TEMA 9: Velázquez y Goya

© RAFAEL MONTES GUTIÉRREZ - 2011- PROFESOR DE GEOGRAFÍA E HISTORIA
TEMA 9: Velázquez y Goya
1. VELAZQUEZ
CONTEXTO ARTÍSTICO (EL BARROCO)
El siglo XVII constituye el Siglo de Oro de la pintura española, su temática
fue esencialmente religiosa porque la Iglesia era la única institución con
capacidad de financiación y producción artística. Durante la primera mitad del
siglo XVII se desarrolló un naturalismo "equilibrado", entendiendo por
"equilibrado" al acercamiento a lo más desagradable de manera filosófica. En
Valencia trabajó Ribalta, pintor formado en El Escorial y autor de la Aparición
del ángel a San Francisco. Ribera, de origen valenciano, se trasladó a Roma y
posteriormente se instalará en Nápoles, su obra se caracteriza por la influencia
del naturalismo tenebrista de Caravaggio, como muestra en El martirio de San
Felipe. En Sevilla se formó Zurbarán, pintor naturalista de obras religiosas y
reflexivos bodegones, entre su obra sobresale la Aparición de San Pedro a San
Pedro Nolasco. Alonso Cano también se formó en Sevilla, desarrolló una
tendencia más clasicista que sus contemporáneos, su obra está llena de gracia
y delicadeza, como nos muestra en La visión de Jerusalén del Convento de
Santa Paula en Sevilla. Velázquez es la figura más importante de la pintura
española del siglo XVII y considerado un genio de la pintura universal, se formó
en Sevilla pero trabajó como pintor de la corte en Madrid, su excepcional obra
es un fiel reflejo de su tiempo.
CARACTERÍSTICAS DE LA OBRA DE VELAZQUEZ
Diego de Silva y Velázquez (1599-1660), gozó del mecenazgo de Felipe IV
por lo que no tuvo necesidad de vender sus cuadros para poder vivir, por eso
podemos considerar su obra en cierto modo como arte por el arte.
Características: la pintura muestra la expresión de los sentimientos de los
personajes que representa; sin embargo, no encontramos el movimiento típico
del barroco, aunque su barroquismo se aprecia por la distensión de fuerzas, ya
que la vista se ve impulsada a moverse a grandes tirones de un lado a otro del
cuadro; su pintura es totalmente realista, los retratos buscan la personalidad
psicológica del individuo representado; la luz se convierte en un instrumento
de principal importancia, esta se concibe como una fusión del negro y el
blanco, es el claroscuro; existe en su obra un predominio del color sobre la
línea; Velázquez consigue la representación del espacio mediante la
perspectiva aérea, que degrada a los objetos en tamaño y nitidez, es el
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denominado sfumatto, en un intento por captar la “atmósfera”. Extensión:
Aunque su producción no es muy extensa sí que es muy fecunda, como
muestran los sucesivos retoques presentes todavía en sus telas, los
denominados pentimenti. Temas: Tocó todos los temas del barroco español,
inclusive los más extraños como son los mitológicos y los desnudos femeninos.
Maestros: En Sevilla tuvo varios maestros, el principal fue Francisco Pacheco, al
que debe algunas recetas de composición e iconografía, hay influjos también
de Juan de Roelas y Herrera el Viejo, pero mayores son las influencias de
Miguel Ángel, el Greco, Durero, Veronés, Tiziano y Ribera. Influencias: En
contra lo que se creyó en un principio, Velázquez influyó posteriormente en
muchos artistas de la segunda mitad del siglo XVII, dando lugar a la formación
de la escuela madrileña de pintura.
