Traïció - Teatre Lliure

© Ros Ribas
Traïció
de Harold Pinter
dirección Carles Alfaro
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Teatre Lliure (Sala Fabià Puigserver), del 11 de Marzo al 12 de Abril
Traició
de Harold Pinter
dirección Carles Alfaro
intérpretes
Francesc Garrido Jerry / Vicenta Ndongo Emma / Francesc Orella Robert /
traducción del inglés Esteve Miralles / escenografía e iluminación Carles
Alfaro / vestuario María Araujo / caracterización Toni Santos / espacio sonoro
José Antonio Gutiérrez / sonido Igor Pinto / vídeo Marc Lleixà
ayudante de dirección Paula Errando / ayudante de escenografía José Novoa
/ ayudante de vestuario Mireia Llatge / alumno en prácticas de dirección del
Institut del Teatre de la Diputación de Barcelona Joan Yago
construcción de vestuario Tallers del Teatre Auditori Sant Cugat
y los equipos del Teatre Lliure
coproducción
Teatre Lliure y EL CANAL – Centre d’Arts Escèniques
de Salt/Girona
espectáculo en catalán
Horarios:
Precios:
de miércoles viernes a las 20:30h.
sábado a les 17h. y a las 21.30h.
domingo a las 18h.
miércoles, día del espectador 15€
resto de días 24€
con descuento (excepto día del espectador) 19€
subtítulos en castellano los jueves y sábados por la noche a partir del 19/03
english subtitles on Thurday and Saturday night from 03/19
sesión accesible el 21/03 a las 17h.
coloquio con la compañía después de la función el 22/03
Assaig Obert sobre Harold Pinter
Una història explicada del revés, o no, creación y dirección Josep Maria Miró
27 de Marzo y 3 de Abril - 17.30h. - entrada gratis
Tres miradas sobre el teatro británico contemporáneo
18/03 Aleks Sierz 19/03 Roxana Silbert 20/03 Michael Billington
de 18:30h. a 20:00h. en la sala de prensa / servicio de traducción simultánea /
con el apoyo del British Council
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Dos íntimos amigos, Jerry y Robert, son editores. Uno estudió en Oxford y el
otro en Cambridge. Emma, la mujer de Robert, dirige una galería de arte, y
Judith, la otra esposa, es médico y sabremos que de vez en cuando se
entiende con algún colega. La pieza es un retroceso por diversas etapas,
desde 1977, cuando Emma acaba de dejar a Robert y se encuentra con Jerry,
su antiguo amante, hasta 1968, cuando éste, en una furtiva maniobra de
seducción, declara su pasión a la mujer de su amigo. Entre las dos fechas
pasan siete años de relaciones clandestinas en las que la mentira, la
simulación y el cinismo se instauran entre los tres.
Este es el argumento que el dramaturgo británico Harold Pinter, Premio Nobel
de Literatura 2005, explora hasta las máximas consecuencias en el que se
considera su mejor texto teatral.
En este montaje, la cronología ha sido actualizada: empieza en 2007 y
retrocede hasta 1998.
Betrayal se estrenó en el National Theatre de
Londres el 15 de Noviembre de 1978, bajo la
dirección de Peter Hall, con este reparto: Penelope
Wilton (Emma), Michael Gambon (Jerry) y Daniel
Massey (Robert).
más información:
http://www.haroldpinter.org/plays/plays_betrayal.shtml
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Harold Pinter
(Londres, 1930 – 2008)
Nace el 10 de octubre de 1930 en el barrio
londinense de clase obrera de Hackney, en el
seno de una familia judía. Al empezar la II Guerra
Mundial fue separado de sus padres y evacuado a
la campiña inglesa. En 1944 vuelve a Londres y
cursa estudios en la Royal Academic of Dramatic
Art durante dos semestres. En este período
escribe sus primeros poemas y actúa en varias
compañías bajo el pseudónimo David Baron.
