tecn avanz acuarela collage

Acuarela
La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en
agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la
mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro
verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o
miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin
de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando.
En Japón, la acuarela ejecutada con tinta es denominada Sumi-e. En la pintura
china, coreana y japonesa ha sido un medio pictórico dominante, realizado
frecuentemente en tonalidades monocromáticas negras o sepia.
Historia de la Acuarela
La pintura a la acuarela empezó con la invención del papel en China poco
después de 100 a. C. En el siglo XII los árabes introdujeron la fabricación del
papel en España y la tecnología se extendió a Italia décadas más tarde.
Algunos de los más antiguos fabricantes de papel incluyen a Fabriano (en
Italia), abierto en 1276, y Arches (en Francia), abierto en 1492.
John Constable Iglesia de Tillington, acuarela, 1834.
El antecesor de la acuarela en Europa fue el fresco — pintura mural usando
pigmentos en un medio acuoso sobre yeso húmedo. Un buen ejemplo de
fresco es la Capilla Sixtina, iniciado en 1508 y completado en 1514.
El primer uso conocido de la acuarela en Europa es por el pintor renacentista
italiano Raffaello Santi (1483-1520), quien pintaba en grandes cartulinas como
bocetos de tapices.
En Alemania, Alberto Durero (1471-1528) pintó acuarelas en el siglo XV. La
primera escuela de acuarela en Europa fue liderada por Hans Bol (1534-1593),
influida por las creaciones de Durero.
Otros famosos artistas usaron la acuarela para completar su obra al óleo,
incluyendo a Van Dyck (1599-1641), Thomas Gainsborough (1727-1788), y
John Constable (1776-1837).
En la Gran Bretaña del siglo XVIII, Paul Sandby (1725–1809) fue llamado padre
de la acuarela británica.
Uno de los acuarelistas más famosos es Joseph Mallord William Turner (17751850), precursor de las técnicas que posteriormente desarrollarían las
vanguardias. Sus cuadros reflejan magníficamente la luz y el movimiento.
En la pintura española del s. XX cabe destacar en acuarela al maestro Ceferino
Olivé (1907-1995) y sus discípulos Pere Calderó Ripoll (1916-2009), Francisco
Torné Gavaldà (1917-2008) y Rafael Alonso López-Montero (1921-2009 ), de
quien se ha escrito:
El término acuarela se refiere frecuentemente a la acuarela transparente o al gouache
(una forma opaca de la misma pintura.).
La acuarela está hecha de pigmento fino o tinta mezclada con goma arábiga
para darle cuerpo y glicerina o miel para darle viscosidad y unir el colorante a la
superficie a pintar. Un relleno sin pigmentar se añade al gouache para dar
opacidad a la pintura.
Toda acuarela palidece si se expone al sol, los colores permanecen cuanto
más calidad tienen los pigmentos. Es posible encontrar los colores en tubos o
pastillas, en las dos formas se aprecian las diferencias entre pigmentos, por
ejemplo con el azul de manganeso se obtiene una granulación.
Técnica
La técnica «transparente» de la acuarela implica la superposición de lavados
finos y se basa en la blancura del papel para obtener sus efectos y los toques
de luz. A medida que se superponen más lavados el color se hace más
profundo. El color de la acuarela se puede modificar añadiendo o quitando
agua, usando pinceles, esponjas o trapos.
La acuarela da muchas posibilidades: la técnica del lavado permite crear
degradados o lavados uniformes, incluso superposición de colores. Con la
técnica húmedo sobre húmedo se pinta con la acuarela sobre el soporte
previamente humedecido, obteniendo un efecto diferente. También se pueden
realizar lavados del pigmento una vez seco, dependiendo del papel, del
pigmento y la temperatura del agua. La limpieza con esponja u otro elemento
absorbente, el raspado, son algunos ejemplos de las amplias posibilidades que
ofrece la acuarela.
Soporte
El soporte más corriente para esta técnica es el papel y hay gran variedad de
texturas, pesos y colores, y su elección depende del estilo del artista. Existen
tres tipos estándar:
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Papel prensado en caliente (hp), tiene una superficie dura y lisa, muchos
artistas consideran una superficie demasiado resbalosa y lisa para la
acuarela.
Papel prensado en frío (no), es texturado, semiáspero, adecuado para
lavados amplios y lisos.
Papel áspero, una superficie granulada, cuando se aplica un lavado se
obtiene un efecto moteado por las cavidades del papel.
El gramaje del papel es la segunda consideración para su elección, ya que un
papel más grueso tiene menos tendencia a ondularse. Para evitar que el papel
se ondule hay que tensarlo.
DECORACIÓN DE INTERIORES ESTILO SIGLOS XVII Y XVIII
En la New York Public Library he encontrado un libro de acuarelas titulado
“Interieurs de style--XVIIe & XVIIIe siecles--directoire--empire;soixante planches
reproduisant en fac-simile les aquarelles del'auteur, Georges Remon, architecte
decorateur”, que reproduce en facsímile algunas de las acuarelas del arquitecto
decorador Georges Rémon. Editado en Paris 1907, contiene 60 láminas en
color con algunos de los diseños estilos Directorio e Imperio que realizo para
sus decoraciones de interior.