ETAPA SEVILLANA (INICIOS-1623)
Características: Sus primeras obras muestran un leve tenebrismo; hace
uso de los tonos madera preferiblemente; los objetos muestran una dura
plasticidad, todos ellos de ricas calidades. En esta época pintó bodegones,
retratos y cuadros religiosos. Los bodegones muestran un contenido triste, lo
que revela el espíritu del pintor conmovido ante la pobreza. A esta época
pertenecen: El aguador, obra maestra de la etapa sevillana; La vieja friendo
huevos, que representa a una vieja cocinando unos huevos en un anafé, la
composición de esta obra es perfecta; Los tres músicos, se puede incluir en este
género por el estudio de las calidades; a caballo entre el bodegón y los cuadros
religiosos pintó Cristo en casa de Marta y María, que representa a una joven
cocinera majando ajos y a una anciana que señala con el índice a la escena que
da nombre a la obra que se ve a través de la ventana, el autor combina así un
tema anecdótico con otro más complejo, algo muy usual en su obra. En los
cuadros religiosos de la etapa sevillana deja intervenir el paisaje, tal y como
vemos en La Inmaculada Concepción, cuyo tipo iconográfico se debe
totalmente a Pacheco, de ésta época es también La adoración de los Magos,
que se puede considerar como un retrato de familia al utilizar como modelo de
la Virgen a su esposa, el niño Jesús está inspirado en su propia hija Francisca, el
Rey Melchor no es otro que Francisco Pacheco, Gaspar el propio Velázquez y
Baltasar algún familiar o criado de la casa. Entre los retratos debemos destacar
el de Don Luis de Góngora y Argote, retrato físico y psicológico fechado en
1622.
PRIMERA ETAPA MADRILEÑA (1623-1629)
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El 1622, Velázquez realiza su primer viaje a Madrid donde estudia las
colecciones de pintura reales, a partir de entonces las influencias de los
grandes pintores europeos y españoles son claramente apreciables en sus
obras. En 1623 decide establecerse en Madrid como retratista. En esta etapa el
retrato será su ocupación principal, pero también cultivó los cuadros históricos
y mitológicos. Características: Los tonos madera dejan paso a tonalidades
rosadas y blanquecinas. Los retratos de esta época siguen la tradición de
Tiziano y Moro, en calidad de retrato aristocrático y detallista, con la
particularidad de que la figura se destaca sobre el fondo y aparece
prácticamente aislada en el lienzo, realizó varios retratos del Conde Duque de
Olivares, de Felipe IV y uno del Infante Don Carlos, son los retratos de la "época
gris". En 1627, comienza a trabajar en cuadros de tema histórico y mitológico
entre los que destacan Los borrachos o El triunfo de Baco, se dice que el tema
es influencia de Rubens que estuvo en Madrid en 1628, lo interesante de la
obra es el contraste entre el tema mitológico y el tratamiento vulgar de la
escena, en ella todavía muestra influencias naturalistas, delante de los
personajes, cuyos tipos son claramente populares, destaca el pequeño
bodegón de primer plano, y en el fondo un paisaje claramente castellano.
PRIMER VIAJE A ITALIA (1629-1630)
Se cree que fue Rubens quien aconsejó a Velázquez que se marchara a
Italia para adquirir nuevos conocimientos. Características: En Italia su paleta se
transforma, desapareciendo los tonos oscuros; su pincelada adquiere una
mayor fluidez; además los temas se amplían, interesándose por los desnudos y
los paisajes; es a partir de este momento cuando desarrolla la capacidad de
pintar el aire haciendo uso de la perspectiva aérea. En Italia pintó un tema
mitológico, La fragua de Vulcano, donde destaca la figura de Apolo, un tipo
clásico e idealizado, enfrentado a un grupo de herreros de inspiración popular,
iluminados por un trozo de metal incandescente y las llamas de la chimenea.
También realizó en ese país varios retratos, entre ellos el de la hermana de
Felipe IV, María de Hungría, de quien el rey quería conservar un recuerdo.
