Capítulo 1 ENSAYOS

Español V
El 28 de febrero 2013
ENSAYOS Capítulo 1
Capítulo 2
REALIDADES 3
Español V
El 28 de febrero 2013
Para Empezar/Capítulo I
Realidades 3
Capítulo I
META:
 Realidades 3
 Capítulo 1
examenes
el fin
Capítulo 2
El arte:
El arte
la estatua
dibujar
pintar
el pintor
la pintura
el cuadro
colores y luz
amarillo, -a
anaranjado, ‘-a
azul
blanco, -a
claro, -a
gris
marrón
morado, -a
negro, -a
oscuro, -a
pastel
rojo, -a
rosado, -a
verde
vivo, -a
descripciones
aburrido
bonito
complicado
divertido
exagerado
fascinante
feo
horrible
interesante
mejor
moderno
peop
realista
sencillo
serio
triste
Materiales
El oro
El papel
La piedra
El plástico
La plata
Opiniones
A mí también
Tampoco
Creo que...
Estoy- no estoy de acuerdo
Me parece que...
No estoy seguro...
Para mi
Para ti para vos
¿Qué te parece?
Comparaciones
Mas.....que
Menos........que
Tan.....como
Adjectives agree in gender and in number with the
nouns they describe
Una estatua moderna
Un cuadro moderno
Exceptions
Un dibujo realista
Una pintora surrrealista
Palabras Importantes
La naturaleza muerta
Sentada
Parado
El mural
El pincel
La Palata
Fondo
Primer plano
La pintura
El autorretrato
Escultor
Escultora
Representar
Representa
Expresar
Sentimientos
Alegría
Ceramica
Pretérito vs. Imperfecto
 ...using them together
Este fin de semana tomé una clase de ceramica. Cuando
era niño, tomaba clases de escultura.
 Using the preterite to tell about past actions that
are complete
 Use the imperfect to tell about habitual actions
that happened in the past
Cuando era niño, las clases empezaban a las 5 de la
tarde.
Cultura
Cultura en repaso-
ARTISTAS LATINOAMERICANOS
Realidades 3 página 71
Carlos
Enriquez
Carlos Enríquez, el controvertido artista
cubano del pincel
Por Noel Martínez
Considerado como uno de los mejores
artistas de la plástica cubana de la primera
mitad del pasado siglo, Carlos Enríquez fue
sin duda un rebelde del pincel.
Nacido el 3 de agosto de 1900 en la
localidad de Zulueta, en la antigua provincia
de Las Villas, se destacó como nadie de su
tiempo en llevar al lienzo la belleza del
cuerpo femenino, razón por la que fue
criticado y reprimido por una burguesía
conspicua e hipócrita.
Pintor de grandes cualidades naturales,
Carlos Enríquez recibió un solo
entrenamiento académico, en un breve
curso en la Pensnsylvania Academy,
regresando a Cuba en 1925 acompañado
por Alice Neel, con quien se casó.
Dos años después de retornar, dos de sus
desnudos femeninos fueron retirados de la
Exposición de Arte Nuevo bajo la acusación
de “ un realismo exagerado ”, represión que
se repite poco después y que lo empuja a
salir de nuevo hacia el extranjero.
Europa y su influencia en la obra
pictórica de Carlos Enríquez
En la búsqueda de nuevos horizontes
creativos, Carlos Enríquez viajó a España y
Francia, países donde la proximidad a las
vanguardias influyó de manera positiva en
su obra.
Acerca de esa etapa en el Viejo Continente,
el famoso novelista Alejo Carpentier
aseguró que le despojó de toda su
potencialidad de escándalo y según los
críticos fue ese el momento artístico donde
Carlos Enríquez pintó sus mejores cuadros,
entre ellos Primavera bacteriológica,
Crimen en el aire con Guardia Civil y su
Virgen del Cobre, obra donde el tópico
afrocubano asume un sincretismo religioso,
símbolo del mestizaje antillano que se
contrapone a la imagen tradicional de la
Patrona de Cuba, dado por el cristianismo.
De regreso a La Habana en 1934, la
represión vuelve a sacar su mano oscura e
impide una exposición de las obras en su
etapa europea.