Pinter inicia su extensa obra –un total de 29 piezas a lo largo de su carrera– en
1957 con The Room, representada por primera vez en la Universidad de Bristol
por los estudiantes. La pieza toma como escenario una habitación cerrada y
muy pocos personajes, como en la mayoría de sus obras teatrales.
Inmediatamente publicó The Birthday Party (1957) una pieza que no fue bien
acogida por la crítica y que se retiró de la cartelera una semana después del
estreno. A pesar de estas reticencias, el éxito no tardó en llegarle, ya que en
1959, con The Caretaker, consiguió el primer reconocimiento público.
En la década de los 60, Pinter escribe una serie de obras como A Night Out
(1959), Night School (1960), The Lover (1962), The Homecoming (1964),
Landscape (1967) y Silence (1968), que lo consagran como figura influyente
del teatro británico para toda una generación de dramaturgos. Su estilo se ha
etiquetado como “teatro del absurdo” –iniciado por Beckett, Ionesco y Genet–
ya que parte usualmente de una situación aparentemente inocente, absurda y
amenazadora por culpa de la conducta peculiar de algún personaje que resulta
incomprensible para al público, y en ocasiones, para el resto de los personajes.
Además, las obras de Pinter también se caracterizan por partir de fantasías
eróticas y obsesiones, celos y odios, y por esto también han estado calificadas
como “teatro de la inseguridad”. Años más tarde, el autor escribe obras como
Betrayal (1979), One for the Road (1984) o Celebration (1999), que él mismo
lleva a escena en el teatro The Almeida de Londres en el año 2000.
Con el paso del tiempo, Pinter se implica más abiertamente en política y sus
obras mas tardías tienden a ser más cortas, de temas políticos, y en las que
utiliza alegorías de la represión. La obra de 1988 Mountain Language, por
ejemplo, surge a partir de la experiencia del dramaturgo sobre la represión
turca y la supresión del idioma kurdo.
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Además de autor dramático de teatro, Pinter escribe obras para televisión y
radio y dirige más de treinta producciones propias de teatro y de otros autores,
como Robert Shaw, James Joyce, David Mamet y Simon Gray. En el mundo
del cine ha sido el guionista de películas como The Servant (1964) y The
Messanger (1971) de Joseph Losey, The Last Tycoon (1976), de Elia Kazan y
French Lieutenants Woman (1981) de Karel Reisz. También es autor de una
única novela, The Dwarfs.
Con los guiones para cine consigue distintos premios, como el Oso de Plata del
Festival de Cine de Berlín (1963), el premio BAFTA (1965 y 1971), la Palma de
Oro del Festival Internacional de Cine de Cannes (1971) y el Premio de la
Commonwealth (1981). También opta a los Oscar por French Lieutenants
Woman y Betrayal.
El premio más importante de su carrera, el Nobel de Literatura, le es otorgado
por la academia sueca en el año 2005, por ser “Quien en sus obras descubre el
precipicio bajo la irrelevancia cotidiana y las fuerzas que entran en
confrontación en las habitaciones cerradas”.
Fallece la noche de Navidad del 2008 a causa de un cáncer de esófago.
más información:
http://www.haroldpinter.org
http://www.abc.net.au/rn/arts/bwriting/stories/s671912.htm
http://www.faber.co.uk/author/harold-pinter/
http://www.recercat.net/bitstream/2072/4350/1/Treball+de+Recerca.pdf
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Bibliografía
Pinter, Harold: Traïció. Programes artístics del Teatre Lliure.
Altres llocs; La traïció; L’última copa. Edicions 62.
L’engany. Arola Editors S.L.
Un ligero malestar; La última copa. Teatro Español.
Essencial. Edicions 62.
Esquetxos i altres peces. Diputació de Barcelona
Veus vàries. Edicions Proa.
Tornar a casa Arola Editors S.L.
L’amant. Edicions 62. 1995.
L’habitació; El muntaplats. Edicions 62, 1994.
El amante. Escuela noctura. Sketches de revista. Losada.
