TEMA 1-Pilar - Grado de Historia del Arte UNED

PILAR MARTINEZ
Tema 1: INTRODUCCIÓN
SOBRE LAS RUINAS DE LAS VANGUARDIAS.
Los restos de un lenguaje difunto: postcubismo, surrealismo y abstracción.
La impronta d Picasso. Arte y política: una estética comprometida. Cambios de la narración artística a la
interpretación.
1.1 LOS RESTOS DE UN LENGUAJE DIFUNTO: POSTCUBISMO,
SURREALISMO Y ABSTRACCION.
Las revoluciones sociales y económicas de principio de siglo, como la rusa en 1917 y La I guerra
mundial produjo un cambio en la mentalidad y el arte. En plena I Guerra Mundial nace el movimiento dada
que rompe con el arte tradicional renacentista, con el arte burgués y el comercio del arte como mercancía.
El Postcubismo es una tendencia tardía del Cubismo en la que la interpenetración de los planos y la
superposición de los colores, los diversos parcelamientos geométricos, se ven delimitados por lineamentos
rectilíneos y curvilíneos que enlazan tanto figuras como espacio, independientemente del objeto que
representan, y los unifican a su vez en la superficie bidimensional del plano, creando, como en el cubismo,
una superficie de uniforme y unitaria composición pictórica.
Se caracteriza por una fragmentación menos severa en la geometrización cubista de los planos de
color. Los lineamientos gráficos que delimitan las parcelas se tornan casi imperceptibles y se resumen en
una ritmificación del color.
Surrealismo es una de las corrientes más importantes del arte moderno, cuyo tema es la
representación de los aspectos oníricos e irracionales del mundo del subconsciente. En 1924 se publica en
París el primer manifiesto surrealista, que pretende borrar las fronteras entre sueño y realidad, fantasía y
autenticidad, en una ‘sobre-realidad’ absoluta, para cuyo efecto se prestan el automatismo psíquico y la
mistificación del absurdo, influenciados también por el psicoanálisis. Por un lado identificamos un
surrealismo de vocabulario abstracto (practicado por Arp, Miró y Ernst) y por otro lado un surrealismo de
hipertrofiada exactitud al detalle (Salvador Dalí). El surrealismo se convierte pronto en un movimiento
internacional, para después de 1945 perder relevancia, pero algunos de sus tendencias y métodos se filtran
en otras corrientes artísticas.
Trata de liberar el poder creativo del subconsciente, tras la primera guerra mundial surge en Paris, es una
evolución del dadaísmo, su objetivo primordial es liberar los procesos del pensamiento consciente de la
Razón y la lógica, al margen de las consecuencias.
Interpretación de los sueños influido por Sigmund Freud.
La primera fecha histórica del movimiento es 1916, año en que André Breton, precursor, líder y gran
pensador del movimiento, descubre las teorías de Sigmund Freud y Alfred Jarry, además de conocer a
Jacques Vache y a Guillaume Apollinaire. Durante los siguientes años se da un confuso encuentro con el
dadaísmo, movimiento artístico precedido por Tristan Tzara, en el cual se decantan las ideas de ambos
movimientos. Estos, uno inclinado hacia la destrucción nihilista (dadá) y el otro a la construcción romántica
(surrealismo) se sirvieron como catalizadores entre ellos durante su desarrollo. El surrealismo tomó del
dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el
principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas
visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas
contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural, pintada en París en 1926.
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Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual
varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho
pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.
En la pintura surrealista Masson adoptó enseguida las técnicas del automatismo, hacia 1923-1924,
poco después de conocer a Breton. Hacia 1929 las abandonó para volver a un estilo cubista. Por su parte
Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de los sueños, según Breton, «...abusando de ellas y
poniendo en peligro la credibilidad del surrealismo...»; inventó lo que él mismo llamó método paranoicocrítico, una mezcla entre la técnica de observación de Leonardo da Vinci por medio de la cual observando
una pared se podía ver como surgían formas y técnicas de frottage; fruto de esta técnica son las obras en las
que se ven dos imágenes en una sola configuración. Óscar Domínguez inventó la decalcomanía (aplicar
gouache negro sobre un papel el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión,
luego se despegan antes de que se sequen). Además de las técnicas ya mencionadas de la decalcomanía y el
frottage, los surrealistas desarrollaron otros procedimientos que incluyen igualmente el azar: el raspado, el
fumage y la distribución de arena sobre el lienzo encolado.
