7ª Bienal del Mercosur – El grito y la escucha
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Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br 7ª Bienal del Mercosur – El grito y la escucha Servicio: Qué es: 7ª Bienal del Mercosur Porto Alegre – Río Grande do Sul - Brasil Fecha: de 16 de octubre a 29 de noviembre de 2009 45 días de exposición Horario de visita: 9h a 21h Días de funcionamiento: de martes a domingo Entrada Libre Reservas para grupos: (51) 3254-7500 (funciona a partir de septiembre) Site: http://www.bienalmercosul.art.br Ubicaciones y direcciones: Galpones del Cais do Porto (Muelle del Puerto) Av. Mauá, 1050 (entrada A3 y A4) - Centro En los galpones del Cais do Porto estarán armados – entre los galpones A3 y A4 – el espacio de convivencia, la central de informaciones, la tienda de la Bienal, el Café de la Bienal y el espacio de los patrocinadores. Muestra Absurdo, Espacio Institucional, Sala de Prensa, Proyecto Pedagógico y Producción: Galpón A3 Muestra Ficciones de lo Invisible: Galpón A4 Muestras Biografías Colectivas y Texto Público: Galpón A5 Muestra Árbol Magnético: Galpón A6 Área de apoyo: Galpón A7 Santander Cultural Rua Sete de Setembro, 1028 - Centro Muestra Proyectables MARGS – Museo de Artes de Río Grande do Sul Praça da Alfândega, s/nº - Centro Muestra El Dibujo de las Ideas Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Calendario Fecha Tema Otros datos 16 de julio Conferencia de Prensa 16 de julio Presentación del proyecto curatorial Santander Cultural - Entrada Libre 19 de julio Mesa de Encuentro – cierre de las inscripciones Evento del Proyecto Pedagógico 21 y 22 de julio Mesa de Encuentro Evento del Proyecto Pedagógico – Entrada Libre 21 y 22 de julio Curso de formación de mediadores Inicio de las clases, con participación en la Mesa de Encuentros 15 de agosto Proyectables Anuncio de los artistas seleccionados en el sitio web de la Bienal De 25 de julio a 23 de agosto Artistas en Disponibilidad – programa de residencias Francisco Tomsich y Martín Verges – Litoral Norte De 25 de julio a 29 de agosto Artistas en Disponibilidad – programa de residencias Gonzalo Pedraza – Caxias do Sul De 25 de julio a 23 de agosto Artistas en Disponibilidad – programa de residencias Nicolas Floc’h – Porto Alegre Agosto Artistas en Disponibilidad – programa de residencias João Modé – Santana do Livramento Agosto Artistas en Disponibilidad – programa de residencias María Helena Bernardes y André Severo – Litoral Sul De 02 a 24 de agosto Artistas en Disponibilidad – programa de residencias Ricardo Basbaum - Pelotas 11 de agosto Presentación de la 7ª Bienal del Mercosur en la Fundación Proa Buenos Aires / Argentina De 30 de agosto a 25 de septiembre Artistas en Disponibilidad – programa de residencias Nicolás París – Montenegro y región De 15 de agosto a 12 de septiembre Artistas en Disponibilidad – programa de residencias Rosario Bléfari – São Leopoldo Septiembre Pre-Bienal Actividades relacionadas a la 7ª Bienal del Mercosur, en Santander Cultural – cine, música y otros eventos Septiembre Artistas en Disponibilidad – programa de residencias Claudia Del Rio – Santa María Septiembre Artistas en Disponibilidad – programa de residencias Diana Aisenberg – Porto Alegre Septiembre Museografía y preparación de los espacios Inicio del montaje Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br 25 de septiembre Obras Inicio del montaje Octubre Artistas en Disponibilidad – programa de residencias Julio Lira – Porto Alegre Octubre Artistas en Disponibilidad – programa de residencias Diego Melero – Porto Alegre 08 de octubre Curso de formación de mediadores Cierre de las clases 14 de octubre Preapertura de la Bienal Evento de Prensa 15 de octubre Preapertura de la Bienal Evento para profesores De 16 de octubre a 29 de noviembre 7ª Bienal del Mercosur Muestras, programas, eventos, performances, talleres 16 de octubre Apertura de la 7ª Bienal del Mercosur Ceremonia de inauguración en horario a definir 16 a 18 de octubre Open weekend – fin de semana de apertura Eventos, performances de artistas y otras actividades, en varios lugares de la ciudad (Cais do Porto, Theatro São Pedro, entre otros) 29 de noviembre Cierre de la 7ª Bienal del Mercosur Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br PreBienal En septiembre, en el espacio Santander Cultural Semanas antes de la apertura oficial de la 7ª Bienal del Mercosur, la Bienal y el Santander Cultural presentarán en conjunto un programa que refiere a uno de los intereses de esta Bienal: concebir el proceso artístico como una red de asociaciones donde la obra es condensación e inicio de una serie de preguntas. Se procura pensar el proceso creativo como resultante de un conjunto de diálogos con el contexto y con referencias diversas: históricas, artísticas, culturales, sociales, filosóficas, científicas, entre otras. En su conjunto – y específicamente a partir de la Curaduría Editorial de la 7ª Bienal del Mercosur – este programa actúa siguiendo la lógica de un archivo que le ofrece al público brasileño e internacional una introducción a la multiplicidad de referencias y puntos de interés propuestos por los artistas participantes. En este programa, los curadores seleccionan película que consideran importantes referencias. Este ciclo de películas será acompañado por una serie de conferencias, talleres y charlas con artistas, curadores y otros actores sociales, tanto participantes de la Bienal como residentes en la ciudad de Porto Alegre. Se busca generar, dentro del espacio del Santander Cultural, un gran caldo de cultivo de pensamiento y reflexión sobre algunas de las propuestas de esta edición y sobre la cultura contemporánea. Asimismo, las áreas de cine y música del Santander Cultural van a alinear sus programaciones para permitir la amplificación y extensión de la propia dinámica de intereses de la 7ª Bienal. La programación de películas está en pleno proceso de construcción y las actividades y participantes serán anunciados en breve. Opening weekend – 16 al 18 de octubre Durante el fin de semana inaugural, de viernes a domingo, se realizarán los siguientes eventos y performances: Espetáculo (Espectáculo), de Luiz de Abreu Isabel Torres, de Jérôme Bel Poesia Viva (Poesía Viva), de Paulo Bruscky Marujo Mascate, o retorno, na foz da língua da serpente (Marinero Vendedor, el retorno, en la desembocadura de la lengua de la serpiente), de Cabelo Musicircus e Indeterminacy, de John Cage El Viento, de Sergio De Loof Complexo do Alemão (Complejo del Alemán), de Márcia X y Ricardo Ventura Crude (Crudo), de Romano y Guilherme Vaz Entre muchos otros eventos en la Bienal, la ciudad y el estado. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Acerca del Proyecto Curatorial El proyecto curatorial incluye siete exposiciones, un proyecto pedagógico, una curaduría editorial y de comunicación, un programa de rádio y varios programas culturales que tendrán lugar a lo largo de la Bienal, adentro y afuera de los espacios expositivos. Hasta el momento, participan en esta edición más de cien artistas, de países como Alemania, Argentina, Bélgica, Brasil, Chile, Colombia, España, E.E.U.U., Francia, México, Suiza, Reino Unido, Uruguay y Venezuela. Un 60% de las obras serán producidas especialmente para esta Bienal. El equipo curatorial de la 7 Bienal del Mercosur está integrado, por los siguientes curadores: Curadores generales: Victoria Noorthoorn (Argentina) y Camilo Yáñez (Chile) Curadora pedagógica: Marina De Caro (Argentina) Curadores adjuntos: Roberto Jacoby (Argentina), Artur Lescher (Brasil), Laura Lima (Brasil) y Mario Navarro (Chile) Co-curadora Radiovisual: Lenora de Barros (Brasil) Curadores editoriales: Erick Beltrán (México) y Bernardo Ortiz (Colombia) Aspectos destacados de esta edición: Énfasis en la riqueza y complejidad de la mirada artística Reflexión sobre el rol de los artistas en el mundo contemporáneo Revalorización del artista como un actor social y constante productor de un sentido crítico necesario Sistema centrado en los procesos de creación Acción y reflexión (El grito y la escucha) como herramientas que articulan la 7ª Bienal del Mercosur Equipo curatorial formado casi totalmente por artistas Siete exposiciones y tres programas: Proyecto Pedagógico, Curadoría Editorial y Radiovisual Curaduría pedagógica con aplicación de propuestas educativas desarrolladas por artistas en programas de residencias Proyectos educativos que llevan la Bienal al interior del estado Rio Grande do Sul y a otros estados de Brasil, con participación activa de las comunidades Proyectos educativos que proponen una descentralización de la Bienal e incentivan el diálogo entre las comunidades artísticas de ciudades de América Latina Curaduría Editorial responsable por la imagen y comunicación del evento Diálogo con la ciudad de Porto Alegre – producción activa de obras de artistas en Porto Alegre para las exposiciones, una exposición que se articula en torno del espacio público de la capital de Río Grande do Sul, el estímulo a la participación en los talleres educativos ya existentes en la ciudad, programas culturales que involucran a la comunidad y a Radiovisual Importante presencia de la experimentación sonora, a través de Radiovisual Convocatoria abierta a artistas de todo el mundo para una de las exposiciones Performances y otros eventos, durante la semana de apertura de la Bienal Intercambio fluido entre exposiciones y programas, y entre artistas y obras que forman parte de las diversas instancias de la Bienal Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Proyecto Curatorial 7ª Bienal do Mercosul: Grito e Escuta (El grito y la escucha) La 7ª Bienal do Mercosul propone revalorizar al artista como un actor social y constante productor de un sentido crítico necesario, y posicionar su mirada en el centro mismo de cada una de sus exposiciones y programas. Así, en ella los artistas organizan las exposiciones, desarrollan las herramientas y programas educativos, y lideran la comunicación mediática y el sistema de publicaciones. Qué sucede cuando los modos del hacer artístico invaden y contagian – mediante un cúmulo de pequeñas transformaciones - el sistema operativo de la institución Bienal. En su conjunto, la 7ª Bienal propone un giro metodológico: un sistema cuyo énfasis está puesto sobre los procesos de creación -más que en temas específicos- donde acción y reflexión (Grito e Escuta) operan como las herramientas a partir de las cuales se articula la Bienal en su totalidad. Interesa explorar los modos en que el artista articula un sistema no jerárquico de conocimiento y crear un sistema de posibilidades dinámico, donde cada espectador es autónomo y capaz de armar su propio sistema de lectura de la Bienal. Por otra parte, la 7ª Bienal busca extender los límites, tanto en el tiempo como en el espacio. En el espacio, porque sus límites físicos no coinciden con los de Porto Alegre, Brasil o el Mercosur: sus artistas y su radio trascenderán fronteras. En el tiempo, porque esta es una Bienal que ensaya metodologías educativas que esperamos perduren tiempo después, mientras una de sus exposiciones permanecerá abierta indefinidamente. El proceso artístico articula cada una de las acciones de la Bienal en sus exposiciones y programas: En las exposiciones, que indagan sobre aspectos puntuales del proceso creativo y sobre la situación del artista: El artista como sujeto individual, que expone sus condiciones de producción y de exhibición, a modo de puesta en escena El artista como sujeto social, cuyos procesos de creación interpelan las condiciones culturales y políticas de contextos específicos El artista como sujeto artístico, que utiliza el absurdo como instrumento de desestabilización y cuestionamiento La transformación como herramienta capaz de dislocar la percepción de la obra y sugerir una suspensión del tiempo El arte como espacio de proyección de ideas, de planificación, de comunicación, de la imaginación El dibujo como primer espacio de traducción del pensamiento del artista. El diálogo con la ciudad, cuya trama los artistas modifican y resignifican, a modo de texto público. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br El énfasis sobre el proceso artístico está también presente en los programas, orientados a un público de diversas latitudes y procedencias. Tal es el caso del Proyecto Pedagógico, con su programa descentralizado de residencias en Porto Alegre y en las diversas comunidades del Estado de Rio Grande do Sul en el cual los artistas diseñan metodologías para el sistema educativo. Es el caso, también, de la Curaduría Editorial con su sistema de publicaciones móviles que pueden ser armadas por el propio espectador y que permitirán diversos niveles de acceso a las obras y una concepción diversa de esta Bienal, donde las obras estarán incluso en los medios masivos de comunicación. Finalmente, es el caso de Radiovisual, la radio de la Bienal que materializa el interés comunicacional de la 7ª Bienal, y que acercará al oyente cercano y distante a los procesos de construcción y debates suscitados por la Bienal. Juntos, exposiciones y programas conforman un sistema orgánico, caracterizado por la expansión y la apertura. A los fines de subrayar esta última, la 7ª Bienal organizó una convocatoria abierta para Projetáveis (Projectables), una exposición que viajará sin equipaje y que tendrá la capacidad de ser presentada simultáneamente en la Bienal y en diversas ciudades del Brasil y del mundo. Por su parte, el título de la Bienal, Grito e Escuta, remite a la importancia de explorar la comunicación multidireccional –entre un mundo en conflicto y un artista que escucha y responde; entre un artista que produce sentido con la intención de que el mundo escuche— a través de múltiples lenguajes, con la intención de alterar, a su paso, la hegemonía de la visualidad. La 7ª Bienal explora la sonoridad, el movimiento corporal, la vivencia social y la vivencia pedagógica, como partes integrales de la experiencia del arte hoy. Este título es también un llamado de atención que señala la intención de la 7ª Bienal de incorporar un amplio espectro de contenidos: desde el artista que realiza una acción para generar un cambio o un impacto concreto sobre la realidad, hasta el artista que promueve la actitud reflexiva y la escucha ante el entorno; que rescata el poder de la conversación como modelo posible de construcción para una sociedad mejor. Victoria Noorthoorn y Camilo Yáñez Curadores Generales, 7ª Bienal do Mercosul Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Exposiciones Las exposiciones están centradas en la praxis y exploran la riqueza y complejidad de los procesos creativos. Por un lado, tres exposiciones exploran la situación del artista: Como sujeto social, trabajando en la comunidad Como sujeto individual, exponiendo su proceso creativo Como sujeto artístico que cruza límites establecidos Otras cuatro exposiciones destacan aspectos puntuales de los procesos artísticos: La ciudad entendida como un “texto público”: inserción e irradiación La transformación El proyecto y la proyección El diseño como espacio de traducción del pensamiento artístico Biografías Colectivas Local: Galpón A5 – Cais do Porto Número total de artistas participantes hasta el momento: 10 “Proponemos una estética que manipule la propia sociedad como si fuera material tridimensional. No es poder político lo que queremos obtener a través del arte, sino la sobrevivencia, la reproducción y el placer para nuestra especie”. Esta exposición se apropia de la frase del artista chileno Juan Downey (1940-1993) como una idea potenciadora de sentido, tanto para los artistas participantes como para el público. Esta exposición propone una investigación visual que explora las posibilidades del arte, su conjunto de relaciones, métodos y procesos como herramientas capaces de transformar la visión superficial que muchas veces se suele tener de un contexto determinado. Ocupando una amplia gama de materiales y mecánicas de activación, los artistas de esta exposición trabajarán con formas poéticas de emancipación, proponiendo la revisión de un contexto político, histórico, cultural y cotidiano. Son obras generalmente creadas a partir de una biografía personal que reflejan una biografía colectiva, generando cambios inesperados en las estructuras sociales preestablecidas. La exhibición busca repensar los diferentes aspectos de la sobrevivencia, de la reproducción y del placer, como partes esenciales de la construcción social. Son obras cuyos procesos se relacionarán entre sí, y su conjunto constituirá un ejercicio de reflexión visual. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Ficciones de lo Invisible Local: Galpón A4 – Cais do Porto Número total de artistas participantes hasta el momento: 16 Esta exposición reúne a artistas que ponen en escena su propia relación con el proceso artístico, y así, al exponerse, exponen crudamente aquellos aspectos de la producción artística que habitualmente quedan borrados o sublimados en la obra terminada: sus herramientas, la estructura de los procesos, la economía de medios, la relación entre obra y vida privada, las vicisitudes a que debe someterse el artista en tanto sujeto social. Muchas veces, esto conlleva un despojamiento del lenguaje artístico, y un develamiento de sus estrategias retóricas. El artista desarrolla un lenguaje no más puro pero sino simplemente más directo y más pobre (siguiendo al escritor irlandés Samuel Beckett, “Me puse a escribir, en francés, con el deseo de empobrecerme aún más. Ese fue el verdadero motivo”) renunciando al capital técnico y simbólico que la tradición ha acumulado en su aparente beneficio. Se empeña en desaprender lo aprendido, en regresar a esa oscuridad que fue su punto de partida y medio inicial, la cual es luego olvidada y negada en la creación de la obra terminada y expuesta. Los artistas incluidos en esta exposición dan cuenta de este proceso desde el extremo ascetismo, la confrontación directa, y la exposición brutal de la condición social del artista. La exposición postula un diálogo con el teatro y exhibe los mecanismos de los propios procesos de construcción escénica mientras presenta un número de artistas que deciden tornar visible su experiencia. Absurdo Local: Galpón A3 – Cais do Porto Número total de artistas participantes hasta el momento: 12 Esta exposición opera sobre el extrañamiento y la idea de inestabilidad, siendo esta inestabilidad un lema que alimenta la propia transición histórica en el arte, sin encerrarla en un solo propósito, sino más bien al contrario, desmitificando el lenguaje único, creando un nuevo lugar, u otro lugar, para aquello que está por venir, o para lo que ni siquiera fue aún decodificado. Cada artista invitado a la exposición aceptó pensar la inestabilidad como un hecho y como una metáfora. Real o ficcional, ese otro lugar innominado, aparece como una invitación a la transferencia física hacia una nueva perspectiva. El espectador será invitado a entregarse a la trayectoria del 'otro' a conocer. No siempre el terreno que encontrará será sólido y familiar. Absurdo propone alterar el espacio reconocible de exposición, creando una metáfora que atraerá al público a pensar sobre los límites formales de las exhibiciones de arte. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Texto Público Local: Galpón A5 – Cais do Porto y espacio público de Porto Alegre Número total de artistas participantes hasta el momento: 21 La exposición reúne artistas que postulan un diálogo activo con la ciudad resignificándola, a modo de texto público. Esta curaduría es un plano de ocupación y de uso de las fuerzas y pulsaciones que ocurren en el espacio urbano. Los artistas trabajan los elementos materiales y simbólicos del espacio público, mientras trabajan la ciudad misma como material para sus proyectos. En todo momento, interesan los artistas que producen formas poéticas a partir de los fenómenos urbanos. La exposición ocurrirá en su mayor parte en el espacio público de Porto Alegre a partir de varios vectores de investigación: i. Iluminación: Trabajos que hagan visibles puntos estratégicos de la ciudad. ii. Irradiación: Un programa de radio, Radiovisual, transmitirá trabajos sonoros de artistas e informaciones sobre la Bienal. Esta radio, a su vez, actúa como símbolo de la 7ª Bienal y de sus objetivos: comunicar, acercando a los artistas y sus reflexiones sobre los procesos creativos, a un público amplio. iii. Transitorios Ambulantes: Trabajos sobre los flujos y dinámicas del espacio urbano. iv. Puntos en el mapa: Una red de proyectos en la Bienal y en la ciudad, que articularán, juntos, un nuevo texto expandido. La exposición tendrá una de sus bases en uno de los galpones del puerto. Allí, esta curaduría contempla la instalación de una estación de Radiovisual, creada especialmente para la Bienal. El Árbol Magnético Local: Galpón A6 – Cais do Porto Número total de artistas participantes hasta el momento: 12 Una exposición surge desde la práctica artística, y refiere a como los procesos de transformación de uma obra en una propuesta curatorial resultan de un sistema de intercambio de fuerzas, de un sistema "magnetizado" y de un flujo de energías que ponen al artista-curador, al artistaexpositor y a sus obras en un lugar de interrogación permanente. Esta exposición propone que las obras sean programadas por sus autores para ser modificadas o transformadas radicalmente durante el período de exhibición de la 7ª Bienal. Todas las obras se transformarán diez veces, con el objetivo final de mostrarle al público que los procesos de desarrollo de las obras no terminan en el taller o en el inicio de la exposición. Asimismo, este método de trabajo le propone al público, a la crítica especializada y a la prensa, una provocación a través de la dinámica de las obras, para que repiensen su papel como actores determinantes en el campo contemporáneo del arte. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Las obras serán agrupadas de acuerdo a tres dinámicas de cambios que se manifestarán en primer lugar en la propuesta llamada constructiva, donde las obras irán sumando elementos para comentar el devenir de la muestra. Un segundo bloque de obras desarrollará la noción de neutralidad en el sentido de una inactividad aparente y finalmente estarán las obras que abordarán sus cambios desde una perspectiva destructiva, donde principalmente se verá un proceso sustractivo de sus partes. En su conjunto, la exhibición El Árbol Magnético pretende ser un sistema vivo de trabajo artístico y un modelo de pensamiento visual sobre el desarrollo de las obras. Según el texto curatorial, “a partir de una perspectiva autoral, se trata de hacer visible el problema teórico que surge a partir de la exhibición de lo nuevo, de lo otro, de lo extraño (el arte en este caso), con el fin de desestabilizar el eje binario que generalmente opone lo extranjero (las obras, los artistas y el curador) a lo familiar (el contexto). En este sentido el resultado de esta muestra debería proponer un saber nebuloso e inestable basado en la "desconfianza polar" que manifiestan las secciones de la exhibición”. Proyectables Local: Santander Cultural Número total de artistas: a definir luego de la selección Esta sección de la 7ª Bienal propone explorar la materialización y localización específica de los proyectos que utilizan la web como canal, más allá de las fronteras geográficas o de soportes finales. Artistas de todo el mundo y de todas las edades han sido invitados a presentar sus “proyectables”. A partir de los materiales recibidos, se realizará una selección de los artistas que van a integrar un banco de datos amplio y esclarecedor del escenario convocado por la 7ª Bienal del Mercosur y, en una segunda instancia, un número determinado de artistas será seleccionado para desarrollar y exhibir sus “proyectables” en la 7ª Bienal. Se ha invitado a los artistas a reflexionar sobre las posibilidades planteadas por la categoría Proyectables, que busca indagar sobre las siguientes nociones interrelacionadas: La noción de “proyecto”: como lo imaginado, el plan, el lanzamiento de lo inexistente a lo existente; de la fantasía a la concreción. La noción de “proyecto” como aquello que evoluciona. La noción de “proyección”: en el sentido de amplia difusión y visibilidad; de darse a conocer; de lanzarse a otra escala; de crear nuevos públicos. La noción de “proyección” en el sentido propio de la cartografía: el proceso que lleva del terreno al mapa y del mapa al terreno. La noción de “proyección” en el sentido psicoanalítico: la proyección de un vínculo sobre otro; la traslación de las representaciones. Los proyectos a ser presentados pueden ser visuales (fotografias, imágenes, slide shows, sombras, vídeos, films de corta, media o larga duración, animaciones, vídeo-instalaciones, flashes), sonoros o performáticos (VJ y DJ, performances, conferencias), o en otros medios (páginas web y juegos interactivos), etc. Deben ser "proyectables" en monitores, telas u objetos, Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br en contextos específicos diseñados como parte de cada pieza; y deben ser transmisibles via Internet, a través de download, o ser expuestos en tiempo real, vía streaming digital. Deben ser, así, proyectos que pueden viajar por el mundo sin equipaje, para luego adquirir su forma local definitiva en la 7ª Bienal do Mercosul. Las inscripciones se cerraron el día 10 de julio. Se han recibido cerca de 750 proyectables, de artistas de más de 45 países, como Alemania, Argentina, Australia, Austria, Brasil, Bélgica, Bosnia Herzegovina, Canadá, Chile, China, Colombia, Costa Rica, Croacia, Cuba, Dinamarca, Emiratos Árabes, Ecuador, Eslovenia, España, Estados Federados de la Micronesia, E.E.U.U, Francia, Grecia, Holanda, Hungría, India, Irlanda, Israel, Italia, Japón, Lituania, Malta, México, Paquistán, Puerto Rico, Portugal, Reino Unido, República Checa, Rumania, Rusia, Serbia, Suecia, Tailandia, Ucrania, Uruguay y Venezuela. Los seleccionados serán anunciados el día 15 de agosto, a través del sitio web www.bienalmercosul.art.br. El Dibujo de las Ideas Local: Museo de Arte de Río Grande do Sul – MARGS Número total de artistas: 35 La exposición señala al dibujo como la disciplina que con mayor transparencia revela el pensamiento del artista durante su proceso creativo, y está organizada, a modo de caja de resonancia, de modo tal de establecer diálogos con las diversas exposiciones de la Bienal a través de sus contenidos, poéticas y metodologías. La exposición presentará un importante conjunto de obras de artistas jóvenes de Latinoamérica y del mundo en diálogo con referentes históricos, sin pretensión historicista pero sí con el ánimo de ampliar la mirada sobre la densidad de los procesos artísticos contemporáneos. Su título refiere a la intención de trascender la mirada sobre la visualidad, y acercarnos al dibujo como portador de ideas. Explora el dibujo que se articula con otras disciplinas artísticas y del conocimiento. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Programas Proyecto Pedagógico, Curaduría Editorial y Radiovisual Los programas de la 7ª Bienal del Mercosur – Proyecto Pedagógico, Curaduría Editorial y Radiovisual – articulan los contenidos entre las diversas exposiciones, componiendo un sistema caracterizado por la transmisión, apertura y movilidad de metodologías y acciones, que invitan al espectador a aproximarse a la Bienal a partir de múltiples puntos de vista. Proyecto Pedagógico El Proyecto Pedagógico de la 7ª Bienal del Mercosur propone a la educación como un espacio de desarrollo para la puesta en acto de acciones transformadoras. La aplicación de propuestas educativas desarrolladas por artistas contemporáneos es una de las propuestas innovadoras: meses antes de la apertura de la Bienal, 14 artistas invitados al programa de residencias Artistas en Disponibilidad trabajarán sus propios métodos pedagógicos en comunidades de diferentes regiones del Estado. El objetivo de este proyecto es generar una experiencia artística que pueda ser luego multiplicada y utilizada por los profesores en sus clases. Entre las actividades previstas en el Proyecto Pedagógico de la 7ª Bienal del Mercosur se encuentran: Colaboración de artistas en talleres educativos locales Encuentros de trabajo, simposios y publicaciones de Arte Educación Curso para la formación de mediadores Conferencias de artistas y curadores Transporte gratuito para escuelas Organización de visitas guiadas para grupos Creación de espacios pedagógicos ambulantes durante el período de las exposiciones. Encuentros para la formación de profesores Desarrollo de un sitio web pedagógico Además de las acciones ya consolidadas, como el Curso para la Formación de Mediadores, los Encuentros para la Formación de Profesores, la organización de visitas escolares a la muestra y el transporte gratuito para escuelas públicas, el Proyecto Pedagógico de la 7ª Bienal va a trabajar en nuevos campos de acción, como el programa de residencias artísticas, titulado Artistas en Disponibilidad. El Simposio Internacional de Arte-Educación se realizará en nuevo formato, a través de Mesas de Encuentro que reunieron, los días 21 y 22 de julio, a pensadores, intelectuales, artistas, profesores y curadores internacionales para discutir sobre los procesos de educación y el arte contemporáneo. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Formación de Mediadores El Curso de Formación de Mediadores tendrá lugar entre los días 21 de julio y 08 de octubre de 2009, en Porto Alegre. Los candidatos seleccionados para realizar la formación fueron anunciados el día 14 de julio. Se han recibido más de 700 inscripciones, de profesionales de varios estados brasileños. El curso es gratuito y contempla clases teóricas y prácticas sobre los diferentes lenguajes contemporáneos y abordajes presentes en el proyecto curatorial, la realidad de la enseñanza del arte, el entrenamiento de mediación y la atención a diferentes públicos, así como expresión corporal y vocal, talleres prácticos y encuentros con artistas y curadores. También está prevista la realización del proyecto Vivencias en las Escuelas, que posibilita que los futuros mediadores tengan contacto con el público escolar de la red municipal de enseñanza de Porto Alegre. Además, mediadores y profesores tendrán la oportunidad de intercambiar experiencias durante el curso. Los participantes tendrán un promedio de dos clases por semana, realizadas en el Auditorio del ICBNA - Instituto Cultural Brasileiro Norte-Americano – Rúa Riachuelo, 1257, en el centro de la capital. Los grupos serán divididos en turnos de mañana -con clases de las 8h30min a las 12h- y de noche -de las 18h30min a las 22h-. Educación a Distancia - EAD Un recurso inédito en esta edición es la utilización del sistema de EAD, realizado conjuntamente con el Instituto de Artes de UFRGS. El sistema amplía y facilita la participación de alumnos del interior de RS y otros estados, auxiliando también en la cualificación del aprovechamiento de los estudios. De las 200 plazas disponibles para el curso, 150 serán para las clases presenciales y otras 50 para residentes en otras ciudades, que participarán en el curso a través del sistema EAD. El trabajo de mediación En la 7ª Bienal del Mercosur, el mediador va a estar capacitado para atender a los visitantes en general y a grupos de visitas organizados previamente, en diversos niveles, desde la transmisión de información sobre las obras y artistas participantes, hasta la realización de talleres. El Proyecto Pedagógico de la 7ª Bienal del Mercosur va a estimular también la participación del propio público y de profesores en el trabajo de mediación. Así, la Bienal va a contar con diversos tipos de mediadores: Mediadores en disponibilidad: estarán presentes en cada espacio de exposición para asistir al público en general en la información de contenidos sobre las obras, los artistas y sobre las diferentes propuestas curatoriales de la Bienal. Mediadores para trayectos: profesores que serán responsables de la mediación de su grupo de alumnos. Los profesores interesados en realizar la mediación van a recibir formación específica y asesoría de los mediadores de la 7ª Bienal, que van a estar a disposición para la realización de actividades en el espacio expositivo. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Público Mediador: el público visitante será invitado a compartir sus conocimientos sobre arte contemporáneo a través de mediaciones informales. Se ofrecerán horarios para la realización de estas mediaciones y credenciales que habiliten para esta función. Programa de Residencias – Artistas en Disponibilidad El Proyecto Pedagógico de la 7ª Bienal del Mercosur invitó a 14 artistas a aplicar sus propias metodologías en comunidades de diferentes regiones del estado de Río Grande do Sul. El objetivo final es traducir el capital pedagógico de estos proyectos artísticos hacia el sistema educativo e incentivar la interdisciplinaridad como lugar de encuentro entre prácticas artísticas y no artísticas, entre el arte y lo real. De agosto a octubre, serán realizadas tres residencias en Porto Alegre y en la Gran Porto Alegre. Las otras residencias serán realizadas en el mismo período, en las siguientes ciudades de Río Grande do Sul: São Leopoldo, Montenegro, Pelotas, Caxias do Sul, Santa María, Santana do Livramento, Santa Vitoria do Palmar y ciudades del litoral norte como Maquiné, Osorio y Torres. Participarán en las residencias cuatro artistas brasileños (João Mode - Proyecto REDE; Julio Lira Trayectos Urbanos y mediación de saberes; Ricardo Basbaum – Você gostaria de partipar de uma experiência artística?; María Helena Bernardes y André Severo – Proyecto Areal); cuatro artistas de Argentina (Diana Aisenberg - Historia(s) del arte - Diccionario de Certezas e Intuiciones; Claudia del Río – Club del dibujo; Diego Melero – Clases de Gimnasia y Filosofía política; Rosario Bléfari – La realidad en partituras, laboratorio de escritura y canciones), un artista de Colombia (Nicolás París - Laboratorio de dibujo), un curador de Chile (Gonzalo Pedraza – Colección Vecinal); un colectivo de artistas de Uruguay (Francisco Tomsich y Martín Verges – Traspuesto de un Estudio para un Retrato Común) y un artista francés (Nicolás Floc`h – El gran trueque, proyecto para deseos colectivos). Mesa de Encuentro Los días 21 y 22 de julio, la 7ª Bienal del Mercosur organizó la Mesa de Encuentro – Artistas en Disponibilidad: la educación como espacio para el desarrollo de micrópolis experimentales, en Porto Alegre, con entrada gratuita mediante inscripción. Los encuentros se destinaron a educadores, artistas, estudiantes y otros profesionales que quisieran conocer y discutir los proyectos educativos de los artistas que participan en el Programa de Residencias del Proyecto Pedagógico de esta edición de la Bienal. Los artistas presentaron públicamente sus proyectos con el objetivo de confrontar y debatir sus propuestas con profesionales internacionales interesados en los valores del arte como herramienta para la educación. Participaron en las mesas, además de los artistas residentes, Lucas Rubinich - profesor de sociología (Argentina), Francisco Reyes Palma - historiador, curador y crítico de arte (México), Marcos Villela - doctor en Educación (Brasil), Tania Bruguera - artista y pedagoga (Cuba), Luis Alarcón y Ana María Saavedra - directores de la Galería Metropolitana (Chile) y Ricardo Resende - director del Centro de Artes Visuales de Funarte (Brasil). Según la curadora pedagógica Marina De Caro, el Programa de Residencias de la 7ª Bienal del Mercosur propone dar visibilidad a propuestas educativas desarrolladas de manera Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br independiente y no formal por artistas contemporáneos: “Interesados en expandir su campo de trabajo, estos artistas repiensan la propia práctica y escuchan las necesidades, tanto de la comunidad artística como de la sociedad en general. Por eso, sus metodologías estarán en diálogo con el sistema educativo regional”, explica Marina. Mapas Prácticos – espacios disponibles Durante la 7ª Bienal, el Proyecto Pedagógico va a trabajar en conjunto con talleres privados e institucionales de Porto Alegre vinculados a la práctica artística contemporánea en el ámbito de la educación, dentro del marco de un proyecto llamado Mapas Prácticos. Durante el transcurso de la Bienal, las escuelas que soliciten la participación de sus alumnos en talleres prácticos, tendrán la posibilidad de elegir un amplio espectro de actividades y talleres disponibles. Esta acción descentraliza la Bienal y valoriza el trabajo que viene siendo realizado a lo largo de los últimos años por artistas y educadores locales. Programa de Intercambio Vías de Diálogo, un futuro disponible El Proyecto Pedagógico también va a incentivar el intercambio entre artistas, gestores culturales, escritores y músicos latinoamericanos, tomando en consideración las producciones contemporáneas y los diferentes contextos de producción de pensamiento en América Latina. Este intercambio prevé una serie de debates públicos en instituciones locales y proyectos de residencia en casa de artistas, en las ciudades de Asunción (Paraguay), Montevideo (Uruguay) y Buenos Aires (Argentina). Según la curadora De Caro, “es necesario tener conocimiento de las diferentes problemáticas e intereses de las comunidades artísticas para repensar, en el futuro, formatos de intercambio y confrontación que sean eco de la producción contemporánea y dar inicio así, a una serie de proyectos que enriquezcan el panorama artístico regional. Posibilitar estos encuentros es permitir un reconocimiento mutuo”. El proyecto tiene el apoyo de los Centros Culturales de España de estas capitales. Acciones con foco en los profesores El Proyecto Pedagógico de la 7ª Bienal del Mercosur va a trabajar con profesores de escuelas públicas y privadas de todo Río Grande do Sul y parte de Santa Catarina, de forma de capacitarlos para ser mediadores de sus propios grupos de alumnos cuando visiten a la 7ª Bienal. Los profesores también serán invitados a involucrarse con los proyectos de los artistas en residencia y a participar en la Mesa de Encuentro. El objetivo es que tengan su propia experiencia en el desarrollo de una actividad cultural para la comunidad, y que ejerciten tanto la práctica como la valorización y la comunicación de esta actividad. Materiales pedagógicos Además de la implantación de un sitio web con contenido sobre el Proyecto Pedagógico, una serie de materiales educativos de diferentes tamaños, formatos y niveles de complejidad serán producidos para subsidiar profesores, estudiantes y público en general. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Curaduría Editorial La curaduría editorial de la 7ª Bienal del Mercosur incluye tres áreas de trabajo: Imagen para la 7ª Bienal del Mercosur, concebida como un sistema en sí mismo; Sistema de comunicación, que substituye el concepto de Publicidad por el concepto de Difusión; Sistema de publicaciones móviles y flexibles Esta curaduría propone vincularse y trabajar con todos los programas, proyectos y obras de la 7ª Bienal a partir del entendimiento de que todo punto de vista ofrece un panorama igualmente complejo si bien diferente. El sistema editorial concebido para la 7ª Bienal del Mercosur parte de una idea simple: una obra de arte puede ser vista a partir de múltiples niveles de distancia y aproximación. Cada nivel ofrece ciertas particularidades que se traducen en formas de interpretar la obra, todas igualmente complejas. Para evidenciar los diferentes niveles de interpretación, las publicaciones están diferenciadas por tamaños y tipos de documento, donde cada nivel ocupa un formato específico. La curaduría editorial adoptó el sistema de tamaño estándar de papel ISO216 (que establece los formatos A1, A2, A3, A4, A5, A6, A8, etc.). Es un modelo que tiene un desarrollo geométrico, que mantiene idénticas proporciones sin importar el tamaño, es usado internacionalmente, reduce el desperdicio en el momento de la impresión y, por último, facilita su diseminación electrónica. Cada uno de los niveles será impreso en un formato de papel diferente, de la siguiente forma: 1. 2. 3. 4. 5. 6. Difusión, metástasis, propagación, multiplicación, expansión, límite difuso – A1 Cartografías, topografías, anatomías, recorridos – A2 Diario, peatón, crónica, narrativa, acciones – A3 La obra – A4 El funcionamiento – A5 Archivos y genealogías – A8 1. Difusión, metástasis, propagación, multiplicación, expansión, límite difuso – A1 Este formato comprende dos tipos de documentos: Afiches de la Bienal y/o sus exposiciones, concebidos como prolongaciones o consecuencias de la mecánica del proyecto general Obras comisionadas para este formato, que entran dentro de la lógica de difusión de la Bienal 2. Cartografías, topografías, anatomías, recorridos – A2 En este formato serán publicados principalmente mapas conceptuales que establezcan relaciones entre las exposiciones y/o algunas de las obras de la Bienal, con contextos históricos, sociológicos, antropológicos, filosóficos o literarios. Serán documentos principalmente visuales (mapas de relaciones), aunque puedan contener ensayos. Tendrán formas de fijación que Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br facilitarán su uso. Algunas fichas pedagógicas pueden ser publicadas en este formato. También serán elaborados mapas conceptuales que privilegien las relaciones entre obras en el interior de la Bienal, sugiriendo recorridos de visita posibles, lecturas e incluso actividades. En este formato también serán publicados mapas geográficos de la 7ª Bienal del Mercosur. 3. Diario, peatón, crónica, en el ámbito callejero, narrativa, acciones – A3 Mapas prácticos, para ser usados durante el recorrido en la Bienal. Serán sobres para guardar dentro los documentos. 4. La Obra - A4 Este será el formato del catálogo y de los documentos textuales producidos sobre las obras de la 7ª Bienal. Los artistas participantes proporcionarán documentos e información para la creación de diferentes niveles y diagramas de relaciones entre las obras. Creación de un archivo. 5. Funcionamiento - A5 Este formato refiere a la mecánica interna de las obras en particular. Serán dos libros; uno destinado a la presentación de los proyectos de residencias artísticas del Proyecto Pedagógico, y otro compilará las Fichas Pedagógicas para profesores y alumnos. 6. Archivos y genealogías - A8 Es un formato mínimo, una baraja. En él se ubicarán las fichas técnicas y se incluirán listas de referencias históricas, literarias, científicas, bibliográficas, entre otras, que darán pie a las obras, a modo de un extenso y detallado glosario. Estas publicaciones serán de gran tiraje y de bajo costo, y fueron pensadas para ser distribuidas en las salas de exposición y complementar la experiencia de cada una de las exhibiciones. La marca de la 7ª Bienal La imagen de la 7ª Bienal del Mercosur ha sido concebida por los artistas y curadores editoriales Erick Beltrán y Bernardo Ortiz. Los curadores crearon una ecuación visual, un isotipo que integra y relaciona la Fundación Bienal del Mercosur y la 7ª edición del evento como partes indisolubles de un todo. El símbolo crece y se transforma como un organismo vivo, pero mantiene su identidad. Los puntos del isotipo representan las siete exposiciones de la Bienal y las líneas representan los tres programas: Proyecto Pedagógico, Programa Editorial y Radiovisual. La combinación de estos diez elementos genera mil ochocientas posibilidades. Así, la imagen se articula como un sistema caracterizado por la movilidad continua. Esta movilidad, que está en la base de todo proceso creativo, nutre las acciones de esta Bienal, pensadas para un espectador participativo y abierto a los acontecimientos. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Radiovisual: excitadora de frecuencias Sedes: Cais do Porto, Radio FM Cultura y sitio web de la Bienal del Mercosur "Los artistas son las antenas de la raza humana, ellos auscultan y presienten el porvenir”. Ezra Pound Radiovisual actúa como un símbolo de la 7ª Bienal y es el vehículo que representa sus objetivos: comunicarse con un público amplio que va más allá del público de la propia Bienal, aproximarlo al artista e irradiar, al máximo, estímulos para una reflexión sobre los procesos creativos actuales. Este proyecto será realizado en conjunto con la Radio FM Cultura de la Fundación Cultural Piratini, Gobierno del Estado de Río Grande do Sul y pretende darles voz y escuchar a los artistas, curadores, críticos, y al público escolar y general de Porto Alegre. Su programación tiene un perfil artístico, experimental e informativo y se propone el desafío de excitar frecuencias y propagar contenidos diferenciados. Presentará una programación dinámica que incorporará performances sonoras, entrevistas, charlas e informaciones sobre la 7ª Bienal y sobre los avances de su proyecto pedagógico. Estará compuesta por formas abiertas, géneros radiofónicos variados, aptos para recibir contenidos y creaciones externas que estimulen y generen otras formas de producción. Radiovisual propone también shows de música, proyecciones de vídeo, películas, performances, charlas con artistas, debates y conferencias referentes a la programación de la 7ª Bienal. Según su co-curadora Lenora de Barros, “Radiovisual se configura también como un ‘canal abierto’ para una reflexión, que nos permitirá ofrecerle al público algunas respuestas inmediatas sobre temas actuales relativos al arte y sus desafíos en el mundo contemporáneo”. Radiovisual pretende funcionar a partir de dos ejes: captación y transmisión de una producción sonora específica, creada en su mayor parte especialmente para la 7ª Bienal del Mercosur, a partir de formatos de programación preestablecidos. Al mismo tiempo, será el centro de reflexión y de vehiculación de informaciones referentes a la 7ª Bienal del Mercosur, y también de divulgación de los seminarios y debates que se realizarán durante el período de la exposición. El programa se transmitirá durante 60 minutos diarios durante el período de la Bienal, en la frecuencia de Radio FM Cultura, y permanentemente, a través del sitio web de la Bienal. Uno de sus bloques va a llamarse Ao redor de 4’33”- (Alrededor de 4’33”) - piezas creadas por varios artistas invitados especialmente para la 7ª Bienal del Mercosur. El título se refiere al conocido concierto creado por John Cage en 1952. Estas performances sonoras también serán oídas en el espacio de la Bienal en el Puerto, donde Radiovisual tendrá un estudio. Cerca de 90 artistas, músicos, poetas y escritores fueron invitados a crear obras sonoras, entre los que se encuentran Arnaldo Antunes, Casin, Moreno Veloso, Arrigo Barnabé, Cid Campos, Péricles Cavalcanti, Bernardo Carvalho, Antonio Cícero, Brígida Baltar, Laura Erber, Chiara Banfi, Marcia Xavier, Lia Chaia, Laura Vinci, Marilá Dardot, Brandon Labelle, Mauricio Ianês y Cris Bierrenbach. La lista completa de participantes será anunciada posteriormente. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Perfiles de los curadores Victoria Noorthoorn (Argentina, 1971) - Curadora-general. Curadora independiente, graduada en Artes en la Universidad de Buenos Aires y Master of Arts in Curatorial Studies en Bard College, Nueva York. Trabajó en The Museum of Modern Art (MoMA) y en The Drawing Center, de Nueva York, así como en el MALBA - Fundación Costantini, de Buenos Aires. Curó la 29ª Bienal de Arte de Pontevedra, España (2006), y la exposición Beginning With A Bang! From Confrontation to Intimacy: An Exhibition of Argentine Contemporary Artists 1960-2007, en la Americas Society, Nueva York (2007). Colaboró con la presentación de León Ferrari en la 52ª Bienal Internacional de Venecia (2007), y fue co-curadora del 41º Salón Nacional de Artistas en Cali, Colombia (2008). Camilo Yáñez (Chile, 1974) – Curador-general. Artista visual y curador. Se graduó y obtuvo un master en Artes en la Universidad de Chile. Es profesor en la Universidad Diego Portales, en la Universidad del Desarrollo y en la UNIACC. Como artista expuso individualmente en varias ciudades del mundo y participó en diversas exposiciones colectivas, como: “Daniel López Show” (Whitebox & Roebling Hall, Nueva York); “Sur Scène” (Castillo de Tours, Francia) y en la 5ª Bienal del Mercosur, Porto Alegre, Brasil. Fue curador del Centro Cultural Matucana 100 (2001-2008) en Santiago de Chile. Fue co-editor de POBLADO, periódico visual sobre arte chileno contemporáneo, distribuido por ARCO 2006, y miembro del Comité Editorial del libro “Copiando el Edén. Arte Reciente en Chile”, editado por Gerardo Mosquera y PuroChile ediciones, 2006. Marina De Caro (Argentina, 1961) - Curadora pedagógica. Artista plástica. Graduada en Historia del Arte en la Universidad de Buenos Aires, desde 1998 dirige un programa de formación de artistas. Entre 2001 y 2004 coordinó las relaciones institucionales, talleres y publicaciones del Proyecto TRAMA / Programa de Cooperación y Confrontación entre artistas. Expone individual y colectivamente en Argentina y en el exterior. Roberto Jacoby (Argentina, 1944) - Curador adjunto. Artista plástico, en actividad desde los años 60 cuando creó en colaboración el manifiesto “Un arte de los medios de comunicación” (1966) y participó en Tucumán Arde (1968), entre muchos otros proyectos. Desde entonces, trabajó en el campo de la sociología y el arte y exploró el desarrollo de redes experimentales, como la red de artistas Bola de Nieve (1998), Chacra y Proyecto Venus (1999), además de diversas formas de colaboración, como la creación de la Fundación Start (1999), la revista Ramona (desde 2000) y del Centro de Investigaciones Artísticas (CIA) (2009), con Graciela Hasper y Judi Werthein, entre otras iniciativas. Sus obras fueron presentadas en importantes exposiciones internacionales, entre ellas Documenta Magazines, Kassel (2007); Inverted Utopias, Museum of Fine Arts, Houston (2004); y Global Conceptualism: Points of Origin, 1950s-1980s, Queens Museum of Art, Nueva York (1999). Artur Lescher (Brasil, 1962) - Curador adjunto. Artista plástico. Es profesor en la Facultad Santa Marcelina, San Pablo, desde 1991. Desde 1984 participa en innumerables exposiciones colectivas y expone individualmente en Brasil y en el exterior. Participó en la 19ª y en la 25ª edición de la Bienal Internacional de San Pablo (1987 y 2002, respectivamente) y en la 5ª Bienal del Mercosur (2005). En 2002 fue publicado el libro Artur Lescher, con textos de Aracy Amaral, Rafael Vogt y Arthur Nestrovski, por la editora Cosac & Naify. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Mario Navarro (Chile, 1970) - Curador adjunto. Artista plástico. Graduado en la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile y en la Universidad de París I, Pantheon Sorbonne, en Francia. Es profesor en la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Como curador organizó exposiciones en Valdivia, Santiago de Chile y Nueva York. Como artista expuso individualmente en varias ciudades del mundo y participó en diversas exposiciones colectivas, como Les Rencontres Internacionales, en el Centre Pompidou, París (2007); la 27ª Bienal Internacional de San Pablo, Brasil (2006); y la IV Bienal de Liverpool, Inglaterra (2006). Laura Lima (Brasil, 1971) - Curadora adjunta. Artista plástica, graduada en Filosofía en la Universidad del Estado de Río de Janeiro, estudió también en la Escuela de Artes Visuales del Parque Lage en Río de Janeiro. Es artista visual y co-directora de la galería A Gentil Carioca, en Río de Janeiro, junto con los artistas Márcio Botner y Ernesto Neto. Participó en la 27ª Bienal Internacional de San Pablo (2006) y en la 5ª Bienal del Mercosur (2005). Expone individual y colectivamente en Brasil y en otros países. Erick Beltrán (México, 1974) - Curador editorial. Artista plástico, estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM, México. Da clases en Nuova Belle Arti Academy, en Milán, Italia. Expone individualmente en varias ciudades del mundo y participó, entre otras exposiciones colectivas, en la 28ª Bienal Internacional de San Pablo (2008); la Bienal de Lyon (2007); la Société anonyme, Le Plateau, París (2007); y el MDE07, Medellín (2007). Fue responsable por la imagen del III Simposio Internacional de Arte Contemporáneo, en México (2006) y en el Centro Cultural México de París (2001). Bernardo Ortiz (Colombia, 1972) - Curador editorial. Diubujante y escritor, estudió Artes Plásticas en la Universidad de Los Andes, Bogotá, y es Master en Filosofía por la Universidad del Valle, Cali, Colombia. Es profesor en la Universidad de Los Andes. Es co-editor de la revista Valdez, con François Bucher y Lucas Ospina. Entre sus más importantes exposiciones se destacan: Documenta Magazines (revista Valdez), Kassel (2007) y MDE07, Medellín (2007). Fue curador de la Bienal de Arte de Bogotá (MaMBo, 2006) y co-curador del 41º Salón Nacional de Artistas de Colombia (2008). Lenora de Barros (Brasil, 1953) – Co-curadora de Radiovisual. Poeta y artista visual, se graduó en lingüística en la Universidad de San Pablo – USP. Inició su trabajo en la década de 70, desarrollándolo a partir de diversos lenguajes, como el video, la performance poética, la fotografía y la instalación. Expone individual y colectivamente en Brasil y en otras ciudades del mundo. Participó en las muestras For You. The Daros Latinamerica Tapes and Video Installations, Daros Exhibitions, Zurich (2009); Entre la Palabra y la Imagen, Museo de la Ciudad de Lisboa (2007); 4ª Bienal del Mercosur (2005) y 25ª Bienal Internacional de San Pablo (1998), entre otras. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Proyecto museográfico de la 7ª Bienal del Mercosur El proyecto museográfico de la 7ª Bienal del Mercosur propone espacios expositivos abiertos en diálogo con la arquitectura original de los edificios en los cuales se realizará la muestra. Las excepciones se darán en los galpones A4 y A5, del Puerto. El primero tendrá un tratamiento escenográfico, considerando la propuesta de la curaduría, y el segundo, recibirá un tratamiento osado e inusitado. Las áreas de estar siguen el mismo principio de toda la Bienal, con espacios tratados con una simplicidad creativa. Estos espacios no quedarán restrictos al pórtico central, sino que estarán distribuidos en el paseo del Muelle del Puerto, desde donde se observa el río. Como elementos nuevos, caben destacar los espacios destinado para Radiovisual, en el Muelle del Puerto y en el café del MARGS. La museografía de la 7ª Bienal del Mercosur ha sido pensada para favorecer las obras y la visita del público a las exposiciones. La intención es buscar la convivencia entre los proyectos de los artistas y los diversos espacios expositivos (incluyendo el espacio público), sin que uno se sobreponga al otro, consiguiendo, de esta forma, potenciar la experiencia de la ciudad y de la obra. La preparación de los espacios y el montaje de la museografía y de las obras se inician en septiembre. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Artistas - perfiles Conozca los artistas que participan de exhibiciones, Proyecto Pedagógico y Radiovisual, hasta el presente momento. Todavía no están incluidos los artistas de La muestra Proyectables, Curaduría Editorial y algunos nombres de Radiovisual. Estes artistas van a ser anunciados a la brevedad Exhibiciones Artista País Edgardo Antonio Vigo Argentina Abraham Cruzvillegas México Eduardo Barrera México Adrià Juliá España Eduardo Basualdo Argentina Alejandra Seeber Argentina Eduardo Navarro Argentina Ana Gallardo Argentina Fabio Kacero Argentina Anna Maria Maiolino Brasil Fabrice Gygi Suiza Arturo Herrera Venezuela Fermín Eguía Argentina Augusto de Campos Brasil Flávio de Carvalho Brasil Cabelo Brasil Francisca García Chile Cadu Brasil Francisco de Almeida Brasil Camila Sposati Brasil François Bucher Colombia Chelpa Ferro Brasil Gabriel Sierra Colombia Cildo Meireles Brasil Gilberto Esparza México Courtney Smith Francia Guilherme Vaz Brasil Cristiano Lenhardt Brasil Henri Michaux Bélgica Cristóbal Leyht Chile Henrique Oliveira Brasil Daniel Acosta Brasil Daniela Thomas Brasil Hofmann's House (colectivo de Chile 2 artistas) Daniele Buetti Suiza Débora Bolsoni Brasil Décio Pignatari Brasil Delcy Morelos Colombia Diego Fernández Chile Ingrid Wildi Chile Iran do Espírito Santo Brasil James Ensor Bélgica Janine Antoni Bahamas Jérôme Bel Francia Johanna Calle Colombia Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br John Cage EEUU Paulo Bruscky Brasil Jonathas de Andrade Brasil Paulo Nenflídio Brasil Jordi Colomer España Pedro Reyes México Jorge Caraballo Uruguay José Alejandro Restrepo Colombia Provisório Permanente Argentina (colectivo de 4 artistas) José Antonio Suárez Colombia José Carlos Martinat Perú Juan Downey Chile Laura Kuhn EEUU León Ferrari Argentina Liliana Porter Argentina Linda Matalon EEUU Luiz de Abreu Brasil Magdalena Jitrik Argentina Marcellvs L. Brasil Marcela Armas México Márcia X e Ricardo Ventura Brasil Maria Lúcia Cattani Brasil Mariela Scafati Argentina Mário Peixoto Brasil Marta Minujín Argentina Mauro Restiffe Brasil Milton Machado Brasil Nicholas Floc'h Francia Niles Atallah, Joaquín Cociña e Chile Cristobal León Nina Lola Bachhuber Alemania Pablo Rivera Chile Patricio Larrambebere Argentina Paul Ramírez Jonas EEUU Raquel Garbellotti Brasil Ricardo Lanzarini Uruguay Romano Brasil Rosângela Rennó Brasil Ryan Gander Inglaterra Samuel Beckett Irlanda Sergio De Loof Argentina Tomás Espina Argentina Walmor Corrêa Brasil Yun Fei-Ji China Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Radiovisual – algunos artistas Artista País Arnaldo Antunes Brasil Augusto de Campos Brasil Eduardo Costa Brasil Décio Pignatari Brasil Guilherme Vaz Brasil Ivana Vollaro Argentina John Cage EEUU Lilian Zaremba Brasil Glenn Gould Canadá Luisa Duarte Brasil Martín Barea Mattos Uruguay Mauricio Kagel Argentina Romano Brasil Walter Smetak Suiza Proyecto Pedagógico Programa de residencias Artistas en Disponibilidad Artista País Claudia Del Río Argentina Diana Aisenberg Argentina Diego Melero Argentina Francisco Tomsich e Martín Verges Uruguay Gonzalo Pedraza Chile João Modé Brasil Julio Lira Brasil María Helena Bernardes e André Severo Brasil Nicolas Floc’h Francia Nicolás París Colombia Ricardo Basbaum Brasil Rosario Bléfari Argentina Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Programa de intercambio Vías de diálogo Artista País Ana Gallardo Argentina Bettina Brizuela (Planta Alta) Paraguay Enrique Aguerre Uruguay Gastón Pérsico Argentina Graciela Hasper Argentina Jacqueline Lacasa Uruguay Javier López Paraguay Javier Rodríguez Alaclá Paraguay Leopoldo Estol Argentina Martín Barea Mattos Uruguay Sebastián Alonso y Martín Cracium (AMORIR) Uruguay Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Abraham Cruzvillegas nació en Ciudad de México, en 1968; vive y trabaja entre París y Ciudad de México. Realizó sus estudios en la Universidad Nacional Autónoma de México, donde fue alumno de Gabriel Orozco. Entre otras distinciones, recibió el premio Artist Research Fellowship from the Smithsonian Institution (2008). Algunas de sus exposiciones individuales más recientes incluyen las realizadas en Thomas Dane, Londres (2009); Redcat, Los Ángeles (2009); Autoconstrucción: The Soundtrack, The Centre for Contemporary Arts, CCA Glasgow, Glasgow (2008); y Autoconstrucción, Jack Tilton Gallery, Nueva York (2007). Su obra ha sido incluida en numerosas exposiciones colectivas que incluyen: Modern Ruins, Kate Macgarry, Londres (2009); 2ª Trienal Poli/Gráfica de San Juan, San Juan, Puerto Rico (2009); 10ª Bienal de La Habana, La Habana (2009); Strike a Pose, Stephen Friedman Gallery, Londres (2009); XXV Bienal Internacional de São Paulo, San Pablo (2002), entre otras. Adrià Juliá nació en España, en 1974; vive y trabaja en Los Ángeles. Entre sus exposiciones individuales se destacan: Indicios para otro lugar, Centro Cultural Montehermoso Kulturunea, Vitória-Gasteiz, España (2008); A means of passing the time, LAXART, Los Ángeles (2008); Adrià Juliá, Galería Soledad Lorenzo, Madrid (2007); Truc Trang Walls, The University Art Gallery, Irvine, California (2006); Adrià Juliá, Orange County Museum of Art, Newport Beach, California (2006), entre otras. Su obra ha sido incluida en las exposiciones colectivas Exil des Imaginären, Generali Foundation, Viena (2007); Surrounding Marta Clark, Galería Carlos Carvalho, Lisboa (2006); Screen Spirit, Städtische Galerie im Butentor, Brema, Alemania (2005); Rituale, Akademie der Künste, Berlín (2003), entre otras. Alejandra Seeber nació en Buenos Aires, en 1969; vive y trabaja entre Nueva York y Buenos Aires. Participó del Programa de Becas para Artistas Jóvenes Guillermo Kuitca, Centro Cultural Borges, Buenos Aires (1997-1999). Entre sus exposiciones individuales se destacan: Pinturalia, Galería Fernando Pradilla, Madrid (2008); The Pregnant Painter, Virgil de Voldère Gallery, Nueva York (2007); Dúos, Sperone Westwater, Nueva York (2003); Living Rum, Dabbah Torrejón Arte Contemporáneo, Buenos Aires (2002); This Room: Painting as a Second Language, Parlour Projects, Brooklyn (2001); Serendipia, Galerie de L’Alliance Française, Buenos Aires (1999), entre otras. Ha participado de las siguientes exposiciones colectivas: Temperament auf papier, Hausler Contemporary, Zúrich (2008); An Archealogy, Zabludowicz Collection, Londres (2007); Argentine pour toujours, Knokke, Bélgica (2006); 24/7, Center for Contemporary Art, Vilnius (2003); y The [S]-Files: The Selected Files, El Museo del Barrio, Nueva York (2002). Participó de las residencias Center for the Arts Residency Program, Joan Mitchell Foundation (2006); Les Ateliers de la Ville de Marseille -para la cual desarrolló un proyecto para el edificio de Le Corbusier La cité radieuse- (2003); y Skowhegan School of Painting and Sculpture, Skowhegan, Maine (2000); entre otras. Ana Gallardo nació en Rosario, Argentina, en 1958; vive y trabaja en Buenos Aires. Artista y activa promotora de nuevos espacios de exhibición, ha recibido números premios, subsidios y residencias, entre los que se encuentran: RIAA (Residencia Internacional de Artistas en Argentina), Ostende, Argentina (2009); Residencia Casa Vecina, México D.F. (2008); Primer Premio a las Artes de la Fundación Federico Klemm, Buenos Aires (2007); Subsidio del Fondo Metropolitano, Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, Buenos Aires (2007); y Beca de la American Center Foundation, Nueva York (2006). Sus últimas exposiciones individuales incluyen: El pedimento, Galería Alberto Sendrós, Buenos Aires (2009); Fragmentos para una niña Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br triste, Le 19, CRAC, Montbéliard, Francia (2008); Acapella, Casa Vecina, Fundación Centro Histórico de la ciudad de México, México D.F. (2008); Casa Rodante, Appetite Galería de Arte, Buenos Aires (2007); La hiedra, Galería Alberto Sendrós, Buenos Aires (2006). Entre sus exposiciones colectivas se incluyen Lo permanente y lo transitorio, Centro Cultural de la Embajada de Brasil, Buenos Aires (2009); El diario personal, Centro Cultural Parque España, Rosario (2008); Artistas argentinos, Galería Fernando Pradilla, Madrid (2008); Beginning with a Bang! From Confrontation to Intimacy. An Exhibition of Argentine Contemporary Artists 1960-2007, Americas Society, Nueva York (2007); Ana Gallardo, Graciela Hasper, Guille Olieaziukc, Art-Cade, Marsella (2007); Off/Fóra: Movimientos imaginarios entre Galicia y el Cono Sur. 29º Bienal de Arte de Pontevedra, Pontevedra, España (2006). Anna Maria Maiolino nació en Scalea, Italia, en 1942; vive y trabaja en San Pablo. En 1954 viaja con su familia a Caracas, donde estudia en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas. Posteriormente, se traslada a Rio de Janeiro en 1960, país del cual adquiere la nacionalidad y donde residirá la mayor parte de su tiempo. Allí asiste a un curso de grabado en la Escuela Nacional de Bellas Artes (1961). En 1964 realiza su primera muestra individual en la Galería G de Caracas, y en 1967 participa de la exposición Nova Objetividade Brasileira en el Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. En 1971, la Pratt University de Nueva York le concede una beca de estudio para asistir a los talleres del International Graphic Center Workshop. Durante las décadas de 1970 y 1980 integra numerosas muestras colectivas e individuales, festivales de cine o acciones en el espacio público, entre las cuales se destacan sus participaciones en la XII Bienal Internacional de São Paulo y en la X Bienal de París, ambas en 1973. Sus exposiciones individuales incluyen: Pharos Centre for Contemporari Art, Isla de Chipre (2007); Anna Maria Maiolino: Territories of Immanence, exposición retrospectiva, Miami Art Central, Miami (2006); Muitos (exposición retrospectiva), Pinacoteca do Estado de São Paulo, San Pablo (2005); A Life Line/Vida Afora (exposición antológica de dibujos), The Drawing Center, Nueva York (2002), entre muchas más. Integró, entre otras, las exposiciones colectivas New Perspectives in Latin American Art. 1930-2006, The Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York (2007); Wack! Art and the Feminist Revolution, MOCA, Los Ángeles, y The National Museum of Women in the Arts, Washington, D.C. (2007); A Batalla dos Xéneros, Centro Galego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela (2007); Tropicália: A Revolution in Brazilian Culture, Museum of Contemporary Art, Chicago, y Barbican Gallery, Londres (2005-2006); Inside the Visible, The Institute of Contemporary Art, Boston (itinerante) (1996). Realizó la residencia y proyección retrospectiva de películas Súper 8 y videos en Art in