Historia del Arte contemporáneo siglo XX

HISTORIA DEL
CONTEMPORÁNEO
ÍNDICE
MUNDO
1. LA ARQUITECTURA DEL SIGLO XX
2. LA ESCULTURA DEL SIGLO XX
3. PINTURA DEL SIGLO XX
4. EL SUBREALISMO: SALVADOR DALÍ.
5. EL “POP- ART” (ANDY WARHOL) Y EL HIPERREALISMO (ANTONIO
LÓPEZ).
6. PABLO PICASSO.
7. EL SÉPTIMO ARTE: EL CINE.
8. LA NUEVA MÚSICA: EL ROCK Y EL POP.
9. ARTE Y NUEVAS TECNOLOGÍAS.
10. MOVIMIENTOS SOCIALES: PACIFISMO, ECOLOGISMO Y FEMINISMO.
ARQUITECTURA EN EL SIGLO XX
La Arquitectura del Maquinismo.
A finales del siglo XVIII y a lo largo de todo el siglo XIX se produce un hecho de
enorme trascendencia: la aparición de la gran industria. El avance de la técnica
procura el desarrollo del maquinismo: las maquinas, cada vez más potentes y
capaces, ofrecen la posibilidad de una producción rápida, abundante y
económica.
La fabricación deja de ser función exclusiva de la pequeña industria familiar
para pasar a manos del capital, él único que puede financiar las grandes
instalaciones precisas para una producción de grandes perspectivas. Esta
novedad origina la concentración de obreros y maquinas en lugares adecuados
y, por tanto, la necesidad de grandes espacios cubiertos y convenientemente
iluminados.
Se produce una gran conmoción en toda Europa y en América del Norte. El
violento cambio de las estructuras sociales y las nuevas necesidades hacen
que se planteen unos problemas estéticos que no pueden ser satisfechos por
las formas artísticas tradicionales.
Más que los arquitectos, son los ingenieros los característicos representantes
de la construcción de esta época de la revolución industrial.
En un principio los grandes tramos de cubierta se sostienen mediante gruesas
vías de madera, hasta que empiezan a utilizarse para esto las estructuras de
hierro fundido. Este fue el punto de partida. Muy pronto se vio que el hierro
constituía la gran solución que exigían las grandes cubiertas de las fabricas,
estaciones de ferrocarril, locales para exposiciones industriales, etc.
Donde se inicia esta revolución arquitectónica es en Inglaterra, por ser el país
que con más ímpetu se lanzo a la industrialización.
Los edificios de hierro y vidrio fueron los que mejor cumplieron las nuevas
exigencias. En su base estos edificios tenían de común con el neogótico la
preocupación mecánica y la solución plástica por lo lineal. A ello contribuían las
propiedades del hierro. La posibilidad de trabajar este material no sólo por
presión sino también por tensión, facilitó a estas construcciones un carácter
lineal mucho más patente que en las neogóticas.
Todo quedaba convertido, simplemente, en un esqueleto estructural
delgadísimo, y, sin duda, para dar mejor a entender estas posibilidades y el
aspecto estético que producían, se tendía a cerrar los espacios entre hierros
con la frágil y casi inmaterial apariencia del vidrio.
Esta arquitectura consigue sus mayores logros en la torre levantada en París
por el arquitecto Eiffel, con sus 333 metros de altura, la más alta del mundo en
aquel entonces, y en la gigantesca sala de Máquinas, proyecto de Dufert y
Contamin con la nave central de 420 metros de longitud y 115 metros de luz.
La Arquitectura Modernista.
En 1861 William Morris funda en Londres, con un grupo de artistas y
arquitectos, la sociedad “Morris & Co.” destinada a la construcción y fabricación
de objetos artísticos y de usos corrientes. Dicha sociedad fue el punto de
partida de un movimiento de propósitos más ambiciosos que culminó veintisiete
años más tarde con la construcción, por C. R. Ashbee, de la “Arts & Crafts
Society” (“Sociedad de Artes y Oficios”).
Morris luchó por la perfección y originalidad de las obras de artesanía e
indirectamente por la arquitectura. Como modelo tomó la artesanía de la edad
media. Su lucha iba dirigida contra la decadencia que suponía la producción
industrial, de menos valor que la manual, y contra los objetos fabricados en
serie por las máquinas que a causa de su precio más bajo, conquistaron el
mundo, sustituyendo la belleza y la verdad por la falsedad y el engaño.
Pero la producción industrial no era un hecho que pudiera desconocerse en
1888, año en el que se funda la “Arts & Crafts Society”. Así lo entendió Ashbee
y aceptó, por lo menos, la teoría del trabajo en común. Con ella introdujo el
método del diseño industrial, que desde la construcción del palacio de Cristal
corresponde a la era del maquinismo.
Del espíritu que aporta la “Arts & Crafts Society” deriva un nuevo tipo de
arquitectura, el modernismo, apoyado en un sentido decorativo de la
construcción, que rompe con la estética del siglo XIX, cambiando totalmente el
arte propio del mismo.
El Modernismo.
El Modernismo se difundió entre los años 1890 y 1910 por toda Europa. Serám
años de transición entre el cierre de los historicismos y el inicio de las
vanguardias. Años de intensa actividad económica ligada a un cambio de
ideas. En cada país recibió un nombre distinto: “Art Noveau” en Bélgica y
Francia; “Modern Style” en Inglaterra; “Jugendstil” en Alemania; etc. También
se le llamó estilo 1900.
Surgió en lucha contra la cada vez más poderosa industrialización que se veía
como una fuerza deshumanizadora, y por la voluntad de crear frente a la falta
de estilo del siglo XIX, un estilo nuevo. Se ha considerado el modernismo como
“un movimiento romántico, individualista e antihistórico”. A pesar de tener su
origen en la pintura, las mejores realizaciones del modernismo se obtuvieron en
arquitectura y en las artes decorativas.
Las formas típicamente modernistas huyen del ángulo recto y utilizan, en
cambio, el arabesco y las líneas sinuosas, ondulantes y asimétricas de la
naturaleza. Así llegan a un preciosicismo y a una artificiosidad de gran
refinamiento. En todas las obras abiertamente modernistas los arquitectos
renuncias expresamente a imitar los estilos anteriores, introduciendo una
construcción basada en el ornamento.
Los arquitectos modernistas utilizan todos los materiales de construcción
conocidos, desde la piedra labrada y la tierra cocida hasta el hierro y el vidrio.
Las combinaciones que se hacen entre dichos materiales no obedecen nunca a
reglas generales fijadas de antemano, sino a particulares fines que cada
arquitecto pretende obtener.
La elaboración de los distintos materiales es cuidada con suma atención, según
los principios tradicionales más estrictos a fin de conseguir determinadas
texturas y calidades. Por lo general, el arquitecto de esta época es un hombre
con amplios conocimientos técnicos desde el punto de vista artesano y que
rechaza de plano toda falsificación en la preparación de los elementos
primarios que van a intervenir en la obra. Será el eje, quien lo diseñara todo a
demás de los edificios y las viviendas: muebles, objetos menores, vestidos,
calzado, etc.