El surrealismo penetró la actividad de muchos artistas europeos y americanos en distintas épocas.
Pablo Picasso se alió con el movimiento surrealista en 1925; Breton declaraba este acercamiento de Picasso
calificándolo de «...surrealista dentro del cubismo...». Se consideran surrealistas las obras del período Dinard
(1928-1930), en que Picasso combina lo monstruoso y lo sublime en la composición de figuras medio
máquinas medio monstruos de aspecto gigantesco y a veces terrorífico. Esta monumentalidad surrealista de
Picasso puede ponerse en paralelo con la de Henry Moore y en la poesía y el teatro con la de Fernando
Arrabal
Las primeras manifestaciones abstractas, se conoce como arte abstracto a la manifestación que
acentúa aspectos cromáticos, estructurales o formales, sin prestar atención a la imitación material de la
realidad. La pintura abstracta, por lo tanto, es la rama pictórica del arte abstracto.
Lo opuesto a la pintura abstracta es la pintura figurativa, que pretende representar imágenes
reconocibles. La pintura abstracta, en cambio, apuesta a generar sensaciones desde las formas y no desde la
imitación de lo real.
surgieron a comienzos del siglo XX, de la mano de artistas como Wassily Kandinsky y Umberto
Boccioni. Existen numerosas corrientes estilísticas dentro del arte abstracto, como la abstracción lírica, la
abstracción sintética y la abstracción geométrica.
La pintura abstracta expresiva es aquella que carece de estructura y que exhibe una composición
asistemática a través de la improvisación. La pintura abstracta geométrica, en cambio, está compuesta por
obras planificadas según criterios racionales a partir de elementos neutrales, mientras que la pintura
abstracta figurativa se caracteriza por intentar representar una realidad móvil y cambiante en un medio que
resulta estático e inalterable.
1.2 LA IMPRONTA DE PICASSO
Picasso influyo en el futurismo (representado por Umberto Boccione) El futurismo procede
directamente del cubismo, incluso los primeros cuadros, son de pleno derecho, cubistas, pero evolucionan
rápidamente hacia una estética diferenciada, debido a su obsesión por representar la velocidad. Es un
movimiento, fundamentalmente, italiano.
El futurismo es el primer movimiento artístico que se organiza como tal, se reconoce y se define en
1910 a través del Manifiesto Futurista, que publica el poeta Fillippo Tomaso Marinetti. Se busca el
escándalo, se admira la velocidad y la tecnología, las señas de identidad del mundo moderno y pretende
romper con el pasado. Nada del pasado merece la pena ser conservado. Condenan a los museos, a los que
considera como cementerios. Pretenden, y valoran, la originalidad por encima de todo.
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Sus obras se caracterizan por el color y las formas geométricas, y la representación del movimiento y
la velocidad, para ello representan los objetos sucesivamente, pintándolos en varias posiciones, o
emborronándolos, un código que se ha popularizado en los cómics y los dibujos animados. Tienden a utilizar
colores puros. El futurismo llegará a la abstracción a través del rayonismo.
Picasso también influirá en el suprematismo fue un movimiento artístico enfocado en formas
geométricas fundamentales (en particular, el cuadrado y el círculo), que se formó en Rusia en 1915-1916.
Fue fundado por Kazimir Malévich. Surgió en Rusia paralela al Constructivismo (alrededor de 1915). Se
inició con las ideas del pintor Kasimir Malévich, quien promovía la abstracción geométrica y el arte no
figurativo, en búsqueda de la supremacía de la nada y la representación del universo sin objetos. El
Suprematismo rechazaba el arte convencional buscando la pura sensibilidad a través de la abstracción
geométrica. Los suprematistas no seguían los estilos tradicionales de la pintura, y no trasmitían mensajes
sociales. Las obras suprematistas fueron aumentando su colorido y composición con el paso del tiempo.