La festa d’aniversari. El porter. Edicions Bromera.
La fiesta de cumpleaños. La habitación. Un leve dolor. El
blanco y negro. El examen. Losada.
A festa de aniversario; Vellos tempos. Edicións Xerais de
Galicia.
El montaplatos. El invernadero. Una noche de juerga. Losada.
Polvo eres. Luz de luna.Tiempo de fiesta. El lenguaje de la
montaña. Hiru.
Els nans. Destino.
Els nans. Columna Edicions, 2006.
Los enanos. Ediciones Destino, 2008, 2006, 2005.
El cuidador. Los enanos. La colección. Losada.
Poemas. Visor Libros, 2007.
Death etc. Grove Weidenfeld.
Art, vérité et politique (conférence du Nobel). Éditions
Gallimard.
Le scénario Proust. Éditions Gallimard.
Publicacions del Teatre Lliure- DDT09
Harold Pinter. Les Cahiers de la Comédie-Française nº 37
Gale, Steven H.:
The films of Harold Pinter. State University of New York
Press.
Gussow, Mel:
Conversations with Pinter. Nick Hern Books.
Lecercle, Ann:
Le théâtre d´Harold Pinter: stratégies de l’indicible: regard,
parole, image. Editions Klincksieck.
Smith, Ian:
Pinter in the theatre. Nick Hern Books.
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Carles Alfaro Hofmann
(Valencia, 1960)
Entre 1977 y 1981 sigue estudios y seminarios de
interpretación
con
Antonio
Díaz
Zamora
(Valencia), el Odin Theatre (Dinamarca), el Roy
Hart Theatre (Francia),
Les noctambules
(Francia), el Faunus Theatre (Dinamarca);
Firlenfanz (Alemania), Martín Adjemián, Jesús
Aladrén (Madrid)...
En 1982 participa como a actor en El mito de Edipo Rey, de Sófocles, dirigido
por Stavros Doufexis, con la Compañía José Luis Gómez.
El mismo año funda la compañía estable Moma Teatre en Valencia, y estrena
El Knack, de Ann Jellicoe, dirigida por Martín Adjemián, en la que interviene
como actor y ayudante de dirección. El año siguiente, 1983, con la misma
compañía, dirige su primer montaje, y también actúa: El malalt imaginari, de
Molière.
Posteriormente se traslada a Londres donde, en 1985, tras de una prolongada
estancia de estudio, se diploma como director en The British Theatre
Association For Directors And Drama Instructors. Este período concluye en
Oslo donde trabaja como ayudante de dirección en Sueño de una noche de
verano de W. Shakespeare, dirigido por Franzisca Aarflot.
A partir de 1986 retoma sus iniciativas independientes con Moma Teatre.
Interviene como actor, director y diseñador del espacio escénico y la
iluminación en El montaplatos (1987) de H. Pinter; como director, guionista y
diseñador del espacio escénico y la iluminación en Cel enllà tot són vinyes
(1988), Inèrcia (1989) y Basted (1990); y como diseñador del espacio escénico
y la iluminación en La cantant calba (1991) de E. Ionesco, dirigida por Joaquín
Hinojosa. En ese mismo período participa como actor en V 36/39 Crònica civil
(1986), dirigido por Edison Valls con Ananda Dansa
Trabaja como director en Entre els porcs (1990) de Athol Fugard, del Centre
Dramàtic Generalitat Valenciana, y El cas Woyzeck, de G. Bückner (1992) con
Moma Teatre, producciones en las que también diseña la escenografía, y
Quijote (1991), de la Compañia Bambalina Titelles. Es también ayudante de
dirección en Lope de Aguirre, traidor (1992), de J. Sanchis Sinisterra, un
montaje para el V Centenario dirigido por José Luis Gómez.
