EL RENACIMIENTO (XV – XVI)

UD.12 EL RENACIMIENTO
Hª ARTE 2º Bachillerato - Rocío Bautista
EL RENACIMIENTO (XV – XVI) Renacimiento = movimiento artístico y cultural que surgió en Italia en el siglo XV, cuando Europa estaba aun
en pleno gótico.
• Razones por las que surge en Italia:
- El fuerte arraigo de la tradición clásica, que provocó que los estilos medievales tuvieron escaso desarrollo.
- Su organización política en ciudades-estado independientes (Florencia, Venecia...) con una gran prosperidad
económica basada en su condición de intermediarios comerciales en el Mediterráneo. Ello favoreció el desarrollo de
una burguesía mercantil enriquecida, que permitió una renovación de los valores medievales.
• Se extiende por Europa en el s.XVI gracias a los abundantes intercambios entre las diferentes Cortes y
Universidades, así como a la invención de la imprenta.
• Fue fruto de la difusión de las ideas del Humanismo (interés por la cultura grecolatina, exaltación del ser
humano, individualismo, culto al esfuerzo personal, espíritu científico y de progreso...), movimiento
intelectual que determinó una nueva concepción del hombre y del mundo.
• Características generales:
- Inspiración en la antigüedad clásica:
→ Órdenes arquitectónicos grecorromanos
→ Temas mitológicos
→ Belleza entendida como armonía entre las partes, proporción y orden (belleza ideal)
- Antropocentrismo: se abandona definitivamente el teocentrismo románico y el hombre se convierte en
cetro de todo (edificios a escala humana, interés por la figura humana, gusto por el retrato...).
- Se antepone la belleza formal a la significación de la obra: el arte deja de tener una finalidad
exclusivamente didáctico-religiosa. Se busca la belleza formal, en contraposición a la tradición medieval
que priorizaba la transmisión del mensaje religioso.
- Nueva clientela: además del clero y la nobleza, la burguesía también demandará obras de arte para
decorar sus palacios y mostrar su estatus social. Ello contribuye a la renovación del arte, pues se debe
adaptar a sus gustos (visión individualista y más mundana, temas profanos...)
- Se abandona el carácter artesanal y anónimo de los artistas, que empiezan a firmar sus obras, son
considerados intelectuales y disfrutan de un gran reconocimiento social.
- Se extiende la práctica del mecenazgo: por un afán de prestigio personal, príncipes, clérigos, nobles y
burgueses van a fomentar el arte mediante el patrocinio y la financiación de artistas.
• Cronología: abarca los siglos XV y XVI. Dentro del arte del Renacimiento en Italia podemos distinguir los
siguientes periodos:
Ø QUATTROCENTO (s.XV):
- La actividad artística se centra en Florencia.
- Principales mecenas: los Medici.
- Etapa de experimentación y búsqueda.
Ø CINQUECENTO (s.XVI):
- El centro artístico será Roma.
- Principales mecenas: la Iglesia.
- Representa la plenitud del Renacimiento.
Ø En el 2º tercio del s.XVI dio comienzo el MANIERISMO,
- Arte poco homogéneo que marca el declive del Renacimiento
- Aunque cronológicamente pertenece al Cinquecento, se considera un estilo independiente debido a sus
diferencias estilísticas y formales.
- Reflejo de la crisis que atraviesa Europa (ej: Reforma protestante; guerras por el dominio de Italia
entre España y Francia) à el mundo ordenado y optimista del Renacimiento se empieza a
resquebrajar, y surge un arte que se aparta de los valores de la Antigüedad Clásica. Las composiciones
pierden la simetría, la proporción y la serenidad de las obras renacentistas, y la atención se centra en el
decorativismo más que en la estructura formal de la obra. Se manifiesta sobre todo en la pintura.
PINTURA
ESCULT.
ARQUIT.