La asociación de artistas de la Rusia revolucionaria (creada en 1922) determinó que, al haber tanto
analfabetismo, había que volver al realismo, para 1925 esta vanguardia estaba casi desaparecida. El
suprematismo (como la obra de Wassily Kandinsky y el Neoplasticismo) fue uno de los principales logros
de la abstracción. Aunque no tuvo muchos seguidores en Rusia, ejerció una gran influencia en el desarrollo
del arte y el diseño de Occidente y en la Bauhaus.
Neoplasticismo es un movimiento artístico iniciado en Holanda en 1917 por Piet Mondrian.
También ha sido denominado constructivismo holandés, por su paralelismo con el constructivismo soviético.
Está vinculado al nacimiento del arte abstracto y las demás vanguardias (especialmente al cubismo y al
futurismo).
Proponía despojar al arte de todo elemento accesorio en un intento de llegar a la esencia a través de
un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal. Junto con Theo van Doesburg fundó la
revista De Stijl, principal órgano de difusión del movimiento, en cuyo primer número apareció publicado el
manifiesto neoplasticista. Artistas y arquitectos agrupados alrededor de la revista Stijl defendieron el orden
claro y geométrico del movimiento aplicando sus principios también en la construcción de edificios.
Las teorías que tienen su origen en las obras cubistas de Georges Braque y Picasso y en la teosofía,
reivindican un proceso de abstracción progresiva en virtud del cual las formas se irían reduciendo a líneas
rectas horizontales y verticales, y los colores al negro, el blanco, el gris y los tres primarios.
La intención del neoplasticismo es representar la totalidad de lo real, expresar la unidad de la
naturaleza, que nos ofrece apariencias cambiantes y caprichosas, pero que, sin embargo, es de una
regularidad absoluta. Sus principales características son: Búsqueda de la renovación estética. Lenguaje
plástico objetivo y como consecuencia, universal. Exclusión de lo individual y del objeto (limitado temporal
y localmente). Se elimina todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental, en un intento de llegar a la
esencia. Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos.
Planteamiento totalmente racionalista. Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas
rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos. Nunca se
recurre a la simetría, aunque hay un marcado sentido del equilibrio logrado por la compensación de las
formas y los colores. Uso de pocos colores. Colores planos, de carácter saturado o puros (primarios:
amarillo, azul, rojo) y tonal o neutros (blanco, negro y grises). Empleo de fondos claros. Pinturas:
equilibradas, ordenadas, optimistas, alegres. Es una orientación artística antitrágica: arte no como expresión
purgativa de sentimientos trágicos interiores del artista, sino como metáfora visual de armonía espiritual.
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1.3 ARTE Y POLITICA: UNA ESTETICA COMPROMETIDA.
El constructivismo
El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo
especialmente presente después de la Revolución de Octubre.
Se trata de un movimiento surgido en Rusia en 1914, especialmente desarrollado tras la Revolución de
Octubre y que responde a las premisas de la construcción del sistema socialista. Se puede decir que el
Constructivismo se origina como respuesta al caos que se vivía en esos años de conflicto. Se caracteriza por
ser muy abstracto, recurriendo a figuraciones geométricas para la representación de los objetos de sus obras.
Su fundador es el escultor y pintor ruso Vladimir Tatlin.
La funcionalidad debía de ser aplicada porque se, creía importante que el arte debía e ser algo para que la
gente lo entendiera, y con diferentes tipos de utilidades para la sociedad; por lo que Tatlin hizo una fusión de
diseños y sus construcciones, llegando a ser un diseñador poderoso, en donde sus productos llegaron a
formar un nuevo orden estético.