El romancero guajiro de Carlos Enríquez
Radicado definitivamente en Cuba, en 1935
Carlos Enríquez comienza a definir sus
nuevas orientaciones plásticas, las que
apuntaron al mundo rural de los cubanos,
etapa que identificó como“ el romancero
guajiro ”.
Sin abandonar el erotismo y la anatomía
femenina, sus cuadros recogen las
leyendas del campo, la imagen de héroes y
bandidos, el recuerdo de los patriotas y una
fina denuncia social.
En esa época vieron la luz obras
antológicas de la plástica criolla: Rey de los
Campos de Cuba, Las bañistas de la
laguna, El rapto de las mulatas,
Campesinos felices, Dos Ríos y
Combate, imágenes que lo ubican a la
vanguardia del modernismo cubano.
Ciento un año después de su nacimiento,
ocurrido el 3 de agosto de 1 900, hoy sus
cuadros forman parte de la memoria
histórica de la nación, recordando desde las
paredes del Museo Nacional de Bellas Artes
el triste pasado de Cuba.
-
Oswaldo Guayasamín
Oswaldo Guayasamín (6 de julio de
1919 en Quito; 10 de marzo de 1999 en Baltimore)
fue un destacado pintor ecuatoriano.
Biografía
El padre de Oswaldo Guayasamín era un indígena de
ascendencia kichwa y su madre (Dolores Calero) era
mestiza. Su padre (José Miguel Guayasamín)
trabajaba como carpintero y, más tarde, como taxista
y camionero. Oswaldo fue el primero de diez hijos.
Su aptitud artística despierta a temprana edad. Antes
de los ocho años, hace caricaturas de los maestros y
compañeros de la escuela. Todas las semanas
renueva los anuncios de la tienda abierta por su
madre. También vende algunos cuadros hechos
sobre trozos de lienzo y cartón, con paisajes y
retratos de estrellas de cine, en la Plaza de la
Independencia.
A pesar de la oposición de su padre, ingresa a la
Escuela de Bellas Artes de Quito. Es la época de la
"guerra de los cuatro días", un levantamiento cívico
militar, en contra del gobierno de Arroyo del Río.
Durante una manifestación, muere su gran amigo
Manjarrés. Este acontecimiento, que más tarde
inspirará su obra "Los niños muertos", marca su
visión de la gente y de la sociedad. Continúa sus
estudios en la Escuela y en 1941 obtiene el diploma
de pintor y escultor, tras haber seguido también
estudios de arquitectura.
En 1942 expone por primera vez a la edad de 23
años en una sala particular de Quito y provoca un
escándalo. La crítica considera esta muestra como un
enfrentamiento con la exposición oficial de la
Escuela de Bellas Artes. Nelson Rockefeller ,
impresionado por la obra, compra varios cuadros y
ayuda a Guayasamín en el futuro. Entre 1942 y 1943
permanece seis meses en EEUU. Con el dinero
ganado, viaja a México, en donde conoce al maestro
Orozco, quien acepta a Guayasamín como asistente.
También entabla amistad con Pablo Neruda y un año
después viaja por diversos países de América Latina,
entre ellos Perú, Brasil, Chile, Argentina y Uruguay,
encontrando en todos ellos una sociedad indígena
oprimida, temática que, desde entonces, aparece
siempre en sus obras. En sus pinturas posteriores
figurativas trata temas sociales, actuó simplificando
las formas. Obtuvo en su juventud todos los Premios
Nacionales y fue acreedor, a los 36 años, del Gran
Premio en la III Bienal Hispanoamericana de Arte,
que se llevó a cabo en 1955 en Barcelona1 y más
tarde del Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo.
Es elegido presidente de la Casa de la Cultura
Ecuatoriana en 1971 . Sus obras han sido expuestas
en las mejores galerías del mundo: Venezuela,
Francia, México, Cuba, Italia, España, EE. UU.,
Brasil, Colombia, Unión Soviética, China, entre
otros. En 1976 crea la Fundación Guayasamín, en
Quito, a la que dona su obra y sus colecciones de
arte, ya que concibe el arte como un patrimonio de
los pueblos.
