tema 22.- el expresionismo abstracto

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UNIDAD 22: EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO
1. CÓMO AFECTÓ LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL A LOS MOVIMIENTOS
ARTÍSTICOS QUE SE DESARROLLAN A PARTIR DE 1945.
Las guerras mundiales y sus secuelas (Corea, Vietnam) provocan en la población un
enorme desaliento moral; el artista no es una excepción y su obra suele reflejar la
crisis colectiva tras un desastre de esa magnitud, no hay más que recordar que el
DADÁ y el SURREALISMO surgen como una respuesta radical a la quiebra de los
valores establecidos tras la I Guerra Mundial.
Por ello no es una fecha escogida al capricho la de 1945 en que finaliza la II Guerra
Mundial para situar un corte que divide en dos mitades el arte del siglo XX. En 1945
Europa ha quedado arrasada no sólo físicamente, sino también anímicamente; cuando
el horror de los Campos de Concentración nazis se pone al descubierto muchos no
pueden resistir tal espectáculo de sufrimiento. El final de la Guerra propiamente dicha
marca el comienzo de otra, ésta de carácter psicológico; el mundo se ha repartido
entre dos grandes potencias: USA y la URSS. Ambas entablan una política de amenazas
y de armamento nuclear; a este período se lo ha denominado la “Guerra Fría”. También
en la postguerra surge en Francia, especialmente en París –que está a punto de dejar
de ser la capital de las vanguardias para cederle el puesto a Nueva York, un
movimiento filosófico de carácter pesimista: el EXISTENCIALISMO; su principal
representante fue Jean-Paul Sartre; la idea central de esta filosofía es que el mundo es
un lugar horrible, pero es el único que tenemos; la solidaridad entre los hombres no
existe y no hay ninguna razón para existir pero tampoco para dejar de hacerlo; en
resumen, la existencia es algo absurdo y sin explicación posible.
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2. DOS GRUPOS O TENDENCIAS DESARROLLADAS EN LA SEGUNDA MITAD DEL
SIGLO XX.
2.1.
FIGURATIVAS
Pintura neofigurativa: basada en la representación de formas tradicionales junto a la
crítica social como reflejo de la realidad existencial.
Sus influencias son:
- el expresionismo y
-el surrealismo
-así como la obra de DAREL APPEL y el GRUPO COBRA.
Destacaron el francés JEAN DUBUFFET cuyo art brut se inspiró en obras realizadas por
niños y locos, y recreó personajes absurdos e infantiles usando materiales de desecho
La neofiguración es el paso que marca el nuevo rumbo de la abstracción hacia la
figuración. DUBUFFET, no renunció nunca a una cierta figuración y se aproxima
voluntariamente al vocabulario infantil y primitivo para comunicarnos un mundo
desarticulado y gesticulante; y el irlandés FRANCIS BACON inspirado en el
expresionismo y el surrealismo así como la obra de Goya, Munch y Ensor. El irlandés
FRANCIS BACON, es uno de los pintores más trascendentales de nuestro siglo, en
espacios surrealistas, sin atmosfera, coloca sus atormentadas figuras que se
distorsionan y funde en desgarrador patetismo, expresando la angustia y la soledad
humana; su influencia en Europa y particularmente en España es enorme.
Destacan Autorretrato, Hombre sentado con fondo verde, Estudio del retrato de
Inocencio X de Velázquez.
2.1.1.1.
Pop art:
Influido por:
- el dadaismo
- el surrealismo,
En España han seguido esta tendencia el Equipo Crónica, Eduardo Arroyo,
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Tras el imperio de la abstracción y del expresionismo abstracto, un arte que se aleja
por completo del interés de la población media, irrumpe un nuevo arte, que se bautizó
con el nombre de “popular”, ya que sus fuentes de inspiración están:
- en la calle, al alcance de todos:
Los letreros luminosos,
Los botes de sopa,
Los artistas célebres,
Los recipientes de jabón para lavadoras,
Las latas de cerveza,
Los programas de televisión,
Los anuncios en periódicos y revistas,
Las botellas de Coca-Cola...se convierten en ICONOS para estos artistas.
Se basó en el la representación del objeto de consumo de la sociedad industrial como
protagonista de la obra de arte, exaltándolo como símbolo de la sociedad capitalista.