General, Nueva York (2001-2002). Recibió numerosas distinciones, entre las que se destacan: Os Melhores de 1993, Premio APCA (Asociación Paulista de Críticos de Artes); Melhor Mostra, Premio Mário Pedrosa, concedido por la ABCA (Asociación Brasileña de Críticos de Arte), Rio de Janeiro (1990); Prêmio de Aquisição, III Salón Nacional de Artes Plásticas, Rio de Janeiro (1980); su film IN-OUT Antropofagia fue asimismo premiado en el I Festival de Filme Super-8, Curitiba, Paraná, Brasil (1974). Arnaldo Antunes nació en San Pablo, Brasil, en 1960; donde vive y trabaja. Músico, poeta, video artista y performer, cuya poética sugiere diferentes caminos de interpretación para sus obras, como el desciframiento, la correspondencia, y el paralelismo. Sus exposiciones individuales incluyen: Galeria de Arte Laura Marsiaj, Rio de Janeiro (2008); Caligrafias, Bolsa de Arte de Porto Alegre, RS (2006) y Performance Poética, Piemonte Share Festival, Palazzo Cavour, Turín (2006); Escrita à mão, Centro Universitario Maria Antonia, San Pablo y Galeria Laura Marsiaj, Rio de Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Janeiro (2005); Cérebro Sexo, Fundación Centro de Estudios Brasileiros, Buenos Aires (2003), entre otras. Entre sus exposiciones colectivas podemos mencionar Entre la Palabra y la Imagen, Fundación Luis Seoane, La Coruña, España (2006); Múltiplos, Galeria Laura Marsiaj, Rio de Janeiro (2004); Brazilian Visual Poetry, Mexic-Art Museum, Austin (2002); II Bienal de Artes Visuais do Mercosul, Porto Alegre (1999); 28ª Bienal Internacional de São Paulo, San Pablo (1998); y VI Bienal de La Habana, La Habana (1997), entre otras. Realizó las siguientes performances poéticas: Reading With the Ears, Centro Brasileiro Britânico, San Pablo (2006); Entre a Palavra e a Imagem, Universidad Internacional Menéndez Pelayo y Fundación Luis Seoane, La Coruña (2006); Xadrez de Estrelas, Absolute Poetry-October Poetry Festival, Galleria d'Arte Contemporanea, Monfalcone, Roma (2005); Arnaldo Antunes In Concerto, Absolute Poetry-October Poetry Festival, Teatro Comunale, Monfalcone (2005); Performance Poética, Piemonte Share Festival (2005); Horizontes Literários (lectura con Augusto de Campos y Cid Campos), Sesc Carmo,San Pablo (2002); Poemix Brasil (con Lenora de Barros, João Bandeira y Cid Campos), Festival Internacional Romapoesia, Roma (2002); NOME (con Guilherme Kastrup y Chico Neves), Fundação de Serralves, Museu de Arte Contemporânea, Oporto (2001), entre muchas otras. Arturo Herrera nació en Caracas, Venezuela, en 1959; vive y trabaja en Berlín, Alemania. Se graduó en Artes en la University of Tulsa en 1982, y posteriomente obtuvo un Master of Fine Arts en la University of Illinois, Chicago, en 1992. Entre sus exposiciones individuales más importantes se destacan las realizadas en la IKON Gallery, Birmingham y The Aldrich Museum of Contemporary Art, Connecticut (2007); Centro Galego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela (2005); UCLA Hammer Museum, Los Ángeles y el Whitney Museum of American Art, Nueva York (2001); The Art Gallery of Ontario, Toronto (2002); Centre d’Art Contemporain, Ginebra (2000); y The Renaissance Society, Chicago (1998), entre otras. También participó en numerosas exposiciones colectivas que incluyen las realizadas en el Irish Museum of Modern Art, Dublín; The Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York; Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, y Castello di Rivoli, Rivoli; y que incluyen su participación en Prospect 1. New Orleans, Nueva Orleans (2008); la 4a Bienal do Mercosul, Porto Alegre (2004); Whitney Biennial 2002, Nueva York (2002); y la Instanbul Biennial (1999), entre muchas otras exposiciones. Augusto de Campos nació en San Pablo, en 1931; donde vive y trabaja. Poeta, traductor, ensayista, crítico literario y de música. Publicó en 1951 su primer libro de poemas, O rei menos o reino. En 1952, con su hermano Haroldo de Campos y con Décio Pignatari, lanzó la revista literaria Noigandres, que marcó el origen del Grupo Noigandres que inició el movimiento internacional de Poesía Concreta en Brasil. El segundo número de la revista lanzado en 1955 contenía su serie de poemas Poetamenos, escritos en 1953 y considerados los primeros ejemplos de poesía concreta en Brasil. Se abandonó el verso y la sintaxis convencional y las palabras se reorganizaron en estructuras gráfico-espaciales, algunas veces impresas en hasta seis colores diferentes, bajo la inspiración de la Klangfarbenmelodie (melodía de timbres) de Webern. En 1956 participó de la organización de la Primera Exposición Nacional de Arte Concreta (Artes Plásticas y Poesía), en el Museu de Arte Moderna de São Paulo. Su obra ha sido incluida en importantes exposiciones internacionales y reunida en destacadas antologías como Concrete Poetry: an International Anthology, editada por Stephen Bann (Londres, 1967), Concrete Poetry: A World View, editada por Mary Ellen Solt (University of Bloomington, Indiana, 1968), Anthology of Concrete Poetry, editada por Emmet Williams (Nueva York, 1968). Gran parte de sus poemas fueron reunidos en Viva vaia, 1979, despoesia (1994) y Não, que incluye un cd de sus Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Clip Poemas, (2003). Entre sus obras, también se destacan: Poemóbiles (1974) y Caixa preta (1975), colecciones de poemas objetos en colaboración con el artista plástico y diseñador Julio Plaza. A partir de 1980, intensificó sus experimentos con nuevos medios, presentando sus poemas en videotextos, neón, hologramas, láser, animaciones computadorizadas y eventos multimedia; abarcando sonido y música, como la lectura plurivocal de Cidadecitycité (con Cid Campos), 1987-1991. Sus poemas holográficos (en cooperación con Moyses Baumstein) fueron incluidos en las exposiciones Triluz (1986) e Idehologia (1987). Un videoclip del poema Pulsar, con música de Caetano Veloso, fue producido por él en 1984, en una estación Intergraph, con la colaboración del grupo Olhar Eletrônico. Poema bomba y SOS, con música de su hijo, Cid Campos, fueron animados en una estación computadorizada Silicon Graphics de la Universidad de São Paulo, 1992-19933. Su alianza con Cid, iniciada en 1987, quedó registrada en Poesia é risco (CD editado en 1995 por PolyGram), y se desarrolló en el espectáculo del mismo nombre, una performance verbivocovisual de poesía/música/imagen con edición de video de Walter Silveira, presentada en diversas ciudades de Brasil y en el exterior. Sus animaciones digitales, los Clip poemas, fueron exhibidas en 1997 en una instalación que formó parte de la exposición Arte Suporte Computador, en la Casa das Rosas, en San Pablo. Entre las exposiciones conmemorativas de la Poesía Concreta está Concreta '56. A raiz da forma, Museu de Arte Moderna de São Paulo (2006), bajo la curaduría de Lorenzo Mammi, João Bandeira (poesía) y André Stolarski (diseño), para conmemorar los 50 años de la Exposición Nacional de Arte Concreta; Poesia Concreta - O Projeto Verbivocovisual, exposición, sitio web, cd y ciclo de debates, Instituto Tomie Ohtake, San Pablo (2007), bajo la curaduría de Cid Campos (Música), João Bandeira y Lenora de Barros (poesía) y Walter Silveira (video); y Arte Concreta Paulista - Grupo Noigandres, Centro Universitario Maria Antonia (2002), bajo la curaduría de João Bandeira y Lenora de Barros. Entre sus publicaciones más recientes se encuentran: Poesía é Risco (CD libro), antología poético musical, en colaboración con Cid Campos, Rio de Janeiro, Polygram (1995); Clip Poemas, Arte Suporte Computador, San Pablo, Casa das Rosas (1997); Anthologie - Despoesia, prefacio y traducción de Jacques Donguy, Romaville, Francia; Al Dante (2002); y Não, con CD-Rom, Clip poemas, Perspectiva, San Pablo (2003). Entre sus innumerables trabajos de traducción y crítica está la traducción de A Year from Monday, de John Cage (De segunda a um ano, Ed. Hucitec, 1985), con introducción y revisión de la traducción de Rogério Duprat, San Pablo, y QuaseBorges + 10 transpoemas, Memorial da América Latina (Colección Memo), San Pablo (2006). Cabelo nació en Cachoeira de Itapemirim, Espírito Santo, Brasil, en 1967; vive y trabaja en Rio de Janeiro, Brasil. Su obra ganó notoriedad en 1996 cuando participó de la exposición colectiva Antarctica Artes com a Folha, un proyecto que permitió instalar en la escena contemporánea a destacados artistas de la generación joven. En los últimos años expuso su trabajo individualmente en: Nas Asas do Escaravelho Verde Ouro, Marília Razuk Galeria de Arte, San Pablo (2008); Mianmar Miroir, The Corridor, Art Positions, Art Basel Miami, Miami (2006); Imediações de Monte Basura, Centre D’art Santa Monica, Barcelona (2005). Entre sus exposiciones colectivas se destacan: De Perto, De Longe, Liceu de Artes e Ofícios, San Pablo (2008); 26ª Bienal Internacional de São Paulo, San Pablo (2004); Violência e Paixão, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro (2003); Cote à Cote, Art Contemporain Du Brésil, CAPC Musée d’Art Contemporain, Bordeaux (2001); y Cefalópode Heptópode, Documenta X, Museum Fridericianum, Kassel (1997), entre otras. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Cadu nació en San Pablo, Brasil, en 1977; vive y trabaja en Rio de Janeiro. Diplomado en Pintura en 2002 por la Escola de Belas Artes da Universidad Federal de Rio de Janeiro; en 2006 concluyó su Máster en Lenguajes Visuales en la misma universidad. Actualmente es doctorando en Poéticas Interdisciplinarias de esa misma casa de estudios. Participó entre 2007 y 2008 de la International Artist Fellowship in England, residencia artística en el Institute of Digital Art and Technology (i-DAT), en alianza con el Plymouth Arts Centre (PAC) y The Centre for Robotics and Intelligent Systems (CRIS). Entre sus exposiciones individuales se encuentran las realizadas en Galeria Vermelho, San Pablo (2009); Laura Marsiaj Arte Contemporânea, Rio de Janeiro (2005 y 2008); y Ália, Galeria Zouk, Porto Alegre, Brasil (2006). Su obra ha sido incluida en las siguientes exposiciones colectivas: Nova Arte Nova, Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro y San Pablo (2008-2009); Cícera, Galeria Vermelho, San Pablo (2008); Fo[t]o, Centro Cultural Municipal Laurinda Santos Lobo, Rio de Janeiro (2008); Desenho em Todos os Sentidos, Festival de Invierno de la Región Serrana de 2008, Sesc Nova Frigurgo, Petrópolis y Teresópolis, Rio de Janeiro (2008); Verbo, Galeria Vermelho, San Pablo (2008); Champs D’expériences – L’art comme expérience, L19, Centre Régional d’Art Contemporain, Montbéliard (2008); Paper Trail, Allsopp Contemporary Londres (2008); Estratégia, Plymouth Art Centre, Plymouth, Reino Unido (2008). Camila Sposati nació en San Pablo, Brasil, en 1972; donde vive y trabaja. Diplomada en Historia en 1996 por la Pontifícia Universidade Católica de São Paulo. Realizó estudios de posgrado en fotografía en el Centro di Ricerca de la Fotografía en Pordenone, Italia (1998). Máster en Bellas Artes por la Goldsmiths College of London (2003). Actualmente, imparte clases en el Instituto Europeo di Design. Realizó la investigación expositiva Crescimento Urbano e Processo de Crescimento de Cristal, Tokyo Wonder Site, Tokio (2009). Por el programa Artist Links/British Council, desarrolló el proyecto Entropia: Fumaça e Cristal mediado por el The Arts Catalyst the science -art agency na UCL - University College of London, y fue artista residente del Gasworks en Londres, en 2007. Por la Beca Aschenberg-UNESCO fue artista residente en el HIAP/Cable Factory en Helsinki (2003). Coordinó el proyecto Fluxo de Arte Belém Contemporâneo (2004). Expuso individualmente en CPU: 798 Gallery, Pekín (2009). También participó en las exposiciones colectivas en Paço das Artes, San Pablo (2007); Vídeo Links, Tate Modern, Londres (2007); Instituto dos Arquitetos do Brasil-SP, San Pablo (2008); y en la Eleven Rivington Gallery, Nueva York (2008), entre otras. Cildo Meireles nació en Rio de Janeiro, en 1948; donde vive y trabaja. En 1963 inicia sus estudios de arte en la Fundação Cultural de Brasilia. En 1965 participa en el II Salão Nacional de Arte Moderna de Brasilia. Artista clave del arte contemporáneo de Brasil, ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas desde los años 60. Entre sus exposiciones individuales destacadas más recientes es importante mencionar: Cildo Meireles, Tate Modern, Londres (2008-2009); Babel, Museu Vale do Rio Doce, Vila Velha, Brasil, y Estação Pinacoteca, Pinacoteca do Estado de São Paulo, San Pablo (2006); Algum Desenho.1963-2005, Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro (2005); Occasion, Portikus im Leinwandhaus, Frankfurt (2004); Cildo Meireles, The New Museum of Contemporary Art, Nueva York (1999-2000); Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM), Valencia (1995), entre muchas otras. Su obra fue incluida en numerosas exposiciones colectivas, que incluyen entre las más recientes: Arte No Es Vida: Actions by Artists of the Americas, 1960-2000, El Museo del Barrio, Nueva York (2008); New Perspectives in Latin American Art, 1930-2006: Prints, Photographs, and Media Works, The Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York (2007); Transactions, Blanton Museum of Art, University of Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Texas, Austin (2007); Time Present Time Past: Highlights from 20 Years of the International Istanbul Biennial, Istambul Modern, Istanbul (2007); Open Systems: Rethinking Art c.1970, Tate Modern, Londres (2005). También se destacan sus participaciones en la Biennale Internazionale di Venezia (1976, 2003, 2005 y 2009); Bienal Internacional de São Paulo (1981, 1989, 1994 y 1998); Documenta, Kassel (1992 y 2002 ); Bienal do Mercosul, Porto Alegre (1997, 2007); Kwangju Biennale 2000: Man + Space, Kwangju (2000); 2nd Johannesburg Biennale - Trade Routes, Johannesburgo (1997); V Sydney Biennale, Sidney (1984); y Bienal de París, París (1977). Recibió, entre otras importantes distinciones, el Premio Velázquez, Ministerio de Cultura, España (2008); Ordway Prize, Creative Link for the Arts y The New Museum for Contemporary Art, Nueva York (2008); Skowhegan Medal for Sculpture, Skowhegan School of Painting and Sculpture, Skowhegan, Maine (2006); Honorary Doctorate of Fine Arts, San Francisco Art Institute, San Francisco (2005); y el Prince Claus Award, The Prince Claus Fund, La Haya (1999). Chelpa Ferro es un colectivo creado en 1995 en Rio de Janeiro por los artistas Luiz Zerbini, Sergio Mekler y Barrão. Sus obras combinan diferentes formatos artísticos: objetos, performances, pinturas e instalaciones sonoras, los cuales conservan la marca del trabajo individual de sus integrantes. Entre sus exposiciones individuales se destacan: Jungle Jam, Museu de Arte Moderna da Bahia, Salvador (2008); Jardim Elétrico, Galeria Vermelho, San Pablo (2008); HUM, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro (2003). Su obra ha sido incluida en destacadas exposiciones colectivas: Laços do Olhar, Instituto Tomie Ohtake, San Pablo (2008); 30º Panorama de Arte Brasileira, Museu de Arte Moderna de São Paulo, San Pablo (2007); Geração da Virada – 10 + 1: os anos recentes da arte brasileira, Instituto Tomie Ohtake, San Pablo (2006); 51ª Biennale Internazionale di Venezia, Venecia (2005); 25ª Bienal Internacional de São Paulo, San Pablo (2002), entre otras. Claudia Del Río nació en Rosario, en Argentina; donde vive y trabaja. Estudió teatro, pintura y se diplomó en Artes Visuales en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Rosario, donde es profesora desde 1982. Durante los años de 80s, trabajó en los circuitos del arte correo, la performance y la edición. Entre 1994 y 1995 fue seleccionada para el programa Clínica de Obra, organizado por la Fundación Proa, Buenos Aires. En 2000, fue invitada por el Proyecto Trama (Red de Iniciativas Artísticas) para coordinar una experiencia con becarios en Rosario. Desde 2001 participa como artista invitada del programa de Encuentros Regionales de Producción y Análisis para Artistas Visuales, organizado por la Fundación Antorchas. Es cofundadora del Club Del Dibujo. En junio de 2004 participó como artista residente en Artekelu, San Sebastián. Courtney Smith nació en París, Francia, en 1966. Diplomada en Arte y Literatura comparada por la Yale University, realizó su posgrado en la Escuela de Artes Visuales del Parque Lage, Rio de Janeiro. Residió en Brasil entre 1989 y 2000. A lo largo de su carrera, realizó diversas exposiciones, como: Remake. Courtney Smith e Iván Navarro, G Fine Art, Washington, D.C. (2008); Interiors, Hales Gallery, Londres (2008); 2nd Lives, Museum of Arts and Design, Nueva York (2008); Waste Not, Want Not, Socrates Sculpture Park, Long Island City, Nueva York (2008); Informed by Function, Lehman College Art Gallery, Bronx, Nueva York (2008). Expuso en el Foro Cultural de Esmerinde, Portugal (2007); Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro (2007); además de haber realizado Igloo, Next Door, Roma (2008); Build Up, Roebling Hall, Nueva York (2007), ambas individuales. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Cristiano Lenhardt nació en Itaara, Rio Grande do Sul, en 1975. Vivió en Santa Maria, Porto Alegre, Rio de Janeiro y reside actualmente en Recife. Se diplomó en Artes Plásticas por la Universidade Federal de Santa Maria (2000). Asimismo asistió a los talleres en el Torreão, en Porto Alegre, entre 2001 y 2003. Integra el Grupo Laranjas. Realizó exposiciones individuales en la Galeria Marcantonio Vilaça, Instituto Cultural Banco Real, Recife (2008). Entre otras distinciones, obtuvo el Premio Adquisición (2008); Abre Alas, Galeria A Gentil Carioca, Rio de Janeiro (2008); Prêmio Projéteis da Arte contemporânea, FUNARTE, Rio de Janeiro (2008); Prêmio Concurso videoarte, Fundación Joaquim Nabuco, Recife (2007); SPA das artes, Recife (2007 y 2004); Bolsa Prêmio 26º Salão de Artes Plásticas de Pernambuco, Pernambuco (2006); entre otros. Cristóbal León nació en Santiago de Chile, en 1980; vive y trabaja en Berlín. Entre 1999 y 2005 estudia Dibujo y Arte en la Universidad Católica. Trabaja con animación en diferentes formatos, como cortometraje y videoinstalación. Junto con Niles Atallah y Joaquín Cociña, forma un colectivo de artistas. Ha presentado videoinstalaciones en Nocturno de Chile, Video Art Show, Museo de Arte Moderno, Santiago de Chile (2007); Birth, Video Art Show, Museo de Arte Moderno, Santiago de Chile (2007); Lucia, feria arteBA, Buenos Aires (2007). Cristóbal Leyht nació en Santiago de Chile, en 1973; vive y trabaja en Nueva York. Entre sus últimas exposiciones individuales se destacan: El Penúltimo Paisaje, Sala de Arte Fundación Telefónica Chile, Santiago de Chile (2009); Dramaprojektion, Künstlerhaus Stuttgart, Stuttgart (2008); Reduced to Insults, Room Gallery at University of California, Irvine, Estados Unidos (2007); El mar de bolivia, Die Ecke, Santiago de Chile (2006). Su obra ha sido incluida, entre otras, en las siguientes exposiciones colectivas: E-flux Video Rental, Centre Culturel Suisse, París, y Centro de Arte Moderna José de Azeredo Perdigão, Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa (2007 y 2008); Be Marginal Be Hero, Thrust Projects, Nueva York (2008); Línea de Hormigas, A Gentil Carioca, Rio de Janeiro (2007); The (S) Files, El Museo del Barrio, Nueva York (2007); Daniel Lopez Show, Roebling Hall, Brooklyn, Nueva York (2007); New Ghost Entertainment, Kunsthaus Dresden, Dresden (2006); When Artists Say We, Artists Space, Nueva York (2006). Daniel Acosta nació en Rio Grande, Brasil, en 1965; vive y trabaja en Pelotas, Rio Grande do Sul. Trabaja como profesor de Escultura y Dibujo en el Instituto de Arte y Diseño de la Universidade Federal de Pelotas. Se diplomó, en 1987, en Dibujo y Plástica (Especialización en Escultura) en la Universidade Federal de Santa Maria. Es Doctor en Artes Plásticas por la Escola de Comunicação e Arte da Universidade de São Paulo (2005). Entre sus exposiciones individuales se destacan: Casa Triângulo, San Pablo (2008); Museu de Arte Contemporânea de Goiás, Goiânia (2004); A Deriva, Capela do Morumbi, San Pablo (2000); Transfigurações, Pinacoteca Barão de Santo Ângelo, Instituto de Artes de la Universidad Federal de Rio Grande do Sul, Porto Alegre (1999), entre otras. Su obra ha sido incluida recientemente en las siguientes exposiciones colectivas: Quase Líquido, Itaú Cultural, San Pablo (2008); Arte no Porto, Pelotas (2007); Primeira Pessoa, Itaú Cultural, San Pablo (2006); MAM (na) OCA, Parque do Ibirapuera, San Pablo (2006); Geração da Virada: 10 anos + 1, Os Anos Recentes na Arte Brasileira, Instituto Tomie Othake, San Pablo (2006). Daniela Thomas nació en Rio de Janeiro, en 1959; vive y trabaja en San Pablo. Escenógrafa, directora de cine y teatro y guionista. Realizó proyectos en América Latina, Europa y Estados Unidos. Como cineasta, escribió y codirigió Linha de Passe (mejor actriz en Cannes, 2008, mejor dirección, montaje y actriz en La Habana, 2008), Terra Estrangeira, O Primeiro Dia y uno de los Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br episodios de Paris Je T’Aime, todos con Walter Salles. Empezó su carrera de escenógrafa y diseño de vestuario en los años de 1980, como artista residente del La MaMa Experimental Theater Company en Nueva York, donde dibujó, entre otros, el escenario y el figurín del estreno de All Strange Away de Samuel Beckett (el primero de los 7 textos de Beckett de los que fue escenógrafa). Desde entonces, ya creó los escenarios de innumerables espectáculos de teatro y ópera en varios países. Entre sus muchos premios como escenógrafa, se destaca el Golden Triga, de la Cuadrienal de Escenografía de Praga. Daniele Buetti nació en Friburgo, Suiza, en 1956; vive y trabaja en Zúrich. Desde 2004 es profesor de la Münster Universität, en Münster, Alemania. Se lanzó internacionalmente con los trabajos Good Fellows y Looking for Love (1994-1998), luego presentados en innumerables exposiciones internacionales. Realizó exposiciones individuales en diversos museos y galerías, como Galerie Sfeir-Semler, Hamburgo; Galerie arsFutura, Zúrich; B&D Studio di Arte Contemporanea, Milán; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid. Entre sus exposiciones colectivas más recientes, se destacan: Radical Advertising, NRW-Forum, Düsseldorf; Dressing the Message, Sprengel Museum Hannover, Hannover; Replay, Haus für Kunst Uri, Altdorf, Suiza; Balls & Brains, Helmhaus Zúrich, Zúrich; Mythologies, Haunch of Venison, Londres; Printed matter, Fotomuseum Winterthur, Winterthur, Suiza; Chinetik, Tinguely Museum, Basilea; Bildschön. Schönheitskult in der aktuellen Kunst, Städtische Galerie Karlsruhe, Karlsruhe. Débora Bolsoni nació en Rio de Janeiro, en 1975; vive y trabaja en San Pablo. Después de concluir su formación en Artes Visuales en la Escola de Artes Visuais do Parque da Lage y diplomarse en Artes por la Universidade Federal de Rio de Janeiro, estudió dibujo en la Saint Martin School of Art, Londres. En 2004 fue seleccionada para la residencia en Artes del Centro de Cultura Remisen-Brande, Dinamarca. Realizó las siguientes exposiciones individuales: Temporada de Projetos, Paço das Artes, San Pablo (2008); Mudança de Lugar, Galeria Marília Razuk, San Pablo (2007); Fazer Crer, MAMAM, Recife (2007); Porta com Medalha, Centro Universitario Maria Antônia, San Pablo, (2006), entre otras. Entre sus exposiciones colectivas se destacan: De Perto, De Longe, Liceu de Artes e Oficios, San Pablo (2008); Contraditório. 30° Panorama da Arte Brasileira, Museu de Arte Moderna de São Paulo, San Pablo y Alcalá 31, Madrid (2008); Investigações, Itaú Cultural, San Pablo (1999). Décio Pignatari nació en Jundiaí, San Pablo, en 1927. Vive y trabaja en San Pablo. Teórico de la comunicación, publicista y escritor. Fundador, junto a los hermanos Haroldo de Campos y Augusto de Campos, de la literatura concreta en los años de 1950. Reúne sus textos teóricos en Panteros (1992), O Rosto da Memória (1986), Semiótica e Literatura (1974), Contracomunicação (1972) e Informação, Linguagem, Comunicação (1968). Publica sus primeros poemas en la Revista Brasileira de Poesia, en 1949. Al año siguiente, edita el libro de poemas Carrossel, y, en 1952, funda el grupo y edita la revista-libro Noigandres. En 1953 se diploma en derecho en la Universidade de São Paulo (USP) y, en seguida, viaja para Europa, donde pasa dos años, manteniendo contactos con diversos intelectuales. En 1956, el grupo Noigandres lanza oficialmente el movimiento de poesía concreta, durante la Exposición Nacional de Arte Concreta en el Museu de Arte Moderna de São Paulo. En 1956 lanza Plano-piloto para Poesia Concreta, síntesis teórica de su trabajo poético, traducido a diversos idiomas. En 1965, también con Haroldo y Augusto de Campos, lanza el libro Teoria da Poesia Concreta. Además de escritor, hace investigaciones en el área de semiótica: en 1969, ayuda a fundar la Association Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Internationale de Sémiotique en Francia, y, en 1975, participa del lanzamiento de la Associação Brasileira de Semiótica. Acaba de publicar Bili com Limão Verde na Mão (Cosac Naify). Delcy Morelos nació en Tierra Alta, Colombia, en 1967. Vive y trabaja en Bogotá, Colombia. Realizó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Cartagena. Entre sus exposiciones individuales se destacan: La doble negación, Alonso Garcés Galería, Bogotá (2008); Delcy Morelos, Gt Gallery, Belfast (2006); Obstáculo, Museo de Arte Moderno de Barranquilla, Barranquilla, Colombia (2005); En la Trama Personal, Galería Alonso Garcés, Bogotá (2004); Color que Soy, Museo de Arte Universidad Nacional, Bogotá (2002). Su obra ha participado de numerosas exposiciones colectivas, que incluyen: Urgente! 41 Salón Nacional de Artistas, Cali, Colombia (2008); Mde07 Espacios de Hospitalidad, Medellín, Colombia (2007); Corporal, Contemporary Women Artists from Latin America, Schmidt Center Gallery, Atlantic University, Florida, (2004); VIII Bienal de Arte de Bogotá, Museo de Arte Moderno de Bogotá, Bogotá (2002); Bienal Internacional de Cuenca, Ecuador (2001); VI Bienal de La Habana, La Habana (1996). Obtuvo distinciones como el Primer Premio en el Salón de Arte Joven de la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Cartagena y el Primer Premio en el Salón de Arte Joven de Bogotá, Colombia, 1994. Fue seleccionada para participar del Flaxarts Studios Residency Program, Belfast, Irlanda del Norte (2006). También obtuvo el premio Bienal Internacional de Arte ES2002, Centro Cultural Tijuana, Baja California, México. Diana Aisenberg nace en 1958 en Buenos Aires, Argentina; donde vive y trabaja. Entre 1976 y 1982 vivió y estudió en Jerusalén, en Bezalel Academy. Se dedica a la formación de artistas desde 1982. Su obra se expande a través de la docencia, la pintura, y la compilación y coordinación de un diccionario de arte que se desarrolla por medio de performances, instalaciones, libros y videos. En 2004 se publicó como Historias del arte: diccionario de certezas e intuiciones (Buenos Aires, Adriana Hidalgo editora, 2004). Fue distinguida por Asociación de Críticos Argentinos en 2003 con el premio “J.A Martínez” a la acción docente. Fue Coordinadora de Artes Visuales, cursos y eventos especiales del Centro Cultural Ricardo Rojas de la Universidad de Buenos Aires (UBA), desde donde coordinó la red nacional de cursos de artes plásticas y clínicas de artistas para análisis de obra (lecturas de portfolio) en Argentina. Fue profesora de Morfología de la Facultad de Diseño Gráfico de la Universidad de Buenos Aires y de la Fundación Antorchas, entre otros. Fue curadora del espacio joven en la feria ArteBA (2006). Desde 2006, organiza la Residencia Internacional de Artistas en Argentina (RIAA). Entre las exposiciones individuales más recientes se destacan: Escuela, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Centro Cultural Parque España, Rosario y Museo de Arte Contemporáneo, Salta (2008 y 2009); Arquitectura del Cielo, Galería Daniel Abate, Buenos Aires (2006); Maestro, Fundación Arteviva y Project room, feria arteBA, Buenos Aires (2005); Combo, Proyecto Sala 2, Centro Cultural Borges, Buenos Aires (2003); y Capricho Solar, Teatro Auditórium, Mar del Plata, 2000, entre otras. Algunas de las exposiciones colectivas de las que participó incluyen: Vé, Vete y Vuelve, Alianza Francesa, Buenos Aires (2008); 150 mts Poéticos, Centro Cultural de España en Córdoba, Córdoba (2007); Contemporáneo 6 / Variaciones sobre el museo: recordar, ordenar, clasificar, Malba / Colección Costantini, Buenos Aires (2003), entre otras. Diego Fernández nació en 1973, en Santiago de Chile; vive y trabaja en Nueva York. Estudió Bellas Artes en la Universidad Católica de Chile; fundando, posteriormente, el espacio Galería Chilena. Organizador de eventos, exposiciones y publicaciones. Su trabajo abarca collages, Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br dibujos, pintura y performances musicales. Realizó exposiciones en Orchard, Nueva York; Galerie Christian Nagel, Berlín y Colonia; Galería Gabriela Mistral, Santiago de Chile; Galería Chilena, Santiago de Chile; Cornell University, Ithaca, Nueva York; Museum of Contemporary Art, Valdivia, Chile; entre otros espacios culturales. Diego Melero nació em 1960, en San Justo, Argentina; vive y trabaja en Buenos Aires. Entre 1980 y 1983 estudia dibujo y pintura con Guillermo Kuitca. En 1986 egresa de la carrera de Sociología, Facultad de Ciencias Sociales, Universidad de Buenos Aires (UBA). Desde 1980 expone regularmente. En 1999 realiza El origen de la familia, la propiedad privada y el Estado, su primera performance en la galería Archimboldo de Buenos Aires donde cruza las ciencias sociales y el arte. En 2007 participó de la Documenta XII en Kassel com su performance Sobre el problema de acceso a la vivienda. Desde entonces, realizó numerosas performances, muchas de ellas involucrando clases de gimnasia y filosofia política, entre las que se destacan las realizadas en Galería Arcimboldo, Buenos Aires (2008); Belleza y Felicidad, Buenos Aires (2006 y 2007); las Jornadas de Sociología, Universidad de Buenos Aires (2007); la Bolsa de Comercio de Rosario, el Museo de Arte Contempornáneo de Rosario y Marasca Trip, Rosario (2007); Fundación Telefónica de Argentina, Buenos Aires (2007); la Torre de los Ingleses, Buenos Aires (2004); y en la última Bienal Venus, coordinada por Roberto Jacoby, Tandil (2003), entre muchas otras. Edgardo Antonio Vigo (La Plata, Argentina, 1928-1997) Artista visual, poeta y editor, trabajó como empleado judicial y docente especializado en dibujo, egresado de la Escuela Superior de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Creador de la revista Diagonal Cero (19621968), una plataforma de difusión de lenguajes experimentales. A partir de 1968 realizó sus señalamientos, acciones orientadas a dislocar la percepción corriente, con el propósito de activar una mirada atenta sobre el potencial poético del objeto cotidiano señalizado. Realizó incursiones en las prácticas del arte de la acción, la performance, el arte conceptual, el arte correo, la xilografía, la poesía visual y la edición de revistas y objetos, entre otros. Trabajó junto con Horacio Zabala y Juan Carlos Romero; el Grupo de los Trece (CAyC); Juan Bercetche, Eduardo Leonetti y -bajo el apodo G.E. Marx/Vigo- con Graciela Gutiérrez Marx, durante siete años. Mantuvo activa correspondencia con Clemente Padín (Uruguay), Augusto y Haroldo de Campos (Brasil), Paulo Bruscky (Brasil), entre otros referentes del arte correo internacional. Fundó el Museo de la Xilografía (1967), un museo ambulante de inspiración duchampiana contenido en cajas y valijas. Editó también sus Poemas Matemáticos Barrocos en Francia (1967), organizó la Expo/Internacional de Novísima Poesía en el Centro de Artes Visuales del Instituto Torcuato Di Tella (1969), luego presentada en el Museo Provincial de Bellas Artes de La Plata. Participó de numerosas exposiciones internacionales y realizó intercambio de obras y ediciones con poetas visuales del mundo. En 1994 integró el envío oficial argentino a la XXII Bienal Internacional de São Paulo, y en 1997 participó en la 1ª Bienal do Mercosul. Su obra ha sido incluída en exposiciones que proponen una revisión crítica de los conceptualismos latinoameticanos, entre las que podemos destacar: En los márgenes del arte. Creación y compromiso político, Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA), Barcelona (2009); MAQUINAciones, Centro Cultural de España en Buenos Aires, Buenos Aires, MACRO-Castagnino, Rosario y Museo Caraffa, Córdoba (2008 y 2009); No-Arte-Sí. Itinerarios de la vanguardia platense La Plata. Buenos Aires 1960–1970, Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano, La Plata (2007); Arte Nuevo en La Plata 1960-1976, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (2007), entre otras. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Eduardo Barrera Arambarri nació en 1974, en Ciudad de México; donde vive y trabaja. Estudió diseño gráfico en la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México. Asistió a workshops de Uwe Loesch, Takashi Akiyama, Marna Bunnell, Peter Pocs y Manuel Marin, entre otros. Realizó diseños para diversos proyectos culturales de la Trama Visual AC; Instituto Nacional de Bellas Artes; Conaculta e Instituto de Cultura de Yucatán, México D.F., entre otros. En publicidad trabajó con Leo Burnett México, Magic Moments Austria, y Eveun boutique creativa. Como diseñador freelancer desde 2001, desarrolló imagen corporativa e institucional, fuentes tipográficas, pancartas, diseño editorial, embalajes, páginas de internet, motion graphics y presentaciones multimedia para diversos clientes que incluyen artistas plásticos, museos, empresas, proyectos autorales independientes y agencias de publicidad. Su trabajo de pancartas representó a México en las selecciones oficiales de concursos, bienales y exposiciones colectivas en 18 países. Fue premiado en la Bienal Internacional del Cartel, México (2000) y en la Trienal de Pancartas Ecológicas 4th Block, en Kharkov, Ucrania (2006). La publicación Ergo Sum, desarrollada con el artista plástico Erick Beltrán para la Fundación Tápies en Barcelona, ganó, en 2008, el principal premio de la Bienal de Diseño Gráfico en Brno, República Checa. Eduardo Basualdo nació en 1977, en Buenos Aires, Argentina; donde vive y trabaja. Estudia en el Instituto Universitario Nacional de Arte. Desde 2003 integra el grupo de experimentación artística Provisorio/Permanente junto con Victoriano Alonso, Manuel Heredia, Hernán Soriano y Pedro Wainer. Asiste a los talleres Programa Intercampos, Fundación Telefónica, Buenos Aires (2005), Clínica de Artes Visuales del Centro Cultural Ricardo Rojas, Buenos Aires (2006) y Lipac en la misma institución (2008). Participó en 2007 del estudio de análisis de la obra El Levante en Rosario, Argentina. Entre sus últimas exposiciones, están: Southern Exposure, Dumbo Art Center, Nueva York (2008); Off/ Fóra. Movimientos imaginarios entre Galicia y el Cono Sur. 29º Bienal de Pontevedra, Pontevedra, España y Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (2006-2007); Azotado por el viento, Galería Isidro Miranda, Buenos Aires (2007); y Cabeza Rodante, Universidad de Antioquia, Medellín (2006), entre otras. Eduardo Costa nació en Buenos Aires, en 1940; donde vive y trabaja. Artista y escritor, estudió Letras e Historia del Arte en la Universidad de Buenos Aires. Autor, junto con Roberto Jacoby y Raúl Escari, del manifiesto Un arte de los medios de comunicación (1966) y del llamado arte de los medios, que incluyó entre otros trabajos, la difusión hacia los medios de masa de un informe textual y fotográfico de un happening ficticio -Happening para un jabalí difunto- con la intención de evidenciar la fusión entre los momentos de producción y de recepción de la obra. Junto a Jacoby, presenta Poema Ilustrado (1966) en la galería de la Radio Municipal, obra en la que fragmentos del lenguaje oral se presentan como poemas. A su vez, Costa, Jacoby y Juan Risuleo realizan la Primera audición de obras creadas para lenguaje oral en el Instituto Torcuato Di Tella. Al final de los años de 1960, viaja a Nueva York y allá entra en contacto y trabaja con artistas y poetas como John Perreault, Vito Acconci, Scott Gordon y Hannah Weiner, entre otros, realiza con ellos trabajos en cooperación, como Tape Poems (1968), junto con Perreault, y Names of friends. A poem for the Deaf-mute (1969). Son obras que evidencian la confluencia de múltiples lenguajes, en un clima de experimentación y de clara expansión de la práctica artística, como en su Fashion show poetry event (1969), obra-desfile que combinó moda y poesía, con Perreault y Weiner. Al regresar a Buenos Aires, participa del homenaje a Duchamp, en la galería Arte Nuevo en 1977, con su obra Duchamp/Costa Rueda de bicicleta. Al año siguiente, se radica en Rio de Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Janeiro para participar del proyecto Esquenta pro Carnaval, junto con Hélio Oiticica (1979-1980). Desde 1994, desarrolla su proyecto Volumetric Painting, serie de obras que transcienden el plano y el soporte de la pintura tradicional. En 2008 presentó su exposición individual Mini retrospectiva en la galería Faría Fábrega, Caracas, entre muchas más. Su obra fue incluida en destacadas exposiciones colectivas: Early conceptualism, Bruselas (2008); Arte No Es Vida: Actions by Artists of the Americas, 1960-2000, El Museo del Barrio, Nueva York (2008); Beginning with a Bang! From Confrontation to Intimacy. An Exhibition of Argentine Contemporary Artists 19602007, Americas Society, Nueva York (2007); Draw a straight line and follow it, Bard College, Nueva York (2006); Inverted Utopias, The Museum of Fine Arts, Houston (2004); Heterotopías. Medio siglo sin lugar, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2000), entre muchas otras. Eduardo Navarro nació en Buenos Aires, Argentina, en 1979; donde vive y trabaja. Participó de la última edición del Programa de Talleres para las Artes Visuales del Centro Cultural Ricardo Rojas-UBA, dirigido por Guillermo Kuitca (2003-2005) y del UBS Art Scholarship Individual grant program for Young Emerging Artists 2006, Skowhegan School of Painting, Maine (2006). Entre sus últimas exposiciones individuales se destacan: Do not Feed, Frederieke Taylor Gallery, Nueva York (2008); Fabricantes Unidos, Daniel Abate Galería, Buenos Aires (2008); Chidrens Jail, Balin House Projects, Londres (2007). Su obra fue incluida recientemente en las siguientes exposiciones colectivas: EV+A Exhibition of Visual Art, Limerik, Irlanda (2009); The Great Transformation, Frankfurter Kunstverein, Frankfurt (2008); UBS "Young Art", Zúrich (2007); Beginning With a Bang! From Confrontation to Intimacy. An Exhibition of Argentine Contemporary Artists 1960-2007, Americas Society, Nueva York (2007); Pod Show, The Jack S. Blanton Museum of Art, Austin (2006), entre otras. Fabio Kacero nació en Buenos Aires, Argentina, en 1961; donde vive y trabaja. Profesor de pintura y dibujo diplomado por la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, también estudió en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires. En 2003 obtuvo una beca de producción del Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires. Entre sus exposiciones individuales se destacan: La muestra del año, Ruth Benzacar Galería de Arte, Buenos Aires (2006); Museo Nemebiax, Museo de Bellas Artes de Bahía Blanca, Argentina (2004); Nemebiax y cast/k, Proyecto Sala 2, Centro Cultural Borges, Buenos Aires (2003); Kravets-Wehby Gallery, Nueva York (1998), entre otras. Recientemente su obra ha sido incluida en importantes exposiciones colectivas: Archaeology of Longing, Kadist Art Foundation, París (2008); ¡Urgente! 41° Salón Nacional de Artistas, Cali, Colombia (2008); Beginning With A Bang! From Confrontation to Intimacy. An Exhibition of Argentine Contemporary Artists 1960-2007, Americas Society, Nueva York (2007); Lo material no cuenta, Galería distrito4, Madrid (2006); Heard Not Seen, Orchard Gallery, Nueva York, (2006). Ha recibido los siguientes premios y distinciones: Video del año otorgado por la Asociación Argentina de Críticos de Arte, Buenos Aires (2004); Diploma al mérito quinquenio 1997-2001, Fundación Konex, Buenos Aires (2002); Premio Artista Iniciación, Asociación Argentina de Críticos de Arte, Buenos Aires (1991). Fabrice Gygi nació en Ginebra, en 1965; donde vive y trabaja. Estudió en la École Supérieure d'Art Visuel (1984-90), Ginebra, y en la École des Arts Décoratifs (1983-84), en la misma ciudad. Entre sus exposiciones individuales, se destacan: Fabrice Gygi, Galerie Guy Bartschi, Ginebra (2009); Cubes, Musée d’Art Contemporain de Marseilles, Marsella (2007); XXV Bienal Internacional de São Paulo, San Pablo (2002), entre otras. Ha participado de las siguientes exposiciones Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br colectivas: San Stae Chapel, Swiss Pavilion, 53rd Biennale Internazionale di Venezia, Venecia (2009); Regift, Swiss Institute, Nueva York (2009); Bijoux de Famille, Galerie Chantal Crousel, París (2009); Résidents / Vidéothèque Móbile, Le Plateau, París (2008); y Dans ces eaux là..., Domaine du Château d’Avignon, Francia (2007), entre muchas otras. Fermín Eguía nació en Comodoro Rivadavia, Argentina, en 1942. Vive y trabaja en Buenos Aires. Estudió en la Escuela Municipal de Artes y Oficios y en la Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano, ambas en Buenos Aires. Además de haber participado de la 10ª Bienal de París (1977), sus obras han participado en diversas exposiciones colectivas, entre las cuales se destacan: Museo Salvaje, Centro Cultural de España en Buenos Aires, Buenos Aires (2008); Pampa, ciudad y suburbio, Fundación Osde, Buenos Aires (2006); y Cuerpo y materia, Fundación Osde, Buenos Aires (2005). Realizó exposiciones individuales en diversos espacios culturales, como la Galería Francisco Traba, Buenos Aires (2008); el Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (2005) y la Galería Sara García Uriburu, Buenos Aires (2002), entre muchas otras. Su trabajo fue reconocido con las siguientes distinciones: Segundo Premio de Pintura, Salón Nacional de Artes Visuales, Buenos Aires (2007); Premio Ad Aequo, Asociación Argentina de Críticos de Arte (2006); Primer Premio Banco del Acuerdo, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires (1980); y Primer Premio Marcelo De Ridder (1974). Flávio de Carvalho (Amparo da Barra Mansa RJ 1899 - Valinhos SP 1973). Desarrolló actividades en varias áreas artísticas e intelectuales, frecuentemente de forma innovadora y provocativa. Después de algunos años viviendo en París, estudia filosofía en el Stonyhurst College e ingeniería en el Amstrong College de la University of Durham. En 1922 regresa a Brasil y comienza a trabajar como calculista de grandes estructuras arquitectónicas. En 1926 el Diario da Noite de San Pablo lo contrata como ilustrador; allí conoce a Di Cavalcanti. Posteriormente, crea su propio estudio de arquitectura. Presenta su polémico proyecto Eficácia para el concurso del Palacio de Gobierno de San Pablo. En 1928, participa del concurso internacional para la construcción del Faro de Colombo, República de Santo Domingo, donde recibe una mención de honor. Al año siguiente, conoce a Le Corbusier y estrecha vínculos con el grupo antropofágico. Como delegado del grupo participa en 1930 del IV Congreso Panamericano de Arquitectos, Rio de Janeiro. En 1931 realiza una experiencia “psicológica” en el centro de San Pablo, participando de una procesión de Corpus Cristi con una gorra en la cabeza, causando un enorme rechazo entre los fieles. También participa de la XXXVIII Exposición General de Bellas Artes en Rio de Janeiro. Funda el Club de los Artistas Modernos (1933), con Di Cavalcanti, Prado y Gomide, agrupación que funciona también como un laboratorio de experiencias escénicas. Crea el Teatro de Experiencia y dirige la puesta de la obra de Oswald de Andrade O homen e o cavalo. Luego, realiza la obra O bailando do deus morto (1933), espectáculo de teatro-danza de su autoría, para el cual crea la escenografía y el vestuario. El espectáculo es clausurado por la policía por atentar contra las buenas costumbres. Realiza su primera exposición individual en el edificio Alves Lima (1934), de Itapetininga, también cerrada por la política por causar escándalo entre el público. Viaja por seis meses a Europa y conoce a André Breton, Pablo Picasso y Salvador Dalí, entre otros. Al regresar, participa de la fundación del nuevo grupo modernista, con Oswald de Andrade, Paulo Emilio Sallers Gomes, Décio de Almeida Prado, Afranio Zuccolotto y Vera Vicente de Azevedo (1935). Realiza la decoración del Carnaval oficial de San Pablo (1936). La Royal Academy of Arts de Londres incluye su obra en la exposición Exhibition of Modern Brazilian Paintings (1944). Expone individualmente en 1948 en el Museu de Arte de São Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Paulo. Participa de la XXV Biennale Internazionale di Venezia (1950) y realiza la escenografía para el Grupo Experimental de Ballet. También participa de la II y de la III edición de la Bienal Internacional de São Paulo (1953 y 1955). En 1956 inicia la publicación de una serie de artículos titulados A moda e o Novo Homen, en el periódico Diário de S. Paulo. Dibuja escenografías, vestuario y maquillaje para el Ballet Yanka Rudska, Lia de Carvalho y Anita Landerset en el Teatro de Cultura Artística en San Pablo. Junto con Assis Chateaubriand realiza la controversial caminata por el centro de San Pablo, exhibiendo su traje tropical masculino diseñado por él, consistente en falda y blusa con mangas cortas y holgadas. En 1957 viaja a los E.E.U.U. y recibe la medalla de oro en la I Bienal de Artes Plásticas del Teatro. Participa de una expedición al Amazonas organizada por el Servicio de Protección al Indígena con el proyecto de realizar una película (1958). En pocos años, recibe la medalla de oro “Teatro Nacional de Comedia” concedida por el Servicio Nacional de Teatro durante la IV Bienal de Teatro (1963) y la medalla de oro del XIV Salón Paulista de Arte Moderna (1965). Proyecta escenarios para el ballet Tempo (Grupo Móbile) del Teatro Ruth Escobar, en San Pablo (1965). Su obra fue incluida en la exhibición A Semana de 22: antecedentes e conseqüências, MASP, San Pablo (1972), entre muchas más. Francisca García nació en Santiago de Chile, en 1969. Diplomada en Arte por la Pontificia Universidad Católica y en Realización Cinematográfica por la Escuela de Cine de Chile. Obtuvo las becas Fundación Andes (2005) y FONDART (2005). Entre sus exposiciones individuales se incluyen: Antarktikos, Galería Puntágeles, Valparaíso, Chile (2008); Señales Lumininosas, Galería Afa, Santiago (2008); Rundum die Landschaft, Kunstverein Ahlen, Alemania (2006); Exterior, diorama, Centro Cultural Matucana 100, Santiago (2006); Interior, amanecer, Galería Gabriela Mistral, Santiago (2002). Su obra ha sido incluida en las siguientes exposiciones colectivas: No Sabe /No Contesta, Galería Arte x Arte, Buenos Aires (2008); Táctica, Galería CCU, Santiago (2008); Daniel López Show, Roebling Hall, Nueva York (2007); Handle With Care, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago (2007); Circuits/Circuitos, TRANSFORMER, Centro Cultural Matucana 100, Santiago (2005); Políticas de la Diferencia, Arte Iberoamericano fin de siglo, Sala de Convenciones, Recife y Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Buenos Aires, entre otras sedes (2001-2002); I Bienal de Arte de Fortaleza, De ponta cabeça, Fortaleza (2002); VII Bienal de Arte de La Habana, Cuba (2000); II Bienal de Artes Visuais do Mercosul, Porto Alegre (1999). Francisco Tomsich nació en Nueva Helvecia, Uruguay, en 1981. Artista y escritor, estudió con Francisco Siniscalchi y en el Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes. Actualmente cursa la Licenciatura en Letras Modernas en la Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación, Universidad de Montevideo. Integra el colectivo Traspuesto de un Estudio para un Retrato Común. En 2007 fue distinguido en el 52º Salón Nacional de Artes Visuales. Participó en numerosas exposiciones colectivas en Montevideo, Maldonado, La Coronilla, Conchillas y Berlín. Entre sus principales exposiciones individuales se destacan: Mudanza/Icaria (dedicada a Ícaro) (2006); Fotos encontradas (2007); Die Berliner Sphinx (2008). Francisco de Almeida nació en Crateús, Ceará, Brasil; vive y trabaja en Recife. Entre sus exposiciones colectivas se destacan: Panorama de Arte Brasileira, Museu de Arte Moderna de São Paulo, San Pablo (2005); Ceará e Pernambuco: dragões e leões, Centro Dragão do Mar de Arte e Cultura, Fortaleza, Ceará (1998); A Arte Contemporânea da Gravura, Museu Metropolitano de Arte de Curitiba, Paraná, Brasil (1997). Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br François Bucher nació en Cali, Colombia; vive y trabaja en Berlín. Obtuvo un Máster en Cine por el Art Institute of Chicago y recibió una beca de estudios en el Whitney Independent Study Program, Nueva York. Su trabajo e investigaciones abarcan una vasta gama de intereses y soportes, enfocándose específicamente en cuestiones éticas y estéticas planteadas por los medios de comunicación, el cine y la televisión. Teórico y escritor, ha publicado nuerosos libros y artículos en periódicos y revistas, entre ellos Saving the Image, Art after Film, In The Poem About Love you Don't Write The Word Love, The Journal of Visual Culture, Estudios Visuales, revista Valdez (editor fundador), entre otros. Además dicta conferencias sobre cuestiones referidas a la imagen en la cultura contemporánea, entre ellas: LABoral, Gijón; CENDEAC, Murcia; University of East Anglia, Norwich; United Nations Plaza, Berlín; y Universidad Nacional, Bogotá. Su obra fue expuesta internacionalmente en instituciones como Tate Britain, Londres; Oberhausen Film Festival, Oberhausen, Alemania; Whitney Museum Independent Study Program, Nueva York; Video Festival at Lincoln Center, Nueva York; Rotterdam Film Festival, Rotterdam; Bard College Center for Curatorial Studies, Annandale-on-Hudson, Nueva York; Argos Arts, Bruselas; Film Museum Bruselas; Arsenal Berlín; Kunsthalle, Budapest; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Santa Monica Art Museum, Los Ángeles; Stanton Museum, Houston; Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, León, España; así como en bienales que incluyen, Nordic Biennial, Prague Biennial 00, 03, y 05, Werkleitz Biennial, 06, Tessaloniki Biennial 07, Haus Der Kulturen Der Welt, y Documenta XII Magazine Project. Su obra recibió numerosas distinciones, entre otras Segundo Premio en la Fair Play, Berlín (2007); Primer Premio a la Videocreación Iberoamericana, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (2004); Werkleitz Award en Transmediale, Berlín (2004); Director's Citation at the Black Maria Film Festival (2004) y el Primer Premio en VideoEx, Zúrich (2003); Premio del jurado en Videolisboa, Lisboa (2003). También ha sido nombrado en dos oportunidades para el New Media Fellowship of the Rockefeller Foundation 2005 y 2007. Recibió el New York City Media Arts Grant of The Jerome Foundation (2000), que le permitió crear el video White Balance (to think is to forget differences). Es profesor invitado de la Art Academy at Umeä University, Suecia. Gabriel Sierra nació en San Juan Nepomuceno, Colombia, en 1975; vive y trabaja en Bogotá. Participó de las Residencias Gasworks, en Londres (2009) y El Basilisco, Buenos Aires (2007). Sus principales exposiciones individuales incluyen Apéndice, Galería Casas Riegner, Bogotá (2008); Compuesto Verde, Stepmothernature series, CAC Brétigny, Francia (2006); y No diga si diga oui, Sala de Proyectos Alianza francesa, Bogotá (2004), entre otras. Participó también del Ciclo de fotografía y nuevos medios, Alianza Francesa de Bogotá. Entre sus exposiciones colectivas destacamos: 2da Trienal Poli/grafica de San Juan de Puerto Rico: América Latina y el Caribe, Instituto de Cultura Puertorriqueña, San Juan, Puerto Rico (2009); 28ª Bienal Internacional de São Paulo, San Pablo (2008); ¡Urgente!, 41º Salón Nacional de Artistas, Cali, Colombia (2008) y MD07 Casa del Encuentro, Medellín, Colombia (2007). Glenn Gould (Canadá 1932-1982) Pianista, compositor y autor canadiense, conocido especialmente por sus grabaciones de Johann Sebastian Bach. Uno de los pianistas más controvertidos del siglo XX, dio a los 13 años su primer concierto en público. Dos años más tarde actuó por primera vez acompañado por la orquesta sinfónica de su ciudad. Su primera grabación, las Variaciones Goldberg, de Johann Sebastian Bach (1955), lo hizo mundialmente famoso. Interpretó por última vez las Variaciones el año de su muerte. El estudio de grabación fue su principal espacio de trabajo, abandonando definitivamente las salas de concierto en Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br 1964. Interpretó todas las composiciones para instrumentos de cuerdas de Bach, todas las piezas para piano de Arnold Schönberg, como también obras de Beethoven, Mozart, Brahms, Scriabin y Strauss. Escribió también piezas radiofónicas para la radio canadiense. Gilberto Esparza nació en la ciudad de Aguascalientes, México, en 1975; vive y trabaja en Ciudad de México. Realizó su Licenciatura en Artes en la Universidad de Guanajuato, México, y estudió en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos, Universidad Politécnica de Valencia, España. Desde 1998 expone individualmente. Entre sus últimas exposiciones se destacan: Escrituras, Cuarto de Proyectos, Casa Vecina, Centro Histórico, México D.F. (2008); Autótrofos Inorgánicos, Casa del Lago Juan José Arreola, México D.F. (2007); Esculturas Dinámicas, Sala Irene Arias del Instituto Municipal del Arte y la Cultura de Durango, Durango, México (2006); Intervenciones en Espacio no Transitables, Casa de la Cultura, Guanajuato, México. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas, entre ellas: Islas de Resguardo Sonoro. Girotronic, Fonoteca Nacional, México D.F. (2008); ID-ENTITY, Instituto Cultural Mexicano, Washington, D.C. (2008); Urban Play, Experimenta Design, Amsterdam (2008); Fragmentos Sonoros, V Muestra de Arte Sonoro, Galería Municipal Puebla, México (2008). Gonzalo Pedraza nació en Santiago de Chile, en 1982. Se diplomó en Teoría e Historia del Arte en 2006 por la Universidad de Chile. Obtuvo un Máster en Estudios Latinoamericanos por la misma universidad. Es investigador adjunto del proyecto INCUBO (www.incubo.cl) y profesor de “Historia del arte y Estudios Visuales” de la UNIACC. Guilherme Vaz nació en Araguari, Brasil, en 1948; vive y trabaja en Brasilia. Artista pionero del arte sonoro. Diplomado por la Universidade de Brasília, junto con Rogério Duprat, Décio Pignatari, Nise Obino, Cláudio Santoro, Damiano Cozzela, Régis Duprat, Hugo Mund Junior, entre otros (1960-1964); y en la Universidade Federal da Bahia, donde fue compañero de Walter Smetak y Enrst Wiedmer (1964-1966). Fundador, junto con Frederico Morais, Cildo Meireles y Luiz Alphonsus, de la Unidad Experimental del Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (19681970). En 1973 participa del Feedbackstudio en Colonia, Alemania. Presidió la Fundación Nacional del Indio (FUNAI) en Ji-Paraná, frontera con Bolivia, donde desarrolló trabajos de antropología, artes visuales y música prehistórica con los pueblos indígenas sudamericanos Zoró-Panganjej, Gaviao-Ykolem, y Araras. También produjo instrumentos musicales indígenas y pinturas transportando pinturas geométricas corporales a grandes telas de algodón crudo, también realizadas por indígenas. Artista multimedios y experimental, autor de obras sonoras como: Walk to Anywhere, Rio de Janeiro (1970); Desapropriação de Manhattan, Rio de Janeiro (1970), Open your Door as Slow as you Can, Rio de Janeiro (1970); Solos Ardentes, Nueva York (1970); Crude, París (1973); Ensaio sobre a Dádiva, d´après Marcel Mauss, Oslo (2008). Su obra fue incluida en importantes exposiciones colectivas, entre las cuales se desatacan: Equatorial Rythms, The Sternesen Museum, Oslo (2008); Hélio Oitica e seu Tempo, Centro de Arte Hélio Oiticica, Rio de Janeiro (2006); VIII Biennale de Paris, Museé d´Art Moderne de la Ville de Paris (1973); Agnus Dei, Petite Galerie, Rio de Janeiro (1970); Information, The Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York (1970); y Salão da Bússola, Sala Experimental, Museo de Arte Moderna Rio de Janeiro (1969), entre otras. También editó las siguientes obras con la Grabadora OM Records: O Vento sem Mestre (2007); Sinfonia dos Ares (2007); La Virgen (2006); Deuses Desconhecidos (2006); Anjo sobre o Verde (2006); A Tempestade, El Arte, Povos dos Ares, Der Heiligue Spruch (2005); A Noite Original - Die SchopfungsNacht [Die Winde uber der Meer am Anfgang der Welt] Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br (2004); Sinfonia do Fogo (2004); O Homem Correndo na Savana (2003), todas ellas lanzadas en el Museu de Arte Contemporânea de Niterói (MAC). Publicó Sinfonia das Águas (2001), un libro en que reúne producciones sonoras arcaicas y significantes de poblaciones de la región media de América del Sur, con tradiciones sonoras muy antiguas. Obtuvo el Premio de Melhor Trilha Sonora do Festival de Brasília do Cinema Brasileiro con Fome de Amor de Nelson Pereira dos Santos, primera película brasileña con música concreta y experimental (1968), A Rainha Diaba de Antonio Carlos Fontoura (1975), O Anjo Nasceu de Julio Bressane (1969), Filme de Amor de Julio Bressane (2006), Cleopatra de Julio Bressane 2007 y en 2009 el lanzamiento de la película Erva do Rato de Julio Bressane en el Festival de Venecia, con banda sonora aclamada por la crítica. Henri Michaux nació en Namur, Bélgica, en 1899; falleció en París en 1984. En Bélgica pasó su niñez y juventud, y luego de abandonar sus estudios de medicina y de embarcarse como marino en un viaje que lo llevó en 1920 a Rio de Janeiro y a Buenos Aires, regresa a Europa y, luego de breves estadías en Marsella y Bruselas, se instala en París en 1924. Comienza a publicar su obra literaria, por la que será mundialmente reconocido, en 1923. Inicia a su práctica artística en 1925 y en 1927 realiza su primer “alfabeto”. Su vida estará frecuentemente marcada por viajes a América del Sur y a Asia. En 1936 publica Entre centre et abscence (Henri Matarasso), el primer libro en el cual se incluyen reproducciones de sus dibujos. Ese mismo año en un viaje a Buenos Aires conoce a Borges, quien traducirá Un barbare en Asie (Gallimard, 1933) para Ediciones Sur en 1941. En 1937 realiza su primera exhibición individual en la Galerie Pierre de París. A esta le sucederán numerosas exposiciones dentro y fuera de Francia. Su primera exposición retrospectiva, Pour mieux connaître Henri Michaux (1937-1951), tiene lugar en 1951 en la Galerie Rive Gauche, París. En 1954 comienza sus experimentos con mezcalina que marcarán una parte importante de su producción; los dibujos resultantes fueron incluídos en varios de sus libros (Misérable Miracle, Éditions du Rocher, 1956, entre otros) y expuestos por primera vez en la exposición Description d´un trouble, Librairie-Galerie La Hune, París, ese mismo año. Comienza también a exhibir en el exterior con mayor asiduidad: entre 1956 y 1957, su trabajo se exhibe en Nueva York, Londres y Roma. En 1960 participa de la Bienal Internacional de Venecia, donde se le otorga el Premio Einaudi. Su primera gran retrospectiva tiene lugar en el Stedelijk Museum en Ámsterdam en 1964, a la que le siguieron las realizadas en Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, París (1965) y en el Centre Georges Pompidou, París (1978) –esta itineró al Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, alMusée d´Art Contemporain, Montréal, y al Seibu Museum of Art, Tokyo (1983). Con posterioridad a su muerte, su obra ha sido reunida en importantes exposiciones antológicas, entre ellas Henri Michaux: Dibuixos mescalinics, Centre Cultural Tecla Sala, Barcelona (1998) y Untitled Passages by Henri Michaux, The Drawing Center, Nueva York (2000). También ha sido incluida en exposiciones colectivas que incluyen la Bienal de París (1985), Dream Machine, Hayward Gallery, Londres (1999), La Belgique Visionnaire, Palais des Beaux-Arts, Bruselas (2005), y Be-Bomb, MACBA, Barcelona (2007), entre otras. Henrique Oliveira nació en Ourinhos, San Pablo, en 1973; donde vive y trabaja. Licenciado en Pintura en 2004, por la Escola de Comunicações e Artes de la Universidade de São Paulo; obtuvo un Máster en Poéticas Visuales por la Escola de Comunicações e Artes de la Universidade de São Paulo en 2007. Entre sus becas, residencias y distinciones se destacan: Premio CNI SESI Marcantônio Vilaça para Artes Plásticas y Artist Research Fellowship (beca de investigación), Smithsonian Institute, Washington D.C. (2009); Cité Internationale des Arts, estudio residencia, París (2008); Premio Festival de Cultura Inglesa, San Pablo. Ha realizado recientemente las Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br siguientes exposiciones individuales: Tapumes, Rice University Art Gallery, Houston (2009); Temporada de Projetos, Paço das Artes y Galeria Baró Cruz, San Pablo (2008); 11º Festival de Cultura Inglesa, British Council, San Pablo y Programa de Exposições, FUNARTE, San Pablo (2007). Su obra ha sido incluida en exposiciones colectivas, entre las que se encuentran: Nova Arte Nova, Centro Cultural Banco do Brasil, San Pablo (2009); Nova Arte Nova, Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro (2008); Seja marginal, Seja Herói, Galerie Vallois y Galerie Seroussi, París (2008); Something from Nothing, Contemporary Arts Center, Nueva Orleans (2008); Exposição de Verão, Galeria Silvia Cintra/ Box4, Rio de Janeiro (2008), entre otras. Hoffmann’s House es un colectivo de artistas, integrado por los chilenos Rodrigo Vergara (1974) y José Pablo Díaz (1975). Ambos residen y trabajan en Valparaíso y Santiago de Chile. Entre sus exposiciones individuales se destacan: El Sueño Bolivariano, Video Arte latinoamericano (87 min DVD) (2006); Presentación de catálogo, EIEI. Primer Encuentro Internacional de Espacios de arte Independientes, Galería Metropolitana, Santiago de Chile (2007), entre otras. También han participado de las siguientes exposiciones colectivas: Daniel Lopez Show - If I can make it here, I can make it anywhere, Roebling Hall, Nueva York (2007); Chile International Kunstraum Bethanien, Berlín (2007); Santiago Gathering, Crossing Horizons: Context and Community in the South, South Project, Sidney, Australia y Santiago de Chile y Valparaíso, Chile (2006), entre muchas otras. Ingrid Wildi nació en Santiago de Chile, en 1963. Se diplomó en Artes Visuales en la Hochschule für Gestaltung und Kunst, Zúrich (1977). Algunas de sus exposiciones individuales incluyen: Historias breves, Museo de Arte Contemporáneo y Galería de Arte Gabriela Mistral, Santiago de Chile (2007); Quelquepart II, Kunsthaus Glarus, Glarus (2006); De palabra en palabra, Kunsthaus Aarau y Centre d’Art Contemporain, Ginebra (2004); Ouvrir et fermer lês yeux, Planet 22, Ginebra (2001); y Altes Schützenhaus, Zofingen, Argovia (1992). Entre sus exposiciones colectivas se destacan: Was macht die Kunst, Ankäufe der Stadt Zúrich (2001-2006), Helmhaus Zúrich (2007); Une Question de Génération, Moca – Musée d’Art Contemporain de Lyon, Lyon (2007); 2 ou 3 choses que j’ignore d’elles, FRAC-Lorraine, Metz, Francia (2007). Iran do Espírito Santo nació en Mococa, San Pablo, en 1963; donde vive y trabaja. Realizó sus estudios en Artes Plásticas en la Fundação Armando Álvares Penteado (FAAP) (1986). Sus exposiciones individuales incluyen: Deposition, Sean Kelly Gallery, Nueva York (2008); En Passant, Galeria Fortes Vilaça, San Pablo (2008); Iran do Espírito Santo. Uma Visão Geral, Pinacoteca do Estado de São Paulo, San Pablo (2007); Iran do Espírito Santo, MAXXI - Museo Nazionale delle Arti del XXI Secolo, Roma (2006); Irish Museum of Modern Art, Dublín (2006); Museo de Arte Carrillo Gil, México D.F. (2004), entre otras. Participó de numerosas exhibiciones colectivas, entre ellas: 28a Bienal Internacional de São Paulo, San Pablo (2008); Think with the Senses–Feel with the Mind. Art in the Present Tense, 52ª Biennale Internazionale di Venezia, Venecia (2007); Transforming Chronologies: An Atlas of Drawings, Part One, The Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York (2006); InSite ´05, Centro Cultural Tijuana, Tijuana y San Diego Museum of Modern Art, San Diego (2005); 6th Istanbul Biennial, Estambul (2000); 48ª Venice International Biennial / Envío nacional, Venecia (1999); In Site’97, San Diego, Tijuana (1997); entre muchas más. Ivana Vollaro nació en Buenos Aires, en 1971; vive y trabaja entre Buenos Aires y San Pablo. Paulo. Artista y poeta visual. Estudió Artes en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br de Buenos Aires (UBA) entre los años 1993 y 1997, y Derecho entre 1989 y 1992. En 2003, gana la Beca Antorchas para estudios en el extranjero y se radica en San Pablo hasta 2005. Desde entonces vive y trabaja entre ambas ciudades. Entre sus exposiciones individuales se destacan: Limites e deslizes, Galeria Laura Marsiaj, Rio de Janeiro (2009); Vermello, Galeria Vermelho, San Pablo (2008); X-tudo, Centro Mariantonia, San Pablo (2007); y Con A de Barraca, Barraca Vorticista, Buenos Aires (2000), entre otras. Ha participado de las siguientes exposiciones colectivas: Las comisuras de la boca, Fundación Proa, Buenos Aires (2009); Ready (not) made, Barraca Vorticista, Buenos Aires (2008); 150 (poEticos) mts., Centro Cultural de España en Córdoba, Argentina (2007); Poéticas, Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, Rosario (2006); y Portuñol/portunhol, Fundación Centro de Estudios Brasileiros, Buenos Aires (2005), entre otras. Desde 1997 coorganiza anualmente los Encuentros de Poesía Visual, Experimental y Sonora realizados por Vórtice Argentina. Participa de festivales y bienales de poesía experimental y publica trabajos en varias revistas y libros tanto en Argentina como en el extranjero. James Ensor nació en Ostende, Bélgica, en 1860, donde vivió la mayor parte de su vida, hasta fallecer en 1949. Estudió en el College Notre-Dame y en la Royal Academy of Fine Arts de Ostende (1976), y luego en Bruselas, entre 1877 y 1880, año en que regresó a Ostende. Posteriormente viajó con frecuencia a Bruselas. Expuso por primera vez en 1881 en La Chrysalide y en Bruselas (Exposition Générale des Beux-Arts), y desde entonces participó asiduamente de exposiciones y salones, aunque sus trabajos hayan sido rechazados en algunas ocasiones. En 1883 abandonó la sociedad L’Essor y, junto con otros artistas, fundó el grupo Les XX, que fue fuertemente criticado y censurado. Viajó frecuentemente a París. Empezó a realizar la obra por la cual es reconocido, con trabajos como les Masques Scandalisées (1883), The Rising: Christ Shown to the People (1885), y notoriamente The Entry of Christ into Brussels in 1889, entre muchos más. En 1892 fue publicada la primera monografía sobre su trabajo, escrita por Eugène Demolder (Paul Lacomblez, Bruselas). En 1893 participó de la última exposición de Les XX, y el grupo se disolvió. En un acto de desespero, Ensor puso a la venta todas las obras de su estudio por 8.500 francos. No hubo comprador hasta que, finalmente, el Cabinet des Estampes de Bruselas compró una gran cantidad de grabados. Desde 1894 participó de las exposiciones de la sociedad artística La Libre Estéthique, que siguieron con los esfuerzos del grupo. Realizó su primera exposición individual en Bruselas. Posteriormente, su primera individual en París se realizó en 1898, en el Salon des Cent. En 1903 fue nombrado Caballero de la Orden Belga de Leopold. En 1910 se realizó su primera gran exposición retrospectiva en el Rotterdamsche Kunnstkring y, luego, en el Cercle Artistique Littéraire et Scientifique de Amberes. Sucedieron exposiciones en Bélgica y en el extranjero, catálogos y publicaciones incluyendo sus escritos (Les écrits de James Ensor de 1921 à 1926, La Flandre Littéraire, Ostende y Bruselas). Su mayor retrospectiva en vida se realizó en 1929 en el Palais des Beaux-Arts de Bruselas, donde se expuso por primera vez The Entry of Christ into Brussels in 1889. Recibió el título de Barón y otros títulos y distinciones, entre ellos la Legión de Honor del gobierno francés. Después de su muerte, se realizaron retrospectivas y exposiciones de su trabajo en el Palais des Beaux-Arts de Bruselas y en el The Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York, entre otros importantes museos del mundo. Janine Antoni nació en Freeport, Bahamas, en 1964; vive y trabaja en Nueva York. Se diplomó en el Sarah Lawrence College, Bronxville, Nueva York en 1986, realizando, en 1989, un posgrado Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br en la Rhode Island School of Design. Entre sus exposiciones individuales se destacan: Janine Antoni, Luhring Augustine, Nueva York (2009); To Draw A Line, Luhring Augustine, Nueva York (2003); The Girl Made of Butter, The Aldrich Museum, Ridgefield, CT (2001); Slip of the Tongue, IMMA/Glen Dimplex Award Exhibition,The Irish Museum of Modern Art, Dublín (1996); Gnaw, Sandra Gering Gallery, Nueva York (1993). Su obra fue incluida en numerosas exposiciones colectivas, que incluyen: Prospect 1. New Orleans, Nueva Orleans (2008); KW Institute for Contemporary Art, Berlín (2006); Into Me/Out of Me, P.S.1 Contemporary Art Center, Nueva York (2006); Moving Pictures, Guggenheim Museum, Nueva York (2002); Open Ends: Minimalism and After, The Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York (2000); Aperto, XLV Biennale Internazionale di Venezia, Venecia (1993). Recibió las siguientes distinciones: Artes Mundi, Wales International Visual Art Prize; The Larry Aldrich Foundation Award (1999); MacArthur Fellowship, (1998); The Joan Mitchell Foundation Award (1998) y IMMA/Glen Dimplex Award (1996). Jérôme Bel nació en Francia, en 1964; vive y trabaja en París. Después de estudiar en el Centre National de Danse Contemporaine de Angers, Francia (1984-1985), bailó para numerosos coreógrafos en Francia e Italia (1985-1991) y fue asistente del coreógrafo y director de ceremonias de los XV Juegos Olímpicos de Invierno de Albertville y Savoise (1992). A partir de 1994, comenzó a realizar sus propias obras, que presentó tanto en Francia, como en Lisboa, Tokio, Hamburgo, Bruselas, Berlín, Singapur, Bangkok y Rio de Janeiro, entre muchas otras ciudades. Sus trabajos fueron encargados por instituciones como L’Opéra de Paris, París, y el Centro Cultural de Belem, Lisboa, y participó, entre otros espectáculos, de la Biennale de Lyon en 2007. En 2005 recibió un Bessie Award por la performance The show must go on (2001) y, en 2008, recibió junto a Pichet Klunchun el Routes Princess Margriet Award por la Diversidad Cultural con la obra Pichet Hlunchun & myself (2005). João Modé nació en Resende, Rio de Janeiro, 1961; vive y trabaja en Rio de Janeiro. Su trabajo se articula a partir de una noción plural de lenguajes y espacios de actuación. Algunos de sus proyectos involucran la participación directa del espectador. Realizó su exposición individual A Cabeça, en la galeria A Gentil Carioca, Rio de Janeiro (2007). También ha participado en numerosas exposiciones colectivas, entre ellas: 28ª Bienal Internacional de São Paulo, San Pablo (2008); Contraditório– Panorama da Arte Brasileira, Museo de Arte Moderna de São Paulo, San Pablo (2007); Stopover, Kunsthalle Fribourg, Suiza (2006); Abrigo Poético–Diálogos com Lygia Clark, Museo de Arte Contemporánea, Niterói (2006); Bienal de Praga, National Gallery, Praga (2003); y Rede, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro (2003). Joaquín Cociña nació en Concepción, Chile, en 1980; vive y trabaja en Santiago de Chile. Se diplomó en Artes por la Universidad Católica de Chile, y obtuvo un posgrado en Literatura por la Universidad de Chile. Junto con Niles Atallah y Cristóbal Leon, integra un colectivo de artistas. Ha presentado las siguientes videoinstalaciones: Nocturno de Chile, Video Art Show, Museo de Artes Visuales, Santiago de Chile (2007); Lucia, feria arteBA, Buenos Aires (2007). Johanna Calle nació en Bogotá, Colombia, en 1965; donde vive y trabaja. Después de estudiar en la Universidad de los Andes (1984-1989), en Bogotá, realizó un Máster en Artes Plásticas por el Chelsea College of Art, Londres (1992-1993). Entre sus exposiciones individuales se destacan: Variaciones políticas del trazo. Dibujos de Johanna Calle, Fundación TEOR/éTica, San José de Costa Rica (2008); Laconia, Galería Santa Fé, Planetario Distrital, Bogotá (2007); Zona Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Tórrida, Galería Casas Riegner, Bogotá (2006); Pretérita, Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Bogotá (2006); y Tangencias, Sala ASAB, Academia Superior de Artes de Bogotá (2005). Exposiciones colectivas: Artists and War, North Dakota Museum of Art, Grand Forks, Dakota del Norte (2009); Other flora, Galeria Nara Roesler, San Pablo (2008); Historia Natural y Política, Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá (2008); Cartas sobre la mesa, Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá (2008); DisPlaced, Contemporary Art from Colombia, Glynn Vivian Art Gallery, Swansea, Inglaterra (2007); Bordes del dibujo, Museo de la Universidad Nacional, Bogotá, Colombia (2006); Contradicciones y convivencias, Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá, Colombia (2005); Otras miradas, Museo Sofía Imber de Caracas (2004); De la représentation à l’action, Le Plateau, París (2002); Políticas de la diferencia. Arte iberoamericano de fin de siglo, exposición itinerante organizada por la Generalitat Valenciana, España (2001). A lo largo de su carrera, Calle recibió premios por su trabajo, entre los que se destacan: Emerging Artists Grants Program, Cisneros Fontanals Art Foundation CIFO, Miami (2008) y Mención de Honor IV Premio Luis Caballero (2007); Beca Cité International des Arts, París, AFFA Asociación Française des Affaires Etrangeres (2001); Premio Salón Regional de Artistas, Ministerio de Cultura (2000), entre otros. John Cage (Los Ángeles 1912 -Nueva York 1992). Compositor, escritor, filósofo y artista visual de gran influencia en el arte contemporáneo. Durante los años 50 abandonó el pragmatismo de la notación musical precisa y las maneras circunscriptas de performance. Su principal contribución a la historia de la música fue el establecimiento sistemático del principio de la indeterminación: al adoptar prácticas zen budistas a la composición y performance, trajo ideas espirituales y actitud liberadora al arte occidental. En un esfuerzo para reducir el elemento subjetivo en la composición, desarrolló métodos de selección de componentes para sus piezas tomando como directriz al azar, inicialmente a través del lanzamiento de monedas o de dados y después a través del uso de generadores de números random en la computadora, incluyendo el IC (1984), proyectado y escrito en el lenguaje C por su entonces asistente programador, Andrew Culver, para simular el oráculo de la moneda del I Ching. El uso de la computadora por Cage le permitió la creación de un sistema por el cual todos los elementos de tono, ruido, duración, sonoridad relativa, tiempo, armonía, etc., podían ser predeterminados. De este modo, los trabajos maduros de Cage no tuvieron origen en la psicología, en el motivo, en el drama o en la literatura sino en el uso delos sonidos en tanto tales y más allá de su caracterización como musicales o no, y así independientes de toda memoria o gusto personal. Su composición más radical –la cual fue influenciada por las pinturas all-black y all-white de Robert Rauschenberg- fue 4'33" (1952), por la cual sus tres movimientos eran indicados por el cierre y la abertura de la tapa del teclado del piano, y durante la cual ningún sonido se produce intencionalmente. Fue interpretada por primera vez por el pianista y colega de larga data, David Tudor, en Woodstock, Nueva York, el 29 de agosto de 1952. Entre los tantos honores que Cage recibió, fue elegido para The American Academy of Arts and Letters, apuntado Charles Eliot Norton Professor of Poetry en Harvard, le concedieron el título de Commandeur de l'Ordre des Arts et des Lettres del gobierno francés, y premiado con el premio Kioto de Japón. Jonathas de Andrade nació en Recife; donde vive y trabaja. Diplomado en Comunicación Social, Publicidad y Propaganda, Universidade Federal de Pernambuco (2007). Entre sus principales exposiciones individuales, se destacan: Ressaca Tropical, Instituto Cultural Banco Real, Recife (2009); Amor e Felicidade no Casamento, Itaú Cultural, San Pablo, Fundación Joaquim Nabuco, Recife, e Instituto Furnas Cultural, Rio de Janeiro (2007-2008). Tambien ha publicado Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br libros de artista en colaboración la diseñadora Yana Parente (2008), y realizado los siguientes proyectos: Intervenção urbana com pesquisa e mapeamento moral da cidade (2007); Retrato do Inverno Anterior, acción en el festival de invierno de Garanhuns (2006), Desaparecimento da luz, Spa das Artes (2006); Instalación en el Ed. Western, en el barrio Recife Antigo (2006). Actualmente desarrolla el proyecto Condução a deriva; documento latinamerica, por medio de una beca otorgada por Funarte y el Salão de Artes Plásticas de Pernambuco (2009). Jordi Colomer nació en Barcelona, en 1962; vive y trabaja entre Barcelona y París. Se diplomó en Arte en Barcelona, en Historia del Arte por la Universitat Autònoma de Barcelona y en Arquitectura por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona. Entre sus exposiciones individuales se encuentran: Fuegogratis, Jeu de Paume, París (2008); Prototipos, Château de Roussillon, Roussillon (2007); The Prodigious Builders, Galerie Traversee, Múnich (2006), entre otras. Expuso su trabajo en diversas exposiciones colectivas, como Nuevas Historias - A New View of Spanish Photography, Stenersenmuseet, Oslo (2009); Socially disorganised- Experimental art foundation, Adelaide, Australia (2009); Éclats de frontières, FRAC Provence Alpes Côte d'Azur, Marsella (2008), entre otras. Jorge Caraballo nació en Montevideo en 1941; donde vive y trabaja. Estudió artes plásticas en el estudio del artista Hugo Sartone, fue discípulo de Joaquín Torres García, y dividió sus días entre la práctica tradicional de pintura y el descubrimiento de nuevos materiales y soportes. En 1971 obtiene el Premio Lautréamont del gobierno francés, que le permite viajar a París y realizar estudios libres con Víctor Vasarely. Durante su temporada en París, asiste a la Universidad de Vincennes, donde participa de los cursos teóricos de Frank Popper. Entre 1976 y 1990 incursiona en el campo de la poesía visual. Participa de exposiciones colectivas y en publicaciones de poesía visual en Alemania, Argentina, Australia, Bélgica, Brasil, Canadá, Cuba, España, Francia, Holanda, Hungría, Inglaterra, Israel, Italia, Japón, México, Portugal, Suiza, Uruguay, Estados Unidos, Venezuela y Yugoslavia. Entre éstas se destacan: Visuelle Poesie, Museum der Stadt, Ratingen (1990); 1ª, 2ª, y 3ª Bienal Internacional de Poesía Visual-Experimental, México D.F. (1986, 1988 y 1990); 1º Festival Internacional de Poesía Viva, Museu Municipal Dr. Santos Rocha, Lisboa (1987); XVI Bienal Internacional de São Paulo, San Pablo (1981). También participó de la 7ª Bienal de Jóvenes, París (1971) y de la 36ª Biennale Internazionale di Venezia (1971). Expuso individualmente en la Casa de Cultura Uruguay-Suecia, Montevideo (1987) y en el Centro de Arte y Comunicación (CAyC), Buenos Aires (1973). Recibió las siguientes distinciones: Premio adquisición, Ministerio de Obras Públicas, Montevideo, Uruguay (1973); Premio adquisición, XXXIV Salón Nacional de Artes Plásticas, Montevideo (1970), entre otras. José Alejandro Restrepo nació en Bogotá, Colombia, en 1959. Realizó sus estudios de arte en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia entre 1981 y 1982. Posteriormente, asiste a la l´École des Beaux-Arts, París (1982-1985). Entre sus principales exposiciones individuales se destacan: Cuerpos Gloriosos, Galería Valenzuela y Klenner, Bogotá (2008); Teofanías, Museo de Antioquia, Medellín (2008); TransHistorias, École Supérieure des Beaux Arts, Toulouse (1998); Musa Paradisíaca, Museo de Arte Moderno, Bogotá (1997). Su obra fue incluida en importantes exhibiciones colectivas como: 2º Bienal de Arte Contemporáneo de Thessaloniki, Tesalónica (2009); 52ª Biennale Internazionale di Venezia, Venecia (2007); Trienal Poligráfica de Puerto Rico, San Juan de Puerto Rico (2004); Transit, University Gallery, University of Essex, Wivenhoe Park, Colchester (2001); Tempo, The Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br (2001); VII Bienal de la Habana, La Habana (1999); Define context, Apex Art, Nueva York (1999); Cuatro Artistas Colombianos, Ex-Teresa Centro de Arte Actual, México D.F. (1999); 23ª Bienal Internacional de São Paulo, San Pablo (1996), entre otras. Recibió las siguientes distinciones y becas de estudio: Cisneros Fontanals Art Foundation (CIFO) (2007); Premio VIII Bienal de Cuenca, Ecuador (2004); Premio Johnny Walker en las Artes (1999); Beca de Creación Colcultura, Colombia (1997); Premio, VII Salón Regional de Artistas, Bogotá (1996); Primer Premio V Bienal de Arte de Bogotá (1996). José Antonio Suárez nació en Medellín, Colombia, en 1955; donde vive y trabaja. Realizó sus estudios en Biología en la Universidad de Antioquia (1974-77), y de posgrado en la École Supérieure d’Art Visuel, Ginebra. Fue profesor de Dibujo en la Universidad Pontificia Bolivariana en Medellín, entre 1985 y 1990. Entre sus exposiciones se destacan: Pattern vs Decoration Hospelt Gallery, San Francisco (2007); MD07 Casa del Encuentro, Medellín (2007); Trienal de Grabado, San Juan de Puerto Rico (2004); 26 Litografías sobre piedra, Galería Sextante, Bogotá (2003); Cacerías con J.J.A y A.M.R., Galería de la Oficina, Medellín (2002); F(r)icciones, visiones del sur, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2000); Nulla Dies Sine Linea, Sala Suramericana, Medellín (1999); XXIV Bienal Internacional de São Paulo, San Pablo (1998), entre otras. Recibió menciones en el II Salón Regional de Artes Visuales; Exposición de Ex-Libris; XXXIII Salón Nacional, entre otras distinciones. José Carlos Martinat nació en Lima, Perú, en 1974. Realizó estudios de Diseño de Generadores de Audio en Media LAB, Fundación Telefónica, Lima (2005). Asistió a los talleres de manejo del software interactivo Max, Media LAB, Fundación Telefónica, Lima (2004); de arte experimental, Centro Cultural de España, Lima (2001); y de Metodología de Nuevas Tendencias de Arte Contemporáneo, Centro Cultural de España, Lima (1999). Entre sus exposiciones se encuentran: Galería Revolver, Lima (2009); Restraint (New Media Art Practices from Brazil and Peru), Maison de la culture Marie-Uguay y OBORO, Montréal (2009); 2ª Trienal Poli/Gráfica de San Juan: América Latina y el Caribe, San Juan de Puerto Rico (2009); Misfeasance?, Museo de Arte Raúl Anguiano, Guadalajara (2009); Emergentes, Fundación Telefónica, Lima (2008); La Construcción de un Lugar Común, Museo de Arte Contemporáneo de Lima, Lima (2008); Ambiente de Estéreo Realidad 4, La Laboral, Madrid (2007); 10°00 S / 76°00 W, Galeria Leme, San Pablo (2007); Fotógrafos contemporáneos, Galería Lucia de la Puente, Lima (2007); Doppelganger: El doble de la Realidad, Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, Vigo (2007); Constelaciones, Museo de Arte de Lima, Lima (2006); A imagen y semejanza, Museo de Arte Contemporáneo de Arequipa, Arequipa (2006); Cambios Estructurales 1, Museo de la Universidad San Marcos, San Marcos (2006); Ambiente de Estéreo Realidad 2, Festival de Video /Arte /Electrónico, Lima (2005); Vestigio Barroco, Centro Cultural de España, Lima (2005); Cubo blanco- Flexi time, Galería Luís Miro Quesada Garland, Lima (2004); Absolute Vodka Creation, Galería Lucia de la Puente, Lima (2004); Ambiente de Estéreo Realidad 1, World Wide Video Festival, Amsterdam (2004); Vía Satélite: fotografía y video arte contemporáneo del Perú, Centro Cultural de España, Lima (2004); O-lubrico, Punto G, Casa tomada, Galería Lucia de la Puente, Lima (2003); e Impecable Soledad, Centro Cultural de España, Lima (2002), entre otras. Juan Downey nació en Santiago de Chile, en 1940, y murió prematuramente en Nueva York, en 1993. Pionero del Videoarte, realizó sus estudios en Arquitectura en la Universidad Católica de Chile, en 1961. Posteriormente, estudió grabado en París, en el Estudio 17 de Hayter y en el Pratt Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Institute, Nueva York, a partir de 1966, momento en que se radica en los Estados Unidos; donde fue profesor hasta su muerte. En 1973 empieza una serie de viajes por América del Norte y América Central, para luego recorrer parte de América del Sur. En una segunda etapa recorre la selva amazónica, el Río Orinoco y la frontera entre Venezuela y Brasil, entre otros viajes al sur de Chile. La tercera etapa, entre 1976 y 1977, culmina con un viaje al Amazonas durante el cual convivió con las comunidades indígenas Guahibos, Piaroas, Maquiritari, y nueve meses con los Yanomami, la tribu primitiva que se encuentra en la edad de piedra. Estos viajes marcaron profundamente su obra, y demuestran su interés por identificar y retratar un imaginario cultural latinoamericano. Entre sus exposiciones individuales se destacan las realizadas en The Corcoran Gallery of Art, Washington D.C. (1969); Center for Inter American Relations, Nueva York (1975); Whitney Museum of American Art, Nueva York (1976, 1978); The Institute of Contemporary Art, Boston (1981, 1989); Schlessinger-Boissante Gallery, Nueva York (1982); The Jewish Museum, Nueva York (1989); The San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco (1985); The International Center of Photography, Nueva York (1987, 1990). Póstumamente, se realizaron numerosas exposiciones retrospectivas de su obra, incluso la realizada en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM), Valencia (1998). Asimismo, recibió la Mención Honrosa en la Biennale Internazionale di Venezia por la obra About Cages, Venecia (2001). Entre sus exposiciones colectivas es importante mencionar su participación en las realizadas en el Stedelijk Museum, Ámsterdam (1971) y The Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York (1984); así como la 9ª Biennale de Paris (1975); Documenta 6, Kassel, Alemania (1977); Whitney Biennial, Whitney Museum of American Art, Nueva York (1981, 1983, 1985, 1987, 1991); Biennale Internazionale di Venezia (1980, 2001); Primera Generación, el arte de la imagen en movimiento, 1963-1986, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2006), entre otras. Júlio Lira - Diplomado en Ciencias Sociales por la Universidade de Fortaleza (1982) y Especialista en Desarrollo Urbano y Regional por la Universidade Federal do Ceará (1983); cumplió los créditos del Máster en Desarrollo Urbano y Regional, en la Universidade Federal do Pernambuco, en 1986. Actualmente hace la especialización en Audiovisual en Medios Electrónicos, en la Universidade Federal doe Ceará. Laura Kuhn (1953) es escritora, performer, académica y Directora Ejecutiva del John Cage Trust. Trabajó, durante sus años de grado en la UCLA, con el ruso Nicolás Slonimsky, a quien sucedió en calidad de editora del diccionario de músicos Baker’s Biographical Dictionary of Musicians, y de Music Since 1900. En 1986, después de obtener un Máster, comenzó a trabajar con John Cage en un gran número de proyectos de envergadura, incluyendo sus seis conferencias pronunciadas en Harvard University como en el marco de la cátedra en poesía de Charles Eliot Norton, y tituladas “mesostic” (publicadas como I-VI por la Harvard University Press, 1990). También lo acompañóen su primera ópera Europeras 1 & 2, para la Ópera de Frankfurt, la cual fue tema de su tesis doctoral: John Cage’s “Europeras 1 & 2”: The Musical Means of Revolution (1992). Entre 1991 y 1996 integró el cuerpo docente de un programa interdisciplinario de artes y performances en la Arizona State University West, en Phoenix. Asimismo, y en simultáneo, desde la muerte de John Cage en 1992, trabajó junto a Merce Cunningham, Anne d’Harnoncourt y David Vaughan, aliados y amigos de Cage, para fundar el John Cage Trust. En 2007, el Trust estableció su oficina permanente en Bard College, Annandale-on-Hudson, Nueva York. Allí, se desempeña también como Profesora de Artes Performáticas. Entre los proyectos bajo su dirección se destacan un CD-ROM de la obra Sonatas & Interludes (1946-48) de Cage (Big Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Fish Audio), y la adaptación de James Joyce, Marcel Duchamp, Erik Satie: An Alphabet, obra para radio escrita por Cage en 1982, la cual dirigió en siete oportunidades en diferentes sedes alrededor del mundo. Entre 1999 y 2002, actuó como cantante invitada del irreverente talkshow Dennis Cleveland, de Mikel Rouse, cuyo último montaje fue en mayo de 2002 en el New York’s Lincoln Center. En el otoño de 2007 dirigió una producción de la obra de Cage, Lecture on the Weather (1976), en el Fisher Center for the Performing Arts at Bard College, cuyo elenco contaba con personalidades como Merce Cunningham, John Kelly, John Ashbery y Jasper Johns. León Ferrari nació en Buenos Aires, Argentina, en 1920. Artista autodidacta, escultor, pintor y grabador, estudió Ingeniería en la Facultad de Ciencias Exactas, Físicas y Naturales de la Universidad de Buenos Aires (1938-47). Entre otras distinciones obtuvo el León de Oro de la 52ª Biennale Internazionale di Venezia, Venecia (2007); el Grande Prêmio da Crítica, Asociación Paulista de Críticos de Arte, San Pablo (2006); el Premio a la mejor muestra del año, Asociación de Críticos de Arte (AACA), Buenos Aires (2005); y la Beca Guggenheim, Nueva York (1995), entre otras. Entre sus exhibiciones individuales más destacadas se encuentran: Tangled Alphabets: León Ferrari y Mira Schendel, The Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York (2009); León Ferrari. Obras 1976-2008, Museo de Arte Carrillo Gil, México D.F (2008); León Ferrari. Antológica, Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino, Rosario, Argentina (2008); León Ferrari. Retrospectiva 1954-2006, Pinacoteca do Estado de São Paulo, San Pablo (2006); Retrospectiva León Ferrari, obras 1954-2004, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (2004); e Infiernos e idolatrías, Instituto Cultural Iberaomericano (ICI), Buenos Aires (2000), entre muchas más. Su obra fue incluida en numerosas exhibiciones colectivas entre las cuales se destacan: De la abstracción al cinetismo, Casa de las Américas, La Habana (2009); Documenta XII, Kassel (2007); 52ª Biennale Internacionale di Venezia (2007); Cómo vivir juntos. 27ª Bienal Internacional de São Paulo, San Pablo (2007); Inverted Utopias, The Museum of Fine Arts Houston, Houston (2004); y Tucumán Arde, CGT de Rosario y de Buenos Aires, Argentina (1968), entre muchas otras. Lilian Zaremba nació y vive en Rio de Janeiro. Guionista y productora radiofónica e investigadora doctorada en Teorías de la Comunicación, trabaja desde 1997 sobre diferentes aspectos del lenguaje y la transmisión radiofónica asociada a las artes sonoras. Curadora y coordinadora de I Rádio-Forum, “O rádio fora do Rádio”, en el Centro Cultural Banco do Brasil (1997) lleva a Rio de Janeiro representantes de las emisoras públicas de Francia, Alemania e Inglaterra, además de artistas brasileños. Sus trabajos más recientes fueron presentados en 2008 en el Museu de Arte Contemporânea (MAC), proyecto Poéticas Experimentais da Voz, RádioForum Escuta! (Londrina, Paraná), Festival Radial LX (Lisboa), programa especial sobre Arte Sonora y Radioarte (MEC-FM, Rio de Janeiro). Creadora, guinista y productora de un audioreportaje sobre el músico Walter Smetak, en 2008, para el Museu de Arte Moderna de São Paulo. Publicó varios artículos de investigación sobre el universo del lenguaje radiofónico organizando los tres números de la antología Rádio Nova, Constelações da Radiofonia Contemporânea (ECO/Ed. Publique 1997-2000). Participó de la Documenta X de Kassel con la transmisión de su radio fantasía Crab Nebula (1997). Curadora y gestora de la exposición O Que Eu Faço É Rádio! (MAC-2006), entre otras actividades. Más recientemente inaugura el sitio web www.radioforum.com.br (2009) junto a investigadores como Rodolfo Caesar, Janete El Haouli, Mauro Costa y Julio de Paula, con el objetivo de divulgar trabajos de radio y de arte sonoro y electroacústico. Durante este año es invitada a impartir conferencias en el Laboratorio de Radio de la Escuela de Comunicación de la Universidade Federal do Rio de Janeiro, donde Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br actualmente desarrolla un proyecto de Postdoctorado, referente a un Centro de Investigación en Producción Radiofónica que implementa junto a Radio MEC, Rio de Janeiro. Coordina la publicación Entreouvidos: sobre Rádio e Arte, reuniendo artículos de artistas, críticos y ensayistas como Romano, Ricardo Aleixo, Luiz Camillo Osório, Cynthia Gusmão, Roberto D’Ugo, Vera Terra, entre otros, para lanzamiento en la 7ª Bienal do Mercosul. Liliana Porter nació en Buenos Aires, Argentina, en 1941; vive y trabaja en Nueva York. Realiza sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires y en la Universidad Iberoamericana de Ciudad de México. En Nueva York trabaja en el Pratt Graphic Art Center y forma el New York Graphic Workshop (1964-1970) -junto al artista uruguayo Luis Camnitzer y al venezolano José Guillermo Castillo- cuyo trabajo fue objeto de una reciente exposición en el Blanton Museum of Art, Austin (2008-2009). En 1973 exhibe individualmente en el The Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York (sala “Proyectos”). En 1977 es cofundadora e instructora de grabado en el Estudio Camnitzer-Porter en Lucca, Italia. En 1980 recibe la beca Guggenheim. En adelante, recibe siete becas de investigación en fotografía, video y multimedia, The City University of New York (PSC-CUNY). En 1991, el Bronx Museum, Nueva York, le dedica una exposición retrospectiva. Desde ese mismo año paso a ser profesora en el Queens Collage, The City University of New York. Entre sus distinciones, fue nombrada Académica Correspondiente en los Estados Unidos (2009) y Académica de Número (2003), por la Academia Nacional de Bellas Artes. También fue reconocida con Civitella Ranieri Foundation Fellowship (artista en residencia), Umbertide, Italia (1999); Premio Leonardo, (Grabado), Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires (1998) y el Grand Prix, XI Bienal Internacional de Grabado, Cracovia (1986). Entre sus exposiciones individuales se destacan: Línea de Tiempo, Museo Rufino Tamayo, México D.F. (2009); Liliana Porter, Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires (2009); Liliana Porter, Hosfelt Gallery, Nueva York (2008); Eventos Breves, Sala de Verónicas, Murcia y Palacio Aguirre, Cartagena, España (2005); Fotografía y Ficción, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires y Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Rosario, Rosario (2003). También participó recientemente de las siguientes exposiciones colectivas: Pretty Tough: Contemporary Storytelling, The Aldrich Museum of Contemporary Art, Ridgefield, Connecticut (2009-2010); For You / Para Usted, The Daros Latinoamérica, Zúrich (2009); 9th Sharjah Bienal, Sharjah, Emiratos Árabes (2009); Here is Every. Tour Decades of Contemporary Art, The Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York (20082009); 6a Bienal del Mercosur, Porto Alegre (2007). Linda Matalon nació en el Brooklyn, Nueva York, en 1958, donde vive y trabaja. Hija de padres cubanos, en 1977 abandona los estudios formales de arte para realizar un viaje a Colombia. En 1991 recibe una beca de la Cintas Foundation, institución creada por un diplomático cubano que otorga ayuda a la creación artística. En 1994 participó de las exposiciones In a Different Light, University Art Museum, Berkerley, y In the lineage of Eva Hesse, The Aldrich Museum of Contemporary Art, Connecticut. Expuso individualmente en SFA Gallery al Stephen F. Austin State University in Nacogdoches, Texas (1996) y en Wolfson Campus InterAmerican Art Gallery of Miami-Dade Community College in Miami (1997). Entre sus exposiciones individuales más recientes se encuentran: 1 6 7, Gray Kapernekas Gallery, Nueva York (2005); Middle Falls, Wynn Kramarsky, Fifth Floor Foundation, Nueva York (2005); Open Gates: Recent Sculpture and Drawings, Herter Art Gallery, University of Massachusetts, Amherst (2003); Project Room installation, Cohan Leslie and Browne, Nueva York (2001); What Remains, Van Every Smith Galleries, Davidson College Visual Arts Center, Davidson, North Carolina (1997). Su obra ha sido Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br incluida en numerosas exposiciones colectivas tales como: Urgente! 