En 1978 es nombrado miembro de la Real Academia
de Bellas Artes de San Fernando, de España, y un
año después, miembro de honor de la Academia de
Artes de Italia.
En 1982 se inaugura en el Aeropuerto de Barajas un
mural de 120 metros pintado por Guayasamín. Ese
gran mural, elaborado con acrílicos y polvo de
mármol, está dividido en dos partes: una de ellas
dedicada a España y la otra a Hispanoamérica.
El 28 de octubre de 1992 recibe el título de Doctor
Honoris Causa por parte de la Facultad de
Arquitectura y Artes de la Universidad Nacional
Pedro Henríquez Ureña (UNPHU).
Sus últimas exposiciones las inauguró
personalmente en el Museo del Palacio de
Luxemburgo, París y en el Museo Palais de Glace en
Buenos Aires, en 1995 . Logró exponer en museos
de la totalidad de las capitales de América, y muchos
países de Europa, como en San Petersburgo
(Hermitage), Moscú, Praga, Roma, Madrid,
Barcelona y Varsovia.
Realizó unas 48 exposiciones individuales y su
producción fue muy fructífera en pinturas de
caballete, murales, esculturas y monumentos. Tiene
murales en Quito (Palacios de Gobierno y
Legislativo, Universidad Central, Consejo
Provincial); Madrid (Aeropuerto de Barajas); París
(Sede de UNESCO); Sao Paulo (Parlamento
Latinoamericano en el Memorial de América
Latina); Caracas (Centro Simón Bolívar). Entre sus
monumentos se destacan "A la Patria Joven"
(Guayaquil, Ecuador); "A La Resistencia"
(Rumiñahui) en Quito.
Su obra humanista, señalada como expresionista,
refleja el dolor y la miseria que soporta la mayor
parte de la humanidad y denuncia la violencia que le
ha tocado vivir al ser humano en este monstruoso
Siglo XX marcado por las guerras mundiales, las
guerras civiles, los genocidios, los campos de
concentración, las dictaduras, las torturas.
Guayasamín fue amigo personal de importantes
personajes del mundo, y ha retratado a algunos de
ellos, como Fidel Castro y Raúl Castro, François y
Danielle Mitterrand, Gabriel García Márquez,
Rigoberta Menchú, el rey Juan Carlos de España, la
princesa Carolina de Mónaco, entre otros.
Recibió varias condecoraciones oficiales y
doctorados Honoris Causa de universidades de
América y Europa. En 1992 recibe el premio
Eugenio Espejo, máximo galardón cultural que
otorga el gobierno de Ecuador.
A partir de 1995 inició en Quito su obra más
importante, el espacio arquitectónico denominado
"La Capilla del Hombre", a la cuál le dedica todo su
esfuerzo. Falleció el 10 de marzo de 1999, en
Baltimore (Estados Unidos), aún sin ver finalizado
este proyecto.
Ese mismo año se reconoció su labor, de forma
póstuma, con: el reconocimiento como "Pintor de
Iberoamérica", el Premio Internacional José Martí.2 .
Resumen de su obra pictórica
Huacayñan:: Es la primera gran serie pictórica o
etapa. Es una palabra kichwa que significa “El
Camino del Llanto”. Es una serie de 103 cuadros
pintados después de recorrer durante 2 años por toda
Latinoamérica.
La Edad de la Ira: Esta es la segunda gran serie
pictórica o etapa. La temática fundamental de esta
serie son las guerras y la violencia, lo que el hombre
hace en contra del hombre
Mientras vivo siempre te recuerdo: es la tercera
gran serie o etapa, también conocida como “La Edad
de la Ternura”, es una serie que Guayasamín dedica
a su madre y las madres del mundo; y en cuyos
cuadros podemos apreciar colores más vivos que
reflejan el amor y la ternura entre madres e hijos, y
la inocencia de los niños.
Diego Rivera
Diego Rivera en 1932.