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QUATTROCENTO (s. XV)
Otros:
• Brunelleschi
• Michelozzo
• Alberti
• Benedetto da Maiano
• Giovanni Amadeo
• Ghiberti
• Donatello
• Fra Angelico
• Masaccio
• Piero della Francesca
• Boticelli
• Mantegna (Padua)
Otros:
• Jacopo della Quercia
• Luca della Robbia
• Andrea del Verrochio
Otros:
• Andrea del Castagno
• Paolo Ucello
• Domenico Ghirlandaio
• Il Perugino
CINQUECENTO (s.XVI)
Otros:
• Bramante
• Sangallo
• Miguel Ángel
• Vignola
• Palladio
• Miguel Ángel
• Leonardo da Vinci
• Rafael Sanzio
• Miguel Ángel
Otros:
• Juan de Bolonia
• Cellini
La escuela de Venecia:
• Giorgione
• Tiziano
• Tintoretto
• Veronés
Manieristas: Corregio,
Parmigianino, Pontormo,
Bronzino
ARQUITECTURA
A) QUATTROCENTO (s. XV)
v Los grandes arquitectos del Quattrocento rechazaron el arte gótico y se dedicaron al estudio de la
Antigüedad clásica a través de los edificios romanos conservados y del Tratado sobre arquitectura de
Vitruvio (arquitecto romano del siglo I a.C.). Como resultado, desarrollaron una arquitectura que
reinterpretaba la de la Antigüedad, pero sin caer en la imitación y adaptada a las nuevas necesidades.
v Características:
• El edificio se construye según una serie de proporciones matemáticas, atendiendo a la nueva concepción
de la belleza, entendida como armonía entre las partes. Se busca un módulo (una medida) que se repite y
organiza el espacio.
• Predomina la horizontalidad y se retorna a las proporciones a escala humana frente a la verticalidad y
monumentalidad del gótico.
• Materiales constructivos nobles, habitualmente la piedra de sillería
• ELEMENTOS SUSTENTANTES:
- El muro recupera su función sustentante (a diferencia del gótico). Predomina el macizo sobre el
vano.
- Se sustituye el pilar por la columna de orden clásico, sobre todo el corintio. También se usan
pilastras.
• ELEMENTOS SOSTENIDOS:
- Arco: de medio punto.
- Cubiertas: a veces adinteladas (planas) revestidas con artesonado de madera con casetones y otras
veces bóvedas de cañón o de arista (la de crucería gótica desaparece). La cúpula adquiere un
especial protagonismo y va a ser una constante preocupación técnica de los arquitectos renacentistas.
• ELEMENTOS DECORATIVOS: predominio de las formas constructivas sobre lo decorativo. Destacan:
- Elementos constructivos clásicos utilizados con función decorativa: entablamentos y frontones.
- Destaca la decoración de grutescos (de origen romano; seres fantásticos mezcla de formas vegetales,
animales y humanas), frecuentemente dispuesta a candelieri (colocados simétricamente a un lado y
otro de un eje central, como un candelabro).
- Sillares almohadillados (con realce)
- Medallones, escudos, guirnaldas, conchas...
- Balaustradas
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• PRINCIPALES EDIFICIOS:
- Templos: plantas basilicales, cruz latina, cruz griega o centralizadas. En todas ellas se intenta obtener
un espacio lo más diáfano posible.
- Palacios urbanos: estructura cúbica, con un patio rectangular interior, con una fachada de sillería
almohadillada, dividida en pisos (normalmente 3) y coronada por una gran cornisa que subraya la
horizontalidad del edificio.
• URBANISMO: la dimensión humana del Renacimiento lleva a que se replantee la ciudad como un espacio
por y para el hombre. Se escriben tratados sobre la ciudad ideal (città ideale) inspirados en Vitrubio
(planta centralizada, trazado regular, murallas defensivas, plaza central principal…), pero se encuentran
con la dificultad para poner en práctica esos trazados ideales, ya que no se puede derribar las ciudades.
Ø BRUNELLESCHI:
• Escultor y orfebre en su juventud, cambiará su actividad por la de arquitecto al viajar a Roma y observar
los monumentos clásicos. Es considerado el iniciador de la arquitectura renacentista.
• Se le considera el inventor de la perspectiva lineal, gracias a la elaboración de dos tablillas de vistas de
edificios florentinos, hoy perdidas, en las que lograba representar un espacio tridimensional en una
superficie plana tal y como sería contemplado por el ojo humano. Este sistema se basaba en que las
rectas paralelas convergían en un mismo punto conocido como “punto de fuga”.
• Creó una arquitectura a la medida del hombre y de proporciones matemáticas, en la que cada parte está
armónicamente coordinada y proporcionada con el todo.
• La decoración es muy escasa y se reduce a casetones en las cubiertas y medallones. Destaca el uso de la
pietra serena, una piedra gris oscura, para arcos, columnas y pilastras, contrastando con el blanco liso
de los muros. Así los elementos constructivos se convierten en decorativos.