Es adjunto de dirección en La vida es sueño (1988) de Calderón de la Barca,
dirigida por Franzisca Aarflot a Oslo, y en Una llamada para Pirandello (1991)
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de A. Tabucchi, una producción del Centro Dramático Nacional dirigida por
Joaquín Hinojosa. Diseña la escenografía de El mussol i la gata (1989) de
Pavana - Centre Dramàtic Generalitat Valenciana. Colabora como ayudante de
dirección en Poeta en Nueva York (1986) de F. G. Lorca, dirigida y producida
por Joaquin Hinojosa. También colabora en Quimera i amor de don Perlimplin
con Belisa en su jardín (1990) de F. G. Lorca, dirigida y producida por José Luis
Gómez.
A partir de los años 90 dirige y diseña el espacio escénico y la iluminación de
numerosos espectáculos con Moma Teatre: Borja-Borgia, de Manuel Vicent
(1994); Càndid, coproducida con el Talleret de Salt (1995); El muntaplats, de H.
Pinter y L’urinari, de Paco Sanguino (1996); La lliçó, de Ionesco (1996) y
Naturalesa i propòsit de l’univers, de C. Durang (1999).
En 1997 se inaugura el Espai Moma y Alfaro toma la dirección artística de éste.
En este período también dirige y diseña el espacio escénico y la iluminación de
tres obras: Las sillas de E. Ionesco, para el Teatro de La Abadia, con José Luis
Gómez y Verónica Forqué (1997); Joan el cendrós, de Carles Alberola y
Roberto García, para Albena Teatre; Los hermanos pirracas en nemequitepá
de la Cia. Esteve i Ponce (1998).
En 1999 diseña el espacio escénico de la obra Besos, de Carles Alberola y
Roberto García, para Albena Produccions, y de Los misterios de la ópera, de
Javier Tomeo, para Geografías Teatro, pieza que también dirige.
En el año 2000 codirige y diseña el espacio escénico y la iluminación, la
dramaturgia e interpreta la obra que le otorgó más reconocimientos, Nascuts
culpables, basada en un recopilación de entrevistas reales realizadas a hijos y
nietos de antiguos nazis hechas por P. Sichrovsky para Moma Teatre. Con ella
obtuvo el Premio de la Crítica Valenciana al Mejor Espectáculo de la
Temporada 1999/2000, el Premio de la Crítica L’Avenç, el Premio a la Mejor
Dirección Escénica y Mejor Espectáculo de los Teatros de la Generalitat
Valenciana, y el Premio MAX al Mejor Espectáculo Revelación (2000).
Posteriormente, coproducirá esta obra con la compañía vasca Tantaka Teatroa,
y elabora la versión al euskera, Jaioak Errudun (2001). En esta época, también
dirige y diseña el espacio escénico, la iluminación y la dramaturgia de Varietés
a la cuina, para Moma Teatre (2000); Paraules en Penombra, de Gonzalo
Suárez, junto con Albena Produccions (2001) e Incendiaris, de Max Frisch
(2001) y Les llums, de Howard Korder (2003) para Moma Teatre.
También trabaja en varias obras para el Teatre Nacional de Catalunya,
dirigiendo y diseñando el espacio escénico y la iluminación de La caiguda, de
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Albert Camus (2003); L’escola de les dones, de Molière, y Ròmul el Gran, de
Friedrich Dürrenmatt (2005).
En 2003 también diseña la iluminación de Lisistrata, de Carles Santos para La
Nau d’Arts Escèniques de Sagunt. En estos años también dirige y diseña el
espacio escénico y la luz de dos óperas para el Institut Valencià de la Música:
Don Giovanni (2004) y Les Noces de Figaro (2006), de Lorenzo da Ponte y W.
A. Mozart.
El 2005 dirige y diseña el espacio escénico y la iluminación de La controversia
de Valladolid, de Jean-Claude Carrière, para Bitò Produccions, y en 2006,
también de El portero, de Harold Pinter, para el Teatro de La Abadia. Al año
siguiente dirige y diseña el espacio escénico y la iluminación de Què va passar,
Wanoulelé de Layla Nabulsi (Moma Teatre y Bitò Produccions).
