Alejandro Obregón,
Enrique Grau, Fernando Botero. En el ámbito internacional encontramos a Pedro Figari, Vik
Muniz, Chuck Close, Julio Le Parc y otros más. Son 600 obras que datan desde el siglo XV al XXI
expuestas de manera gratuita..
SANTA MARTA
Hernando Del Villar
Ángel Loochkartt: ‘La pintura de
Loochkartt en los ritmos del tiempo’
Agosto 8 – Octubre 8
El Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo
cumple 27 años y el protagonista es el barranquillero
expresionista Ángel Loochkartt: “Yo pinto para ser
libre, es decir para no estar solo. Para compartir mi
respiración y mi huella dactilar, mi taquicardia... Y para
continuar pegado a mi sombra”. (Fragmento de ‘La
Ofrenda del Instante’ de Gonzalo Márquez Cristo).
‘Tendencias, artistas y estudios del tatuaje’ es una
mirada al proceso de creación del arte del tatuaje, en
Cortesía: Museo de Arte contemporáneo de Bogotá
el que se involucran diversas técnicas, influencias y
escuelas para crear y reinterpretar imágenes que sirven para ser grabadas en el cuerpo humano.
Participan Andrés Niño, Azael Valderrama, César Gómez, Cristóbal Fayad, Daniel Acosta,
Demmis Jhussefp, Diana Torres, Carolina Bebop, Kristian González, Marco Barrera, Miguel
Bautista, Pablo Díaz, Sebastián Barrero, Sergio Manrique y Davis Bohórquez. Las técnicas
incluyen pintura, grabado, dibujo y performance.
BOGOTÁ
Museo de Arte y Cultura Colsubsidio
‘Símbolos y narraciones en el arte’
Hasta agosto 31
La exposición ‘Símbolos y narraciones en el arte’ está
conformada por una selección de reproducciones de obras de
artistas representativos del arte universal como Francisco de
Goya, los hermanos Lindbourg, Marc Chagall, entre otros.
Se busca que dichas obras tengan una nueva lectura por parte
del público.
Cortesía: Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo.
BARRANQUILLA
Museo de Arte Moderno de Barranquilla
Ofelia Rodríguez: ‘Cajas mágicas’
Hasta agosto 31
Cortesía: MAMB.
La muestra está conformada por cajas con el tema de las
tradiciones populares latinoamericanas contemporáneas.
Usando juguetes de plástico, uñas falsas y otros materiales
de producción popular, construye obras de arte usando
técnicas como el collage y el ensamblaje.
BOGOTÁ
Galería Santa Fe
Camilo Aguirre: ‘Ciervos de bronce’
Hasta julio 27
Cortesía: Museo de Arte y Cultura Colsubsidio.
MONTERÍA
Museo Zenú de Arte Contemporáneo MUZAC
Exposición colectiva: ‘Colección de arte Avianca’
Julio 18 – 11 agosto
Para esta exposición fueron seleccionadas 49 piezas de una colección
de 368 obras de artistas colombianos del siglo XX se incluyen pinturas,
esculturas, grabados y dibujos de Alejandro Obregón, Juan Antonio
Roda, Enrique Grau, Édgar Negret, Eduardo Ramírez Villamizar,
Manuel Hernández, Pedro Nel Gómez, Ignacio Gómez Jaramillo,
Olga de Amaral, Feliza Bursztyn, Antonio Grass, Jim Amaral,
Maripaz Jaramillo, Ángel Loochkart, Gustavo Zalamea, Fanny
Cortesía: MUZAC.
Sannín , Antonio Barrera, Santiago Cárdenas, Darío Morales, Juan
Cárdenas, Gonzalo Ariza, Luis Caballero, Norman Mejía, Álvaro Barrios y Hernando Tejada.
Esta serie de dibujos son testimonios gráficos
de la lucha sindical colombiana de 1980 y 1990
en Bogotá y Cali, sobre todo la violencia que
sufrieron sus protagonistas, de lo que fue testigo
el artista Camilo Aguirre. Se pueden encontrar
cómics, pinturas basadas en fotografías y
animaciones.
Cortesía: Galería Santa Fe.
BOGOTÁ
Galería Santa Fe
Pasantes de la Escuela de Guías de la Galería
Santa Fe: ‘...En el medio...’
Hasta julio 27
Esta muestra se refiere a los procesos pedagógicos y los
actos comunicativos que se construyen con el público en el
corto tiempo de un taller o entre las paredes de una sala de exposición. El objeto es establecer la
relación entre público y obras de arte.
Cortesía: Galería Santa Fe.
BOGOTÁ
Galería Santa Fe
‘Soberanía alimentaria, medio
ambiente y cultura agrícola’
Hasta septiembre
Durante este ciclo de residencias se invita a participar a cinco
artistas para trabajar con cinco organizaciones sociales de
trabajadores agrícolas, semillas libres y ambientalistas. Cada
Cortesía: Galería Santa Fe.
mes los artistas y los colectivos seleccionados compartirán
el espacio de taller del residente de la Galería Santa Fe con una organización social. Se inaugurará la
huerta de la Galería Santa Fe Buen Vivir con plantas nativas durante el ciclo de residencias.
BOGOTÁ
Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá
Marcel Dousse: ‘Ventanas’
Hasta julio 31
En el segundo piso del MAC se encontrará ‘Ventanas’, una
muestra fotográfica de Marcel Dousse, quien el 20 de julio
a partir de las 6 p.m. expondrá su obra inspirada en las
Cortesía: MAC.
ciudades de Lausana (Suiza), Barcelona, Bruselas (Bélgica),
Friburgo (Alemania), Budapest, Marsella (Francia), Madrid, Lyon (Francia) y otras más. El
fundamento de esta recopilación es exponer que las ventanas son un medio de conexión entre el
espacio interior y exterior, mostrando la diversidad cultural de las ciudades nombradas.
MEDELLÍN
Museo de Arte Moderno de Medellín
Artistas Colección MAMM: ‘La gente
en la colección del Museo’
Hasta agosto 11
Esta exposición se celebra por los 35 años del
Museo de Arte Moderno de Medellín. el acervo
del MAMM cuenta con cerca de 4.500 piezas
entre esculturas, pinturas, grabados y fotografías
disponibles para el público de artistas como Débora
Cortesía: Museo de Arte Moderno de Medellín.
Arango, Hernando Tejada, Benjamín de la Calle,
Luz Helena Castro, Maripaz Jaramillo, Beatriz González, Fernell Franco, Javier Restrepo.
BOGOTÁ
MEDELLÍN
Museo de Antioquia
Exposición colectiva:
‘Antioquias - diversidad e
imaginarios de identidad’
Hasta agosto 18
Cortesía: Museo de Antioquia.
Esta exposición bajo la curaduría de Nydia
Gutiérrez y de Juan Camilo Escobar Villegas, es organizada para celebrar el Bicentenario de la
Independencia de Antioquia, que se cumple el 11 de agosto de este año, con lo que se busca hacer
una revisión sobre los imaginarios de identidad de Antioquia. Esta muestra incluye esculturas de
gestualidades, imágenes y sonidos con expresiones originarias.
‘Detrás del círculo polar II’ es una exposición de la
artista argentina Marina Curci, quien en el verano
del 2006 viajó a la Antártida para hacer esta
muestra de pinturas en acuarelas de los colores,
paisajes y sucesos del lugar. Ésta es la continuación de su trabajo ‘Detrás del círculo polar’ en la
que se embarcó en un rompehielos para explorar el ártico.
Esta exposición busca resolver el debate de si Cortesía: Museo de la Independencia.
después de la Independencia Colombia fue una ‘Patria Boba’. Aborda las discusiones de aquella
época que giraban, principalmente, en torno a temas como la libertad, la representación política,
las formas de gobierno, entre otras. No sólo cuenta con documentos e infografías, sino con
producción artística de la época en retratos de personajes importantes.
