Entre el surrealismo y el cubismo: Dalí y Picasso Colegio Alemán

Entre el surrealismo y el cubismo: Dalí y Picasso
Clave del Proyecto: CIN2016A40164
Colegio Alemán Alexander von Humboldt campus Xochimilco
Integrantes:
Sofía Parra Montaño
Andrea Márquez Ruiz
Paola Orihuela
Horacio Rodas
Asesoras:
Susana Ochoterena y Sofía Gutiérrez
Área: Humanidades y de las artes
Disciplina: Arte
Tipo de investigación: Documental
Modalidad: Ponencia
México D.F Febrero de 2016
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Resumen
El trabajo consiste en la comparación de dos retratos, uno del cubismo, pintado por
Pablo Picasso llamado “La mujer que llora” y el otro del surrealismo, pintado por
Salvador Dalí llamado “Autorretrato blando con bacon frito”. En este trabajo
se
pretende explicar la diferencia entre ambas manifestaciones artísticas vanguardistas, ya
que pueden ser confundidas por la gente, para esto se explica brevemente las
características de cada una y el contexto histórico y social así como datos que pudieron
haber influido en la creación de ambas obras. Para lograrlo, se explica también la
vanguardia intermedia, el dadaísmo, que dio a pie al surrealismo, caracterizado por la
burla y la falta de valor utilizando el sarcasmo, además de que estaba en contra del
cubismo entre otras vanguardias. En el caso del cubismo se intenta demostrar los
sentimientos y pensamientos sin la necesidad de usar una perspectiva y color real,
usando figuras geométricas, teniendo como finalidad que cada persona lo interprete a
su gusto, en este estilo los detalles son suprimidos, y algunas veces representan el
objeto como un solo aspecto. En cuanto a surrealismo se intenta llegar al subconsciente
como lo son los sueños y los más profundos pensamientos usando una técnica muy
delicada, aparentando que lo pintado es real aunque la perspectiva es distorsionada.
Para poder comprender el porqué están vanguardias llegan a ser confundidas se realiza
un análisis pictórico contrastando sus diferencias y similitudes.
Palabras clave: vanguardias, pintura, expresiones artísticas, cubismo, dadaísmo,
surrealismo, comparación, similitudes y diferencias
Summary
The work consists in the comparison of two portraits, one of the cubism, painted by
Pablo Picasso “The woman who cries” and other of the surrealism painted by Salvador
Dalí called “soft Self-portrait with fried bacon”. This work tries to explain the differences
between both avant-gardes, and why they can be confused by the people, for this there
are explained briefly the characteristics of each, the historical and social context, as well
as information that could have influenced the creation of both works.
2
For this there is explained also the intermediate avant-garde, the dadaism, which gave
on foot to the surrealism characterized by the mockery and the absence of value using
the sarcasm, in addition to which it was against of the cubism between other avantgardes. In case of the cubism one tries to demonstrate the feelings and thoughts without
the need to use a perspective and real color, using geometric figures, taking as a
purpose that every person interprets it to its taste, in this style the details are
suppressed, and sometimes they represent the object as only one aspect. As for
surrealism it tries to go over to the subconscious as there it are the sleep and the
deepest thoughts using a very delicate skill, feigning that the identical thing is real
although the perspective is distorted. To understand why these vanguards are confused,
a pictorial analysis is performed by comparing the differences and similarities
Keywords: avant-garde, painting, artistic expressions, Cubism, Dadaism, Surrealism,
comparison, similarities and differences.
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Introducción
Planteamiento del problema
La historia humana, se encuentra considerablemente relacionada con el arte, las
expresiones y manifestaciones artísticas permiten observar los pensamientos,
sentimientos, ideales, acciones que las sociedades han experimentado a través del
tiempo.
El arte es una de las características universales de la cultura humana, a través de la
pintura, escultura, danza, literatura, música, los seres humanos plasman sus
percepciones, angustias, deseos, miedos, creencias, interactúan con su sociedad en un
tiempo y espacio determinado.
En el caso de la pintura, el siglo XX dio nacimiento a múltiples y diversos estilos
artísticos: las vanguardias, estas manifestaciones artísticas se caracterizaron por la
multiplicidad, la innovación, el atrevimiento artístico que rompe con todo patrón
previamente establecido. El contexto histórico en el que surgieron fue de turbulencia,
guerra, incertidumbre y vertiginosos cambios como las dos guerras mundiales, el
avance científico-técnico, los movimientos sociales en defensa de las libertades
individuales, entre otros. Este panorama enriqueció el desarrollo cultural y permitió
diversas expresiones artísticas como el cubismo, dadaísmo y surrealismo. En muchas
ocasiones éstas expresiones son confundidas entre sí y poco valoradas en su riqueza
de significados. Por ello en este trabajo nos interesa profundizar sobre su riqueza y
simbolismo, pues como seres humanos sensibles nos interesa comprender lo que los
autores de estos estilos quisieron plasmar en sus obras.
Hipótesis