A lo largo de su carrera, ha sido galardonado con los Premios de Teatro de la
Generalitat Valenciana a la Mejor Dirección con Càndid (1996), Metro (1995) y
El cas Woyzeck (1993) -montaje con el que también obtuvo un accésit en los
premios ADE (Asociación de Directores de España)-, y los premios a la Mejor
Iluminación con Borja-Borgia (1996), La lliçó (1997) y L’altre (1998).
Sus últimos trabajos como director, diseñador escénico y iluminador son Tío
Vania (2008), de A. Chéjov para el Centro Dramático Nacional, y
Macbethladymacbeth (2008) de W. Shakespeare para el Teatro Español.
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Los intérpretes
Francesc Garrido
Licenciado en Interpretación por el Instituto del Teatro de Barcelona y graduado
en interpretación por la LAMDA (London Academy of Musica and Dramatic
Arts) de Londres. Se estrenó como actor de teatro bajo las órdenes de Fabià
Puigserver con la obra de Santiago Rusiñol L’Héroe, seleccionada para
participar en el Festival de Teatro Europeo de Karlsruhe y presentada al Teatre
Grec el año 83. Desde entonces ha trabajado con numerosos directores como
Georges Lavaudant, Carme Portacelli, Rafel Duran, Gabriel Piñuel y Manuel
Dueso, entre otros. Destaca su participación en las La nit de les Tribades de
P.O Enquist; Tot esperant Godot de Samuel Beckett; L’hort dels cirerers, de
Anton Chéjov y Edip XXI, dirigidas por Lluís Pasqual; Molt soroll per no res de
W.Shakespeare y Treballs d’amor perdut de W. Shakespeare. Participó
también en las obras dirigidas por Calixto Bieito El rei Lear y La tempestad de
W. Shakespeare; Un dia, de Mercè Rodoreda y Amfitrió de Molière, y La
senyoreta Júlia, de A.Strindberg, y Ganivets a les gallines, de David Harrower,
dirigidas por Antonio Simón. En el mundo del cine ha participado en la
oscarizada Mar adentro, de Alejandro Amenábar, y en la candidata Alatriste, de
Agustín Díaz Yanes. También destaca su trabajo en Un banco en el parque, de
Agustí Vila; La ciudad de los prodigios, de Mario Camus; Smoking Room de
Eduard Fernández y Mario Gas, y La silla, de Julio Wallovist.
Vicenta Ndongo
Estudió arte dramático en el Institut del Teatre de Barcelona y ha realizado
diferentes cursos de dansa, canto y talleres con John Strasberg, Boris
Rotestein y Sanchis Sinisterra, Bob McAndrew y Augusto Fernández. En el
mundo del teatro cabe destacar sus trabajos bajo la dirección de Mario Gas en
Golfus de Roma, de S. Sondheim, y en Martes de Carnaval, de Valle-Inclán;
con Josep Maria Flotats en Àngels a Amèrica de Toni Kushner; con Joan Ollé
en L’hora dels adéus de Narcís Comadira; con Beth Escudé en El destí de les
violetes; con Philippe Howard en El especulador de David Craig, y con Magüi
Mira en El perro del hortelano de Lope de Vega. Su última actuación en un
escenario ha sido bajo la dirección de Roger Gual en La pata negra escrita por
la propia Vicenta N’Dongo y que participó en el Festival Grec de Barcelona en
2003 y en el Festival Otoño de Madrid en 2004. Ha participado en las películas
El perquè de tot plegat, dir. Ventura Pons; Airbag, de Juanma Bajo Ulloa; Un
banco en el parque, de Agustí Vila; Los lobos de Washington, de Mariano
Barroso; Sin noticias de Dios, de Agustín Díaz Yanes; En la ciudad, de Cesc
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Gay, y En el mundo a cada rato, de Pere Joan Ventura, Patricia Ferreira, Chus
Gutierrez, Javier Corcuera y Javier Fesser. También ha aparecido en televisión
en las series Quico el progre, Sitges, Compañeros, Siete vidas, Dinamita y Aquí
no hay quién viva, entre otras.