Cortesía: Museo de Arte de Pereira.
En ‘Origen’, una instalación con piezas cerámicas, Ana
Cristina Zuleta plantea el tema del principio de los seres
vivos y el mundo en el que interactúa. En esta exposición
la arcilla es el material protagonista porque ha estado muy presente en la historia del hombre.
IBAGUÉ
Museo de Arte del Tolima
Marina Curci: ‘Detrás del
Círculo Polar II’
Hasta agosto 30
PEREIRA
Museo de Arte de Pereira
Fernando Botero: ‘Vía crucis:
la pasión de Cristo’
Hasta agosto 27
Fernando Botero expone su más reciente trabajo sobre la
vida de Jesús y costumbres religiosas relacionadas con el
cristianismo. Esta exposición ya había pasado por el Museo de Antioquia y se realiza para celebrar los 80 años del
‘El beso de Judas’ (Detalle).
artista. Es la primera en 12 años. Esta exhibición incluye
pinturas en óleo sobre lienzo, dibujos en carboncillo y colores.
WASHINGTON
Centro Cultural del Banco Interamericano de Desarrollo
Exposición colectiva: ‘Lo real maravilloso:
Colombia a través de los ojos de sus artistas’
Hasta septiembre 27
Esta exposición incluye 36 obras de arte de 22 artistas
colombianos que buscan mostrar la transformación positiva
del país desde la Independencia hasta principios del siglo
XXI, entre estas hay esculturas, pinturas, dibujos, grabados y
arte audiovisual. La curaduría fue realizada por Félix Ángel.
En esta muestra se encuentran obras de Olga Amaral,
Edgar Negret, Eduardo Ramírez Villamizar, Omar Rayo,
Luis Caballero, Alejandro Obregón, entre otros.
Cortesía: Museo de Arte del Tolima.
Cortersía: Alianza Francesa de Medellín.
‘Echando lápiz’ es un proyecto de creación plástica
coordinado por Graciela Duarte y Manuel Santana
desde 2000. Consiste en la elaboración de dibujos de
la flora encontrada en diferentes lugares del país. A
partir de los dibujos elaborados a lápiz, se señalan las particulares visiones del dibujo y se propone
un diálogo alrededor distintas formas de dibujar, creando interacción con la comunidad.
MEDELLÍN
Galería Olivier Debré, en la Alianza
Francesa de Medellín
Ana Cristina Zuleta: ‘Origen’
Julio 25 – septiembre 5
Julio - Agosto 2013
BOGOTÁ
Museo de la Independencia Casa del Florero
‘¿Patria Boba? Primeros años
de una nueva República’
Julio 19 – Marzo 2014
Cortesía: Galería Santa Fe.
BOGOTÁ
Galería Santa Fe
Proyecto Echando Lápiz
Hasta agosto 6
Cortesía: Museo de Arte del Tolima.
ARTERIA Ed. 39
Cortesía: Centro Cultural del BID.
IBAGUÉ
Museo de Arte del Tolima
´Retrospectiva Ricardo Angulo Díaz Granados
Agosto 8 – septiembre 6
Durante un mes, se expondrá una recopilación retrospectiva del
artista samario Ricardo Angulo D. La muestra está conformada
por más de veinte obras realizadas durante ciencuenta años. Incluye
trabajos en óleos sobre telas y acuarelas inspiradas en paisajes
colombianos.
MEDELLÍN
Casa Tres Patios
Adrián Gaitán: ‘CIC·E·RO·NI·AN’
Hasta septiembre 15
Con estas obras de Adrián Gaitán se busca
proponer un proceso de reflexión sobre la psicología
de los objetos y materiales cotidianos y nuestra
cultura. La intención en esta residencia es partir del
cartón, la cinta adhesiva, madera, metales y otros Cortesía: Casa Tres Patios.
materiales. Este evento puede vincular música, exposición, participación de la comunidad, o lo
que se requiera según el contexto.
17
ARTERIA Ed. 39
Sección conducida por Humberto Junca Casas.
OTROS SALONES
18
Julio - Agosto 2013
Wilson
Díaz
Artista plástico
Fotografía: Leonardo Herrera.
Pocas veces se les pregunta a las personas que trabajan en el mundo del arte su formación, sus maestros, sus compañeros de clase o su relación y posición frente a las instituciones
educativas; como si los artistas hubiesen aprendido solos y sus reacciones frente a estos edificios de poder fueran algo circunstancial. Aquí se demuestra lo contrario.
Humberto Junca: ¿Recuerda un profesor, una clase o una experiencia que lo haya ayudado a ser quien es hoy en día, ya sea dentro
de la academia como fuera de ella?
Wilson Díaz: Pienso en algunos profesores del bachillerato. Yo
estudié casi todo el bachillerato en el Colegio Nacional de Pitalito (Huila) y el último año lo hice en el Colegio Departamental,
también en Pitalito. Las matemáticas fueron muy difíciles para
mí, pero en quinto de bachillerato decidí que quería aprenderlas,
quería entender matemática, física y química. El profesor de física
se llamaba Rodolfo (no me acuerdo del apellido) y él planteaba que
el mundo tenía una lógica que uno podía entender y aplicar; él nos
decía que el mundo no era un caos y que a través de la física uno
podía entenderlo.
En ese momento me fascinó pensar en eso, en un sistema que lo
sostiene todo. Él fue muy importante para mí. Rodolfo era muy
entusiasta, muy dedicado y era un interlocutor apasionado. Por
eso, yo que no entendía esas cosas, decidí que me interesaban y
me apliqué y me puse a leer todo lo que pude. También recibí clase
de un profesor con quien tuve muchos problemas, él fue muy
importante en mi proceso educativo y lo recuerdo mucho, era de
apellido Urrutia y enseñaba filosofía. Yo tuve muchos problemas
de disciplina en los dos últimos años y él fue muy tenaz conmigo,
me la anunció un día cuando me dijo que me iba a hacer echar.
Estaba en el último año y habían recomendado a mis papás que
yo estudiara en otro colegio, pero yo quería estudiar ahí, con mis
compañeros de todo el bachillerato; entonces, entré con matrícula
condicional a sexto de bachillerato. Tenía buena memoria y
cuando me dedicaba podía ser aplicado. Urrutia puso una tarea
como de investigar una cantidad de filósofos, una cosa toda basta
en ese momento, de nombres y referencias y anécdotas, y yo me
los aprendí de memoria y fui y se los recité. Urrutia no podía
creerlo. Y un día él pidió todas las previas que habíamos hecho, las
que nos había calificado y yo le dije que yo no guardaba sino las de
física y química y ahí se armó el problema; él se puso a pelearme
y yo a responderle, hasta que me llevó a la rectoría y por eso me
echaron, porque yo no podía tener ninguna falta. Así, terminé mi
bachillerato en el otro colegio.
H.J.: ¿En primaria o en bachillerato tuvo clases de dibujo o de arte?
W.D.: No. Lo único es que a veces nos ponían a hacer carteleras
para pegar en la pared. Nunca experimenté la sensación de que
tenía la habilidad de dibujar; pero unos amigos sí y hacían caricaturas y retratos. Yo coleccionaba carátulas de ‘vinilos’ y lo que
hacía era recortarlas y mezclar sus imágenes, puro collage.
H.J.: ¿De dónde sacaba las carátulas?
W.D.: Una tía y el esposo tenían una tienda de discos en Pitalito y
siempre tenían carátulas desocupadas, de pronto de promoción o
decorativas. Yo no sé, el caso es que yo las comencé a pegar en mi
cuarto, recortadas, modificadas. Después pasé a las revistas. Me
gustaba cortar y pegar…Eso fue muy adolescente.
H.J.: ¿Qué quería hacer al terminar bachillerato?