En el Constructivismo, por tratarse de un movimiento en el que predominaba lo tridimensional, se destaca
mucho lo que es la escultura, la arquitectura y el diseño industrial en sí, en donde se recurría a la elaboración
de los productos con materiales modernos utilizando líneas puras para
Surge en 1920 en Rusia y su fundador es el escultor y pintor ruso Vladimir Tatlin, quien se dedicó a la
elaboración de piezas escultóricas abstractas, por medio de la utilización de diferentes tipos de materiales
industriales, y es de ahí de donde surge el nombre.
Se sitúa a los artistas de ésta época, con un nuevo rol, por el hecho de retomar las formas de las que solemos
rodearnos, y crear nuevas obras.
Las obras que dan por inaugurado este movimiento son las construcciones en relieve de Tatlin, elaboradas
entre 1913 y 1917, para cuando en 1920 ya se comenzaban a integrar otros artistas como Alexánder
Rodchenko, El Lissitzky, Naum Gabo y Antón Pevsner, entre otros.
Ese mismo año de 1920 es también cuando Gabo y Pevsner se dedicaron a la publicación en Moscú el
Manifiesto realista, donde se exponen los principios teóricos del nuevo estilo. Tatlin pasa de los
bajorrelieves a unos metales más profundos, hasta llegar a sus llamados "Contrarrelieves", que son formas
de metal para ser colgadas. Es también una de las figuras clave en la reorganización de las instituciones
artísticas en el Estado Soviético. Pronto se da cuenta de que el arte no cubre las necesidades del momento, y
decide acercarse más a los problemas cotidianos y de nivel social.
Dicha idea se ve bloqueada por la escasez de medios y materiales. Esto les hace diferentes al diseño
moderno europeo.
Características del Constructivismo Ruso
• El constructivismo responde a una necesidad de alumbrar una nueva era para la humanidad.
Los representantes de las corrientes se esfuerzan por imponer su estilo personal a salas de exposición o a
interiores.
• Se observa una voluntad de no limitarse a crear objetos de arte, sino también de extender lo que
aparece en el cuadro al conjunto del espacio. Finalmente, se puso de manifiesto a través de películas cuboexpresionistas.
• Acumulan cosas que encuentran en la naturaleza, abren pasillos sin salida y combinan visiones
transversales de carácter irracional, una necesidad semejante a la de los montajes de los surrealistas
parisienses. Más aún que la suma de objetos expuestos, esos montajes corresponden a lo que hoy recibe el
nombre de “entornos”.
• El origen más auténtico y más importante de esta forma de arte está representado por el espacio.
El término está formado por las primeras letras de una declaración que significa “fundación de formas
nuevas en el arte”.
• Su estilo se basa en líneas puras y formas geométricas.
• En su elaboración emplean materiales simples.
• Los representantes no ven sus obras como arte, ni pretenden que éstas reciban ese título.
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• Le dan relevancia a la técnica con la que se va elaborar el producto y el proceso que éste lleva.
• La funcionalidad debía de ser aplicada porque se creía importante que el arte debía de ser algo para que la
gente lo entendiera y con diferentes tipos de utilidades para la sociedad. Por lo tanto, Tatlin hizo una fusión
de diseños y sus construcciones, llegando a ser un diseñador poderoso, en donde sus productos llegaron a
formar un nuevo orden estético.
1.4 EL CAMBIO
INTERPRETACION.
DE
LA
NARRACION
ARTISTICA
A
LA
Desde Giotto a Duchamp el arte se había entendido como signo distintivo de un individuo o grupo y
como patrimonio de una cierta clase social y debía servir a los valores de la clase a los que el arte servia.
Filósofos de principio de siglo como Croce y Collingwood se basaron en el principio de que toda
obra artística es creación intima de la imaginación al margen de su incorporación externa a un medio
material físico, es decir, que la existencia del arte es independiente de materializar o no el concepto
artístico.
