Guía de Historio de la Música - Conservatorio Nacional de Música
Anuncio
GUÍAS Y CUESTIONARIO DE HISTORIA DE LA MÚSICA EVALUACIÓN DE LOS ESTUDIANTES A GRADUARSE SEGÍN LO DETERMINADO EN LA TRANSITORIA III DEL ACUERDO 0065A -15 DEL BACHILLERATO EN ARTES MÚSICA. UNIDAD 1 1. Orígenes de la Música 1.2 La música en las civilizaciones de la antigüedad: Breve reseña de Egipto, Grecia, China, Mesopotamia, Roma, India e Israel. 1. Orígenes de la música en la prehistoria. Los estudios sobre la música prehistórica se ven auxiliados de la arqueología y la antropología, con ellos se investiga la aparición de instrumentos musicales en los yacimientos arqueológicos, y la comparación entre los pueblos prehistóricos y los pueblos primitivos actuales. Las investigaciones sobre los orígenes de la música en la prehistoria son parte de las competencias de los arqueo-musicólogos, quienes estudian todos los objetos sonoros encontrados en las excavaciones arqueológicas. Los hombres prehistóricos utilizaban instrumentos musicales pertenecientes a las cuatro familias que actualmente se conocen. Existen varias teorías sobre los motivos del surgimiento de la música: la necesidad de comunicarse a través de la distancia. La magia puede ser un origen para la música, con los cantos y danzas de los hechiceros. • La música paleolítica: en este periodo se la consideraba un recurso mágico, que servía para los rituales de cacería. • En el neolítico: la sedentarización de ciertos grupos humanos plantea los espacios de ocio, los cuales pueden amenizarse con la música por medio de cantos y danzas. Instrumentos de la música en la prehistoria: En la naturaleza propiamente dicha, o en las actividades cotidianas es posible encontrar música. Golpeando dos piedras o cortando un árbol, se obtenía un sonido rítmico. Se han encontrado entre los restos arqueológicos, instrumentos de las cuatro familias: idiófonos (palos, sonajas, raspadores, maracas de calabaza, xilófonos, etc), membranófonos (tambores, mirlitones),cordófonos (toda la variedad de arcos), aerófonos (flautas, silbatos, cuernos y caracolas). Todos estos instrumentos continúan utilizándose. Las formaciones de estalactitas y estalagmitas de las cavernas, producen sonoridades diversas, al golpearlas con la mano, una madera o hueso. CUESTIONARIO DE AUTOEVALUACIÓN A. ¿De qué manera la Antropología y la Arqueología ayudan al conocimiento de la música en la Prehistoria? B. ¿Enumerar algunas de las motivaciones que hicieron que el hombre primitivo se vea motivado a crear música? C. Describir la diferencia entre lo que la música significaba para el hombre del paleolítico y lo que significó para el del neolítico? D. Enumerar los instrumentos que encontrados en los restos arqueológicos por familias, así: idiófonos, membranófonos, cordófonos, aerófonos. 1.2 La música en las civilizaciones de la antigüedad: Breve reseña de Egipto, Grecia, China, Mesopotamia. LA MÚSICA EN EL ANTIGUO EGIPTO Y MESOPOTAMIA. Sabemos que en el ANTIGUO EGIPTO utilizaban la escala de siete sonidos y que normalmente los músicos eran los sacerdotes, puesto que eran los que poseían los conocimientos. Además, se consideraba que la música tenía origen divino y tanto la gente noble como los humildes participaban en los actos religiosos con danzas y movimientos. No queda ninguna música escrita, puesto que se trasmitía oralmente, aunque sí se conservan textos de plegarias a Isis y a Neftis, combinadas, que permiten pensar que los sacerdotes entonaban cantos mientras las sacerdotisas de Isis cantaban los solos. Tocaban el arpa , el arpa de caja baja, flautas y chirimías dobles, que son dos tubos paralelos de caña que sonaban al unísono, además de instrumentos de percusión, de los que nos han quedado representaciones en los bajorrelieves y pinturas de las tumbas de los faraones. Empleaban la quirononía o movimientos de la mano para indicar la ondulación melódica, usaban crótalos, carracas, sistros, que son instrumentos de percusión con un mango de madera, platillos y tambores. En Mesopotamia, los músicos eran considerados personas de gran prestigio, acompañaban al monarca no solo en los actos de culto sino también en las suntuosas ceremonias de palacio y en las guerras. El arpa es uno de los instrumentos más apreciados en Mesopotamia. La expresión musical de Mesopotamia es considerada origen de la cultura musical occidental. LA MÚSICA EN GRECIA CLÁSICA En la Antigua Grecia, la música recibió influencias de culturas como la mesopotámica, etrusca, egipcia o incluso las indoeuropeas que influyeron así mismo en sus instrumentos musicales. Los griegos daban mucha importancia al valor educativo y moral de la música por ello está muy relacionada con el poema épico. En un principio, antes del s. VI a. C, la música estaba ligada a las ceremonias religiosas o médicas, pero más tarde, se convierte en un hecho cultural, entrando a formar parte de la vida cotidiana. Aparecen los bardos o aedos (posiblemente como Homero) que, acompañados de una lira, vagan de pueblo en pueblo mendigando y guardando memoria oral de la historia de Grecia y sus leyendas. Los principales instrumentos utilizados en Grecia fueron: la lira, la cítara, lasiringa (una flauta de Pan), varios tipos de tambores como por ejemplo eltympanon (siempre en manos de mujeres), el crótalo, el címbalo, el sistro, las castañuelas. La cítara es un instrumento de cuerda pulsada, con cuerdas metálicas afinadas por pares. La escala fundamental de los griegos de la Antigüedad era la doria: re, mi, fa, sol, la, si, do, re, pero descendente, y no ascendente como la actual. La interpretación era homófona, es decir que nunca interpretaban armonías, sino una sola melodía. El ritmo y el pulso eran muy importantes para los griegos. Combinaban sílabas largas con breves. LA MÚSICA EN LA ANTIGUA CHINA Según Confucio “Para educar a alguien hay que empezar con poemas, hacer énfasis en