He encontrado muy poca información sobre Georges Rémon (1889-1963), a lo
que parece nació en Francia,en una familia de artistas, su padre Pierre-Henry
Rémon fue profesor de la Escuela de Artes Decorativas y fundador de un taller
de decoradores en Paris que a partir de 1908 se orienta hacia la decoración de
los grandes barcos de pasaje de la época.
George Rémon con su hermano Jérôme toma la dirección de la empresa en
1919, y aprovechando la fama de su padre continúa decorando las lujosas
salas y camarotes de los grandes barcos, como el “France” (1912), el “Ile de
France” (1926) y el “Normadie” (1935). Se recurre también a la familia Rémon
para redecorar los paquebot cedidos a Inglaterra por Alemania como
reparación de daños de guerra en 1919, convertidos en unidades de la Cunard
Line bajo el nombre de “Berengaria y Leviatan”.
Seguro que realizo otros trabajos “en tierra”, pero insisto no existe información
(o no la encuentro), al respecto.
Veamos algunas de las acuarelas del libro indicado, para ver el titulo de la
lámina pase el cursor sobre ella, para ampliar pulse.
El agua es la protagonista de la acuarela y la causante de la excepcional transparencia y
luminosidad que la caracterizan, imposibles de conseguir casi con ningún otro medio. En su
utilización interviene el agua junto a una pequeña cantidad de pigmento que, una vez
evaporada el agua, queda depositado en una capa tan diáfana que permite que el Color blanco
del papel quede a la vista bajo la pintura, proporcionando esta cualidad de transparencia
propia de una buena acuarela.
La historia de la acuarela está íntimamente ligada a la historia del papel, inventado por
los chinos, aunque tiene como antecesores a los egipcios, que aplicaron sobre el papiro
pinturas, primero con tintas planas y, posteriormente, tintas desvanecidas, en dibujos y
pinturas consiguiendo los primeros claroscuros.
En el siglo VIII, los chinos, utilizaron la acuarela para decorar la seda y pintar sobre
papel de arroz. En Europa, durante el medioevo, se utilizó para la decoración de los
manuscritos, para lo que se empleaban pigmentos solubles en agua, aglutinados con un
densificador derivado del huevo.
Los frescos medievales se fabricaban con una base de pintura blanca a la que se le
añadían distintos pigmentos diluidos en agua. Posteriormente apareció el gouache, que
también era una pintura que tenía al agua como elemento diluyente, aunque era una
pintura opaca. Precursores de esta técnica que sentaron las bases fueron: Paul Sandby,
Durero, Constable y John Cromme.
Los artistas de los siglos XVI y XVII empleaban la acuarela de forma ocasional y
acostumbraban a hacerlo en monocromo. Utilizaban para ello un pigmento marrón
obtenido del hollín llamado "bistre" u otro extraído del calamar que tenía un tono sepia.
La invención de la pintura al óleo por los maestros flamencos, declinó un poco el interés
por la pintura al fresco y la acuarela fue relegada como el vehículo para hacer bocetos
preliminares o como una herramienta para estudios.
Para los anglófilos, la acuarela fue inventada en Inglaterra durante el siglo XVIII.
Aunque en honor a la verdad la primera escuela de acuarela europea data del 1471 por
la influencia del pintor Albrecht Dürer, que utilizó con maestría esta técnica creando
escuela, aunque debemos reconocer que, el verdadero avance se produjo en Inglaterra
en el siglo XVIII, proceso que se vio favorecido por el avance tecnológico que
desarrolló la Inglaterra imperialista. Se mejoró la producción y la calidad del papel y de
los pigmentos que llegaban, a los puertos británicos, procedentes de todas las partes del
mundo.
Pero, como hemos dicho, su perfeccionamiento de esta milenaria técnica, se fraguaró en
Inglaterra imperialista, donde los artistas ya habían llevado la acuarela a una categoría
tan elevada como el óleo, siendo uno de sus representantes William Turner, paisajista
romántico. Desde este momento, la acuarela, se convirtió en la técnica preferida por
muchos artistas, no solamente ingleses, sino europeos y americanos, dando a los
paisajistas una herramienta ideal para trasmitir sus percepciones (luminosidad,
movimiento, reflejo, transparencia), siendo los americanos Childe Hassam, James A.
McNeill, John Singer Sargent, John Lafarge, Maurice Prendergast, Thomas Eakins,
Winslow Homer y Whistler, quienes dieron a la acuarela prestigio y rango de expresión,
equiparándolo a la pintura "al óleo".
La primera asociación en apoyo de la acuarela se creó en [Inglaterra]] en 1804. Durante
la Guerra Civil en Estados Unidos, los dibujos de los reporteros-artistas, sus dibujos de
las escenas de la guerra, se utilizaron como ilustraciones en los periódicos y revistas.
En 1866 se fundó la "American Society of Painters in Watercolours" y por primera vez
fueron exhibidas en las Galerías de Arte, obras de acuarela junto a pinturas al óleo.
Carateristica de la acuerela soluble al agua
La técnica de acuarela se aplica diluyendo en agua el pigmento aglutinado con una
goma suave, como la arábiga, la transparencia de los colores depende la cantidad de
agua que sea incorporada a la goma y también a la tonalidad que sea requerida por el
pintor. Esta técnica no utiliza color blanco, ya que éste se obtiene por transparencia con
el papel blanco del fondo. El objetivo de la acuarela es transparentar los colores con
agua y quizá hasta permitir ver el fondo del papel o de la cartulina que actúa como otro
tono.