Francesc Orella
Con más de 25 años de profesión a sus espaldas, algunos de los últimos
trabajos teatrales de este polifacético actor son: Un enemigo del pueblo de
Henrik Ibsen al Centro Dramático Nacional (Dir. Gerardo Vera, 2007),
Hamlet/La Tempestad (Dir. Lluís Pasqual), en un programa doble para el
Festival Barcelona Grec 06 o Ròmul el gran al TNC (Dir. Carles Alfaro, 2005).
Orella ha protagonizado también, El rey se muere de Ionesco con dirección de
José Luis Gómez representando al Teatro de la Abadía de Madrid (2004), La
caiguda de Albert Camus dirigida por Carles Alfaro y representada en el TNC y
en el MOMA de Valencia (2002/03). En el Lliure de Gràcia realizó Tot esperant
Godot de Samuel Beckett bajo la dirección de Lluís Pasqual (1999), con quién
también trabajó en Roberto Zucco, de Bernard-Marie Koltès (1993). Participó
en Morir, dir. Sergi Belbel (1998) en el Centre Dramàtic de la Generalitat. En el
Teatre Nacional de Catalunya protagonizó L’auca del Sr. Esteve, de Santiago
Rusiñol, dir. Adolfo Marsillach (1997/98) y Àngels a Amèrica, de T. Kushner, dir.
Josep Mª Flotats (1996/97). Con la compañía Flotats también interpretó Una
visita inoportuna de Copi, dir. Jorge Lavelli (1989/90), Edip, tirà de Sófocles
vresión de Heiner Müller dirigida por Matthias Langhoff (1991/92) o Autèntic
Oest, de Sam Shepard, dir. Josep Minguell (1990/91). Con Mario Gas interpretó
El zoo de cristal de Tennessee Williams en 94 y La ronda de A. Schnitzler en
86. También fue uno de los intérpretes de la mítica Antaviana de Pere Calders
dirigida por Joan Ll. Bozzo (Dagoll Dagom, 1985).
También ha participado en numerosas series de televisión y largometrajes,
entre otros: La silla, dir. Julio Wallowits; Remake, dir. Roger Gual; Alatriste, dir.
Agustín Díaz Yanes; El año del diluvio, dir. Jaime Chávarri; La suerte dormida,
dir. Ángeles González Sinde; Utopía, dir. María Ripoll; Clara y Elena, dir.
Manuel Iborra; Yoyes, dir. Helena Taberna; Morir (o no), dir. Ventura Pons; La
ciudad de los prodigios, dir. Mario Camus; El viaje de Arian, dir. Eduard Bosch;
El pianista, dir. Mario Gas; El perquè de tot plegat, dir. Ventura Pons; Tierra y
Libertad, dir. Ken Loach y Smoking Room, ópera prima de los directores Roger
Gual y Julio Wallovits que le supuso el Premio a la Mejor Interpretación
Masculina del Festival de Cine Español de Málaga. Actualmente acaba de
finalizar el rodaje de Escalofrío, un thriller de Isidro Ortiz.
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Ha recibido numerosos premios: Premio MAX al Mejor Actor Protagonista
Premio Butaca al Mejor Actor Protagonista (2002/03) y Premio de la Crítica
Teatral de València (2002) por La Caiguda (2003). Premio de la Associació
d’Actors i Directors de Catalunya y Premio de la Crítica Teatral de Barcelona
(1998/99).al Mejor Actor Protagonista de teatro por Galatea. Premio de la
Crítica Teatral de Barcelona al Mejor actor protagonista de teatro por Àngels a
Amèrica (1996/97) y al Mejor Actor Secundario de teatro por Roberto Zucco
(1992/93).