las ceremonias, y concluir con música”. La música siempre fue una parte importante en esa antigua cultura y tenía un carácter ceremonial, pero también se la usaba en las prácticas militares y en los sacrificios religiosos. Los instrumentos principales que se utilizaban en China eran clasificados según su construcción en: Instrumentos de metal, de piedra, de seda, de bambú, de calabaza, de arcilla, de cuero y de madera. CUESTIONARIO DE AUTOEVALUACIÓN A. ¿La música y la danza en el antiguo Egipto eran utilizados con fines religiosos en los que participaban qué estratos de la población? B. ¿El sistema de sonidos utilizado en el antiguo Egipto era heptafónico, pentafónico o tonal? C. ¿Cuál es el instrumento más antiguo encontrado en Mesopotamia? D. Enumerar algunos instrumentos que se ejecutaban en el antiguo Egipto. E. ¿Con qué otros valores estaba asociado el aprendizaje de la música en la antigua Grecia? F. ¿De qué modo los Aedos , poetas y cantores de la antigua Grecia, difundieron la cultura y tradiciones de su pueblo? G. ¿La flauta de Pan era un instrumento idiófono, membranófono o aerófono? H. Diga el nombre del filósofo chino que definió a la música como el nivel más alto de la educación en la antigua China. UNIDAD 2. La Música en la Edad Media: circunstancias sociales, políticas, religiosas y culturales. La Música litúrgica. La Música profana. La Polifonía. Ars Antiqua y Ars Nova. La Edad Media, es un período histórico situado entre el año 575 caída del imperio Romano hasta el siglo XV, reconocido como el punto de partida del renacimiento. El canto gregoriano utiliza como material los antiguos modos griegos, que a la postre son siete, cada uno bautizado según su isla originaria, así: Jónico- mayor posteriormente-, Dórico, Lidio, Frigio, Mixolidio, Eólico-menor- y, Locrio. El fundamento religioso de estos modos es completamente platónico, en el sentido que se los califica como: “música seria, profundamente religiosa y equilibrada, cuya finalidad es fomentar una comunión más estrecha entre las almas de los creyentes y Dios” (Mayoral, María. Grandes Músicos, Nebrija. 1980). El Papa Gregorio Magno (590-604), luego elevado a santo fue no solo su recopilador sino también quien les determinaría el canon de su utilización, los cantos recopilados fueron aquellos que se encontraban en el ámbito de estos modos, y se excluyó los orientales o exóticos, con excepción del locrio que fue censurado por “sensual”, y se necesitaba de un permiso específico para componer y cantar en este modo. El período artístico que viviera el nacimiento de la polifonía es el Gótico, surgido en Francia a finales del siglo XI, este arte de Europa central y norte se extiende por toda Europa. Cabe anotar que si bien la designación de gótico, se la debe a Vasari para atribuir este arte a los germanos o godos, no es menos cierto que es usual una reacción de calificar extremamente una expresión artística, que se erige dialécticamente sobre una que caduca. Gótico pudo haber sido una expresión de desprecio como de simple diferenciación con el arte románico. La Música polifónica es una construcción geométrica también, voces independientes pero interrelacionadas que generan esquemas reconocibles inmediatamente. El aporte de la música profana o de trova, como fuente, ya que se permitía licencias en el manejo estilístico, formal y temático, facilitó la rápida expansión de esta música hacia el ámbito oficial o religioso. Las cantingas de Alfonso X El Sabio, son una recopilación de este nuevo canto en España, con la inclusión de temas de procedencia árabe inclusive. Existen también las de dialecto francés y las minnesänger en dialecto alemán. El paso del latín como idioma solo formal y no popular es decisivo. (Las primeras canciones no religiosas datan de los siglos XI y XII, están escritas en latín y se les da el nombre de canciones de goliardos. Los GOLIARDOS eran estudiantes y frailes que habían abandonado sus conventos; vagaban por el mundo, llevando una vida desordenada, criticada por las gentes. Sus canciones cuentan historias jocosas de tabernas y amoríos, en las que se hace burla de las cosas consideradas serias. Estos cantos están reunidos en un manuscrito encontrado en Alemania en el siglo XIX llamado CARMINA BURANA. Leer más: http://musicaedadmedia.webnode.es/musicaprofana/trovadores/ Los periodos en los que le arte polifónico se divide es el Ars Antiqua y el Ars Nova. El género determinante del Ars Antiqua, es el Motete, que se ejecuta a dos o tres voces y tiene una letra mitad profana mitad religiosa. La escuela que crea e impone el motete es la de París o Notre Dame. Los músicos relevantes son Leoninus y Perotinus. La polifonía basa sui desarrollo en las formas imitativas que tanto en el Ars Antigua como en el Ars Nova en procedimientos que se basan en: 1. Cambio de las voces 2 Imitativo de un fragmento melódico El Ars Nova Las expresiones del lenguaje musical que se dieron en Francia e Italia en el siglo XIV referidas a la composición canónica corresponde a lo denominado como Ars Nova. En Italia se desarrolló a través del Madrigal mediante la técnica llamada “Caccia” en español caza. Compositores célebres de la Caccia italiana: Maestro Piero, Gherardello da Firenze, Lorenzo da Firenze, Jacopo de Bolognia y Francesco Landini. (Colombo, 2011) Ejemplo: Con brachi assi de Geovanni da Firenze. CUESTIONARIO DE AUTOEVALUACIÓN A. B. C. D. E. ¿Cuál fue el género de Canto religioso establecido por la Iglesia en la Edad Media? ¿Quién fue el Papa que recopiló y dio las reglas del Canto religioso de la Edad Media? ¿Por qué se definió al Arte de la Edad Media como Gótico? ¿La Trova de la Edad Media era música profana o religiosa? ¿Con qué nombres se dividen los dos periodos de la música polifónica del final de la Edad Media? F. ¿El Motete fue el género determinante del Ars Antiqua oi del Ars Nova? UNIDAD 3 La Música en el