Junto a los materiales más clásicos como la madera y posteriormente el hierro,
aplican otros que tuvieron prestigio en determinadas épocas, como la cerámica,
la porcelana, el barro cocido, los escayolados árabes, etc.
La primera obra más significativa de este movimiento será la Casa Tassel, de
Víctor Orta, construida en Bruselas. El arquitecto la diseñara con una gran
actividad formal e ideológica. Víctor Orta se considerará el fundador del
modernismo en Europa, influenciado por muchos arquitectos anteriores.
La Escuela de Chicago:
En realidad, el racionalismo se origina antes en Estados unidos que en Europa,
al desarrollar la llamada Escuela de Chicago una nueva tarea arquitectónica de
gran ciudad: el edificio de gran altura destinado a almacenes comerciales u
oficinas, o rascacielos.
La figura más importante de la Escuela de Chicago, como arquitecto y como
teórico, fue Luis Sullivan (1856-1924). La fórmula en la que resumía su modo
de entender la arquitectura, “la forma debe seguir a la función”, constituye un
punto de referencia de toda la arquitectura racionalista.
Sullivan se opuso a la arquitectura que enmascaraba las fachadas con
elementos estilísticos asimilados superficialmente. Estas fachadas de efecto
decorativo no guardaban una auténtica relación con el interior del edificio y de
hecho negaban su concepción. Para Sullivan el exterior del edificio debe formar
con su interior una unidad indivisible, de modo que aparezca una pura
aplicación. Cada edificio ha de representar un todo orgánico, inconfundible, al
que nada se puede añadir o suprimir, y cada una de sus partes debe reflejar las
funciones que le corresponden.
Cabe resaltar como obras importantes de este grupo de arquitectos el
Monadnock Building, construido, entre 1889-91 por Daniel Hudson Burnharm y
John Wellborn Root, en compacta mampostería. En el edificio se prevé ya un
nuevo criterio constructivo que pasó a ser el del clásico rascacielos americano.
Otra obra de los mismos arquitectos es el Reliance Building, una torre de cristal
de trece pisos a base de un esqueleto de acero. Henry Hobson Richardson con
la sencilla monumentalidad de los grandes almacenes Marshall Field, de
pesada mampostería, marca un nuevo rumbo en la arquitectura. También es
destacable el Auditorium Building o los Almacenes Carson, ambos diseñados
por Sullivan en Chicago.
En Europa no se tuvo al principio en cuenta la evolución de la arquitectura
norteamericana. Adolf Loos parece haber sido el único arquitecto que, a finales
de siglo, tuvo conocimiento de ello por haber permanecido tres años en
Estados Unidos. Y en su rechazo de toda forma ornamental, expuesta en su
trabajo “Adorno y crimen” que publica en 1908, va mucho más lejos que
Sullivan.
La escultura del siglo XX
Generalidades.
Las tendencias que en la pintura ha habido durante esta centuria, son las
mismas que en parte han seguido los escultores. Al principio del siglo hubo una
reacción contra el impresionismo. Dándole una importancia a la armonía de los
volúmenes, cuidan de la proporción y de la simetría y desarrollan formas
constructivas estables y equilibradas. Algunos artistas tienen tendencia a la
simplicidad de las líneas y de la estilización geométrica.
Antonio Bourdelle (1861-1929).
Tomó el camino del impresionismo expresionista, dando suma importancia a la
fuerza que hubiera tenido la escultura del romántico. El Hércules arquero, en
bronce tiene cierto afectismo. En la imagen de Safo hay un sobresaliente
constructivismo por el perfecto equilibrio de las masas y la tradición arcaica
griega.
Arístides Maillol (1861-1944)
Tuvo tendencias clasicistas aunque su temperamento se inclinó hacia los
simbolistas y después hacia los Nabis. Defiende las formas opulentas y con
gran fuerza desarrolla los desnudos femeninos como La isla de Francia,
maravillosa alegoría femenina. En la Venus del collar hay originalidad y
sensualismo y en El Mediterráneo hay serenidad y gracia.
José Clará (1878-1960).
Es el principal artista del llamado Estilo Mediterráneo. En sus primeras
esculturas se siente modernista, por lo que sus obras tienden a lo estilizado.
Posteriormente se inclina hacia el naturalismo y el realismo y en sus esculturas
querrá imprimir verdadero sentimiento humano.
Constantino Brancusi (1876-1957).
Este considerado como el primer gran escultor contemporáneo, se inspiro en la
naturaleza, pero estuvo en contra de las formas puras y abstractas. En El Beso
la línea recta, la masa rectangular y las superficies curvas se combinan
armoniosamente. En El pájaro conviven la articulación de una forma rectilínea
de ritmos ascendentes. El espíritu de Buda lo concibe en un geometrismo tal
que la helicoide, las curvas y las quebradas forman un conjunto escultórico de
gran intensidad y simplicidad de líneas.
Henri Laurens (1885-1954).
Es uno de los más grandes artistas del cubismo y la pintura de Braque y las de
Picasso dejaron una honda huella en su personalidad. La mujer de mantilla es
una de sus primeras creaciones con dureza de ritmos, inclinaciones
geométricas e intensidad sensual; su cubismo es a veces barroco como La
cabeza en piedra policromada de Meudon. Abandono el geometrismo y se
inclina hacia los volúmenes inclinados, como son El otoño o La tierra y el mar.
En estas obras las curvas invaden a la superficie habiendo verdaderos juegos
de masas.
Ossip Zadkine (1860-1967).
Se alineo en la tendencia cubista, así en La mujer del abanico, expresó la
génesis del cubismo internacional, pero de un espíritu barroco y a la vez
clásico. Será a la vez un artista creador de grupos como en sus obras maestras
Ménades y Homo Sapiens.
Pablo Gargallo (1861-1934).
En este artista se dan dos tendencias, así cuando trabaja en piedra o barro era
un realista, mientras que si los materiales eran hierro plomo o cobre era
completamente modernista. Sus primeras obras son Las mascaras que tienen
reminiscencias de arte negro. La bacante y El profeta están concebidas a un
espíritu libre a la vez que eminentemente naturalista.
Hans Harp (1887-1966).
Fue de los creadores del dadaísmo. En sus obras pretendió crear una escultura
naturalista pero sin imitar a la naturaleza. Sus primeras creaciones serán sus
relieves policromos que tienden al cubismo biomórfico en contra del cubismo
geométrico. Posteriormente se hace de la tendencia abstraccionista
defendiendo la belleza de la materia creando su famoso Torso en bellísimo
mármol blanco pulido donde la unidad del conjunto y de las superficies lo
consagran como uno de los maestros del siglo.
Alberto Giacometti (1901-1967).
Al principio fue por las causas del naturalismo pero pasó al arte del surrealismo
buscando la síntesis pura de la escultura como en La pareja o La bola
suspendida que a la vez pueden considerarse esculturas abstractas. En el
Hombre en marcha hay verdadera fuerza atormentada y expresividad
comunicativa. El abstraccionismo fue su etapa más característica.
Julio González (1876-1942).
Sus primeras obras serán mascaras de metal, así como las naturalezas
muertas que tienen influencia cubista. Años después se dedica a fundir metales
con la técnica de soldadura autógena, dándole verdadera plasticidad al metal,
consiguiendo captar volúmenes en toda su plenitud. Reuniendo fragmentos de
metal consigue figuras como El hombre cacto No.1. Sus figuras están
delimitadas dentro de un espacio, y tienen a la vez abstracción, pero a si
mismo fantasía y elegancia.