• Sus principales obras:
- Cúpula de Santa María de las Flores (catedral de Florencia): es su obra más
famosa y la primera gran obra del Renacimiento. La cúpula se levanta sobre el
crucero de la catedral gótica, cubriendo un diámetro similar a la del Panteón
romano (42 m), pero de porte más esbelto ya que está alzada sobre un tambor
octogonal, decorado con mármoles y con ventanas circulares en cada uno de sus
lados. Compuesta por dos cúpulas superpuestas: una semiesférica en el interior,
y otra ligeramente apuntada rematada por una linterna en el exterior cuyos
empujes verticales neutralizaban las presiones laterales que ejercía la cúpula
semiesférica interior. Entre ambas capas se encuentra los nervios y anillos que
forman la estructura de la cúpula. Se trata de anillos concéntricos de tamaño decreciente, unidos por
nervios verticales que van desde los ángulos del tambor hasta la clave y que permiten dirigir el peso
hacia el tambor sin que éste tienda a desplazarse hacia fuera.
- Iglesia de San Lorenzo: planta basilical de tres naves separadas por arcos
de medio punto sobre columnas de orden corintio realzados por un
fragmento de entablamento. La nave central presenta cubierta adintelada
con casetones y es más alta y ancha que las laterales, en las que se abren
capillas laterales y óculos. En la planta basilical se inscribe una cruz
latina, subrayándola en el interior mediante una mayor altura, y la
cabecera es plana. El acceso al crucero se marca mediante un gran arco de
medio punto, y su cubierta está formada por una cúpula sobre pechinas. Tendencia a la
horizontalidad. En esta obra se encuentran las principales características del trabajo de Brunelleschi:
→ Ordenación del espacio mediante proporciones matemáticas: emplea el módulo cuadrado que se
forma en el crucero y trabaja con él en todo el edificio usando múltiplos de ese módulo, creando
así una sensación de armonía total de todos los elementos.
→ Armonía y orden gracias a la búsqueda de la perspectiva lineal, donde todas las líneas paralelas
(cornisa, moldura, entablamento, basas de columnas...) convergen en un punto de fuga, el altar.
→ Bicromatismo: hace resaltar los elementos estructurales (arcos, columnas, pilastras...) con el color
gris de la piedra (la pietra serena), dejando en blanco los muros de relleno.
→ La sobriedad decorativa.
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- Pórtico del Hospital de los Inocentes: edificio abierto al espacio
urbano a modo de claustro, edificado alrededor de un patio central.
Destaca el pórtico formado por amplios arcos de medio punto
sostenidos por delgadas columnas de orden compuesto (mezcla del
jónico y el corintio). En su interior emplea bóvedas vaídas que dividen
el pórtico en tramos que forman cubos geométricos. El pórtico está
ordenado mediante proporciones matemáticas ya que el ancho del
vano, la distancia entre los arcos y la pared del fondo, y la altura de la columna es la misma. Destaca
la horizontalidad, remarcada por las molduras de los arquitrabes. La decoración es sobria, destacando
la bicromía (pietra serena gris para los elementos estructurales, blanco para el resto), los medallones
policromados en blanco y azul con figuras de niños en pañales (añadidos posteriores de Andrea della
Robbia), y los frontones triangulares sobre las ventanas.
- Palacio Pitti: establece el modelo de palacio renacentista. Destacan los
toscos sillares almohadillados del paramento exterior y su horizontalidad,
acentuada por la supresión de las altas torres defensivas medievales, y la
estructuración de la fachada en 3 pisos separados por balaustradas. Los
vanos están organizados rítmicamente, con arcos de medio punto con
dovelas almohadilladas y ventanas cuadradas al exterior.
- Capilla Pazzi: junto al claustro de la basílica gótica de la Santa Croce.
Planta centralizada de cruz griega, cubierta con cúpula sobre pechinas. Al
exterior tiene un pórtico entre 6 columnas de orden compuesto, que imita
el de los templos clásicos, cubierto con cúpula y bóveda de cañón con
casetones. Emplea la medida de la proporción áurea (ya empleada
anteriormente por los griegos en sus templos) en el diseño de su planta y
fachada.
- Iglesia de Santo Espíritu: muy similar a la de San Lorenzo. En ella
perfecciona las relaciones proporcionales: la anchura de la nave central es
la mitad de la altura. La planta es de cruz latina con numerosas capillas.
Ø LEON BATTISTA ALBERTI: arquitecto y teórico de los principios de
arquitectura clásica que plasmará en “De re aedificatoria”.