Nombre
Diego María de la Concepción Juan
completo
Nepomuceno Estanislao de Rivera y
Barrientos Acosta y Rodríguez
Nacimiento
8 de diciembre de 1886
Guanajuato
Fallecimiento
24 de noviembre de 1957 (70 años)
Ciudad de México
Nacionalidad
Área
mexicana
Pintor, muralista
Diego María Rivera (Guanajuato, 8 de diciembre de 1886 — Ciudad de México, 24 de
noviembre de 1957)1 fue un destacado muralista mexicano de ideología comunista, famoso por
plasmar obras de alto contenido social en edificios públicos. Fue creador de diversos murales en
distintos puntos del centro histórico de la Ciudad de México, así como en la Escuela Nacional de
Agricultura de Chapingo,2 y en otras ciudades mexicanas como Cuernavaca y Acapulco, así
también algunas otras del extranjero como San Francisco, Detroit y Nueva York.

Biografía
Mural en Acapulco, realizado por Diego Rivera.
Primeros años y vida en México
Su padre fue Diego Rivera y su madre María del Pilar Barrientos,3 nació el 8 de diciembre de
1886 en la ciudad de Guanajuato, al año y medio de nacido moriría su hermano gemelo Carlos
María.3 1 4 Diego fue registrado bajo el nombre de Diego María Rivera y bautizado como Diego
María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de Rivera y Barrientos Acosta y
Rodríguez.3 A partir de 1896 comenzó a tomar clases nocturnas en la Academia de San Carlos de
la capital mexicana, donde conoció al célebre paisajista José María Velasco. En 1905 recibió una
pensión del Secretario de Educación, Justo Sierra y en 1907 recibió otra del entonces gobernador
de Veracruz, Teodoro A. Dehesa Méndez, que le permite viajar a España a hacer estudios de
obras como las de Goya, El Greco y Brueghel;5 e ingresar al taller de Eduardo Chicharro en
Madrid.
En 1909 se trasladó a París donde conoció a Angelina Petrovna Belova, mejor conocida como
Angelina Beloff, pintora Rusa con quien inició una corta relación amorosa. A diferencia de José
Clemente Orozco, que fue un artista afiliado al Ejército Constitucionalista, específicamente con
el general Álvaro Obregón y de David Alfaro Siqueiros, que era oficial de alto rango, Diego
Rivera no tuvo una participación directa en el conflicto político y militar de la Revolución
Mexicana.[cita requerida]
A partir de entonces y hasta mediados 1916 alternó su residencia entre México, Ecuador,
Bolivia, Argentina, España y Francia, país en el cual tuvo los primeros contactos con los artistas
de Montparnasse. Tuvo acercamientos con Alfonso Reyes Ochoa, Pablo Picasso y Ramón María
del Valle-Inclán y en general con aquellos que participaron en las nuevas corrientes que en
Europa existían como el cubismo. Ese mismo año, en París, nació su primer hijo llamado Diego,
fruto de su unión con la pintora Angelina Beloff; sin embargo, el niño murió al año siguiente. En
1917, influido por las pinturas de Paul Cézanne, se introdujo en el postimpresionismo, logrando
captar la atención con sus acabados y vivos colores, a diferencia de otros muralistas mexicanos
que aún no cobraban popularidad.
Mural de Rivera mostrando la vida de los aztecas en el mercado de Tlatelolco. Palacio Nacional de
Ciudad de México.
En 1919 nació una hija con Marievna Vorobieva-Stebelska, Marika Rivera y Vorobieva, a la que
nunca reconocería pero sí sostendría económicamente. Hacia el año de 1920, y gracias al
entonces embajador de México en Francia, Alberto J. Pani, Rivera abandonó el país y emprendió
un viaje a Italia, donde comenzó el estudio del arte renacentista. Cuando Álvaro Obregón
designó a José Vasconcelos como secretario de educación, Diego Rivera regresó a México para
participar en las campañas emprendidas por Vasconcelos y en las cuales participó también con
los muralistas mexicanos José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo, así
como con el artista francés Jean Charlot.
En enero de 1922, comenzó a pintar su primer mural, en el Anfiteatro Simón Bolívar de la
escuela Preparatoria Nacional. La pintura de Rivera comienza a convertirse en un factor
considerable y de influencia para el Movimiento Muralista Mexicano y Latinoamericano. En
diciembre de ese mismo año se casó con Guadalupe Marín, también conocida como la "Gata
Marín", quien le fue presentada por Julio Torri mientras hacía el mural del Anfiteatro Bolívar en
la Universidad Nacional.7 Era una indígena mexicana de piel morena, larga cabellera negra y
ojos verdes.