Alexander Calder (1894).
Fue el creador de los móviles o esculturas aéreas, a base de alambre, donde el
espacio está encerrado por líneas metálicas que sugieren masas. Se hace del
grupo abstraccionista, creando por medio de motores esculturas móviles. Sus
líneas escultóricas con placas coloreadas colgantes se suspenden en el vacío
dando al conjunto un sentido de movilidad.
Henry Moore (1898).
Su obra tendrá originalidad desde los primeros inicios, aunque siempre será un
escultor aislado, un artista que no dependía de ninguna escuela. Su inspiración
hay que buscarlas en las artes primitivas de América; tiene algo de
constructivismo y a la vez de surrealismo sus formas serán figurativas y otras
veces no figurativas. Y aunque se hizo abstracto usando maderas y metales
siempre será un humanista. Por otra parte prefiere las esculturas echadas y en
su escultura habrá drama, angustia y sencillez. En contra de todo lo académico
Moore concibe sus obras para que sean admiradas al aire libre y no dentro de
cárceles de arte como son en parte los museos. Entre sus obras más celebres
se pueden mencionar la de Madre e hijo, donde las figuras y las expresiones en
verdaderos contrastes de luces y sombras nos recuerdan el arte de los
olmecas. Posteriormente produce obras como Maternidad, Grupo familiar y
Figura vestida echada, que es como un canto épico entre el contacto existente
de la mujer madre y el sol que la invade.
Nicolás Schöffer (1912).
Se considera el creador del espacio espacio-dinamismo que es un nuevo
constructivismo a base de movimientos. Sus esculturas serán armazones de
hierro de gran geometría, donde sitúa placas de metal o de plástico que a
veces alcanzan hasta los 50 metros de altura como la del parque de SaintCluod. Este ingeniero ha colaborado con ingenieros en la decoración y ha
puesto la cibernética al servicio del arte. Invento la escultura Robot llamada
CISP I que tiene la posibilidad de mover 16 placas policromas. Su obra Lux I
produce efectos luminosos por medio de reflectores pantallas y filtros.
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973).
Está considerado como el más incomparable dibujante del siglo; pintor y
creador de varios estilos, es uno de los escultores más extraordinarios de la
época contemporánea. En la obra Cabeza de mujer está presente el cubismo
inicial, de tendencia expresionista; es un bronce dorado donde la melancolía y
la vida interior de la modelo están presentes. Cabeza de toro, metamorfosis,
resulto de la unión de un asiento y un manubrio de bicicleta. La cabra es una
obra singular; está en bronce y es como una síntesis, como una alusión a la
procreación del mundo, un mundo escuálido que aun se atreve a dar a luz.
José María Subirachs (1927).
Un escultor abstracto; años después sigue la corriente de la polimétrica,
teniendo verdadero interés por el perfecto acabado escultórico. Una obra muy
celebres es el Perfil de bronce y madera.
Eduardo Chillida (1924).
Iniciándose en la escultura de hierro, el cual forja pero conservando los reflejos
y los estigmas del fuego. La torsión del metal adquiere forma de arado primitivo
como en su obra Rumor de límites.
PINTURA DEL SIGLO XX
PINTURA DEL SIGLO XX ANTERIOR A LA II GUERRA MUNDIAL
El arte del siglo XX se caracteriza por la gran variedad de movimientos y
estilos. Entre los que tuvieron su origen en Europa antes de la II Guerra
Mundial se encuentran el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo,
el constructivismo, el neoplasticismo, el dadá y el surrealismo; en Estados
Unidos se desarrollaron el sincronismo y el hiperrealismo.
LA PINTURA A PARTIR DE LA II GUERRA MUNDIAL
A partir de la II Guerra Mundial, los artistas de todo el mundo han
desempeñado un importantísimo papel en la creación de nuevos estilos o en el
desarrollo de los ya existentes. Entre ellos se encuentran el expresionismo
abstracto, el Op Art y el Pop Art, el fotorrealismo y el minimalismo.
El cuestionamiento sobre los principios artísticos que se inició en las últimas
décadas del siglo XIX tuvo una influencia decisiva en la formación del espíritu
crítico propio del siglo XX. Esta revolución estética trajo consigo una sucesión
de estilos y movimientos, muchos de ellos de corta duración y la mayoría
centrados en la búsqueda de nuevas direcciones y principios innovadores. Los
movimientos más destacados fueron, entre otros, el fauvismo, el
expresionismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo, el neoplasticismo,
el dadaísmo, el surrealismo, el expresionismo abstracto y el Pop Art.
En la pintura contemporánea es posible encontrar pintores nacionales y
extranjeros reconocidos mundialmente.
PRINCIPALES EXPONENTES EXTRANJEROS
RENÉ MAGRITTE
Pintor belga, figura principal del movimiento surrealista.
Nació en Lessines y estudió en la Académie Royale des Beaux-Arts, Bruselas.
Su primera exposición individual fue en Bruselas en 1927. Para entonces
Magritte había ya empezado a pintar en un estilo cercano al surrealismo, que
predominó a lo largo de su larga carrera. Diestro y meticuloso en su técnica, es
notable por obras que contienen una extraordinaria yuxtaposición de objetos
comunes en contextos poco corrientes dando así un significado nuevo a las
cosas familiares. Esta yuxtaposición se denomina con frecuencia realismo
mágico, del que Magritte es el principal exponente artístico. Buena muestra de
su magnífico hacer es el cuadro La llave de los campos (1936, Museo ThyssenBornemisza de Madrid), expresión francesa que sugiere la liberación de
cualquier restricción mental o física. Aparte de elementos fantásticos, exhibía
un ingenio mordaz, creando versiones surrealistas de obras famosas, como en
su lienzo Madame Récamier de David (1949, colección privada), en la que el
famoso retrato de Jacques Louis David es parodiado, al sustituir a la mujer por
un elaborado ataúd. Murió el 15 de agosto de 1967 en Bruselas.
En El hijo del hombre Magritte yuxtapone imágenes características de su obra:
la manzana, la pared y el personaje anónimo con bombín. No consideraba que
su pintura fuera simbólica aunque en ella rozaba el mundo inexplicable de los
sueños.
CUBISMO
Movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, cuyo objetivo
principal era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar
de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde
múltiples ángulos. Desarrollado principalmente por Georges Braque y Pablo
Picasso hacia 1907, alcanzó su apogeo alrededor de 1914 y continuó
evolucionando durante la década de 1920. Al rechazar la representación
realista seguida desde el renacimiento, el cubismo significó un cambio crucial
en la historia del arte, convirtiéndose en el precursor de la abstracción y de la
subjetividad artística. Fue una revolución contra el sentimentalismo y el
realismo de la pintura tradicional, contra la importancia que se daba al efecto
de la luz y el color y contra la ausencia de formas, características del
impresionismo. Los cubistas rechazan la perspectiva y el movimiento y le dan
primacía a la línea y la forma. Se inspiró fundamentalmente en el arte de las
tribus de África y Oceanía.
