Lenguaje y Narrativa Audiovisual

TEMA 1º: LENGUAJE Y NARRATIVA AUDIOVISUAL
• INTRODUCCIÓN A LAS TÉCNICAS AUDIOVISUALES:
El lenguaje audiovisual se ha ido configurando en la práctica cinematográfica y se ha perfeccionado en los
relatos de ficción. Cuando hablamos de lenguaje, nos referimos a una serie de signos que debidamente
codificados permiten abordar un determinado campo de comunicación: Aquel que se realiza mediante
mensajes audiovisuales construidos por elementos técnicos de registro de imágenes y sonidos.
En sus orígenes, el cine era considerado un instrumento perfecto y objetivo que permitía, al igual que la
fotografía, registrar la realidad. Sin embargo, la realidad no es muda, ni en blanco y negro y ni siquiera está
enmarcada.
Los cineastas tomaron conciencia de que la cámara no actuaba como el ojo humano y que no podía servir
como simple instrumento de registro ya que, era incapaz de reproducir con exactitud el mundo sensible y la
empezaron a utilizar como un medio que representaba la vida, la relataba y la expresaba.
La imagen es un modelo que sustituye la realidad mediante elementos icónicos (Línea, punto, color y la
textura); además, presenta un alto grado de expresividad y un bajo nivel de abstracción.
La técnica tuvo que acudir a la convención para poder representar la vida. De esta manera, un primer plano se
interpreta como el punto de vista de un observador que accede a la expresividad y la emoción del personaje.
El oscurecimiento de la pantalla para representar el paso del tiempo, la posibilidad de observar dos acciones
paralelas que ocurren en distintos escenarios, él poder ver como una persona toma un tren y a los pocos
segundos está a cientos de kilómetros, son algunos ejemplos de estas convenciones, a demás, muchos de estos
recursos no son naturales como la música de fondo.
No obstante, la aparente semejanza de la imagen fotográfica con la realidad, su materialidad y cercanía al
referente, transmite una fuerte sensación de naturalidad y hace que el espectador contemple la pantalla sin
percibir su carácter artificial.
La realidad es la principal fuente de materia prima del cine.
El arte cinematográfico no se contentó con ser un mero reflejo de la realidad. La creación artística y la ficción
permitieron al cine que se adentrara en la narrativa, convirtiéndose en un arte de masas de gran importancia en
nuestra época.
La imagen no es una copia objetiva de la vida real y requiere por tanto de convenciones para interpretarla. Si
uno es consciente de esa convención no puede disfrutar de la historia, no mantiene la distancia necesaria para
identificarse y proyectar sus sentimientos en los personajes. Por eso, el cine intenta ocultar su artificio.
• UNIDADES DE MEDIDA DEL MENSAJE AUDIOVISUAL
Se han establecido tres unidades de medida del discurso audiovisual (Secuencia, escena y plano)
− La secuencia: Es la unidad de relato audiovisual en la que se plantea, desarrolla y concluye una situación
dramática. Puede desarrollarse en un único escenario, incluyendo una o más escenas o puede estar formada
por diversos escenarios. También puede desarrollarse de principio a fin o mezclarse con otras secuencias.
− La escena: Se desarrolla en un solo escenario y por si misma no tiene sentido dramático completo.
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− El plano: Es la unidad mínima de significación dentro del relato visual a partir del cual construimos las
escenas y las secuencias.
Se obtiene de la toma, término que sirve para designar la captación de imágenes por la cámara. Las tomas son
seleccionadas y combinadas mediante la edición. A la parte de la toma que se utiliza en el montaje se le llama
plano.
• PROPIEDADES CINEMATOGRÁFICAS DEL PLANO
Las cualidades cinematográficas incluyen tres factores: Los aspectos fotográficos, el encuadre del plano y la
duración del plano.
− Gama de tonalidades:
El contraste entre los colores, incluidos el blanco y el negro, determina un tipo de apariencia de la imagen.
El cineasta suele modificar estos parámetros para conseguir determinados efectos para atraer el interés del
espectador como modificar las formas o modificar la escena.
− Contrastes de colores y de luz:
El contraste se refiere a la diferencia que hay entre la zona más clara y la más oscura del plano. En películas
de alto contraste hay zonas de blanco luminoso, negro puro y escasos grises.
Mediante el contraste se puede encauzar la mirada del espectador hacia las partes importantes de la imagen.
El uso de una luz dura sobrevalora las texturas, reduce el detalle y las imágenes son más planas.
La luz suave consigue volumen y definición.
El uso de tonos altos crea espacios delicados y los tonos bajos reproducen imágenes misteriosas.
También se pueden crear contrastes de color: En unos casos es posible obtener imágenes con colores muy
saturados y enormemente diferenciados. En otros casos, el contraste de color es menos y tiende a proporcionar
un plano monocromático.
También es posible modificar los colores de una imagen en el montaje. Incluso, se pueden utilizar filtros que
puestos en la cámara reducen ciertas frecuencias de color que alcanzan al objetivo.