Considerando el arte como un acto del ser humano y la interpretación de la idea de juego en el acto
creador. El artista no es hacedor, sus obras no son obras en tanto producto del hacer, si no del actuar: la obra
artística es un acto no un hecho; lo que importa no son las expresiones o las sensaciones del arte retinario, si
no el acto de escoger una realidad entre la realidad, el acto a través del cual el no-arte se convierte en arte.
Según el pensador y filosofo Adorno, admirador del arte de Schönberg y del expresionismo piensa
que después del campo de exterminio de Auschwitz es imposible un arte afirmativo, y que su función reside
en ser tribuna d una resistencia de protesta contra la realidad, mostrando la negatividad de la vida, la
disonancia de la descomposición, la ausencia de reconciliación, evitando todo consuelo adormecedor y
cómplice propio del arte bello. El arte debe ser feo para denunciar, golpear, ser absurdo, el arte debe llevar
a la conciencia, la situación espiritual de la época y de la propia cultura.
Los artistas hacían arte moderno sin tener conciencia de que lo hacían, hasta que se comenzó a aclarar que
había tenido lugar en el arte un cambio importante. Contemporáneo ha llegado a designar algo más que
simplemente el arte del presente. Recientemente la productividad experimental sin ninguna dirección
narrativa especial se ha estabilizado como norma. Cualquier cosa podría ser una obra de arte y si fuera
necesario realizar una investigación sobre qué es el arte, sería necesario realizar un giro sobre la experiencia
sensible hacia el pensamiento, es decir, debe realizarse un giro hacia la filosofía.
Solamente cuando se volvió claro que cualquier cosa podía ser una obra de arte se pudo pensar
filosóficamente sobre el arte.
Los intentos de los artistas por responder a la pregunta por la naturaleza del arte llevó a la cuestión de qué
ocurría con el arte en sí mismo, con el arte después de su ascenso a reflexión filosófica. Con esta pregunta se
decretó el fin del modernismo.
La modernidad bien puede ser considerada como la “edad de los manifiestos”.
Danto acierta al señalar que la contribución fundamental de la edad de los manifiestos fue la introducción de
la filosofía en el corazón de la producción artística. Aceptar el arte como arte significó aceptar la filosofía
que lo legitimó. La filosofía materializada en un manifiesto consistía en un tipo de definición estipulativa de
la verdad del arte.
Sin embargo, con el fin de la modernidad tuvo lugar el fin de la edad de los manifiestos en el mismo
momento en que el los artistas y el mundo del arte en general accedieron a la conciencia de Hegel.
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¿Qué es lo que hace de un objeto una obra de arte? Estas preguntas sólo pudieron plantearse en el momento
post histórico del arte en que se produjo una gran autoconciencia del arte.
Tuvo lugar un nuevo nivel de conciencia filosófica y a partir de ahí, el arte ya no cargaba con la
responsabilidad de su propia definición filosófica y de ningún modo las obras de arte necesitaban parecerlo,
dado que una definición filosófica del arte debe ser compatible con cualquier tipo de arte. Por lo tanto, la
historia del arte no tiene ya una dirección que tomar sino infinitas posibilidades. El arte puede ser lo que
quieran los artistas y los patrocinadores.
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GALERÍA DE FOTOS
Rueda de bicicleta (Duchamp)
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Desnudo bajando una escalera (M. Duchamp)
Formas en el espacio (Schwitters)
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Rayonismo (Larionov)
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Suprematismo (Malevich)
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BIBLIOGRAFIA
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Barcelona. ISBN:84-252-0860-2
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Essers, V., «La modernidad clásica. La pintura durante la primera mitad del siglo XX», en Los
maestros de la pintura occidental, volumen II, Taschen, 2005

Ana María Preckler, Historia del arte universal de los siglos XIX y XX, Complutense, 2003,
ISBN 8474917077, Volumen 2, pg. 65.

ARNHEIM, Rudolf. “Arte y percepción visual” Nueva versión. Editorial Alianza Forma.

ARTHUR C. DANTO Analytical Philosophy of History, Cambridge Univ. Press, 1965

El pensamiento estético de Theodor W. Adorno. Madrid: Cátedra, 1998.
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