la creatividad de picasso en la educación plástica y visual

LA CREATIVIDAD DE PICASSO EN LA EDUCACIÓN
PLÁSTICA Y VISUAL
Autor: Inocente Soto Calzado
RESUMEN
El ejemplo creativo de Pablo Picasso ha condicionado todo el desarrollo del
arte en el siglo XX, extendiendo su influencia hasta la actualidad. La Educación
Plástica y Visual debe de aprovechar su impresionante obra como paradigma para las
nuevas generaciones. Su labor en los diversos campos artísticos nos ilustra al
respecto y nos da las pautas para su inclusión en el currículo educativo.
PALABRAS CLAVE
Picasso Arte Pintura Creatividad Educación
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) nace en Málaga el 25 de octubre de 1881, hijo
de un profesor de dibujo de la Escuela de Artes y Oficios de San Telmo. Inmerso
desde su infancia en un ambiente artístico a través de su familia, a la edad de ocho
años pintará su primer cuadro (El pequeño picador).
En 1891 la familia, con Picasso y sus dos hermanas, se traslada a La Coruña a
causa del nuevo trabajo del padre en el Instituto de Artes y Oficios de la ciudad, donde
estudiará el pequeño. Allí comienzan a destacar sus cualidades, realizando sus
primeras pinturas bajo la dirección paterna. En 1894 sitúan los biógrafos la renuncia
del padre a seguir con la pintura y la entrega solemne de sus bártulos a la nueva
promesa, un acto simbólico por parte de un pintor de género especializado en los
cuadros de palomas. Escribe e ilustra diarios y periódicos de su invención, como La
Coruña y Azul y Blanco.
En 1895 un nuevo cambio de destino del progenitor, en la Escuela Provincial
de Bellas Artes de la Lonja, lleva a la familia a instalarse en Barcelona, donde el joven
es admitido en el curso superior de dibujo tras aprobar brillantemente el examen. Entra
en contacto con los artistas catalanes más avanzados. A los catorce años ha pasado
de practicar con una técnica impecable la pintura finisecular heredada de los maestros
valencianos afincados en Málaga como Muñoz Degrain (1841-1924) a recibir las
nuevas influencias parisinas de Steinlen (1859-1923) o Toulouse-Lautrec (1864-1901)
a través de los consejos de Ramón Casas (1866-1932). A través del ambiente del
café Els Quatre Gats Picasso vivirá la cultura del Noucentisme y aprovechará las
enseñanzas de sus figuras más destacadas.
En 1897 aprueba los exámenes de ingreso para los cursos superiores en la
Real Academia de San Fernando de Madrid, aunque antes de que acabe el año
abandonará descontento con el sistema de enseñanza, regresando a Barcelona. A
pesar de su encontronazo académico, la breve estancia, junto con un anterior viaje de
1895 lo familiariza con la gran pintura española del Prado, Museo del que las
desdichas de la Guerra Civil le harán Director honorífico.
A partir de 1898 irá suprimiendo en su firma el apellido paterno o bien
abreviándolo con la inicial, para abandonarlo definitivamente en 1901 por el famoso
apellido materno. Ya ha ganado con sus cuadros algunas medallas de oro en Málaga y
menciones honoríficas, como la de la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid
por Ciencia y Caridad, ha realizado su primera escultura y su primer aguafuerte,
además de ilustraciones para revistas, algunas de las cuales –como Arte Joven– lo
tienen incluso como director artístico. Ha realizado dos viajes a París. Es la fecha en la
que la mayoría de autores hacen terminar sus años de aprendizaje o período de
formación. A pesar de haber vivido la pintura académica y consagrada de Málaga, La
Coruña, Madrid o Barcelona, tan previsible, sus intereses personales lo han llevado al
descubrimiento de la emergente pintura europea de vanguardia, representada a finales
de siglo por el modernismo y el simbolismo.
La época azul es el nombre que recibe el progresivo monocromatismo que va
mostrando su pintura, de colores fríos y temática mísera, dominada por la pobreza, la
soledad y la vejez, con trabajadores cansados, mendigos, prostitutas, ancianos, ciegos
y alcohólicos representados filiformemente, adecuación del tratamiento formal a una
temática desgarrada. Realiza un tercer viaje a París en 1902, antes de dejar Barcelona
definitivamente dos años después e instalarse en la capital francesa. Allí se relaciona
con varios escritores franceses, entre los que destaca Guillaume Apollinaire (18801918), con el que mantendrá una estrecha relación.