SEGUNDA ETAPA MADRILEÑA (1631-1649)
La segunda etapa madrileña se subdivide en tres periodos:
 1631-1635: Al regresar a Madrid pintó cuadros religiosos, retratos y un
tema histórico. Las tentaciones de Santo tomas de Aquino es un cuadro
de colores muy claros y vivos, en el que el santo está representado una
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vez ha pasado la tentación y la pecadora aparece huyendo por el fondo
del cuadro. Su Cristo crucificado es un cuadro sereno de una figura
apolínea con escasas gotas de sangre y poco sufrimiento, el dramatismo
se recoge en la cabeza caída coronada de espinas, ayudado por una luz
procedente del ángulo superior izquierdo que ilumina el cuerpo pálido
de Cristo. Los retratos aparecen iluminados con una luz plateada con la
que se aprecia la influencia del Greco y de Veronés, son retratos
realizados para la decoración del Salón de los Reinos del Palacio del Buen
Retiro como el de Felipe III a caballo, Margarita de Austria a caballo y
Príncipe Baltasar Carlos a caballo. La obra cumbre de este período es un
cuadro de tipo histórico, Las lanzas o Rendición de Breda,
acontecimiento que sucedió en el annus mirabilis de 1625, es el lienzo de
mayor tamaño de Velázquez, famoso desde que se pintó para el Salón de
Reinos del Palacio del Buen Retiro, el autor convierte una escena
inventada, la pintó en 1635 y no conocía el paisaje, en testimonio de la
realidad, el centro de la composición es la llave, tras el vencedor,
Ambrosio de Spínola, se encuentran los soldados españoles y, detrás de
Justino de Nassau, los holandeses, menos numerosos y con las armas
inclinadas, en la obra hace un uso extraordinario de la perspectiva aérea.
 1636-1643: Se acrecienta la fluidez de la pincelada y la investigación del
paisaje. El retrato del Conde Duque de Olivares continúa la línea de los
retratos reales, es el cuadro más barroco de Velázquez, también de ésta
época son los cuadros de cazadores donde combina paisaje y retrato.
Entre los cuadros de tipo religioso destaca el de San Antonio y San Pablo
ermitaños, en él probablemente se inspiró en el paisaje de Joaquín
Patinir, por el uso de la luz azulada.
 1644-1649: En este período el pintor se hace más impresionista, realiza
la importante serie de los bufones, verdaderos retratos psicológicos,
entre ellos debemos mencionar el de Sebastián Calabazas, de la época
anterior, El Niño de Vallecas y en particular en de Don Sebastián de
Morra, obra de extraordinario colorido donde el retratado manifiesta
una expresión triste y una mirada que se clava en el espectador. También
de este periodo es un cuadro de tema mitológico, Marte, donde muestra
una clara influencia del Pensador de Miguel Ángel en la pose y de Rubens
en el colorido, algunos autores consideran la pintura como una
representación burlesca del dios al utilizar como modelo a un bufón de
palacio. Entre las obras religiosas mencionamos La Coronación de la
Virgen donde sigue el modelo del Greco combinándolo con la
naturalidad de los personajes.
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SEGUNDO VIAJE A ITALIA (1649-1651)
El nuevo viaje a Italia se realizó para comprar cuadros y estatuas que
decoraran las estancias reales, en 1650 permanece en Roma donde pinta el
retrato de Inocencio X, considerado el mejor retrato de Velázquez, en él
consigue expresar la personalidad cruel, recelosa y casi vulgar del pontífice.
Muy interesante es también el retrato de Juan de Pareja, su mulato, criadoesclavo y también pintor que posa ante su maestro dueño de una fuerza
interior y una grandeza que suprime toda condición servil. También pintó dos
pequeños lienzos de paisajes de la Vista del jardín de la Villa Médicis,
subtitulados el Mediodía y la Tarde, en ellos el impresionismo aparece
prefigurado.