LA VELOCIDAD DEL MOVIMIENTO
La velocidad de la película depende de la relación entre la velocidad a la que se ha filmado y la velocidad en
que se reproduce. La velocidad se mi de en fotogramas/segundo.
Si se graba la película a una velocidad menor que la de reproducción, ocurrirá una mayor aceleración en la
pantalla (Cámara rápida)
Cuantos más fotogramas se graben por segundo, más lenta parecerá la acción en la pantalla. (Cámara lenta)
LAS RELACIONES DE PERSPECTIVA
La escala, la profundidad y las relaciones espaciales entre los elementos de la escena se llaman relaciones de
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perspectiva.
Hay muchos tipos de lentes que ofrecen las relaciones de perspectiva de una misma escena de una manera
completamente diferente.
Controlar estas relaciones es muy importante. La principal variable es guiarse por la distancia focal de las
lentes, de ella depende la perspectiva de la imagen.
Existen tres tipos básicos de lentes:
De corta distancia focal: (35mm Gran Angular) Distorsiona las líneas rectas, exageran la profundidad de la
escena haciendo que los personajes parezcan estar muy alejados unos de otros y las figuras se mueven más
rápidas que en la realidad.
De distancia focal media: (De 35 a 50mm) Esta lente normal intenta evitar las distorsiones de perspectiva. Las
líneas aparecen rectas y perpendiculares, la profundidad es real y las figuras no parecen distantes.
De distancia focal larga: (De 75 a 250mm. Teleobjetivo) Reduce el ángulo de visión. La imagen se muestra
bidimensional, el fondo se junta con el primer término, las figuras aparecen cerca unas de otras. El
movimiento del sujeto es mucho más lento que en la realidad.
Hay un tipo de lente que permite modificar la perspectiva de la imagen en un mismo plano. Es el Zoom;
diseñado para permitir la variación de la distancia focal de forma contínua sin desplazar la cámara.
LAS LENTES: PROFUNDIDAD DE CAMPO Y DE FOCO
Denominamos profundidad de campo a la gama de distancias entre el objetivo, dentro de las cuales los objetos
se pueden fotografiar en foco nítido.
Las lentes de distancia focal corta tienen una profundidad de campo mayor que la distancia focal larga o
teleobjetivo.
No confundir profundidad de campo con profundidad espacial.
EL ENCUADRE
El encuadre nos define el plano. El hecho de elegir una posición de cámara establece una diferencia en el
encuadre de la imagen y en como percibimos el hecho filmado. Puede afectar a la imagen mediante:
• El tamaño y la forma.
• La manera en que el encuadre define el espacio en campo y fuera de campo.
• La forma en que el encuadre controla la distancia, el ángulo y la altura.
• La forma en que el encuadre puede moverse en relación con la puesta en escena.
PLANO DE ENCUADRE.
El tamaño y el formato son factores externos al encuadre.
Estos elementos afectan a la percepción de lo que la imagen contiene.
Al contemplar una imagen importa su tamaño ya que este influye en la ilusión de realismo.
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La proporción entre la altura y la anchura del fotograma es lo que se denomina formato.
Se estableció en el cine dicha proporción:
La imagen iba a ser rectangular y su proporción de tres a dos, dando lugar a un formato que se denomina
1.33:1 llamado formato académico.
Existen también:
1.66:1
1.75:1
2.35:1 Cinemascope
EL ESPACIO EN CAMPO Y FUERA DE CAMPO
La toma comienza con un determinado encuadre, dejando fuera lo demás. Selecciona una porción para
mostrarla.
Lo que se muestra en campo, lo que vemos y oímos, es tan importante como lo que imaginamos que está allí;
rodeando al encuadre.
El fuera de campo, es aquello que el espectador cree que hay fuera del encuadre basándose en la información
de lo que se ve. Si la cámara abandona un objeto o una persona y se mueve a otro lugar, suponemos que dicho
objeto todavía está allí; aunque ahora fuera de campo. Lo que se ve en el espacio encuadrado se dice que está
en campo.
Burch ha señalado tres zonas de espacio fuera de campo:
• El espacio que está mas allá que los cuatro bordes del encuadre.
• El espacio de detrás del decorado.
• El espacio detrás de la cámara.
La presencia del fuera de campo es detectada por el espectador mediante el recurso a miradas y gestos de los
personajes en campo a algo que está fuera de él. El sonido puede ofrecer pistas sobre el fuera de campo.
El espacio fuera de campo puede sugerir sensaciones sin necesidad de hacer evidentes las imágenes.
Permite economizar mediante un encuadre parcial decorados, ambientación etc.
TIPOLOGÍA DEL PLANO
La imagen implica un ángulo desde el que se sitúa el espectador.
Se distinguen tres categorías si la angulación es vertical:
• Ángulo recto es el más común.
• Ángulo alto (Picado): Se mira hacia abajo
• Ángulo bajo (Contrapicado): Se mira hacia arriba
Si el ángulo tiene como referencia el plano horizontal, la cámara puede adoptar cualquier angulación en
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cualquiera de los 360º de la circunferencia imaginaria que rodea al sujeto.
Se consideran tres ángulos horizontales:
• Frontal.