Con ella tuvo dos hijas: Lupe, nacida en 1925 y Ruth, nacida en 1926. En septiembre de 1922
inició el fresco en la Secretaría de Educación Pública. Se convirtió también en el co-fundador de
la Unión de Pintores, Escultores y Artistas Gráficos Revolucionarios. Para ese mismo año, se da
uno de los acontecimientos que marcaría gran parte de la vida de Diego, su anexión al Partido
Comunista Mexicano, uno de los grandes factores influyentes dentro de su pintura. También se le
otorgaron los permisos necesarios para comenzar con las pinturas y murales del Palacio de
Cortés en Cuernavaca y en la Escuela Nacional de Agricultura, en Chapingo, así como en el
Palacio Nacional de la Ciudad de México, donde de 1929 a 1935 creó un ciclo narrativo sobre la
historia del país desde los tiempos de los aztecas hasta el siglo XX.
[editar] Vida en el extranjero
Diego Rivera con Frida Kahlo, su tercera esposa.
El hombre en el cruce de caminos (1934).
Hacia 1927, Rivera fue invitado a los festejos de los primeros diez años de la Revolución de
Octubre en la Unión Soviética, por lo que parte hacia la Ciudad Rusa de Moscú. Tras su divorcio
con Guadalupe Marín en 1928, contrajo terceras nupcias con la pintora Frida Kahlo en el año de
1929. Igualmente, este mismo año, fue expulsado del Partido Comunista Mexicano. Hacia 1930,
fue invitado a los Estados Unidos para la realización de diversas obras, donde su temática
comunista desataría importantes contradicciones, críticas y fricciones con los propietarios, el
gobierno y la prensa estadounidense.
Las más destacadas pinturas de Rivera en aquel país se encuentran en el San Francisco Art
Institute -Escuela de Arte de San Francisco- así como en el Instituto de Artes de Detroit.
Hacia 1933, se da uno de los sucesos más controvertidos en su vida. Cuando el industrial John D.
Rockefeller Jr. contrata a Rivera para pintar un mural en el vestíbulo de entrada o "lobby" del
edificio RCA en la ciudad de Nueva York. Este era el edificio principal de un conjunto de
construcciones que se habría de denominar como Rockefeller Center.
El edificio, situado en Fifth Avenue, una de las avenidas más famosas, se posicionaba como uno
de los emblemas más importantes del capitalismo. Diego Rivera, diseñó para esta ocasión, el
mural denominado El hombre en el cruce de caminos o El hombre controlador del universo.
Pero cuando Rivera se encontraba a punto de completarlo, incluyó un retrato de Lenin. La
reacción de la prensa y la controversia que suscitó el retrato de Lenin, fue inmediata y vocífera.
Rockefeller, vio el retrato como insulto personal y mandó cubrir el mural y más tarde ordenó que
fuera destruido. Rivera poco después regresó a México en 1934, donde pintó el mismo mural El
hombre en el cruce de caminos" en el tercer piso del Palacio de Bellas Artes de México.8
Monumento a Diego Rivera en la Plaza de San Jacinto en San Ángel.
Sepulcro de Diego Rivera en la Rotonda de las Personas Ilustres.
En 1936 solicita al presidente Lázaro Cárdenas del Río, el asilo político de León Trotsky en
México que se concreta el año siguiente, recibiéndolo en la Casa Azul de Frida Kahlo. Para 1940
ya se había distanciado del célebre disidente ruso y se había divorciado de Frida Kahlo,
volviéndose a casar con ella a finales de ese año. En 1943 fue miembro fundador de El Colegio
Nacional.9
Hacia 1946, pintó una de sus obras más importantes, Sueño de una tarde dominical en la
Alameda Central en el entonces recién construido Hotel del Prado de la Ciudad de México.