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Harold Pinter, premio Nobel de Literatura 2005
Majestades, Excelentísimas Realezas, apreciados galardonados del Nobel,
Señoras y Señores,
Harold Pinter es el renovador del drama inglés del siglo XX. “Pinteriano” es un
adjetivo incluido en el diccionario Oxford. Como Kafka, Proust y Graham
Greene, él ha trazado un espacio, una tierra, “Pinterland”, con una topografía
diferente.
Con sus 29 obras escritas y las casi cien piezas que ha dirigido o representado,
ha hecho del teatro su propio dominio. Sus personajes se atrincheran en
diálogos impredecibles. Entre líneas de amenazas no resueltas, irrita y
escuece. Oímos las señales de todo lo que no tenemos que escuchar.
El abismo de las conversaciones, la imposibilidad para poderse comunicar con
los demás si no es superficialmente, la necesidad de dirigir y desorientar, la
sensación sofocante de accidentes que brotan de la cotidianidad, la percepción
desazonadora de que una historia peligrosa ha sido censurada... todo esto
vibra a través del teatro de Pinter.
Sus personajes están los unos con los otros a merced de la periferia de la vida.
Son también prisioneros de los limbos de la división de clases, las frases
fugaces y los hábitos solidificados. Sus identidades, trasfondos e historias son
borrosas, y tienen versiones distintas en función de quien las recuerda.
Raramente se escuchan los unos a los otros, pero es precisamente su sordera
mental lo que nos hace escuchar. Ni una sola palabra pasa desapercibida, no
es posible relajarse ni un minuto. La presión atmosférica fluctúa como secretos
desenrollados y traslada la distribución del poder.
Los recuerdos –inventados, manipulados o reales– fluyen como un
pensamiento anormal y caliente por las obras de Pinter. Modelamos el pasado
para responder las demandas del presente y formular nuestro futuro.
Como espacios cerrados que se abren a la comunidad internacional, Pinter
redefine el amor romántico como un amor más resistente que incluye la
amistad y la exigencia para promover la justicia a través de la acción. En
Mountain Language, el amor toma la forma de una generosidad incondicional
perdida en sus primeros trabajos. Para sobrevivir, hemos de hacer buenas
acciones y levantarnos contra la esclavitud de esta edad de terror y violencia
que se aproxima.
Se dice que el compromiso político de Pinter llegó tarde. Pero el mismo Pinter
describe incluso su primer período –The Dumb Waiter, The Birthday Party, The
Hothouse– como político. En estas "comedias de amenazas", el lenguaje es un
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arma de agresión, de evasión y de tortura. Los primeros trabajos pueden ser
vistos como metáforas de la intervención autoritaria en diversos niveles: el
poder del Estado, el poder de la familia, el poder de la religión, minimizando las
cuestiones críticas del individuo. Pinter destapa los motivos de la voluntad para
destruir las identidades de los otros y el miedo disfrazado de violencia contra
aquellos que están fuera de la fiesta, del club o de la nación.
El trabajo de Pinter no tiene ni ganadores ni perdedores. En el juego del poder
entre los personajes casi no se sabe quien corta el bacalao. Intercambian los
roles, crecen y se inundan a través de un crecimiento y hundimiento que pocas
veces parecen deliberados. Los personajes tienen lados oscuros que los ojos
no pueden captar, expuestos a los rayos ultravioletas de la ambigüedad.
Avanzan a tientas entre paredes invisibles y se estratifican en los diversos
niveles de la realidad. Para defenderse de las intrusiones, se bloquean en
campos minados como el territorio enemigo.
Pinter ha perforado de manera convencional el drama realista con el misterio
de la taciturnidad y ha equipado sus figuras pretenciosas con tantas salidas
que podemos vivir con los personajes y verlos envejecer y decaer como
nosotros. Las figuras sólidas e impenetrables de vida pública se desintegran en
la incoherencia desastrosa. Envían mensajes que no parecen llegar nunca, a
pesar de que salimos del teatro menos honestos que a la entrada.