Las vanguardias son un estilo artístico del siglo XX en la cual hay diferentes
manifestaciones como el cubismo, el dadaísmo y el surrealismo. Mucha gente
las llega a confundir por ser parte de las vanguardias, sin profundizar en sus
significados.
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
El dadaísmo es una vanguardia intermedia que rompe con la línea del cubismo
dando pie al surrealismo.
Objetivo general

Analizar las diferencias entre los corrientes artísticas cubistas y surrealistas en el
arte pictórico, con el fin de llegar a conclusiones que develen las diversas
razones por las cuales en la mayoría de los casos el arte surrealista es
confundido con el cubista y viceversa, entre el público en general.
Objetivos específicos

Investigar información especializada sobre las vanguardias, sus representantes y
sus significados

Comprender las razones que llevaron a los artistas de cada estilo a plasmar su
arte privilegiando la técnica, el color, el sentido, las emociones, etc.

Contrastar dos obras pictóricas, emblemáticas del cubismo y surrealismo para
identificar sus semejanzas y diferencias
Justificación y sustento teórico
Para nosotros resulta muy importante conocer los estilos artísticos modernos,
comprender las razones que llevaron a los artistas a plasmar sus obras, pues
consideramos que profundizar en el conocimiento sobre las diversas expresiones
artísticas no sólo brinda un amplio bagaje cultural, sino que también permite sensibilizar
a las personas y apreciar de una mejor manera el entorno, conocer el contexto histórico
de una obra motiva su apreciación artística.
El sustento teórico de nuestro trabajo está basado en un ejercicio hermenéutico
fundamentado en fuentes documentales de expertos en historia del arte, también
contamos con la asesoría de nuestra profesora de arte quien nos ha enseñado técnicas
para interpretar una obra pictórica.
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Metodología
1.
Al inicio de nuestra investigación, buscamos información documental en la
biblioteca del Colegio Alemán Alexander von Humboldt, Campus Xochimilco,
consultamos libros sobre historia del arte de Picasso y Salvador Dalí, para
informarnos sobre el tema y tener un conocimiento más profundo. Después de
habernos informado en la biblioteca fuimos con Andrea Kettenmann, historiadora del
arte, quien nos explicó y mostro revistas de arte con diferentes tipos de cubismo y
surrealismo para que pudiéramos ver las diferencias en sus estilos.
2.
Posteriormente investigamos en libros digitales en la web, detalles de las
diferentes corrientes artísticas. Con la información recaudada analizamos y empezar
a desarrollar con mayor profundidad la investigación, por ejemplo, los simbolismos y
las semejanzas y diferencias de las pinturas, logrando así el objetivo de nuestra
investigación.
Fundamentación teórica
En este capítulo se expondrán las biografías de Salvador Dalí y Picasso con sus
respectivos movimientos culturales y el dadaísmo, con el fin de comprender el contexto
social y cultural en el que vivieron los autores y que les permitió expresar su arte.
I.
Vanguardias Artísticas
En las últimas décadas del siglo XIX y las primeras del XX, en varios países con un alto
grado de industrialización se presenció una tendencia a querer romper con esquemas
del pasado, mirando hacia el futuro. Fueron años en los que sectores por separado
buscaban abrir un camino hacia el futuro, pero al mismo tiempo otros buscaban guardar
respeto hacia los métodos clásicos y permanecer en su conservadurismo. La crisis artesociedad fue un fenómeno que dio pie al surgimiento de las vanguardias.
A las vanguardias se les conoce como los estilos artísticos que aparecieron en la
primera mitad del siglo XX. Su propuesta común sobre ser tan rupturistas con los
modelos clásicos ha sido siempre característica, dado que en esa época siempre se dio
una revolución en las artes plásticas.
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Los movimientos vanguardistas son más una actitud ante el arte que una estética,
que abandonará la imitación de la naturaleza para centrase en el lenguaje de las
formas y los colores. Es la hegemonía del inconsciente, de la reconstrucción mental
de la obra. Al espectador se le exige una nueva actitud ante la obra de arte. Los
estilos dejan de ser internacionales para ser característicos de un grupo de artistas.
1.1 Cubismo
A continuación presentaremos las características del cubismo, nos interesa para poder
entender las características de la pintura La mujer que llora de Pablo Picasso.
En 1907 y 1914 surgió en Francia un movimiento Vanguardista llamado cubismo,
encabezado por Pablo Picasso, Jean Metzinger, Georges Braque, Robert Delaunay,
Juan Gris y Albert Gleizes.
Este movimiento inicio cuando Pablo Picasso pintó el cuadro ¨Las señoritas de Aviñón¨
(Les Demoiselles D'Avignon), puesto que con esa pintura dibuja a las mujeres de una
forma geométrica.
El cubismo se crea por medio de la geometría representando formas de la naturaleza.
Por eso ya no se utiliza la perspectiva tradicional, ni los colores reales, no interesa ver
