X Bienal Monterrey FEMSA

voluntarios
X Bienal Monterrey FEMSA
CONTENIDO
AÑO 13. NÚMERO 148
AGOSTO 2O12
PRESIDENTA DEL CONSEJO DE DIRECTORES
DEL MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO
Richard Meier: Retrospectiva
HOY EN MARCO
Nina Zambrano
1
X Bienal Monterrey FEMSA
GERENCIA DE EDUCACIÓN
Indira Sánchez
COORDINACIÓN DE VOLUNTARIOS
HABLAMOS DE
11
Aleyda Viornery
La Bienal Monterrey FEMSA
COORDINACIÓN DE EDICIÓN
Margarita Rodríguez
Edna Catalina Cano
CORRECCIÓN DE ESTILO
ENTREVISTA A
14
Edna Catalina Cano
Andrés Blaisten
Curador de la muestra Dr. Atl. Obras maestras
DISEÑO
Sarahí Lara
Luis Carlos López
Luis Frías Leal
Vanessa Cantú
CONOCE
Richard Meier: Retrospectiva
22
CONSEJO EDITORIAL
Edna Catalina Cano
Margarita Rodríguez
Sarahí Lara
Luis Carlos López
Luis Frías Leal
Vanessa Cantú
PORTADA
Salas de las obras
seleccionadas en la X
Bienal Monterrey FEMSA
Foto: Roberto Ortiz /
Cortesía MARCO
DISEÑO PORTADA
Vanessa Cantú
En marco Voluntarios
Es una publicación mensual del Comité de
Comunicación de Voluntarios del Museo de
Arte Contemporáneo de Monterrey.
Registro de reserva en trámite.
Los artículos son responsabilidad de los autores.
Contacto: [email protected]
Espacios de Aprendizaje
Richard Meier: Retrospectiva
COLABORACIÓN
25
El Jazz en la sociedad
ESPECIAL
28
documenta 13 Highligths
INFORMARCO
33
ENTRE VOLUNTARIOS
34
HOY EN MARCO
P o r
F r a n c i s c o
A .
E s c o r z a
E .
X Bienal Monterrey FEMSA
Salas de las obras seleccionadas en la X Bienal Monterrey FEMSA
En 1992 la ciudad de Monterrey presenció
por primera vez la Bienal Monterrey
FEMSA, la cual nació con el objetivo “de
reconocer, fortalecer, estimular y difundir
la creación artística en México”,1
convirtiéndose en un espacio privilegiado
para observar la producción artística
mexicana. En su vigésimo aniversario,
después de haber tenido al ahora extinto
Museo de Monterrey y el Centro de las
Artes como sede, la Bienal Monterrey
FEMSA llega a marco con la presentación
de la producción de 53 artistas en 82 obras
diferentes las cuales conforman, al mismo
tiempo que reflejan, la escena de arte
contemporáneo mexicano permitiendo al
público visitante entablar un diálogo con
una amplia variedad de propuestas
artísticas.
A lo largo de veinte años de existencia la
Bienal Monterrey FEMSA ha recibido
21,085 obras de 8,642 artistas que han
enviado su obra para ser considerada por
el Jurado. En esta ocasión junto con “El
S a l ó n” , e l c o n j u n t o d e a r t i s t a s
seleccionados, se presenta una
retrospectiva con las obras ganadoras de
las ediciones anteriores, así como
Sextanisqatsi: desorden habitable en la que
se presenta la obra de once artistas
latinoamericanos provenientes de nueve
países distintos, en donde se desarrolla la
1
nBienal
Monterrey FEMSA en http://www.bienalmonterreyfemsa.com/bienal_monterrey/memoria-bmf/histora-de-la-bienal.htm (Revisado el 13 de julio de 2012).
1
ocasiones una mirada hacia la situación
social, política, ecológica y económica.
Marianna Dellekamp
Artist, 2011
Impresión cromógena, libro de artista (fotocopias
y papel de algodón) y portarretratos digital
126 x 300 x 30 cm y 6:20 min.
reflexión sobre el entorno urbano, el caos
que hay en él y cómo este último es
habitable.
Las tres partes que conforman la
exposición permiten que el visitante
converse, no sólo con el arte
contemporáneo mexicano, sino también
con las piezas ganadoras anteriormente,
representativas del arte de los últimos 20
años, así como con la producción que se
realiza en Latinoamérica, enriqueciendo
con ello nuestra visión y experiencia del
Para cada uno de los dos formatos la Bienal
ofrece un Gran Premio de Adquisición el
cual consiste en un monto de $200,000.00
pesos. Las obras galardonadas con este
premio pasan a formar parte de la
Colección FEMSA. Además del Gran Premio
de Adquisición se otorgan dos Mencionas
Honoríficas una por cada uno de los
formatos, cuyo premio consiste en una
residencia cultural en la Escuela Superior
de Arte y Diseño en Saint-Etienne, Francia,
con el apoyo de la Alianza Francesa.
Finalmente, también se reconoce a la obra
más sobresaliente de cada uno de los
Estados participantes que cuente con más
de tres artistas en “El Salón”, en este caso
Puebla, Guanajuato, Distrito Federal,
Nuevo León y Baja California. Existe la
posibilidad de que algunas obras sean
adquiridas para la Colección FEMSA
mediante el Fondo de Adquisición de Obras
Seleccionadas.
El Jurado de esta X Bienal Monterrey
FEMSA estuvo compuesto por la artista
Leda Catunda de Brasil, el artista PierreOlivier Arnaud de Francia y los críticos
arte con propuestas divergentes sobre la
más amplia diversidad de temas.
La Bienal Monterrey FEMSA agrupa las
obras seleccionadas en dos formatos:
bidimensional y tridimensional. El primero
incluye la pintura, el video, la fotografía y
la gráfica mientras que la segunda consta
de escultura e instalación. Para participar
en la Bienal Monterrey FEMSA no es
necesario abordar un tema específico por
lo que el certamen ofrece un espacio de
encuentro de temas, dando así en muchas
Salas de la exposición Sextanisqatsi
2
MX BIENAL MONTERREY FEMSA
Sobre la participación:
La X Bienal Monterrey FEMSA cuenta con un nuevo récord de participación,
con un total de 3,992 obras inscritas de 1,441 participantes.
En sus diez ediciones, la Bienal Monterrey FEMSA ha contado con un total de
21,085 obras inscritas de 8,642 participantes.
Sobre el formato de las obras inscritas:
3,147 con formato bidimensional
845 con formato tridimensional
Sobre los participantes:
1,388 artistas individuales
23 colectivos, compuestos por un total de 53 integrantes
912 hombres | 529 mujeres
Principal rango de edad: 26 a 35 años | Promedio de edad: 39 años
Representación de todos los estados del país, siendo los cinco principales:
Distrito Federal: 583, Nuevo León: 157, Jalisco: 86, Edo. de México: 55,
Puebla: 53
Representación de 27 países, según el lugar de nacimiento de los
participantes, siendo los 3 principales: México: 1339, Estados Unidos: 16,
Colombia: 11
Sobre las obras seleccionadas:
82 obras seleccionadas
68 con formato bidimensional | 14 con formato tridimensional
Sobre los artistas seleccionados:
53 artistas seleccionados
37 hombres | 16 mujeres
Principal rango de edad: 26 a 35 años | Promedio de edad: 38 años
Representación de 20 estados, siendo los 5 principales y que obtuvieron
Mención por Estado: Distrito Federal: 25, Puebla: 3, Guanajuato: 3, Baja
California Norte: 3, Nuevo León: 3
Representación de 4 países, según el lugar de nacimiento de los
participantes: México: 49, Estados Unidos: 2, Alemania: 1, Japón: 1
mexicanos Karen Cordero, Carlos Blas
Galindo e Itala Schmelz. El Jurado es el
encargado de revisar cada una de las
imágenes y descripciones enviadas de las
obras para seleccionar aquellas que son
presentadas en el Salón. Las piezas deben
cubrir los requisitos establecidos en la
convocatoria de la Bienal FEMSA: en el
formato bidimensional, y de manera
individual, cada una de las obras debe
contar con una medida no mayor a 200 cm
por cada uno de sus lados, mientras que en
el caso de un video su duración máxima
debe ser de 15 minutos. Para el formato
tridimensional las piezas no deben ser
mayores a 300 cm por cada una de sus tres
dimensiones con un peso máximo de 800
kg. Las obras no pueden ser de carácter
efímero, o estar hechas con materiales que
pudieran poner en riesgo la integridad
física de las personas o la sede. 2
Cada una de las obras tiene que ser inédita,
es decir no haber sido reproducida
anteriormente en ningún medio o haber
participado en cualquier otro certamen.
Los artistas que pueden participar en la
Bienal Monterrey FEMSA son aquellos que
sean de origen mexicano o extranjeros con
dos años o más de estar residiendo en
México. Todos estos requisitos permiten
que la Bienal Monterrey FEMSA muestre
cada dos años la actualidad del arte
mexicano en sus diversas
manifestaciones.