ÚLTIMOS AÑOS (1651-1660)
Las pinturas y esculturas que trajo desde Italia gustaron tanto a Felipe IV
que le nombró Aposentador Mayor del Palacio, cargo que le quitó tiempo a la
pintura. En 1656 pinta su obra maestra, Las Meninas, también titulado La
familia de Felipe IV, posiblemente en él pintase un retrato de los reyes que
aparecen en el fondo reflejados en un espejo, pero como el tamaño del lienzo
es demasiado grande para ser un retrato también cabe la posibilidad de que
estuviese pintando las Meninas. Velázquez aparece en la obra, lo que hace de
ellas un homenaje a su profesión de pintor. En primer plano representa a la
Infanta Margarita rodeada de sus "Meninas" o doncellas portuguesas que eran
Doña Agustina Sarmiento, a la izquierda, y Doña Isabel de Velasco, a la derecha,
también encontramos a la enana Maribárbola, y al enano Nicolasito Pertusato
que coloca la pierna sobre un mastín. Detrás de las Meninas aparecen dos ayos,
uno es Doña Mercedes de Ulloa, el otro es desconocido, en el fondo se abre
una puerta y en ella aparece el aposentador de palacio José Nieto Velázquez. La
escena se localiza en un salón del Alcázar de Madrid, la luz de la tarde
madrileña inunda la estancia, la puerta del fondo abierta permite la entrada de
otra válvula de luz, tal es su realismo que se dice que, en Las Meninas,
Velázquez ha pintado el aire.
Entre los cuadros de tema mitológico destacan dos: La Venus del Espejo,
cuya fecha de ejecución es discutida, entre el segundo viaje a Italia y el regreso
a Madrid, el desnudo es casi inexistente en la pintura barroca española, el
espejo permite la doble presencia del personaje y una cierta ambigüedad ya
que Venus no se podía contemplar en él sino que lo utiliza para observar al
espectador; Y Las Hilanderas, donde aparecen cinco mujeres trabajando en
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primer plano y en la habitación alta tres damas contemplando un tapiz de tema
mitológico, se considera que es una representación de la Fábula de Aracne,
donde Palas Atenea castiga a la tejedora Aracne convirtiéndola en araña por
haberse atrevido a representar a Júpiter en un tapiz, el pintor representó varios
momentos de la misma narración, la destreza de Velázquez en lograr la
sensación de transparencia llega a su punto máximo en el giro veloz de la
rueda. En 1660, Velázquez organizó la ceremonia de entrega de la Infanta
María Teresa, hija de Felipe IV, a Luis XIV en la isla de Los Faisanes en la
desembocadura del río Bidasoa, con la que se sellaba la Paz de los Pirineos, a su
regreso a Madrid y tras una rápida enfermedad, murió ese mismo año.
2. GOYA
BIOGRAFÍA
Francisco de Goya y Lucientes nació en 1746 en Fuendetodos (Zaragoza),
era hijo de un artesano decorador. Sus primeros estudios los realiza en
Zaragoza con el maestro José Luán. A los 17 años se traslada a Madrid con el fin
de ampliar sus estudios de pintura y conseguir una beca para Italia, no la
consigue y debe costearse él mismo la estancia en Italia. En 1771 vuelve a
Zaragoza con cierto renombre y recibe el encargo para pintar una bóveda del
Pilar. En 1775 se traslada a Madrid, se casa con Josefa Bayeu, hermana de
Ramón Bayeu, y comienza por mediación de su cuñado, a realizar cartones para
tapices, que le convierten en 1785 en pintor de Carlos III, en 1789 es ya pintor
de cámara de Carlos IV. En 1790 una enfermedad le deja sordo, lo que va
agriando su carácter y transforma su pintura, que pasa de ser la representación
amable de la vida a una crítica amarga del mundo. Terminada la Guerra de
Independencia, continúa como pintor de cámara de Fernando VII hasta que en
1823, tras la llegada a España de los Cien mil hijos de San Luis, se traslada a
Burdeos tildado de afrancesado, allí continúa pintando e investiga con la
litografía, muere en 1828.
CONTEXTO ARTÍSTICO (EL NEOCLASICISMO)
Goya destaca no sólo como genio de la pintura y maestro de maestros
sino porque no tuvo competidor dentro del pobre panorama pictórico español
de su época, su pintura arranca en el Rococó y termina en el Romanticismo,
pero él siempre discurre por cauces geniales y únicos, empleó procedimientos
de composición neoclásica, como la composición geométrica, y aunque en los
últimos años de su vida la composición es más libre, nunca fue caótica.