La pintura de acuarela posee técnicas para poder lograr diferentes efectos sobre las
pinturas; la misma en estado sólido se disuelve en agua y se aplica sobre el papel por
medio de un pincel. Aunque es un tipo de material moderno, a lo largo de la historia se
han empleado diferentes pinturas a base de agua. Las acuarelas no se resuelven por
fórmulas ni recetas maestras, mágicas invariables o con unos cuantos "trucos" que
hemos aprendido en algún taller o curso, sino que requiere un estudio y constancia
rayando en la obstinación con el fin de conocer la técnica, para resolver, con ciertas
garantías cualquier obra.
Una de las técnicas más utilizadas para pintar son las acuarelas o aguadas. Lo más
complicado de este tipo de técnica es controlar la cantidad de agua usada para colorear y
que tiene muy difícil la rectificación en caso de error. Además el tipo y la calidad del
papel son bastante importantes. Las técnicas basadas en agua son muy usadas en
paisajes marinos o lluviosos o con un carácter romántico o nostálgico.
Materiales para pintar
Acuarela
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El papel.
Los tableros
Los pinceles.
Las paletas.
Los caballetes.
Otras herramientas importantes aunque, de momento, no hablaremos de ellas son: un
cuaderno de dibujo, lápices, goma de borrar (debemos de remarcar que no se debe
abusar del uso de la goma de borrar ya que daña el papel y después tiene unos
resultados negativos), una cuchilla o cutex, un pulverizador, un paño suave para la
limpieza de pinceles y retirada del exceso de agua, dos recipientes para colocar el agua,
uno para lavar los pinceles y el otro con agua limpia para utilizar con los colores. Esta
última, al poder ser, con preferencia filtrada o destilada para que el papel sea menos
vulnerable al ataque de hongos.
PRECURSORES DE LA TECNICA DE LA ACUARELA
La historia de acuarela está íntimamente ligada a la historia de papel, inventado en su
forma presente por los chinos. El papel fue introducido a España por los moros a
mediados del siglo XII y luego a Italia 25 años más tarde. Se puede considerar que las
primeras acuarelas son los papiros del antiguo Egipto, y los tempranos dibujos
orientales a tinta son en realidad una forma de acuarela monocroma. En la Europa
medieval, se empleaban pigmentos solubles en agua aglutinados con un densificador
derivado del huevo para los manuscritos; de la misma manera, los frescos medievales
estaban pintados con pigmentos mezclados con agua, espesados con pintura blanca
opaca. Posteriormente surgieron otros tipos de pinturas opacas solubles en agua, muy
cercanos a las acuarelas, como el gouache, que se sigue empleando en la actualidad.
El precursor de la pintura en acuarela era la pintura al buon fresco, la técnica que se
utilizaba para pintar sobre los muros utilizando como superficie una capa de yeso
mojado. El ejemplo más famoso de buon fresco es, desde luego, la Capilla Sixtina.
LAS ACUARELAS RENACENTISTAS
Se considera que las verdaderas acuarelas más antiguas son los estudios de paisajes y de
animales realizados en el siglo XV por el maestro alemán Alberto Durero, quien
terminaba a la acuarela sus dibujos realizados a pluma sobre temas de historia natural.
Estas obras no constituyen la mayor parte de su producción, pero se les considera
ejemplos clásicos de dibujos de la naturaleza, detallados y precisos. Los artistas de los
siglos XVI y XVII sólo utilizaban de forma ocasional las pinturas al agua y la
costumbre era emplearlas monocromáticamente. El bistre (pigmento marrón, café,
obtenido del hollín) y la sepia (pigmento negruzco procedente de la tinta de calamar)
tuvieron una preponderancia momentánea en las obras del artista francés Claudio de
Lorena y del maestro holandés Rembrandt, quienes los utilizaban para crear expresivos
efectos atmosféricos de nubes y cielo en sus dibujos de paisajes a tinta. En ésta época,
no era frecuente el uso de pinturas al agua, por lo que se encuentran únicamente en las
obras de algunos cuantos maestros como Hendrick Van Avercamp y Adriaen Van
Ostade.
LAS ACUARELAS INGLESAS
La acuarela sufrió la evolución más importante de su historia en la Inglaterra, de la
segunda mitad del siglo XVIII, coincidiendo con el desarrollo, que además la
intensificó, del romanticismo, que glorificaba la naturaleza y la belleza natural. Además
de ser la técnica más conveniente para la pintura al aire libre por su cualidad de secado
rápido, la acuarela era sobre todo adecuada para representar los temas románticos
favoritos, como cielos tormentosos, niebla, bruma y espesos follajes. Al principio, los
acuarelistas ingleses seguían la tradición holandesa y se servían de aguadas de color
para realzar sus dibujos a pluma o a lápiz. Sin embargo en 1700, la técnica de la
acuarela se libró de esas ataduras, sobre todo con la obra innovadora de Paul Sandby y
los artistas empezaron a aplicar la pintura directamente sobre el papel sin atenerse a
contornos previamente dibujados. Esta evolución marcó la madurez de la acuarela como
modalidad artística y se hizo muy popular. Los temas abarcaban mucho más allá del
paisaje, incluyendo las composiciones místicas de William Blake y las sátiras sociales
de las caricaturas de Thomas Rowlandson.