En 1904 se fija el comienzo de la denominada época rosa, donde la
monocromía anterior será sustituida por tonos cálidos y una temática circense y
deudora de la Comedia del Arte, con el arlequín como centro. Esta estética lo ocupará
hasta 1907, con un viaje a Holanda en 1905 y el descubrimiento del arte ibérico
gracias a la exposición de 1906 en el Museo del Louvre. Marchantes como el ruso
Serguei Schtschukin o el francés Ambroise Vollard solucionan sus problemas
económicos, y su amistad con Gertrude Stein (1874-1946) le ayuda a relacionarse con
artistas como Henri Matisse (1869-1954), al mismo tiempo que lo apoya adquiriendo
algunas de sus obras.
A partir del viaje a Gosol en 1906 se dará el llamado protocubismo, que en
1907 –tras más de ochocientos bosquejos y versiones– verá nacer Las señoritas de
Aviñón, el primer cuadro cubista, ejecutado antes de conocer a Georges Braque
(1882-1963), que a partir de serle presentado por Apollinaire se convertirá en amigo y
cooperante en el desarrollo del nuevo estilo. Las esculturas africanas serán una nueva
influencia. El viaje a Horta de Ebro en 1909 significará una evolución de la nueva
forma de pintar. Desde 1908 y hasta 1912, Braque y Picasso desarrollan el cubismo
analítico, con el abandono de la perspectiva central y el facetado de las figuras,
descomponiendo y analizando las formas en esta primera fase del cubismo, con una
paleta fundamentalmente monocroma y una temática basada en la naturaleza muerta,
junto a algunos retratos. En las composiciones irán apareciendo tipografías,
introducidas anteriormente por Braque. En 1910 realiza la primera escultura
estrictamente cubista: Cabeza de mujer. Trabaja también ilustraciones para una
novela de Max Jacob (1876-1944) al aguafuerte. Las técnicas de grabado y la
ilustración serán uno de los varios campos artísticos cultivados a lo largo de su vida.
1912 es la fecha que se suele dar como comienzo del cubismo sintético, una
fase más decorativa y donde el color juega un papel más destacado, con su primer
collage: Naturaleza muerta con trenzado de silla. Realiza también la primera
construcción espacial: Guitarra. Tomado de Braque, utiliza el papier collé, la
introducción de materiales (especialmente distintos tipos de papel) en el cuadro
mediante pegado,. Los cuadros se van poblando de enigmáticas formas y de ilusiones
ópticas, con trozos de periódicos, etiquetas, textos sobre papel y dibujados encima con
carboncillo. El 2 de agosto de 1914 estalla la Primera Guerra Mundial, convirtiéndose
de pronto el artista, en ese clima bélico, en un extranjero con una difícil posición en un
país que no es el suyo y con amigos y marchantes alemanes.
Aunque las distintas biografías hagan fluctuar los años, cubismo y clasicismo
conviven aproximadamente a partir de 1915. Un buen ejemplo de la llamada
simultaneidad de estilos es la famosa composición de 1920 Estudios, donde podemos
observar trabajos figurativos junto a naturalezas muertas cubistas. Los diferentes
exégetas han denominado el nuevo estilo clasicismo, neoclasicismo o ingresco. Se
resalta en esta época su viaje italiano con visitas a Pompeya, Napolés y Florencia en
1917, y su relación con el poeta Jean Cocteau (1889-1963). En esta época empieza
también su fructífera colaboración con el mundo del teatro y del ballet, realizando
escenografías, vestuarios o telones, como en Parade (1917), El sombrero de tres
picos (1919), Pulcinella (1920), Cuadro flamenco (1921), Antígona (1922), Mercure
(1924) y El tren azul (1924).
En 1924 su relación con el surrealismo pasa por el homenaje tributado por los
artistas del movimiento como defensa ante las malas críticas recibidas por su
colaboración en Mercure, aunque ya el año anterior había colaborado con un
aguafuerte en la edición del libro del Papa surrealista, André Breton (1896-1966). Es a
partir de estos años donde los críticos distinguen características del surrealismo en el
trabajo picassiano, algunos hablando de metáforas y dramas interiores; es también el
período más psicoanalizado, donde todos describen las tensiones vitales del artista
unidas a su vida amorosa, cerrando dicha etapa simbólicamente en 1936, antes de
Guernica. En 1925 participa en la primera exposición colectiva de pintura surrealista.
