tema 20 .- las vanguardias históricas

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TEMA XX: LAS VANGUARDIAS HISTÓRICAS:
En el siglo xx las artes figurativas experimentan una profunda transformación, hasta que con
la abstracción dejan de ser figurativas.
LA PINTURA DEL SIGLO XX TIENE UNAS CARACTERÍSTICAS CONCRETAS:
1. Rechazo de la representación de la realidad, esto es debido, entre otras cosas, a que la
fotografía comienza a ocuparse del papel de captación de la realidad, desplazando a la
pintura hacia posiciones de interpretación y no de representación.
2. Los avances en las matemáticas y la física lanzarán a la pintura hacia la búsqueda de
un mundo misterioso que se esconde tras la envoltura de las formas, tratando de llevar
al lienzo, la complejidad de dichas formas.
3. No hay que olvidar que sobre los pintores de nuestro siglo dejarán una profunda
huella los sufrimientos derivados de las dos guerras mundiales y los problemas de la
industrialización. persigue la expresión de las vivencias internas del artista.
(Esto es algo que ya estaba anunciando el postimpresionismo)
CONSECUENCIAS DE ESTAS CARACTERÍSTICAS:
1. Surgen las nuevas vanguardias históricas del siglo xx.
-
La pintura fue la primera en innovar
-
El arte no necesita reflejar la realidad externa
-
Se valora el proceso de creación antes que el de representación
o
La creación es libre y trata de captar en imágenes estados de ánimo y
sentimientos.
o
La belleza y la perfección o técnica formal no importan ante la
originalidad y la fuerza expresiva.
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1. EL FAUVISMO: MATISSE
En los primeros años del siglo xx, se produjo una revolución pictórica sin precedentes, varios
pintores franceses y alemanes hacen sus obras voluntariamente feas y bestiales. Son los
llamados “fauves” o “fieras”, siguiendo a Gauguin y a Van Gogh, su sensibilidad y lirismo, sus
deseos de expresión.
Se dieron a conocer al público en el Salón de Otoño de 1905.
-
CARACTERÍSTICAS:
o
La pintura deja de estar relacionada con el racionalismo y rompen con el
esteticismo dominante hasta entonces.
o
El fauvismo lucha con todo lo anterior, abanderando una reacción en pro
del color y del objeto:

Uso del color de forma apasionada (se llega a aplicar la pasta
directamente del tubo) sin mezclas.

Se inclina por la mancha plana y ancha, independizándose
totalmente del objeto al desaparecer cualquier relación entre
ambos.

La línea recupera su protagonismo, delimitándose las figuras con
trazos gruesos y nítidos.

La luz desaparece y con ella el volumen y la profundidad (como ya
hiciera Gauguin en su etapa tahitiana)
o
Sin orden ni geometría
o
Se les da un valor decorativo y sensual conformista con la realidad
o
Carente de sentido crítico.
TEMÁTICA:

Los paisajes

Escenas cotidianas con personas en el interior de habitaciones
3
-

Naturalezas muertas y paisajes(como en el impresionismo)

Retratos
INFLUENCIAS:
o
o
GAUGUIN Y LOS NABIS (SEGUIDORES DE GAUGUIN)

BONNARD

DENIS

VUILLARD
CUBISMO:

CONSECUENCIA:

Pintan composiciones más ordenadas y geométricas
4
1. HENRI MATISSE (1869-1954)
Se convirtió en el líder del grupo y se mantuvo siempre fiel a los principios fauvistas.
CARACTERÍSTICAS DE SU OBRA:

Composiciones clásicas y ordenadas.

Dibujo y colores planos, como base de una pintura decorativa y agradable a la
vista.

Uso de líneas onduladas separando campos de colores planos.

Nunca empleó la perspectiva.