- Templo de Rímini (o Malatestiano): destaca la fachada inconclusa,
inspirada en los templos tetrástilos y en los arcos de triunfo clásicos, con
dos cuerpos separados por un entablamento. El cuerpo inferior se eleva
sobre un podio y en él se distinguen tres calles rectangulares decoradas
con arcos de medio punto y óculos, y separadas por medias columnas
corintias adosadas al muro. Destaca el frontón sobre la puerta de la calle
central. El segundo cuerpo planteaba una gran arcada central que no se
llegó a construir.
- Santa María Novella: iniciada en época gótica, la fachada fue terminada
por Alberti. La influencia romana es evidente en el revestimiento con placas
de mármol polícromas. Presenta un armonioso sistema de proporciones
matemáticas basado en el módulo del cuadrado. La totalidad de la fachada
se inscribe en un cuadrado. El cuerpo inferior lo divide en dos cuadrados,
cada uno ¼ del cuadrado total. El cuerpo superior lo divide en tres partes:
una central iguala a los cuadrados inferiores y en los extremos dos enormes
volutas (aletones) cuya base y lado son la ½ del cuadrado. Otro elementos
clásicos destacables: el frontón que remata el cuerpo superior, el
entablamento que separa los dos cuerpos, la decoración a base de arcos de medio punto, pilastras y
medias columnas de orden compuesto.
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- Palacio Rucellai: tiene tres cuerpos separados por cornisas en voladizo, cada uno
de ellos compartimentado por pilastras que forman rectángulos con ventanas
geminadas (divididas por columnas) inscritas en arcos de medio punto que ocupan
las tres cuartas partes de la altura. Se logra una sensación de orden y simetría
gracias a las repeticiones de elementos y las proporciones entre estos. También
destaca la superposición de órdenes en las pilastras (dórico, jónico y corintio) que
recuerdan al Coliseo romano. Los sillares están almohadillados, aunque de manera
más sutil que el Palacio Pitti de Brunelleschi.
- Iglesia de San Andrés de Mantua: la fachada está inspirada en los arcos de
triunfo romanos: constituida por un grandioso arco de medio punto sobre
pilastras corintias que encierra la portada, y coronada por un frontón. La bóveda
de cañón que recubre este vano está decorada con casetones clásicos. La
estructura interior del edificio recuerda a la basílica romanas de Constantino y
Majencio, de una sola nave con capillas laterales y transepto. Sistema de
proporciones matemáticas basado en la distancia entre las pequeñas figuras que
recorren el entablamento.
Ø MICHELOZZO: discípulo de Brunelleschi, realiza el Palacio Medici-Ricardi,
similar al Palacio Pitti, pero con novedades. Coloca una cornisa muy saliente
que proyecta sombra, y la fachada está dividida en tres pisos por medio de
cornisas voladas, y se marca la diferencia entre los pisos mediante el
tratamiento del aparejo del muro: el almohadillado de cada cuerpo va siendo
más reducido al ascender en altura. Los vanos son geminados, con arco de
medio punto cobijado por otro arco de medio punto.
Ø BENEDETTO DA MAIANO: realiza el Palacio Strozzi, similar a los anteriores.
Ø GIOVANNI AMADEO: trabaja en Lombardía. Realiza la Cartuja de Pavía: destaca la exuberancia
decorativa (columna abalaustrada –retorcida-, hornacinas...) que influirá en el Renacimiento francés y en
el plateresco español.
B) CINQUENCENTO (s. XVI)
-
El arte renacentista alcanza su máxima plenitud en las dos primeras décadas del s.XVI.
Se impone la estructura frente a la ornamentación, que cada vez es más sobria.
Se abandona la horizontalidad. Arquitectura más monumental.
Se dominan plenamente los elementos clásicos.
Se opta preferentemente por las plantas centralizadas (circulares o de cruz griega), con un fuerte
simbolismo. También aparecen plantas de cruz latina insertadas en un espacio cuadrado.