También integra junto con José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, la comisión de
Pintura Mural del Instituto Nacional de Bellas Artes.8
En 1950 ilustró Canto General de Pablo Neruda y ganó el Premio Nacional de Ciencias y Artes
de México.10 En 1952 realizó el mural denominado "La Universidad, la familia mexicana, la paz
y la juventud deportista" del Estadio Olímpico Universitario (UNAM), en la ciudad de México y
en 1955 ante la muerte de Frida Kahlo en junio del año anterior, se casó con Emma Hurtado y
viajó a la Unión Soviética para ser intervenido quirúrgicamente. Falleció el 24 de noviembre de
1957 en San Ángel, Ciudad de México en su casa estudio, actualmente conocida como Museo
Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo y sus restos fueron colocados en la Rotonda de las
Personas Ilustres, contraviniendo su última voluntad.11 En el Mural que se encuentra en el cubo
de las escaleras del Palacio Nacional, Diego Rivera pintó a sus esposas y amigos. Cristina Kahlo,
hermana menor de Frida -y aparentemente amante de Diego- se encuentra pintada a un lado de
Frida Kahlo. Igualmente hizo una pintura de su gran amiga María Cecilia Armida Baz (Machila)
a quien le decía Machilxóchitl.
En 1953 el muralista Diego Rivera creó una de sus más grandes obras, se encuentra en el Teatro
de los Insurgentes12 en la Ciudad de México, dicha obra tiene un gran significado histórico, cada
una de las imágenes representan parte de la historia de México. El mural esta hecho de teselas de
vidrio esmaltadas sobre placas de la marca Mosaicos Venecianos,13 la colocación estuvo a cargo
del maestro Luigi Scodeller.
En un primer plano encontramos el teatro, representado por el antifaz y las manos en mitones,
con el día y la noche como símbolo de la dualidad. Detrás de este símbolo se encuentra un
escenario donde al centro se representa a Mario Moreno Cantinflas, un comediante popular
mexicano, éste personaje se encuentra recibiendo dinero de las clases pudientes de la sociedad
mexicana representadas por capitalistas, militares, el clérigo y una cortesana, y repartiéndolo a
los pobres que se encuentran de su lado izquierdo representando a las clases desprotegidas.
Detrás de dicho escenario se encuentra la antigua Basílica de Guadalupe.
De lado izquierdo del mural se encuentra en repetidas ocasiones las imágenes de Maximiliano y
Carlota, y junto a ellos personajes de la historia mexicana como Benito Juárez, el cura Miguel
Hidalgo, José María Morelos y Pavón, Hernán Cortes, y Juan Ruiz de Alarcón, dichos personajes
se encuentran mezclados con personajes típicos de las pastorelas mexicanas como los son el
Diablo y el Arcángel. Del lado izquierdo en la parte baja se encuentran las imágenes de músicos
populares representantes de la cultura mexicana y una pareja bailando el jarabe tapatío. Del lado
contrario, se encuentra una mezcla de escenas de la revolución mexicana y de la época
prehispánica, representadas por músicos, sacerdotes y un jaguar. Sin duda es una de las obras
más representativas de la historia de México, y del arte del muralista Diego Rivera.
Coyoacán,
México, 1907-id.,
1954)
Pintora mexicana. Aunque se movió en
el ambiente de los grandes muralistas
mexicanos de su tiempo y compartió
sus ideales, Frida Kahlo creó una
pintura
absolutamente
personal,
ingenua y profundamente metafórica al
mismo tiempo, derivada de su exaltada
sensibilidad y de varios acontecimientos
que marcaron su vida.
Frida Kahlo
A los dieciocho años Frida Kahlo sufrió
un gravísimo accidente que la obligó a
una larga convalecencia, durante la
cual aprendió a pintar, y que influyó
con toda probabilidad en la formación
del complejo mundo psicológico que se
refleja
en
sus
obras.
Contrajo
matrimonio con el muralista Diego
Rivera, sus obras más valoradas: Henry
Ford
Hospital,
cuya
compleja
simbología
se
conoce
por
las
explicaciones de la propia pintora.
También son muy apreciados sus
autorretratos, así mismo de compleja
interpretación: Autorretrato con monos,
Las dos Fridas.