En manos de algunos artistas, la naturaleza pastoril y apacible de la acuarela fue
sustituida por el drama, la grandiosidad y lo sublime. John Robert Cozens, por ejemplo,
realizó acuarelas evocadoras de los Alpes suizos y ejerció una importante influencia
sobre los dos grandes maestros ingleses de la acuarela, Thomas Girtin y Joseph Mallord
William Turner. En la primera mitad del siglo XIX, este último alcanzó una brillantez y
luminosidad que no ha encontrado parangón; para describir sus acuarelas se decía que
habían sido “pintadas con vapor teñido”.
LA ACUARELA EN NORTEAMÉRICA Y EUROPA
La acuarela no destacó tanto en otros países europeos. En Francia utilizaron
mucho esta técnica algunos pintores románticos como Géricault o Delacroix. La
facilidad que proporcionaba a los artistas para representar la luz y la atmósfera
tuvo una influencia menor en el movimiento impresionista que se desarrollaba
en Europa a finales del siglo XIX, aunque algunos artistas aprovecharon su
rápido secado para captar el instante fugaz. En España sobresalieron Mariano
Fortuny y Ricardo Madrazo entre otros. El empleo de la técnica de la acuarela
estaba más extendido en los Estados Unidos. Sus principales representantes a
partir de 1870 eran John Singer Sargent y Winslow Homer, el primero con
escenas europeas brillantes y el segundo con representaciones realistas y
absolutamente espontáneas de los bosques de Maine y de escenas caribeñas,
principalmente.
En el siglo XX, la acuarela apareció en la obra del pos impresionista francés
Paul Cézanne y del vanguardista suizo Paul Klee, también en obras de
Salvador Dalí y Pablo Picasso.
Un manuscrito (del latín «manu scriptum», que significa escrito a mano) se
trata de un documento que contiene información escrita a mano sobre un
soporte flexible y manejable (por ejemplo: el papiro, el pergamino o el papel),
con materias como la tinta de una pluma, de un bolígrafo o simplemente el
grafito de un lápiz. El manuscrito no tiene que ser necesariamente antiguo; una
carta es un ejemplo de manuscrito moderno. Generalmente, con ese nombre
se hace referencia a escritos realizados por la mano de escritores importantes
en cualquier campo del saber.
Se denomina inscripción al texto que se graba en piedra, metal u otro material
duro.
La Historia de los manuscritos es muy antigua siendo parte fundamental de las
grandes culturas. Su misión era transmitir conocimientos, relatos o creencias a
sus coetáneos, a las siguientes generaciones o a otras culturas. Los escribas
del Antiguo Egipto son uno de los más antiguos creadores de manuscritos. El
fragmento más antiguo de papiro se descubrió en la tumba de Hemaka, alto
oficial del faraón Den (c. 2914-2867 a. C.), en la necrópolis de Saqqara,
aunque no han perdurado los posibles signos jeroglíficos escritos en él.
Fragmenta canonica, f. 15 v. (siglos VIII-IX). Códice 44 de la Real Academia de
la Historia procedente del monasterio de San Millán de la Cogolla. Letra
visigótica. Pergamino 28 x 21 cm. En la línea 17, miniado en rojo, comienza un
íncipit que reza: «Incipiunt regule sibe definitiones exposite ab episcopis CL /
qui in unum Constantinopolim uenerunt...» En la 20 una N capitular, comienzo
de «Non spernendam esse fidem...»
Edad Media
En la época medieval, los monjes fueron los mayores productores y copistas de
manuscritos en Occidente, la mayoría de temas religiosos; ellos trabajaban en
el scriptorium. El mundo islámico nos ha dejado innumerables manuscritos
literarios, científicos y religiosos.
Época Moderna
A mediados del siglo XV el invento de la imprenta por Johannes Gutenberg hizo
que los manuscritos no fueran la única forma de documento, distinguiéndose
desde entonces entre documentos manuscritos y documentos impresos. La
importancia de los manuscritos pasó poco a poco a aquellos documentos
manuscritos por gente famosa o importante.
Algunos estudios del siglo XIX, entre los que se encuentran los escritos del
Abate Flandrin y de su discípulo Jean Hippolyte Michon, trataron de identificar
la personalidad analizando el trazado de los caracteres manuscritos, naciendo
de esta forma la grafología.
Época Contemporánea
Nuevos inventos, como las máquinas de escribir o la impresión Offset,
supusieron un gran avance en la reproducción de textos. Los teclados digitales,
vinculados a la reproducción electrónica de los textos (en pantallas de
computadoras, telefonía móvil, celulares, etc.), han dejado el uso de la escritura
manuscrita sólo para tareas escolares, personales (anotaciones) o algunas
comunicaciones privadas (cartas, postales), siendo la firma el último vestigio de
dicha escritura manuscrita.
Presentación
Los manuscritos pueden presentar diferentes formatos, siendo el más simple
una hoja o lámina. Puede componerse de varias hojas «cosidas», que se
denomina libro o códice. En la antigüedad se empleó una larga lámina de
papiro enrollada sobre un cilindro de madera o hueso que se denominaba rollo
(como los Rollos del Mar Muerto).