Los cubistas seguían la sentencia del postimpresionista francés Paul Cézanne,
que afirmaba que “todas las formas de la naturaleza parten de la esfera, el
cono y el cilindro” y está influido por el afán constructivo y geometrizante de
George Seurat. La expresión más frecuente dentro del cubismo presenta un
enfoque analítico y abstracto del tema; el artista determina y pinta las formas
geométricas básicas que componen el objeto, sobre todo el cubo o el cono, o
los planos básicos que revelan las formas geométricas subyacentes. Otra fase
de la pintura cubista (el cubismo sintético) presenta un objeto desde diferentes
ángulos, imposibles de ver simultáneamente en realidad, unificados en una
estructura compositiva. En ninguno de los dos cubismos, analítico o sintético,
se pretende reproducir en detalle el aspecto real de los objetos. Entre los
retratos y naturalezas muertas cubistas destacan los instrumentos y los
arlequines ya que eran fáciles de diseccionar de forma geométrica. Para evitar
todo efecto naturalista y emocional, el cubismo utilizó durante su primer
periodo, o periodo analítico, una paleta muy restringida de grises, marrones,
verdes y amarillos, o recurrió a obras pintadas en diferentes tonalidades de un
mismo color. Después de 1914, durante el periodo sintético, muchos cubistas
introdujeron colores más brillantes en sus obras.
Además de Pablo Picasso y Georges Braque, otros pintores cubistas
importantes fueron: Albert Gleizes, Robert Delaunay, Fernand Léger, Francis
Picabia, Marcel Duchamp, Roger de La Fresnaye y Juan Gris. Entre los
escultores cubistas más importantes, que aplicaron a la escultura los mismos
principios artísticos que los pintores, se cuentan Pablo Picasso, Raymond
Duchamp-Villon, Jacques Lipchitz y Alexander Archipenko. Y entre los
incontables artistas influidos por las ideas y técnicas cubistas se encuentran
Maurice de Vlaminck, Stuart Davis y Lyonel Feininger.
EXPRESIONISMO
Corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las
emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. El
movimiento expresionista apareció en los últimos años del siglo XIX y primeros
del XX como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa
desde el renacimiento, particularmente en las anquilosadas academias de
Bellas Artes. El artista expresionista trató de representar la experiencia
emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa
sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el
observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de
intensificar la comunicación artística.
PINTURA Y ESCULTURA
Aunque el término expresionismo no se aplicó a la pintura hasta 1911, sus
características se encuentran en el arte de casi todos los países y periodos.
Parte del arte chino y japonés resalta las cualidades esenciales del sujeto por
encima de su apariencia física. Los artistas de la Europa medieval exageraban
sus figuras en las catedrales románicas y góticas para intensificar la
expresividad espiritual. La intensidad expresiva creada mediante la distorsión
aparece también en el siglo XVI en las obras de los artistas manieristas, como
el pintor español El Greco y el alemán Matthias Grünewald. Sin embargo, los
auténticos precursores del expresionismo vanguardista aparecieron a finales
del siglo XIX y comienzos del XX, en especial el pintor holandés Vincent van
Gogh, el francés Paul Gauguin y el noruego Edvard Munch, que utilizaron
colores violentos y exageraron las líneas para conseguir una expresión más
intensa.
El grupo expresionista más importante del siglo XX apareció en Alemania de la
mano de los pintores Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel y Karl SchmidtRottluff, quienes en 1905 fundaron un grupo en Dresde denominado Die Brücke
(El puente). A ellos se unieron en 1906 Emil Nolde y Max Pechstein, y en 1910
Otto Müller. En 1912 expusieron sus cuadros junto a un grupo de Munich
denominado Der Blaue Reiter (El jinete azul), integrado por los pintores
alemanes Franz Marc, August Macke y Heinrich Campendonk, el suizo Paul
Klee y el ruso Wassily Kandinsky. Esta primera fase del expresionismo alemán
estuvo marcada por la visión satírica de la burguesía y el fuerte deseo por
representar las emociones subjetivas. Die Brücke se disolvió en 1913, un año
antes del comienzo de la I Guerra Mundial (1914-1918). El grupo de los fauves
(véase Fauvismo), así como el pintor francés Georges Braque y el español
Pablo Picasso, influyeron y posteriormente recibieron la influencia del
expresionismo alemán (véase Arte y arquitectura contemporáneas).
La siguiente fase del expresionismo se llamó Nueva objetividad (Neue
Sachlichkeit) y surgió de la desilusión subsiguiente a la I Guerra Mundial.
Fundado por Otto Dix y George Grosz, se caracterizó a la vez por su
pesimismo existencial y por una actitud ante la sociedad sumamente satírica y
cínica. Mientras tanto, el expresionismo se había convertido en un movimiento
internacional, y la influencia de los alemanes ya se podía apreciar en los
trabajos de artistas foráneos, como el pintor austriaco Oskar Kokoschka, los
franceses Georges Rouault, Chaïm Soutine, el búlgaro nacionalizado francés
Jules Pascin y el estadounidense Max Weber (véase Pintura).
Representante destacado en Latinoamérica es el ecuatoriano Oswaldo
Guayasamín quien, influido por los muralistas mexicanos, utilizó una técnica
expresionista al tratar temas indigenistas de su país. En España el
expresionismo se volvió hacia las representaciones de significado social.
Destaca sobre todo José Gutiérrez Solana, Benjamín Palencia, Pancho Cossío,
Francisco Mateos, Rafael Zabaleta y Eduardo Vicente.
El expresionismo abstracto apareció en Estados Unidos nada más finalizar la
II Guerra Mundial. Entre sus mejores exponentes destacaron Mark Rothko,
Willem de Kooning, Franz Kline y Jackson Pollock, que intentaron representar
las emociones básicas mediante la pintura abstracta. Para ello utilizaron
colores vivos, formas atrevidas y métodos de trabajo espontáneos como el
dripping (chorreado de pintura sobre la tela puesta en el suelo).
La escultura expresionista hunde sus raíces en el siglo XIX, en la obra del
francés Auguste Rodin, que expresó las emociones a través de sus esculturas
figurativas. La línea experimental de Rodin influyó en la obra de su discípulo
Antoine Bourdelle, el escultor croata Iván Mestrovic, el británico Jacob Epstein
y el alemán Ernst Barlach. La obra de todos ellos ofrece diferentes formas de
distorsión, exageración y estilización a grandes escalas de la figura humana.
El grito (1893) de Edvard Munch se considera el primer cuadro expresionista.
Expresionismo abstracto
Movimiento pictórico de mediados del siglo XX cuya principal característica
consiste en la afirmación espontánea del individuo a través de la acción de
pintar. Existe una gran variedad de estilos dentro de este movimiento que se
caracteriza más por los conceptos que subyacen en él que por la
homogeneidad de estilos. Como su propio nombre indica, el expresionismo
abstracto es un arte no figurativo y, por lo general, no se ajusta a los límites de
la representación convencional.