Renacimiento: descripción general del contexto histórico que dio lugar al renacimiento. Breve diferenciación del Renacimiento en algunos países de Europa occidental. Música profana y música instrumental. Formas musicales de este período. La música religiosa ante el advenimiento de la polifonía y la reforma no se inhibió de su participación, y así como el arte pictórico y escultórico de Florencia va a Roma bajo la tutela del papado, igualmente el ejercicio de la música polifónica y el concurso instrumental en ella implementada, se vuelve común no solo para las catedrales y conventos, pero el canto sigue manteniendo supremacía. Las cortes, donde el estado está representado y concentrado adquieren a su servicio no solo músicos instrumentistas, vocalistas y compositores, sino que entran en franca competencia con la clero en la producción música. Los templos, sin embargo, mantienen aún el mejor escenario para hacer música y la instalación de órganos y la ejecución de organistas se desarrolla rápidamente en ella. Las cortes facilitaron en cambio, una fuertemente, la producción de música y su publicación, así los primeros textos instrumentales como de canciones profanas se editan bajo el auspicio de la nobleza posfeudal. Uno de los compositores más destacados en esta época es Guillaume Dufay, quien prueba con temas amorosos conocidos como madrigales y a la vez religiosos con novedosas formas para ese entonces como el rondó. Forma cíclica con una estrofa principal a la que vuelven siempre las que se van cantando consecutivamente. En 1512 el Emperador Maximiliano organiza una gran conmemoración para sí mismo y convoca a varios artistas, en lo concerniente a la música, esa festividad exhibió la gama instrumental que ya define el espectro tímbrico que adquirirá la música occidental, así se presentaron Flautas y tambores, lautes y violas, las que eran tañidas con la mano, de arco y de plectro, música de órganos o muebles, y la “Dulce melodía” ejecutada por un ensamble mixto. Naturalmente, la música vocal fue representada por un coro. Formas musicales de este período El Motete Es un género eclesiástico, de origen monódico se establece finalmente monofónico. El Madrigal Es un género nacido bajo la influencia de los sonetos de Petrarca y que conservó la calidad de música profana, por su relación con el tema amoroso. Sin embrago rítmicamente y en carácter no era uniforme, sino diverso, así, había madrigales graves, pero igualmente alegres. Canzonetas Este es un interesante género que procede de la música de los primeros Burgos o villas, por lo que mantiene una línea popular dentro de la práctica musical. Fantasías La Fantasía es una pieza improvisatoria, relativamente libre, pero que se desarrolla sobre la idea de variar un tema propuesto, el mismo que podía tener una o dos partes e iba desarrollándose ya sea por aumentación o disminución de elementos que coadyuvaban a establecer la extensión de la pieza polifónicamente. Pavanas Es un género bailable, en tempo diverso pero con un ritmo específico que servía para establecer una primera danza en el contexto general de un baile. La pvana también fue de carácter instrumental. Gallardas Pieza basada en un ritmo que contrasta una figura punteada contra una de menor duración, longa contra brevis . El carácter dancístico estaba diseccionado a la participación de personas principales –nobleza- en el baile. Varias otras piezas de denominación geográfica inclusive, como la Allemande, Franzocische Bransle o Españoleta, conformaban un conjunto de piezas que fueron prevaleciendo hasta el barroco para generar un cuerpo compositivo que en el barroco se conocería como Suite. La Ópera La ópera nace en Italia a finales del siglo XVI y comienzos del XVII. Entre sus precedentes están los numerosos madrigales italianos de la época, a cuyas escenas con diálogos, pero sin acción teatral, se pondría música. Otros antecedentes son los melodramas, ballets de cour, intermedios y otros espectáculos galantes y de salón propios del renacimiento. La ópera se desarrolló gracias a un grupo de músicos y estudiosos que se denominaban a sí mismos camerata (en italiano, salón o cámara pequeña). CUESTIONARIO DE AUTOEVALUACIÓN A. ¿Diga si se mantuvo la música polifónica en el Renacimiento? B. ¿La música religiosa sigue participando en el Renacimiento? C. ¿Diga si en este periodo cobra mayor importancia la música instrumental frente a la vocal? D. ¿A quién se le atribuye el desarrollo de la forma Rondó en el Renacimiento? E. ¿En el festival que en 1512 llevó a cabo el Emperador Maximiliano la “Dulce Melodía” fue ejecutada por un ensamble, vocal, instrumental o mixto? F. ¿Escriba algunas características de la Canzoneta y de la Fantasía? UNIDAD 4 LA MÚSICA BARROCA: Periodos. Cualidades de la música Barroca. Estética y contenido de la música Barroca. Formas y Géneros. El Alto Barroco y Johann Sebastian Bach. Barroco temprano (1580 - 1630). Se empieza a dar un valor afectivo y violento a las palabras a través de la música. Las obras son de poca extensión, se busca la disonancia. Barroco medio (1630 - 1680). Se dan la ópera y la cantata. Comienza la distinción entre aria, arioso y recitativo. Alto Barroco (1680 - 1750). Aparece el concerto y se hace énfasis en el ritmo muy marcado. La música instrumental domina. CUALIDADES QUE DEFINEN LA MUSICA BARROCA: Se impone el sistema armónico, es decir, la tendencia vertical, hay una voz principal y un acompañamiento armónico. Se emplea la disonancia. El ritmo está muy marcado. Comienzan a diferenciarse los estilos instrumental y vocal. ESTÉTICA Y CONTENIDO DE LA MÚSICA BARROCA: El hombre del Barroco vive en una época de crisis tanto económica como espiritual, lo que se manifiesta en todas las artes. En la música tenemos: Los instrumentos establecen una especia de diálogo: la orquesta, tutti; los solistas de varios instrumentos, concertino; y un solo