Persigue la expresividad, entusiasmado sobre todo por la de la pintura de Van
Gogh,

Gusto por los colores intensos, influenciado por Cezanne
a. “La danza”
b. “La habitación roja”
c. “Madame Matisse”
d. “La raya verde”
2. ANDRÉ DERAIN(1880-1954)
Su pintura es menos expresiva de los que suele ser normal en el resto de pintores del
este grupo, si da mucha importancia a la línea y al color, utilizando arbitrariamente,
independizándose de los objetos.
a. El puerto de Londres
b. El puente de Londres
3. MAURICE VLAMINCK (1876-1958)
4. PAOUL DUFY (1877-1953)
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2. EL CUBISMO: JUAN GRIS:
CARACTERÍSTICAS
1) El problema que se plantea este movimiento es el de la representación de la realidad
tridimensional en un plano de dos dimensiones. Es decir, la distorsión de la realidad de
forma lógica, mediante formas geométricas puramente racionales, no visuales,
intentando corregir los errores sensoriales a través de la ruptura total de la perspectiva
tradicional.
2) Crítica a la perspectiva tradicional, lineal o geométrica, a la cual se la considera falsa y
arbitraria.
3) Además de no emplear la perspectiva tradicional, los pintores cubistas tampoco
utilizan los colores de la realidad, ni adoptan un punto de vista único, produciéndose
además la desaparición definitiva de la luz y la profundidad de las composiciones
pictóricas y la exaltación del plano y la ausencia de volumen.
4) Se busca un acercamiento intelectual y no sensorial a la representación de la tercera
dimensión: el pintor deja de ser un ilusionista de manera que en una obra cubista el
espectador no ve el espacio y el volumen sino que lo intuye, lo reconstruye
intelectualmente, gracias a su experiencia.
5) Los objetos se descomponen en múltiples puntos de vista y están geometrizados,
reducidos a sus líneas esenciales, todo ello para mostrarlos con la máxima claridad.
6) Reacción contra el fauvismo
OBJETIVOS:
1) Reflejar la esencia constructiva de los objetos y romper con el espacio tridimensional
reflejando todos los puntos de vista.
2) Deseo de realismo:
3) Uso de trozos de material o papel inventando el collage.
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JUAN GRIS:
Coincide con Picasso en el cubismo sintético y en su emigración a París. Su temprana muerte
le impidió avanzar más en el camino de la abstracción. Representa la nueva óptica plástica que
multiplica los puntos de vista de los objetos y que sitúa la geometría en el centro de toda su
concepción estética.
Realizó un cubismo intelectual y ordenado, sereno y sobrio donde las formas son reconocibles.
Destaco su cubismo sintético en retratos, bodegones, paisajes y collages.
Sus cuadros influyeron en el constructivismo y neoplasticismo.
Obra:
“El desayuno”
“Botella de anís”
“Vaso de cerveza con cartas”.
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3. EL FUTURISMO: BOCCIONI
El futurismo es un movimiento anterior a 1914, en un principio fue una prolongación del
impresionismo, pero luego se separan de él.
El futurismo se inicia con el manifiesto de Marinetti de 1909 y se considera finalizado con la
muerte de Umberto Boccioni en 1916, durante la Primera Guerra Mundial. Se trata, por tanto,
de una de las vanguardias más breves, además, sus principales representantes eran italianos, y
sus obras se circunscribieron a Italia.
El manifiesto de Marinetti expuso los principios fundamentales del futurismo: destruir la
cultura y el arte tradicional. La sociedad europea preindustrial estaba en proceso de
desaparición por la revolución industrial y política a principios del siglo XX, sin embargo, el
arte y la cultura tradicional permanecían incólumes. Los futuristas intentaron dar el tiro de
gracia a una cultura considerada como caduca. Así entendemos que en el citado manifiesto se
propugne la destrucción de los museos o que "un automóvil de carreras es más bello que la
victoria de samotracia". Evidentemente el futurismo confiaba en que el desarrollo técnico e
industrial eran en sí positivos, por eso exaltaba la máquina y la velocidad como valores
supremos.
Los manifiestos del poeta Marinetti desde 1909, marcaran su inicio. Criticando la tradición y
exaltando el progreso de la ciencia, la técnica y la industria agruparon en torno suyo a un
grupo de artistas italianos. La pintura reflejó el movimiento y la energía de los cuerpos