W.D.: No tenía muy claro qué estudiar. Pensaba ser relojero o
constructor, algo así, y por eso, en 1981, me fui de Pitalito a Bogotá para estudiar diseño industrial en la Universidad Nacional.
Ahí conocí a Fulvio, él era un profesor buenísimo pero tenía un
problema: regañaba mucho y muy fuerte, y como yo me había
acostumbrado en el colegio a responderle a los profesores, a no
dejarme, pues un día me peleé con él.
H.J.: ¿Siempre ha tenido problemas con la figura de autoridad?
W:D: Creo que sí. De niño tuve problemas con mi papá. Siempre
fui muy “pelión”. Bueno, otro profesor que recuerdo de la
Universidad es Federico Federichi (no sé si se llamaba así) el
profesor de física de la carrera. Él decía que el mundo existía por
las relaciones entre los objetos que hay en él… Que el espacio
existía por la relación de las cosas que contiene. Y también
recuerdo mucho a Ivonne Pini y a Germán Rubiano. Rubiano
me marcó fuertísimo con sus clases de historia del arte. Él dictaba
también para diseño industrial. Veíamos una cantidad de cosas:
biónica, origami, física. Y en sus clases fue cuando pensé en la
posibilidad de ser artista… Un día, como en tercer semestre, creo,
unos estudiantes de arte sacaron unos caballetes e invitaron a la
gente que pasaba a pintar y yo llegué y comencé a pintar algo muy
básico, un camino volando en el aire, como surrealista… Y ahí yo
dije: esto es lo mío.
W:D: Sí, porque andaba para arriba y para abajo con Fernando
Rozo, un artista de Pitalito, pintor, que era el novio de mi hermana
en ese tiempo y que estudiaba arte en La Tadeo. En aquel entonces el arte me llamaba mucho la atención, me fascinaba, pero yo
era un mero espectador. Vivir en Bogotá fue algo muy fuerte, muy
excitante y muy difícil.
H.J.: ¿Qué hizo el año que estuvo cerrada la universidad?
W.D.: Me fui para Pitalito y con un amigo nos pusimos a hacer
cerámica. Montamos un negocio de reproducciones de vasijas y
esculturas en miniatura de San Agustín que pusimos a la venta en
una feria artesanal; pero no nos fue bien con esa microempresa.
Después nos pusimos a hacer auto-stop camino a la costa Atlántica. Yo estuve tres meses andando por la costa y en un momento
tuve dos posibilidades: o devolverme a Bogotá a la universidad o
irme en un barco cocinando, pues aprendí a cocinar. Recuerdo que
en ese entonces me quedé en Taganga un mes, con un amigo y
un primo de Pitalito. Ahí me di cuenta que me quería devolver,
que debía hacerlo pues ya se estaba acercando la fecha de inicio
de clases en la universidad y, así, con mucho esfuerzo, llegué a Bogotá. Ahí fue cuando entré a estudiar arte.
H.J.: ¿Le homologaron algunas materias de diseño industrial?
W.D.: No, porque no supe cómo hacer el traslado de carrera. Así
que me presenté otra vez y pasé.
H.J.: Hábleme más de Germán Rubiano.
H.J.: ¿Su familia lo apoyó en ese cambio?
W.D.: Él contaba de una manera apasionada la historia del arte a
partir del libro de Gombrich. Él era para mí como un gran contador de historias ilustradas, mostrando esas fotografías de cientos
de obras maravillosas. Recuerdo que un día nos explicó a Bernini
y ‘El éxtasis de Santa Teresa’, esa escultura donde un ángel le está
clavando una flecha… Y también lo recuerdo explicando a Bacon.
A mí nunca me habían contado nada sobre la historia del arte y
cuando Rubiano lo hizo fue como si me contaran un cuento y eso
fue increíble.
W.D.: Mi familia no se enteró hasta después del primer semestre
y fue muy duro para ellos porque veían en el diseño industrial algo
más seguro y, además, nunca mostré ninguna habilidad para las
artes, excepto cuando me dio por ser escritor: leí mucho y escribí
unos cuantos poemas hasta que me di cuenta que no era lo mío.
Curiosamente, en la Universidad Nacional conocí el grafiti y me
puse a hacerlo. Era puro grafiti de texto. Por ejemplo, un día escribí “Marcos quiere su palacio blanco”, jugando con el nombre del
rector y con el hecho de que en ese tiempo eliminaban los grafitis
pintando todos los días los muros de blanco.
H.J.: ¿En ese momento se pasó a arte?
W.D.: No, en ese momento cerraron la universidad. Era 1985 y
como venía de Pitalito, vivía en las residencias de la universidad,
precisamente en el edificio que ahora es de diseño y que queda saliendo por la 26.
H.J.: Venir a estudiar a Bogotá debió ser una dura experiencia de
aprendizaje, transformadora.
W.D.: Sí. Mi abuelo paterno me había dicho que si yo me iba a estudiar a Neiva él me pagaba la universidad. Pero yo me presente en Bogotá. Así que me vine con todas las dificultades. Antes de entrar a la
universidad me puse a vivir con unos conocidos y a ir a exposiciones.
H.J.: ¿Iba a exposiciones de arte antes de estudiar diseño industrial?
H.J.: ¿Publicó alguna vez sus poemas?
W.D.: En Pitalito escribí un grupo de poemas pero nunca tuve la
oportunidad de publicarlos.
H.J.: ¿Qué escritor lo marcó, o le sirvió de modelo?
W:D: Mi relación con la lectura fue algo muy desordenado. Creo
que empecé a leer con juicio en el cine de Pitalito. Copiaba frases
de las películas subtituladas. Apuntaba lo que leía.
H.J.: ¿Qué recuerda de ir a cine en Pitalito?
W.D.: Mi mamá dice que fui por primera vez a cine cuando era
un bebé. Me llevaron cargado y ella dice que en la película salían
ARTERIA Ed. 39
H.J.: ¿Qué película recuerda más?
W:D: Recuerdo mucho Carrie, que fue la primera para 18 años,
la primera película para mayores que vi. Me fascinó porque yo ya
había leído varios libros de Stephen King y entre ellos ese. Yo a
los 12 años estaba afiliado al Círculo de Lectores y compraba los
libros que quería, los que me llamaban la atención en los catálogos.
Por eso, como a los 13 años, me había leído todos los libros del
Marqués de Sade. Luego me leí al Conde de Lautréamont y a los
poetas malditos… Baudelaire, Rimbaud. Más adelante fundé un
club de lectura con otro amigo de Pitalito, Walter Rojas y ahí conocí muchas cosas latinoamericanas. Me encantaba Manuel Puig.
García Márquez también me gustó en su momento. Juan Rulfo
aún me fascina por ese mundo que crea como rural y campesino,
como esa cosa melancólica, como toda fantástica y al mismo tiempo superaterrizada.
con alguien en la Universidad y se me desbarató todo ese modelo
educativo. Tuve un problema con un profesor y, de rebote, con mis
compañeros. Entonces empecé a desordenarme un poquito… Empecé, por ejemplo, a hacer un currículo propio, a decir: “Yo a unas
clases voy y a otras no voy”. Y por ahí mismo me fui sacando yo
solito de la universidad. Cuando me metí a arte mi sueño era ser
un pintor, por lo que había visto, por los referentes que tenía, por
que tenía amigos pintores… Quizás por eso me gustaba la obra de
muchos pintores como Carlos Salazar quien tuvo importancia y
mucha visibilidad en los 80… Víctor Laignelet, por supuesto Beatriz González. Hasta me gustaba Maripaz Jaramillo. Todas esas
búsquedas dentro de la figuarción entre los 70 y 80 por encontrar
una manera propia de pintar me interesaban mucho. Entonces,
imagínese qué me pasó: cuando iba a empezar a tomar clases de
pintura, se me metió en la cabeza que no iba a permitir que nadie
me enseñara. Esa era mi rebeldía: voy a ser un pintor totalmente
original y como los profesores lo marcan a uno y yo voy a ser único,
pues, entonces, no voy a permitir que nadie me enseñe. Así me salí
de la universidad.