Una vez hecha la selección por parte del
jurado, los artistas tienen que enviar las
piezas seleccionadas a los organizadores
para que éstas puedan ser montadas en la
sede de la exhibición. Finalmente el
Jurado, elige a las obras que serán
galardonadas con el Gran Premio de
2
nBienal
Monterrey FEMSA en http://www.bienalmonterreyfemsa.com/bienal_monterrey/x-bmf/convocatoria.htm (Revisado el 13 de julio de 2012).
3
Salas de las obras seleccionadas en la X BMF
Adquisición o alguna de las Menciones
Honoríficas. En esta ocasión las obras
ganadoras fueron anunciadas el 14 de
junio en la inauguración de la Bienal en las
instalaciones de marco.
Un recorrido por “El Salón”
El Gran Premio de Adquisición en formato
tridimensional fue la obra Artist, 2011, de la
artista Marianna Dellekamp, originaria del
Distrito Federal y becaria del FONCA en un
par de ocasiones como joven creadora y
creadora. 3 La obra consiste en una
fotografía con varias pilas de libros
ordenados según patrones cromáticos
junto a un libro hecho con fotocopias y un
portarretratos digital que reproduce las
imágenes que se ven en el libro, todo lo
cual sirve como ejercicio para reflexionar
en la vida del artista detrás del proceso
creativo. En el formato bidimensional la
pieza ganadora fue Fin del camino I, 2011,
del sonorense Miguel Ángel Fernández de
Castro. Se trata de una impresión
cromógena que muestra un camino que
cesa en medio del desierto y que hace uso
de diversas imágenes digitales para su
construcción. La pieza es parte de un
proyecto mayor del artista que viene
realizando desde hace dos años en el que
usa al desierto como metáfora para varias
ideas distintas. 4
Las obras ganadoras hablan de la vitalidad
y la diversidad de la escena artística
mexicana así como de la importancia que
han ido adquiriendo las herramientas
digitales en la creación artística agregando
nuevas posibilidades a explorar por parte
de los artistas contemporáneos ya sea en
su uso o en la reflexión que se desprende
del mismo acercamiento a las obras.
Las Menciones Honoríficas
correspondieron a dos obras que nos
acercan al mundo y nuestra concepción de
su desarrollo y posible fin. En primer lugar
tenemos Abend mit Wolken (Tarde con
nubes), 2011, de Alejandro Palomino Ortiz
en el formato bidimensional, en la cual se
hace edición de un video, y en segundo
lugar La historia del universo, 2011, de
Ulises Figueroa Martínez en el formato
tridimensional, hecha con diversos
objetos, juguetes y figuras de uso escolar
que muestra en un movimiento cíclico el
inicio y fin del universo desde el Big Bang,
el nacimiento de los planetas y las
estrellas, pasando por el surgimiento de la
vida y el desarrollo de la humanidad hasta
llegar a la conquista del espacio antes de
volver a comenzar.
Las obras ganadoras de la Mención
Honorífica por Estado nos llevan por
diversos caminos y muestran, en un
vínculo temático con otras piezas, una
fuerte preocupación por el ámbito social y
político. Las obras, sin embargo, no
pierden por ello la apertura interpretativa
propia del arte. Un primer ejemplo es la
Miguel Fernández
Fin del camino I, 2011
Impresión cromógena
80 x 128 cm
3
nBiografía
de Mariana Dellekamp en http://www.mariannadellekamp.com/htm/bio.htm (Revisado el 15 de julio de 2012).
4
nPosdata
“Miguel Angel Fernández, sobre su obra Fin del Camino I” en http://www.posdataeditores.com/?p=4935 (Revisado el 15 de julio de 2012)
4
obra ganadora de la mención por parte de
Puebla Autorretrato/Mujer
invisible/Tributo superhéroes I, 2010, de
Dulce Pinzón Barbosa en la Sala 1, la cual
con una fotografía sobria realiza un
comentario mordaz respecto a la industria
maquiladora en México, y de todo el
mundo, así como del lugar que ocupa todo
individuo pero en este caso la mujer en la
industria contemporánea cargándolo de
ironía con la referencia a los superhéroes
de los comics estadounidenses.
Los ocho dibujos De la serie Ruinas
circulares, 2010-2011, de Idaid Rodríguez
Romero llevan en sus tonos grises un aire
de soledad al recorrer los pasillos y las
historias de La Castañeda, el antiguo
hospital psiquiátrico de la Ciudad de
M é x i c o. L a s s e n s a c i o n e s q u e s e
desprenden de los ocho dibujos en
conjunto con las memorias escritas que
acompañan cada uno de ellos nos abren
una ventana hacia el mundo de la locura y
la manera en la que ésta fue tratada y
manejada en México a lo largo de medio
siglo.
La crítica social, en relación al problema
del urbanismo que se menciona en
Salas de las obras seleccionadas en la X BMF
Salas de las obras seleccionadas en la X Bienal Monterrey FEMSA
Sextanisqatsi: desorden habitable, se
encuentra en la fotografía La jaula de oro I,
2011, de Norma Suárez Ponce ganadora de
la Mención Honorífica por el Estado de
Guanajuato, en donde como en casi todas
las fotografías de la Bienal Monterrey
FEMSA sobresale no el manejo técnico de
la luz y la profundidad en la creación de la
imagen sino el concepto que se encuentra
detrás de la pieza. El título hace un
comentario sarcástico mostrando la
realidad de una parte de la sociedad
mexicana que convierte su casa en una
fortificación y con ello en un encierro. El
contexto actual mexicano se deja sentir en
otras obras como es el caso de UCP
(Universal Camouflage Pattern), 2011, y DCU
(Desert Camouflage Uniform), 2011, de
Christian Orlando Reyes Flores en las que
el territorio de México es revestido del
patrón de camuflaje usado en el ejercito
desdibujando con ello las divisiones entre
diversos estados de la República. Lo mismo
sucede con la fotografía Presidente
Calderón pide perdón por víctimas inocentes
de la “narcoguerra”. De la serie Archivo
negro: operativos vs. delincuencia, 2011, de
Miguel Ángel Ledesma Campos en donde el
cuadro aparentemente negro presenta en
realidad una imagen que apenas se
alcanza a distinguir y a la cual hace
referencia el título. Sin lugar a dudas el
arte mexicano está respondiendo,
documentando y criticando la vida
nacional. El ganador de la Mención
Honorífica por el Estado de Nuevo León fue
Marcela Quiroga Garza con Cualrealidadcámara que vigila el cielo-videodocumental,
2011, en donde mediante el video pone en
duda la capacidad del mismo para recrear
y documentar la realidad.
Las obras que se hicieron merecedoras de
una Mención Honorífica por Estado
5
Salas de las obras seleccionadas en la X BMF
pertenecen todas ellas al formato
bidimensional, más específicamente tres
son fotografía, dos de las obras ya
mencionadas y Estudiante. Parque público.
Cuatro vientos. EdoMex, 2011, de Livia
Corona proveniente de Baja California, que
comparte las mismas características
formales que las fotografías merecedoras
de alguna mención, una preocupación
centrada en el concepto en vez de las
características formales de la fotografía.
Sin lugar a dudas la fotografía ocupa un
lugar importante dentro de la Bienal
Monterrey FEMSA en una forma que se
aleja de la creación tradicional dentro de
este campo. Es también un indicador de
esta importancia las dos fotografía
ganadoras en el formato bidimensional en
las dos ediciones pasadas de la Bienal
Monterrey FEMSA.
Si bien la vena social de la Bienal
Monterrey FEMSA es notable no es la única
tendencia que se hace patente en el
certamen y podemos encontrar también
otras aproximaciones al arte
contemporáneo a partir de la abstracción,
el geometrismo, el hiperrealismo y el juego
con nuevos conceptos y materiales. Una
obra hecha con papel El corto (o largo)
camino al paraíso, 2011, de María Fernanda
Barrero es una muestra de los límites, o
más correctamente de la falta de límites,
en la exploración de materiales en la
creación de arte. Así como Prototipos,
2011, de Jessica Wozny la cual está hecha a
partir de diversas piezas de madera, barro,
metal y tejidos que crean nuevas formas de
cierto corte abstracto que invitan de
manera simultánea a dejarse ir por la
forma como a buscar entenderlas al
relacionarlas con un objeto reconocible.
La abstracción se deja ver también en las
obras de Perla Krauze Fuerza gravedad 2,
2011, y Fuerza gravedad 3, 2011, las cuales
muestran los patrones hechos por
cemento sobre madera en el primero y el
agua sobre plomo en el segundo. Ambas
piezas juegan nuevamente con la
posibilidad de crear arte con materiales
que no se relacionan comúnmente con la
creación artística.
El juego abstracto con la geometría es
representado en la obra de Óscar Lozano
Life scan, 2011, y de Jacqueline Judith
Lozano Murillo Pirámide vaciada en gris. De
la serie Estructuras desalojadas, 2011. El
abstraccionismo geométrico nos pone en
relación con una de las actividades
humanas por excelencia, las matemáticas,
pero resaltando un lado que pocas veces se
deja ver: las sensaciones y sentimientos
que las figuras causan en nosotros, una
experiencia que se aleja del formalismo
puro que se podría esperar del lado lógico
del arte.