Aparecen en su obra bañistas monstruosas y contenidos claramente sexuales, junto a
los temas del pintor y la modelo; trabaja en ilustraciones para La obra maestra
desconocida de Balzac; su collage de 1928 Minotauro introduce un tema al que
recurrirá en los años siguientes; aquí aparecen también una serie de obras de
pequeño formato y fuerte colorido conocidas como período de Dinard. Son rechazados
sus proyectos para un monumento a Apollinaire. Va a comenzar su trabajo escultórico
en metal a partir de la relación con Julio González (1876-1942), que dará lugar a obras
como La mujer en el jardín. En 1930 termina el cuadro La crucifixión; realizará
grabados para Las Metamorfosis de Ovidio. Tienen lugar importantes exposiciones
relacionadas con el artista en América del Norte.
1931 comienza con exposiciones en Nueva York, París y Londres. Tristan
Tzara publica un artículo sobre los papier collés de Picasso en Cahiers d’Art. En
mayo habilita un gran taller para su trabajo escultórico en el castillo de Boisgeloup,
comprado el año anterior; allí ejecutará esculturas, dibujos y grabados con los mismos
temas, en especial el de escultor y modelo; realiza también ensamblajes con alambre
y objetos de metal, así como alargadas estatuillas en madera. El verano lo pasa en
Juan-les-Pins, donde graba escenas eróticas que formarán parte de la Suite Vollard.
En otoño continúa trabajando la escultura. El 25 de octubre se acaban de imprimir los
treinta aguafuertes de Las Metamorfosis, publicada por Skira. El 12 de noviembre se
imprimen los trece aguafuertes y los sesenta y siete grabados en madera (tomados
éstos de un cuaderno de dibujos de 1924) para la edición de Vollard de La obra
maestra desconocida. En los próximos años dedicará una gran parte de su tiempo al
grabado. Sigue ejecutando obras de temática diversa. En 1932 Zervos edita el primer
tomo de su catálogo fundamental sobre las obras de Picasso, abarcando desde 1895
a 1906. En 1933 Bernhard Geiser publica el primer tomo de su catalogación dedicada
a la obra gráfica, reseñando su producción desde 1899 a 1931. Aparece el 1 de junio
de 1933 el primer número de la revista surrealista Minotaure, con portada de Picasso.
En 1934 se edita Lisístrata, con seis aguafuertes y un número de litografías
realizadas a partir de los dibujos de Picasso. Entre junio y septiembre domina el tema
de las corridas de toros en pinturas, dibujos y grabados. En el verano disfruta de un
extenso viaje por España, recorriendo Irún, San Sebastián, Burgos, Madrid (El
Escorial), Toledo (viendo los cuadros del Greco, al cual había descubierto en 1901) y
Zaragoza. En los primeros días de septiembre regresa a Barcelona, donde visita el
Museo de Arte de Cataluña y sus pinturales murales románicas. Se publica el volumen
de poesías de Benjamin Péret De derriére les fagots, con el aguafuerte de Picasso
La muerte de Marat. En septiembre también aparece Minotauro ciego guiado por
una niña, I, al que seguirán otras obras con la misma temática. También con un
aguafuerte se edita Petite anthologie poétique du Surréalisme, de Georges Hugnet.
Los últimos años de esta etapa surrealista, conocidos por la definición
picassiana en lo tocante a su vida personal como los peores años de su existencia,
coincidentes con la separación de su mujer, ven una crisis pictórica en 1935, que lo
lleva a la escritura, de corte surrealista. Es el momento en el que solicita el auxilio de
Jaime Sabartés, su viejo amigo barcelonés que a partir de entonces se convertirá en
su fiel secretario.
Estalla la Guerra Civil española el 18 de julio de 1936, y Picasso apoya sin
reservas al Gobierno republicano, siendo nombrado director del Museo del Prado. Con
el título de los años de la guerra muchas obras biográficas agrupan los distintos
acontecimientos históricos que jalonan la tercera y cuarta décadas del siglo: La Guerra
Civil Española, la Segunda Guerra Mundial, la ocupación de París, la liberación e
incluso la postguerra. En 1937 colabora con el Gobierno republicano en el Pabellón
Español de la Exposición Internacional de París, realizando como encargo Guernica y
acompañándolo de varias esculturas y de la edición de los grabados de Sueño y
Mentira de Franco. El dramatismo en su pintura se observa en las mujeres que lloran,
anteriores y posteriores al gran cuadro mural. En 1939 aparece la violencia en su serie
de cuadros Gato atrapando un pájaro y Gato devorando un pájaro. Soldados
franceses acuartelados en Boisgeloup destruyen y mutilan algunas de sus esculturas.