Cortesía: Wilsón Díaz.
unos esqueletos y que yo me reía, que me había gustado la película. Más grandecito frecuentaba mucho el Teatro Laboyos (Pitalito
queda en el Valle de Laboyos y por eso a quienes nacimos allí nos
dicen laboyanos) y el Teatro América, donde proyectaban muchas
películas japonesas como Godzilla, o de karate, todas esas cosas.
H.J.: ¿Leía comics?
W:D: Sí, los de Editorial Icavi: Kapax del Amazonas, Juan Sin Miedo,
El Santo, todas esas historietas como color café. En Pitalito había
alquiladeros de cuentos y yo pasé mucho tiempo en esos negocios
leyendo y viendo comics y revistas. Creo que en ese entonces desarrollé una obsesión por la imagen. Recuerdo que cuando iba al mercado con mi mamá había un señor que alquilaba View Master y yo
siempre lo buscaba para ver una de esas rueditas: Las siete maravillas
del mundo, Veinte mil leguas de viaje submarino… Eso era increíble.
H.J.: Volvamos a la carrera de arte. ¿Recuerda en ella a algún profesor notable para usted?
H.J.: ¿Perdió el cupo en la Universidad?
W.D.: Sí. Es que en un punto me revelé, por ese problema que tengo con la autoridad. Como en tercer semestre tuve un lío personal
artistas colombianos estudiaron arte. Además, vivir la academia y
formarse allí es fundamental, por lo que ofrece en conocimiento,
encuentro, intercambio y también por el aval que da. Pero, obviamente, no es la única forma de preparase y estar listo para practicar y competir en el mundo profesional. Desafortunadamente,
la academia ha desarrollado una tendencia sectaria contraria al
espíritu generoso y abierto del arte, pues muy a menudo busca
cerrarse en sí misma, autoavalándose, volviéndose caprichosa, impermeable, lejana. Creo que dicha tendencia es un síntoma más de
la necesidad de poder y control, característica de esta época paranoica, avara, propagandística.
H.J.: ¿Cómo llegó a ser profesor de arte, cuándo y en dónde?
W.D.: Mis primeras experiencias fueron en Bogotá a finales de los
años 80, dentro de un proyecto transdisciplinar que realizó talleres
en espacios como Ciudad Bolívar o el Parque de Lourdes, como integrante del grupo La Papaya Partía, junto a Carlos Latorre y Yury
Forero. Este proyecto que se llamó ‘El Arte y Los Otros Pedazos de
La Vida’, era auspiciado por el Instituto Distrital de Cultura y Turismo. Luego en 1995 invitados por José Horacio Martínez, con
Juan Mejía empezamos a trabajar como profesores de una misma
asignatura en el Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali.
Al semestre siguiente cada uno entró a dirigir un grupo por aparte.
También trabajé en los talleres de extensión de la Universidad del
Valle antes de que existiera la Licenciatura de Artes Visuales. He
trabajado, por corto tiempo, en los programas de Artes de la Universidad del Cauca y de la Licenciatura de la Universidad del Valle.
Mis experiencias más recientes como tallerista están asociadas a
los Laboratorios de Investigación-Creación del Ministerio de Cultura y a La Escuela Móvil de Saberes y Práctica Social de Helena
Producciones.
W.D.: Sí. Aplico los consejos sobre el dibujo y el grabado de
Giangrandi, los consejos sobre el valor de la línea de Édgar Silva,
los ejercicios sobre brillo, luminosidad y valor en relación al tono y
saturación de Escilda Diaz. Y como salí de la universidad sin terminar la carrera, tengo que reconocer que muchas personas con
quienes realicé colaboraciones también me han enseñado mucho.
Recuerdo a Álvaro Salamanca y sus consejos y ejemplos sobre
pintar, las conversaciones y experiencias con Silvia Ibarra o con
Fernando Arias sobre la instalación, recuerdo a Delcy Morelos y
lo que me enseñó sobre la pintura en papel, a Alicia Barney y el
uso de materiales naturales y artificiales, a Sylvie Boutiq y sus historias, a Fabio Espinoza y su mirada poética y política del mundo.
Wilson Díaz, ‘Sin título’. Tinta china, con plumilla, sobre papel (1987).
H.J.: Recuerdo que un día, José Hernán Aguilar en una clase de historia del arte nos dijo que lo peor que podíamos hacer si queríamos
ser buenos artistas, era estudiar arte. Nos dijo que lo que teníamos
que hacer era salirnos ya mismo. ¿Está de acuerdo con él? W.D.: ¡Qué radical que era José Hernán! Una afirmación como esa
es muy relativa, depende de su contexto y también de las necesidades de cada estudiante. Hoy en día es más claro lo variado que
es el campo artístico: algunos estudiantes de arte serán escritores,
otros serán diseñadores, otros curadores, otros historiadores o administradores y sus oportunidades se ubicaran en relación con sus
intereses. Por otro lado, en la historia del arte colombiano hay muy
buenos artistas que no estudiaron arte sino arquitectura, diseño o
carreras como medicina.
Pero, mirando con cuidado, es seguro que la mayoría de los buenos
Estoy en deuda también con Juan Mejía y su mirada y estética,
con Las Malas Amistades por el placer de pensar y cantar, con
Amy Franceschini y sus huertas urbanas, con Leonardo Herrera
y con Ana María Millán. También agradezco todo lo que he aprendido con mis compañeros de Helena Producciones -los de antes y
los de ahora- en esta Academia (con “A” mayúscula) que ha sido en
muchos sentidos el colectivo.
H.J.: ¿Qué hace cuando se encuentra con un estudiante rebelde?
W.D.: Lo soporto y trato de que no afecte a todo el grupo, mientras
considero formas de comunicación con él, valorando sus intereses,
sus posibilidades. H.J.: ¿Cree que se puede enseñar a ser artista?
W.D.: Creo que ser artista depende sobre todo del estudiante. Él es
quien sabe, finalmente, cómo y de qué forma, para qué y porqué
será moldeado o instruido por el maestro, por la academia. Es el
estudiante quien decide ser artista, incluso antes de entrar a ser
alumno… O descubre cómo ser artista durante su proceso educativo… O en el ejercicio práctico de su vida profesional.
vv
ARTISTAS
ARTISTAS
JUANA
JUANAANZELLINI
ANZELLINI
FELIPE
FELIPERUIZ
RUIZ
ANIBAL
ANIBALGOMESCASSERES
GOMESCASSERES
LEONARDO
LEONARDOPINEDA
PINEDA
ALONSO
ALONSOORDOSGOITIA
ORDOSGOITIA
ALEJANDRO
ALEJANDROSANCHEZ
SANCHEZ
19
H.J.: ¿Aplica lo que aprendió de sus profesores?
W.D.: Me acuerdo de las clases de color de Escilda Díaz, fueron
superimportantes para mí. Ella permitía aplicar las enseñanzas
técnicas que impartía en un trabajo personal. Con ella trabajé en
acuarela y en témpera. Hice muchas témperas en ese tiempo. Me
parecía increíble trabajar con témpera por lo opaca y por lo intenso
del color… Ese medio tiene una cosa toda fuerte, como de superficie. Y a mí me gustaba lavar los dibujos y la témpera se pelaba
muy bien. En un papel fuerte podía trabajar la témpera cubriendo
y lavando y volviendo a cubrir y volviendo a lavar.