Los más antiguos son los manuscritos sobre papiro y pergamino. Excepto los
manuscritos egipcios, ninguno de ellos se remonta más allá del siglo II de
nuestra era. Los manuscritos sobre papel de algodón o seda (charta
bombycina) fueron muy usados desde el siglo VIII al XIV. Los que están sobre
papel de hilo datan como mucho de principios del siglo XIII. Durante la Edad
Media, se escribieron muchos libros sobre pergaminos arrancados de antiguos
manuscritos y rascados. Se les da el nombre de palimpsestos.2
El uso de esta forma antigua de transmisión de la información ha dado lugar en
la actualidad a una rama de la arqueología denominada paleografía, encargada
de reconocer la procedencia y el contenido de ciertos manuscritos.
Caligrafía
El arte de escribir se denomina caligrafía y está íntimamente relacionado con
los manuscritos; es muy posible que la invención de la imprenta hiciera que
algunas de estas grafías fueran desapareciendo debido a su desuso (es el
caso del Sütterlin en Alemania). En otros idiomas la caligrafía se ha convertido
en un elemento esencial de su cultura; estos idiomas son: la Caligrafía árabe,
que en idioma árabe, ‫ طخلا نف‬fann al-jatt, significa «arte de la línea»; la
Caligrafía china, ó 書法 shūfǎ, en la que los ideogramas pueden ser trazados
según cinco estilos históricos. Normalmente todos son realizados con pincel y
tinta. Estos estilos están ligados intrínsecamente a la historia de la escritura
china, Caligrafía japonesa y Shodou que se considera un arte y una disciplina
muy difícil de perfeccionar, y se enseña como una materia más a los niños
japoneses durante su educación elemental.
Gouache
El gouache (aguada, aunque el galicismo gouache puede derivar del
italianismo guazzo), es una acuarela opaca. Es distinto de la pintura
transparente sobre papeles brillantes, pues se puede pintar con gouache y
aplicando campos lisos, con líneas precisas, pero normalmente se utiliza para
producir un efecto de pinceladas con un flujo espontáneo.
Un gouache bien pintado no debe tener gruesos empastes ni capas muy
espesas de pintura, sin embargo produce el efecto de ser más espeso de lo
que en realidad es. Su luminosidad no depende de la base, si es blanca o no,
sino que su brillo está en la misma pintura. Debido a su opacidad, los colores
claros pueden pintarse sobre los oscuros sin que estos aparezcan a través de
los claros. Además, puede rebajarse en agua, dándole una transparencia
parecida a la de la acuarela.
Historia
El gouache fue probablemente descubierto por un monje en el siglo XI
añadiendo blanco de zinc a las acuarelas con las que ilustraba manuscritos. Su
opacidad hacía que cuando se usaba para las ilustraciones resaltase el pan de
oro. Debido a que su nombre procede de la palabra italiana guazzo, se supone
que su origen está en este país. A lo largo de su historia ha permanecido en la
sombra, considerándose una variante más de las acuarelas, aunque siempre
ha sido usado y no ha pasado de moda. Además en España se le llama
témpera, por sus contenidos tan opacos que dejan una sensación mejor en el
ambiente.
GOUACHE / TÉMPERA
Es una pintura al agua, opaca, hecha con pigmento molido menos fino que el
empleado para las acuarelas transparentes. Al igual que la acuarela, su medio
–o agente aglutinante- es la goma arábiga. Sin embargo, a diferencia de la
acuarela, todos los colores contienen pigmento blanco que hace opaca la
pintura. Esto significa eliminar algunas de las limitaciones impuestas por la
acuarela transparente: es posible aplicar pintura clara sobre oscura, y construir
un cuadro con colores más sólidos. Los colores vienen en tubos o en frascos
Los colores al gouache son muy populares entre muchos diseñadores e
ilustradores que se basan en ellos para conseguir zonas de color uniformes y
planas.
Lo emplearon los iluminadores de manuscritos de la edad media, y varios
artistas del siglo XVII, entre ellos Van Dyck y Gaspard Pousin. Lo mismo que la
acuarela, el gouache disfrutó de gran popularidad en la Inglaterra de finales del
XVIII.
Muchos pintores modernos han usado el gouache: Picasso, Henry Moore,
Peter Blake. El gouache se ha usado masivamente para la ilustración
comercial, que se pretende reproducir en libros y revisas, y algunos surtidos de
colores vienen marcados como “colores de diseñador”. La opacidad del
gouache permite aplicar zonas planas y limpias, que se reproducen muy bien
con los modernos métodos de impresión. También lo emplean normalmente los
pintores con aerógrafo. Para emplear este tipo de pintura con aerógrafo, se la
muele igual de fina que la acuarela o incluso más fina.
Un aspecto esencial de los colores al gouache es su opacidad. Los mejores
fabricantes consiguen la opacidad poniendo más cantidad de pigmento. Con
pigmentos transparentes por naturaleza, se usa un agente espesativo como el
sulfato de bario o el blanco fijo. La creta precipitada se utiliza como espesativo
económico para los colores al gouache poco costosos; la creta se tiñe con
pigmento para conseguir el color. Se pueden emplear de esta forma cantidades
pequeñas de creta precipitada para la fabricación casera de pintura al gouache.