las figuras desde un punto de vista único, es decir, que cada quien interpreta lo que ve
en la pintura. Por ello, el pintor no se esfuerza en que el público entienda el concepto,
por esa razón Pablo Picasso escribió “Cuando hacíamos cubismo, no teníamos ninguna
intención de hacer cubismo, sino únicamente de expresar lo que teníamos dentro”
En las pinturas que representan al cubismo se presenta una sensación de profundidad.
Los detalles son suprimidos, y algunas veces representan el objeto como un solo
aspecto. Se encuentran bodegones, paisajes y retratos utilizando tonos pictóricos
apagados los grises, verdes y marrones.
Otra característica importante es: El cubismo trata de captar la realidad desde todos los
ángulos posibles y trata de proyectar el espíritu.
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Etapas
El desarrollo del cubismo se puede identificar en dos diferentes fases:
1.
El cubismo analítico que se caracteriza por descomponer la forma y las figuras
en múltiples partes, todas ellas geométricas. Su objetivo es examinarlas y
ordenarlas individualmente. Esta fase es la “original” y por ello la más
complicada de entender.
2.
El cubismo sintético que es la libre reconstitución de la imagen del objeto
disuelto. El objeto ya no se analiza y se desmiembra en todas sus partes. Por
esa razón, se resume su fisonomía esencial. La síntesis es realizada resaltando
en el lienzo las partes más importantes de la figura que serán vistas por todos
sus lados. Algo fundamental es la técnica del collage, la inserción en el cuadro
de elementos de la vida diaria como papeles, telas y objetos diversos. El primer
artista en practicarlo fue George Braque (pintor y escritor francés). El collage nos
ayuda a recuperar el referente concreto, a partir de ahí ya no interesa el análisis
minucioso, sino la imagen completa.
Semblanza Pablo Picasso
Nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España el 1901 y 1904 (Biografías y vida,
página web). Pablo Picasso alternó su residencia entre Madrid, Barcelona y París,
mientras su pintura entró en la etapa denominada período azul, fuertemente influida por
el simbolismo (período que transcurre entre 1901 y 1904: este nombre proviene del
color que domina la gama de las pinturas, y tiene su origen en el suicidio de su amigo
Carlos
Casagemas)
En
la primavera
de
1904,
Picasso
decidió
trasladarse
definitivamente a París y establecerse en un estudio en las riberas del Sena. En la
capital francesa trabó amistad, entre otros, con los poetas Guillaume Apollinaire y Max
Jacob y el dramaturgo André Salmon; entre tanto, su pintura experimentó una nueva
evolución, caracterizada por una paleta cromática tendente a los colores tierra y rosa
(Busca Biografías, 2016)
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En esta obra cumbre confluyeron numerosas influencias, entre las que cabe citar
como principales: el arte africano e ibérico y elementos tomados del Greco y Cézanne.
Bajo la constante influencia de este último, y en compañía de otro joven pintor, Georges
Braque, Pablo Picasso se adentró en una revisión de buena parte de la herencia
plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbito de la
representaciónn pictórica del volumen: fue el inicio del cubismo.
Entre 1915 y mediados de la década de 1920 Picasso fue abandonando los
rigores del cubismo para adentrarse en una nueva etapa figurativita, en el marco de un
reencuentro entre clasicismo y el creciente influjo de lo que el artista denominó sus
«orígenes mediterráneos». Casado desde 1919 con la bailarina rusa Olga Koklova y
padre ya de un hijo, Paulo, Pablo Picasso empezó a interesarse por la escultura a raíz
de su encuentro en 1928 con el artista catalán Julio González; entre ambos introdujeron
importantes innovaciones, como el empleo de hierro forjado.
El estallido de la guerra civil española lo empujó a una mayor concienciación
política, fruto de la cual es una de sus obras más conocidas, el mural de gran tamaño
Gernika. En 1943 conoció a Françoise Gilot, con la que tendría dos hijos, Claude y
Paloma. Tres años más tarde Pablo Picasso abandonó París para instalarse en
Antibes, donde incorporó la cerámica a sus soportes predilectos. El movimiento que el
comenzó a practicar fue el cubismo.
El Dadaísmo es una corriente intermedia que busca impactar y dejar perplejo al público
y le da fin a cubismo y el principio al surrealismo.
1.2 Dadaísmo
El Dadaísmo es una vanguardia que fue creado en 1916 en Zúrich, Suiza por
Tristan Tzara, la cual se extendió desde Europa hasta Estados Unidos. Esta
vanguardia estaba en contra de los valores y códigos de la época, arte, sistemas
establecidos y la Primera Guerra Mundial (1914 -1918).
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Una de las teorías del nombre Dadá, es que significa balbuceo o primer sonido que
dice un niño. Buscaban impactar y dejar perplejo al público. En 1917 se inauguró la
Galería Dadá y Tristán Tzara comenzó su publicación. El dadaísmo se divulgó a
través de revistas, su manifiesto y en las reuniones realizadas en cabarets o galerías
de arte.
El movimiento Dadá, se caracterizó por:

Protesta continua contra las convenciones de su época, actitud de burla total
y humor.

Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor.

Medios de expresión irónico-satíricos, a través del escándalo, el gesto, la
provocación.

Poesías ilógicas o de difícil comprensión.

Se inclina hacia lao rebelde, la destrucción, muerte, terrorismo, fantasioso,
etc.

Promociona la libertad, lo aleatorio, contradicción, caos, etc.

En contra
del modernismo, el expresionismo, cubismo, futurismo y
abstraccionismo.

Quieren volver a lo infantil.

Consideran más importante al acto creador que al producto creado.
1.3 Surrealismo
El surrealismo inicio en el año de 1924- 1945. En este tiempo surgieron grandes
artistas, entre ellos Salvador Dalí, por el que tenemos gran interés ya que ha sido
uno de los artistas más controversiales de la historia, además de que en esta época
hay un fuerte contexto histórico que influyó en su forma de plasmar su obra, por
ejemplo la Segunda Guerra Mundial, lo que pudo influir en este estilo de pintar.
El gran poeta francés Guillaume Apollinaire inventó el término en 1917, en su obra
Las tetas de Tiresias, también la utilizó en apuntes para su programa Parade
(1917), uno de los ballets rusos de Sergúei Diaghilev. Al morir Apollinaire en 1918 y
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años después, en 1924, mientras André Breton escribía el manifiesto del movimiento
artístico que, según él, contenía aspectos psicoanalíticos de Sigmund Freud junto con
la mentalidad Dadá; regresando a ver catálogos de las obras de Apollinaire, decidió
nombrar el movimiento, Surrealismo, en homenaje a su amigo Apollinaire.
Típico de los movimientos artísticos de la época, es que había una crítica general a la
sociedad, la idea era ingresar a los inconscientes de la gente y sacar a flote secretos
indecorosos, reprimidos por cuestiones de decencia. Saliendo los secretos a flote, se
realizaba una comparación entre la realidad “racional” y la otra versión, que obviamente
era mucho más desagradable, aunque más verdadera según Breton. Esta Revolución
llevaría a una confusión masiva, provocada por el pensamiento, las palabras y los actos
anti racionales de los artistas surrealistas. Lo cual, según Breton, sería maravilloso.
El Surrealismo creía en la existencia de otra realidad y en el pensamiento libre, plasmó
un mundo absurdo, ilógico, donde la razón no puede dominar al subconsciente. Tomó
del Dadaísmo, la importancia del azar y la rebeldía, pero rechazó su carácter negativo y
destructivo. Posteriormente buscó inspiración en el inconsciente, la imaginación, el
método de la escritura automática y el estudio de las teorías del psicoanálisis de Freud.
En la literatura generó una revolución en el lenguaje y la aportación de nuevas técnicas
de composición.
En 1928 Breton escribió “El surrealismo y la pintura”, donde explica sobre el
inconsciente, la realidad, los deseos y los sueños, y como el surrealismo propone
trasladar esas imágenes al mundo del arte, por medio de una asociación mental libre
que no presta atención a la razón o la conciencia. Eligiendo como método el
automatismo.
Pronto se distinguieron dos modos de hacer arte surrealista:
Una que defendía el automatismo, donde se encontraban los surrealistas abstractos
como Joan Miró y André Masson, quienes creaban universos figurativos propios. En el
automatismo las ideas y las asociaciones de imágenes, surgen de manera rápida,
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espontánea, fluida, sin hacer caso para nada de la coherencia y el sentido. Y otra que