En conjunto la selección de obras muestra
la variedad de caminos que emprenden los
artistas en la creación estética creando un
reflejo con ello de la situación del arte
mexicano en general, y probablemente
mundial en el que no existe una corriente
que represente de manera total el arte de
la época. Esta misma situación nos lleva a
Salas de las obras seleccionadas en la X Bienal Monterrey FEMSA
6
recorrer las piezas de manera individual,
estableciendo relaciones y conexiones
mediante el diálogo con cada una de ellas,
encontrando las coincidencias pero
también, y probablemente aún más
importante, las diferencias que proponen
cada una de las piezas.
Un viaje en retrospectiva
A manera de celebración del vigésimo
aniversario del certamen en la Sala 4 de
marco nos encontramos las obras
ganadoras del Premio de Adquisición de
las nueve ediciones anteriores de la Bienal
Monterrey FEMSA realizando, en términos
generales, un recorrido desde las obras
ganadoras más recientes hasta las
primeras dos obras ganadoras en el
certamen de 1992. Las obras ganadoras a
lo largo de veinte años muestran un
panorama de la historia reciente del arte
Sala de exposición de las obras premiadas en las ediciones anteriores
que marca una línea común con lo
mostrado por “El Salón” de este año, un
panorama rico que no se cierra a una sola
corriente sino que se conjugan diversas
tradiciones, se retoman múltiples estilos,
tanto en escultura como en pintura, se
juega con materiales nuevos y los
conceptos detrás de cada obra cobran un
peso cada vez mayor.
La retrospectiva también muestra los
cambios que ha habido a lo largo de veinte
años en la dinámica de la Bienal Monterrey
FEMSA. En su primera edición existían dos
formatos escultura y pintura, siendo
ganadoras la pintura Moradores, 1992, de
Laura Quintanilla, y la escultura El álamo
santo, 1992, de Rosa María Robles.
Laura Quintanilla Silva
Moradores, 1992
Encausto, óleo y chapopote sobre tela
170 x 140 cm
A partir del segundo año el certamen se
abrió a tres formatos: pintura, escultura e
instalación, trayendo consigo una mayor
diversidad de posibilidades expresivas. La
instalación a veces cercana a la escultura
pero haciendo uso de una
recontextualización de los materiales
usados a partir de la configuración hecha
de los mismos para poder crear la obra. La
primera instalación en ser merecedora del
Gran Premio de Adquisición en Instalación
fue la obra de Betsabeé Romero Refugio
para un lecho de rosas, 1994, una pequeña
cama de madera cubierta con una colcha,
sábana y almohada de rosas secas de color
rojo y blanco. Posterior a ello el formato de
instalación presenció diversas obras que
recogen ideas distintas y requieren
diferentes capacidades técnicas para
llevarse a cabo como es Memoria fosilizada,
1998, del Grupo SEMEFO y Calzado de alta
resistencia, 2001, de Sandra Cabriada.
A partir de la séptima edición la Bienal
Monterrey FEMSA adquirió la dinámica
7
generación del espacio público de manera
espontánea, la relación de la ciudad y sus
habitantes con los desechos que generan.
Esta serie de temas que recorren las
diversas piezas ponen al público en
contacto con problemas particulares de
cada ciudad, los conflictos que se generan
entre nuestra espontaneidad y los órdenes
que se buscan realizar a partir de una
planeación urbanística, cuestionando de
manera profunda la misma actividad de
diseño de las ciudades.
Sala de exposición de las obras premiadas en las ediciones anteriores
usada actualmente dividiendo a los
participantes en el formato bidimensional
y tridimensional dando con ello cabida a
otras expresiones artísticas como son la
gráfica, la fotografía y el video. Las últimas
obras ganadoras en el formato
bidimensional: Árbol de tunas, 2006, de
Adela Goldbard Rochman; así como San
Francisco Javier. De la serie Tierra Arrasada,
2009, de Oscar Farfán González marcan
una tendencia de la importancia de la
fotografía en el quehacer artístico actual.
El desorden y lo habitable de las
ciudades
La tercera parte de la Bienal Monterrey
FEMSA es Sextanisqatsi: Desorden
habitable, una exhibición curada por José
Roca que agrupa la producción de once
artistas latinoamericanos, Ángela
Bonadies, Juan José Olavarría, Donna
Conlon, André Komatsu, Byron Mármol,
Juan Brenner, Pedro Reyes, Nicolás
Robbio, Luis Roldán, Óscar Rivas y Cynthia
Soto provenientes de nueve países
distintos: Colombia, Nicaragua, Costa Rica,
Panamá, Argentina, Venezuela, México,
Guatemala y Brasil. La sección de artistas
invitados se abrió a partir de la novena
edición para crear un espacio que permita
un diálogo entre las obras seleccionadas
en “El Salón” con otras de procedencia
geográfica distinta que no están sujetas a
los mismos lineamientos de las
participantes en “El Salón”.
En esta ocasión la selección de artistas
invitados nos invita a observar la vida
urbana en Latinoamérica alrededor de
múltiples aspectos, la auto-organización y
su funcionalidad, independiente de los
modelos y diseños urbanísticos, la
creación de espacios alternativos, la
Dentro de este aspecto la exposición nos
pone en contacto con el contexto y la
historia misma del desarrollo urbanístico
en América. El nacimiento de la ciudades
coloniales a partir de un plano sencillo
pero de un profundo corte racionalista:
una cuadricula, alrededor de una plaza
principal que se puede ampliar de manera
indefinida dentro del espacio propiciando
así la posibilidad “ilimitada”, al menos en
teoría, de crecimiento para la ciudad. 5 Este
plano era la cristalización de varios sueños
utópicos renacentistas que en Europa no
era posible realizar y que anticipaba el
diseño que se haría más adelante en la
historia.
Este punto germinal de la ciudad
latinoamericana sirve como marco de
referencia para entender la experiencia
que se puede tener de la ciudad en la
actualidad a partir de la conjunción de
diversas ideas sobre la construcción de la
misma, de la forma en la que sus
habitantes se trasladan en ella y la
conforman, modificando los planos y su
racionalidad, creando un desorden desde
la perspectiva ordenadora-racionalista,
pero en todo momento funcional y
habitable desde la actividad de las
5
nJuan
Cano Forrat. Introducción a la historia del urbanismo. Editorial LIMUSA: Ciudad de México, 2008, p. 198.
8
personas ya que su actividad crea un
espacio conforme a sus necesidades,
preocupaciones, deseos e intereses. Se
crea así un espacio habitable, en cierta
medida, contradictorio con un diseño
previo de las manchas urbanas, pero en
concordancia con la importancia de la vida
del habitante en la conformación del
mismo espacio público.
Ésta es la principal reflexión que detona el
video que da la bienvenida en la Sala 5 y
que da nombre a la exposición,
Sextanisqatsi, 2010, de los guatemaltecos
Byron Mármol y Juan Brenner, el cual
documenta los últimos días de un mercado
ambulante en Guatemala, el cual como
c u a l q u i e r o t ro m e rc a d o d e e s t a
naturaleza, obedece su propia lógica, crea
su propio orden dentro del espacio urbano.
El mercado fue reubicado en un edificio fijo
después de la grabación. La música que se
escucha es una pista del compositor Philip
Glass reproducida de manera inversa.
La obra del brasileño André Komatsu AK47, 2008, y las dos fotografías Tramo Santa
Fe, 2005, y Bodega de plátanos, El
Cartaginés, 2007, de Cinthya Soto se
mueven en la misma dirección. La primera
mostrando la estética propia de las favelas
brasileñas, que emerge a partir de las
necesidades de sus habitantes y que
plantea un rostro urbano particular. Las
dos fotografías generando un contraste
entre el espacio que podemos esperar a
partir de las tendencias de presentación de
productos en una cadena comercial y la
misma en un espacio tradicional.
La importancia de la auto-organización es
el eje de la pieza La torre de David, 2011, de
Ángela Bonadies y Juan José Olavarría, la
Salas de la exposición Sextanisqatsi
cual narra la historia de un proyecto
inmobiliario fallido en Caracas, Venezuela,
desde el inicio de su construcción a
comienzos de la década de 1990 en una
época de bonanza económica, pasando
por el abandono de la construcción y para
finalmente llegar a la toma de la misma por
parte de diversas comunidades, que en
México llamaríamos paracaidistas; las
cuales sin contar con los servicios básicos
dentro del edificio se han apropiado de él
poniendo las reglas para convivir dentro de
este espacio y adaptándolo a sus
necesidades.
La manera en la que nos movemos y
creamos el espacio público es el tema que
recorre tres obras de esta exhibición:
Proyecto para una plaza en Monterrey,
2010-2011, de Pedro Reyes; City for sale,
2004, de Óscar Rivas, proveniente de
Nicaragua; y Geometría accidental, 2008,
de Nicolás Robbio, originario de Argentina.
Cada obra presenta la interacción que
tenemos con el espacio urbano y entre
nosotros mismos dentro del mismo marco.
Geometría accidental muestra las figuras
que dibujamos de manera inconsciente
con nuestras trayectorias; City for sale
muestra mediante la codificación de
diversos pobladores de una ciudad la
manera en la que nos distribuimos en una
ciudad, al mismo tiempo que pone a
disposición de la reflexión los procesos de
sistematización de los datos personales en
la creación de mapas.