Ø BRAMANTE:
- Templete de San Pietro in Montorio (Roma): encargado por los Reyes Católicos; glorifica la figura
de San Pedro en el monte donde se supone fue crucificado. En él va
desarrollando ideas que después plasmará en San Pedro del Vaticano. Es de
pequeñas proporciones, con planta circular inspirada en los tholos de la
Antigüedad clásica, asentado sobre un podio y coronado por una cúpula sobre
tambor. Rodeado por un peristilo de columnas de orden toscano, sobrio y
robusto como corresponde a un héroe/divinidad masculino (según Vitruvio),
que sostiene un friso con triglifos y metopas (decoradas con símbolos
litúrgicos y de San Pedro) y una balaustrada. Los muros exteriores de la cella
alternan rítmicamente vanos adintelados con nichos rematados con
semicirculares conchas de venera, separados por pilastras. Sencillez y armonía
de todas sus partes. Escasa ornamentación. Debajo del altar mayor está la
cripta, donde supuestamente estaba clavada la cruz de San Pedro.
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- Proyecto para la Basílica de San Pedro del Vaticano: encargo del Papa Julio II
para sustituir la antigua basílica paleocristiana. Diseña una planta de cruz griega
inscrita en un cuadrado cubierto en el centro con una gran cúpula, constaba de
cuatro entradas, los brazos estarían cubiertos por bóvedas de cañón y acabarían en
ábsides semicirculares. El simbolismo celeste de la cúpula central se
complementaría con el terrestre del cuadrado de la planta en el que cada brazo y
puerta se abría a un punto cardinal en alusión al carácter universal de la Iglesia.
Bramante murió cuando sólo se habían construido los pilares del crucero; el
proyecto lo continuarían Rafael, Sangallo y finalmente Miguel Ángel.
Ø SANGALLO: creador del palacio del Cinquecento romano.
- Palacio Farnesio: sobriedad decorativa; abandona el almohadillado
florentino y las ventanas geminadas. Alterna los frontones curvos con
los rectilíneos. En el patio interior: columnas adosadas y superposición
de órdenes, desde el toscano en lavase hasta el corintio en el piso más
alto, siguiendo el modelo del Coliseo romano.
Ø MIGUEL ÁNGEL: humanista por excelencia que practicó las tres artes mayores, aunque su labor como
arquitecto es más tardía que como pintor o escultor. De él arranca el manierismo en arquitectura (se
caracteriza por el deseo de señalar la personalidad del artista: se rompe con los
elementos tradicionales, se usan libremente los elementos y las proporciones, la
decoración es caprichosa y extravagante, se suceden los efectos).
- Sacristía nueva de la Iglesia de San Lorenzo (Florencia): carácter
manierista dada la gran tensión en el cuerpo inferior, donde los elementos
arquitectónicos carecen en su mayoría de función arquitectónica real y se
disponen con total libertad, sin someterse a ningún orden y sistema de
proporciones. Se complementa con la decoración escultórica.
- Escalera de la Biblioteca Laurenciana (Florencia): manierista. En un
mínimo espacio introduce un amplio repertorio de motivos arquitectónicos
clásicos, con gran libertad. Alternancia de superficies curvas dinámicas y
rectas estáticas, que da una impresión majestuosa y anuncia el Barroco.
- San Pedro del Vaticano: tras la muerte de Bramante se encargan las obras a
Rafael y luego a Sangallo, quienes quisieron transformar la planta en cruz
latina. A su muerte, Miguel Ángel asume la dirección de la obra, que
prescinde de las torres, limita a una sola entrada y levanta una gran cúpula
sobre tambor circular, inspirada en la de la catedral de Florencia de
Brunelleschi, que crea el tipo de cúpula occidental hasta el s.XIX. El tambor
presenta columnas pareadas y ventanas con alternancia de frontones curvos
y rectos. Tiene un doble casquete, semiesférico en el interior y ligeramente
apuntado en el exterior. Se eleva sobre pechinas decoradas con los signos
del tetramorfos que descansan sobre cuatro pilares. Decorada con mosaicos.
Ø VIGNOLA: también es tratadista.
- Il Gesú (Roma): para la Compañía de Jesús, intenta reflejar el espíritu de la Contrarreforma. Planta de
cruz latina de nave única, bóveda de cañón, transepto poco marcado. Las naves laterales se sustituyen
por capillas comunicadas entre sí para potenciar el culto a los santos, rechazado por los protestantes.
Ø PALLADIO: trabaja sobre todo en Venecia. Contribuye a la difusión del Renacimiento con su obra Los
cuatro libros de arquitectura.
- Iglesia de San Giorgio Maggiore (Venecia): destaca el uso de semicolumnas de orden colosal.
- Villa Capra o “La Rotonda” (Vicenza): planta cuadrada, cuatro fachadas a modo de pórticos de
templos romanos. El espacio central está cubierto por una cúpula.