Las raíces del expresionismo abstracto se hallan en la obra no figurativa del
pintor ruso Wassily Kandinsky, y en la de los surrealistas, que de forma
deliberada utilizaban el subconsciente y la espontaneidad en su actividad
creativa. La llegada a la ciudad de Nueva York durante la II Guerra Mundial
(1939-1945) de pintores europeos de vanguardia como Max Ernst, Marcel
Duchamp, Marc Chagall e Yves Tanguy difundió el espíritu del expresionismo
abstracto entre los pintores estadounidenses de las décadas de 1940 y 1950,
que también recibieron la influencia de la abstracción subjetiva de Arshile
Gorky, pintor que nació en Armenia y emigró a Estados Unidos en 1920, y de
Hans Hofmann, pintor y profesor alemán nacionalizado estadounidense, que
hacía hincapié en la interacción dinámica de planos de color.
El movimiento del expresionismo abstracto tuvo su centro en Nueva York
formando la llamada Escuela de Nueva York. Aunque los estilos que abarca
son tan diversos como los de los propios pintores integrantes, se desarrollaron
dos tendencias principales, la de la Action Painting (pintura de acción) y la de
los planos cromáticos. El interés de los representantes de la primera tendencia
se centraba en la textura y consistencia de la pintura y en la gestualidad del
artista en el momento de su aplicación sobre el lienzo, mientras que los
pintores que realizaban obras con planos cromáticos ponían el acento en la
unificación de color y forma. Jackson Pollock representa la quintaesencia de la
Action Painting. Su único modo de abordar la pintura consiste en dejar chorrear
los colores desde un recipiente o salpicarlos sobre el lienzo, para hacer líneas
entrelazadas que parecen prolongarse en arabescos sin fin. Willem de Kooning
y Franz Josef Kline, también integrantes de la Action Painting, utilizaban
amplias pinceladas muy empastadas para crear abstracciones rítmicas en un
espacio virtualmente infinito. Mark Rothko creó rectángulos colmados de
colores vibrantes en sus obras, muchas de las cuales son ejemplos de primer
orden de la pintura de planos cromáticos. Bradley Walker Tomlin, Philip
Guston, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb y Clyfford Still combinaron en sus
obras elementos de las dos tendencias.
El expresionismo abstracto también floreció en Europa y su influencia se
observa en pintores franceses como Nicolas de Stael, Pierre Soulages y Jean
Dubuffet. Las manifestaciones del expresionismo abstracto en Europa son el
tachismo (del francés tache, 'mancha'), en el que priman las manchas de color,
y el arte informal, que niega la estructura formal. Ambas tendencias tienen
grandes afinidades con la Action Painting de Nueva York. Entre los pintores
tachistas se encuentran los franceses Georges Mathieu y Camille Bryen, el
español Antoni Tàpies, el italiano Alberto Burri, el alemán Wols (seudónimo de
Alfred Otto Wolfgang Schülze) y el canadiense Jean-Paul Riopelle.
Este cuadro del pintor germano-estadounidense Hans Hofmann, titulado Flight
(Vuelo), es una muestra del estilo expresionista abstracto.
Los artistas, tanto en Francia como en Alemania, compartieron el interés por el
arte de los pueblos primitivos. Ello había motivado las estancias de Gauguin en
Bretaña y las islas polinesias de Tahití y Dominica; Vlaminck afirmaba ser uno
de los primeros artistas europeos en descubrir la escultura africana. En
Alemania, un grupo de jóvenes artistas conocido como Die Brücke (El puente)
visitaban regularmente el Museo Etnológico de Dresde y, como los fauvistas,
se inspiraron en la energía y la fortaleza del arte indígena. Entre sus miembros
destacan Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff y Emil
Nolde. Conocidos también como los expresionistas alemanes, desarrollaron un
estilo simplificador, que compartía algunas premisas con el fauvismo pero con
los añadidos de la crítica a la burguesía del Angst o miedo existencial. Un
segundo grupo de artistas, Der Blaue Reiter (El jinete azul), apareció en Munich
en 1911 con los pintores Wassily Kandinsky (un emigrante ruso) y Franz Marc.
También inspirados por el arte primitivo, el fauvismo y el arte popular, su
expresionismo perdió el contenido figurativo y evolucionó hacia la pintura
abstracta.
Improvisación 28 es un cuadro de 110 x 159,37 cm, pintado por el artista ruso
Wassily Kandinsky en 1912.
ARTE OP
Corriente artística que surgió a finales de la década de 1950 cuya finalidad es
producir la ilusión de vibración o relieve sobre la superficie plana del cuadro en
virtud de las leyes de la óptica. Su principal diferencia con el arte cinético es la
total ausencia de movimiento real. El término, que procede de la expresión
inglesa Optical Art (`arte óptico'), hace referencia en tono irónico al Pop Art.
Entre sus iniciadores se encuentran Josef Albers, Victor Vasarely y ciertas
obras incluidas dentro de la llamada abstracción geométrica.
El movimiento quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en
el Museo de Arte Moderno de Nueva York titulada The Responsive Eye que
agrupaba a una serie de artistas de distintas nacionalidades seguidores de esta
tendencia. Entre sus principales representantes estaban la británica Bridget
Riley y los estadounidenses Ellsworth Kelly y Kenneth Noland. También se
inscriben dentro de esta corriente el español Eusebio Sempere y el colombiano
Omar Rayo. Las cuidadas formas del Op Art gozaron de una rápida y
entusiasta aceptación por parte de la crítica y del público en general
convirtiéndose en fuente de inspiración para sectores como la publicidad, la
moda y el grafismo.
A finales de la década de 1950, el pintor y escultor venezolano Alejandro Otero
ideó los llamados 'colorritmos'. En este ejemplo titulado Colorritmo 66-A, la
sucesión de bandas verticales de color, realizadas con pistola sobre madera,
dispuestas sobre un fondo blanco o negro provocan en el espectador la ilusión
de movimiento.
POP ART
Movimiento artístico iniciado en la década de 1950 en Estados Unidos y Gran
Bretaña. Las imágenes del Pop Art (abreviatura de Popular Art, `arte popular')
se inspiraron en la cultura de masas. Algunos artistas reprodujeron latas de
cerveza o sopa, tiras de cómic, señales de tráfico y otros objetos similares en
sus pinturas, collages y esculturas. Otros incorporaron estos objetos cotidianos
a sus pinturas o esculturas, a veces completamente modificados. Los
materiales fruto de la tecnología moderna, como el poliéster, la gomaespuma o
la pintura acrílica, ocuparon un lugar destacado. El Pop Art no sólo influyó en la
obra de los artistas posteriores, sino que también ejerció un fuerte impacto en
el grafismo y el diseño de moda.
PRINCIPALES REPRESENTANTES
Los antecedentes históricos del Pop Art se sitúan en la obra provocativa de los
artistas dadaístas, especialmente del francés Marcel Duchamp, y en la tradición
pictórica estadounidense caracterizada por el empleo del trampantojo en las
representaciones de objetos cotidianos. Por otra parte, varios integrantes de la
corriente Pop se habían ganado la vida trabajando como artistas publicitarios.
El movimiento Pop Art comenzó como una reacción contra el expresionismo
abstracto, que dominó el arte durante las décadas de 1940 y 1950, al que estos
los artistas consideraban demasiado intelectual y apartado de la realidad social.