Otro profesor importante para mí fue Umberto Giangrandi. Estudiar con él me inspiró mucho porque yo conocía sus trabajos
de los años 80 y cuando tomé clase con él era un artista activo. Es
muy interesante para uno, como estudiante, ver que el profesor
está trabajando y exponiendo; eso es inspirador. Bajo la supervisión de Giangrandi comencé a hacer unos trabajos usando fotografías familiares, de grupos de personas -tema que también tiene
que ver con la obra de muchos dibujantes y grabadores de los 70 y
80. Entonces hice unos dibujos en plumilla y después, partiendo
de ellos, hice grabados en metal y en linóleo. Bajo la tutoría de
Giangrandi hice cosas fundamentales para mi trabajo futuro. Yo le
llevaba mis plumillas y él las miraba y hablábamos de ellas y luego
me supervisaba mientras hacía mis grabados. Pero, además, ese
fue un momento en el que yo ya no estaba inscrito oficialmente
en la carrera y él fue un apoyo enorme en el sentido de permitirme
ir al taller de grabado y trabajar y contar con su asesoría sin ser su
alumno. Después, incluso, trató de ayudarme a entrar otra vez a la
Universidad, a reintegrarme; pero no sé si no se pudo… O yo no
hice el suficiente esfuerzo.
Julio - Agosto 2013
CO
CO
RUIZ
RUIZ
FEDER
FEDER
.
.
ARTE
ARTE LATINOAMERICANO
LATINOAMERICANO
GGEESSTTI IOONN CCUULLTTUURRAALL
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e de re irci oc or ur ui zi .zi.ni nf of o
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. Bog-Col
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312-3791240
312-3791240
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MM
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Ariza,
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Botero,
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Caballero,
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Caro,
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Cano,
Cano,
Diaz
Diaz
Vargaz,
Vargaz,
Echeverri,
Echeverri,
Gomez
Gomez
Campuzano,
Campuzano,
Hernandez,
Hernandez,
Hoyos,
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Jacanamijoy,
Jacanamijoy,
Manzur,
Manzur,
Morales,
Morales,
Muñoz,
Muñoz,
Negret,
Negret,
Obregón,
Obregón,
Ramírez
Ramírez
Villamizar,
Villamizar,
Rayo,
Rayo,
Richter,
Richter,
Santamaría,
Santamaría,
Wiedemann,
Wiedemann,
Zapata.
Zapata.
20
ARTERIA Ed. 39
Julio - Agosto 2013
Galerías
Cortesía del artista.
BOGOTÁ
Zona L Galería
Exposición colectiva: ‘Relámpago’
Julio 18 – 27
Cortesía: Galería Naranjo & Velilla.
MEDELLÍN
Galería Naranjo & Velilla
Luis Caballero: ‘Pinturas y dibujos
de Luis Caballero’
Agosto 1 – 30
Un total de 31 obras originales de Luis Caballero
estarán acompañadas de visitas guiadas y
charlas. La exhibición coincide con la Feria de las
Flores y Colombiamoda.
Cortesía del artista.
BOGOTÁ
Valenzuela Klenner Galería
Gustavo Romero: ‘Prueba y Horror’
Junio 27 – julio 26
El rostro es el protagonista en esta serie de
pinturas de Gustavo Romero con la que pretende
explorar las estéticas del género del horror. No
son retratos, ya que carecen de las cualidades de
identidad y género, son rostros extraídos de la
trama cinematográfica llevados a la pintura en
forma diseccionada. La intención no es expresar
un deseo de escape o la representación de
estados oscuros humanos, sino usar la pintura
como representación de horror al estilo del
escritor H.P. Lovecraft.
La exposición ‘Relámpago’ en Zona L Galería no
tendrá una selección de artistas ni una temática
específica. Se han recibido obras bidimensionales
y tridimensionales. El nombre se refiere a la
rapidez con la que se acumuló el trabajo de los
artistas que ocupará 22 paredes y cuatro paneles.
Serán devueltas a sus artistas dos días después
del cierre de la muestra.
Cortesía del artista.
BOGOTÁ
LA galería – Arte Contemporáneo
Leonardo Ramos: ‘SELF.
Formas de la muerte,
formas de lo informe’.
Agosto 8 – septiembre 7
Por medio de esculturas, dibujos e instalación;
Leonardo Ramos en SELF se refiere a lo que,
para él, nos compone a cada uno como individuo,
las cosas que nos agradan y nos desagradan.
Para el artista, todo lo humano, lo material y no
material, la vida y la muerte, se fundamentan en
los huesos, los restos y la descomposición.
Cortesía: Galería Beatriz Esguerra.
Cortesía: Galería Espacio Alterno.
BOGOTÁ
Galería Espacio Alterno
Exposición colectiva: ‘Infinitum
cuerpo: de corrosiones y placeres’
Desde agosto 8
En esta exposición, con la curaduría de Caridad
Botella Lorenzo y Juan David Quintero
Arbeláez, se contraponen dos visiones del
cuerpo. Una como vehículo del dolor y otra
como vehículo del placer. Así se relacionan con
lo trascendental como el tiempo, el espacio y la
muerte. Esta muestra incluye fotografía, video,
instalación y performance y en ella participan
Adriana Marmorek, Andrea Aguía, Daniel
Sánchez, Luiza Prado, Sylvia Jaimes, Mónica
Hernández, Verónica Giraldo y Venuz White.
BOGOTÁ
Galería Beatriz Esguerra
Carlos Alarcón: ‘Ante la nada’
Agosto 1 - 29
Una serie de retratos gigantes en escala de grises,
con lo que pretende dar un aire de melancolía.
El artista busca expresar dolor, tristeza y pérdida
entre otros sentimientos negativos, a través
de las gestualidades en los retratos hechos con
pinceladas bruscas en sus pinturas. Cortesía: Galería La Cometa.
Cortesía de los artistas.
BOGOTÁ
Galería Neebex
Román Navas y Henry Palacio:
‘Midiendo calles’
Agosto 1 – 9
Con instalaciones, fotos y videos como formas
de registro de diversas posibilidades de construir
viviendas improvisadas, en ‘Midiendo calles’,
Román Navas y Henry Palacio abordan el
tema de la informalidad urbana, basándose
en sus experiencias personales y teniendo en
cuenta la necesidad de protegerse del frío y de la
inseguridad de la ciudad de Bogotá.
BOGOTÁ
Galería La Cometa
Exposición Colectiva:
‘Artistas de Latinoamérica’
Julio 17 – Septiembre 1
Esta exposición presenta un grupo diverso de
artistas latinoamericanos reconocidos y ocupa
dos salas con pintura y escultura. Cuenta con
obras de Olga de Amaral, Omar Rayo, Enrique
Grau, Claudio Bravo, Fernando Botero, Hugo
Zapata, Carlos Jacanamijoy, Édgar Negret,
Nadin Ospina, Eduardo Ramírez Villamizar,
Antonio Barrera, Carlos Rojas, David Manzur,
Carlos Jacanamijoy, Kindi Llajtu, Julio Le Parc,
Germán Botero, entre otros.
Cortesía: Galería Baobab.
Cortesía: Galería Mü.
BOGOTÁ
Galería Mü
June Juno: ‘Umbrales geométricos’
Hasta agosto 17
Esta muestra contiene una serie de fotografías
a color inspirada en la captura de imágenes abstractas de las ciudades de Colombia. En estas
imágenes se puede notar la ausencia de la figura
humana, es la primera vez que la artista expone
en esta galería desde que empezó su trabajo
fotográfico en el 2009.
BOGOTÁ
JW Marriot - Galería Baobab
Mónica Agudelo, Ximena Steevens
y Mauricio Vélez:
‘Obra reciente’
Julio 25 – agosto 19
El colectivo artístico Abstractus, integrado por
los esposos Ximena Steevens y Mauricio Vélez,
expondrán junto con la artista Mónica Agudelo
en el Hotel Marriot, con asesoría de la Galería
Baobab. Los primeros se caracterizan por su
performance, sus instalaciones y fotografías y
Agudelo mostrará arte hecha con medios de
impresión y fotografía.
ARTERIA Ed. 39
Julio - Agosto 2013
21
Cortesía del artista.