París es ocupado en junio de 1940. Hasta el final de la ocupación alemana no podrá
abandonar la capital francesa. Escribe El deseo atrapado por la cola. Muere en 1942
Julio González, y aparecen en sus naturalezas muertas cráneos como homenaje al
amigo; Vollard publica la Historia Natural, con las treinta y una aguatintas. Tras la
liberación de París el 25 de agosto de 1944 ingresa en el Partido Comunista de
Francia en octubre. Realiza en 1945 El osario, para algunos continuación de su
cuadro antibelicista más famoso; diseña el telón para el ballet Le Rendez-vous.
Conoce a Mourlot, impresor litográfico que lo introducirá en la nueva técnica de
grabado.
A partir de 1946 su vida y su obra se ligará a la Costa Azul francesa. Con la
cesión del trabajo que realiza durante varios meses en unas dependencias del Museo
de Antibes se funda el Museo Picasso de la localidad. En 1947 sigue creando nuevas
litografías, utilizando nuevos procedimientos y representando lechuzas, faunos,
centauros, bacantes y palomas; además, en el taller Madoura, perteneciente a
Georges Ramié, comienza su conocimiento de la cerámica, sorprendiendo con ideas
propias en la técnica, la coloración y las formas novedosas de recipientes, jarros y
platos. Diseña también los escenarios del Edipo de Sófocles. En 1948 continúa su
trabajo con la cerámica en Vallauris, y para una exposición de ellas diseña su primer
cartel; sigue ilustrando libros con grabados, como El Canto de los muertos de
Reverdy o Veinte poemas de Góngora. En 1949, una litografía de una paloma elegida
por Louis Aragon como cartel del Congreso Mundial de la Paz se hace mundialmente
famosa. Crea nuevas esculturas ensambladas. Mourlot publica el primer tomo de la
catalogación de la obra litografiada, correspondiente a los años 1919 a 1947.
1950 comienza con cuadros cuyos protagonistas son sus hijos, además de
realizar variaciones sobre obras de Courbet (Señoritas a orillas del Sena) y del
Greco (Retrato de un pintor). Continúa las esculturas a base de ensamblajes, como
Cabra, Mujer con cochecito, Niña jugando a la comba y Mujer encinta (esta última
es vaciada en 1959). En cerámica realiza varias versiones sobre el tema de la lechuza.
Es nombrado ciudadano de honor de Vallauris, y en agosto es colocado en el pueblo
el bronce Hombre del cordero (realizado en 1944), regalado por Picasso. Sigue con
las ilustraciones de obras literarias: Corps perdu de Aimé Césaire, De mémoire
d’homme de Tristan Tzara, L’âge de soleil de Robert Godet, Une visite à Vallauris
de René Batigne y Georges Salles. Se publica el segundo tomo de Mourlot, que
corresponde a los años 1947-1949, con dos litografías originales. En octubre asiste a
la 2ª Conferencia de Paz en Sheffield, Inglaterra (el cartel es una litografía de una
paloma en vuelo realizada el nueve de julio). En noviembre recibe el premio Lenin de
la Paz.
En 1951 pinta Masacre en Corea como protesta contra la invasión de EEUU.
En 1952 prepara dos enormes pinturas murales denominadas La guerra y La paz,
que termina a final de año y que serán colocadas dos años más tarde en el Templo de
la Paz de Vallauris según una idea suya (será filmado por Luciano Emmer). Finaliza la
pieza teatral Cuatro niñitas, que comenzó en 1947 y que será editada en 1968. En
1953 rompe con el Partido Comunista francés; Sabartés dona su biblioteca al Museo
de Málaga y su colección de obras de Picasso a Barcelona; trabaja el tema del pintor y
la modelo.