empleando planos geométricos fragmentados de influencia cubista, y tendió a la abstracción
para expresar el movimiento usando planos simultáneos y la técnica puntillista.
Los pintores futuristas propugnan el automatismo psíquico, la liberalización del espíritu sin
sujeciones racionales, consideran que el objeto de su pintura espantar el movimiento, la
energía, el devenir, por lo que intentan pintar principalmente la estridencia de la vida
moderna, el movimiento y la velocidad de los automóviles, incluso el ruido que producen.
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Destacaron los italianos:
Giacomo Balla (1871-1959) “Niña corriendo en un balcón” 1912
“Dinamismo de perro con cadena”
“UMBERTO BOCCIONI (1882-1916)
Umberto Boccioni (1882-1916) fue uno de los principales teóricos del futurismo además de
un artista. En el manifiesto técnico de la escultura futurista (1912) Boccioni habla de la "líneafuerza", energía que se produce como consecuencia de la reacción de los objetos ante las luces
y las sombras. La escultura de Boccioni juega con la relación entre volumen sólido y aire
envolvente, dos elementos que juegan a intercambiar su espacio respectivo, ello favorece su
integración dinámica. Un ejemplo de estas características lo tenemos línea única de
continuidad en el espacio que insiste en la representación de la fuerza y el movimiento.
“Dinamismo de un ciclista” 1913.
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4. LA POÉTICA DEL EXPRESIONISMO: MÚNICH
Mientras que otros movimientos de las vanguardias históricas duraron poco tiempo, los
diferentes movimientos expresionistas se sucedieron, apareciendo y desapareciendo con
nuevos representantes cada vez.
El término "expresionismo" se empezó a utilizar por oposición al impresionismo. El
impresionismo significaba la representación de lo externo, lo superficial; el expresionismo en
cambio la representación de lo emocional, de los sentimientos internos del artista.
Las obras expresionistas tienen en común que enfatizan el lado oscuro de la conciencia
humana, y reflejan la angustia de la humanidad ante lo inevitable de su destino trágico. Los
temas comunes son la soledad, la muerte, la degradación humana, la hipocresía social, etc. las
manifestaciones artísticas expresionistas han tratado estos temas vinculando fondo y forma de
manera estrecha: lo conceptualmente feo se pinta estéticamente feo.
Si bien se trata de un movimiento internacional, Alemania tiene un singular protagonismo en
el mismo. La difícil historia de Alemania a principios del siglo xx (autoritarismo, militarismo,
guerra, crisis económica) explica en parte esta situación.
-ORIGEN:
Alemania principios del siglo XX:
-Surge como reflejo del ambiente de tensión política y social anterior a la 1ª Guerra
Mundial.
De hecho, su estilo es un nuevo brote romántico y apasionado que bucea en los estratos más
hondos de la realidad, expresando dolor, fantasía y angustia del hombre.
- Como crítica a la sociedad burguesa considerada hipócrita.
INFLUENCIAS
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- Ideas filosóficas de Nietzsche:
1-Negación de los valores tradicionales y de la razón.
-Las obras literarias de Ibsen y Strindberg.
-El existencialismo: “la subjetividad del todo”.
-Las teorías de Freud.
-Marxismo.
- CARACTERÍSTICAS:
1. Rechazaron la pintura académica y convencional
2. Técnica:
-Pintura nerviosa que deforma las figuras
-Dominio de colores oscuros.
2. INFLUENCIAS PICTÓRICAS:
.Grabados medievales
.Goya
.Gauguin
.Precursores del expresionismo (finales del siglo xix)
1. Van Gogh
2. Pintura simbólica de Munch (1563-1944)
3. Pintura del belga James Ensor (1860-1949)
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PRECURSORES DEL EXPRESIONISMO
EDUARD MUNCH
CARACTERÍSTICAS DE SU OBRA:
1. Reflejó la angustia y la soledad humana mediante colores planos
2. Líneas onduladas de influencia modernista
3. Un espiritualismo que enlaza con van Gogh
TEMÁTICA:
1. Simbólicos:
a. Amor
b. Soledad
c. Dolor
d. Muerte
OBRAS MÁS IMPORTANTES:
1. “EL GRITO” (1893): El cuadro es un símbolo de la emoción delirante que se introduce
en muchas obras de arte y anticipo del expresionismo; “solo, temblando de angustia,
sentí el grito vasto, infinito, de la naturaleza” (poema de Much describiendo el cuadro)
En sus obras, Munch hace que la naturaleza entera sirva de eco a la angustia humana.