Cortesía: Otra Zona Galería.
RIONEGRO
Otra Zona Galería
Exposición colectiva:
‘Colectivo Otra Zona’
Hasta septiembre 15
En ‘Colectivo Otra Zona’ se celebra que en el
arte contemporáneo hay libertad en el uso de
materiales, pero, a la vez, una gran restricción,
porque no se pueden usar de cualquier manera.
En esta exposición hay de todo tipo de técnicas
y cuenta con obras de los artistas José Omar
Valbuena, Lorenzo Freydel, Luis Carlos Muñoz,
Norman Botero.
BOGOTÁ
LA galería – Arte Contemporáneo
Donald Daedalus: ‘Vínculos
imaginarios, escape imposible’
Julio 18 – agosto 3
En la primera exhibición individual en Colombia
de Donald Daedalus (1983, New York) se
presentan piezas que oponen los conceptos
de romance y física y se relacionan a través de
la dinámica de los agujeros negros. El audio
que envuelve la exposición es una versión
de Unchained Melody, cuya velocidad decrece
durante un día para simular que la canción es
consumida por un agujero negro. Seis esculturas
de vidrio y acrílico están allí para representar el
proceso químico y neuronal que se da cuando
los humanos se vinculan. Todo esto a través
esculturas, videos, dibujos y otros elementos de
instalación.
Cortesía: Galería Bog Arte.
Cortesía Rojo Galería.
BOGOTÁ
Rojo Galería
Sebastián Bejarano: ‘H’
Julio 18 – agosto 31
La instalación con fotografías que se encuentra
en Rojo Galería responde a la primera muestra
individual del joven artista Sebastián Bejarano.
En palabras de él una cámara fotográfica “es un
lugar secreto. Una caja donde se guardan los
secretos...”. Es por eso que haciendo alusión al
concepto de secreto, la exposición es llamada
como la letra muda del español: ‘H’.
BOGOTÁ
Galería Bog Arte
Clara Inés Lévano y Jaime Jaimes
Julio 22 – 31
Una muestra variada de dos artistas Clara
Inés Lévano y Jaime Jaimes, la cual incluye
desnudos, y paisajismo en óleo sobre lienzo y
acuarelas.
Cortesía: Álex Rodríguez.
Cortesía: Galería Duque Arango.
MEDELLÍN
Galería Duque Arango
‘Julio Larraz: obras recientes’
Julio 24 – septiembre 21
Por primera vez se presentará en Medellín la
obra del cubano Julio Larraz, que toca temas
como la soledad, el amor, el odio, el poder y la
lujuria, enmarcados en la Cuba lujosa antes de
la revolución comunista. Entre estos 24 trabajos,
encontramos óleos, dibujos y hasta un texto
escrito por él.
Cortesía: Galería Baobab.
BOGOTÁ
Galería Baobab
Claude Jeanmart:
‘Textos inacabados de Kafka’
Julio 31 – agosto 17
Usando collages, superposiciones, fotomontajes,
inclusiones de figuras gráficas y elementos
pictóricos como también anamorfismos y
elementos tipográficos, Claude Jeanmart busca
trasponer las historias de El proceso y El castillo,
de Franz Kafka, a las artes plásticas, haciendo
alusión a la desesperanza, las contradicciones, el
absurdo y la búsqueda de un significado, temas
recurrentes en la obra del literato.
BOGOTÁ
Galería Doce Cero Cero -12:00Édgar Jiménez y Eduardo Motato:
‘Blaxplotation y 1055 base liviana
para más copias’
Julio 24 – agosto 24
‘Blaxplotation’ es una serie de pinturas que
tratan sobre lo afroamericano en las películas de
cine de Serie B, hechas en Estados Unidos, en los
años 70. Eran realizaciones de bajo presupuesto
con actores poco conocidos de raza negra, las
cuales fueron proyectadas en los cineclubes de
Cali. ‘1055 base liviana para más copias’ es una
serie de dibujos al óleo sobre papel y pinturas
sobre maderas u objetos encontrados en
demoliciones que abordan el mismo tema.
Cortesía de la artista.
NUEVA YORK
Galería Frederico Sève
Carolina Gómez: ‘Cara preciosa’
Hasta agosto 16
Esta muestra está compuesta por una selección
de óleos sobre lienzo y collages pertenecientes
a su último trabajo: ‘Piedras espejo’. Con él
busca plantear la relación entre poder, belleza y
moda a través de la intersección de íconos de la
cultura pop y joyas preciosas. Carolina Gómez
es reconocida por tratar el tema de la identidad
femenina y su relación con la sociedad.
Cortesía: Fernando Cruz.
Cortesía: Del Infinito Arte Bogotá.
Cortesía del artista.
BOGOTÁ
Del Infinito Arte Bogotá
Máximo Flórez: ‘Castillos en el aire’
Julio 25 – septiembre 5
Máximo Flórez presenta cajas de vidrio que
contienen hilos enmarcados con madera, con
lo que pretende que estas figuras parezcan que
están construyéndose o demoliéndose. Son
esculturas y modelos arquitectónicos hechos con
madera, papel, vidrio, hilos y parafina. Incluso
convierte a la galería en una de sus cajas. La
interviene usando telares y estructuras.
BOGOTÁ
Galería Casa Cuadrada
Juan Camilo García Walker:
‘Archivos’
Agosto 15 – septiembre 1
Este trabajo busca mostrar cómo el tiempo pasa
y cómo las cosas se olvidan. Se incluyen afiches
de eventos como los que se colocan en postes
y muros de la ciudad, ya que unos sobre otros
colocados sobre edificios muestran el paso del
tiempo, según el artista.
Cortesía de la artista.
BOGOTÁ
Galería Sextante
Dora de Germám-Ribón y
Fernando Cruz: ‘Ondulaciones’
y ‘Coque 2006 – 2013’
Julio 24 – agosto 24
BOGOTÁ
Alonso Garcés Galería
Natalia Granada:
‘El Edén despreciado’
Julio 25 - agosto 30
‘Ondulaciones’ se inspira en los cuatro
elementos y su relación con la arcilla: la cual
contiene metales en estado natural, se saca de
la tierra, se necesita agua para poder moldearla
y fuego para poder consolidar su forma. La
exposición consta de fotografías y esculturas
de cerámica con engobe. ‘Coque 2006-2013’ es
una serie de fotografías donde Fernando Cruz
capta paisajes de los hornos de coque de Boyacá
y Cundinamarca.
Natalia Granada, busca hacer alusión a la
humillación, al castigo y el envilecimiento por
medio de esculturas de cuerpos mutilados
o heridos. Entre los temas de esta muestra
que la artista busca plantear, se encuentran el
deseo frustrado de trascendencia de nuestro
cuerpo, relaciones entre víctimas y victimarios,
relaciones de poder y miedos y frustraciones
relacionados a la sexualidad. Todo desde una
visión femenina excluyente.
ARTERIA Ed. 39
22
Julio - Agosto 2013
‘Transparente’, una apuesta desde las artes visuales y la danza
E
n una jugada singular para una artista visual,
Diana Salcedo participó con su película de
video-danza Transparente en el Bogotá Audiovisual Marketing (BAM), que realizó recientemente la Cámara de Comercio de Bogotá. Y al parecer le
está saliendo bien.
lemento de registro. Luego ella misma editó el material.
“Yo soy una artista visual que explora los lenguajes de
las artes escénicas. Cada artista tiene sus puntos de interés. Para mí la danza es la manera en el que mi cuerpo
cobra vida y compartir esto con la con la cámara me da la
oportunidad de expresarme como artista”, dice.
Egresada de Artes Visuales de la Universidad Javeriana,
Salcedo decidió sumergirse en la danza contemporánea,
lo que la ha llevado a participar desde su visión de artista visual en ese mundo. En realidad, ella se considera
una artista visual y no una bailarina, cineasta o videista.