Proyecto para una plaza en Monterrey
muestra las maquetas e historia de un
proyecto no llevado a cabo para celebrar el
bicentenario de la Independencia de
México en Monterrey con la creación,
9
fomentando el espacio público, de un edificio horizontal que permite la interacción de diferentes maneras entre los asistentes. Las
relaciones que se establecen entre las tres obras nos llevan por caminos existentes en nuestra vida diaria, lo público, la organización y
sistematización poniéndolo ante nuestros ojos e invitando a reflexionar al respecto.
Fotos: Cortesía MARCO
Las obras Strike Gently, 2008-2009, de Luis Roldán y las fotografías Espectros urbanos, 2004, así como las dos De la serie Cityscapes, 2008,
de Donna Conlon nos muestran el panorama urbano a partir de la generación de desechos, parte ineludible de muchas de nuestras
actividades que en los marcos contemporáneos genera problemas ecológicos. La perspectiva que nos dan las obras de Conlon nos muestra
la relación entre nuestra vida urbana y los problemas de contaminación que se generan. Strike Gently por otro lado es la creación de una
obra de cierto corte geométrico a partir de los desechos de los cerillos que desde una perspectiva guardan relación con un momento
específico de cada uno de los usuarios.
Salas de la exposición Sextanisqatsi
El recorrido que realiza la X Bienal Monterrey FEMSA a través del arte contemporáneo mexicano, su pasado reciente y la reflexión en torno a
la ciudad latinoamericana nos brinda una experiencia amplia y enriquecedora en donde el público se encuentra frente a una diversidad
irreductible, lo cual exige acercarse a cada una de las obras de arte y las posibilidades que cada una de ellas nos ofrece.
10
HABLAMOS DE
P o r
R o s a
M a r í a
R o d r í g u e z
La Bienal Monterrey
FEMSA
conmemora 20 años de la realización de este certamen
La Bienal Monterrey FEMSA es un concurso
de artes visuales que fue instituido en 1992
con el propósito de reconocer, fortalecer,
estimular y difundir la creación artística en
México. Convocada en su inicio por el
Museo de Monterrey, representó un
esfuerzo importante al organizar un
concurso de trascendencia nacional,
generado desde el norte del país.
En la primera edición de la Bienal Monterrey FEMSA, la premiación se hacía en base a dos
categorías: Pintura y Escultura; debido a la destacada presencia de la modalidad de
instalación, partir de la segunda edición el certamen otorgó premios en Pintura, Escultura
e Instalación, continuando esta estructura hasta la séptima edición, en la que se decide
agrupar las obras bajo dos formatos: Bidimensional y Tridimensional; pues los artistas,
cada vez más, utilizan diversos medios y transitan fácilmente entre varias disciplinas. De
esta manera se facilita la libertad creativa para ellos y se evita que obras de este tipo,
queden excluidas del concurso.
A lo largo de estos 20 años, la Bienal
Monterrey FEMSA ha logrado
consolidarse como el evento, en su
categoría y género, más importante del
país, contando con una participación
acumulada de 21,085 obras de 8,642
artistas.
La Bienal convoca a todos los artistas
visuales mexicanos y extranjeros con más
de dos años de radicar en el país, quienes
envían sus obras para ser presentadas
ante un jurado, que es diferente en cada
edición y que está conformado por cinco
especialistas en artes visuales, entre
críticos, curadores y artistas, tanto
mexicanos como extranjeros. Luego de
revisar el total de las obras registradas, el
jurado selecciona aquellas que
conformarán la exposición.
Salas de la exposición de las obras seleccionadas en la X edición
11
La Bienal Monterrey FEMSA otorga dos
premios de adquisición de $200,000 mil
pesos para cada uno de los formatos
participantes, así como menciones
honoríficas. A partir de la V edición y hasta
la fecha, gracias al apoyo de la Alianza
Francesa de Monterrey, los artistas
premiados obtienen una residencia
cultural en la Escuela Superior de Arte y
Diseño de la ciudad de Saint-Étienne,
Francia.
internacionalmente, reforzando así los
objetivos del certamen y favoreciendo el
diálogo entre creadores. En aquella
ocasión se presentaron bajo este esquema
10 artistas, cinco de ellos mexicanos y cinco
más procedentes de Brasil como país
invitado, bajo la curaduría de Osvaldo
Sánchez y Agnaldo Farías respectivamente.
En la presente edición, esta idea se
mantiene, presentando ahora artistas
invitados de 9 países de América Latina.
Desde la IX edición, además de la
convocatoria abierta, la Bienal Monterrey
FEMSA cuenta con la participación de
artistas invitados, reconocidos
La Bienal Monterrey FEMSA organiza
exposiciones itinerantes; además de la
ciudad de Monterrey, se ha presentado en
Hermosillo, Chihuahua, Puebla,
Guadalajara, Ciudad de México, Tijuana y
León. De esta manera, la Bienal ha sido
apreciada por más de 400,000 visitantes
dejando una constancia permanente a
través de los catálogos que se editan en
cada una de las ediciones.
Las obras que reciben el Gran Premio de
Adquisición FEMSA, así como las que se
adquieren a través del Fondo de
Adquisición de Obras Seleccionadas, pasan
a formar parte de la Colección FEMSA,
reconocida internacionalmente como una
de las Colecciones más importantes de arte
moderno y contemporáneo
latinoamericano.
Salas de la exhibición Sextanisqatsi: Desorden habitable en la X Bienal Monterrey FEMSA en marco
12
En promedio, la Colección FEMSA realiza
de 6 a 8 exposiciones al año. Por ejemplo,
actualmente se exhibe en el Fórum
Cultural de Guanajuato en la ciudad de
León, la exposición Utopías y realidades:
arte contemporáneo en la Colección FEMSA,
integrada por 82 obras entre las cuales se
encuentran algunas procedentes de la
Bienal, que dialogan con grandes maestros
latinoamericanos.
2. Exposición con artistas invitados
Un segundo eje está compuesto por
Sextanisqatsi: desorden habitable,
exposición que reúne a 11 artistas
procedentes de nueve países de América
Latina bajo la curaduría de José Roca. La
muestra reflexiona sobre la relación
entre orden y caos en el espacio urbano y
l a s fo r m a s d e au t o - o rga n i z ac i ó n
informal que escapan a la lógica racional
modernista y a su estética: órdenes
alternativos que surgen de la
precariedad y que muchas veces
contradicen la norma oficial, la estética
aceptada o el orden establecido (pero
que sin embargo funcionan),
p ro p o n i e n d o n u e v a s y p o s i t i v a s
maneras de entender la noción de caos
urbano.
3. Retrospectiva de Obras ganadoras de
la I-IX BMF
Se exhiben además las obras que se han
integrado a la Colección FEMSA gracias al
Premio de Adquisición en cada una de las
modalidades participantes en la Bienal
Monterrey FEMSA desde su primera
edición en 1992.
De esta manera, la Bienal Monterrey
FEMSA conmemora su aniversario
presentándose en las salas 1-5 del Museo
de Arte Contemporáneo de Monterrey
(MARCO) y permanecerá hasta el 21 de
octubre de 2012. Esperamos que la
disfruten.
La Lic. Rosa María Rodríguez Garza es Gerente de
Programa Cultural FEMSA.
Fotos: Cortesía MARCO
Con estos 2 mecanismos (premios y fondo)
la Colección FEMSA no sólo incorpora
obras de artistas contemporáneos a su
acervo, sino que también las difunde
integrándolas a su activo programa de
exposiciones itinerantes que realiza en
muy diversas comunidades de México y el
mundo gracias a las colaboraciones con
instituciones culturales y educativas.
A diferencia de sus ediciones anteriores, la X
Bienal Monterrey FEMSA que se presenta en
marco está conformada por un esquema
que consiste en tres ejes principales:
1. Exposición de las obras seleccionadas
en la X edición
La convocatoria al certamen se dio a
conocer a fines del 2011, y en el mes de
marzo del presente año se reunió el jurado
calificador, que en esta ocasión estuvo
conformado por los artistas Leda Catunda
(Brasil) y Pierre-Olivier Arnaud (Francia), y
los curadores y críticos de arte Karen
Cordero, Itala Schmelz y Carlos-Blas
Galindo. Luego de la revisión de todo el
material registrado, el jurado decidió
seleccionar 82 obras; 69 en formato
bidimensional y 13 en tridimensional,
correspondientes a 53 artistas que se
reúnen en esta exposición.
Sala de obras ganadoras de la I-IX BMF
13
ENTREVISTA A
P o r
M a r g a r i t a
R o d r í g u e z
M .