Así, las largas pinceladas curvas hacen que el cielo, las montañas y el mar se integren
en un todo con la figura de primer plano que lanza un desgarrador grito. El rostro
cadavérico de dicha figura parece sugerir la enfermedad y la muerte como destinos
últimos del ser humano. La soledad y la incomunicación de ésta se resaltan por las dos
figuras que se encuentran al fondo.
2. “LA DANZA DE LA VIDA” (1899)
Estas dos obras son iconos de la angustia existencial.
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JAMES ENSOR
CARACTERÍSTICAS DE SU OBRA:
1. TEMÁTICA:
a. Máscaras y calaveras ridiculizando al ser humano y al “carnaval de la vida”
2. Sentido humorístico y patético que tiene influencias del Bosco y de Brueghel
3. OBRAS MAS DESTACADAS:
-“Las máscaras escandalizadas” 1883
- “Las máscaras y la muerte” 1897”
4. OTRAS INFLUENCIAS:
a. El fauvismo: en los colores violentos
b. El cubismo: por las formas angulosas.
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GENERACIONES DE EXPRESIONISTAS ALEMANES:
1. EL PUENTE: DIE BRÜCKE
-ORIGEN: En Dresde 1905, el mismo año que los fauvistas exponen en parís y se trasladó
posteriormente a Berlín
-CARACTERÍSTICAS:
-Destacó por la crítica a una sociedad hipócrita.
No tienen un programa preciso, poseen una técnica similar a sus contemporáneos fauves en
cuanto a la intensidad de las siluetas y el manejo de las masas cromáticas, aunque prefieren los
tonos oscuros, incluido el negro.
Destacan por su concepción atormentada, pro la captación de las angustias interiores del
hombre, mostrando lo más oscuro del ser humano.
-INFLUENCIAS:
- Del fauvismo: la influencia del fauvismo es evidente, pero existe un fuerte contraste
entre Francia y Alemania. Los fauves franceses usan colores chillones y de manera extrovertida
y optimista y por el contrario los expresionistas del puente obtienen resultados sombríos y
pesimistas.
1) Uso del color como expresión anímica
2) Interés por los primeros planos
3) Interés por los colores planos
-Del cubismo:
1) Formas angulosas.
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GRUPO EL PUENTE
i)
ERNST KIRCHNER (1880-1938) ·es considerado el jefe de la Escuela, de vida
atormentada terminará suicidándose, destaca por mostrar los oscuros seseos que
laten en el fondo de los seres humanos.
(1) ”CINCO MUJERES EN LA CALLE”
ii) EMIL NOLDE (1867-1956)
(1) ”DANZA EN TORNO AL BECERRO DE ORO” los colores arremolinados en
manchas estridentes y la brutal sensualidad de los cuerpos traducen al
lenguaje expresionista este tema bíblico.
iii) KARL SCHMIDT ROTTLUFF (1884-1976)
(1) ”SOL SOBRE EL BOSQUE “
iv) OTTO MUELLER (1874-1930)
(1) ”TRES DESNUDOS ANTE EL ESPEJO”
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2. EL JINETE AZUL: DER BLAUE REITER
El jinete azul no es un movimiento organizado, sino la conciencia de una serie de pintores que
convergen hacia una estética común. Nació 1911, en la ciudad de Múnich.
Propugnan un expresionismo abstracto, ya que su pintura tomará generalmente caminos
abstractos y geométricos.
El grupo se extingue con la primera guerra mundial, pero no el expresionismo, ya que muchos
pintores seguirán utilizando las deformaciones de este estilo para representar el horror de su
tiempo.
El jinete azul reacciona abiertamente contra el puente. Como éste reniega de una realidad
indeseable, pero lo hace de una manera distinta. Tanto Kandinsky como Franz Marc toman
una actitud escapista, pero hacia el interior de su mente. La mejor manera de combatir una
realidad que no gusta es buscar en el interior lo bello y bueno del ser humano.
ORIGEN: MÚNICH 1911
INFLUENCIAS:
-CUBISMO
-MODERNISMO
-DE MUNCH
- GRABADO MEDIEVAL
- TEORÍAS DE WORRINGER:
- La obra del arte tiene un carácter metafísico y el artista debía abstraerse del mundo
visible.
Los principales representantes de dicho movimiento son Vassily Kandinsky (1866-1944) y
Franz Marc (1888-1916). El nombre del movimiento es sólo anecdótico pues proviene del
gusto de estos dos autores por los caballos y el azul.
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a) EL JINETE AZUL
i)
FRANZ MARC (1880-1916)
Características de su obra:
Podemos observar una tendencia cubista en su obra
-
Pintó la naturaleza y los animales salvajes como símbolo de pureza
-
Dio, al color un carácter simbólico:
o
azul : masculino
o
amarillo: femenino
o
rojo: materia
-
Evolucionó hacia la abstracción geométrica
-
Obra: “caballos” “vaca , ternero”