“El video-danza se ha movido dentro de un circuito de
festivales de este género. No se ve mucho en galerías,
desafortunadamente, aunque existen piezas clásicas
que están en los museos como Variations V, que John
Cage hizo en colaboración con Merce Cunningham”,
dice Salcedo.
Reconoce que el video-danza siempre ha parecido estar
más hacia el lado de la danza. “La danza le ha abierto
más campo a esta práctica, pero es video-arte y me
encantaría ver video-danza en una galería”.
Cortesía: Diana Salcedo.
Para Transparente, la artista de 26 años se basó en una
beca de creación en danza del Distrito con el mismo
nombre. El trabajo inicial era de Danza Común y Martha
Hincapié Charry, bailarina contemporánea colombiana
que vive en Berlín, pero que constantemente viene al
país.
Póster de la selección oficial del American Dance Festival.
Así, Salcedo realizó el trabajo con ellos: “Nos sentamos a
planear todo y en dos semanas hicimos el video en Tabio
(Cundinamarca), en la finca de la escultura Alicia Tafur,
que nos prestó la casa”, dice la artista.
Entonces –explica- inició un diálogo entre los protagonistas y la cámara, en el que esta es más que un simple e-
En la experiencia no le ha ido nada mal y se mantiene
explorando posibilidades. Transparente acaba de participar en el Dougals Rosenberg American Dance Festival,
en Nueva York, dentro de la sección Screendance Festival.
El BAM también le aportó a su proyecto. La artista
bumanguesa admite que para una propuesta
experimental dentro de los conceptos de ese evento no
resultaba nada fácil participar, porque “para la mayoría
es difícil ver una película de danza”.
Sin embargo la sala de Cine Colombia de la Avenida Chile
se llenó el día de la presentación. “El BAM fue importante
porque es un espacio donde van especialistas y permite
que proyectos artísticos como este se vean por fuera de
museos y festivales especializados. Siempre el circuito
artístico es el mismo y fue una opción para que mucha
gente lo viera. Además, llamó la atención de un distribuidor con el que estoy negociando para ver si la sacamos
un DVD. Todo es un proceso”, concluye Diana Salcedo.
quinientaspalabras
Una imagen vale más que mil palabras; ¿será que la mitad consiguen
evocarla? En esta sección un invitado hablará en 500 palabras de
una obra que le parezca especialmente significativa.
Hace más de 50 años que no se deja ver. No contábamos sino con las fotos del primo
del artista para dar fe de que existió, pero siendo imágenes en blanco y negro no dejaban
más que una incertidumbre más. ¿Cómo sería a color? me he venido preguntando en los
últimos años. -No es agradable- decía la argentina, pero tiene un poder de seducción y un
aura de obra maestra que como canto de sirena ha dejado deslumbrados a muchos, tanto a
los que tuvieron el placer de verla como a los que especulamos cómo sería.
Aun así no logra explicarse
uno cómo es posible
que siendo valorada por
tantas eminencias como
la obra más importante
en el arte colombiano
lleve desaparecida tanto
tiempo, que no esté
en ninguna colección
local, que no haya sido
un premio adquisición
cuando el autor se ganó
ese sufrido premio.
Sufrido porque los
ignorantes
jurados
la despreciaron por
creerla una caricatura
malograda de un fresco
de Mantegna, no vieron
en ella el poderoso color
(que desconocemos) ni la
violenta figuración que le
abriría las puertas a toda
una nueva generación de expresionistas. Les pareció desmesuradamente pretensiosa por
las dimensiones que el pintor traía de Nueva York; exagerada desde cualquier aspecto. Es
ahí donde entra la argentina y como un par de bofetadas en la cara les hace saber a los
jurados lo ineptos que han sido, y con una pública vaciada los exhorta a que cambien su
criterio y dejen participar la obra. Los jurados de selección, regañados y como si tuvieran
que admitir un desafortunado “lapsus brutus”, cambian su ultimátum. Ahora todos se hacen
los que han visto las finas ropas en un rey desnudo y para no pecar de ignorantes terminan
dándole el premio. Tal vez solo hayan comprendido hasta tiempo después la importancia de
haberle dado esa distinción a la obra y al pintor. De rechazada a ganadora del Salón del 58.
Él había visto la original en Mantua, unos años antes en su periplo renacentista. Recordando
a la corte de Gonzaga pintó a Ludovico recibiendo la esperada correspondencia, su esposa,
Bárbara, en el medio,
impávida; su séquito y
la mascota que aquí se
transformó de elegante
labrador a perro de
mecánico; el fondo,
suprimido, y la enana,
interpretada
como
un poderoso tótem
agustiniano.
Después de indagar por
muchos sitios encontré
entre la colección
de diapositivas de
mi maestro el único
fragmento a color que
se conoce de ella. Me
maravilló. El pintor
me contó que ese
mismo año del 58 la
había comprado el
multimillonario dueño
de los ferrocarriles
de Chicago, don Patrick McGuiness, y que hace unos 30 años la había vuelto a ver en la casa
de su homónimo hijo. En Facebook le escribí a 30 Patrick McGiness preguntándoles por la
obra maestra perdida. Todos me contestaron que desafortunadamente no eran hijos de
multimillonarios ni tenían un Botero en casa. Cada historiador tiene su tesoro perdido. A
Medina le tocó la Bachué, a mí que me toque esta.
Christian Padilla. Curador independiente.
Camera degli sposi
(homenaje a Mantegna)
ARTERIA Ed. 39
Julio - Agosto 2013
23
GUÍA NACIONAL
BARRANQUILLA
MUSEO DE ARTE MODERNO DE
BARRANQUILLA
Carrera 56 # 74 - 22
Tel: (5) 369 0101 - 360 9952
[email protected]
www.mambq.org
- Hasta agosto 31: ‘Cajas Mágicas’:
Ofelia Rodríguez.
BOGOTÁ
ACADEMIA DE ARTES GUERRERO
Calle 45 #18 A- 25
Tel: (1) 609 4792 - 609 4795
[email protected]
www.artesguerrero.edu.co
Hasta agosto 2: ‘Rewind’ Retrospectiva
del Salón de Arte Universitario: Norman
Botero, Fernando Pertuz, Luis Hernández
Mellizo, Rodrigo Echeverri, Fabián Cano,
Saúl Sánchez, Camila Echeverría, Carlos
Castro, Eduard Moreno, David Peña, Julián
Santana, Santiago Escobar, Alex Rodríguez,
Tot, Sair García, Jean Barbato, Oscar Danilo
Vargas, Andrés Bustamante, Lorena Díaz,
Marco Mojica y Jaime Tarazona.
LA GALERÍA - ARTE CONTEMPORÁNEO
Calle 77 # 12 - 03
Tel: (1) 467 3348 - 601 9494 - 467 3346
[email protected]
www.la-galeria.com.co
Julio 18 – agosto 3: ‘Vínculos imaginarios,
escape imposible’: Donald Daedalus.
Agosto 8 – septiembre 7: ‘SELF. Formas
de la muerte, formas de lo informe’:
Leonardo Ramos.
ALONSO GARCÉS GALERÍA
Carrera 5 # 26B - 92
Tel: (1) 337 5832 - 337 5827
[email protected]
Julio 25 - agosto 30: ‘En cuerpo herido’:
Natalia Granada.
EC - ARTE GALERÍA
Calle 107 A # 54 - 45
Tel: (1) 253 9997 - 310 7765788
[email protected]
Artistas representados: Domingo Izquierdo,
Kindi Llajtu, Andrés Santodomingo, Édgar
Negret, Gabriel Beltrán, Fabiana Peña,
Herbert Sánchez.