- La Basílica de Vicenza: en ella emplea el motivo palladiano, columnas en dos escalas distintas, la
mayor para el entablamento y la menor para los arcos
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ESCULTURA
A) QUATTROCENTO (s. XV)
v Características generales
• Las bases fundamentales de la escultura renacentista del Quattrocento son:
- El naturalismo gótico: volumen, elegancia, gusto por las curvas, esbeltez de proporciones,
independencia del marco arquitectónico...
- Inspiración directa en las obras clásicas
• MATERIAL: igual que en la antigüedad usan el mármol (sin policromar, pues desconocían que en la
Antigüedad las policromaban pues los colores originales se habían perdido) y el bronce.
• TEMAS: el motivo principal fue la figura humana, que debía ajustarse a un correcto sistema de
proporciones como en la Antigüedad. Además del género religioso, destaca la reintroducción del
desnudo y el retrato ecuestre (erigido en honor de personas ilustres, para colocarlas en algún lugar
público). También se pusieron de moda las figuras mitológicas o alegóricas.
• A diferencia de la escultura medieval, se prioriza la belleza formal a la función didáctica.
• En los relieves se busca la correcta representación del espacio y la perspectiva.
• A diferencia del gótico que se caracterizaba por el movimiento de los personajes en un solo plano, en el
Renacimiento se busca la serenidad y la calma en las actitudes.
Ø LORENZO GHIBERTI (1378-1455): primer gran escultor enteramente renacentista. Destaca sobre todo por
la visión pictórica de sus relieves.
- Segundas puertas del Baptisterio de la Catedral de Florencia: puerta norte.
Bronce. 28 paneles; escenas de la vida de Cristo. Obligado por las bases del
concurso (debían mantener el formato de las primeras, de Andrea Pisano), tiene
reminiscencias medievales pues las escenas están enmarcadas en cuadrilóbulos
góticos y apenas hay referencias espaciales ni perspectiva. No obstante, la
perfección anatómica es de clara inspiración clásica. Es una obra de transición.
- Terceras puertas conocidas como “Puertas del Paraíso”: puerta este. Bronce
dorado. 10 paneles pero de mayor tamaño; escenas del Antiguo Testamento.
Definitivamente rompe con el gótico. Diferentes niveles de relieve para definir
planos de profundidad: las escenas principales están en los primeros planos en
la parte inferior y son de mayor volumen, mientras que en la parte superior se
representan paisajes y arquitecturas clásicas en un bajorrelieve muy acusado.
Sentido pictórico por la colocación armoniosa de las figuras, la perspectiva, la
representación del paisaje, los juegos de luces y sombras... Se aprecia la
influencia de la escultura griega en la aparición de desnudos y vestiduras
clásicas.
Ø DONATELLO (1386-1466): Escultor más importante del Quattrocento, representa el pleno clasicismo.
Gran interés por la Antigüedad, acompañó a Brunelleschi a Roma para estudiar los monumentos clásicos.
El motivo fundamental de su obra fue la figura humana, a la que representó de distintas actitudes y
edades. Combina la serenidad y el equilibrio clásicos con una expresividad que lo aleja
de la belleza idealizada clásica.
- San Jorge: mármol. Encargo del Gremio de los fabricante de armaduras (San Jorge,
guerrero santo, era su patrón). Tema religioso medieval, pero el personaje está tratado
como si fuera un guerrero romano. Tratamiento de la figura clásico y equilibrado, sin
caer en la rigidez pese a la posición estática. Actitud serena, pero mirada intensa; el
rostro está entre el idealismo y el realismo (inspirado en el retrato romano, realista e
individualizado). Relieve muy superficial (“schiacciato”) de San Jorge luchando
contra el dragón para salvar a la princesa en la base de la hornacina: gran profundidad
y verosimilitud pese a su mínimo resalte.
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- De esta misma época son el David en mármol y el San
Juan Evangelista que inspirará el Moisés de Miguel
Ángel. En ambas obras hay serenidad clásica, realismo
e idealismo en el rostro.
- También realiza una serie de profetas para el remate de
la catedral de Florencia, entre estos destaca el Profeta
Habacuc (conocido también como Il Zuccone – el
calabacín, por ser el calvo), donde refleja la vejez, la
sabiduría, delgadez... Gran expresividad. Influencia del
retrato romano, realista e individualizado.