A pesar de su opacidad, los colores al gouache se pueden emplear finos, en
lavados transparentes o semitransparentes. Cuando se los utiliza de esta forma
se les suele considerar menos brillantes que las acuarelas habituales, pero
entre los productos de los mejores fabricantes y especialmente, con pigmentos
transparentes tales como el azul de ftalocianina o el Siena tostado, existe muy
poca diferencia.
El gouache es un color sólido y opaco; a diferencia de la acuarela, su efecto no
se basa en el brillo del papel a través del color. Como todos los colores (menos
el negro) contienen algo de blanco, al secarse quedan mucho mas claros que
cuando se aplican. La superficie final es mate y de apariencia algo terrosa.
La pintura puede usarse en varias consistencias diferentes: tan húmeda como
la acuarela; espesa pero húmeda; semejante a los óleos; bastante seca; y
completamente seca y sólida.
La opacidad del gouache, su aspecto mate y calcáreo una vez seco, hacen de
el un medio distinto a la acuarela. Sin embargo, los materiales, soportes y
técnicas utilizadas son similares en ambos casos.
Ejecución:
- El soporte debe ser ubicado sobre una superficie plana horizontal o con una
ligera inclinación del tablero, para evitar que los colores se chorreen.
- La ejecución se realiza en un soporte seco, sobre un dibujo previo, de líneas
esenciales.
- El método es análogo al del soporte seco de la acuarela.
- Toda la pintura se desarrolla por superposición, sobre colores ya secos. Esta
indicación se debe a que los colores de gouache contienen poco aglutinante, y
aunque estén secos, vuelven a ser solubles ante la presencia de humedad.
Por lo tanto, la aplicación de un color húmedo recogerá parte del color de la
capa anterior: por esto es necesario dejar secar una capa por completo antes
de aplicar la siguiente con pinceladas suaves que eviten raspar la superficie del
soporte, ya pintada.
Papeles: todos los papeles empleados para acuarela sirven también para el
gouache. También se pueden usar, con buenos resultados, papeles teñidos y
coloreados. Los papeles más ligeros deben tensarse, lo mismo que para la
acuarela.
Pinceles: Para el gouache se usan los mismos tipos de pinceles que para la
acuarela.
Pinceles:
de
pelo
suave
(
de
pelo
de
animal
o
sintéticos).
- de cerdas: para ciertos efectos y soluciones.
Zonas planas sólidas. Las zonas planas, densas, cubiertas por una
consistente capa de color, son una característica común de los cuadros
pintados con gouache, se trata de un efecto que indudablemente, no puede
conseguirse con acuarelas. El secreto consiste en obtener precisamente la
consistencia debida de la pintura, y esto requiere experiencia y habilidad; debe
ser más espesa que la recomendada para un lavado plano.
Trabajo de la alumna María Patiño, realizado con témperas.
El lavado: igual que con la acuarela, los lavados hay que aplicarlos
empezando por arriba. A diferencia de la acuarela, hay que mantener el tablero
de
dibujo
horizontal,
es
decir,
paralelo
al
suelo.
Antes de aplicarlos hay que mezclar con agua el color hasta que tenga la
consistencia de crema muy diluida. Así se puede cubrir un área máxima, sin
que se noten las pinceladas. Si es preciso aplicar una segunda capa hay que
dejar que se seque antes la primera. En la segunda capa siempre se notan los
bordes, así que si se desea una superficie perfecta, será necesario cubrir toda
la
zona.
Otra forma de utilizar la opacidad del gouache es aplicar colores sólidos sobre
lavados planos o variegados, mientras los lavados están aún húmedos. Los
bordes de la zona plana se fundirán suavemente con el lavado al secarse la
pintura. Como el gouache se seca muy rápidamente, para facilitar esta técnica
conviene mojar el dorso del papel y mantenerlo húmedo, impidiendo así que el
lavado se seque.
Rociado. Pueden obtenerse zonas finamente punteadas, tanto con gouache
como con acuarela pasando un cuchillo por las cerdas de un cepillo.
Rascado. Se pueden añadir detalles o texturas rascando la pintura con una
cuchilla puntiaguda o bisturí.
Texturas. Si se añade pasta al gouache, se puede pasar un peine o un
instrumento punzante similar a través de la superficie pintada, dejando una
textura tridimensional muy definida. Pueden emplearse cuerdas en gouache, y
apretarlas contra el papel para obtener interesantes formas y texturas. También
se puede hacer una bola de papel de seda o celofán, restregarla en pintura
espesa y aplicarla al papel, para añadir textura o para sugerir un tema de
posterior desarrollo.
Gouache con otros medios (técnicas mixtas). Siempre ha sido práctica
corriente emplear gouache en combinación con acuarelas. Muchos artistas
pintan con acuarela pura y añaden detalles y toques de luz con gouache.
El lápiz es útil para añadir forma a pinturas al gouache, y da resultados sobre
colores sólidos y planos o sobre lavados. Las líneas de lápiz que cruzan desde
un lavado transparente hasta una zona de color opaco añadirán cohesión a la
pintura y proporcionarán contraste, ya que aparecerán más oscuras y suaves
sobre el color sólido.