solista, solo. Contraste de los diversos timbres de la orquesta. Contraste entre coros, orquesta, solos, e incluso varios coros. Estilos: recitativo y aria (intensifican la fuerza emocional de las palabras). LAS FORMAS MUSICALES BARROCAS A) Formas instrumentales. En este periodo, los instrumentos son perfeccionados. SUITE: Es la unión en una sola obra de varias danzas de distinto carácter. Normalmente se unen danzas de distintas naciones: Zarabanda, de España; Bourré, de Francia; Allemande, de Alemania. SONATA: “Musica para ser sonada”. Suele ser para instrumentos solistas, como piano. Los movimientos de los que consta son: Allegro, Andante, Moderato, Vivace. CONCERTO: Suele constar de tres movimientos contrapuestos: Allegro - Lento - Allegro Será concerto grosso si es para un grupo de solistas (concertino) y orquesta (tutti). Y concerto solo si es para un solista (solo) y la orquesta. El más destacado compositor de concertos es Vivaldi. B) Formas vocales profanas. OPERA: Forma musical de carácter narrativo con representación escénica. Suele tener una obertura (parte instrumental que la precede) e interludios (partes instrumentales que se intercalan durante la ópera en sí). Hay dos clases de opera: la Opera seria, estructurada en arias y recitativos, en la que el coro carece de importancia, que es de carácter aristocrático; la Ópera bufa, en cambio, es de carácter popular y usa elementos del folclore, frases cortas y frecuentes repeticiones. C) Formas vocales religiosas. ORATORIO: Forma de carácter narrativo sin representación escénica. En ella se canta un drama de carácter religioso sobre el Antiguo o el Nuevo Testamento, y los personajes no actúan, solo cantan. Intervienen la orquesta, los coros y los solistas. CANTATA: Es una forma musical compuesta sobre un texto religioso de carácter lírico en el que intervienen solo orquesta y coro. EL ALTO BARROCO: JOHANN SEBASTIAN BACH INTRODUCCIÓN Con el barroco, la música alemana alcanza las cotas en las que permanece hasta nuestros días. El gran móvil de este Barroco musical es la religión. Se da la Kantorei (coro que actúa en la iglesia). El gran género musical de los nuevos protestantes alemanes sigue siendo la Coral. JOHANN SEBASTIÁN BACH Bach es una de las figuras cumbre dentro de la história de la música. En ocasiones se ha dicho que la música tonal empezó con él. Su revalorización como músico no comenzó hasta 50 años después de su muerte. Bach se inspira en todo el pasado musical, en especial de su país. Llega al mundo de la música cuando el Barroco ya ha producido numerosas obras y él logra llevarlo a cotas impensables. Durante toda su vida fue compositor de iglesia, y su trabajo consistía en preparar obras para los domingos (cantatas religiosas) o para grandes festividades religiosas. CARACTERISTICAS BASICAS DE LA OBRA DE BACH La mayor parte de su obra es de carácter religioso (recuérdese que trabajaba para iglesias como Kapellmeister, “maestro de capilla”). En su música se resumen todos los estilos del Barroco. Lleva a un gran equilibrio, armonía y contrapunto, monodía y polifonía. Algunas de sus cantatas pueden resultar semejantes a los oyentes. Esto se debe a que en ocasiones Bach cogía algunas de sus cantatas ya compuestas y cambiaba letras o retocaba la música según la ocasión que lo requería. Ninguna de sus obras es teatral, es decir, no tiene operas. Compone gran número de obras para clave, violín y órgano. GENEROS Y PRINCIPALES COMPOSICIONES Se puede dividir su obra en dos grandes grupos: -MUSICA VOCAL Motetes Corales Cantatas (religiosas o profanas) Oratorios Pasiones Misas Magnificat -MUSICA INSTRUMENTAL Conciertos para: Órgano Clave Violín Viola Viola de gamba Violoncelo Flauta Laúd CONCIERTOS PARA ORQUESTA Una de estas formas, que debemos destacar es la Cantata. La cantata religiosa es una obra musical compuesta sobre un texto de la Biblia para solistas, coro y orquesta. Suele estar constituida normalmente por 6 o 7 piezas de carácter variado (arias, recitativos y coros). También podríamos decir que la Pasión es una variante de la cantata, pues la Pasión es una gigantesca cantata que se usa para celebrar el dogma central del cristianismo, que es la Muerte de Cristo. Las cantatas sin embargo, solo son para cantarlas un domingo en la iglesia. Obras importantes de Bach son en música sacra: La Pasión Según San Mateo. La Pasión según San Juan. Oratorio de Navidad. Oratorio de Pascua. - Música para clave: El clave bien temperado, Invenciones y sinfonías, Partitas, Suites francesas e inglesas, Variaciones Goldberg... Suites para violoncelo Partitas para violín Conciertos de Brandemburgo Suites para orquesta El arte de la fuga (música especulativa) Por supuesto, todas sus Cantatas, tanto religiosas como profanas. La Fuga.Bach desarrolló otra forma instrumental importante, la Fuga. La fuga es una de las formas más importantes del Barroco. Es una composición polifónica sobre un tema determinado, que introduce una voz sola, a la que se van uniendo otras sucesivamente con ese mismo tema. Consta de: Tema o sujeto Respuesta Contrasujeto Contraexposición Divertimentos o episodios Estrechos Cadencia CUESTIONARIO DE AUTOEVALUACIÓN ¿Diga cuáles son los periodos en los que se divide el Barroco en la Música? ¿La diferenciación en los estilos instrumental y vocal es una cualidad de la Música Barroca? ¿La música Barroca establecía varios ámbitos entre instrumentos tuti y solistas o era solamente música instrumental de acompañamiento? ¿Enumere tres formas características de la música barroca? ¿Johann Sebastian Bach es un músico barroco del ala protestante o católica del cristianismo? ¿La Cantata de J.S. Bach era un género de música religiosa o profana? ¿Las composiciones de J.S. Bach abarcaron una gama completa de formatos instrumentales, vocales y corales o solamente instrumentales? ¿La fuga es una forma monódica, polifónica, hetereofónica? UNIDAD 5 