• Perfil
• Tres cuartos o Escorzo
NIVEL
Si el encuadre está nivelado, los bordes horizontales del cuadro serán paralelos al horizonte del plano y los
verticales serán perpendiculares a la imagen. Si la escena está grabada en diagonal, la imagen resultante será
oblícua.
ALTURA
A veces, el encuadre nos crea la sensación de estar a cierta altura. La altura de la cámara no es solamente una
cuestión de angulación.
DISTANCIA DEL ENCUADRE
El encuadre crea la sensación de estar cerca o lejos de la escena. Según la distancia de cámara podemos
distinguir:
− Plano de conjunto: La figura humana apenas es visible. Se emplea para los paisajes o filmaciones a vista de
pájaro de las ciudades.
− Plano general: La figura es más visible, pero todavía predomina el fondo. Presenta al sujeto de cuerpo
entero en el escenario donde se desarrolla la acción.
Dentro del plano general podemos tener lo que llamamos:
Plano general largo: Si predomina el escenario.
Plano general corto: Si permite una descripción corporal del sujeto.
Cuando el plano general encuadra a más de una persona se denomina plano general de conjunto.
− Plano americano/plano medio largo: Es muy común en el cine de Hollywood. La figura humana está
encuadrada desde las rodillas hacia arriba. Permite un buen equilibrio entre el sujeto y el fondo. Sirve para
mostrar las acciones de los personajes y para observar los rasgos físicos de la figura humana.
− Plano medio: Encuadra el cuerpo humano desde la cintura hasta arriba.
− Plano medio corto: Encuadra la figura humana desde el pecho hacia arriba. Muestra la expresión facial.
− Primer plano: Muestra solamente la cabeza, las manos, los pies o algún pequeño objeto. Pone de relieve las
expresiones faciales y nos sitúa a una distancia de intimidad con el personaje. Es el plano expresivo por
excelencia.
− Primerísimo primer plano/plano detalle: Destaca una porción del rostro y agranda lo pequeño.
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FUNCIONES DEL ENCUADRE:
Los encuadres no tienen significados absolutos ni generales.
El significado y el efecto son el resultado de la película entera. El contexto determinara la función de los
encuadres.
La distancia, el ángulo, el nivel y la altura, adoptan a veces funciones narrativas bien definidas: La distancia
puede resituar personajes, situaciones y acciones o puede aislar un detalle importante de la narración.
El encuadre ayuda a considerar un plano como subjetivo ya que, nos incita a tomarlo como la visión de un
personaje.
La distancia y el ángulo pueden situarnos en una zona del espacio de la narración o hacer que determinados
planos y secuencias sean absolutamente distintos del resto de la película.
Los encuadres pueden tener su propio interés: Los primeros planos pueden resaltar texturas y detalles, los
generales pueden permitirnos explorar espacios amplios.
A veces el encuadre se comporta como una exploración de si mismo, ya que no se trata del punto de vista de
un personaje: Intenta despertar el interés del espectador a través de encuadres raros que den una impresión
más viva y llamativa de la historia.
• EL ENCUADRE MÓVIL:
En el cine y en el vídeo es posible que el encuadre se mueva.
En 1896 se inventa el Travelling de cámara (La filmación con la cámara en movimiento)
Los movimientos de cámara pueden ser:
A) Descriptivos:
− Acompañamiento de un personaje u objeto en movimiento.
− Creación de un movimiento inusual en un objeto estático.
− Descripción de un objeto o acción.
B) Movimientos dramáticos:
− Definición de las relaciones esenciales entre dos elementos de la acción.
− Relieve dramático de un personaje o de un objeto importante.
− Expresión subjetiva del punto de vista de un personaje.
− Expresión de la tensión mental de un personaje.
El encuadre móvil significa que dentro de los límites de la imagen que vemos, el encuadre del objeto cambia,
El encuadre móvil produce cambios en la altura, la distancia y el ángulo o el nivel de la cámara dentro del
plano.
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TIPOS DE ENCUADRE MÓVIL
La capacidad del encuadre para moverse lo denominamos movimiento de cámara. La movilidad del encuadre
se consigue mediante el movimiento físico de la cámara durante la filmación.
Clases de movimientos:
− La panorámica: La cámara gira sobre un eje vertical. No se desplaza y da la sensación de que explora el
espacio horizontalmente. Es como si giraran la cabeza a izquierda y derecha.
− En el movimiento picado/contrapicado la cámara gira sobre un eje horizontal, moviéndose de arriba abajo.
− Travelling: Toda la cámara cambia de posición, moviéndose por tierra en cualquier dirección.
− Plano de grua: La cámara sube y desciende gracias a un brazo mecánico que la levanta y la baja. También
puede ir hacia adelante y atrás.
La mayoría de los movimientos se hacen con la cámara colocada en un soporte fijo que se puede mover.
A veces, el director no quiere movimientos suaves y prefiere una imagen desigual y temblorosa mediante el
uso de la cámara de mano.
El único movimiento que no implica movimiento es el zoom. Crea un encuadre móvil al reducir o ampliar la
imagen.
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