Origen: Aunque al hablar de Pop Art se despliega ante nosotros la imagen de América,
lo cierto es que este movimiento dio sus primeros pasos en Inglaterra: En 1952 una
serie de artistas se reunían en Londres, en el Institute of Contemporary Arts¸ allí
algunos de ellos presentaron obras en las que el tema era lo que se veía en la TV, en las
revistas de entretenimiento, en la publicidad, etc.: Una obra pionera de este grupo
(llamado el Grupo Independiente) es la de Richard Hamilton, Just What is it that
Makes Today’s Homes so Different, so Appealing? (1956) [¿Qué es exactamente lo que
hace a los hogares de hoy en día tan diferentes, tan atractivos?].
Otros artistas famosos son, ya en Norteamérica, donde el movimiento cuajó de lleno:
Roy Liechtenstein, quien se inspira en los comics para su obra;
Pero el más conocido es Andy Warhol (1928-1987), especialmente por cuestiones
extrartísticas: se promocionó tanto a sí mismo que es casi más célebre que su propia
obra.
Pero, ¿qué pretendía el Pop Art?:
En el arte Pop un objeto de la sociedad de consumo que contiene significados
concretos de reclamo comercial y de presentación funcional se reviste de un nuevo
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significado por el mismo hecho de presentar el producto tanto aislado como
etiquetado, pero puesto siempre en evidencia según un procedimiento ya típico del
DADÁ que hace que el objeto se cargue de significados secundarios en detrimento de
los primarios, perdiendo así su contenido primario para asumir otro más vasto y
genérico en el marco de la civilización de consumo. A través de una operación de este
tipo se presume que los artistas pop han querido desarrollar una crítica irónica, tal vez
amarga de una civilización invadida por los objetos de consumo. Así es como se ha
visto en Europa la operación pop. Pero ha ocurrido algo que nos induce a sospechar
incluso de la intención inicial de los artistas pop; se ha llegado a un punto en que,
eligiendo como objeto de interés estético aquellos objetos banales que pasaban
desapercibidos en la sociedad de consumo, el arte pop nos ha permitido encontrar en
ellos una cierta belleza
El arte pop ha puesto en evidencia ciertos rasgos de los objetos de la sociedad de
consumo que han manifestado una nueva armonía, una nueva gracia, logradas
probablemente al dar un nuevo énfasis a estos rasgos. Por ejemplo, el estilo de los
comics se ha convertido (En la obra de Roy Liechtenstein) en una estructura de tipo
geométrico, muy agradable a la vista.
Mediante el Arte Pop hemos comenzado a contemplar los comics, las máquinas de
escribir, los perros calientes, las latas de sopa o los envases de ciertas bebidas a través
del filtro de las obras de arte pop, encontrándolos tan interesantes que incluso a veces
decidimos coger uno de estos objetos cotidianos y ponerlo en la mesa o en la librería,
porque ahora nos resulta agradable. En ese sentido el pop no tiene nada de
revolucionario: los artistas de esta tendencia se han reconciliado con la sociedad de
consumo, lo que contrasta con la hipótesis inicial de que quería o debía ser una crítica
irónica de esa sociedad de consumo.
No es de extrañar que Warhol se convirtiera pronto en el artista más célebre de este
movimiento; sus primeros pasos los dio en el mundo publicitario; en realidad lo que
hizo después fue una prolongación, una multiplicación de los símbolos con los que
siempre había trabajado; su técnica favorita es la serigrafía, lo que le permite fabricar
en serie, como una fábrica: ¡se acabó la obra de arte única! el mismo cuadro puede ser
vendido infinidad de veces; Marilyn Monroe en diferentes colores (como Elizabeth
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Taylor o Elvis Presley), botes de Sopa repetidos hasta el infinito, una y otra vez se
recogen los símbolos de la sociedad americana y se los convierte en obras de arte, se
los sacraliza al situarlos en los museos: un Velázquez tiene el mismo valor que una
botella de Coca-Cola.
2.1.2. Hiperrealismo: Surgió en EEUU por influencia de la fotografía, de la
pintura figurativa y pop y de la obra de Dalí. Su objetivo era la
reproducción fotográfica de la realidad, representando las cosas
cotidianas. Es eta la tendencia realista más absoluta de la historia y se
afianza en los años sesenta. En América, donde tanto sentido había
alcanzado el pop art, se ha trabajado con la reproducción pintada de los
objetos de consumo y de sus imágenes publicitarias, y en este camino se
encuentra la reproducción manual de fotografías lo que constituye la
esencia del hiperrealismo americano.