GALERÍA EXPRESO DEL ARTE
Calle 81 # 13 - 05 Centro Comercial
Atlantis Plaza, local 306 B
Tel: (1) 531 2221
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www.expresodelarte.com
GALERÍA NEEBEX
Carrera 3 # 12 - 42
Tel (1): 284 9490
[email protected]
www.neebex.com
Hasta julio 27: ‘Corpórea’: Andrea Rey
Agosto 1 – agosto 9: ‘Midiendo Calles’:
Román Navas y Henry Palacio. Agosto 22 –
septiembre 27: ‘Rigor Mortis’: Lina Prieto y
Jimmy Espinosa.
GALERÍA BAOBAB
Calle 79 B # 8 - 21
Tel: (1) 322 0913 - 255 1813
[email protected]
www.galeriabaobab.com
Julio 31 – agosto 17: ‘De los textos
inacabados de Kafka’: Claude Jeanmart.
GALERÍA SANTA FE
Carrera 16 # 39 - 82, esquina.
Tel: (1) 287 5851- 379 5750 ext 332 - 335
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- Hasta julio 27: ‘Ciervos de Bronce’: Camilo
Aguirre. ‘...en el medio...’: Escuela de Guías
de la Galería Santa Fe.
- Hasta agosto 3: Cuarta Residencia Proyecto Echando Lápiz: Propuesta Passiflora
del Centro de Protección Social Bosque Popular.
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Tel: (1) 616 2211 ext 107 - 135
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Agosto 8 – septiembre 27: ‘Infinitum
cuerpo: de corrosiones y placeres’: Adriana
Marmorek, Andrea Aguía, Daniel Sánchez,
Luiza Prado, Sylvia Jaimes, Mónica
Hernández, Verónica Giraldo y Venuz White.
FUNDACIÓN GILBERTO ALZATE
AVENDAÑO, FUGA
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Tel: (1) 282 9491
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Un proyecto de la Fundación Gilberto
Alzate Avendaño en convenio con la
Fundación Arteria
MONTEALEGRE GALERÍA DE ARTE
Carrera 17 A # 100 - 15
Tel: (1) 691 7007 - 691 7006
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www.montealegregaleriadearte.com.co
Agosto 15 – septiembre 15: ‘Sueños
revelados’: Roberto Lombana.
DEL INFINITO ARTE BOGOTÁ
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Tel: (1) 255 5902 - 311 8696446
[email protected]
www.delinfinitobogota.com
Julio 25 – septiembre 5: ‘Castillos en el aire’:
Máximo Flórez.
SANTA MARTA
MUSEO BOLIVARIANO DE ARTE
CONTEMPORÁNEO
Quinta de San Pedro Alejandrino, Avenida
del Libertador, sin número, Mamatoco
Tel: (5) 4332994 - 4331021 - 4332994
[email protected]
www.museobolivariano.org.co
Agosto 8 - octubre 8: Sala Hernando
Del Villar: Ángel Loochkartt ‘La pintura
de Loochkartt en los ritmos del tiempo’:
Ángel Loochkartt.
Septiembre11 – noviembre 8: Galería
Espacio Abierto: ‘Intervalo gráfico’:
Colectiva de artistas.
ROLDANILLO
MUSEO RAYO
Calle 8 # 8 - 53
Tel: (2) 229 8623 - 229 72 90
[email protected]
www.museorayo.co
Julio 13 - septiembre 18: ‘Cintas ópticas Pinturas’, ‘Vía Sur - Dibujos’,
‘Sombra y volumen - Intaglios, pinturas
y esculturas’: Omar Rayo.
‘Niki de Saint Phalle - Pinturas y esculturas’:
‘María Clara Piñeyro - Pinturas’.
MEDELLÍN
TALLER 7
Carrera 41 # 46 - 67 Villa con Bomboná
Tel: (4) 239 5508
[email protected]
www.tallersiete.com
Laboratorios
MUSEO DE ARTE MODERNO DE
MEDELLÍN
Carrera 44 # 19 A - 100 Av. Las Vegas
Tel: (4) 444 2622
[email protected]
www.elmamm.org
Hasta agosto 11: La gente en la colección
del Museo: Ethel Gilmour, Óscar Jaramillo,
Luis Caballero, Benjamín de la Calle, María
Villa, Beatriz González, Débora Arango, y
Alberto Aguirre, entre otros.
MUSEO DE ANTIOQUIA
Carrera 52 # 52 - 43
Tel: (4) 251 3636
[email protected]
www.museodeantioquia.org.co
Hasta agosto 18: ‘Antioquias, diversidad
e imaginarios de identidad’: Artistas Invitados
Artistas Visuales: Fernando Arias, Iván
Candeo, Carlos Castro, Rita Crocker,
Juan Manuel Echavarría, Grupo Utopía
(Patricia Gómez, Jorge Mario Gómez, Fabio
Ramírez), Alejandro González –Tascón,
Juan Fernando Herrán, Juan David Laserna,
José Carlos Martinat, María Claudia
Mejía, Tomás Ochoa, Federico Ortegón,
Ana Patricia Palacios, Rafael Palacios
(Corporación Sankofa), Luis Fernando
Peláez, Juan Arturo Piedrahita, Libia Posada,
Rosemberg Sandoval, Daniela Serna,
Taller 7 (Mauricio Carmona, Adriana Pineda,
Julián Urrego y Powerpaola), Cristina Toro
(Corporación Águila Descalza), Carlos Uribe,
Paula Úsuga, Alejandro Vásquez, Santiago
Vélez, Esteban Zapata.
CASA TRES PATIOS
Carrera 50 A # 63 - 31
Tel: (4) 571 7798
[email protected]
www.casatrespatios.org
RIONEGRO
OTRA ZONA GALERÍA DE ARTE
Complex Llanogrande local 35,
Llanogrande Antioquia
Tel: (4) 5317880
[email protected]
www.otrazonagaleriadearte.com
Julio 15 – Septiembre 15:
‘Colectiva OTRA ZONA’: José Omar
Valbuena, Lorenzo Freydel, Luis Carlos
Muñoz, Norman Botero.
Proyectos ganadores de la convocatoria
“Laboratorios de creación Plataforma Bogotá 2012”
Chiroptera Sonósnemas: Diálogo entre la bioacústica para la etología
y la composición de música electroacústica.
Jose Miguel Lunas Rojas.
Imagen – Sonido: Colectivo COAL
Samanta García Pinzón, Diego Serrano.
Informes: www.plataformabogota.org - Tel.:744 09 57
CULTURA, RECREACIÓN Y DEPORTE
Fundación Gilberto Alzate Avendaño
24
ARTERIA Ed. 39
Julio - Agosto 2013
Academia de Artes
Guerrero
Seminarios Internacionales
GESTIÓN CULTURAL
Herra
mientas
para la g
3 - Septiembre
22 - Noviembre
estión cu
ltural
4 -25
Septiembre
Prácticas museológicas
2 - 10
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Merca
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7 -28
Noviembre
uría
a la curad
Informes e inscripciones: 609 4792 / 95.
Dirigido a
Artistas, gestores culturales, galeristas,
investigadores y todos aquellos profesionales de las
artes plásticas y visuales que deseen explorar diferentes
campos en la gestión cultural.
Calle 45 # 18 A 25 .
www.artesguerrero.edu.co
www.art-cartagena.com
Medellín, 6 de septiembre a 3 de noviembre de 2013
Inauguración: 5 de septiembre
Seminario de apertura: 7 de septiembre
Seminario de cierre: 29 de octubre
Curadores: Mariángela Méndez (Directora Artística), Florencia Malbrán,
Javier Mejía, Rodrigo Moura y Óscar Roldán-Alzate
Sedes: Museo de Antioquia, Museo de Arte Moderno de Medellín
y Edificio Antioquia
Oficinas: Museo de Antioquia, carrera 52 # 52’-’43, Medellín, Colombia
pbx (574) 251 3636 ext. 203
www.43sna.com \ [email protected]
L ibertad
y O rd en
MinCultura