En 1954 comienza una época caracterizada por la visita a la obra de los
clásicos y su interpretación, además de continuar incansablemente con el tema del
pintor y la modelo, sumándole motivos circenses y mitológicos, junto a su nueva
pareja, que en 1962 será modelo para una serie de sesenta retratos repartidos entre
cuadros, dibujos, cerámicas y grabados. Las variaciones sobre Mujeres de Argel de
Delacroix constarán finalmente de quince cuadros y dos litografías. En 1955, con la
completa colaboración del pintor, Henri-Georges Clouzot rueda El misterio Picasso –
estrenada un año más tarde en el festival de Cannes–, que lo mostrará dibujando y
pintando varios cuadros. Realiza en 1956 ensamblajes en madera (Bañistas), además
de las visiones del taller. En 1957 dominan los temas españoles, tanto en los veintiséis
grabados de La Tauromaquia como en las cincuenta y ocho variaciones de Las
Meninas de Velázquez, las cuales serán donadas en 1968 al Museo Picasso de
Barcelona, en homenaje al fallecido Sabartés. También aceptará el encargo de
UNESCO para realizar la gran pintura mural de cien metros cuadrados que se conoce
como La caída de Ícaro y que será colocada al año siguiente en el edificio
administrativo de París. Su colaboración con el escultor Carl Nesjar y la nueva técnica
de escultura con hormigón le posibilitará realizar los frisos del Colegio Oficial de
Arquitectos de Barcelona (en 1960, inaugurados en 1962) y construir monumentos
públicos de grandes dimensiones. A su virtuosismo técnico le sumará su trabajo con el
linóleo en el campo del grabado, desarrollando varias técnicas, entre ellas la de
plancha perdida. En 1959 escribe el extenso poema en español Trozo de piel,
publicado en 1961; sus variaciones tomarán ahora la obra de Edouard Manet (18321883) Merienda en el campo como eje, desarrollándola a través de los dos años
siguientes en forma de dibujos, cuadros y grabados; asoman los temas mediterráneos
de bacanales, centauros y faunos en sus grabados. En 1960 desarrolla una nueva
técnica tridimensional, partiendo de modelos de cartulina recortada y doblada, para
realizar posteriormente grandes esculturas de chapa cortada, plegada y pintada, como
Futbolista, de 1962. El año 1961 es el del comienzo de otras de sus variaciones, en
este caso a partir de El Rapto de las Sabinas de Jacques-Louis David, con bosquejos
al principio para seguir con cuadros al año siguiente; David Douglas Duncan publica
Los Picassos de Picasso, que saca a la luz obras hasta entonces desconocidas del
pintor. Mientras prosigue incansable su obra, en 1962 recibe por segunda vez el
Premio Lenin de la Paz, y en 1963 es inaugurado el Museo Picasso de Barcelona, al
cual beneficiará en 1970, sumando a la donación de Las Meninas en 1968 la cesión
de todos los cuadros y esculturas que la familia conservaba en la ciudad. Inspirado en
Betsabé bañándose de Rembrandt trabaja con lápices de colores numerosos
dibujos.Aparecen nuevos temas en su obra, como la familia y el hombre que lleva un
niño o que come una sandía. Tras la convalecencia por una operación de úlcera,
vuelve paulatinamente a la actividad, primero con el dibujo para después pasar a la
pintura, abordando temas alegres y humorísticos, con comedores de sandía, flautistas
y mosqueteros, y regresa al grabado; continuará con mitologías, figuras desnudas y
abrazos y besos. En 1968 aparecen dibujos inspirados en El baño turco de Ingres.
Como prueba de vitalidad y capacidad creativa, entre marzo y octubre realiza la
conocida como Suite 347, conjunto excepcional de obras de igual número que su
denominación, donde los motivos se reparten entre el circo, los toros, el teatro, el
humor y el erotismo. A este esfuerzo seguirá al año siguiente su dedicación a la
pintura, además de la edición con grabados originales de su propio escrito –realizado
de 1957 a 1959– El entierro del conde de Orgaz. Su actividad es incesante en el
dibujo, la pintura y el grabado, manteniéndose activo hasta la noche antes de su
muerte, el 8 de abril de 1973 en Mougins, en su villa Notre-Dame-de-Vie, a la edad de
91 años.
Pablo Picasso no sólo llegó a ser el prototipo del artista-héroe para las
vanguardias de principios del siglo XX, sino que en las siguientes décadas se convirtió
en una celebridad para todo tipo de público, con una consideración especial como
héroe cultural, una posición difícil, ante los ojos y la crítica del mundo. Cuando el pintor
es más famoso que su propia obra surge el extraño problema del reconocimiento de
su genio conviviendo junto a la falta de aceptación y comprensión de sus creaciones.
Realizó a lo largo de su dilatada carrera artística obras en una variedad de materiales
y multiplicidad de procedimientos que asombran tanto por su cantidad como por su
calidad, y la tarea de la Educación Plástica y Visual debe de ser aprovechar ese
inagotable caudal cultural para entender mejor los procesos de la creación que nos
llevan a ser más libres y a respetar la libertad de los demás.
BIBLIOGRAFÍA
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