El Clasicismo. La Escuela Clásica De Viena. La Forma Sonata. LA ESCUELA CLÁSICA DE VIENA La Escuela de Viena (1780–1827), Die Wiener Klassikschule en alemán es una corriente estilística de la música clásica europea. A ella pertenecen Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Joseph Haydn. El Clasicismo es la época de la Ilustración, un movimiento intelectual promovido por la burguesía y la pequeña nobleza. Su principal obra fue La Enciclopedia, que sirvió para divulgar la cultura. Esta burguesía será el nuevo público que aprecie sus obras. La música deja de verse encerrada en iglesias y palacios y se puede disfrutar en las casas de los burgueses o en espectáculos públicos. La música del Clasicismo es la música del equilibro, busca el orden y la claridad, que demuestra en sus melodías y armonías simples y sencillas, muy fáciles de comprender para el público. Es música refinada y elegante. El instrumento más importante del período del Clasicismo es el Piano. La evolución del Clave (que ya hemos estudiado en la música en el Barroco) es el llamado "pianoforte. Su evolución podía, en cambio, variar esta intensidad según si se tocaban las teclas con mayor o menor fuerza. Los términos musicales para suave y fuerte son piano y forte, por eso este nuevo instrumento se llamó así, pianoforte, aunque con el paso del tiempo el nombre se acortó hasta ser conocido simplemente como piano, tal y como lo conocemos actualmente. Joseph Haydn (1732-1809) Fue un compositor austriaco. Se le conoce como el Padre de la sinfonía y del cuarteto de cuerda, gracias a sus contribuciones a los dos géneros. Tuvo una estrecha amistad con Mozart, del que llegó a ser su mentor, y fue profesor de Beethoven. Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791) Su nombre completo era Johannes Crysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, fue un compositor austriaco, el gran maestro del Clasicismo y está considerado La obra de Mozart alcanza más de seiscientas creaciones, la mayoría son consideradas obras maestras de la música. Ya a los cinco años, Mozart tenía todos los conocimientos necesarios de solfeo para componer obras musicales y sus interpretaciones instrumentales encantaban a la aristocracia y la realeza de toda Europa. Con diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo. Siguió componiendo hasta el día de su muerte, a una edad temprana y en extrañas circunstancias, lo que le ha convertido casi en un mito.uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia. Ludwig van Beethoven (1770-1827) Compositor, director de orquesta y pianista alemán. Sus últimas obras son del romanticismo musical. Otro de los grandes compositores de la historia de la música. Beethoven es uno de los grandes compositores de la historia. Componía en una amplia variedad de géneros y una amplia gama de instrumentos. Componía desde enormes sinfonías para toda una orquesta (en la 9ª añade el coro a su combinación) hasta obras para piano. Es considerado el último representante del clasicismo y con su muerte se da por terminado este período en la historia de la música. LA FORMA SONATA. Las formas musicales en el Clasicismo: En el Clasicismo, la música instrumental gira en torno a la forma, es decir, a cómo se ordenan las frases musicales. Esta organización se denomina forma musical. 1. La sonata es la forma musical dominante en la música instrumental a partir del segundo tercio del siglo xviii. Tal es así que llamamos sonata a las composiciones para uno o dos instrumentos, trío a las sonatas para tres instrumentos, cuartetos, quintetos y, finalmente, a las sonatas para orquesta se les llama sinfonías, y a las sonatas para solista y orquesta se les denomina concierto. Cada uno de los cuatro movimientos de estas composiciones tiene una forma determinada, siendo muy frecuente la siguiente sucesión de movimientos y formas: 1.er Movimiento allegro – forma sonata. • 2.º Movimiento lento – forma de aria. • 3.º Movimiento moderato – minueto. • 4.º Movimiento allegro – rondó. 2. La forma sonata no debe confundirse con sonata. La forma sonata es un movimiento de la sonata, mientras que la sonata es una composición de cuatro movimientos. La forma sonata consta de tres partes y está construida en torno a dos temas. LA FORMA SONATA EXPOSICIÓN Introducción. No es una sección fija. Puede existir o no. Tempo lento. Tema A. Duración variable en la tonalidad de tónica. Puente modulatorio. Pasaje modulante —pasa de una tonalidad a otra— hasta la tonalidad en la que se encuentra el tema B. Tema B. Carácter contrastante con el tema A. Tonalidad de dominante. Puente. Pasaje de unión (no modulante necesariamente) entre el Tema B y la coda. Coda. Tema de cierre en tonalidad de dominante. REPETICIÓN DE LA EXPOSICIÓN DESARROLLO Transformaciones basadas en secciones anteriores (Introducción, Tema A, Tema B, puentes) o en temas nuevos. Las transformaciones se basan en modulaciones que nos alejan cada vez más de la tonalidad inicial. No es obligatorio utilizar todos los elementos de la exposición. Se pueden utilizar o combinar a criterio del compositor. REEXPOSICIÓN Tema A. Puede haber sufrido alguna variación pero está en tonalidad de tónica. Puente. Pasaje, esta vez no modulante, que sirve para enlazar el Tema A con el Tema B. Tema B. Lo encontramos en tonalidad de tónica Puente. Pasaje de unión entre el Tema B y la coda. Coda. Tema de cierre que suele estar ampliado en tonalidad de tónica. REPETICIÓN DEL DESARROLLO Y LA REEXPOSICIÓN Música 3. La forma de aria deriva del aria Da Capo que tan frecuentemente encontramos en la ópera. Su estructura es tripartita monotemática (A – B – A’). PARTE A Se hace una exposición completa del tema. Se inicia en tonalidad tónica y tras una modulación a la dominante se vuelve a la tonalidad inicial (tónica). PARTE B La música contrasta con la primera parte. Este contraste se consigue al utilizar la tonalidad de dominante y elementos expresivos distintos a la primera sección. Ejemplo: si la 1.