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Características: su pintura muestra la expresión de los sentimientos de los
personajes que representa; representa muy bien el movimiento; es una pintura
expresionista, el artista influye en la obra de tal manera que incluso llega a la
deformación intencionada de la realidad, en no pocas ocasiones, ello es el
reflejo de un espíritu atormentado; además su obra es también surrealista, en
ella el artista manifiesta un rechazo a lo racional, mostrando un interés por el
mundo de lo onírico (en sueño), el subconsciente y lo fantástico, afirmando
todo lo negado por la moral convencional; la luz es en un instrumento de
principal importancia en su pintura, en ella existe un claro predominio del color
sobre la línea; su pincelada es suelta y rápida, hay momentos en que llega a
pintar con los dedos y con la espátula. Extensión: Goya es un pintor fecundo, se
calculan más de 500 cuadros de todos los tamaños y una enorme cantidad de
dibujos, grabados y litografías. Temas: Trató varios temas como el
costumbrista, el retrato, el tema religioso, el tema bélico y sus particulares
pinturas negras. Maestros: De acuerdo con sus propias palabras, sus maestros
fueron Velázquez, del que aprendió el retrato psicológico, Rembrandt, del que
tomó la técnica y la espiritualidad, y la Naturaleza, que le inspira en sus
paisajes. Influencias: Goya es el maestro de casi todos los pintores del siglo XIX,
los románticos aplauden su imaginación, los realistas la atención prestada a las
clases humildes, los impresionistas le consideran el padre de la pincelada
suelta, en el siglo XX el expresionismo tiene en Goya a su máximo precursor, los
surrealistas también hunden sus raíces en su obra, y sin embargo, Goya, careció
prácticamente de discípulos.
PINTURAS DE TEMA COSTUMBRISTA
Características: En las pinturas de tema costumbrista aparecen verbenas
y romerías, es el mundo de las majas y de los chisperos, un mundo amable en
el que el pueblo bebe, baila y se divierte. En ellas hay influjos del rococó y de
los pintores ingleses de la segunda mitad del siglo XVIII, aunque la luz y el
paisaje sean de clara influencia velazqueña. Obras: La mayor parte de las
pinturas de este género son cartones para tapices de la Real Fábrica de Santa
Bárbara, entre ellas destacan La gallina ciega, El Quitasol, La pradera de San
Isidro, pequeño cuadro en el que demuestra que es un maestro de la
composición al introducir centenares de figuras, y El cacharrero, que pertenece
a una serie realizada para decorar el dormitorio de los Príncipes de Asturias en
el Palacio del Pardo.
RETRATOS
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Características: Como retratista Goya es de una sinceridad a veces cruel,
los retratos buscan la personalidad psicológica del individuo y no los detalles,
aunque las telas están muy bien tratadas. Obras: La época de madurez en el
retrato la alcanza a finales del siglo XVIII, cuando pinta a la Duquesa de Alba, la
Condesa de Chinchón, Jovellanos, Moratín, la Maja Vestida y la Maja Desnuda,
estos dos últimos no está claro si fueron o no retratos. En los retratos reales no
realiza concesión alguna al idealismo, en el rostro de Carlos IV se observan
claramente sus limitaciones, en los de María Luisa, su vulgaridad y, en los de
Fernando VII, su aspecto antipático, estos culminan con la Familia de Carlos IV,
auténtico retrato psicológico de la familia real, al igual que en las Meninas
también aparece el pintor junto a los reyes. Los retratos femeninos y de niños
son los que más le gustaba pintar, en los primeros presenta una finura
dieciochesca, en los segundos la influencia de la escuela inglesa es indiscutible.
Otros retratos muy interesantes son los realzados en Burdeos, como el de Juan
Bautista de Mugiro. donde materializa la textura de los tejidos, y La lechera de
Burdos, una obra ya impresionista donde los protagonistas son ahora la luz y el
color, por eso se sitúa entre pintura de género y el retrato.
PINTURAS DE TEMA RELIGIOSO
Características: El temperamento de Goya no estaba en consonancia con
las pinturas religiosas, sin embargo, cultivó el género por motivos
esencialmente económicos. Obras: De su primera época es una de las bóvedas
del Pilar de Zaragoza, Regina Martyrum, bajo el estilo neoclásico del momento.