41º Salón Nacional de Artistas de Colombia, Cali (2008); Revolutionary! Romanticism! Contemporary Art from New York, 1 Lily Terrace, Dorset (2005); In the Making: Contemporary Drawings from a Private Collection, University Gallery, Fine Arts Center, University of Massachusetts, Amherst (2003); Ethereal and Material, Delaware Center for the Contemporary Arts, Wilmington (2000); Art on Paper, Weatherspoon Art Gallery, University of North Carolina, Greensborough, NC (1998); Material Girls…Gender, Process and Abstract Art Since 1970, Gallery 128, Nueva York (1996). También ha obtenido becas de estudio otorgadas por la Pollock-Krasner Foundation, Nueva York (2009); la New York Foundation for the Arts, Nueva York (1999); Art Matters, Nueva York (1993); y Provincetown Fine Arts Work Center Fellowship, Provincetown, Massachussets (1992-1993). Luisa Duarte nació en Rio de Janeiro, en 1979; vive y trabaja en San Pablo. Crítica de arte y curadora independiente, es Profesora de la Faculdade Santa Marcelina. Actualmente cursa el Máster en filosofía por la Pontifícia Universidade Católica (PUC), San Pablo. Miembro del grupo de críticos del Centro Cultural São Paulo. Coordinadora del ciclo de conferencias A Bienal de São Paulo e o Meio Artístico Brasileiro – Memória e Projeção, plataforma de debates de la 28ª Bienal Internacional de São Paulo. Formó parte de la comisión curatorial del programa Rumos Artes Visuais, Instituto Itaú Cultural (2005-2006). Fue curadora de las exposiciones Arte e Música atravessamentos poéticos, Galería D.Pedro II de Caixa Cultural da Sé, San Pablo (2008); Costumes, de Lourival Cuquinha, en el Instituto de Arte Banco Real, Recife (2007); Entre o público e o privado – transições na arte contemporânea, en el Museu de Arte Contemporánea Dragão do Mar, Fortaleza (2006), entre otras. También coordinó la programación de artes visuales e intervenciones urbanas del 7° Festival Rio Cena Contemporânea (2006). Luiz de Abreu nació e Araguarí en 1963; vive y trabaja entre San Pablo y Salvador, Bahia. En su ciudad natal realizó su primer contacto con la danza por medio del umbanda. Posteriomente inicia sus estudios formales de danza en Uberlândia y se establece en Belo Horizonte, donde trabaja en varias compañías. Promediando la década del noventa viaja a San Pablo donde comienza su carrera solista. Presentó sus espectáculos en Alemania, Croacia, Cuba, Francia, Portugal, y en festivales de danza contemporánea en Brasil. Actualmente profundiza sus investigaciones sobre el cuerpo negro. Su espectáculo O Samba do Crioulo Doido participó en Rencontres Chorégraphiques de l'Afrique, CulturesFrance, La Habana (2008); Festival InPresentable, La Casa Encendida, Madrid (2008); Danse D`ailleus, Centre Chorégraphique de Cain (2008); LiFE, Lieu International des Formes Emergentes, Saint-Naizaire (2008); Brasil move Berlim, Alemania, Luxo de Cú em Corpo Nú y A Máquina de Desgastar Gente (director coreógrafo) (2007); Fierce Festival, Birmingham (2006); Live Arte, Universidad Queem mary, Londres (2006); Brasil move Berlim, Berlín (2005); QueerZagreb, Zagreb (2005); Porto Alegre em Cena, Porto Alegre (2004); Mostra Rumos Itaú dança, San Pablo (2004); Travesti, Circuito 1, 2, 3 de danza Contemporánea, Petrobrás, Caxias do Sul (2003); Sonhos Quebrados, Mostra Rumos Itaú dança, San Pablo (2002); Travesti, Mosta SESC de Dança São Paulo, San Pablo (2001). Magdalena Jitrik nació en Buenos Aires, Argentina, en 1966, donde vive y trabaja. Realizó sus estudios en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México, entre 1984 y 1987, y en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires (1989-1991). Entre sus exposiciones individuales se destacan: Magdalena Jitrik, Galeria Luisa Strina,San Pablo (2008); Fondo de Huelga, Oficina Proyectista, Buenos Aires (2007); Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Socialista, Galería Dabbah-Torrejón, Buenos Aires (2001); Ensayo de un Museo Libertario, Federación Libertaria Argentina, Buenos Aires (2000); Desobeciencia, Centro Cultural Ricardo Rojas, Buenos Aires (1999); y Revueltas, Centro Cultural Borges, Buenos Aires (1997), entre otras. Entre sus exposiciones colectivas es importante destacar: Praxis, art in times of uncertainty. Biennale 2, Thessaloniki, Grecia (2009); 2D, Centro Cultural de España de Rosario (2005); Individual-Collectif, Galerie du Bain Douches de la Plaine, Art-Cade, Marsella (2004); Dechirures de l'histoire, Centre Régional d'Art Contemporain, Le 19, Montbéliard (2003); Res - Trímboli - Jitrik, Contemporáneo 4, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Buenos Aires (2003); Ansia y Devoción, Fundación Proa, Buenos Aires (2003); y Filles Indignes de l'Art Concret, Espace de L'Art Concret, Mouans-Sartoux, Francia (2000), entre otras. En 1998 realizó una residencia en el Centre Regional d'Art Contemporain Montbéliard, Francia, y en el año 2000 en el Espace de l'Art Concret, Mouans-Sartoux. Participó de los Encuentros de Confrontación de Obra, Proyecto Trama, Buenos Aires (2000). En 2001 obtuvo el Subsidio para la creación artística, Fundación Antorchas, Buenos Aires. Creó junto con los artistas Diego Posadas y Mariela Scafati el TPS (Taller Popular de Serigrafía), con el que participaron de la 27ª Bienal Internacional de São Paulo Como viver juntos, San Pablo (2006) y Urgente! 41° Salón Nacional de Artistas, Cali, Colombia (2009). Marcela Armas nació en México, en 1976; donde vive y trabaja. Fue alumna de la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Guanajuato y pasó también por la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de la Universidad Politecnica de Valencia, en Valencia. Cuando residió en Guanajuato, formó parte del colectivo de artistas Los Ejecutistas, grupo interdisciplinario formado por artistas, músicos, poetas y arquitectos. Recientemente realizó una serie de obras con base en el automóvil como punto de partida, recreando paisajes sonoros modelados por la forma urbana, instalaciones y actos performáticos. Es becaria del Programa de Estímulos a la Creación en el Estado de Durango. En 2007 obtuvo el apoyo de Jóvenes Creadores a través del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes de México y forma parte del programa de residencias del Centro Multimedia del CENART. Junto con Gilberto Esparza, con quien trabaja, obtuvo el primer premio de escultura ARTFest 05 y el primer premio en la Bienal de Vidrio de Monterrey 06. Actualmente, desarrollan un estudio de intervenciones urbanas con nuevos medios del cual la primera edición se realizó en el Centro Fundación Telefónica en Lima, Perú. Armas presentó su obra de forma individual y colectiva en México, España y Canadá. Marcellvs L. nació en Belo Horizonte, Brasil, en 1980; vive y trabaja en Berlín, Alemania. Entre sus exposiciones individuales se destacan: 52°30'50.13" N 13°22'42.05" E, Galerie Natalie Seroussi, París (2009); GASAG-Kunstpreis 2008, Berlinische Galerie, Berlín (2008); Marcellvs L. 07, Galeria Luisa Strina, San Pablo (2007). Expuso su trabajo tanto en Brasil como en el exterior, en destacadas exposiciones colectivas, como la 16th Biennale of Sydney, Sydney (2008); 9e Biennale de Lyon, Lyon (2007); 27ª Bienal Internacional de São Paulo, San Pablo (2006); Cine y Casi Cine 2005, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2005) entre otras. Ha recibido las siguientes distinciones: Stipendium Akademie der Künste 2009, Akademie der Künste, Berlín; y Premio "Velázquez" de las Artes Plásticas, Ministerio de Cultura de España, Madrid (2008), entre otros. Márcia X nació en Rio de Janeiro en 1959, y falleció en la misma ciudad en 2005. Concluyó, en la década de 1980, sus estudios en la Escuela de Artes Visuales del Parque Lage. En abril de 2006, su obra Desenhando com Terços presentada en una exposición en Brasilia fue censurada. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Participa del 3º Salão Nacional das Artes Plásticas. Junto a Alex Hamburger, realiza varias intervenciones y performances. Realiza su primera exposición individual, Ícones do Gênero Humano, en el Centro Cultural Cândido Mendes, Rio de Janeiro (1988). Con el escultor Ricardo Ventura, participa entre 2001 y 2003 de las muestras colectivas Orlândia, Nova Orlândia y Grande Orlândia - Artistas Abaixo da Linha Vermelha. Participa en la 3ª Bienal do Mercosul, en Porto Alegre (2002). Maria Helena Bernardes nació en Porto Alegre (RS), en 1966; donde vive y trabaja. Diplomada en dibujo y grabado en la Universidad Federal de Rio Grande do Sul (UFRGS). Recibió una beca estudio residencia de la Cité Internationale de Arts. Realizó exposiciones individuales en el Museu Metropolitano de Arte, Curitiba (1994); y en la Fundação Iberê Camargo, Porto Alegre (1998). Entre las exposiciones colectivas en las que participó, se destacan: VIII Mostra de Gravura Cidade de Curitiba, en Solar do Barão (1988); y Plano B, Porto Alegre (1997). Maria Lucia Cattani nació en Garibaldi, Brasil, en 1958; vive y trabaja en Porto Alegre. Diplomada en Artes Plásticas por la Universidad Federal de Rio Grande do Sul (1981), obtuvo el Máster en Fine Arts, por el Pratt Institute, Nueva York (1990); el Doctorado por la University of Reading, Department of Fine Art, Reino Unido (1998) y el postdoctorado por la University of The Arts London, Londres (2008). Participó de Nagasawa Art Park Artist in Residence, Tsuna Town, Japón (2001) y Frans Masereel Centre, Kasterlee, Bélgica (1997). Entre sus últimas exposiciones individuales se destacan: Quadrantes-Guadrants, Camberwell College of Arts Library, Chelsea College of Art & Design, Londres (2008) y Biblioteca do Instituto de Artes da UFRGS, Porto Alegre (2008); Ao Guadrado, Galeria Gestual, Porto Alegre (2007); 4 cantos do mundo, Studio Clio, Porto Alegre (2005); Sete dias - one week, Pinacoteca da Feevale, Novo Hamburgo, Brasil (2000). Entre sus exposiciones colectivas más recientes se incluyen: Brazilian Video Art, Lakeside Theatre, University of Essex Collection of Latin American Art, Colchester (2008); Video Links Brazil. An Anthology of Brazilian Video Art, Tate Modern, Londres (2007); Copa da Cultura, St. Elisabeth Kirche, Haus der Kulturen der Welt, Berlín (2006); 7ª Triennale de Chamalièrs, Chamalièrs, Francia (2006); 5ª Bienal do Mercosul, Porto Alegre (2005), entre otras. Mariela Scafati nació en Olivos, Provincia de Buenos Aires, en 1973; vive y trabaja en Buenos Aires. Entre los años de 1992 y 1997 estudió en la Escuela Superior de Artes Visuales “Lino Enea Spilimbergo” de Bahía Blanca, Argentina. En 1997 asistió al taller coordinado por Pablo Suárez y Tulio de Sagastizábal en el área de extensión cultural de la Universidad Nacional de Bellas Artes “Ernesto de la Cárcova”, Buenos Aires. En 1997 ingresó al Programa de Becas para Artistas Jóvenes Guillermo Kuitca, Centro Cultural Borges, Buenos Aires. Creó junto a los artistas Diego Posadas y Magdalena Jitrik el Taller Popular de Serigrafía (TPS), con el cual participaron de la 2ª Trienal Poli/gráfica, San Juan de Puerto Rico (2009); Urgente! 41° Salón Nacional de Artistas de Colombia, Cali (2008); V Bienal Poética de Moscú (2007); 27ª Bienal Internacional de São Paulo: Cómo viver juntos, San Pablo, (2006); Arte y confección, Fábrica Brukman, Buenos Aires (2003); Galería Belleza y Felicidad, Buenos Aires (2002). Recibió la Beca Nacional de Artes Plásticas, del Fondo Nacional de las Artes (2006); y participó de la residencia del Centre de Art Contemporain 19, Montbéliard (2003). Entre sus últimas exposiciones individuales se destacan: Sos un sueño, Daniel Abate Galería, Buenos Aires (2009); ¡Teléfono! En diálogo con Lidy Prati, Programa Concordia, Centro Cultural Borges, Buenos Aires (2009); Scafati, un cuadro, Belleza y Felicidad, Buenos Aires (2005); Pintura gustosa, Casona de los Olivera, Buenos Aires (2001). Su obra fue Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br incluida en las exposiciones colectivas: Vé, véte y vuelve. Diana Aisenberg, Mariela Scafati y Alejandra Seeber, Alianza Francesa, Buenos Aires (2008); Oro sentimental, Museu de Arte Contemporânea de Niterói, Brasil (2007); Eco, Fundación Proa, Buenos Aires (2005); 2D, Centro Cultural Parque España, Rosario, Argentina (2005); Et toutes réinventent le monde..., Ecóle d'Art Gerard Jacot, Belfort (2003), entre muchas más. Mário Peixoto (1908-1992) nació en Bélgica, estudió en el Colegio Santo Antônio Maria Zaccaria de 1917 a 1926 cuando interrumpió sus estudios para irse a Inglaterra, donde permaneció durante un año en el Hopedene College, en Sussex. Al volver a Brasil, se presenta a Brutus Pedreira, que lo lleva al Teatro de Brinquedo. El deseo de informarse más sobre cine y ver más películas hace que vuelva a Europa en 1929. Al regresar a Brasil, en octubre de 1929, sigue en contacto con la escena artística. Presenta el escenario de Limite a los directores Gonzaga y Mauro, quienes opinan que él mismo debía realizar su película. En 1931 estrena Limite, en el cine Capitólio (Rio de Janeiro), pero no obtiene distribución comercial. En el mismo período, inicia la filmación de Onde A Terra Acaba, una producción ambiciosa, financiada por Carmen Santos, también actriz principal de la película; pero debido a la separación de ambos, se interrumpe la película, y Limite permanece como la única película realizada. Entre los varios proyectos inacabados, hay títulos como Constância (1936) o Maré baixa, también denominado Mormaço, de la misma época. En 1938, Peixoto intenta realizar Três contra o mundo. En 1946, piensa en volver a filmar Onde a terra acaba en versión hablada, pero el proyecto no tuvo continuidad. En 1948, Rui Santos y Afonso Campiglia anuncian que van a producir dos películas: Sargaço de Mário Peixoto y Muiraquitã de Jonald, el crítico de cine de A Noite, pero luego viene la noticia de que las dos películas serían sustituidas por otra: Estrela Da Manhã, con dirección de Jonald. El nombre de Mário Peixoto desaparece de los noticieros, junto con Sargaço, y en 1952 Mário transforma el escenario de la película en A alma segundo Salustre, que tampoco se realizó. Junto con Saulo Pereira de Mello, escribe, en 1964, el escenario de Outuno/O jardim petrificado. En 1988, fue elegida, en una encuesta nacional promovida por la Cinemateca Brasileña, la mejor película brasileña de todos los tiempos. En octubre del mismo año, Peixoto gana un premio especial del gobierno del estado del Rio de Janeiro y en enero de 1989, una beca de la Fundación Vitae para concluir los volúmenes restantes de O inútil de cada um. Fallece en 1992. En 1995, el año del centenario del cine, Limite nuevamente es considerada la mejor película brasileña de todos los tiempos en una encuesta nacional promovida por el diario Folha de São Paulo. En 1996, Walter Salles funda el Arquivo Mário Peixoto. Onde a terra acaba, el título de una de las películas inacabadas de Mário, también es el nombre de un premiado documental realizado por Sérgio Machado en 2002. Marta Minujín nació en Buenos Aires, en 1941; donde vive y trabaja. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Buenos Aires. Abandona la educación formal y en 1961 se instala en París después de ganar una beca de estudios; allí se vincula a artistas informalistas y del Nouveau Réalisme. Comienza a realizar sus estructuras cubiertas de colchones, realizadas con desechos hospitalarios. En 1963 realiza La Destrucción, una acción en el Impasse Ronsin, un terreno baldío donde planificó la destrucción de sus obras como final de su exposición. Al regresar a Buenos Aires, gana el Premio Nacional del Instituto Torcuato Di Tella en 1964 con Revuélquese y Viva (1964), una construcción habitable cubierta de colchones de todos los colores que invitaba al público a ampliar sus capacidades lúdicas. En 1965 realiza junto con Rubén Santatonín La Menesunda, también en el Instituto Torcuato Di Tella: una ambientación de 16 zonas que era Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br activada por el espectador. En 1966 gana la beca Guggenheim y se va a vivir a Nueva York, donde entra en contacto con la vanguardia estadounidense. Realiza en la galería Bianchini una reedición del happening El Batacazo, presentado en el Instituto Di Tella un año antes. Su obra se vuelca hacia los medios de comunicación de masa; organiza Simultaneidad en Simultaneidad (1966), ambientación creada para el proyecto Three Countries Happening que planifica junto con Allan Kaprow y Wolf Vostell, para ser realizado simultáneamente en Buenos Aires, Berlín y Nueva York. Durante los años de 1970, divide su tiempo entre los Estados Unidos y Argentina. En Nueva York realiza una serie de happenings entre ellos, Kidnappening de 1973, en el MoMA, entre otros. En 1975 presenta en Buenos Aires La Academia del Fracaso en el CAyC (Centro de Arte y Comunicación). Al final de los años de 1970 comienza sus proyectos de obras de participación masiva como El Obelisco de Pan Dulce (1978), La Torre de James Joyce de Pan (1980), realizada en Dublín en ocasión de la ROSC International Art Quadriennial, y El Partenón de Libros (1983), una réplica del Partenón de Atenas en tamaño natural en plena Avenida 9 de Julio de Buenos Aires, recubierta con libros prohibidos durante la dictadura militar, que fue inaugurado y entregado al público durante la primera Navidad en democracia. En los últimos años, su obra fue incluida en importantes exposiciones y eventos como: Festival de Arte Subversiva, Stuttgart, Alemania (2009); Artist's talk, 28ª Bienal Internacional de São Paulo, San Pablo (2008); Arte No Es Vida: Actions by Artists of the Americas, 1960-2000, El Museo del Barrio, Nueva York (2008); Wack! Art and the Feminist Revolution, The Museum of Contemporary Art, Los Ángeles, itinerante en P.S. 1 Contemporary Art Center, Nueva York (2008), Urgente! 41º Salón Nacional de Artistas de Colombia, Cali (2008); Beginning with a Bang! From Confrontation to Intimacy, Americas Society, Nueva York (2007); Out of Actions. Between Performance and the Object, 1949-1979, The Museum of Contemporary Art, Los Ángeles (1998); entre muchas más. Entre sus últimos proyectos realizó La pieza del amor en la Galerie Lara Vincy, París (2008), Rayuelarte en la avenida 9 de Julio de Buenos Aires (2009) y reediciones de Soft Gallery (Galería Blanda) realizada por primera vez en colaboración con Richard Squires en la Galería Harold Rivkin, Washington D.C. (1973) y luego presentada en la muestra Vivencias, Generali Foundation de Viena, Austria (2000) y en The Museum of Contemporary Art, Los Ángeles (2007). Martín Barea Mattos nació en Montevideo, en 1978; donde vive y trabaja. Gestor cultural y poeta, estudió Letras en la Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación de la Universidad de la República, Montevideo, y Gestión Cultural en la Fundación ITAÚ, Montevideo (2007). Coordinador general de la tercera temporada de Ronda de poetas, ciclo semanal de lecturas, recitales y performances de escritores, actores y músicos contemporáneos, en La Ronda Café, Montevideo. Coordinador de El tartamudo, recital que se basa en su libro Por hora por día por mes, Fundación Eduardo Mateo, Montevideo (2008) y Biblioteca Nacional, Montevideo (2008). Fue invitado a realizar acciones poéticas para: FLAP! Festival Latinoamericano de Arte e Poesia, San Pablo (2008); 4º Festival La ciudad de tu cabeza, Bella Unión, Artigas, 2007); Encuentro regional de arte (ERA), Fundación de Arte Contemporáneo, Montevideo (2007); Autocracia, asalto poético urbano, Montevideo (2007); Las dos caras de la luna. Ciclo de diálogos intergeneracionales, Centro Cultural de España, Montevideo (2006); Problema/ poema, Festival de performances, Expotrastienda, Asociación Argentina de Galerías de Arte (AAGA), (2006); Festival de danza Montevideo sitiada, Fundación Príncipe Claus, Montevideo (2004). Publicó libros de poesía y artículos en revistas de poesía. Recibió las siguientes distinciones: Primer Premio, 43ª Feria Nacional de Libros, dibujos y artesanías, Montevideo (2003) y Mención de Honra, Concurso de poesía inédita, Intendencia Municipal de Montevideo (2000). Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Martín Verges Rilla nació en Montevideo, Uruguay, en 1975. Es artista visual y trabaja con dibujo, pintura e instalación. Estudió en el Estudio Clever Lara, en la Escuela Nacional de Bellas Artes y en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de la República, en Montevideo. Integra el colectivo Traspuesto de un Estudio para un Retrato Común. Entre sus exposiciones individuales se destacan: Plan Fénix 2: Los Medios, Plataforma M.E.C., Montevideo (2009) y Cézzzanne, Salle Marcel Sandoz, Cité Internationale des Arts, París (2007). Ha participado en exposiciones colectivas, entre las que se encuentran: Noces de Papier, Maison des Auteurs, Angulema (2008); Settimana a Venezia A. C. Spiazzi, Venecia (2007); 1a Bienal de Artes Visuais do Mercosul, Porto Alegre (1997); V Bienal Internacional de Pintura de Cuenca, Museo de Arte Moderno, Cuenca. Ha sido seleccionado para las siguientes residencias: Cité Internationale des Arts, París (2007) y Maison des Auteurs, Angulema (2008). Mauricio Kagel (Buenos Aires 1931 - Colonia, Alemania 2008). Compositor, director de orquesta y escenógrafo. Autor de composiciones para orquesta, voz, piano y orquesta de cámara, así como de numerosas obras escénicas, de 17 películas y 11 obras radiofónicas. Kagel se instaló en Colonia, que en ese momento era la meca de la música de vanguardia en Europa. En 1957, durante un viaje por América del Sur el músico francés Pierre Boulez le sugirió que debía viajar a Europa para completar su formación, que hasta el momento había sido prácticamente autodidacta. Tiempo después, por medio de una beca para artistas otorgada por el Servicio Alemán de Intercambio Académico (DAAD) se radica en Colonia, considerada la meca de la música de vanguardia en Europa. Hoy se lo considera uno de los autores más innovadores e interesantes postseriales y de música electrónica de finales del siglo XX. Se relaciona principalmente con el teatro instrumental, usando un lenguaje de corte neodadaísta, renovando el material sonoro, usando instrumentos raros y material electroacústico y explotando los recursos dramáticos del lenguaje musical -tanto en sus obras radiofónicas, películas y obras electroacústicas como en sus recreaciones de formas antiguas. Kagel se destacó por su elaborada imaginación, por su raro humor y por su habilidad para hacer música con casi cualquier idea o sistema, lo que le permitió armar poderosos y sorprendentes dramas en los teatros y en las salas de concierto. Su obra es extensa y, entre las obras más conocidas está Torre de Babel (2003), obra para coro de 18 voces y 18 idiomas diferentes, y Pasión según San Bach, para solistas, coro y orquesta (1985), sobre la cual comenta Federico Monjeau, del periódico Clarín, en una reseña de 1998: “(...) Bach aparece como tema y como personaje, un poco a la manera de La pasión de Cristo de Bach. Kagel mantiene la estructura general y el principio de alternancia de las pasiones barrocas, con las distintas perspectivas narrativas asumidas por los solistas (se narra la vida de Bach) y los comentarios del coro. Los textos son adaptaciones de documentos de la época, cantatas y coros. Bach es el sustrato espiritual y emocional de la obra: es el auténtico objeto de devoción. La de Kagel es una Pasión agnóstica, sin embargo grandiosa, sustentada en una escritura orquestal y vocal de una riqueza extraordinaria.” El trabajo de Kagel fue distinguido con numerosos premios en Europa entre los cuales se destacan el Premio Erasmus (1998), el Premio Ernst von Siemens de Música (2000) y el Gran Premio Renano de Arte (2002), y en 2007 la Universität Siegen le concedió un doctorado Honoris Causa. Mauro Restiffe nació en São José do Rio Preto, San Pablo, en 1970; donde vive y trabaja. Entre sus principales exposiciones individuales se destacan: Mirante, PhotoEspaña09, Casa da América, Madrid (2009); Vertigem, Galería Mario Sequeira, Braga (2008); Red Light Portraits, Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Galería Casa Triângulo, San Pablo (2007); Brasília/Brooklyn, Galería Laura Marsiaj, Rio de Janeiro (2006); Brasília/Istambul, Galería Casa Triângulo, San Pablo (2005); In Process, Henry Urbach Architecture Gallery, Nueva York (2002). Su obra ha sido incluida en numerosas exposiciones colectivas, entre otras: À Procura de um Olhar. Fotógrafos franceses e brasileiros revelam o Brasil, Pinacoteca do Estado de São Paulo, San Pablo (2009); Nus, Galería Fortes Vilaça y Galeria Bergamin, San Pablo (2009); Fotoencontro 08, Galería Mercedes Viegas, Rio de Janeiro (2008); Panorama dos Panoramas, Museu de Arte Moderna de São Paulo, San Pablo; Paralela, Liceu de Artes e Ofícios, San Pablo; PARANGOLÉ: Fragmentos desde los 90 en Brasil, Portugal y España, Museo Patio Herreriano de Valladolid, Valladolid; Trópicos, Martin Gropius Bau, Berlín, en 2008. Milton Machado nació en Rio de Janeiro, Brasil, en 1947; donde vive y trabaja. Artista, escritor y arquitecto especializado en Planificación urbana, egresado de la Universidade Federal do Rio de Janeiro, UFRJ (1970/1985). Posteriormente, entre los años 1994 y 1999 concluyó su doctorado en Goldsmiths College, London University. Regresa a Brasil en 2001 y comienza a impartir clases de historia y teoría del arte en la Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro, EBA/UFRJ, donde se desempeña como profesor adjunto. . Vuelve a Brasil en 2001 y, en 2002, pasa a impartir clases de historia y teoría del arte en la Escuela de Bellas Artes de la Universidade Federal do Rio de Janeiro -EBA/UFRJ. Entre sus exposiciones individuales más recientes se encuentran: Homem Muito Abrangente, Galería do Lago, Museu da República, Rio de Janeiro (2006); Sobre a Mobilidade, Instituto Tomie Ohtake, San Pablo (2005); Bits of Plastic Art/Top-sider Information, Barbican Centre, Londres (2000). Algunas de sus exposiciones colectivas incluyen: 60 Anos do MAM-RJ, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro (2008); Colección Gilberto Chateaubriand. Um Século de Arte Contemporânea, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro y Pinacoteca do Estado de São Paulo, San Pablo (2005); Continental Shift, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aquisgrán (2000); Continuum: Brazilian Art 1960-1990, University of Essex, Colchester (1995); 19ª Bienal Internacional de São Paulo, San Pablo (1987). Nicholas Floc’h nació en Rennes, Francia, en 1970; vive y trabaja en París. A lo largo de su carrera, realizó performances en todo el mundo, como también exposiciones individuales y colectivas. Su más reciente performance, La Feuille, fue presentada en el Musée d’Art Contemporain, Bolzano; FRAC des pays de la Loire, Carquefou; Institut Français, Múnich y Musée des Beaux-arts de Nantes, todas en 2007. Entre sus exposiciones individuales se destacan las realizadas en: Matucana 100, Santiago de Chile (2008); Véhicule, Transpalette, Bourges, Francia (2006); Beer Kilometer, W139, Ámsterdam (2004), entre otras. Entre sus exposiciones colectivas se destacan: Biennale de Rennes, Musée des Beaux-Arts, Rennes (2008); Pleins phares, Musée de l’Automobile, Mulhouse (2007); Le point éphémère, París (2007). Nicolás París Vélez nació en Bogotá, Colombia, en 1977. Es pedagogo y artista visual. En 2007 obtuvo la beca MUSAC de creación artística, otorgada por el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, León. En 2006, ganó el premio adquisición de la Colección Banco BBVA Colombia, en el Salón de Arte BBVA. Su proyecto Asociación Macarena fue seleccionado en la convocatoria Fondo para la Acción Ambiental y la Niñez, de 2005 a 2007, Macarena, Bogotá. Autor del libro de artista Doble Faz, Ediciones La Silueta (2008). Recientemente ha desarrollado proyectos educativos para apoyar el trabajo de los departamentos de educación en museos, como Sala Didácticas, Museo de Arte Moderno de Medellín, Medellín (2009); laboratorios y talleres en el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, León (2007); además desarrollo Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br de currículos académicos en el marco de la exposición Urgente! 41º Salón Nacional de Artistas, Cali (2008); el Laboratorio de Dibujo Estrategias de Resistencia y taller de dibujo Especulación/Planeación, entre otros. Niles Atallah nació en Santiago de Chile, en 1978; donde vive y trabaja. Junto con Joaquín Cociña y Cristóbal Leon, forma un colectivo de artistas. Se diplomó en Fotografía por University of Califórnia en 2002. Videoinstalaciones: Nocturno de Chile, Video Art Show, Museo de Artes Visuales, Santiago de Chile (2007); Birth, Video Art Show, Museo de Artes Visuales, Santiago de Chile (2007). Lucia, feria arteBA, Buenos Aires, Argentina (2007). Nina Lola Bachhuber nació en Múnich, Alemania, en 1971; vive y trabaja en Nueva York. Después de diplomarse por la Kunstakademie en Hamburgo, realizó sus estudios de posgrado (MFA) en la Hochschule für Bildende Künste, en la misma ciudad. Entre sus exposiciones individuales se destacan: Locust Plague, Galerie Heinz-Martin Weigand, Ettlingen, Karlsruhe (2008); Lucy in the Sky with Diamonds, Gallery Min Min, Tokio (2007); Not yet a widow, Gallery Antje Wachs, Berlín (2006); y Yesterday I ate a lizard, Space Other, Boston (2006), entre otras. Su obra fue incluida en numerosas exposiciones colectivas, que incluyen: Bildschön: Schönheitskult in der aktuellen Kunst, Städtische Galerie im ZKM, Karlsruhe (2009); Intransit, Moti Hassan Gallery, Nueva York (2008); Urban Jealousy, Tehran Biennial, Teherán (2008); Remember who you are, Mary Boone Gallery, Nueva York (2006); Greater New York 2005, P.S. 1/MoMA, Nueva York (2005); e International Paper, UCLA Hammer Museum, Los Ángeles. Recibió becas para participar de Printing Fellowship Brodsky Center for Innovative Print and Paper (2006); NJSCA Fellowship for Sculpture (2005); Yaddo Residency Program, Saratoga Springs (2002/2004); The Pollock-Krasner Foundation Grant (2001/2002); International Studio and Curatorial Program (ISCP), Nueva York (1999/2000) y DAAD Scholarship de Nueva York (1999/2000). Pablo Rivera nació en Santiago de Chile, en 1961; donde vive y trabaja. Entre 1981 y 1987, se diplomó en Artes por la Escuela de Arte, Pontificia Universidad Católica de Chile, Santiago. Posteriormente, al recibir una beca de The British Council, estudia escultura en el The Royal College of Art, Londres (1994-1995). Expuso su trabajo individualmente en diversas exposiciones, siendo las más recientes: Intervención Paradero 14 Vicuña Mackenna, Concurso de Arte Público “Proyecto de Intervención Artística Américo Vespucio Sur”, Santiago de Chile; Morande 80 obra en homenaje a Salvador Allende, Edificio de Cancillería, Caracas, Venezuela. Entre sus exposiciones colectivas se encuentran Sutil Violento, Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo, Montevideo (2008); Sur Scene / Artistes Contemporains Chiliens, Chateau de Tours, Tour (2007); Glas Kultur: ¿Qué pasó con la transparencia? Koldo Mitxelena Kulturunea, San Sebastián y Centro de Arte La Panera, Lérida (2006); IX Bienal de La Habana, La Habana (2006); XXV Bienal Internacional de São Paulo, San Pablo (2002). Patricio Larrambebere nació en Merlo, Argentina, en 1968; vive y trabaja en Buenos Aires. Artista visual y docente, egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón (1986-1990). Profesor de pintura proyectual en el Instituto Universitario Nacional de Arte (IUNA) desde 2001. En 1999 obtuvo una residencia de posgrado en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten, ámsterdam, gracias a un subsidio otorgado por la Fundación Antorchas y el Ministerio de Relaciones Exteriores de Holanda/UNESCO. Entre sus últimas exhibiciones individuales se destacan: Boviander, Insight Arte, Buenos Aires (2008); jpeg, Borges contemporáneo, Centro Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Cultural Borges, Buenos Aires (2007); Coghlan, Espacio de arte Juana de Arco, Buenos Aires (2006); the chosen instrument, Zavaleta Lab, Buenos Aires (2005). Ha participado de numerosas exposiciones colectivas, entre las que se incluyen: Paraíso industrial, Fundación Apolo, Buenos Aires (2008); Off/Fóra. 29ª Bienal de Pontevedra, Pontevedra, y Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (2006-2007); Vida Pública, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires (2007); Beginning with a Bang! From Confrontation to Intimacy. An Exhibition of Argentine Contemporary Artists 19602007, Americas Society, Nueva York (2007); Ansia y devoción, Fundación Proa, Buenos Aires (2003), entre otras. Paul Ramírez Jonas nació en 1965, en California; vive y trabaja en Nueva York. Educado en Honduras, regresa a los Estados Unidos en 1983. En 1987 se diploma en Studio Arts por la Brown University, Rhode Island, y en 1989, termina los estudios de posgrado en pintura (MFA) en la Rhode Island School of Design, radicándose, posteriormente, en Nueva York, donde vive actualmente. En 1988 comienza a colaborar con el artista Spencer Finch, con quien tiene una exhibición ese mismo año en la Sol Koffler Galery, Rhode Island. Desde su primera exposición individual AMANAPLANACANALPANAMA, en Artists Space, Nueva York (1990) exhibe exhibida dentro y fuera de los Estados Unidos, en exposiciones que incluyen las realizadas en las galerías Ellen de Bruijne Projects, de Ámsterdam, Roger Bjorkholmen Galleri, de Estocolomo, y Postmasters Gallery y Jack Tilton Gallery, de Nueva York. Entre sus últimas exposiciones individuales podemos mencionar las realizadas en Alexander Gray Associates, Nueva York (2009); Abracadabra, The Aldrich Contemporary Art Museum, Ridgefield, Connecticut (2008); Abracadabra: I create as I Speak, Blanton Museum of Art, Austin (2007); Heavier than Air, Ikon Gallery, Birmingham (2004); y Heavier than AirCornerhouse, Manchester (2004). Su obra fue incluida en numerosas exposiciones colectivas como: Fare Mondi/Hacer Mundos, Pabellón de América Latina, 53ª Biennale Internazionale di Venezia, Venecia (2009); The Quick and the Dead, Walker Art Center, Minneapolis (2009); 28ª. Bienal Internacional de São Paulo, San Pablo (2008); InSite_05, San Diego, California y Tijuana, México (2005); Speed, Whitechapel Art Gallery, Londres (1998). Recibió importantes distinciones y