Asumiendo el objetivo del compositor estadounidense John Milton Cage —
eliminar las distancias entre arte y vida— los artistas Pop se aproximaron con
ironía al ambiente de la vida cotidiana. Emplearon imágenes que reflejaban el
materialismo y vulgaridad de la moderna cultura de masas para transmitir una
percepción crítica de la realidad, más inmediata que aquella ofrecida por la
pintura realista del siglo XIX.
En Estados Unidos, Robert Rauschenberg y Jasper Johns proporcionaron el
impulso inicial: Rauschenberg con sus collages elaborados con objetos
domésticos, como colchas y almohadas, y Johns con sus series de pinturas
repetitivas de la bandera de su país y de dianas. La primera obra destacada del
Pop Art fue ¿Qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan distintos, tan
simpáticos? (1956, colección particular) del artista británico Richard Hamilton.
En esta satírica obra, que representa dos absurdas figuras que se pavonean en
un salón, se pueden apreciar los principales rasgos del Pop Art:
descontextualización, incongruencia, provocación y buen humor.
El Pop Art se difundió rápidamente durante los años sesenta. En 1960 el artista
británico David Hockney pintó Typhoo Tea (Londres, Gallería Kasmin), una de
las primeras pinturas que reprodujo la marca comercial de un producto. En el
mismo año, Johns finalizó sus vaciados en bronce sobre las latas de cerveza
Ballantine. En 1961, el estadounidense Claes Oldenburg realizó la primera de
sus estridentes esculturas de plástico en forma de hamburguesa y otras clases
de fast food (`comida rápida'). Al mismo tiempo, Roy Lichtenstein, ampliaba el
campo del Pop Art con sus enormes pinturas al óleo imitando las viñetas del
cómic. Algunos artistas también produjeron happenings, espectáculos
interactivos montados como obras de arte.
Además de emplear las imágenes de la cultura de masas, el Pop Art se apropió
de las técnicas de la producción masiva. Rauschenberg y Johns ya habían
abandonado la idea de obra única en favor de la producción de composiciones
seriadas. A principios de 1960, el estadounidense Andy Warhol llevó esta idea
un poco más lejos al adoptar la técnica de la serigrafía, capaz de imprimir
cientos de estampas idénticas de botellas de Coca Cola, latas de sopa
Campbell y otros objetos representativos de la cultura consumista.
Otros ejemplos importantes del Pop estadounidense fueron las obras
escultóricas de George Segal y Wayne Thiebaud o las series satíricas del Gran
desnudo americano, pintadas por Tom Wesselmann. En España, el Pop Art
está representado por la pintura del Equipo Crónica, en cuya obras se
desmitifica el arte tradicional y se abordan ciertos aspectos de la problemática
social.
Tres banderas (1958) es una de las obras más conocidas del artista
estadounidense Jasper Johns, figura emblemática del Pop Art.
HIPERREALISMO: ANTONIO LÓPEZ GARCÍA
Es el mayor de cuatro hermanos (Josefina, Diógenes y Carmen), sus padres
eran labradores acomodados del importante núcleo manchego que era
Tomelloso; su casa estaba situada en la Calle Domecq. Su temprana vocación
por el dibujo, así como la influencia de su tío, el pintor Antonio López Torres,
conformó su decisión de dedicarse a la pintura. En 1949 se trasladó a Madrid
para preparar su ingreso en la Academia de Bellas Artes de San Fernando,
coincidiendo allí con diversos artistas, como Enrique Gran, Amalia Avia, y Lucio
Muñoz, con los que conformó lo que se ha venido a llamar Escuela madrileña.
Permaneció en la academia entre 1950 y 1955.
En 1955, y gracias a una beca, viajó a Italia, donde conoció de primera mano la
pintura italiana del Renacimiento. Sufrió así una pequeña decepción al
contemplar en vivo las obras maestras que sólo conocía por reproducciones, y
que hasta ese momento veneraba. Comenzó a revalorizar la pintura clásica
española, que tan bien conocía, gracias a las frecuentes visitas al Museo del
Prado, especialmente Velázquez.
Tras terminar los estudios realizó sus primeras exposiciones individuales (1957,
1961) en Madrid, mientras trabajaba tanto en esta ciudad como en la localidad
que le vio nacer.
En 1961 se unió en matrimonio a la también pintora María Moreno, del que
nacerían dos hijas: María en 1962 y Carmen en 1965. Desde este último año y
hasta 1969 fue profesor encargado de la Cátedra de preparatorio de colorido
en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.
En 1985 se le concedió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.
En 1990 el director de cine Víctor Erice filmó El sol del membrillo en el que se
recoge el proceso creativo del artista mientras pinta un membrillero del patio de
su casa.
En enero de 1993 fue nombrado miembro de número de la madrileña Real
Academia de San Fernando. En ese mismo año, el Museo Reina Sofía le
dedicó una exposición antológica.
En 2006 recibió el Premio Velázquez de Artes Plásticas.
En 2008, el Museo de Bellas Artes de Boston le hizo una exposición
monográfica. También, su obra Madrid desde Torres Blancas, alcanzó en
subasta de Christie's de Londres los 1918000 €, la mayor cantidad pagada
hasta ese momento por una obra de un artista español vivo.
En 2011, el Museo Thyssen-Bornemisza le dedica una exposición temporal,
con obras de todas sus etapas pero mayoritariamente de su última producción
y el Museo de Bellas Artes de Bilbao, otra a continuación.
El Surrealismo de Salvador Dalí
Sin duda fue uno de los pintores que revolucionaron la pintura junto con
Picasso y Miró en el siglo XX. Representante de la vanguardia española de las
décadas del ’20 y ’30. Personaje polémico que supo explotar el costado
comercial del arte y la pintura.
Su hermano Salvador muerto antes de que él naciera, le dio su nombre cuando
nació en 1904 en el pueblo de Figueras. Las circunstancias de la muerte de su
hermano influirán en la forma en que sus padres cuidarán de él, proyectando
dosis suplementarias de afecto que contribuyeron a forjar una personalidad
egocéntrica y extravagante; pero también que se vea a sí mismo como el
fantasma del hermano muerto, familiarizándose desde pequeño con una idea
que marcará toda su producción artística: la muerte.
Ya desde niño comenzó a demostrar una gran condición para la pintura, en
1917 realiza algunas obras "domésticas" como por ejemplo La Abuela Ana
Cosiendo. Con 18 años se inscribe en la escuela de Bellas Artes de Madrid, de
donde acabaría siendo expulsado, y traba amistad con otros jóvenes de la
época como Luis Buñuel, que más tarde se convertiría en uno de los más
grandes cineastas que diera España y Federico García Lorca, también uno de
los escritores más populares de ese país.
Luego de un breve paso por el cubismo, de moda en la época debido al auge
de Picasso, Dalí se vuelca hacia las nuevas tendencias que por ese entonces
estaban representadas por el Surrealismo, al que se une definitivamente en
1929 en la gran Ciudad Luz, en París.
Muchos autores coinciden en señalar que Dalí tenía un particular interés por las
prácticas surrealistas mucho antes de unirse al movimiento. En 1922 ya había
leído La Interpretación de los Sueños, de Freud, y al menos desde 1926, su
pintura ya tenía incorporados materiales que provenían de sus propias
experiencias oníricas.