En Europa el hiperrealismo no suele tener connotaciones pop y está impregnado de un
lirismo casi surrealista. La obra el español Antonio López es el más genial exponente de
esta versión del hiperrealismo.
El Pop-Art es, en efecto, divertido, pero al utilizar procedimientos de reproducción
mecánica y fotográfica elimina al artista técnico, al dibujante y al pintor. Es lógico por
tanto que desde algunos sectores surja una reacción contra este arte de la fotocopia –lo
mismo que contra la pintura abstracta-, y que se propugne una vuelta a los principios
de la pintura tradicional: la captación de lo real, la preocupación por la luz y la
plasmación del tiempo. Este nuevo realismo es frecuentemente naturalista y se recrea
en los objetos de la vida cotidiana, en las calles, cafés, bares y estaciones de nuestras
ciudades, en las casas, electrodomésticos personas y objetos que las habitan.
Técnicamente es una pintura de gran calidad que compite en ocasiones con la
fotografía (hiperrealismo) aunque aspira a superarla.
Antonio López García (1930) Hiperrealismo/Nuevo realismo madrileño. Es uno de los
mejores artistas vivos de nuestro siglo en España,
Heredó su pasión por la pintura de su tío Antonio López Torres. Según propias
confesiones Velázquez y Vermeer están entre sus pintores predilectos.
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Su obra es de una morosidad pasmosa, captando la realidad a través de su filtro
particular (él dice que quiere plasmar el tiempo en sus lienzos; aunque se lo etiqueta
por comodidad en el hiperrealismo, no tiene nada que ver con esos artistas americanos
que, en su mayoría, por medios poco artísticos imita servilmente a la realidad. Más
correcto es situarlo en la escuela del “Nuevo realismo”. La pintura de Antonio López
tiene una magia, una poesía (La Gran Vía) de la que están desprovistas las obras
hiperrealistas. Como buena parte del arte, su obra es inefable; no se trata de que
reproduzca con gran detallismo sino del ambiente que logra.
1.2.
ABSTRACTAS: la abstracción continuó la línea iniciada en la
etapa anterior, dividiéndose en tendencias informalistas y
geométricas.
2.1.3. INFORMALISTAS:
El informalismo Fue un movimiento pictórico europeo que tuvo gran aceptación
en España, desarrollado a partir de 1945 en paralelo al expresionismo abstracto
estadounidense. El término informalista se adoptó para referirse a la abstracción lírica,
opuesta a las tendencias más próximas al cubismo o al rigor geométrico (el
neoplasticismo o De Stijl). Dentro de esta corriente artística se incluyen las obras de
Wolfgang Wols, Jean Fautrier, Jean Dubuffet, Hans Hartung, o Alberto Burri, entre
otros muchos. Los informalistas, que huyen del arte figurativo para entrar en el
abstraccionismo, buscan la autenticidad de la pintura, del puro acto de pintar, esto es,
la caligrafía, las formas, la mancha y las texturas. En definitiva, la expresión del
mundo interior del artista.