VASSILY KANDINSKY (1866-1944)
FUE LA PRINCIPAL FIGURA DEL MOVIMIENTO.
Kandinsky tiene una gran influencia de los fauves, en la obra titulada la calleja de Murnau
(1909) la utilización de colores estridentes recuerda las obras fauvistas, sin embargo, la
pintura de Kandinsky es algo más, la calle solitaria parece mostrar algo que inquieta al
observador.
En 1906 lo encontramos unido al movimiento Fauve.
Desde 1911 forma el “der Blaue Reiter” junto con Franz Marc y Paul Klee, y publica “lo
espiritual en el arte”, expresando sus obras durante esta etapa principalmente sus emociones,
ya que para él todo arte auténtico es expresión exterior de una necesidad interior,
correspondiendo a una época angustiada, como la primera guerra mundial, un arte
igualmente angustiado.
A partir de 1929 inicia a su etapa conocida como “la gran síntesis”, por la que se le considera
el padre de la abstracción, aproximando la pintura a la música, convirtiéndola en un arte no
figurativo, la abstracción.
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
CARACTERÍSTICAS:
-Veía en el arte el producto de la intuición e imaginación del artista
- Buscaba armonías de forma y color sin referencias figurativas
-Obras:
“Impresión III” con su serie de cuadros denominados “impresión”
Kandinsky inicia su peregrinación hacia el arte abstracto, las figuras se
estilizan, alejándose cada vez más de la realidad, los colores evolucionan en el
conjunto de la composición hasta convertirse en una auténtica sinfonía de
manchas.
“IMPROVISACIÓN XIV”
“CUADRO CON MANCHA ROJA”·
ii) PAUL KLEE (1879-1940)
(1) Inspiración
(a) El arte primitivo e infantil
(b) Pintó formas geométricas y colores de influencias cubistas (líneas, puntos)
(2) OBRAS:
(a) “LUGAR GOLPEADO”
iii) AUGUST MARCKE (1887-1914)
“LA TEMPESTAD”
iv) ALEXEJ VON JAWLENSKY (1864 -1941)
“COSTA MEDITERRÁNEA”
5. LOS INICIOS DE LA ABSTRACCIÓN: KANDINSKY
La abstracción es una tendencia artística que considera que las figuras son un obstáculo para
la verdadera percepción de la obra artística. Especialmente en lo que se refiere a la pintura, la
abstracción considera al cuadro ante todo como una superficie cubierta de colores y no una
ventana hacia un mundo virtual de tres dimensiones.
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No todas las manifestaciones abstractas son iguales, de hecho, se llega a la abstracción por
caminos muy diferentes. Por eso distinguimos entre una abstracción lírica o subjetiva y una
abstracción geométrica que pretende ser objetiva.
La abstracción lírica nace en 1910. Se dice que Kandinsky que, entonces militaba en el
movimiento expresionista der Blaue Reiter, al volver a su taller encontró un cuadro
aparentemente abstracto que le produjo una honda impresión emocional. En realidad era una
obra figurativa pintada por él y colocada al revés.
VASSILY KANDINSKY (1866-1944) es uno de los principales pintores abstractos, pero además
es su principal teórico. Realiza a partir de 1910 una abstracción lírica de raíz intuitiva. Los
cuadros de esta época lírica de Kandinsky están llenos de manchas cromáticas de contornos
irregulares y líneas erráticas aplicadas aparentemente sin sentido. Sin embargo, estas
composiciones armonizan de una manera misteriosa y tienen un extraño encanto. Kandinsky,
en su obra de lo espiritual en el arte (1910) subrayaba el efecto emotivo del color. Este efecto
queda aminorado frecuentemente por el arte figurativo que distrae al espectador de lo
esencial, la solución es el arte abstracto. Kandinsky era un gran admirador de la música de
principios del siglo xx (Stravinsky, Schoenberg, etc.) y puso a sus pinturas títulos de obras
musicales.
Tras la 1ª guerra mundial Kandinsky visitó la URSS y allí conoció el constructivismo, por ello
evolucionó hacia la abstracción geométrica. En 1926 publicó punto y línea sobre el plano. En
esta obra exponía sus ideas sobre la abstracción geométrica. Una constante de sus obras es la
oposición de contrarios: los objetos angulosos como triángulos se pintan con colores cálidos
como el rojo o el amarillo; los objetos curvos como círculos se pintan con colores fríos como el
azul.
CARACTERÍSTICAS DE LA ABSTRACCIÓN LÍRICA:
1. Subjetividad y espontaneidad
2. Métodos pictóricos improvisados e impulsivos