ª parte es serena, la 2.ª suele ser más dramática; si la 1.ª posee un ritmo muy acusado, la 2.ª suele ser más lírica. PARTE A’ Se repite la primera parte, aunque se introducen elementos que hacen que no sea una repetición literal, por ejemplo adornos o alguna incursión en tonalidades más alejadas. 4. El minueto es una forma musical que deriva de la suite. Su forma es tripartita y dará lugar al vals. MINUETO Se divide en dos partes que se repiten. ||: A (tónica) :||: B (dominante) – A (tónica) :|| TRÍO Otras dos secciones que se repiten. En esta ocasión la tonalidad tónica es distinta a la de la primera sección. ||: C (tónica’) :||: D (dominante’) C (tónica’) :|| MINUETO Se repite literalmente la primera parte, pero obviando las repeticiones. A (tónica) | B (dominante) | A (tónica) Puede finalizarse con una coda. 5. El rondó es una forma que deriva de la danza del mismo nombre. Es, con alguna variación, la forma de la mayoría de las canciones populares, es decir una alternancia de estribillo (A) y estrofas (B, C, D…) en diferentes tonalidades. A (tónica) – B (dominante) – A (tónica) – C (subdominante) – A – D (relativo) – A. CUESTIONARIO DE AUTOEVALUACIÓN ¿La música del Clasicismo es una música influenciada por el periodo de la ilustración, del dadaísmo o del Surrealismo? ¿Diga los nombres de los tres representantes de la Escuela Clásica de Viena? ¿Por qué se afirma que el Piano es el instrumento más importante de este periodo. Cite 3 características? ¿Por qué la forma Sonata es diferente a la sonata o género Sonata? ¿Cuántos movimientos tiene la forma Sonata? ¿La Exposición, Desarrollo y Reexposición son tres elementos obligatorios u opcionales en la construcción de la Forma Sonata? ¿Enumere cuáles fueron los nombres de los movimientos originales de la Forma Sonata? UNIDAD 6 El Romanticismo En La Música. La Música Instrumental En El Romanticismo. La Música Orquestal. Música Para Piano. La Música Vocal En El Romanticismo. El Lied O Canción Romántica. La Ópera En El Romanticismo. El Romanticismo En La Música El romanticismo se extiende desde 1815 hasta casi la primera década del siglo XX. Entre sus características generales podemos citar: Exaltación de la libertad, de los ideales. Predominio del sentimiento por encima de la razón. Individualismo del artista: utiliza el arte para expresar sus ideas, sentimientos y emociones personales, rechazando cualquier imposición externa. Fascinación por lo exótico, lejano, mágico, irreal. En la literatura y la pintura se pueden encontrar numerosas referencias a lugares exóticos o maravillosos, seres fantásticos, la naturaleza misteriosa, antiguas leyendas, etc. Nace el gran público musical constituido por la burguesía1 y con él una nueva esclavitud para el artista: la de los gustos del público. El compositor ha dejado de ser un criado asalariado de un noble que escribe la música que le encargan y ahora vive de los derechos de autor sobre la edición de sus partituras, de un porcentaje sobre la venta de entradas para sus conciertos, de la enseñanza o de su labor como director de orquesta o intérprete solista. A partir de este momento el compositor se plantea un conflicto que aún hoy está vigente: hacer la música que a él le gusta o hacer la música que prefiere el público y que es la que le da de comer. Características del compositor romántico El compositor romántico abandona la rigidez del clasicismo para buscar una expresión más directa y apasionada de sentimientos y emociones individuales. Para ello el compositor romántico dispone de nuevos recursos musicales: Gran riqueza de matices: Uso constante del crescendo y diminuendo, junto con espectaculares contrastes entre fortísimo y pianissimo. Gusto por el virtuosismo y los alardes técnicos. Empleo muy flexible del movimiento: la pulsación abandona su regularidad muy frecuentemente a lo largo de la pieza con pequeños acelerando y ritardando, que provocan una sensación como de vaivén. Uso de melodías bellas y apasionadas. Con mucha frecuencia tienen un nuevo sabor pues incorporan giros melódicos procedentes de la música tradicional. Aumento de las posibilidades tímbricas: la orquesta prácticamente dobla el número de instrumentos con respecto al periodo anterior. Se emplean las grandes formas instrumentales del clasicismo (sonata, sinfonía, concierto) pero ahora son más extensas y se aplican de una forma mucho más libre ya que la inspiración e imaginación románticas desbordan claramente sus límites. Al mismo tiempo surgen toda una serie de pequeñas formas (lied, pequeñas formas para piano, etc.) que muestran una cara más íntima, recogida y sentimental de la música romántica. - LA MÚSICA INSTRUMENTAL EN EL ROMANTICISMO. a) La música orquestal. La orquesta romántica crece en tamaño y extensión. Una orquesta romántica está compuesta por unos 95 músicos. En la sección de viento se añaden instrumentos como: el piccolo, la tuba, el contrafagot, el clarinete bajo, el corno inglés y el saxofón. En la sección de percusión ahora hay cuatro timbales y se incorporan el gong, el bombo, la celesta, la marimba. Para salvaguardar el equilibrio sonoro se llega a duplicar el número de instrumentos de cuerda. Un número tan grande de instrumentistas exige la aparición de la figura del director de orquesta cuya labor consiste en unificar la interpretación de la partitura. Importantes compositores de música orquestal: G. Schubert (1797-1828), F. Mendelssohn (1809-1847), R. Schumann (1810-1856). H. Berlioz (1803-1869): creador de la sinfonía programática. F. Liszt (1811-1886): compositor de importantes poemas sinfónicos, Brahms (1833-1897). b) Música para piano. Durante ésta época el piano gozará de importantes perfeccionamientos que posibilitarán el virtuosismo y los contrastes acentuados en la sonoridad, imprescindibles para la expresión del mundo interior del compositor romántico. En la música para piano destacan una enorme variedad de pequeñas formas todas ellas caracterizadas por estar poco supeditadas a fórmulas preestablecidas. Esta libertad en cuanto a la forma permite al músico expresarse con total libertad, siguiendo únicamente su inspiración. Entre estas formas podemos citar: nocturnos, impromptu, estudios, baladas, polonesas, mazurcas, polcas. Importantes compositores de esta música pianística son: F. Chopin (1810-1849), R. Schumann, y G. Liszt. 