Aunque se ha utilizado con frecuencia como cajón de sastre donde incluir las más
variadas tendencias, el pleno informalismo se introdujo en España a mediados de la
década de los cincuenta de la mano de Juan Eduardo Cirlot y de los textos traducidos
de M. Tapié. Se pueden localizar dos focos artísticos: Madrid, con un predominio del
informalismo expresionista, y Cataluña, donde la mancha, las texturas, el relieve y los
nuevos materiales darán lugar al desarrollo del informalismo matérico. En el núcleo
madrileño se puede incluir la obra de artistas como Manuel Mampaso, los miembros
del grupo de Cuenca (Fernando Zóbel,
3. Gustavo Torner y Gerardo Rueda), César Manrique, Salvador Victoria, Alberto
Greco, Lucio Muñoz y algunos integrantes del grupo El Paso (Antonio Saura y
Manuel Millares). En Cataluña destaca la figura de Antoni Tàpies,
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MANUEL MILLARES: Las Palmas 1926 - Madrid 1972
Sus primeros dibujos se inspiran en la naturaleza. Sus creaciones se adhieren a la
corriente surrealista. Pictografías es uno de sus trabajos de juventud. En esta creación
se aprecia la incidencia que tiene en su arte Miró y Klee. Ilustró la colección "Planas de
Poesía" que habían publicado sus hermanos Agustín y José María. Es entonces cuando
comienza a relacionarse con artistas que viven en la península, como Sartoris, Angel
Ferrant y Rafael Santos, entre otros. Todos ellos eran miembros de la Escuela de
Altamira. Millares fundó el grupo LADAC -Los Arqueros del Arte Contemporáneo-,
que secunda las pautas de la Escuela de Altamira. En los años cincuenta su obra llega a
Madrid y Barcelona. A media que pasa el tiempo sus creaciones reflejan cada vez
mayor interés por la materia. Utiliza materiales como arena y madera, y realiza sus
arpilleras. En esta época se instala en Madrid y visita París. De entonces datan sus
primeras Perforaciones. Fue uno de los participantes en la fundación del Grupo "El
Paso", con Canogar, Serrano y Saura. Sus experiencias con nuevos materiales y el
interés por el espacio son dos constantes en su obra.
2.1.4. Action painting o expresionismo abstracto: Surgió en EEUU y se
fundamentó en el automatismo surrealista, el arte sígnico y gestual y el
expresionismo. Usaron la técnica del “dripping” (chorreo de pintura sobre el
lienzo de forma aleatoria) valorando la violencia del color y las formas
abstractas para sugerir emociones subjetivas. Destacaron JACKSON
POLLOCK, “convergencia”. El Expresionismo abstracto.
Se aplica este término al estilo de pintura predominante en los doce años siguientes a
la Segunda Guerra Mundial. Lo inició un grupo de artistas como reacción a la
ansiedad producida por la era nuclear y la subsiguiente guerra fría. Bajo la influencia
de la filosofía existencialista, los expresionistas abstractos, o pintores de la acción,
elaboraron partiendo del surrealismo un nuevo enfoque artístico. La pintura se
convirtió en una contrapartida de la propia vida: un proceso continuado en el que el
artista se enfrenta a riesgos comparables y supera los dilemas mediante una serie de
decisiones conscientes e inconscientes, como respuesta a las exigencias externas e
internas.
Jackson POLLOCK (1912-56)
Fue el principal heredero del estilo de Arshile GORKY; sus primeras pinturas así lo
demuestran. Pero pronto hace su modo de trabajar más radical; utiliza la técnica
llamada dripping: agujereaba las bases de botes de pintura de esmalte y los deja gotear
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sobre el lienzo que normalmente tiene una base previa de óleo, formando una maraña
de colores. Un escritor norteamericano, Tom Wolfe, en su libro La palabra pintada
explica que esta clase de artistas, como muchos de los actuales, salen del anonimato
gracias a una serie de críticos que ensalzaron su obra con comentarios que son para
partirse de la risa.
Número 1 (1950, Nacional Gallery de Washington), subtitulado Lavender mist
Pollock es el verdadero apóstol de la pintura en acción (action painting) sus cuadros
son un vértigo de color y el resultado es, dejando a un lado cualquier especulación
filosófica, impactante. Así comenta el historiador del Arte A. F. Janson su obra titulada
Número 1:
“Pollock llegó a la considerar la pintura misma no como una sustancia que ha de ser
manipulada a voluntad, sino como una reserva de fuerzas almacenadas que él tenía
que liberar. Las formas reales están determinadas en gran parte por la dinámica
interna de su material y por su proceso: la viscosidad de la pintura, la velocidad y
dirección de su impacto sobre el lienzo, su interacción con otras capas de pigmento. El
resultado es una superficie tan viva, tan sensualmente rica, que en comparación con
ella todas las pinturas anteriores palidecen. Pero cuando libera las fuerzas que hay
dentro de la pintura dándole un impulso propio, o si se prefiere “apuntando” al lienzo
en lugar de “llevar la pintura” en la punta del pincel, Pollock no se limita a “dejarse ir”
abandonando el resto al azar. Él mismo es la fuente última de energía de esas fuerzas y
las conduce del mismo modo que un cowboy podría conducir a un caballo salvaje, en
un frenesí de acción psicofísica. Sin embargo, no siempre permanece en la silla,
aunque el agotamiento de esta prueba, que fuerza todas las fibras de su ser, hace que
el riesgo merezca la pena”.