Cuando André Breton conoció la obra
de Frida Kahlo dijo que era una
surrealista espontánea y la invitó a
exponer en Nueva York y París, ciudad
esta última en la que no tuvo una gran
acogida. Nunca se sintió cerca del
surrealismo, y al final de sus días
decidió que esa tendencia no se
correspondía con su creación artística.
Autorretrato de Frida Kahlo
En su búsqueda de las raíces estéticas
de
México,
Frida
Kahlo
realizó
espléndidos retratos de niños y obras
inspiradas en la iconografía mexicana
anterior a la conquista, pero son las
telas que se centran en ella misma y en
su azarosa vida las que la han
convertido en una figura destacada de
la pintura mexicana del siglo XX.
Alfonso Fernande
Alfonso Fernández en Galería
de Arte Patricia Ready /
Homenaje a la Familia
Expositor: Alfonso Fernández
Lugar: Galería de Arte Patricia
Ready (Av. La Dehesa 2035,
esquina El Rodeo – Lo Barnechea)
Técnica:
escultura,
grabado,
pintura,
técnica
mixta
Fecha : 7 de septiembre al 15 de
octubre
2005
Horario: lunes a viernes 10:30 a
20:00,
sábado:
10:30
a
14:00
hrs.
Entrada: liberada
La nueva obra que nos trae Alfonso Fernández
traza un camino ya iniciado que apunta hacia la
introspección y la intimidad, la cual va más allá de
la superficie. Esta renovada óptica surge a partir
de un gran mural que el artista elaboró en gres
cerámico y fierro, cuyo tema es la familia. Desde
entonces, su investigación amplió su espectro
hacia la escultura, en forma simultánea a las
disciplinas tradicionales.
Pintura, pastel, acrílico y óleo
sobre tela, dibujo al carbón sobre
papel en formato grande y
mediano, esculturas en gres
cerámico y metal, abordan este
ámbito vinculado a la energía y
calidez del hogar. También nos
presenta una serie de grabados
realizados con punta seca junto a dibujos con tinta
china, acuarela, grafito, carbón, pastel y acrílico en
pequeño formato, que se constituyen en los
estudios acerca del homenaje a la familia,
completando así los distintos pasos que originaron
este tema relacionado con los afectos y el espacio
interior.
Figuras entrelazadas que afloran de lo subjetivo y
paisajes que aluden al entorno que le rodea, son
parte de este nuevo modo de expresión que el
artista desarrolla.
El libro sobre su obra y
parte de esta muestra se
exhibirá también en la
Universidad de San Louis,
Missouri y la Universidad de
Kentucky,
Lexington,
EE.UU.
Además
Alfonso
Fernández realizará una
pasantía como artista en
residencia en estas dos instituciones, a
contar de la última semana de Enero del
año 2006, participando del segundo
semestre académico norteamericano.
Textos libro Alfonso Fernández
Alfonso Fernández A. : Vivencias e
imágenes.
En el taller es donde se arma todo.
Alfonso Fernández no tiene tan claro
como se da este proceso, pero es una
mezcla entre sus vivencias, lo que ve en
la calle y la manera como se conecta
emocionalmente con ciertas imágenes
que le resultan significativas. Ahí es
donde surge el código de entrada de las
figuras, que toman forma y adquieren
sentido en su obra. Porque aquello que
fluye en su trabajo artístico, recrea una
experiencia vivida. De ahí que, cuando se
observan las obras del artista, se percibe
que detrás de cada imagen hay una
verdad en la que, como espectadores,
nos sentimos capturados.
Alfonso fernandez
REFERENCIAS BIOGRAFICAS
Artista visual chileno, grabador y
pintor. Inició sus estudios artísticos en
1987 en el taller de dibujo y pintura del
profesor César Osorio de la Universidad
de Chile en Santiago. Aprendió técnicas
de grabado al intaglio, litografía,
fotograbado y serigrafía en el Taller 99
de Santiago. En 1993 participó en e
lTaller Internacional del Tamarind
Institute de la Universidad de Nuevo
México (Aburquerque) Estados Unidos y
fue invitado por el Departamento de
Grabado de la Facultad de Bellas Artes
de la misma casa de estudios donde
integró el Programa de Entrenamiento
en Litografía hasta el año 1995
Las técnicas utilizadas en distintas
etapas creativas partieron por el
grabado, continuando con la pintura y
luego una combinación de ambas,
logrando efectos de gran expresividad,
como tintas sobre planchas de zinc y de
cobre, raspando, martillando y
taladrando el soporte.