3.- LA MÚSICA VOCAL EN EL ROMANTICISMO. a) El lied o canción romántica. Composición breve, para voz y piano, en la que se pone música a una poesía, logrando una perfecta unión entre ambas. Puede adoptar diversas formas: lied estrófico (AA´A´´), lied de tres estrofas (ABA), Importantes compositores de lieder son: F. Schubert, R. Schumann y J. Brahms (1833-1897). b) La ópera en el romanticismo. Italia: precedido por figuras importantes como G. Rossini (1792-1869) y V. Bellini (1801-1835), su máximo representante es G. Verdi (1813-1901). Pocas veces ha existido una mayor comunión entre el creador y el oyente. Verdi, en obras geniales como Nabuco, Rigoletto, Il trovatore, la Traviata. Después de Verdi la ópera italiana desemboca, con G. Puccini (1858-1924), en el Verismo: tipo de ópera en la que se pretende pintar y exponer la realidad tal y como es. Alemania: P recedido por C. M. Von Weber (1786-1826), R. Wagner (1813-1883) es una de las personalidades más influyentes del siglo XIX. Entre sus obras más importantes podemos destacar: Tanhäuser, los maestros cantores, Tristán e Isolda, el anillo del nibelungo, etc. En ellas crea un nuevo sistema operístico que conocemos como drama Wagneriano caracterizado por: Tratamiento de temas mitológicos en alemán, consecución de una obra de arte total en la que se funden poesía, Música y teatro, creación de un elemento orquestal llamado Leit motiv: caracteriza a los principales personajes, los anuncia y suena cuando aparecen en escena. CUESTIONARIO DE AUTOEVALUACIÓN ¿En el romanticismo el intérprete, el solista, el director de orquesta y el compositor realzan el individualismo del artista o el poder colectivo de la creación artística? ¿Para el compositor romántico logra un equilibrio entre las reglas de la teoría y la composición con la expresión individual, o con los dogmas religiosos? ¿Los intérpretes y compositores generan giros melódicos que a menudo son serios y solemnes o apasionados? ¿El director de orquesta en el Romanticismo es un encargado de ensayar a la gran orquesta o de unificar la concepción de la partitura? ¿Indique 2 nombres de compositores románticos sinfónicos? ¿La creación de nuevas formas denominadas como nocturnos, improntu, baladas o polonesas se desarrollaron con qué instrumento solista? ¿Diga tres nombres de compositores de Lied el romanticismo? ¿Diga dos títulos de Óperas que le corresponden a la autoría de Giuseppe Verdi? ¿El Leit Motiv es un recurso recreado para Ópera por Symisnsky, Webern o Ricatd Wagner? UNIDAD 6.1 El Nacionalismo en la MúsicaEL NACIONALISMO MUSICAL. Hasta 1848 el panorama musical europeo ha estado en manos de unas cuantas naciones (Italia, Alemania y Francia) que de alguna manera imponen un estilo musical común en toda Europa. A partir de ese momento, los países de la periferia de Europa (Rusia, Checoslovaquia, Hungría, los países escandinavos, etc.) inician un movimiento de reafirmación de la identidad nacional basado en las músicas propias de su folklore (danzas y canciones del folklore). Este hecho acarrea una profunda renovación del lenguaje musical dadas las peculiares características del folklore de cada uno de estos países. Entre los músicos nacionalistas podemos citar: Rusia: es la nación en la que con más fuerza surge el nacionalismo. Rimski Korsakov (1844-1908), Modest Mussorgsky (1839-1881), y A. Borodin. Otros músicos importantes que siguen la tradición academicista son: Tchaikovsky (1840-1893) y S. Rachmaninoff. Checoslovaquia: B. Smetana (1824-1884) y A. Dvorak (1841-1904). Hungría: destacan Zoltan Kodaly y Bela Bartok (1881-1945). Países escandinavos: destacan el finlandés Jean Sibelius (18651957) y Edgard Grieg (1843- 1907). Estados Unidos: George Gershwin (1898-1937). CUESTIONARIO DE AUTOEVALUACIÓN ¿En qué basaban los compositores nacionalistas su música para no repetir los patrones de Alemania, Francia e Italia en el Romanticismo? ¿En qué país surge el nacionalismo con más fuerza con compositores tan conocidos como Rimsky Korsakov? UNIDAD 7 Impresionismo y la Nueva o Segunda Escuela de Viena Impresionismo En 1887 surge el impresionismo en la música. Este movimiento debe su nombre a los pintores de la misma escuela que en 1874 expusieron por primera vez causando un escándalo entre el público y los críticos. La pintura de "Claude Monet" titulada IMPRESIÓN, SOL NACIENTE" dio pretexto a la burlona crítica para llamar "impresionistas" a estos artistas. Por su aporte innovador en el arte, el impresionismo es considerado como el precursor de las artes contemporáneas. Entre sus principales representantes encontramos a: · Claude Debussy (1862 - 1918) · Mauricio Ravel (1875 - 1937) Debussy: se refirió a la melodía como insuficiente para expresar las cambiantes emociones de la vida y agregaba que la melodía de una canción sólo servía para expresar sentimientos fijos. En sus composiciones los ritmos son libres y la ausencia de acentuación regular, da la sensación de un constante fluir. Entre sus obras destacan: Preludio a "La Siesta de un Fauno" El mar y varias obras para Piano. Ravel: Por su parte, fue capaz de lograr una obra compleja y bella a partir de pocos elementos, por ejemplo: El Bolero, obra que escribió basándose en sólo 16 compases. Principales características del impresionismo: · La creación de atmósferas sutiles partiendo de la naturaleza, para expresar las