El grupo de los llamados pintores matéricos inventó una variante del collage; con
mezclas de arena, yeso, arpilleras y otros materiales consiguieron dar al lienzo plano la
rugosidad tridimensional de la escultura. Pintura matérica Se inspiró en el arte
abstracto y el dadísmo, y consideraba la materia única razón del cuadro sin necesidad
de contenido. Empleó materiales corrientes como trapos, arpilleras, telas, arena,
corteza, que provocan sugestiones diversas. Destacó ANTONIO TAPIES. Antoni Tápies
(1923): [Pintura matérica]
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Pintor catalán. Su primer éxito público (es decir su primera venta de un cuadro)
ocurre en el Salón de octubre de 1948. Es uno de los cofundadores del movimiento
artístico Dau al Set .
Su obra, que delataba en un primer momento la influencia de Miró y el surrealismo,
se fue decantando a una investigación con diversos materiales que incluye en su obra:
así en una pintura de Tápies se puede uno encontrar óleo -u otra clase de materia
pictórica- pero también madera, cartón, cordel, clavos... Por ello a su obra se la
denomina PINTURA MATÉRICA. Se trata de que la pintura no haya de remitir a nada
más que a ella misma; la pintura tradicional lucha por la perspectiva, la sensación de
realidad y, sobre todo, por la figuración y la narración de historias. La pintura
abstracta escapa de todo esto: no quiere contar nada, huye de la perspectiva, de la luz,
de todo lo que “huela” a realismo. Por supuesto que Tápies no inventa la abstracción,
que surge a principios de siglo (Kandinsky...). En 1925 Ortega y Gasset escribía su
ensayo La deshumanización del arte, en el que defiende el arte abstracto como propio
de una élite y separado de “la masa”: “Habituada a predominar en todo, la masa se
siente ofendida en sus “derechos del hombre” por el arte nuevo, que es un arte de
privilegio, de nobleza de nervios, de aristocracia instintiva. Dondequiera que las
jóvenes musas se presentan la masa las cocea. La música de Strawinsky o el drama de
Pirandello tienen la eficacia sociológica de obligarle a reconocerse como lo que es,
“sólo pueblo”, mero ingrediente, entre otros, de la estructura social, inerte materia del
proceso histórico, factor secundario del cosmos espiritual. Por otra parte, el arte joven
contribuye también a que los “mejores” se conozcan y reconozcan entre el gris de la
muchedumbre y aprendan su misión, que consiste en ser pocos y tener que combatir
contra muchos. Recuérdese que en todas las épocas que han tenido dos tipos diferentes
de arte, uno para minorías y otro para la mayoría, este último fue siempre realista”.
Años después (1963 la 1ª ed.) publica Xavier Rubert de Ventós su trabajo El arte
ensimismado, una reflexión muy crítica sobre el arte de mediados de siglo; a estas
alturas la “alegría” de las vanguardias se ha eclipsado y muchos ven con poco
entusiasmo el arte actual: “Para la ideología vanguardista convencional las obras de
arte han de ser, ante todo, objetos. No han de remitir sino a sí mismas ni indicar otra
cosa que su mera presencia. La obra de arte no significa nada; simplemente es. En la
“escolástica abstracta” encontramos un cuidado extremo en hacer hablar a la pintura
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misma, actitud bien distinta de la del pintor tradicional que hablaba a través de ella.
Los materiales utilizados por los nuevos pintores no son ya medios sino fines, pues sus
obras han de ser, ante todo, objetos. EL ARTE SE HACE INTRANSITIVO.”
La producción de Tápies se caracteriza por una búsqueda de las calidades táctiles de
la materia pictórica, a veces delicadas, a veces dramáticamente laceradas. Su
radicalismo lo ha convertido en uno de los artistas que han abierto el camino a las
nuevas direcciones de investigación. Su obra es una de las que más han influido en el
desarrollo de lo que después se ha llamado arte povera, entendiendo por arte pobre la
búsqueda de un lenguaje emotivo con materiales que pueden ser considerados
tecnológicamente pobres en un mundo tecnológicamente rico.