En 1780, para tomar posesión de un puesto como académico de San Fernando,
pintó un Cristo crucificado inspirado en Velázquez. En 1784 pinta una serie de
escenas para la Iglesia de San Francisco el Grande de Madrid, destacando La
predicación de San Bernardino. A finales del siglo, Goya crea una de sus obras
maestras en las bóvedas de la Ermita de San Antonio de la Florida, se trata de
un conjunto de escenas populares y cortesanas cuyos personajes se organizan
en torno a una balaustrada, la composición es muy dinámica y llena de
expresionismo.
PINTURAS DE TEMA BÉLICO
Características: La guerra que hasta ahora se había representado como
un bello espectáculo, Goya se atreve a representarla tal y como es, como una
tragedia. Obras: Antes de la guerra pintó El Coloso, donde nos indicaba sus
temores hacia un conflicto, y después de la guerra pintó El dos de mayo y El
tres de mayo, que resumen todos los ensayos realizados en los Desastres de la
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guerra. La carga de los mamelucos es una obra gran fuerza expresiva, llena de
movimiento, posiblemente él contemplase la acción desde el balcón de la casa
de su hijo en la Puerta del Sol. Los Fusilamientos de la montaña de Principe Pío
es una obra simbólica, el grupo de franceses constituye un símbolo de la
opresión, y el de los patriotas españoles un símbolo de la libertad,
representada por el personaje con la camisa blanca y con los brazos levantados
que parece gritarle al mundo, los efectos lumínicos sobre los condenados
subrayan el patetismo, al igual que las diferentes actitudes y pasos ante la
muerte.
PINTURAS NEGRAS
Características: En ellas va a hacer un uso mayoritario del negro y de las
variaciones del gris, de modo que el color es casi inexistente; suponen una
completa crítica social; en todas ellas la tendencia es precursora del
expresionismo. Obras: Goya realizó estas pinturas en las paredes de su quinta,
llamada la Quinta del Sordo, situada a orillas del río Manzanares en Madrid, en
ellas plasma un mundo de brujas, siniestras procesiones y viejos repugnantes.
Entre estas pinturas, que fueron trasladadas al lienzo y actualmente se
encuentran en el Museo del Prado, podemos destacar: Duelo a garrotazos,
símbolo de la violencia fratricida; Saturno devorando a sus hijos, tema
mitológico símbolo de la destrucción y del horror; Perro semihundido, la más
profunda sombra del proyecto ilustrado.
GRABADOS, DIBUJOS Y LITOGRAFÍAS
Dibujos. Tanto los dibujos como los grabados están destinados al público
y por ello cuentan para su comprensión con títulos a modo de sentencias,
aparecen agrupados en álbumes. Técnica: Los dibujos son realizados a lápiz o
pincel. Obras: Destaca un álbum dedicado a la Inquisición, donde la acusa de
ser una institución cruel e injusta, todos los dibujos manifiestan el compromiso
de Goya con la Ilustración. Grabados. Técnica: Aguafuerte y aguantina. Obras:
Los caprichos son una crítica social, el álbum se inicia con un autorretrato que
sustituye al más importante El sueño de la razón produce monstruos, la crítica
al estamento nobiliario aparecen en grabados como Hasta su abuelo, al
estamento eclesiástico en los Duendecillos, la denuncia social es patente en Ya
van desplumados. Los Desastres de la guerra no son fantasías del autor sino los
horrores de una guerra en forma abstracta que él mismo contempló, el mejor
ejemplo es Esto es peor, escena de empalamiento donde detrás reza El de
Chinchón, con lo que el artista pudo contemplar la escena con sus propios ojos.
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Los Disparates sirven para expresar su imaginación libremente, son seres
embrionarios y deformes pertenecientes a un mundo monstruoso. La
Tauromaquia son estudios de fuerza y movimiento, Goya gustaba del mundo
de los toros, pero no por ello deja de reflejar su brutalidad. Litografía. En los
últimos años de su vida esta técnica le permitió reproducir algunos dibujos.
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