becas de estudio que incluyen: Joan Mitchell Foundation Grant (2009); Art Matters Grant (2009); Howard Foundation Fellowship (2009); International Studio Program In Sweden (IASPIS), Artist in Residence, Summer /Fall (1999); y el National Endowment for the Arts, Inter Arts exhibition grant for White Columns (1991), entre otros. Paulo Bruscky, nació en Recife, Brasil, en 1949; donde vive y trabaja. Artista activista y renombrado archivista, trabaja con diversos medios, que incluyen el dibujo, la performance, el happenings, el copy art y el fax-art, el arte postal, las intervenciones urbanas, la fotografía, el film, la poesía visual, y las experimentaciones sonoras e intervenciones en periódicos, entre otras experiencias. Siempre extendiendo los límites de la práctica artística, ha promovido la circulación del arte fuera de los circuitos institucionales desarrollando trabajos, en muchos casos, efímeros. En 1970, realiza su primera exposición en la Galeria da Empetur de Recife, y a partir de esa fecha empieza a trabajar en colaboración con Daniel Santiago por las próximas dos décadas. Su trabajo se desarrolla, en gran parte, en el espacio público, donde propone diversas acciones, la mayoría de ellas con la participación del público. En 1973 ingresa al Movimiento Internacional de Arte Postal y, desde entonces, además de entrar en contacto con artistas internacionales del Fluxus, entre otros, participa de una infinidad de exposiciones de arte postal en todo el mundo. En 1974 organiza Nadaísmo y, en 1975, la Primeira Exposição Internacional de Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Arte Postal, en Recife, que posteriormente tuvo muchas ediciones postales más. Su producción en Súper 8, video y radio también está incluida en innumerables festivales y eventos internacionales, incluso aquellos que el propio Bruscky organiza International Video Art I e Internacional Ra(u)dio Arte Show II, Recife, 1979. También publica libros y es un fuerte defensor de las exposiciones de libros de artistas, a las que es regularmente invitado y que también cura. Entre otros, participaron Libres d'artiste / Artistas' Livros, del Centro de Documentación Atual D'Arte, Barcelona, 1980, y Bookworks 82, Fundación de Arte de Hoy, Filadelfia, 1982. Recife, en 1981, organizó la Exposição Internacional de Poemas em Out-Door Visuais - ART-porta, un evento que contó con el apoyo de la Ciudad de Recife, que consistió en la instalación de 180 pancartas por toda la ciudad con proyectos de artistas de 25 países, incluyendo a Christo y Regina Vater, entre otros. En 1981 recibió el Guggenheim Fellowship por un año y vivió en Nueva York. Ese mismo año fue invitado para participar de la XVI Bienal Internacional de São Paulo, donde una vez más en 1989 y 2004, con una sala especial que reconstruye su complejo taller. En 1984 y en 2009 fue invitado para participar de la Bienal de La Habana, Cuba. Entre sus exposiciones, en la última década, incluyen, entre otros: Bienal Brasil Século XX, Fundação Bienal de São Paulo (1994); Arte Conceitual e Conceitualismos: 70 anos não acervo MAC / USP, Galeria de Arte do Sesi, San Pablo (2000), Anos 70: trajetória, Itaú Cultural, San Pablo (2001); 27 Panorama Atual de Arte Brasileira, Museu de Arte Moderna de São Paulo, San Pablo (2001). En 2005 organizó la exposición Paulo Bruscky: Projetos e Propostas, Galeria Iberê Camargo, Porto Alegre (2005), y en 2006 publicó el libro Paulo Bruscky: Arte Arquivo e Utopia, Cristina Freire, seguidas por la exposición antológica curaduría de Paulo Freire con Bruscky: Ars brevis, Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (2007). Paulo Nenflídio nació en São Bernardo do Campo, San Pablo, en 1976; vive y trabaja en San Pablo. Entre sus exposiciones individuales se encuentran: Gambiarras, Arisona State University Museum, Tempe, Arizona (2009); Aranhas, Galpão Fortes Vilaça, San Pablo (2008); Monocórdio Infinito, Museu de Arte Contemporânea, Niterói (2008); Autômatos Monocromáticos, Galeria A Gentil Carioca, Rio de Janeiro (2007); Protótipos, Galeria Fortes Vilaça, San Pablo (2006); Engenhocas sonoras, Galeria A Gentil Carioca, Rio de Janeiro (2005); Lugares Sonoros (Teclado Decafônico Concreto), Centro Cultural São Paulo, San Pablo (2005), entre otras. Su obra ha sido incluída en exposiciones colectivas como: Coletiva, Galeria A Gentil Carioca, Rio de Janeiro (2008); Contraditório - Panorama da Arte Brasileira, Museu de Arte Moderna de São Paulo, San Pabloy Alcalá 31, Madrid (2008); Arte e Música, Caixa Cultural, Rio de Janeiro (2008); Faq2 Sincretismo dos Sentidos, SESC Ipiranga, San Pablo (2008); Poética da Percepção, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro y Museu Oscar Niemeyer, Curitiba (2008); Os Trópicos, Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro, y Martin Gropius Bau, Berlín (2008). Pedro Reyes nació en Ciudad de México, en 1972; donde vive y trabaja. Sus exposiciones individuales incluyen, entre otras, las realizadas en el Center for Contemporary Art, CCA Kitakyushu, Kitakyushu (2009); Bass Museum of Art, Miami (2008); Yvon Lambert, París (2008); Yvon Lambert, Nueva York (2007); Aspen Art Museum, Aspen (2006); Seattle Art Museum, Seattle, Washington (2006); Carpenter Center, Harvard University, Cambridge, Massachusetts (2006); Arnolfini, Bristol (2005); y la Galería Enrique Guerrero, México D.F. (2004). Entre sus exposiciones colectivas se destacan: Prospect 1. New Orleans, Nueva Orleans (2008); Yokohama Triennale (2008); Escultura Social: A New Generation of Art from Mexico City, Museum of Contemporary Art Chicago, Chicago (2007); FarSites: Urban crisis and domestic symptoms in Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br recent contemporary art, InSite, San Diego (2005); Declaraciones, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2005); Come Closer, Künsthaus, Berlín (2005); Made in Mexico, UCLA Hammer Museum, Los Ángeles e ICA Boston, Boston (2004); The Structure of Survival, 50a Biennale Internazionale di Venezia, Venecia (2003); Independence, South London Gallery, Londres (2003); To be political it has to look nice, Apex Art, Nueva York (2003); Shanghai Biennial, Shanghái (2002); Thisplay, Colección Jumex, México (2002); Mexico City: An exhibition about the Exchange Rates of Bodies and Values, P.S.1/ MoMA, Nueva York y KW, Berlín (2002); y 20 millons of Mexicans can´t be wrong, South London Gallery, Londres (2002), entre otras. Provisorio Permanente es un colectivo de artistas integrado por Victoriano Alonso, Eduardo Basualdo, Manuel Heredia, Hernán Soriano y Pedro Wainer. Viven y trabajan en Buenos Aires. Artistas provenientes de las artes plásticas, del teatro, del cine, de la animación y de la manipulación de objetos, trabajan juntos desde 2003 investigando el potencial dramático y el carácter experimental de la obra plástica. Sus producciones se desarrollan en soportes fotográficos, digitales, objetos performáticos, gráficos y video, privilegiando la relación con el espectador. En 2005, el colectivo obtuvo el segundo premio Curriculum 0, concurso anual para artistas emergentes de Ruth Benzacar Galería de Arte. Participó también de la segunda edición de la Clínica de Artes Visuales del Centro Cultural Ricardo Rojas (2006). En 2007 recibió el subsidio otorgado por El Fondo de Cultura BA, para desarrollar el proyecto clandestino Visitas a la casa del coleccionista. Entre sus últimas exposiciones individuales se encuentran: Toponave (en colaboración con el colectivo Oligatega Numeric), Centro Cultural de España en Buenos Aires (2008); Alguien Llama, Ruth Benzacar Galería de Arte, Buenos Aires (2006); Visitas a la Casa del Coleccionista, experiencia performática teatral y urbana, Buenos Aires (2005- 2007); Invierno Imberbe, Espacio Callejón, Buenos Aires (2004). Sus últimas exposiciones colectivas incluyen: Humo del Noctámbulo, performance, proyecto Volare, Límite Sud / arteBa, Buenos Aires (2008); Museo Salvaje, Centro Cultural de España en Buenos Aires (2008); Duchamp en Buenos Aires, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires (2007). Raquel Garbelotti nació en Dracena, San Pablo, en 1973. Artista multimedia y profesora. Se diplomó en Artes Plásticas por la Faculdade Santa Marcelina -FASM, San Pablo, en 1994. Concluyó su máster en Artes por la Universidad Estatal Paulista en 2001. Al año siguiente, trabajó como profesora invitada de la FASM, donde permaneció hasta 2004, impartiendo la disciplina de escultura. También en 2004, se hace profesora asistente en el Departamento de Formación Artística del Centro de Artes de la Universidade Federal de Espírito Santo. Realiza proyectos en colaboración con los artistas Jorge Menna Barreto y Rubens Mano. Con ellos, produce el video Versão Composta, exhibido en 2004, durante la exposición individual de la artista. Entre sus exposiciones individuales están Armários Modulares (1996); Casas-caixa (1999) y Observações Sobre o Espaço e o Tempo (2003). Entre 2000 y 2005, participa de diversas exposiciones colectivas en Brasil y en el exterior, como la 26ª Bienal de Arte de Pontevedra (2000); la 25ª Bienal Internacional de São Paulo, San Pablo (2002). Ricardo Basbaum nació en San Pablo, Brasil, en 1961; vive y trabaja en Rio de Janeiro. Artista, escritor, crítico, curador y profesor del Instituto de Artes da Universidade do Estado do Rio de Janeiro. Inicia su trabajo en los años de 1980, que incluye performances, acciones, intervenciones, textos, manifiestos, objetos e instalaciones. Entre sus exposiciones individuales y colectivas más importantes se destacan su participación en la 25ª Bienal Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Internacional de São Paulo (2002) y la muestra Entre Pindorama, en la Künstlerhaus de Sttutgart, en 2004, entre muchas otras. Es autor de Além da pureza visual (Zouk, 2007), y de los libros de artista G. x eu (1997) y NBP x eu-você (2000). Organizó la antología Arte Contemporânea Brasileira – texturas, dicções, ficções, estratégias (Contra Capa, 2001). Colaborador de los libros The next documenta should be curated by an artist, ed. Jens Hoffmann, Frankfurt, Revolver, 2004, e Interaction: artistic practice in the network, org. Amy Scholder y Jordan Crandall, Nueva York, Eyebeam Atelier y D.A.P., 2001, entre otros. Organizó la antología Arte Contemporânea Brasileira – texturas, dicções, ficções, estratégias (Contra Capa, 2001). Es coeditor de la revista item, destinada al arte y a la cultura contemporánea. Curador de la muestra Mistura + Confronto (Oporto, 2001), y cocurador del Panorama da Arte Brasileira 2001 (MAM-SP). Desarrolla desde 1990 el proyecto NBP - Novas Bases para a Personalidade. Son ejemplos de esta serie, entre otros, los proyectos NBP x eu-você (MAM-RJ, 2000, Galeria São Paulo, 2001; instalación adquirida por Tate Collection en 2003), passagens (NBP) (Galeria Artur Fidalgo, Rio de Janeiro, 2001), transatravessamento (25ª Bienal de São Paulo, 2002), você gostaria de participar de uma experiência artística? (en progreso desde 1994 y presentado en la documenta 12, Kassel, 2007) y me-you + system-cinema + pasageway (NBP) (7ª Bienal de Shanghái, 2008). http://www.nbp.pro.br/ y http://www.dw-world.de/dw/article/0,,2466607,00.html. Ricardo Lanzarini nació en Montevideo, Uruguay, en 1963; vive y trabaja entre Montevideo y Nueva York. Se diplomó en Artes Plásticas por la Escuela Nacional de Bellas Artes, Universidad de la República Oriental del Uruguay. Entre sus exposiciones individuales más recientes se encuentran: The Gallery as Studio. Drawings on Delirium, Point of Contact Gallery, University of Siracusa, Nueva York (2009); Abstracto Nervioso, Taché- Levy Gallery, Bruselas (2008); Bahía, Josée Bienvenú Gallery, Nueva York (2007); Projet pour homme qui illumine, Musée des Beaux Arts de Nantes (1997); y Ensalada Rusa, Museo Juan Manuel Blanes, Montevideo (1995), entre otras. Entre sus exposiciones colectivas, se destacan: Drawn to Detail, DeCordova Museum and Sculpture Park, Masachusetts (2008); Bienal de Valencia, Otras contemporaneidades. Convivencias problemáticas, Valencia (2007); Off/Fóra. Movimientos Imaginarios entre Galicia y el Cono Sur, 29a. Bienal de Arte de Pontevedra, Pontevedra, y Centro Cultural Recoleta,Buenos Aires (2006-2007); Talespinning, The Drawing Center, Nueva York (2004); y las VI y VII Bienales de La Habana, La Habana (1997 y 2000). Por su trabajo, fue reconocido con el Primer premio en la III Bienal del Estandarte, Centro Cultural Tijuana, México (2004); y recibió las becas Pollock- Krasner Foundation, Inc (2004) y John Simon Guggenheim Memorial Foundation (2001). Ricardo Ventura nació en Rio de Janeiro, en 1962; donde vive y trabaja. Se diplomó por la Escuela de Artes Visuales del Parque Lage, Rio de Janeiro, y por el Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. Entre sus exposiciones individuales, podemos citar Cavalo de Tróia, RhysMendes Galeria, Belo Horizonte (2009) y en la Galeria Mercedes Viegas Arte Contemporânea, Rio de Janeiro (2008); Mudras, Dorjes e Jordões en la Galeria Anna Maria Niemeyer, Rio de Janeiro (2007); Meio Menor Mínimo, Proyecto Zona Instável, Cavalariças, Escuela de Artes Visuales del Parque Lage, Rio de Janeiro (2002). También participó de diversas exposiciones colectivas, como: Um Olhar Sobre A Paisagem Contemporânea -POP, Pólo de Pensamento Contemporâneo, Rio de Janeiro (2009); Projeto 2em 1-Cavalariças, Escuela de Artes Visuales del Parque Lage, Rio de Janeiro (2009); Assossiados, Espaço Orlândia, Rio de Janeiro (2007); Abrigo Poético - Diálogos com Lygia Clark. Museo de Arte Contemporanea de Niterói (2007); Arte Brasileira Hoje, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro (2006); O Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Corpo Na Arte Contemporânea Brasileira, Itaú Cultural, San Pablo (2006). Fue fundador, junto con MárciaX y BobN, del proyecto Orlândia para artistas en la ciudad de Rio de Janeiro, Brasil. Romano nació en la ciudad de Rio de Janeiro, en 1969; donde vive y trabaja. Por su trabajo, ganó diversos premios y becas de estudio, que incluyen: la Beca Estímulo às Artes Visuais de Funarte con el proyecto Lugares e Instantes (2008); Premio Projéteis de Arte Contemporânea con la performance S.W.O.L, Sample Way of Life (2007); la beca de artista residente en 2000 y 2001 por la Cámara Municipal de Oporto, en el Programa dos Ateliers da Lada, Portugal. Además, expuso su trabajo en exposicioness colectivas, de las cuales se destacan: Nova Arte Nova, Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro (2009); Arte e Música, Galeria da Caixa Cultural, Rio de Janeiro (2008); Futuro do Presente, Itaú Cultural (2007); Outros Lugares, Rumos Itaú Cultural, Casa das onze janelas, Belém (2006); Abre Alas, Galeria A Gentil Carioca, Rio de Janeiro (2005); y, entre otras realizó la exposición individual Do Deslocamento en la Galeria dos Ateliers da Lada, Porto (2000). Sus trabajos de arte sonoro ya fueron transmitidos en varias radios, entre ellas en el programa Live Constructions, Radio WKCR, Columbia, Nueva York; Inter-continental links of extraordinary radio, Radio Ressonance FM, Londres (2008); Exposição Conversations, Skuc Gallery, Radio Student, Ljubljana (2006); Radio Escuta, Radio Mec FM, Rio de Janeiro (2005-2007) y Programa Oinusitado, Radio Madame Satã FM, Rio de Janeiro (2002-2004). Rosângela Rennó nació en Belo Horizonte, en 1962; vive y trabaja en Rio de Janeiro. Se diplomó en Arquitectura por la Escola de Arquitetura da Universidade Federal de Minas Gerais, en 1986, y en Artes Plásticas por la Escola Guignard (1987). Realizó su doctorado en Artes en la Escola de Comunicação e Artes da Universidade de São Paulo, en 1997. Entre sus exposiciones individuales se destacan: The last photo, Prefix Institute of Contemporary Art, Toronto (2008); Brèd ek[t] chocolat, Galerie La Chapelle - Festival Vidéoformes, Clermont-Ferrand (2007); Corpo da Alma/Apagamentos, Cristina Guerra Contemporary Art, Lisboa (2005); Espelho Diário, Casa da Ribeira, Rio Grande do Norte (2005); O Arquivo Universal e outros Arquivos, Centro Cultural Banco do Brasil (2003). Entre sus exposiciones colectivas se destacan: 0 Phantasmagoria: Specters of absence,Museo de Arte Contemporáneo, Bogotá (2007); Tempo ao tempo [Taking Time], Museu de Arte Contemporânea de Vigo, Vigo (2007); Jogo da Memória, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro (2005); Aperto'93: Emergenza, XLV Biennale Internazionale di Venezia, Venecia (2005); y 22ª Bienal Internacional de São Paulo, San Pablo (1994), entre muchas otras. Rosario Bléfari cantante, compositora, actriz y escritora. Nació en Mar del Plata, Argentina;. Empezó su carrera como cantante y compositora del grupo de rock alternativo y pop experimental Suárez, con el que grabó cinco discos. Es considerada un emblema del rock independiente desde la década del 90, y referente para la nueva generación de músicos en Argentina. Su más reciente álbum, el cuarto de su carrera slista, se titula Calendario (Fan Discos, 2008). En el cine, su trabajo más importante fue como protagonista de la película Silvia Prieto, dirigida por Martín Rejtman, por la que recibió el premio de mejor actriz en el Festival de Nantes (Francia, 1999). Es colaboradora de los suplementos Las 12 y Soy, del periódico argentino Página 12. Escribió y dirigió obras de teatro (Somos nuestro cerebro y ¿Somos nuestros genes?, ed. Eudeba) y poesía (Poemas en prosa, ed. Belleza y Felicidad). Como profesora, impartió talleres de letras de canciones en el Centro Cultural Ricardo Rojas (2004-2008), en el Estudio Urbano (20072008) y en el programa Arte rodante, para capacitación docente del Ministerio de Educación de Argentina, en las regiones de Jujuy, Mendoza, Tierra del Fuego, Córdoba y Posadas (2007-2008). Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Dirige jornadas literarias en Buenos Aires y, en 2008 coordinó una jornada sobre la poetisa Olga Orozco en Santa Rosa, La Pampa. En 2008 también fue artista invitada del Worldtronics - Festival internacional de música electrónica de Berlín, Alemania. www.myspace.com/rosarioblefari Ryan Gander nació en Chester, Inglaterra, en 1976; vive y trabaja en Londres. Realizó sus estudios en la Manchester Metropolitan University (1996-1999), en la van Eyck Akademie en Maastricht, Holanda (1999-2000), y Rijksakedemie van Beeldende Kunsten de Ámsterdam, Holanda (2001-2002). Entre sus exposiciones individuales más importantes, se destacan: It’s a right Heath Robinson affair, Kadist Art Foundation, París (2009); Ryan Gander: Heralded as the New Black, IKON Gallery, Birmingham, y South London Gallery, Londres (2008); Championed by Rigour, Tanya Bonakdar Gallery, Nueva York (2008); Passengers: 1.3 Ryan Gander, CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco (2007); Ryan Gander, The Last Work, Stedelijk Museum Amsterdam, Ámsterdam (2007); y Ryan Gander, But it was all green, Artists Space, Nueva York (2005). Su obra también fue incluida en las siguientes exposiciones colectivas, entre otras: 16 Sydney Biennial, Sydney (2008); Life on Mars, the 55th Carnegie International, Carnegie Museum of Art, Pittsburgh (2008); Performa 07, The Second Biennial of New Visual Art Performance, Nueva York (2007); 9e Biennale de Lyon, Lyon (2007); Tate Triennial 2006. New British Art, Tate, Londres (2006); y T1 The Pantagruel Syndrome, Torino Triennale Tremusei, Turín (2005). Su trabajo fue reconocido con el Prix de Rome por la escultura en 2003 y con el 2005 Baloise Art Statements Prize de Art Basel. Samuel Beckett (Dublín, 1906 – París, 1989). Novelista, dramaturgo, crítico y poeta irlandés. Uno de los más destacados escritores del la literatura del siglo XX, Beckett marcará un quiebre en esta disciplina a través de su experimentalismo radical. Discípulo de James Joyce, hacia mediados de los años 40 abandona el inglés (su lengua madre) para adoptar el francés como idioma literario. Estudió de joven en Earlsfort House in Dublin y en Portora Royal School in Enniskillen, donde comenzo a aprender francés, y realizó sus estudios universitarios en Trinity College entre 1923 y 1927. Luego de graduarse viaje a París donde conoce Joyce y lo asiste en la construcción de su Work in Progress (later to be titled Finnegans Wake). In 1930, publica su primer poema "Whoroscope," y poco tiempo después, su estudio sobre Proust (1931). Al regresar a Dublin para enseñar en Trinity College, Beckett escribe cuentos que luego integrarán el libro More Pricks Than Kicks (1934). Nuevamente en Paris en 1932, escribe su primera novela Dream of Fair to Middling Women. Se mudará entre Dublin, Londres y París, trabaja en su novela Murphy (finalmente publicada en 1938) hasta que se establece en París en 1937. Allí conocerá a Suzanne Deschevaux-Dusmesnil, su compañera y luego su esposa a partir de 1961. Ante la invasión de París, la pareja integra la Resistencia, luego refigiándose en Rousillion, al sur de Francia donde Beckett continúa trabjando en su novela Watt. A partir de entonces, Beckett escribe principalmente en francés "para embobrecerme aún más" durante lo que serán años muy prolíficos (c. 1946.1950). Su primera novela en francés, Mercier et Camier no sería publicada por varios años. Durante este tiempo, también escribió su famosa trilogía (Molloy, Malone Dies, The Unnamable). Asimismo, en 1947, escribió su obra de teatro Eleutheria, cuya publicación no permitió en vida. In 1948-49, escribió Waiting for Godot, cuyo estreno en París en 1953 le traería reconocimiento público tanto dentro como fuera de Francia. Durante los años 50s y 60s, se sucedieron obras maestras que incluyeron a Endgame, Krapp's Last Tape, y Happy Days. Se involucró en las producciones de sus obras teatrales en Europa y los Estados Unidos, escribió sus primeras obras para radio, y en el ámbito de la prosa se suceden How It Is (1961) y The Lost Ones Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br (1970). En 1959 recibe un Doctorado Honoris Causa de Trinity College, y dos años más tarde recibe, junto a Jorge Luis Borges, el Prix International des Editeurs (o Prix Formentor); en 1969 recibió el Premio Nobel de Literatura. A partir de los años 70s comienza un momento algo menos prolífico aunque marcado por nuevos proyectos: obras para TV en la BBC y producciones teatrales. En 1977 comienza su autobiográfica Company y hacia comienzos de los 80s su prosa incluye Ill Seen Ill Said and Worstward Ho, y sus obras - extremas - para teatro Rockaby y Ohio Impromptu. Escribió su último gran trabajo Stirrings Still en 1986. Ese año, comienza a caer gravemente enfermo y finalmente fallece a fines de 1989. Sergio De Loof nació en Lanús, en 1962; vive y trabaja entre Berazategui y Buenos Aires. Artista múltiple, de formación eclética, abandonó tempranamente sus estudios para viajar por Brasil, donde fue fuertemente influido por el modernismo, por la vanguardia histórica y por la lectura de ciertos poetas: Rimbaud, Verlaine, Apollinaire. Posteriormente, al regresar a Buenos Aire, ingresa a la Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano, pero abandona rápidamente sus estudios formales. El clima eufórico del regreso de la democracia en la Argentina, en 1983, propicia múltiples formas de encuentro. Los bares y las fiestas se constituyen como nuevos espacios de sociabilidad, donde se cruzaban actores de diferentes disciplinas, mientras la risa como estrategia de liberación tomaba forma en las propuestas más experimentales del momento. De Loof fue uno de los protagonistas de aquella escena incipiente de los años de 1980. Recientemente empezó a ensayar el encuentro entre arte, amigos y comida como plataforma para sus experiencias multidisciplinarias. Para este propósito, el bar y el desfile serán sus formatos preferidos. Es así que crea los míticos bares Bolivia en 1989 y El Dorado en 1990; que fueron concebidos como espacios ficcionales de experimentación artística expandida. Estos y otros espacios serán escenarios también de sus desfiles delirio que cruzan la performance y la moda en sus colecciones como Latina Winter by Cotolengo Fashion (1989), Pieles Maravillosas (1990), Haute Trash (1992), Los Harapos de la Realité de la Machine de la Couture (1993), este último un desfile de sin techos en el Centro Cultural Recoleta, y Winter 2001 en la Galería Ruth Benzacar (2001); todos llenos de crítica corrosiva, sátira y cálido refinamiento. Su propósito, entre otros, era sustituir el “negro dark” por el “rosa chicle” y por el “verde manzana”, colores que descubrió en un viaje a Chile. Su estética transita por el trash rococó, resultado de cierto pretendido refinamiento con la marca local del “todo por 2 pesos” y del bricolaje. Se podría pensar De Loof como un personaje que reúne la frivolidad de la publicidad y la densidad del under; sin dejar de cultivar el dandismo y la intelectualidad. De Loof resulta ser una figura clave en el área para comprender el desarrollo posterior de proyectos como Belleza y felicidad (19992008), entre otros. Tomás Espina nació en Buenos Aires, en 1975, donde vive y trabaja. Entre 1975 y 1991 vivió entre México, Mozambique y Santiago de Chile. Es Profesor Nacional de Pintura en el Instituto Universitario Nacional de Arte (IUNA), Buenos Aires. Sus exposiciones individuales incluyen: Bum, Centro Cultural de España en Córdoba, Córdoba, Argentina (2005); Maure, Galería Artis, Córdoba (2005); y Entre líneas, Galería Alberto Sendrós, Buenos Aires (2003), entre otras. Su obra fue incluida en numerosas exposiciones colectivas: Argentina hoy, Centro Cultural Banco do Brasil, San Pablo (2009); Urbanidades, Centro Cultural Borges, Buenos Aires (2008); Visions, Centre Regional d`Art, Montbéliard (2008); Ignitions, Panamerican Art Proyect, Miami (2008); Pintura sin pintura, Centro Cultural de España en Buenos Aires (2005); e Instinctive, Andrea Rosen Gallery, Nueva York (2004). Recibió becas de la Secretaría de Cultura de la Nación y de Atlantic Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Center of Art Foundation, EE.UU. (2004); y las siguientes distinciones: Primer Premio, Petrobras/arteBA 6ª Edición, Buenos Aires (2009); Tercer Premio Cultural Chandon, San Miguel de Tucumán, Argentina (2005); Segundo Premio, Fundación Banco Ciudad, Buenos Aires (2002); Premio Elena Poggi al artista iniciación del año, Asociación Argentina de Críticos de Arte (2002). Walmor Corrêa nació en Florianópolis, Brasil, en 1962. Vive y trabaja en Porto Alegre. Se diplomó por la Universidade do Vale do Rio dos Sinos (Unisinos) en Publicidad y Propaganda y en Arquitectura y Urbanismo. Entre sus exposiciones individuales se destacan: Memento Mori, Laura Marsiaj Arte Contemporânea, Rio de Janeiro (2008); Memento Mori, Instituto Goethe de Porto Alegre, Porto Alegre (2007); Apêndice/Mostruário Entomológico, Centro Universitário Mariantônia – Universidade de São Paulo, San Pablo (2004); Natureza Perversa, Museu de Arte do Rio Grande do Sul Ado Malagoli, Salas Negras, Porto Alegre (2003). Entre sus principales exposiciones colectivas, se encuentran: Die Tropen, Museum Martin Gropius-Bau, Berlín (2008); Os Trópicos - Visões a partir do centro do globo, Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro (2008); Cryptozoology, Bates College Museum of Art, Lewiston, Maine (2006); Panorama da Arte Brasileira 2005, Museu de Arte Moderna de São Paulo, San Pablo (2005); XXVI Bienal Internacional de São Paulo, San Pablo (2004). En 2008, participó de residencia artística en la Fundación Can Xalant y, en 2007, en la Fundación Sacatar, Bahia. Por su trabajo, Walmor Corrêa recibió los siguientes premios: Açorianos de Artes Plásticas (2008); Destaque em Escultura y Artista Destaque Especial do Ano 2007, por la exposición Memento Mori en el Instituto Goethe, Porto Alegre. Walter Smetak (Zúrich, 1913 - Salvador, Bahia, 1984). Músico suizo que vivió en Brasil a partir de 1937. Violoncelista, compositor, escritor, escultor y constructor de instrumentos musicales, Smetak impartió clases en la Escuela de Música de la Universidad Federal de Bahia e influyó a toda una generación de músicos brasileños, entre los cuales están Tom Zé, Gilberto Gil, Caetano Veloso y Marco Antônio Guimarães. Hijo de una pareja checa que se radicó en Suiza, empezó su formación musical con el padre, profesor y eximio tocador de cítara. Soñaba en ser pianista, pero un accidente le quitó un poco la agilidad a la mano derecha y encaminó al joven Smetak al violoncelo. Estudió 4 años en el Mozarteum de Salzburg, se diplomó como concertista junto con Pablo Casals, en el Conservatorio de Viena, en 1934. Las dificultades financieras lo llevan a arriesgar su suerte en el Nuevo Mundo. Llega a Brasil en 1937, para descubrir perplejo que la orquesta sinfónica que lo había contratado, en Porto Alegre, ya no existía. Sobrevive entre San Pablo y Rio de Janeiro, tocando en fiestas, casinos y orquestas de radio, acompañando a cantantes extranjeras e, incluso, a Carmen Miranda. Décadas más tarde diría: "concluí que era preferible involucrarme con el desorden y la liberalidad de los trópicos que someterme a las miserias europeas sembradas por Adolf Hitler." En 1957 H.J. Koellreuter lo llama para trabajar en la Universidad Federal de Bahia, en Salvador. Allá, empieza sus investigaciones sonoras y pasa a interesarse por la teosofía. En el subsuelo de la Escuela de Música establece su taller/laboratorio, donde inventó y construyó, utilizando materiales no convencionales como porongo, plástico, poliestireno expandido y bobitas, cerca de 150 instrumentos musicales -las "plásticas sonoras". Compositor, teórico musical y místico esotérico, investigador radical e incansable, ejerció una gran fascinación en toda una generación de músicos brasileños, tanto en el medio erudito como en el popular. Incluso, fueron los jóvenes de la generación tropicalista, y posteriores, los que más escucharon a ese profesor excéntrico, que cruzaba las callas de Salvador en una vieja BMW denominada "la prostituta de Babilonia". Gilberto Gil, Rogério Duarte, Gereba, Tuzé de Abreu, Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Djalma Correia y Marco Antônio Guimarães (grupo Uakti) fueron algunos de los que bebieron directamente de su fuente. Dejó dos discos grabados: Uno por Philips, otro por Marcus Pereira ("Interregno"); tres obras de teatro y casi treinta libros inéditos. Sus instrumentos están reunidos en la Biblioteca Reitor Macedo Costa, en el Campus de Ondina (Salvador). Yun-Fei Ji nació en Pekín, China, en 1963; vive y trabaja en Nueva York. Se diplomó en 1982 por la Central Academy of Fine Arts, Pekín y, a través de una beca de estudios Fulbright, realizó su posgrado por la University of Arkansas, Estados Unidos (1989). Entre sus exposiciones individuales se destacan: James Cohan Gallery, Nueva York (2009); Frieze Art Fair, Zeno X Gallery, Londres (2007); ZenoX, Amberes (2003 y 2005); Yun-Fei Ji: The Water that Floats the Boat Can Also Sink It, James Cohan Gallery, Nueva York (2006); The Empty City, Contemporary Art Museum St. Louis (2005) (itinerante); Yun-Fei Ji: The East Wind, Institute of Contemporary Art, University of Pennsylvania, Filadelfia; y Pierogui, Nueva York (2001). Ha participado de un gran número de exposiciones colectivas, entre las que se encuentran: The Three Gorges Dam and Contemporary Chinese Art, Smart Museum of Art, Chicago (2008); Darger-ism: Contemporary Artists and Henry Darger, American Folk Art Museum, Nueva York (2008); Two Chinas: Chen Qiulin and Yun-Fei Ji, Worcester Art Museum, Worcester (2008); An Atlas of Events, Gulbenkian Foundation, Lisboa, Portugal (2007); Breaking Away, PS1 Contemporary Art Center, Nueva York (2003); y Whitney Biennial 2002, Whitney Museum of American Art, Nueva York (2002), entre otras. Entre sus distinciones y residencias artísticas más recientes se destacan: Parasol Unit Artist-In-Residence, Londres (2006-2007); Rome Prize, American Academy in Rome, Italia (20052006); Sharp Foundation Fellowship, Nueva York (2004); PS1 Contemporary Arts National Studio Program Fellowship, Long Island City, Nueva York (2003); Headland Center for the Arts, San Francisco, California (2002); Fine Arts Work Center, Provincetown, Rhode Island (2001-2002), entre muchas más. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Programa de residencias Artistas en Disponibilidad Proyectos de los artistas Claudia Del Río - La artista viene a proponerle a la comunidad de Santa María su proyecto Club del Dibujo, con la intención de despertar el interés e iniciar a las personas en la práctica del dibujo y del clubismo. El proyecto se configura como un espacio dedicado al estudio, cuidado y promoción del dibujo, que reúne artistas profesionales y aficionados, además del público en general. http://clubdeldibujo.wordpres.com/club-del-dibujo/. El Club del Dibujo fue creado en 2002 por artistas comprometidos en difundir la práctica del dibujo para funcionar como una plataforma de comunicación entre dibujantes y apoyar investigaciones históricas y sociológicas que tengan el dibujo como centro. Está configurado en formato de club porque los clubs son formas genuinas de asociación, cooperación y amistad. El Club del Dibujo propone la idea del dibujo como herramienta de pensamiento, placer, comunicación, memoria y autoconocimiento. El proyecto comprende eventos, colección y entrenamiento. Entre los eventos, el Club del Dibujo promueve encuentros entre artistas y aficionados para dibujar juntos, en un intercambio abierto. Además, el club promueve exposiciones analógicas y digitales del acervo de la colección. Uno de los momentos clave es el intercambio de dibujos entre los dibujantes. La colección del Club del Dibujo está formada por cerca de 800 piezas de 300 autores, todas donadas o intercambiadas. Los programas de entrenamiento son dirigidos a comunidades específicas, concebidos según las características de la población a quien están dirigidos. Los entrenamientos pueden ser realizados en clubes sociales y deportivos, escuelas, empresas, museos, casas de familia y otras instituciones. Diana Aisenberg - La artista propone activar en escuelas de Porto Alegre una versión de su proyecto Historias del Arte, diccionario de certezas e intuiciones. Para ello, está proponiendo crear un diccionario para niños, con imágenes, palabras, textos, dibujos y pinturas. El diccionario de definiciones colectivas será producido en colaboración con los alumnos, a través de talleres en clase y del envío por e-mail de definiciones para palabras propuestas por Diana. Las respuestas son editadas, dándole voz y visibilidad a un grupo social dinámico y abierto de autores participantes. Para la artista, el proyecto es “una invitación masiva a la escritura, como una unión entre la realidad y la inteligencia. El Diccionario se vuelve sensor y receptor de lo que ‘está en el aire’ –verdades, intuiciones y supersticiones–, de aquello que entendemos como historia del arte, en una línea que va de lo personal a lo público”, explica Diana. “Historias del Arte. Diccionario de Certezas e Intuiciones” es un proyecto de construcción colectiva premiado por el Proyecto Trama (Red de Iniciativas Artísticas), de Buenos Aires, para la investigación de la práctica artística y su proyección social. Ha sido editado en formato de libro por la editora Adriana Hidalgo. La versión en video, titulada, mi amigo José, recibió el primer premio en el VII Festival Internacional de Cine por los Derechos Humanos, en la Categoría Cortometraje Documental, en Buenos Aires. El video también fue exhibido en el Simposio Internacional URBANNERUNGSKUKTUREN, Berlín/Buenos Aires y en el 21º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Para más informaciones sobre el proyecto, visite http://historiasdelartedicc.blogspot.com/ Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Diego Melero - Residencia artística a ser realizada en Porto Alegre, con el proyecto Clases de gimnasia y filosofía política. Seminario corporal y teórico que se intercala durante las prácticas de las rutinas de fisicoculturismo en los gimnasios, con temas originarios de las ciencias políticas y sociales. El profesor participa en un proceso de comunicación con los alumnos en el transcurso de tiempo que lleva el entrenamiento: la entrada, la práctica muscular, el ejercicio aeróbico final antes del estiramiento. Entre cada serie de ejercicios musculares se pone en práctica un diálogo breve, con temas de la actualidad social, política, económica y personal del alumno. Al final del entrenamiento el profesor propone un diálogo y lectura en voz alta, realizando anotaciones de los conceptos que han sido desarrollados, en papeles que funcionan como cuadros. Durante las clases que duran cerca de 90 minutos (o en la versión intensiva, 60 minutos) se escucha música clásica y participan desde adolescentes hasta personas de la tercera edad. Francisco Tomsich y Martín Verges - Residencia artística en Riozinho (Litoral Norte), con el proyecto T.D.U.E.P.U.R.C. (Traspuesto de un estudio para un retrato común): un grupo de viajeros (artistas, dibujantes y responsables de distintas áreas de investigación) que se instala por aproximadamente 15 días en alguna ciudad o comunidad en el Litoral Norte de RS. Se retrata el lugar a través de dibujos, fotografías, vídeos, mapas, impresiones, traducciones: las personas en sus lugares, los lugares comunes, los lugares existentes e imaginados desde diferentes perspectivas. Se forma, a partir del material producido, una obra (publicación) de autoría colectiva, firmada por todos los participantes. Al final, se realiza una exposición de los trabajos y el lanzamiento de la publicación en algún espacio público. Gonzalo Pedraza - Residencia artística a ser realizada en Caxias do Sul, con el proyecto Colección Vecinal. El proyecto consiste en analizar y reflexionar sobre las ideas que un determinado grupo de personas tiene acerca de las artes visuales a través de la recolección de ‘obras de arte’ que este grupo posee. En una zona geográfica determinada (un barrio con vecinos que comparten contextos culturales similares), un grupo de recolectores pasa de puerta en puerta y pregunta si la persona les presta su obra de arte. El vecino entrega el objeto que quiera al recolector –un objeto de dimensiones determinadas para un espacio cerrado que pueda ser colgado en una pared–. Dichas obras, al alcanzar un número satisfactorio, son seleccionadas y organizadas. La curaduría se basa en el análisis de los cuadros y de la información contenida en los mismos, para posteriormente organizar una instancia de exposición conjunta. Este modelo de intertextualidad –de un cuadro a otro– se aplica a la propia exposición, se construye un sentido común a partir de la heterogeneidad de cada participante. En el espacio expositivo, una malla de metal se cuelga del techo al piso, y posteriormente las obras se colocan allí. João Modé - Residencia artística a ser realizada en Santana do Livramento / Rivera, con Rede: un proyecto itinerante e interactivo. Se trata de la confección de una trama con la utilización de diversos procedimientos y materiales y la participación directa de las personas. La idea inicial es trabajar en la frontera con Uruguay en ciudades en las que el límite entre los países se da en una calle. De este modo, se puede desarrollar la red atravesando las fronteras interconectando a las personas. O en pequeños poblados, donde de alguna forma, se pueden ‘materializar’ las relaciones entre las personas y su entorno. El proyecto puede ser desarrollado en unas cinco ciudades. Tal vez iniciando en el pueblito, y después partiendo hacia la frontera con Uruguay y Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br dos o tres ciudades más. Existirá, entonces, siempre la misma red, creciendo en cada lugar que pasa. Julio Lira - Residencia artística a ser realizada en Porto Alegre con el proyecto Recorridos Urbanos - Escucha en la Ciudad / Ruido en la Bienal. Consiste en recorridos realizados en ómnibus urbanos, con el objetivo de presentar y discutir los desafíos y las posibilidades de la urbe, articulando como mediadores a personas de saberes académicos y saberes populares. Intercambiar ideas, (re)descubrir espacios y personas de la ciudad, compartiendo las tardes de sábado con viejos y nuevos amigos y escenarios que surgen en cada recorrido. Dentro del Colectivo Mesa (Mediación de Saberes) el artista ha llevado a cabo el trabajo de transportar personas e instituciones por diferentes espacios sociales en actividades-recorridos urbanos de 4 horas de duración que se realizan en movimiento con el apoyo de ómnibus urbanos y que son pensadas de forma diferente para cada público. María Helena Bernardes y André Severo - Residencia artística a ser realizada en el litoral sur (Tavares y alrededores). Retomando el Proyecto Areal, que viene siendo realizado por ambos desde el 2000, viajan por los paisajes de la mitad sur del Estado tomando la imensidad de los campos, agua y arena como símbolo de los límites cada vez más imprecisos de las artes visuales como disciplina en la actualidad. En estos viajes, los artistas e invitados procurarán el rescate de historias y narraciones de la población local a partir de sugerencias visuales creadas en el espacio/escenario. Nicolas Floc’h - Residencia artística a ser realizada en Porto Alegre, con el proyecto El Gran Trueque – un proyecto para deseos colectivos, un proceso que se desarrolla con gran precariedad de materiales. El proyecto comienza con el análisis de las necesidades y condiciones de vida de un campamento en Chile, al que el artista fue invitado. Al radicalizar la dimensión metafórica, el proceso aplicado al proyecto opera como un verdadero corredor entre lo imaginario y lo real. Esta primera edición consistió en un trabajo de una semana in situ que reunió cerca de 30 habitantes de una localidad. El taller les permitió a los miembros de la comunidad realizar objetos que necesitaban, pero a los cuales no tenían acceso. Recuperando madera y otros elementos, cada participante construyó una escultura representando un objeto en escala real, debidamente identificada por “El Gran Trueque, Nicolas Floc’h” con una marca de agua, donde se colocó el nombre de la persona que lo fabricó. Las obras fueron presentadas en una exposición del artista en Matucana 100. Después, el objeto real fue cambiado con la persona por su escultura. Ya sea la obra de arte o su representación, ambas están sustraídas del sistema comercial dominante: se cristalizan otras posibilidades. En Porto Alegre, el trabajo será realizado con Camilo Yáñez. Nicolás París - Residencia artística realizada en la región de los Valles (Montenegro y alrededores), con el proyecto Laboratorio de Diseño: Una investigación plástica sobre las distintas posibilidades de representación, su soporte y circulación. Laboratorio educativo dirigido a niños (que son iniciados en el mundo de la narración, escritura y/o lectura) para construir experiencias significativas usando el dibujo como herramienta de aprendizaje. Con el propósito de desarrollar hábitos de lectura, habilidades de narración, comprensión y creación literaria partiendo de su entorno y memoria. Ricardo Basbaun - El proyecto de Basbaum, titulado “A usted le gustaría participar en una experiencia artística?”, trabaja con ideas de participación y transformación. El artista va a Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br procurar la participación de la comunidad de Pelotas para producir, con intervenciones propuestas por los propios participantes, efectos, condiciones y posibilidades del arte contemporáneo. Ricardo propone que el proceso se inicie con la utilización de un objeto de acero esmaltado (125 x 80 x 18cm) construido por él mismo. Este objeto se le ofrece al participante (individuo, grupo o colectivo) para que lo lleve a su casa por cierto período de tiempo y, a partir de eso, el participante podrá realizar con él una experiencia artística. Aunque el objeto físico sea el elemento real y concreto que expone los procesos e inicia las experiencias, su papel, de hecho, es traer para el primer plano la diversidad de relaciones y datos sensoriales que las personas son capaces de crear, haciendo visibles las redes y estructuras de mediación. Las intervenciones creadas en la ciudad de Pelotas estarán registradas en el sitio web http://www.nbp.pro.br. Rosario Bléfari - El proyecto de Rosario se llama “Taller de canciones – Sugerencia y escritura como notación musical, la canción o como decir las cosas bien”. En este taller, Rosario va a proponer que los participantes de São Leopoldo conozcan, reconozcan, prueben y desarrollen diferentes métodos de composición de letras y melodías, siguiendo reglas de escritura que los lleven a revisitar y ampliar el concepto de canción, a través de investigaciones sobre las diversas variantes de la expresión hablada y escrita y aplicando procedimientos y conceptos provenientes de las artes visuales, escénicas y literarias. El objetivo del proyecto es proponer el género canción como un generador de conocimiento, entendiendo este conocimiento como experiencia, visión del mundo, comprensión, reconocimiento, desconocimiento y construcción en la creación de combinaciones y estructuras. En el taller, Rosario va a considerar al compositor de música como un artista múltiple que aplica herramientas del cine, la danza, la actuación escénica, el periodismo y la investigación científica. Pretende aplicar géneros literarios en sus ejercicios, como cartas, diálogos, cuentos, ensayos y poemas. El resultado final será la grabación de los ejercicios realizados durante el taller – piezas sonoras, vídeos, canciones ejecutadas en vivo y material gráfico recolectado de los cuadernos y libretas de anotaciones de los participantes. “El cuaderno utilizado durante el trabajo se va a volver un libro de artista, donde letras, dibujos, collages, conviven con la canción”, concluye Rosario. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Patrocinadores y colaboradores La 7ª Bienal del Mercosur cuenta con apoyo y patrocinio de Gerdau; Petrobras; Santander Cultural (institución del Grupo Santander Brasil, formado por los bancos Santander y Real); Banrisul – Banco do Estado do Río Grande do Sul; Crown Embalagens; Grupo SLC; Lojas Renner; Procempa – Procesamento de Dados do Município de Porto Alegre; Ferramentas Gedore; CEEE – Companhia Estadual de Energia Elétrica; Governo do Estado do Río Grande do Sul; Secretaria de Estado da Cultura; Secretaria de Estado da Educação; Prefeitura de Porto Alegre; Secretaria Municipal de Cultura de Porto Alegre; Todos por la Educación; França.BR 2009 – Ano da França no Brasil; Centro Cultural de España en Paraguay, Uruguay y Argentina. Apoyo gubernamental de la Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto de la República Argentina, Gobierno de Chile - Dirección de Asuntos Culturales - Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile y Consejo Nacional de Cultura y Artes; y Gobierno de México. El proyecto de la 7ª Bienal del Mercosur es financiado a través de la Ley de Incentivo a la Cultura del MinC – Ministério de Cultura y de la LIC – Ley de Incentivo a la Cultura del Gobierno de Estado de Río Grande do Sul. Gerdau patrocina el arte y la cultura latinoamericana en la 7ª Bienal del Mercosur Gerdau, por medio del Instituto Gerdau, incentiva el arte y la cultura latinoamericana promoviendo, como patrocinador máster, una edición más de la Bienal del Mercosur. El proyecto cuenta con el apoyo de esta organización desde su primera edición, en 1997. Esta unión le ha proporcionado a la sociedad no sólo espacios de cultura y arte, sino uno de los más importantes programas de arte educación ya desarrollados. En esta séptima edición, los colaboradores de Gerdau serán nuevamente invitados a participar como voluntarios en la agenda cultural de la Bienal del Mercosur. La actividad es actuar como mediadores de la muestra y multiplicadores de conocimiento. También serán responsables por la divulgación de la Bienal entre sus colegas, amigos y familiares. Gerdau es líder en la producción de aceros largos en América y es una de las mayores proveedoras de aceros largos especiales en el mundo. Tiene presencia industrial en 14 países, con operaciones en América, Europa y Asia, las que suman una capacidad instalada de más de 20 millones de toneladas de acero. Es la mayor recicladora de América Latina y, en el mundo, transforma, por año, cerca de 16 millones de toneladas de chatarra en acero. Con más de 140 mil accionistas, las empresas de capital abierto de Gerdau están en la lista de las bolsas de valores de San Pablo (Bovespa: GGBR4, GGBR3, GOAU4, GOAU3 y AVIL3), Nueva York (Nyse: GNA, GGB), Toronto (GNA.TO), Madrid (Latibex: XGGB) y Lima (BVL: SIDERC1). Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Petrobrás patrocina la 7ª Bienal del Mercosur La Bienal de Artes Visuales del Mercosur llega a su séptima edición con un histórico envidiable: en las seis ediciones anteriores sumó un total de más de tres millones y medio de visitantes, promovió más de 900 mil visitas escolares marcadas, realizó 50 exposiciones a lo largo de un total de 399 días. Fueron exhibidas más de tres mil obras, creadas por poco más de 900 artistas. Los números impresionan, pero no serían suficientes para transformar la Bienal de Artes Visuales del Mercosur en el evento más importante de artes visuales de América del Sur, si no fuera la calidad de su contenido y la solidez de sus propuestas osadas. No es en vano que la Bienal ha sido, una vez más, contemplada por el Programa Petrobrás Cultural, como proyecto invitado. Como la mayor patrocinadora de arte y cultura en nuestro país, Petrobrás le da especial atención y reforzado énfasis a proyectos como éste –que además de divulgar el trabajo de los artistas más actuantes y significativos del escenario sudamericano, contribuye para promover la integración cultural de la región y formar nuevos públicos. Al reafirmar las líneas básicas de su programa de patrocinio a las artes y a la cultura, Petrobrás reitera el compromiso de cumplir su misión primordial, establecida cuando la empresa fue creada: contribuir con el desarrollo de Brasil. “Hacemos esto cada minuto del día, desarrollando tecnología de punta, perfeccionando nuestros productos, fortaleciendo nuestra gestión empresarial, expandiendo nuestras actividades más allá de las fronteras brasileñas, estimulando nuestra industria pesada. Y también atendiendo rigurosamente nuestra responsabilidad social, incentivando las artes y la cultura.” Un país que no conoce –ni se reconoce– en el trabajo de sus artistas jamás será un país desarrollado. Consciente de esta verdad, Petrobrás ejerce, de forma responsable, su papel en el escenario cultural brasileño. Petrobrás no se conforma con ser la mayor empresa brasileña y una de las mayores del mundo. Quiere más: quiere ser la mejor. Este es uno de nuestros desafíos, uno de nuestros estímulos. Al final, a lo largo de más de medio siglo de historia, la principal característica de Petrobrás ha sido exactamente esa: superar desafíos. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Santander Cultural es colaborador y patrocinador de la 7ª Bienal del Mercosur: el Grito y la Escucha Santander Cultural es colaborador desde 2001 en la iniciativa que proyecta la producción de artes visuales en el circuito mundial de bienales a partir del Mercosur Mantener el carácter innovador y abrir espacio para el proceso creativo es uno de los objetivos de la institución cultural del Grupo Santander Brasil y la Fundación Bienal en la realización del proyecto preBienal. Estas Instituciones comparten un perfil contemporáneo y mediador, en el que la cultura se inserta en un proceso educativo e inclusivo. La exitosa relación entre Santander Cultural y la Fundación Bienal de Artes Visuales del Mercosur se mantiene en 2009 con la realización de la muestra Proyectables y de un proyecto innovador para el período preBienal. Concebida por el curador adjunto y artista Roberto Jacoby, la muestra ocurre del 16 de octubre al 29 de noviembre de 2009, en Porto Alegre. Ya el proyecto para la preBienal es una iniciativa de gran destaque que Santander Cultural desarrolla conjuntamente con la Fundación para abrir espacio para el diálogo sobre la creación de todos los artistas de esta edición e involucrar al público y los medios de comunicación en las dinámicas del proceso creativo y sus referencias. La acción traduce el espíritu innovador de las instituciones. Un ejemplo de esto fue la muestra Una Bienal para Todos, realizada por la Bienal en 2007 a partir de una propuesta de Santander Cultural. Por medio de videos, textos, fotografías e infográficos, la exposición prestó cuentas a la comunidad con la presentación de los resultados obtenidos durante la 6ª edición del evento y principalmente promovió la visión completa de la naturaleza emprendedora de la Bienal como una importante acción de desarrollo y su impacto socioeconómico para la ciudad de Porto Alegre. Al unirse a la Bienal del Mercosur, Santander Cultural refuerza su carácter divulgador de cultura, su práctica de colaborador con instituciones de excelencia y reafirma la propuesta de ser un espacio de formación y vivencia de la cultura artística contemporánea. La muestra Proyectables está profundamente alineada a la dinámica de actuación de Santander Cultural, que estimula la diversidad de los lenguajes y el carácter innovador de los nuevos medios de comunicación. El proceso de convocatoria abierto a artistas de todo el mundo y la propia idea curatorial ya demuestran las dimensiones de investigación, ciudadanía, e interactividad de la muestra. Proyectables explora la materialización y localización específica de los proyectos que utilizan la web como canal más allá de las fronteras geográficas o de soportes finales. “No medimos esfuerzos para la construcción de la Bienal desde 2001, cuando implantamos Santander Cultural, y desde entonces añadimos inversiones, espacios y experiencias en un proceso colectivo que hace de la Bienal del Mercosur un campo que refleja la geopolítica en que Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br estamos insertos y sus significados culturales y estéticos”, declara Liliana Magalhães, Superintendente de Santander Cultural. Desde su creación en 2001, Santander Cultural presentó 22 grandes muestras de artes visuales, miles de exhibiciones de películas, festivales, seminarios y cursos y centenas de shows musicales, workshops y masterclases. Fueron 28 mil actividades en siete años, aliadas a más de mil formas de colaboraciones y con un público asistente de cerca de tres millones de personas – llegando a más de dos mil visitantes por día. Las actividades educativas específicamente, contaron en ese período con la participación de 412 mil estudiantes y profesores. Colaboración exitosa La unión de las dos instituciones viene desde la creación de Santander Cultural, cuando su edificio revitalizado cedió el área expositiva para la 3ª Bienal, la que estuvo abierta a visita para la muestra Poéticas Pictóricas. A partir de la 4ª Bienal, la institución del Grupo Santander Brasil pasó a ser patrocinadora conjuntamente con las empresas Gerdau y Petrobrás, hizo la cesión del espacio expositivo, añadió su conocimiento y organizó un seminario paralelo como acción simultánea con el curador de la Bienal y la Cámara Riograndense del Libro. En 2003, la superintendente de Santander Cultural, Liliana Magalhães, pasó a integrar el Consejo de Administración de la Fundación Bienal. También fue en esa ocasión que Santander Cultural presentó las llamadas muestras icónicas. En la 5ª Bienal, en 2005, además de mantener las condiciones de la anterior, Santander Cultural sumó esfuerzos para contribuir con el modelo de gestión implementado, integrando la red participativa en la formulación de actividades simultáneas. En este mismo año fue presentada en la institución la muestra La (Re)invención del espacio. En la última edición, en 2007, Santander Cultural mantuvo su colaboración y presentó la exposición monográfica del argentino Jorge Machhi, además de actuar en la gestión de las áreas de comunicación y marketing y en la acción educativa de la 6ª Bienal. La innovación en la cooperación se dio por medio de la muestra Una Bienal para Todos, que atendió uno de los principios orientadores de la gestión de la Bienal, que prioriza la transparencia y la responsabilidad social. Declaraciones, making of’s, informes y reportajes formaron el panorama de un trabajo que comenzó mucho antes de la apertura de las exposiciones en Porto Alegre. La iniciativa presentó la 6ª Bienal del Mercosur como un acontecimiento realizado en conjunto por todos los que participaron en la misma: público, equipos, patrocinadores, colaboradores, distribuidores, órganos públicos y organizaciones del tercer sector. Santander Cultural recibió, en 16 días de exposición, un público de 10 mil personas para conocer y compartir los resultados del evento y de la innovadora acción. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Banrisul participa en la 7ª Bienal del Mercosur Por ser un banco público, Banrisul desarrolla acciones a partir de su compromiso con la función social, lo que significa el apoyo y la realización de programas sociales, educativos y culturales, dirigidos a atender las demandas de las comunidades donde actúa. En ese sentido, el Banco está ampliando su relación con la 7ª Bienal del Mercosur, que se realiza entre los días 16 de octubre y 29 de noviembre de 2009, en Porto Alegre. Este año, Banrisul será el patrocinador oficial de la muestra El Dibujo de las Ideas, expuesta en el Museo de Arte de Río Grande do Sul. El espacio va a presentar un importante conjunto de obras de artistas jóvenes latinoamericanos y del mundo, en diálogo con artistas reconocidos históricamente. Además, este banco participará en el Proyecto Pedagógico de la Bienal y estará apoyando todas las otras acciones del evento. França.BR 2009 - Año de Francia en Brasil La 7ª Bienal del Mercosur forma parte de la programación oficial de França.BR 2009 - Ano da França no Brasil, que se realiza del 21 de abril al 15 de noviembre en todas las regiones brasileñas. El Comisariado Francés apoya la Bienal del Mercosur proporcionando la visita de cuatro personalidades francesas para participar en las actividades de su 7ª edición. El Año de Francia en Brasil le proporciona a Francia la oportunidad de presentar las diferentes facetas de su cultura y su estadio actual de desarrollo en diversas áreas de conocimiento. Resultado de la cooperación entre agentes gubernamentales, del sector privado, profesionales de la cultura, artistas, intelectuales, investigadores, sociedad civil y medios de comunicación de los dos países, França.Br 2009 - Ano da França no Brasil es organizado en Francia por el Comisariado General Francés, el Ministerio de Relaciones Exteriores y Europeas, el Ministerio de Cultura y Comunicación y por Culturesfrance. En Brasil, es organizado por el Comisariado General Brasileño, el Ministerio de Cultura y el Ministerio de Relaciones Exteriores. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Fundación Bienal de Artes Visuales del Mercosur Creada en 1996, la Fundación Bienal de Artes Visuales del Mercosur, con sede en Porto Alegre/RS, es una institución de derecho privado, sin fines de lucro, dedicada a la preparación y realización de las muestras y eventos que constituyen las Bienales del Mercosur. La Bienal de Artes Visuales del Mercosur es un gran proyecto de exposición de arte contemporáneo que se realiza en los años impares en Porto Alegre, Río Grande do Sul. La Bienal del Mercosur es reconocida como el mayor conjunto de eventos dedicados al arte contemporáneo latinoamericano en el mundo y crea la oportunidad de tener acceso a la cultura y al arte a miles de personas. A lo largo de su trayectoria, la Bienal del Mercosur siempre tuvo como principio el énfasis en las acciones educativas. Por eso, su proyecto pedagógico ha sido visto como una contribución para la discusión sobre el arte-educación en el país y debe volverse referencia mundial en eventos con el mismo formato. En trece años de existencia, la Fundación Bienal del Mercosur ha realizado seis ediciones de la muestra de artes visuales, sumando 399 días de exposición abierta al público, 50 exposiciones diferentes, 3.616.556 visitas, acceso totalmente libre, 919.723 visitas escolares, 165.229m² de espacios expositivos preparados, áreas urbanas y edificios redescubiertos y revitalizados, 3.131 obras expuestas, intervenciones urbanas de carácter efímero y 16 obras monumentales cedidas para la ciudad, 128 patrocinadores y apoyadores a lo largo de la historia, participación de 923 artistas, más de mil empleos directos e indirectos generados por edición, además de seminarios, conferencias, talleres, curso para profesores, formación y trabajo como mediadores para 1.048 jóvenes. La Dirección y los Consejos de Administración y Fiscal de la Fundación Bienal del Mercosur actúan de forma voluntaria. Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Consejo de Administración Presidente - Jorge Gerdau Johannpeter Vice Presidente - Justo Werlang Adelino Raymundo Colombo Elvaristo Teixeira do Amaral Eva Sopher Evelyn Berg Ioschpe Hélio da Conceição Fernandes Costa Hildo Francisco Henz Horst Ernst Volk Ivo Abrahão Nesralla Jayme Sirotsky José do Nascimento Junior José Mário Ferreira Filho Jorge Polydoro Julio Ricardo Andrighetto Mottin Liliana Magalhães Luiz Carlos Mandelli Luiz Fernando Cirne Lima Mauro Knijnik Mônica Leal Paulo César Brasil do Amaral Péricles de Freitas Druck Raul Anselmo Randon Renato Malcon Ricardo Vontobel Sérgio Silveira Saraiva Sergius Gonzaga William Ling Consejo Fiscal Jairo Coelho da Silva José Benedicto Ledur Ricardo Russowsky Rudi Araújo Kother Wilson Ling Mário Fernando Fettermann Espíndola Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br 7ª Bienal del Mercosur Dirección Presidente - Mauro Knijnik Vice Presidente - Beatriz Bier Johannpeter Directores Ana Maria Luz Pettini – Municipal André Jobim de Azevedo – Jurídico Carla Garbin Pires – Estadual Cezar Prestes – Estadual Claudio Teitelbaum – Calidad Frederico Lanz – Compras Heron Charneski – Núcleo de Documentación e Investigación Jorge Furtado – Relaciones Institucionales José Paulo Soares Martins – Captación José Pedro Goulart – Comunicación Júlio Mottin Neto – Marketing Justo Werlang – Consejero Mathias Kisslinger Rodrigues – Administrativo Financiero Renato Nunes Vieira Rizzo – Espacios Físicos Administración Volmir Luiz Gillioli – Coordinación Administrativo Financiera Deborah Pilla Vilella – Administrativo Luisa Schneider – Tesorería y Contabilidad Teresinha Abruzzi Pimentel – Tesorería y Contabilidad Rodrigo Brito – Compras Diego Poschi Vergottini – Coordinador de TI Valdir Evaldo Tigre Stabinski - TI Mariana Vieira Vargas – Secretaria Administrativa Tatiana Machado Madella – Auxiliar Administrativo Meg Turatti Peres – Secretaria Administrativa David da Silva Pereira - Servicios Generales Guilherme França Morais - Servicios Generales Captación de Recursos Maria Graciela Zunino – Asesora de Captación Paola Bechi do Nascimento – Asistente de Captación Marketing Karina Roman – Coordinación Bianca Rosa - Asistente Giorgia Pimentel – Eventos Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Design Gráfico Bernardo Ortiz – Curador editorial Erick Beltran – Curador editorial Marília Ryff-Moreira Vianna – Coordinación y Design Maria do Rosário Rossi Eliana Pires Kelly Bidone Pinto Rosana Peixoto Desarrollo del Sitio Web Worbi Internet Business Agencia Publicidad Dez Propaganda Asesoría de Prensa Adriana Martorano – Coordinación Bruna Serrano – Asistente Núcleo de Documentación e Investigación Fernanda Ott - Coordinación Rita de Cásia Magueta - Asistente de Coordinación Jairton Ortiz - Asistente Operacional Renata Lacerda – Asistente Operacional Nádia Tanaka - Bibliotecaria Proyecto Pedagógico Mônica Hoff – Coordinación General Márcia Coiro – Coordinación Institucional Ana Paula Monjeló - Asistente Ethiene Nachtigall - Coordinación Formación de Mediadores Gabriela Bom - Asistente Formación de Mediadores Producción del Programa de Residencias Gabriela Silva - Coordinación Júlia Coelho de Souza - Productora Potira Preiss - Productora Adauany Zimowsky - Productora Ana Lígia Becker - Productora Formación de Profesores Mirian Benigna Ana Lígia Becker Estêvão Haeser Jorge Bucksdricker Roger Kichalowsky Material Pedagógico de la 7a Bienal del Mercosur Estêvão Haeser Jorge Bucksdricker Rua General Andrade Neves, 09 / 4º andar Centro / Porto Alegre / RS / Brasil / 90.010-210 Fone/fax: +55 (51) 3254-7500 [email protected] www.bienalmercosul.art.br Producción Ejecutiva Tekne Proyectos Culturales Fábio Coutinho – Productor Ejecutivo Ariane Feijó – Coordinación Caio Yurgel – Coordinación Gustavo Belau - Coordinación Pedro Mendes – Coordinación Caroline Kovalski – Productora de la muestra Ficciones de lo Invisible Joana Carmo – Productora de las muestras Biografías Colectivas y Absurdo Letícia de Melo – Productora de la muestra El Dibujo de las Ideas Marco Mafra – Productor de las muestras Árbol Magnético y Absurdo Francisco Dornelles – Asistente de la muestra Proyectables Marcos Freire – Asistente Editorial André Silva – Asistente de las muestras Biografías Colectivas, Árbol Magnético y Absurdo Radiovisual Fabrizio Rosa – Productor de programación Angélica Seguí – Productora y reportera Emanuela Pegoraro – Reportera Museografía Moacyr Kruchin – Proyecto museográfico Marcelo Polido – Proyecto museográfico Ana Hnszel – Proyecto museográfico Germana Konrath – Detallamiento y ejecución museográfica Ana Bortolotto – Detallamiento y ejecución museográfica Cásio Sauer – Asistente para detallamiento y ejecución museográfica (voluntario) Elisa Martins - Asistente para detallamiento y ejecución museográfica (voluntaria)