Su estancia en Roma le influyó y a su vuelta realiza
- Relieves de la Cantoría de la catedral de Florencia: tribuna destinada a los
niños cantantes del coro de la catedral. Temas inspirados en los relieves
romanos: guirnaldas, “putti” (pequeños angelotes que acompañan a Venus)
corriendo, saltando… El encuadre se hace mediante grupos pareados de
columnas que marcan cuadrados en un friso continuo por el que discurren
los personajes. Gran movimiento y expresividad gracias a la composición:
líneas en diagonal de los pequeños cuerpos de los ángeles, en contraste con el equilibrio y
verticalidad de las columnas de separación de las escenas. Casetones entre las ménsulas.
- David en bronce: primer desnudo de bulto redondo a tamaño natural del Renacimiento. Se
recrea en la representación de un desnudo adolescente, siguiendo el modelo de los héroes
clásicos divinizados, y con clara influencia de Praxíteles (“curva praxiteliana” o exagerado
contrapposto, modelado de gran delicadeza, aspecto blando, sensualidad, superficie muy
pulida y suave).
- Condottiero Gattamelata: inspirada en la estatua ecuestre de Marco
Aurelio. Figura vestida con armadura romana y falda corta a la manera
clásica, caballo al paso, con tres de sus patas en el suelo, lo que
contribuye a dar sensación de serenidad y equilibrio. Refleja la nueva
mentalidad humanista: exaltación individual, aspiración a la fama,
dominio de la naturaleza (el caballo) por medio de la razón...
De su última etapa:
- María Magdalena: madera. Refleja su crisis espiritual. Profundo realismo, expresividad y
dramatismo (sufrimiento, vejez); ya no busca la belleza ideal.
Ø JACOPO DELLA QUERCIA: le caracteriza el gusto por las formas musculosas y hercúleas,
que influirá en el estilo de Miguel Ángel.
- Relieves de San Petronio de Bolonia
Ø LUCA DELLA ROBBIA: se caracteriza por sus relieves en
mármol y por el trabajo de cerámica vidriada.
- Cúpula interna de la capilla Pazzi
- Cantoría de la Catedral de Florencia: menos clasicista
que la de Donatello.
Ø ANDREA DEL VERROCHIO: le caracteriza el afán permanente de expresividad.
- Condottiero Colleoni: Gran fuerza expresiva: cuerpo echado hacia atrás del
Condottiero, caballo avanzando con paso decidido. Realismo: el rostro refleja la
personalidad del retratado (altivez, arrogancia). La figura está en contrapposto y
sugiere mayor violencia y movimiento que el Gattamelata.
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B) CINQUENCENTO (s. XVI)
v Características:
• Durante el s. XVI continúan las mismas características del Quattrocento en cuanto a los temas, material,
serenidad y búsqueda del espacio y la perspectiva, pero se aprecia una tendencia a la grandiosidad que
alterará la serenidad anterior. A ello contribuyó enormemente el descubrimiento en 1506 del grupo
escultórico “El Laocoonte y sus hijos”, que ejerció una gran influencia en los artistas de la época.
• A partir del 2º tercio del s.XVI se empezó a desarrollar el manierismo, cuya principal característica será
el empleo de la figura serpentinata que transmite desequilibrio y movimiento al mismo tiempo. Fue
Miguel Ángel el precursor en varias de sus obras.
Ø MIGUEL ÁNGEL (1475-1564): es el prototipo de hombre renacentista: arquitecto, pintor y, sobre todo,
escultor. En sus obras confluyen dos principios: la búsqueda de la belleza ideal y la expresividad. Sus
figuras se caracterizan por la terribilitá (gran fuerza expresiva, miradas profundas, duras y penetrantes,
gestos fieros y vigorosos, llenos de ira...) y el estudio detallado de la anatomía, con potentes musculaturas
en diferentes etapas de la vida del ser humano. Migue Ángel sufre una evolución muy clara en 3 épocas:
1. Periodo de juventud: ETAPA CLASICISTA. En sus primeros años, se inspira en el escultor más
importante del Quattrocento, que era Donatello. Su meta parece ser la belleza formal, idealizada. Para
ello debe destacar los rasgos de serenidad, armonía, equilibrio, estabilidad y proporción.
Comienza su formación en Florencia, donde consigue la protección de Lorenzo de Medici. Su primera
obra es la Virgen de la escalera.
En Bolonia estudia la obra de Jacopo della Quercia que le influye en su visión del cuerpo y el desnudo.