Errores. Los errores pueden rasparse con una cuchilla puntiaguda o con un
bisturí. También se puede aplicar agua limpia con una esponja, y después
absorber la pintura con papel secante. De este modo se puede también reducir
el tono de un color; debe manejarse el papel secante para que absorba parte,
pero no todo el pigment
Teoría del color
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Ilustración de la Teoría de los colores del poeta y científico alemán Johann
Wolfgang von Goethe, 1809.
En el arte de la pintura, el diseño gráfico, el diseño visual, la fotografía, la
imprenta y en la televisión, la teoría del color es un grupo de reglas básicas en
la mezcla de colores para conseguir el efecto deseado combinando colores de
luz o pigmento. La luz blanca se puede producir combinando el rojo, el verde y
el azul, mientras que combinando pigmentos cian, magenta y amarillo se
produce el color negro.
Modelos de color
En su teoría del color, Goethe propuso un círculo de color simétrico, el cual
comprende el de Newton y los espectros complementarios. En contraste, el
círculo de color de Newton, con siete ángulos de color desiguales y
subtendidos, no exponía la simetría y la complementariedad que Goethe
consideró como característica esencial del color. Para Newton, sólo los colores
espectrales pueden considerarse como fundamentales. El enfoque más
empírico de Goethe le permitió admitir el papel esencial del magenta (no
espectral) en un círculo de color. Posteriormente, los estudios de la percepción
del color definieron el estándar CIE 1931, el cual es un modelo perceptual que
permite representar colores primarios con precisión y convertirlos a cada
modelo de color de forma apropiada.
Teoría de Ostwald
La Teoría del color que propone Wilhelm Ostwald consta de cuatro
sensaciones cromáticas elementales (amarillo, rojo, azul y verde) y dos
sensaciones acromáticas las cuales son intermedias.
Círculo cromático CMY
Modelo de color RGB
Artículo principal: Modelo de color RGB.
La mezcla de colores luz, normalmente rojo, verde y azul (RGB, iniciales en
inglés de los colores primarios), se realiza utilizando el sistema de color aditivo,
también referido como el modelo RGB o el espacio de color RGB. Todos los
colores posibles que pueden ser creados por la mezcla de estas tres luces de
color son aludidos como el espectro de color de estas luces en concreto.
Cuando ningún color luz está presente, uno percibe el negro. Los colores luz
tienen aplicación en los monitores de un ordenador, televisores, proyectores de
vídeo y todos aquellos sistemas que utilizan combinaciones de materiales que
fosforecen en el rojo, verde y azul.
Se debe tener en cuenta que sólo con unos colores "primarios" ficticios se
puede llegar a conseguir todos los colores posibles. Estos primarios son
conceptos idealizados utilizados en modelos de color matemáticos que no
representan las sensaciones de color reales o incluso los impulsos nerviosos
reales o procesos cerebrales. En otras palabras, todos los colores "primarios"
perfectos son completamente imaginarios, lo que implica que todos los colores
primarios que se utilizan en las mezclas son incompletos o imperfectos.
El círculo cromático
El círculo cromático suele representarse como una rueda dividida en doce
partes. Los colores primarios se colocan de modo que uno de ellos esté en la
porción superior central y los otros dos en la cuarta porción a partir de esta, de
modo que si unimos los tres con unas líneas imaginarias formarían un triángulo
equilátero con la base horizontal. Entre dos colores primarios se colocan tres
tonos secundarios de modo que en la porción central entre ellos correspondería
a una mezcla de cantidades iguales de ambos primarios y el color más cercano
a cada primario sería la mezcla del secundario central más el primario
adyacente.
Los círculos cromáticos actuales utilizados por los artistas se basan en el
modelo CMY, si bien los colores primarios utilizados en pintura difieren de las
tintas de proceso en imprenta en su intensidad. Los pigmentos utilizados en
pintura, tanto en óleo como acrílico y otras técnicas pictóricas suelen ser el
Azul de Ftalocianina (PB15 en notación Color Index) como Cyan, el Magenta
de Quinacridona (PV19 en notación Color Index) y algún Amarillo Arilida o bien
de Cadmio que presente un tono amarillo neutro (existen varios pigmentos
válidos o mezclas de ellos utilizables como primarios amarillos). Varias casas
poseen juegos de colores primarios recomendados que suelen venderse juntos
y reciben nombres especiales en los catálogos, tales como "Azul primario" o
"Rojo primario" junto al "Amarillo primario" pese a que ni el azul ni el rojo
propiamente dichos son en realidad colores primarios según el modelo CMY
utilizado en la actualidad.
No obstante, como los propios nombres dados por los fabricantes a sus colores
primarios evidencian, existe una tradición todavía anclada en el modelo RYB y
que ocasionalmente se encuentra todavía en libros, y cursos orientados a
aficionados a la pintura. Pero la enseñanza reglada, tanto en escuelas de arte
como en la universidad, y los textos de referencia importantes ya han
abandonado tal modelo hace décadas. La prueba la tenemos en los colores
orientados a la enseñanza artística de diferentes fabricantes, que sin excepción
utilizan un modelo de color basado en CMYK, que además de los tres colores
primarios CMY incluyen negro y blanco como juego básico para el estudiante.