creía que la figuración naturalista podía ser un recurso igual de válido. Donde los
surrealistas figurativos como Salvador Dalí, René Magritte , Paul Delvaux, Estéfano Viu
o Yves Tanguy, se interesaban por los sueños y el realismo mágico.
Max Ernst y Pablo Alonso Herraiz trabajarán en los dos modos de manera simultánea.
Semblanza Salvador Dalí
Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí y Doménech nació el 11 de mayo de 1904 en
España.Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid,
donde comenzó a experimentar con el cubismo. Cuando Dalí viajó a Paris, se unió al
movimiento surrealista que fue dirigido por André Breton. La cual, estaba en contra de
las ideas o imágenes susceptibles de un pensamiento racional y trataba de buscar la
inspiración a través del subconsciente. Por ello, Dalí trató de buscar las imágenes del
subconsciente por medio del estado alucinógeno
que él llamó “actividad crítica
paranoica”. (501 Grandes artistas)
Sus cuadros trataban sobre el mundo de los sueños, donde los objetos de la vida diaria
se transforman o cambian de manera ilógica, situados en un paisaje árido y soleado.
Dalí fue expulsado del movimiento surrealista después de negarse a aceptar su
ideología marxista. En 1940 viajó a Estados Unidos en la cual, realizó su primera
exposición en la MoMa de Nueva York.
Durante este periodo trabajo en el cine, en el teatro, la moda y la publicidad. En años
posteriores adopto un estilo más didáctico enfocado hacia la ciencia, el misticismo y la
religión.
II.
Visión Artística
2.1 La mujer que llora
En 1937, Picasso completó trece pinturas de mujeres desesperadas por motivo de la
guerra civil española que se llevó acabo de 1936 a 1939. La mujer que llora fue la
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última y la más elaborada de las piezas. A continuación podemos ver en la imagen
algunos elementos simbólicos muy importantes de la obra:
Sombrero con flor
Ojos entre abiertos
Pañuelo
Pelo recién peinado
arrugado
La mujer que llora, Picasso, 1937
Existen varias teorías que la mujer es Dora Maar, pareja sentimental de Picasso.
La protagonista del cuadro aferra un pañuelo arrugado. Picasso hace notar esa parte a
través de líneas en zigzag para darle un aspecto de rigidez provocando el dolor de la
mujer. Los colores verdes y amarillos oscuros transmiten un sentimiento de crueldad y
de carne putrefacta. El verde, amarillo y el rojo son los colores de la bandera
republicana junto con el morado.
Las líneas de color negro que se encuentran en el contorno de la figura están muy bien
marcadas al igual que la boca, el pañuelo y las manos, sin embargo, ellas se
encuentran con color blanco y negro para poder llamar la atención del grito desgarrador
que emite la mujer.
Los ojos están entre abiertos logrando trasmitir la desesperación y el dolor que produce
la guerra.
Por último, está el sombrero con la flor y el pelo que parece recién peinado.
2.2 Autorretrato blando con bacón frito
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Entre sus obras de estética gastronómica destaca este óleo sobre tela,
expuesto en el Teatre Museu Dalí de Figueres desde sus inicios. El cuerpo
es blando como el bacón, porque es comestible. Dalí definió este autorretrato
como “el guante de sí mismo”, ya que decidió pintar únicamente la piel.
Muleta
s
Piel
Panceta frita
Nombre de la obra
Autorretrato blando con bacón
frito, Salvador Dalí, 1941
Fue considerado por Salvador Dalí como un autorretrato lleno de ironía, con un rostro
amorfo, blando, sostenido por muletas y sobre un pedestal que lleva el nombre de la
obra. Se utiliza un trozo de panceta frita como símbolo de lo orgánico y de lo que para