Andrés Blaisten
Curador de la muestra Dr. Atl. Obras maestras
Salas de la exposición Dr Atl. Obras maestras en marco
Desde el 24 de mayo del año en curso se expone al público en la Planta Alta de marco la exposición Dr. Atl. Obras maestras, excelente
y muy completa muestra antológica de la trayectoria del pintor mexicano Gerardo Murillo (1875-1964), organizada por el Museo
Colección Blaisten de la Universidad Autónoma de México, en donde se presentó previamente. El recorrido por las 70 pinturas que
incluyen retratos, autorretratos, paisajes y aeropaisajes, además de libros, fotos, una película y un video, nos acerca a conocer a este
interesante personaje -inteligente, culto y generoso, además de prolífico- tan importante en el desarrollo del arte, la enseñanza y la
política de la primera mitad del siglo XX. Con museografía de marco, la curaduría estuvo a cargo del importante coleccionista
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Salas de la exposición Dr Atl. Obras maestras en marco
mexicano Andrés Blaisten, una de las
personas que más se ha adentrado en el
conocimiento del arte y la vida de uno de
los grandes pintores mexicanos. Durante
su estancia en el Museo, Andrés Blaisten
impartió una plática en la inauguración de
la muestra para miembros, así como los
recorridos para voluntarios y prensa, y
amablemente nos concedió una entrevista
para esta publicación el día 23 de mayo, la
cual presentamos a continuación.
- ¿Cuál fue la relación de Dr. Atl con Nuevo
León?
Pues no mucha, sabemos que estuvo aquí
porque hay cuadros que dan cuenta de
ello, hizo algunas escenas de paisajes
como La Cola de Caballo, pero no tengo
mucha memoria ahora mismo de cuál fue
realmente su motivación en relación con
Nuevo León.
- El cuadro de El Maizal está aquí en Nuevo
León.
Sí, fue una donación para el Museo de
Monterrey y afortunadamente nos lo
prestaron para la exposición. Es un
magnífico cuadro. Me decían que fue el
primer cuadro de la colección y que la
donadora quería que siempre estuviera
exhibido, lo cual me parece muy
importante.
- Pienso que Dr. Atl es un revolucionario
en más de un sentido: se salió de las
corrientes que predominaban; fue
revolucionario, literalmente, ya que
participó en la Revolución; fue un
revolucionario en la enseñanza del arte; y
otra revolución son los Atlcolors… qué nos
puedes decir sobre esto?
Mira, aparte de revolucionario era
revoltoso, porque levantaba ámpula a
donde iba, era un hombre antagonista,
siempre era crítico. Fue crítico de arte, fue
columnista en periódicos -con
pseudónimo-, escribió libros, escribió
cuentos, también cuentos de ciencia
ficción, hizo su autobiografía que de
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alguna manera también habla de su
participación durante la Revolución
Mexic ana, fue minero…bueno, él
funcionaba en todo. En todo incursionaba
y en todo profundizaba, fue un hombre
muy culto y siempre se tomaban muy en
cuenta sus opiniones en todos los aspectos
de la vida nacional.
Ahora, como artista, sin lugar a dudas
tiene un aporte al arte mexicano moderno;
es el que introduce la modernidad al arte
de México, el que provoca los cambios en la
educación artística. En los primeros años
del siglo XX, todos los sistemas educativos
de arte se cambian gracias a él -hasta
derrocan al director de la Academia de San
Carlos, en donde se pone a Ramos
Martínez que era un artista de vanguardiay fue un impulsor de los muralistas. Incluso
Diego Rivera en una ocasión quería viajar a
París a seguir perfeccionando sus estudios,
sin embargo no le otorgaron una beca,
entonces Dr. Atl organizó una gran
exposición de obras de Diego Rivera,
vendió todo y con ese dinero Diego se fue a
París y pudo vivir ahí unos años gracias a
Dr. Atl. Esto nos habla de que era un
hombre generoso que apoyaba a sus
compañeros artistas y los impulsaba.
Siempre fue muy respetado por todos,
todos escribieron de él cosas muy bonitas,
con un gran respeto y una gran
admiración.
- Y fue generoso también al compartir su
técnica.
Así es, él siempre presentaba documentos
por escrito en sus exposiciones. En su
primera exposición, en el Museo de Arte
Mexicano, en la propia invitación decía que
eran 40 obras con atlcolors, y explicaba de
qué trata la exposición, cómo se hace el
Salas de la exposición Dr Atl. Obras maestras en marco
16
atlcolor y cómo se aplica. Era muy abierto,
mostraba al mundo sus aportes, sus
técnicas.
- Los atlcolors ¿se siguieron usando?
No, es una técnica que no se siguió,
aunque él decía cual era la receta.
Probablemente había algún
detallito…bueno el detalle era que él los
hacía, era fácil decir los ingredientes pero
no quedan si no se hacen de la manera
correcta y, por otro lado, no hubo otros
artistas que lo intentaran. Ahora hay
materiales que se parecen al atlcolor, hay
óleo en barra, que es óleo; el atlcolor no es
un óleo, es una especie de encáustica, es
una cera endurecida. Es una técnica única
que no tuvo repercusiones en otros
artistas. Probablemente por lo mismo, la
innovación que representa el uso de la
técnica, cualquiera que lo usara
probablemente se parecería a las obras de
Dr. Atl, y eso marcaba de alguna manera a
los artistas y les daba cierto pudor y
pensaban: no puedo usar la técnica de Dr.
Atl porque van a decir que lo estoy
copiando. Pienso que esa puede haber
Durante toda
su vida se hizo
autorretratos
Autorretrato, 1948
Atl color sobre cartón
53 x 36 cm
Colección Andrés Blaisten
17
Salas de la exposición Dr Atl. Obras maestras en marco
sido una de las motivaciones por las que no
se usó; pero sí, curiosamente nadie
continuó, no tuvo prácticamente
discípulos aunque era muy generoso y
daba clases. Sí hay algunos -Nicolás
Moreno, que fue ayudante y alumno de élque fueron muy buenos paisajistas, pero
nunca con los alcances de gran maestro
como él. No tuvo ningún seguidor, ni
siquiera cercano, de su estatura artística.
- ¿Desde qué época de su carrera empezó
a hacer autorretrato?
Desde el principio de su carrera. Desde
principios de 1899 ya se hace un
autorretrato, entonces tiene 24 años de
edad, y durante toda su vida se hizo
autorretratos. Es, un poco, una forma de
Era un personaje
entregado
completamente
al arte y a la
creación
autoanálisis de su personalidad, pero
también dejar plasmado cual era la
imagen que él quería que quedara de su
persona; si se fijan, en sus retratos siempre
ven un hombre severo, con una mirada
inquisitoria, con una autoridad y una
presencia que de alguna manera daba
cuenta que él era así, era una personalidad
que se había forjado y quería que pasara
de esa manera a la posteridad. Aquí
mostramos en la exposición varios
autorretratos, pero hay muchos otros que
se hizo en su vida, los hizo en forma
constante, y en esta exposición lo van a ver
en diferentes momentos, desde que es
joven hasta el último, cuando empieza el
área del aeropaisaje, es un retrato de 1962,
dos años antes de su muerte.
18
- Creo que él realmente se forjó una
personalidad y una leyenda de sí mismo:
cambiarse el nombre…
Así es, de alguna manera él hizo una
creación, su creación, su personaje; y
también habla de lo creativo, que es lo que
él quería, como quería trascender. Creo
que esto es motivado también por su
apariencia física: era un hombre de
estatura pequeña, no solamente de
estatura, era menudo, delgadito, güero, de
ojos azules; no era una personalidad fuerte
físicamente, con las barbas y con toda su
indumentaria él complementa y se crea un
personaje mucho más poderoso.
- ¿Cuánto tiempo duró su relación con
Nahui Ollin?
Aproximadamente dos años, y después se
odiaron a muerte.
- Hay un cuento de Dr. Atl que se llama El
cuadro mejor vendido…
Sí, lo leí hace muchos años, acerca de que
está pintando un cuadro que le vende a una
persona que lo ve pintar.
- Sí, una persona muy humilde y se lo
vende en 5 pesos. Algunas personas
opinan que puede ser autobiográfico y
que es algo que realmente sucedió…
No sabemos realmente si sucedió, pero es
una forma muy bonita de decir, de dar el
mensaje de que él valoraba más a la
persona que entendía y reconocía el valor
de su exposición que el dinero en sí, si la
obra iba a quedar en manos de una
persona que realmente estuviera
valorando la obra por sí misma, eso era
más importante para él que el propio
dinero. Dr. Atl nunca fue un hombre que
vivió con lujos, podría haber vivido
lujosamente al final de su vida porque le
Nahui Ollin, ca. 1921
Atl color sobre fresco
100 x 100 cm
Colección particular
fue muy bien, pero siempre vivió de una
manera humilde, no tenía coche, por
ejemplo, cuando ya en los años cincuentas
o sesentas podía tener coche y manejar.
Ese video al final, en donde se ve
manejando, es una idealización, eso nunca
existió, era un personaje entregado
completamente al arte y a la creación.
- Se ha escrito que él mencionaba que
trabajó en La Merced después de la
Revo l u c i ó n d e b i d o a p ro b l e m a s
económicos.
Lo que pasa es que no se podía vivir de
artista. Puede ser, no me extrañaría,
porque era un hombre que si tenía
necesidad, no lo iba a detener eso y no se
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Salas de la exposición Dr Atl. Obras maestras en marco
sentía un hombre diferente a los demás; si
lo tenía que hacer, lo ha de haber hecho; y
ha de haber hecho en más de una ocasión
trabajos que podrían resultar pesados
para poder sobrevivir. En esa época, era
muy difícil para el artista sobrevivir,
entonces tenían que valerse de muchos
recursos. Justamente estando en La
Merced fue que él descubre que está el
ExConvento de La Merced en un estado de
abandono y le propone al Estado cuidarlo y
restaurarlo; y sí se lo asignan durante
varios años, que coinciden cuando conoce
a Nahui Ollin; él está viviendo en el
ExConvento y ahí hizo su primera
exposición, en el patio. Es un Convento
maravilloso, que ahora mismo se está
restaurando.