Otros, los tachitas, de tache o mancha comenzaron a advertir la potestad naciente de la
mancha. (Evidente ya en el arte de Miró). Con manchas y pastas nuevas se podía
representar la textura de la materia.
En los Estados Unidos, adonde se habían trasladado bastantes pintores durante la
guerra como chagall, Ernst, mondrian… se comenzó una nueva tendencia, en la que
Jackson pollock se erige en figura representativa. Interesante resulta su obra Retrato y
un sueño (1953) con una cabeza casi picassiana en un lado y una combinación
confusa de rayas y manchas en el otro, precisamente el más vivo, el que posee una
dinámica interna. En España hacia 1953 comenzó Tapies a utilizar sus mezclas de
cola, yeso y arena, con las que refleja una desesperación pro le presente industrial y
una nostalgia de lo natural.
El Arte abstracto transforma el lienzo en grito, en lago inarticulado e incomprensible.
1. EL MINIMAL ART (R. MORRIS)
La progresiva consideración del cuadro más como objeto que como pintura, undia al
reduccionismo de la Nueva Abstracción, propició la aparición, a mediados de los años
sesenta, de una nueva tendencia que centraría su actuación en la escultura, pese a que
muchos de sus representantes se habían iniciado en el ámbito pictórico.
Este trasvase de experiencias no constituye un fenómeno aislado, pues en las
vanguardias posteriores a la segunda guerra mundial los perfiles de los antiguos
géneros se vuelven poco precisos, siendo difícil, en muchos casos, la catalogación de
los objetos artísticos en función de las categorías preestablecidas.
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Esta tendencia, de un extremado rigor formal, es conocida como minimal art o
minimalismo, recogiendo un término de Richard wollheim utilizó en 1965 referido a
un fenómeno más amplio, el de todos aquellos objetos de contendio artístico
deliberadamente bajo, como las pinturas de Ad Reinhardt o los ready mades de
Duchamp.
El mínimal art renuncia de manera explicita a toda consideración que exceda el plano
estricto de lo tangible, por lo que la obra de arte queda reducida a su escueta
materialidad. En principio, los minimalistas se limitan a situar en el espacio unos
determinados volúmenes. Ahora bien, estos, pro el moer hecho de su presencia,
introducen en el ámbito físico en que se encuentran un principio ordenador. Este
componente regulador consustancial al minimalismo, sitúa dicha tendencia en la línea
de las propuestas normativas, anteriores a la segunda guerra mundial, como el
neoplasticismo y el constructivismo ruso, y que así mismo destacaron por su
exaltación del material
La preocupación por el espacio circundante constituye una de las aportaciones más
notables del minimalismo. Esta tendencia concede al entorno de la pieza casi la misma
atención que a la escultura propiamente dicha, pro la que, en el caos muy frecuente de
inserción delas piezas en el ámbito urbano, conlleva un meticuloso análisis del
emplazamiento y del as relaciones que se establecen con los edificios circundantes.
El minimalismo es una corriente estética derivada de la reacción al pop art. Frente al
colorismo, a la importancia de los medios de comunicación de masas, frente al
fenómeno de lo comercial y de un arte que se basaba en la apariencia, el minimalismo
barajó conceptos diametralmente opuestos. El sentido de la individualidad de la obra
de arte, la privacidad, una conversación conceptual entre el artista, el espacio
circundante y el espectador. Así como la importancia del entorno como algo esencial
para la comprensión y la vida de la obra.
Los creadores minimalistas reducen al máximo los elementos propios del arte, los
volúmenes y formas en escultura. De forma análoga proceden en la arquitectura o en
la pintura. Intentan condensar en escasos elementos sus principios artísticos y
reflexiones. La simplicidad, la abstracción total, el orden y el perfeccionamiento son las
características claves del "minimal art" o minimalismo. El fundamento básico de este
movimiento radica en la práctica del "reduccionismo". Sus obras son sencillas, frescas y
con
poco
contenido.
Los minimalistas emplean formas elementales: cubos, pirámides, esferas repetidas en
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series con algunas variaciones. La escultura fue una de las expresiones artísticas más
utilizadas por los minimalistas.
2. PANORAMA ARTÍSTICO ACTUAL EN CASTILLA Y LEÓN