Armonías de color
Los colores armónicos son aquellos que funcionan bien juntos, es decir, que
producen un esquema de color sensible al mismo sentido, esto es, la armonía
nace de la percepción de los sentidos, y a la vez esta armonía retroalimenta al
sentido haciéndolo lograr el máximo equilibrio que es hacer sentir al sentido. El
círculo cromático es una valiosa herramienta para determinar armonías de
color. Los colores complementarios son aquellos que se contraponen en dicho
círculo y que producen un fuerte contraste. Así, por ejemplo, en el modelo RYB,
el verde es complementario del rojo, y en el modelo CMY, el verde es el
complementario del magenta.
Collage
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Colaje de Juan Gris.
Colaje de Majid Farahani.
El collage es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos
diversos en un todo unificado. El término se aplica sobre todo a la pintura, pero
por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como la
música, el cine, la literatura o el videoclip. Viene del francés coller, que significa
pegar. En español es recomendable utilizar la palabra colaje, de la que ya
existe el derivado bricolaje, pues según la RAE las palabras provenientes del
francés que acaben en "age" deben de españolizarse en "aje".
En pintura, un collage se puede componer enteramente o solo en parte de
fotografías, madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc.
Aunque se considera que fue Picasso quien inventó el collage en 1912 con su
pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla, está en discusión si fue primero
Picasso o Georges Braque. El primero había pegado fotografías a sus dibujos
en fechas tan tempranas como 1899, y en la primavera de 1912 incorporó hule
en forma de rejilla a su citada pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla.
Pero el segundo realizó a finales del verano de aquel año los primeros papiers
collés al incorporar a sus obras recortes de papel pintado comercial que imitaba
madera, uno de cuyos ejemplos es Tête de femme (1912). En aquel momento,
los dos artistas se habían instalado en Sorgues, si bien Picasso se encontraba
de viaje en París cuando Braque compró el papel y realizó estas obras. A su
vuelta Picaso se entusiasmó con el descubrimiento de su amigo y los dos se
lanzaron a introducir en sus pinturas recortes de diarios o revistas, etiquetas de
licores o cigarrillos, y también papeles coloreados. Juan Gris rápidamente
entendió la potencia del hallazgo y lo empleó también. El Futurismo lo adaptó
también sin problemas -hay ejemplos de Carlo Carrà y Giacomo Balla- y los
dadaístas multiplicaron sus posibilidades expresivas y conceptuales de la mano
de Hans Arp, Marcel Duchamp, Hanna Hoch, Kurt Schwitters o George Grosz.
De hecho, los dadaístas berlineses, que reivindicaban para sí mismos la
denominación de «montadores» frente a la épica del «artista», se consideran
los inventores del fotomontaje, una técnica realizada a partir de la fotografía en
combinación o no con la tipografía impresa, en la que los vanguardistas rusos,
como El Lissitzky, Aleksandr Ródchenko o Solomon Telingater, fueron
auténticos maestros.
Del collage se depuró un principio previo o técnica cuyo primer creador fue al
parecer el dadaísta Marcel Duchamp: el «objeto encontrado», según la cual
cualquier cosa que elige un artista es sacralizada como «arte», desde una
piedra que llama su atención en un camino a una imagen que le gusta en una
revista. De ahí a la amalgama de «objetos encontrados» o collage hay sólo un
paso.
El collage ha sido usado, pues,en las vanguardias históricas de principios del
siglo XX: Futurismo, Cubismo, Dadaísmo, Surrealismo, Constructivismo...
Artistas plásticos que frecuentemente han usado esta técnica incluyen a Max
Ernst, Juan Gris, Georges Braque, Marcel Duchamp, Man Ray, Raoul
Hausmann, Antoni Tàpies, Jasper Johns y el artista mexicano Alberto Gironella.
Asimismo es una técnica habitualmente empleada por los creadores del Arte
correo en la difusión de sus trabajos. Existen nuevos grupos literarios que
están implementando el collage colectivo como técnica de composición de
textos.
El collage tal y como lo describe la Wikipedia: "Es una técnica artística que
consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado. El término se
aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier
otra manifestación artística, como la música, el cine, la literatura o el videoclip.
Viene del francés coller, que significa pegar". Por lo tanto el collage es la
combinación de piezas de diversos materiales, se puede componer
enteramente o solo en parte con diferentes materiales como periódicos,
revistas, etiquetas de los envases, telas, piel, madera, pinturas, fotografías, y
cualquier objetos de uso cotidiano que se nos ocurra y que se añaden a una
composición. Parece ser que este término fue acuñado por Georges Braque y
Pablo Picasso a principios del siglo 20, quienes lanzaron un tremendo desafío
al mundo del arte: en vez de presentar obras que imitaran a la realidad,
propusieron cuadros hechos con pedazos de realidad. Esto sacudió al público y
a la crítica de arte, pero poco a poco se convirtio en una tendencia más del arte
moderno. En el artículo Get Creative With Collage: Trends and Inspiration,
de SmashingMagazine, nos muestran los pioneros del movimiento de
collage, las tendencias actuales y ejemplos, así como los defensores
contemporáneos del collage y una gran riqueza de recursos. También
comentan que es una salida creativa importante que le quedan muchos años
por delante, ya que permite a los artistas a explorar y experimentar con la
creación de verdaderamente nuevo, con excitante y a menudo inesperados
resultados. [caption id="attachment_16805" align="aligncenter" width="550"
caption="Naturaleza muerta con silla de rejilla (Pablo Picasso)"]