Para los sistemáticos, el mundo existe para ponerlo en orden. Para Harold
Pinter, el mundo existe para disimular, por eso la búsqueda de la bondad y la
humanidad es un modo de salir afuera a través de la jaula burocrática de los
reflejos más arraigados. En un análisis despiadado del totalitarismo, ilumina el
dolor del individuo.
Punzantes líneas de rechazo, pequeñas palabras corrompidas, lo que se
entredice se pierde, lo que es tácito presagia la catástrofe. Pinter, el hijo del
sastre, con un lenguaje cortante, permite que la acción se origine a partir de las
voces y los ritmos de los personajes. De este modo, no hay ningún argumento
dado. No nos preguntamos qué pasará después sino qué está pasando ahora.
Las palabras son instrumentos poderosos. Las palabras se repiten hasta que
parecen verdad. En una época de sobreinformación, Pinter lanza palabras para
describir la realidad y se convierten en realidad por si solas, al mismo tiempo
que poéticas y a menudo sofocantes. Al final, sólo con las palabras podemos
borrar nuestro destino y rehacerlo.
Estimado Harold Pinter, en esta elección de los galardonados al Nobel, la
Academia Sueca reconoce sólo el poder creativo de las personas como
individuos, sin importarles su nacionalidad, su sexo o su género literario. Estas
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necesidades se acentúan. A pesar de ser británico, puedes reflejarte a los ojos
de muchos, tu impacto internacional e interhumano en el mundo del teatro ha
inspirado medio siglo. Si alguien cree que tu premio llega tarde, podemos
replicar que en cualquier momento en algún lugar del mundo tus obras son
interpretadas por nuevas generaciones de directores y actores. En tus trabajos,
accesibles de forma seductora y terriblemente misteriosos, se alza el telón, se
da lugar a campos de vida espesos y a horribles confinamientos. Con
imágenes poéticas, iluminas una existencia donde chocan las fantasías y las
pesadillas de la realidad.
En la ausencia este año del galardonado al Nobel de Literatura, solicito a su
representante Mr. Stephen Pager que se presente y recoja el Premio del Señor
Pinter de las manos de Su Majestad, el Rey.
Per Wästberg
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Tres miradas sobre el teatro británico contemporáneo
El Teatre Lliure dedicará tres sesiones de reflexión sobre el teatro británico de
los últimos cincuenta años a cargo de tres especialistas de reconocido
prestigio.
Las sesiones tendrán lugar el miércoles 18, el jueves 19 y el sábado 20 de
marzo, es decir, durante la segunda semana de funciones de Traïció, de
Harold Pinter. Empezarán a las 18:30h. y tendrán una duración de hora y
media aproximadamente, para que, al terminar en torno a las 20h., los
asistentes (y los propios ponentes) puedan asistir a la representación de la
obra.
1. La primera sesión correrá a cargo de Aleks Sierz, crítico teatral de Tribune y
coeditor del web theatreVOICE (http://www.theatrevoice.com), y se centrará en
la generación más reciente del teatro británico, que el propio Sierz ha
denominado “Postgeneration Theatre”, y que domina el panorama de la
creación textual británica actual.
2. La segunda sesión corresponde a Roxana Silbert, directora de Paines
Plough (http://www.painesplough.com/cms), uno dels centros más activos de la
escritura actual, que presentará un panorama del teatro británico
contemporáneo de la segunda mitad del siglo XX y los primeros años del XXI.
3. La última sesión será conducida por Michael Billington. A petición propia, la
sesión se centrará en la figura del autor, sobre el que acaba de reeditar el
estudio monográfico The Life and Work of Harold Pinter (Faber and Faber,
1996).
Las sesiones, dirigidas a todo tipo de público, tendrán lugar en la Sala de
prensa del teatro y contarán con un servicio de traducción simultánea
(excepto la segunda, que será en castellano).
Actividad organizada con la colaboración del British Council.
www.teatrelliure.cat
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