emociones recibidas. · Los compositores no aceptaban reglas, ni daban prioridad a sus propios sentimientos. · La sugerente música impresionista desvanecía la línea melódica y rompía con el tratamiento armónico convencional. Nueva o segunda Escuela de Viena Formada por Schönberg, Webern y Berg, es uno de los eslabones más importantes en la evolución de la música occidental del siglo XX, a la que dio una de las respuestas más necesarias y plausibles en su momento. Quizá no la única, pero sí la más rica y radical. Se orientó a romper con la Tonalidad como sistema funcional dentro de la composición y el lenguaje musical. En primer lugar, ampliaron el límite de las polaridades funcionales; más tarde, consideraron como "sensible" (la nota que ha de resolver en la tónica) cualquier altura que compusiera un acorde, con lo cual la funcionalidad "natural" (esto es, aquella a la que el uso frecuente tiene acostumbrado al oyente) se suspende; después, exploraron criterios distintos para la formación de los acordes, como la sustitución de las tradicionales terceras por cuartas. Arnold Schönberg (1874-1951), compositor de origen austriaco, creador del sistema dodecafónico de composición musical y uno de los compositores más influyentes del siglo XX. Nació el 13 de septiembre de 1874 en Viena en el seno de una familia judía, fue autodidacto en la composición musical. Tuvo como profesor de contrapunto al compositor austriaco Alexander Zemlinsky y en 1899 escribió el sexteto para cuerda Verklärte Nacht (Noche transfigurada). En 1901 se casó con la hermana de Zemlinsky, Matilde, con la que tuvo dos hijos. La pareja se trasladó a Berlín, donde durante dos años se mantuvieron con el trabajo de Schönberg como orquestador de operetas y director de una orquesta de cabaret. Hacia 1920 empezó a formular su técnica dodecafónica (a menudo denominada "serialismo" puesto que está basada en series de tonos) en un intento de hallar un sustituto a formas musicales como la sonata, base de la música tonal. Estas formas funcionaban correctamente sólo en la música tonal porque estaban basadas en la oposición y resolución de diferentes tonos. Sin embargo, todos sus estilos están condensados en su mayor logro, Moses und Aron. Aunque Schönberg a veces regresaba a la composición tonal, en la mayor parte de sus composiciones de las décadas de 1930 y 1940 intentó sintetizar la técnica dodecafónica con los principios formales que había empleado durante su periodo expresionista. Esta síntesis se aprecia en su Concierto para piano (1942) de un sólo movimiento. Gracias a Schönberg y a sus alumnos el método dodecafónico se ha impuesto en la composición de mediados del siglo XX y ha ejercido una gran influencia en la música occidental. CUESTIONARIO DE AUTOEVALUACIÓN ¿Cuál fue la razón por la que se denominó Impresionismo a este movimiento en la Pintura y luego en la Música? ¿Cite el nombre de los dos compositores más representativos del Impresionismo? ¿Describa dos características enunciadas del Impresionismo? ¿La Escuela de Viena se orientó a la ruptura con la Tonalidad en la Historia de la Música o como sistema funcional dentro de la composición y el lenguaje musical? ¿Arnold Shömberg es el creador del Dodecafonismo en la Composición musical o en la teoría del sonido? Unidad 8 El Nacionalismo en la música ecuatoriana. La revolución liberal y la transformación social que produjo, trae consecuencias también para la música con la fundación definitiva del Conservatorio Nacional de Música en 1900, por el presidente Eloy Alfaro: irrumpe una generación que intenta encontrar un lenguaje musical propio, base de la música académica nacionalista. La figura más destacada es Segundo Luis Moreno Andrade, alumno de Domingo Brescia en el Conservatorio. Moreno, aporta significativamente a la historia de la música ecuatoriana. Otros músicos académicos de esta generación son Francisco Salgado, Sixto María Durán, Alberto Moreno Andrade y Salvador Bustamante Celi, Carlos Amable Ortiz quien aporta significativamente al pasillo y la música popular ecuatoriana. Hacia el fin del siglo, se destaca a Pedro Pablo Traversari Salazar, estudioso de la música, quien conformó una importante colección de instrumentos musicales universales -actualmente se la puede disfrutar en el museo que lleva su nombre en la Casa de la Cultura, en Quito-, aparte de su producción e investigación musical. La formación académica de los nuevos músicos y la profunda influencia que significó la apertura del Ecuador hacia el mundo, se refleja en los primeros años del siglo XX, en los cuales, compositores con buena formación académica incursionaron en la música de cámara y sinfónica, dejando de lado lo estrictamente popular, pero sin renegar de sus raíces. El músico más trascendente de la primera parte del siglo y uno de los más importantes del Ecuador, es Luis Humberto Salgado, compositor ecléctico entre "los aires típicos y la forma sonata", compuso cerca de 150 obras. Influenciado no solo por los clásicos sino por las nuevas formas tonales y seriales, Salgado dejó para la posteridad piezas de impecable factura como su "Sanjuanito futurista", composiciones de cámara, obras sinfónicas y numerosas obras de música popular. Otro personaje destacado es Belisario Peña Ponce, compositor de himnos sacros, jaculatorias y misas. CUESTIONARIO DE AUTOEVALUACIÓN ¿La revolución liberal trajo profundas consecuencias en la música de la sociedad ecuatoriana especialmente con la fundación en 1900 de qué institución? Diga 3 nombres de connotados músicos ecuatorianos que salieron de la fundación del Conservatorio por parte del general Eloy Alfaro? ¿Cuál fue el músico que fue vicerrector del Conservatorio de Quito y además fue un coleccionista de instrumentos musicales? Luis Humberto Salgado es considerado el más relevante de los músicos nacionalistas del siglo XX, enuncie 2 obras citadas de su autoría.