- Quisiera que nos platicaras un poco
sobre como inicias y compartes tu
colección.
Pues es una larga historia, yo empecé
como artista, estudié artes plásticas en la
Escuela Nacional de Artes Plásticas de la
UNAM, la Academia de San Carlos, no ejercí
como artista, sin embargo, los
conocimientos de la carrera de pintor me
sirvieron después, cuando tuve la
oportunidad y capacidad económica, para
valorar las buenas obras de arte y poder
adquirir con conocimiento. Fui
seleccionando las obras que
específicamente me parecían que eran no
solamente de buenos artistas, sino esas
obras en particular que tuvieran una
potencia y poder expresivo importante y
fui armando una colección que fue
mostrando lo que en la primera mitad del
siglo XX se dio, ya que fue un momento
luminoso en las artes en México. Como
pocos países en el planeta, México tuvo un
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momento de florecimiento en ese periodo,
es algo que hoy nos parece muy normal,
pero no pasa en todos los países. Tenemos
una riqueza, que dejaron los artistas de esa
época, invaluable y eso es lo que yo he
tratado de mostrar a través de mi
colección: el abanico tan amplio de
propuestas y de artistas que se dieron en
esa época. A diferencia de lo que se había
mostrado del arte mexicano
históricamente que era básicamente el
muralismo y todo el contenido ideológico,
en mi colección busco contenidos de lo que
a los propios artistas les interesó, los
contenido íntimos, que en el fondo
realmente son los más intensos y los más
legítimos, porque realmente los artistas
quieren producir lo que están sintiendo.
- ¿Tienes algún mensaje para los
voluntarios del Museo?
Que aprovechen esta oportunidad, ellos
como voluntarios que van a estar teniendo
la atención con los públicos, la experiencia
que van a tener con esta exposición de Dr.
Atl va a ser una experiencia que
seguramente los va a marcar de por vida.
Es un acontecimiento histórico esta
exposición y las exposiciones antológicas
de estos grandes artistas, que disfrutamos
al máximo los que tenemos el privilegio de
ser parte de estos proyectos,
generalmente se convierten en
Salas de la exposición Dr Atl. Obras maestras en marco
parteaguas de nuestras vidas y nos
enriquecen. Seguramente durante toda su
vida van a recordar esta experiencia, que la
valoren y la disfruten al máximo, y por
supuesto la trasmitan y aprovechen
porque no solamente van a trasmitir la
obra de Dr. Atl, sino que ellos se van a
enriquecer con todo el intercambio con el
público, con las experiencias con el
público, y por supuesto, también es una
gran responsabilidad mostrar y explicar la
obra de este gran artista.
Foto: Margarita Rodríguez
- ¿Qué te ha parecido la exposición en
marco, una sede diferente?
Cambia, cambia mucho, afortunadamente
tenemos la mayoría de las obras gracias a
los que nos apoyaron. Está muy bien
dispuesta y sí es diferente a como se vio en
la ciudad de México, aquí tenemos un poco
más de holgura, y me gusta esto, que las
piezas respiren un poco más aquí.
Andrés Baisten, curador de la exposición
Dr. Atl. Obras maestras
Fotos de salas: Cortesía MARCO
21
CONOCE
P o r
F a n y
T a m a y o
El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey como institución socialmente responsable se preocupa y ocupa de apoyar a la educación
de nuestro país, y es precisamente con ese afán que nace el programa de Espacios de aprendizaje, el cual tiene como objetivo: utilizar el
Museo y el arte como espacios para el encuentro, el diálogo, la crítica y la reflexión de los agentes educativos, buscando nuevas formas de
enseñar y de aprender.
Dentro de este programa se llevan a cabo
periódicamente distintos eventos,
actividades y talleres dirigidos a
educadores en general, mediadores
culturales y padres de familia,
conformando así un grupo sólido de
agentes educativos que valoren y
promuevan dichas actividades.
Este año hemos contado con la presencia
del Dr. Jesús Amaya, quien impartió la
conferencia: “Padres obedientes, hijos
tiranos” basada en su libro del mismo
nombre, el cual ofrece numerosos
consejos útiles para fortalecer la
seguridad y la confianza de los hijos en los
tiempos actuales.
Así mismo, el Dr. José María Martínez
Beltrán presentó el programa educativo
ARPA, dando a conocer acciones y
mediaciones para construir mentalmente
al individuo.
El trabajo en conjunto con editoriales como
Alfaguara Infantil y Juvenil ha hecho
posible la presencia de autores como
Francisco Hinojosa, quien impartió la
conferencia magistral “Leer, qué leer y
para que leer”, para concientizar sobre la
importancia de leer en este 2012,
denominado “Año de la Lectura” por parte
de la Secretaría de Educación Pública.
En los Espacios de Aprendizaje se valora de
igual forma tanto lo teórico como lo
práctico, por lo que se han realizado
talleres como “Los sentidos que me
mueven” impar tido por Aurora
Buensuceso, promotora cultural y
bailarina, el cual tenía como objetivo que
los participantes tuvieran una experiencia
sensorial a través de la exposición de
Ernesto Neto, aprendiendo de su cuerpo y
sus sensaciones.
Otro de los talleres exitosos es “El arte de
enseñar el arte”, impartido por el artista
Miguel A. Ricárdez, dicho taller se ha
venido realizando desde hace dos años y
por su gran aceptación continuará
llevándose a cabo periódicamente, ya que
ofrece herramientas prácticas sobre cómo
podemos enseñar arte a niños de distintas
edades.
Actualmente hemos arrancado con los
“Viernes de Maestros”, idea que surge a
través de las encuestas realizadas al
público de los Espacios de Aprendizaje, y
de la necesidad de tener recorridos
guiados donde el maestro tenga la
oportunidad de relacionar el arte con la
enseñanza y reconocer al museo como una
herramienta en su labor docente.
Precisamente es en estos recorridos donde
se abre la convocatoria a los voluntarios de
marco que estén interesados en aportar
su experiencia y su tiempo en la atención
del público de este programa, de igual
forma aprovecho para agradecer a los
voluntarios: Leticia Navas, quien ha estado
involucrada en este proyecto (Viernes de
Maestros) desde su inicio y ha hecho gran
aportación a su logística; y a Juan Carlos
Obregón, que ha sido fiel participante de
23
los eventos de los Espacios de Aprendizaje
aportando sus conocimientos y brindando
su apoyo en la ejecución. A ambos les
reconozco su pasión y dedicación por el
arte, así como su compromiso con la
educación. ¡Gracias por ser parte de los
Espacios de Aprendizaje!
Continuemos sumando esfuerzos para que
este programa que busca contribuir con la
educación de nuestro país siga creciendo y
sean cada vez más los involucrados en tan
gratificante labor.
Próximos Espacios de Aprendizaje
Taller “El arte como experimento”: Está pensado en la sana y divertida convivencia de
padres e hijos, abuelos y nietos, tíos y sobrinos, es decir disfrutando del arte en familia,
siete sábados donde la artista y catedrática Ariana Mac Lean compartirá actividades
fáciles de reproducir en casa, con materiales cotidianos, fomentando los valores
familiares.
Ciclo de Charlas: En el mes de septiembre se ofrecerán conferencias para padres de
familia y maestros con el objetivo de concientizar a los participantes sobre los nuevos roles
a enfrentar en los distintos ámbitos educativos, partiendo del núcleo familiar, para lograr
la formación integral de los individuos.
Taller de estimulación temprana: Por primera vez en marco se realizará un taller para
madres y bebés, en una de las salas de exhibición del Museo, ofreciendo con ello una
experiencia única y significativa para ambos a través de su contacto con el arte. Trabajo en
conjunto con la institución “Mom and me”, con más de 18 años de experiencia en el ámbito.
Taller “El juego de los trazos”: Está basado en el libro del mismo nombre, donde se analiza
la dinámica lúdica en la expresión gráfica y literaria infantil, impartido por la propia
autora, la maestra Ana Fabiola Medina.
Fany Tamayo, Coordinadora del Programa Espacios de Aprendizaje de marco, es
Licenciada en Educación con acentuación en planeación y desarrollo educativo por la
Universidad Autónoma de Nuevo León. Correo: [email protected]
Fotos: Cortesía MARCO
24
COLABORACIÓN
P o r
O m a r
T a m e z
El Jazz
en la sociedad
Foto: Margarita Rodríguez
Todos hemos, de una forma o de otra,
escuchado algo de Jazz o “parecido a” y
damos por sentado que nos gusta o que no
nos gusta. Pero qué hace al Jazz tan
importante para que haya músicos por todo
el mundo, redes de festivales, canales de
televisión, compañías disqueras y cientos de
miles de millones invertidos y multiplicados
en ganancias para quienes los invierten.
¿Qué es lo que hace al Jazz tan importante
para que todo eso valga la pena?