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3. Elementos visuales expresivos
4. Factura expresiva y emotiva
5. Composición dinámica y asistemática
6. Ambigüedad, vaguedad y sugestión
7. Materiales expresivos
CARACTERÍSTICAS DE LA ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA:
1. Objetividad y racionalidad
2. Planificación racional de la obra
3. Predominio de las figuras geométricas
4. Factura impersonal
5. Composición sistemática, equilibrada y racional.
6. Claridad y precisión de las formas
7. Escasa o nula expresividad de los materiales
Otra de las manifestaciones más tempranas de la abstracción geométrica es el neoplasticismo
holandés. Los autores neoplasticistas, especialmente Mondrian reducen conscientemente los
elementos expresivos a la mínima expresión: líneas horizontales y verticales que cruzan en
ángulo recto, los tres colores primarios (azul, rojo, amarillo) y los tres no-colores (blanco,
negro y gris). El neoplasticismo se aplicó a la pintura, escultura y arquitectura.
ARTISTAS: KANDINSKY Y PAUL KLEE:
Obras: “Arco negro y composiciones”: (Kandinsky) intento racional de analizar los
componentes básicos de la pintura abstracta, limitándose a la utilización de formas simples
(cuadrados, círculos, triángulos, líneas, puntos) color y formas ordenadas libremente según la
inspiración.
Obra de Klee: “El parnaso”: el color se ordena libremente a impulsos de la inspiración.
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4 EL DADAÍSMO:
Dadaísmo significa provocación, destrucción, su misión es arrasar la cultura y el arte. Esta
actitud destructiva es la consecuencia de una frustración. En su óptica el arte debería
contribuir a renovar el mundo a preservar el progreso y la paz. A cambio de ello, Europa se
sumió entre 1914-1918 en una guerra terrible, lo cual frustró las esperanzas de una
renovación a través del arte.
El dadaísmo nació en Zúrich (Suiza), durante la primera guerra mundial. Allí se habían
refugiado muchos artistas que huían del conflicto bélico. En 1916 alquilaron un local y lo
convirtieron en el Café Voltaire. Allí realizaban fiestas, conferencias, exposiciones, lecturas de
poemas, etc... En el café Voltaire crearon los primeros "happenings" de las vanguardias: hechos,
gestos o anécdotas provocativas que deben ser consideradas como manifestaciones de la
actitud de los artistas y, en cierto sentido como obras de arte en sí. Dadá es incoherente e
irracional, la libertad creativa está por encima de todo, incluso de la razón. El absurdo
personal es una respuesta al absurdo social, el arte no debe tener ningún sentido pues el
mundo no lo tiene como demuestra la terrible carnicería de la guerra.
Desde esta perspectiva el arte sólo puede ser destrucción, en palabras de los propios dadaístas
es "la materialización del asco". De hecho, los dadaístas no crean obras de arte sino que
transforman materiales de deshecho, como si el arte surgiera de la basura. Una de las
principales materializaciones de esto son los "ready-made", objetos extraños e inútiles creados
a partir de objetos cotidianos.
Uno de los métodos de creación en dadá será el azar y el automatismo, los juegos lingüísticos,
etc. Así, por ejemplo, Tristán Tzara acostumbraba a introducir palabras en trozos de papel que
después eran revueltos en una bolsa y extraídos para formar frases incoherentes, es el juego
del "cadáver exquisito". Hans Arp realizaba cuadros basándose en la disposición casual de
papeles desgarrados y tirados al suelo. Estas mismas técnicas serán posteriormente utilizadas
por el surrealismo.
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Dadá no propone ninguna alternativa a la destrucción, la alternativa la ofreció el surrealismo
que tiene muchos puntos en común con el dadaísmo.
MARCEL DUCHAMP (1887-1967) inventó los ready-made, entre ellos podemos citar
Gioconda l.h.o.o.q. y la fuente. Duchamp demuestra un sentido del humor ácido en sus obras,
así en su particular visión de Gioconda juega con las letras l.h.o.o.q. que si se pronuncian
seguidas surge una frase en francés: "ella tiene calor en el culo". La burla hacia la obra
emblemática del Louvre no puede ser más clara. Con esto Marcel Duchamp quiere denunciar
la idealización excesiva de las obras de arte.