Por su parte el Surrealismo surge a principios de los años veinte de un grupo
de poetas, capitaneado por André Breton, fuertemente influenciados por las
ideas freudianas. Los sueños y los deseos son el material favorito de los
surrealistas, quienes además tenían ideas políticas sobre una sociedad nueva,
como casi todos los movimientos de este tipo que florecieron en la década.
Una vez dentro del movimiento, Dalí se convirtió en el surrealista más
radicalizado, intentando avanzar continuamente en los métodos, e incluso
propuso objetivar y sistematizar el delirio, mediante su método "paranoicocrítico" que desarrollará en forma escrita durante la década del treinta. En
síntesis lo que propone este método es una vía para que el artista sistematice y
tome propiedad de sus propias obsesiones y deseos para organizarlos como
material artístico.
Hacia fines de la década del 20 y principios del 30, tres grandes cambios
marcarían la producción futura del pintor: la ruptura con el surrealismo y la
relación con Gala, quien lo acompañara por el resto de sus días, y la
separación de su padre.
La producción de Dalí fue especialmente próspera durante la década del
treinta, y mientras se mantuvo dentro del movimiento surrealista. La mayoría de
los temas que desarrollaría durante toda su vida, surgen en esta época. Así
aparecen los relojes derretidos en La persistencia de la memoria de 1931, las
figuras dobles en El hombre invisible de 1929-1933, y los alimentos y
organismos en putrefacción, como en El espectro del sex-appeal de 1934. Los
elementos blandos tiene una significación especial para el pintor ya que
representan aquellas cosas que pueden ser digeridas, en el sentido de
comprendidas. A ellas se oponen las cosas duras, inalcanzables para el
conocimiento.
Con el fin de la década termina también la relación con su padre. El alejamiento
durará veinte años, la pelea se produjo cuando en una exposición parisina Dalí
colocó debajo de una cromolitografía la inscripción "a veces escupo por placer
sobre el retrato de mi madre".
Casi al mismo tiempo el pintor conoce a Galia, quien todavía estaba casada
con el poeta Paul Eluard. Galia poco a poco se convierte en su compañera,
modelo y musa inspiradora, su relación con Dalí durará hasta 1982 cuando
muere llevándose consigo lo mejor del pintor ampurdanés.
En 1939 Dalí es oficialmente expulsado del movimiento surrealista por Bretón y
sus seguidores. Los motivos de su expulsión parecen determinados por un
excesivo recelo del resto de los integrantes hacia el talento y la popularidad de
Dalí que va en aumento. Por esos años Dalí ya contaba con una gran
aceptación en Estados Unidos y Europa, la prensa de ambos centros artísticos
lo recibió con los brazos abiertos, con su extravagancia e ironía ocupaba
sendos espacios en las publicaciones locales.
Expulsado del surrealismo oficial se acerca a la tradición pictórica, pero sin
abandonar las temáticas y los procedimientos del método paranóico-crítico,
desarrollado en su etapa anterior. Así, ya instalado en Portlligat con Galia,
comienza a trabajar la temática religiosa y se interesa por los recientes
descubrimientos de la física nuclear. Luego de la segunda guerra mundial su
producción se expande a la escenografía, el diseño de joyas y la holografía.
También durante toda su vida colaboró con el director español Luis Buñuel en
muchas de sus películas como Un perro andaluz, Minotaure o El surrealismo al
servicio de la revolución.
En 1982 lo sorprende la muerte de Galia, sus últimos años los dedicó a la
revisión de la obra de los grandes maestros como Velázquez y Miguel Angel.
Finalmente cuando murió en 1989, ya había logrado vencer las resistencias
que se enfrentaron a su renovador estilo.
PABLO PICASSO
Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y
creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes
plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del
grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para
ballets. Su obra inmensa en número, en variedad y en talento, se extiende a lo
largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor
compaginó sabiamente con el amor, la política, la amistad y un exultante y
contagioso goce de la vida.
Famoso desde la juventud, admirado y solicitado por los célebres y poderosos,
fue esencialmente un español sencillo, saludable y generoso, dotado de una
formidable capacidad de trabajo, enamorado de los barrios bohemios de París,
del sol del Mediterráneo, de los toros, de la gente sencilla y de las mujeres
hermosas, afición que cultivó sin desmayo.
Pablo Diego José Ruiz Picasso, conocido luego por su segundo apellido, nació
el 25 de octubre de 1881, en el n.º 36 de la plaza de la Merced de Málaga,
como primogénito del matrimonio formado por el pintor vasco José Ruiz Blasco
y la andaluza María Picasso López. El padre era profesor de dibujo en la
Escuela Provincial de Artes y Oficios, conocida como Escuela San Telmo. La
primera infancia de Pablo transcurrió entre las dificultades económicas de la
familia y una estrecha relación entre padre e hijo, que ambos cultivaban con
devoción. El niño era un escolar menos que discreto, bastante perezoso y muy
distraído, pero con precoz facilidad para el dibujo, que don José estimulaba.
En 1891 la familia se traslada a La Coruña, en cuyo Instituto da Guarda son
requeridos los servicios del padre como profesor. Pablo inicia sus ensayos
pictóricos, y tres años más tarde su progenitor y primer maestro le cede sus
propios pinceles y caballetes, admirado ante el talento de su hijo. En 1895,
Ruiz Blasco obtiene un puesto docente en la Escola d'Arts i Oficis de la Llotja
de Barcelona. Pablo resuelve en un día los ejercicios de examen previstos para
un mes, y es admitido en la escuela. En 1896, con sólo quince años, instala su
primer taller en la calle de la Plata de la Ciudad Condal.
Dos años más tarde, obtiene una mención honorífica en la gran exposición de
Madrid por su obra Ciencia y caridad, todavía de un realismo académico, en la
que el padre ha servido de modelo para la figura de un médico. La distinción lo
estimula a rendir oposición al curso adelantado en la Academia de San
Fernando, mientras sus trabajos, influenciados por El Greco y ToulouseLautrec, obtienen nuevas medallas en Madrid y Málaga.
En 1898 realiza su primera muestra individual en Els Quatre Gats de
Barcelona. Finalmente, en el otoño del año 1900 hace una visita a París para
ver la Exposición Universal. Allí vende tres dibujos al marchante Petrus
Mañach, quien le ofrece 150 francos mensuales por toda su obra de un año.
Pablo es ya un artista profesional, y decide firmar sólo con el apellido materno.
En 1901 coedita en Madrid la efímera revista Arte Joven, y en marzo viaja
nuevamente a París, donde conoce a Max Jacob y comienza lo que luego se
llamará su «período azul». Al año siguiente expone su primera muestra
parisiense en la galería de Berthe Weill, y en 1904 decide trasladarse
definitivamente a la capital francesa.
Picasso se instala en el célebre Bateau-Lavoir, en el número 13 de la calle
Ravignan (hoy plaza Hodeau), alojamiento variadamente compartido por
artistas sin blanca, entre otros el también español Juan Gris. Allí, Pablo traba
amistad con Braque y Apollinaire, y se enamora de Fernanda Olivier. Durante
tres años pinta y dibuja sin cesar, rendido a la influencia de Cézanne, mientras
elabora con Braque las líneas maestras del cubismo analítico, cuya gran obra
experimental, Las señoritas de Aviñón, es pintada por Picasso en 1907.