Luego se traslada a Roma donde realiza una de sus obras maestras:
- La Piedad (1499): mármol. Composición piramidal que transmite estabilidad y
equilibrio. Gran tratamiento de las calidades textiles. Gran idealización: Cristo
muerto, yaciendo sin sufrimiento, encima de las rodillas de la Virgen, cuya
juventud, belleza y serenidad llaman la atención. Formalmente, Miguel Ángel
agranda el volumen y la amplitud de las piernas para poder acoger la figura del
hijo.
Más tarde, regresó a Florencia, donde le encargan:
- El David (1501-03): Símbolo de la ciudad de Florencia, representa la libertad.
Realizado en un enorme pero estrecho bloque de mármol. No lo va a
representar de la forma tradicional, cuando ya ha vencido a Goliat, sino en el
momento anterior. Muestra una figura colosal y desnuda, como un atleta o
héroe de la Antigüedad que se prepara para un enfrentamiento decisivo.
Clasicismo en el perfecto estudio anatómico y posición de contrapposto,
aunque hay una incipiente expresividad: su mirada nos presenta la terribilitá,
hay tensión en la musculatura, tendones y venas, el rostro expectante,
concentrado, preparándose para el combate...
2. Periodo de madurez: ETAPA DE TRANSICIÓN. Inicia la disolución del ideal estético del
Renacimiento y aparecen tendencias manieristas que anuncian el Barroco. No obstante, aun hay un
equilibrio entre belleza formal y expresividad.
→ El Moisés (1513): por encargo de Julio II realizó el proyecto de su tumba,
sería un monumento exento cargado de esculturas de figuras bíblicas y que
debía ser colocado bajo la cúpula de San Pedro. De todo ello solo se conserva
el Moisés y algunas figuras menores (Los esclavos, algunos simplemente
esbozados). Mármol, representa al profeta a su regreso del monte Sinaí
después de 40 días que, con las tablas de la ley, observa horrorizado la
idolatría de su pueblo. Influencia del Laocoonte y sus hijos. Gesto de
violencia contenida y expresión de terribilitá en el rostro (ira, fuerza...). Sensación de
movimiento contenido por medio de la postura de las piernas, el manto, la barba recogida por la
mano...)
UD.12 EL RENACIMIENTO
Hª ARTE 2º Bachillerato - Rocío Bautista
- Sepulcros de Lorenzo y Giuliano de Medici de la sacristía
nueva de San Lorenzo (1520-32): ambos tienen estructura
piramidal: en la parte inferior un sarcófago de inspiración
romana sobre el que yacen dos figuras, y el retrato del difunto
en la superior. Los retratos de los Medici están dentro de
nichos rectangulares con la pierna derecha sobresaliendo del
marco y la izquierda retrasada, con figuras alargadas con
influencia de Lisipo. Son personificaciones idealizadas de las dos vías de llegar a Díos: la vida
contemplativa (el Pensador) y la vida activa (el Guerrero). Las figuras sobre los sepulcros (figuras
musculosas, contorsionadas, con influencia de Scopas) son alegorías de los 4 momentos del día: el
Día y la Noche (sepulcro de Giuliano) y el Crepúsculo y la Aurora (sepulcro de San Lorenzo).
3. Periodo de vejez: ETAPA MANIERISTA. se produce la ruptura con el clasicismo. Búsqueda del
expresionismo. Su obra refleja una única idea: soledad y desolación ante la muerte. Esculturas
desequilibradas física y psicológicamente. Apoya ese desequilibrio
en la técnica del inacabado y no pulir la piedra. El tema preferido de
esta época es la Piedad, reflejo de su crisis religiosa.
- Piedad de Palestrina: deja sin terminar parte de las figuras para
expresar el dolor de forma más sensual y dejar al espectador que
cree el momento de máxima tensión. El cuerpo de Cristo cae en
un zigzagueo manierista, sus piernas son cortas y delgadas y el
tronco muy desarrollado.
- Piedad Rondanini
Ø JUAN DE BOLONIA: representante del manierismo, que en escultura se caracteriza por la
figura serpentinata (contorsionada dibujando una ascensión helicoidal). Sus obras no se
limitan a una perspectiva principal. Rapto de las sabinas.
Ø CELLINI: seguidor del manierismo, posee una de las mejores técnicas, pues también era
orfebre. Sus obras están llenas de expresividad, tensión y desgarramiento. Perseo con la
cabeza de Medusa.