Para Alfonso Fernández su búsqueda
estética lo ha conducido al dominio de
la técnica hasta configurar una
personalidad pictórica propia,
observándose una suerte de
complementación entre la gráfica del
grabado y el color del pigmento, en
busca de una armonía entre ambas. Su
oficio ha estado marcado por una
actitud rupturista e inquieta que lo
identifica con una personalidad en
extremo exigente.
En el 2000 fue invitado a trabajar con
el artista visual Sam Gilliam, en
Washington, D.C. Estados Unidos.
Durante una estadía en el Zygote Press
en Cleveland, Ohio, tomó contacto con
sus pares, contrastando tendencias.
Fin de la historia de los artistas latinoamericanos
Diego Rodriguez de Silva y Velazquez
(1599-1660)
Diego Velázquez
Velázquez se autorretrató en 1656 en su cuadro más emblemático, Las
Meninas. Se representó pintando. En las mangas de su vestido y en su
mano derecha se aprecia su estilo final rápido y abocetado. En su paleta
distinguimos los pocos colores que utilizaba en sus pinturas. La cruz de
la Orden de Santiago que lleva en su pecho fue añadida al cuadro
posteriormente.
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, hacia el 5 de junio de
15991 – Madrid, 6 de agosto de 1660), conocido como Diego
Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos
exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal.
Pasó sus primeros años en Sevilla, donde desarrolló un estilo naturalista
de iluminación tenebrista, por influencia de Caravaggio y sus
seguidores. A los 24 años se trasladó a Madrid, donde fue nombrado
pintor del rey Felipe IV y cuatro años después fue ascendido a pintor de
cámara, el cargo más importante entre los pintores de la corte. A esta
labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo consistía en pintar retratos
del rey y de su familia, así como otros cuadros destinados a decorar las
mansiones reales. La presencia en la corte le permitió estudiar la
colección real de pintura que, junto con las enseñanzas de su primer
viaje a Italia, donde conoció tanto la pintura antigua como la que se
hacía en su tiempo, fueron influencias determinantes para evolucionar a
un estilo de gran luminosidad, con pinceladas rápidas y sueltas. En su
madurez, a partir de 1631, pintó de esta forma grandes obras como La
rendición de Breda. En su última década su estilo se hizo más
esquemático y abocetado alcanzando un dominio extraordinario de la
luz. Este periodo se inauguró con el Retrato del papa Inocencio X,
pintado en su segundo viaje a Italia, y a él pertenecen sus dos últimas
obras maestras: Las Meninas y Las hilanderas.
Su catálogo consta de unas 120 o 125 obras. El reconocimiento como
pintor universal se produjo tardíamente, hacia 1850.2 Alcanzó su
máxima fama entre 1880 y 1920, coincidiendo con los pintores
impresionistas franceses, para los que fue un referente. Manet se sintió
maravillado con su pintura y lo calificó como «pintor de pintores» y «el
más grande pintor que jamás ha existido». La parte fundamental de sus
cuadros que integraban la colección real se conserva en el Museo del
Prado en Madrid.
ENSAYOS
1. ¿Qué es
teotihuacán?
2. Describa Ud. la cultura de
3. Describa
Tenochtitlán
4. Describa la
5. Describe
Los Aztecas
conquista le los Castellanos
el período colonial
6. ¿Qué es el significado de La
Vírgin de
Guadalupe?
7. ¿Quienes son los
8. ¿Qué hizo
9. ¿Qué es
CRIOLLOS?
Hernán Cortés?
el Porfiriato?
10. ¿Qué es
La Revolución Méxicana?
El Regalo
BONUS
Why do Mexicans spell the name of their country
Using the X
and not MÉJICO
using the
J
as it it spelled in Spain.....
What is
Xochimilcho?
What is a
CACIQUE
?
MÉXICO
Mini-lección 12-15
minutos en casa
Home Journal!
En el cuaderno en casa.
Capítulo 1
ENSAYOS
TAREA
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