La respuesta es sencilla: la actitud social del
músico y de la música misma.
Si el Jazz tiene alguna característica especial
y, si bien no única sí muy especial, es la
improvisación. La improvisación está en
todos y cada uno de los actos cotidianos de
la vida humana y ahí radica la “magia” de la
improvisación musical: está hecha a imagen
y semejanza del hombre mismo.
Entonces, si tiene un atributo tan especial
y hermoso ¿porqué nosotros (la sociedad
regia) no lo vivimos?
Hay muchas respuestas posibles y numero
algunas: por conformistas, comodines,
ignorancia, apatía, incomprensión y la
lista puede ser casi interminable. Desde la
perspectiva que dan viajes, conciertos,
giras, discos y muchos -pero muchospaíses visitados puedo decir que si bien
todas estas respuestas son ciertas hay una
más muy importante: porque el músico
que no cree no genera y usted como yo no
tiene el más mínimo interés en
involucrarse con una propuesta que quien
la propone no cree en ella. Hace algunas
semanas platicando con un músico en el
Distrito Federal le dije “sólo en esta música
es válido ser aficionado y ejercer
profesionalmente” y explico: en nuestro
entorno tenemos a músicos que tocan en
bodas, bailes -música comercial-,
etcétera. Y antes de seguir quiero dejar en
claro que no es un problema de la música
en sí misma sino del hecho de ejercer un
oficio que no es el nuestro. Ejemplifico:
nosotros sabemos que si tengo un
problema de alergias debo ir con un
doctor, pero no voy con un ginecólogo sino
con un alergólogo y es hasta obvio
¿cierto?... bueno, lo mismo pasa con el
Jazz, cuando vamos a escuchar a un
músico -que por un lado puede hacer una
linda música, tocar muy bien y ser un gran
tipo- pero su oficio y pensamiento no están
en armonía y entereza con el Jazz, su
propuesta no es convincente y mucho
menos capaz de conmover y generar una
sinergia social sana y activa. Y ojo, no
hablo ni de intenciones, ni calidades sino
de entereza o como lo llamaría el pintor
ruso Vasíli Kandinski “La espiritualidad en
el arte”.
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Fotos: Cortesía Omar Tamez
Ahora bien, no es nuestro objetivo marcar
defectos sino generar una introspección y,
porqué no, una meditación personal de
nuestro rol en la vida artística -¡y por ende
sensible!- de nuestra sociedad.
Así que no todo es problema del
“amateurismo” musical sino también de
nuestro “amateurismo” social.
Sin duda, deberemos tener la voluntad de
vivir el arte -y por ende el Jazz- desde una
perspectiva mucho más activa y vital. Nos
hará falta ser humildes, dedicados y
generosos para poder aprender, compartir y
querernos mutuamente en una sociedad a
veces absurda y a veces apática como la
nuestra pero llena de potencial… dependerá
de nosotros hacer valer el potencial.
Hoy reinicio esta colaboración y será un
placer compartir diversos pensamientos,
conceptos y conocimientos que se
acumulan en viajes, giras, conciertos y más
conciertos por el mundo y el
convencimiento de que Monterrey tiene
camino y mucho por recorrer. Sin duda la
parte más emotiva y excitante de la historia
misma: ¡el camino, más que la meta!
Non-Jazz en acción directamente desde Japón
En nuestra próxima entrega platicaremos
de algunos elementos que me parecen
interesantes de la vida “interna” del Jazz y
del grupo mismo de Jazz, ya que se tienen
ideas muy confusas de cómo funciona y
opera esta música.
Hasta entonces que la “fiesta” y el espíritu
se mantengan felices y generosos.
Non-Jazz en acción, ¡el público regio es real!
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Se reintegra a las páginas de esta
publicación el reconocido músico Omar
Tamez, quien colaborará, a partir de esta
edición, con una serie de artículos
referentes al Jazz, su pasión.
Omar Tamez fundó hace diez y nueve años
Non – Jazz, grupo dedicado a formar y
desarrollar nuevos músicos y con el cual ha
grabado nueve discos en México;
actualmente en Non – Jazz coordina a
jóvenes músicos mexicanos en su
desarrollo y formación ar tística.
Desempeña una labor incansable como
maestro en la formación de músicos en
México, realizando talleres y cursos
formativos en Monterrey, en Querétaro y en
la ciudad de México, en la Facultad de
Música de la UNAM.
Ha grabado treinta y tres discos con
diversos artistas en México, Argentina,
Portugal, Francia, Estados Unidos y
Alemania; y realizado giras y conciertos en
México, Estados Unidos, Italia, Francia,
Alemania, Austria, Portugal, Finlandia,
Suecia, Holanda, Inglaterra, Turquía,
Argentina, Brasil, Uruguay, Chile y Japón,
entre muchos otros; acumulando hasta el
día de hoy giras por más de 137 países.
Desde 1997 es productor y locutor en Opus
102 del sistema Radio Nuevo León, de ocho
programas.
Hace diez años funda y dirige el Encuentro
Internacional de Músicos de Jazz y Música
Viva con una edición anual, el cual en estos
diez años ha presentado sesenta y siete
artistas y cincuenta cursos y talleres para
jóvenes y músicos locales; además de
promover cine, exposiciones de fotografía y
documentos del Jazz durante la celebración
del Encuentro.
Desarrolla una labor comprometida con la
formación de nuevos músicos impartiendo
cursos en México, Estados Unidos, Francia,
Italia, Alemania, Argentina y Brasil, entre
otros países.
Es productor de conciertos y sesiones de
artistas mexicanos y extranjeros en México,
Estados Unidos, Francia y Alemania; y ha
desarrollado proyectos multidisciplinarios
en México y el mundo con teatro, danza,
fotografía y poesía.
Ha tocado y/o grabado con Ramón López,
Karl Berger, Conny Bauer, Gebhard Ullmann,
Wadada Leo Smith, Reggie Workman,
Rashied Ali, Sonny Fortune, Andrew Cyrille,
Pheeroan AkLaff, Jonathan Golove, Joe
Fonda, Herb Robertson, Harvey Sorgen,
Ratzo B. Harris, Steve Baczkowski, Laure
Donnat, André Jaume, Rémi Charmasson,
Sophia Domancich, Beñat Achiary, Arjen
Görter, Kalle Kalima, Teppo Hauta-aho,
Satoshi Takeishi, Tatsuya Nakatani, Marcos
Miranda, Rémi Álvarez, FAS Trío, Emilio
Tamez, Hernán Ríos, Gustavo Lorenzatti y
Neil Swainson, por mencionar solo algunos.
27
ESPECIAL
P o r
B e r t h a
E l i z o n d o
Fridericianum
dOCUMENTA (13)
hIGHLIGHTS
“Cuando tienes tiempo las utopías pueden convertirse en una realidad. Y en documenta hay tiempo”
Carolyn Christov-Bakargiev
Como cada 5 años la ciudad alemana de
Kassel abre sus puer tas al ar te
contemporáneo. En esta décimotercera
edición Carolyn Christov-Bakargiev está a
cargo de la dirección artística, siendo ella
la segunda mujer que dirige documenta
(Catherine David, documenta X, 1997).
Carolyn está acompañada por un gran
equipo, a quienes llama “agentes”,
liderado por Chus Martínez ex-Curadora
del MACBA, en Barcelona España.
En esta edición de documenta participan
más de 300 personas , no sólo artistas
plásticos o visuales, también colaboraron
activistas, antropólogos, arqueólogos,
arquitectos, historiadores, escritores,
feministas, filósofos, músicos, científicos,
con el objetivo de ir más allá de las artes
visuales y de esa manera mostrar una visión
más amplia de la cultura contemporánea.
dOCUMENTA (13) está física y
conceptualmente situada en cuatro
locaciones: Kassel (Alemania), Kabul
(Afganistán), Alejandría/Cairo (Egipto) y
Banff (Canadá).
documenta con más sedes en la historia,
entre las que se encuentran
principalmente el Fridericianum,
Friedrichsplatz, documenta Hall, Neue
Galerie y Orangerie. La realidad es que esta
edición de documenta no sólo se
apodera de los principales recintos
culturales en Kassel, va más allá,
rompiendo las barreras de lugar y espacio.
Apropiándose, interviniendo un hogar a
las afueras, bancos, estaciones de trenes,
parques, hasta un bunker; todo Kassel ha
sido secuestrado por el arte
contemporáneo.
En Kassel, la exhibición es presentada en
u n s i n f í n d e l u g a re s , s i e n d o l a
Durante cien días se llevan a cabo gran
variedad de programas educativos,
documenta tiene la capacidad de
“predecir” la dirección que tomará el arte
contemporáneo en los próximos años.
28
lecturas, seminarios, congresos, filmes, así
como también residencias para escritores,
donde podrán platicar con los visitantes en
una mesa del restaurante Dschingis Khan,
ubicado al final del parque Karlsaue. Uno
de los ocho escritores invitados a esta
residencia es el mexicano Mario Bellatin.
bocanada de aire fresco, fácilmente
confundible con el aire de las puertas de la
entrada. Esta casi invisible intervención es
una de las tantas genialidades de
dOCUMENTA (13).