el artista era común en los desayunos de su estancia en el Hotel Saint Regis de Nueva
York.
La forma en la que Dalí plasmó su autorretrato quizá fue intentando hacer una especie
de guiño hacia la forma en la que Miguel Ángel se autor representó en la Capilla Sixtina
en el Vaticano y además solía decir que lo más consistente de la representación
humana no era ni el espíritu ni la vitalidad, sino la piel misma.
En la obra se destacan varios de los signos distintivos peculiares de las obras de Dalí.
Un ejemplo de eso serían las muletas como una alusión de la idea de impotencia (gran
temor de Dalí), las figuras blandas y duras, las primeras correspondientes a lo digerible,
sustancial y cognoscible y las segundas representando lo impenetrable e irreductible en
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principio al conocimiento, todo esto con una obvia fuerte influencia de la filosofía
kantiana, de la cual Dalí era gran conocedor.
Por último también se puede ver una visión de Dalí acerca de cómo cualquier elemento
se podía convertir en su autorretrato, derivado de un exceso egocéntrico.
III.
Análisis de resultados
En el cubismo se caracteriza por el análisis de la realidad física y tiende a fragmentar
esta misma en forma geométrica. Este estilo se aleja de la naturaleza aunque no
abandonan la idea de esta de una manera débil y deformada. Su principal
representante fue Pablo Picasso.
En el caso del surrealismo, se intentan plasmar el inconsciente, es decir, el mundo de
los sueños y los más profundos pensamientos, Se basa en la imaginación intentando
plasmarla de una forma real. Su principal representante fue Salvador Dalí.
A continuación, La mujer que llora y el Autorretrato blando con bacón frito se ponen en
comparación para poder comprobar las semejanzas y diferencias de casa uno.
La mujer que llora
Autorretrato blando con
bacón frito
Causa
Pareja sentimental
Autorretrato
Propósito
Guerra civil española
Burla
Colores
Brillantes y trasmiten
Obscuros
sentimiento
Línea
Rectas
Curveadas
Perspectiva
2D
3D
Rostro/facciones
Reconocible
Irreconocible
Le dan un significado personal
No están apegados a la realidad
Sus respectivas manifestaciones artísticas son vanguardistas
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Conclusiones
Al final de este trabajo y como consecuencia de los análisis ya realizados, pudimos
concluir que mucha gente puede llegar a confundir entre estas dos vanguardias
artísticas que son el cubismo y el surrealismo, ya que tienen posibles similitudes,
después de todo, no resulta algo tan descabellado tener confusiones a la hora de
comparar ambas vanguardias, puesto que pertenecen a una época histórica muy
singular en la que se buscaba innovar en todos los aspectos (principios del siglo XX).
Sobre las similitudes entre ambas vanguardias es principalmente que ambas no están
apegadas a la realidad debido a su fuerte sustento literario y su perspectiva
completamente anti convencional. No obstante, no se puede ignorar que la esencia del
cubismo son las figuras geométricas y por otro lado el cubismo se basaba en destacar
detalles de un hecho objetivo, mientras que el surrealismo estaba más enfocado hacia
algún hecho subjetivo, esto debido a la fuerte influencia que tuvo del psicoanálisis.
Ambas vanguardias tenían propósitos similares, pero los objetos de estudio y expresión
artística eran diferentes entre sí, al igual que su forma de representación en el lienzo.
Fuentes de Consulta:
Bibliográfica
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Mesogràfica
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