The Brain, dentro de la exhibición que se
presenta en el Fridericianum
expuesto en documenta 5, de modo que
cuarenta años después llega a su ubicación
originaria. A su vez realiza un arduo estudio
e investigación acerca del One Hotel en
Kabul, el cual fue el segundo hogar del
artista italiano entre 1972-1977. Have you
ever seen the snow? es el ensayo visual de la
búsqueda de ese espacio.
Tomando en cuenta la diversidad que
ofrece dOCUMENTA (13) resulta un
poco difícil digerir y expresar mis
impresiones, por lo que decidí comentarles
un poco de lo que para mí son los
highlights:
Un espacio lleno de objetos y obras de
arte, encontraremos La polvera de Eva
Braun, los jarrones de naturalezas
muertas de Morandi, princesas Bactrianas,
las cerámicas de Cumella, etc.
Ryan Gander. I need some meaning I can
memorize (The invisible pull), 2012
Mario García Torres. Have you ever seen
the snow?, 2010
Para dOCUMENTA (13) muestra un
capítulo de su archivo personal que nadie
ha visto o tocado por treinta o cuarenta
años. Su instalación consta de miles y miles
de impresiones de estos archivos los cuales
el visitante puede arrancar y tomar.
Al entrar a las salas casi desoladas del
Fridericianum es imposible no sentir la
Instalación del primer Mappa (1971) de
Alighiero Boetti, el cual debió haber sido
Anna Boghiguian. Unfinished symphony,
2012
Sala de exhibición de la obra de Mario García Torres
Ida Applebroog
Su instalación representa al oído humano
acompañado de los fluidos que componen
el cuerpo humano está rodeada por
dibujos que reflejan sus creencias
religiosas y la autoridad política, e
imágenes de los ríos Nilo y Ganges,
simbolizan la fuerza de la naturaleza y la
lucha en la vida.
Charlotte Salomon. Life? Or Theater?,
1941-1942
Después del suicidio de su abuela y la
revelación que hace su abuelo acerca de
las múltiples mujeres en su vida que
Sala de exhibición de la obra de Ida Applebroog
cometieron suicidio, entre ellas su madre,
Salomon decide realizar una obra
compleja con teatro, pintura y música, lo
cual plasma en 1,325 gouaches. De los
cuales selecciona 769 y los nombra Life? Or
Theater? Los cuales son divididos en tres
partes: Preludio, Parte principal y Epílogo,
que van desde el suicidio de su tía, su
madre, su abuela hasta su vida en la Costa
Azul.
Salomon es asesinada años después en
Auschwitz, sin embargo sus obras son
m i l a g ro s a m e n t e s a l va g u a rd a d a s ,
sobreviviendo la II Guerra Mundial, aunque
nunca sabremos cómo ella imaginaba su
obra: cantada, actuada, leída u observada.
Salvador Dalí
Con la intención de saldar la deuda que
documenta tiene con el Surrealismo, se
exhiben Le grand paranoïaque, 1936; y
Espagne, 1938.
Goshka Macuga. Of what is, that it is; Of
what is not, that it is not 1, 2012
La artista polaca reúne imágenes de Kassel
y Kabul, para llevar a cabo un maravilloso
collage digital. Plasmando de esta forma
algunas de las sedes de dOCUMENTA
(13).
Anton Zeilinger
Los curadores invitaron a algunos
científicos para exhibir su trabajo en
lugares donde tradicionalmente son
únicamente para artistas. Entre ellos, está
el trabajo de Zeilinger, quien muestra un
experimento sobre la “teletransportación”
de fotones individuales.
Massimo Bartolini. Untitled (Wave), 2000
Sala de exhibición de la obra de Goshka Macuga
Instalada primero en el Jardín de la Villa
Medici en Roma ahora toma lugar en el
Parque Karlsaue en Kassel. Consiste en
una alberca rectangular en donde
rítmicamente las olas van y vienen. Un
movimiento infinito que simboliza la
eterna transformación.
concepto de reciclaje. Es importante
mencionar que el artista invita a los
visitantes a transitar y convivir en esta
increíble escultura-instalación ubicada en
el Karlsaue Park, en la que él vive,
literalmente.
Gareth Moore
Giuseppe Penone. Idee di pietra,
2003/2008/2010
Desde la primavera de 2010 el artista
canadiense ha estado trabajando,
recolectando y viviendo en Kassel.
Descubre, recoge, recicla, exhibe y
examina los hábitos del consumismo y el
Fue instalada e inaugurada en Kassel en el
Parque Karlsaue el 21 de Junio de 2010,
como la primer obra de arte de
dOCUMENTA (13). Celebrando la
historia de las esculturas al aire libre
Obra de Giuseppe Penone en el Parque Karlsaue
realizadas en previas exhibiciones de
documenta y como símbolo de la
memoria colectiva y vida diaria de los
residentes de Kassel. Ciertamente esta
obra es imposible de perder.
En esta edición de documenta es
necesario esforzarse en encontrar y
reconocer; en mirar y reflexionar; después
de todo, tal y como lo dijo Carolyn ChristovBakargiev, “lo que presenten los
participantes puede -o no- ser arte” pues la
frontera entre lo que es y no es arte resulta
irrelevante.
Bertha Elizondo forma parte del área de
Programas para Jóvenes y Adultos del
Departamento de Educación de marco
desde 2007. Sus fotografías han aparecido
en diferentes medios, como La Rocka, Casas
y Gente, y esta publicación, actualmente es
fotógrafa de la revista de entretenimiento
Look at Me Magazine. Su pasión por la
música y la fotografía le ha llevado a
documentar importantes festivales de
música a nivel internacional.
http://www.flickr.com/titaelizondo
Fotos: Bertha Elizondo
INFORMARCO
P o r
C l a u d i a
O r t i z
Harvey Sorgen en marco
Además de ofrecer una master class, el talentoso baterista
Harvey Sorgen que está de visita en nuestra ciudad se presentará
junto a Omar Tamez y Non Jazz el sábado 4 de agosto a las
7:30pm. Previo a este concierto, Sorgen dará una charla para el
público en general.
Ciclo de cine
El ciclo de cine Rock'n See continúa sus funciones en agosto,
los miércoles 1, 8 y 15 con las películas A drummer´s Dream
(2010) de John Walker; 24 Hour Party People (2002) de
Michael Winterbottom; y Seguir Siendo: Café Tacvba (2010) de
Ernesto Contreras / José Manuel Cravioto. La cita es a las 7 de
la tarde y la entrada es libre.
El mundo de Astor Piazzolla
Recorriendo Dr. Atl
Los sábados 4 y 11 de agosto a las 12:00 pm se realizarán los
últimos dos recorridos especializados a cargo del maestro
Rodrigo Ledesma, historiador de arte y experto en arte
mexicano. El costo es de $120 pesos e incluye servicio de café,
charla introductoria, visita guiada y material de estudio.
El domingo 26 de
agosto se llevará a
cabo el último
concierto de la
temporada de verano
2012, el cual será
dirigido por el
Maestro Claudio
Tarris y contará con la
presencia de 17
músicos y 5 solistas, quienes interpretarán las obras más
representativas del genio reformador del Tango. Inicia a la 1
de la tarde en el Patio Central. El evento está incluido en el
boleto de entrada al Museo.
AVANCE DE OCTUBRE/NOVIEMBRE
El domingo 21 de octubre se despide la X Bienal Monterrey FEMSA.
Fotos: Cortesía MARCO
33
ENTRE VOLUNTARIOS
P o r
E d n a
C a t a l i n a
C a n o
X Bienal Monterrey FEMSA
Fotos: Cortesía MARCO
Recorrido de capacitación
El 12 de junio, previo a la apertura al público de la exposición X Bienal Monterrey FEMSA, tuvo lugar el recorrido de voluntarios por la salas de
las obras seleccionadas en el certamen. El recorrido estuvo a cargo de Carlos-Blas Galindo e Itala Schmelz, miembros del jurado de esta
edición de la Bienal, quienes remarcaron la variedad de lenguajes utilizados por los artistas participantes y cómo en muchos casos las
obras reflejan situaciones sociales.
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Foto: Aleyda Viornery
Recorrido de la X Bienal Monterrey FEMSA en marco
CAPACITACIÓN MENSUAL
El pasado 27 de junio tuvo lugar la sesión de capacitación mensual para voluntarios, con el
tema La Bienal Monterrey FEMSA tras bambalinas, que estuvo a cargo de la Lic. Marcela
Torres, quien detalló los procedimientos y actividades que implica este certamen.
Por otra parte, el viernes 27 de julio se realizó la junta informativa y convivio de
voluntarios. En esta ocasión, además de informar los logros alcanzados gracias a la
participación de los voluntarios durante el primer semestre del año, a través de la
participación de las coordinadoras de los diversos programas de la Gerencia de Educación
se invitó a los voluntarios a integrarse a los equipos que los llevan a cabo.
Agradecimiento
El jueves 28 de junio, marco celebró
su aniversario número 21 recibiendo
al público que asistió ese día con la
entrada al Museo gratis. Además,
gracias al apoyo de los voluntarios,
quienes con entusiasmo participaron
de la celebración, se ofrecieron visitas
guiadas por las diferentes
exposiciones.
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