Pronto sobreviene el asombro y el escándalo ante un estilo deforme que rompe
todos los cánones y va ganando nuevos adeptos, al tiempo que su audaz
inventor expone en Munich (1909) y en Nueva York (1911). Pablo ha
encontrado una nueva compañera en Marcelle Humbert, y siempre seguido por
Braque, se lanza a inventar el cubismo sintético, que los acerca al borde de la
abstracción (en su extensa y tan variada obra, Picasso jamás llegaría a
abandonar la figuración). Poco después, se muda de Montmartre a
Montparnasse, y se abren exposiciones suyas en Londres y Barcelona.
En 1914, con la guerra, llegan las tragedias: Braque y Apollinaire son
movilizados, y Marcelle muere súbitamente ese otoño. Pablo abandona
prácticamente el cubismo, y busca otros caminos artísticos. Los encuentra en
1917, cuando por medio de Jean Cocteau conoce a Diáguilev, que le encarga
los decorados del ballet Parade de Eric Satie. El fin de la guerra le trae un
nuevo amor, la bailarina Olga Clochlova, y también un nuevo dolor: la muerte
de Apollinaire a consecuencia de una grave herida en la cabeza. Se casa con
Olga en 1918, y hasta 1925 trabaja en diversos ballets que dan cauce a su
evolución pictórica.
Un viejo retrato de su madre, pintado en 1918, le valdrá el millonario premio
Carnegie de 1930, que le permite adquirir una suntuosa villa campestre en
Boisgelup, y pasarse más de un año viajando por España. Por entonces vuelve
a la escultura y mantiene un romance con Teresa Walter, del que nace su
primera hija, Maya. La Clochlova inicia un escandaloso juicio para conseguir el
divorcio, que el juez se niega a conceder. Despechado, Picasso se enamora de
Dora Maar.
Al estallar la Guerra Civil, Picasso apoya con firmeza al bando republicano, y
acepta simbólicamente la dirección del museo del Prado, mientras en 1937
pinta el Guernica en París. Dos años después se realiza una gran exposición
antológica en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Deprimido por el
triunfo de los nacionales y la posterior ocupación de Francia por los nazis, pasa
la mayor parte de la Segunda Guerra Mundial trabajando en su refugio de
Royan.
En 1944, se afilia al Partido Comunista Francés y da a conocer 77 nuevas
obras en el Salón de Otoño. Después se entusiasma por la litografía y por la
joven y hermosa pintora Françoise Guillot, con la que convive hasta 1946. Se
inicia así su etapa de Vallauris, en la que trabaja en sus magníficas cerámicas.
Con Françoise tendrá dos hijos: Claude, nacido en 1947, y Paloma en 1949.
En 1954, el infatigable anciano se fascina por una misteriosa adolescente de
delicado perfil y largos cabellos rubios llamada Sylvette D., que acepta posar
para él a cambio de uno de los retratos, a su elección. El trato se cumple y su
resultado produce algunas de las obras más conocidas y reproducidas del
pintor, como el famoso perfil de Sylvette en la butaca verde.
Si la fascinación por la etérea Sylvette había sido platónica, no tuvo el mismo
cariz su atracción por Jacqueline Roqué, joven de extraodinaria belleza a la
que tomó como compañera en 1957, un año antes de pintar el gigantesco
mural para la UNESCO. Fértil milagro del arte y de la vida, Picasso seguirá
creando, amando, trabajando y viviendo intensamente hasta morir en 1973.
Dejó tras de sí la mayor y más rica obra artística personal de nuestro siglo, y
una fabulosa herencia que provocó agrias disputas hasta recaer en un ser de
pacífico nombre: Paloma, su hija.
El séptimo arte: el cine
Conocemos lo que es la cámara oscura y el por qué de su utilización: una
base que se sustenta cuando los rayos de sol atraviesan un pequeño agujero
que en su parte frontal tiene la caja en cuestión proyectando una imagen
invertida en su interior.
Da Vinci, Roger Bacon, evolucionaron estos experimentos y los estudiaron más
a fondo. Se sucedieron experimentos, la sociedad, las ciencias
evolucionaban… y apareció “la linterna mágica” donde la imagen era
amplificada gracias a un complejo sistema de lentes que la proyectaban sobre
cristales.
En 1824, Peter Mark Roget publicó un importante trabajo llamado “Persistencia
en la Visión” dónde se aludía a la retención de imágenes en el ojo durante una
fracción de segundo posterior al momento de proyectar la imagen.
Al mismo tiempo, en 1826 se hizo la primera fotografía. Niépce logró fijar una
imagen real sobre una plancha de estaño pintada con betún y expuesta durante
ocho horas. William Henry Talbot y Louis Daguerre continuaron con sus
trabajos y desarrollaron la idea de la fotografía, imprimiendo sobre planchas de
cobre y reduciendo el tiempo a 30 minutos. Y a raíz de la superposición de
instantáneas tomadas consecutivamente se dio el primer esbozo de lo que
años más tarde sería el cine.
Fue Muybridge el que en 1877 usó 24 cámaras para grabar el galope de un
caballo. Etienne Jules Marey obtuvo doce impresiones en una banda de papel
giratoria, y finalmente, en 1889, Hannibal Goldwin y George Eastman
desarrollaron unas tiras de emulsión fotográfica de alta velocidad sobre
celuloide. El Kinetoscopio de Thomas Alva Edison fue el primer aparato que
proyectaba imágenes, pero dado su tamaño y la longitud de sus tiras, fue
desestimado por su inviabilidad.
El gran invento, el que hoy ha pasado a la posterioridad dándole fama a sus
autores, fue el que se presentó un 28 de diciembre de 1.895. Los hermanos
Louis y Auguste Lumière crearon el cinematógrafo. Aquella noche de
diciembre, en París, en los sótanos del Grand Café, en el Boulevard des
Capucines se proyectaban las primeras y sorprendentes imágenes en
movimiento. 35 personas asistieron al nacimiento del cine, y entre ellos,
Georges Mélies, director del teatro Robert Houdin. Varios cortos fueron
proyectados en aquella primera sesión de cine: la llegada de un tren a la
ciudad, una playa, la salida de los obreros de la fábrica Lumière…
- La primera gran proyección de cine expuesta en un local público, como
espectáculo duró 15 minutos: “L’ Affaire Dreyfuss” (1899).
- Los primeros trucajes de cine aparecieron en 1902 con “Viaje a la Luna”.
- Pero el primer gran montaje, con cortes de celuloides, e imágenes rodadas en
distintos momentos, fue “Asalto y robo de un tren” en 1903, de la mano de
Edwin Porter, el que se ha considerado como padre del cine de ficción.
- Entre 1909 y 1912 la primera gran compañía estadounidense que reunió a los
grandes productores en un trust fue la MPPC (Motion Pictures Patent
Compañy, a la que desmontó la ley antitrust de EE.UU.
- Italia se convirtió en el país más productivo con 717 películas en el año 1912.
- Entre 1915 y 1920 empezaron a proliferar las salas de cine, hasta que la gran
mayoría de los estudios de rodajes se desplazaron de Nueva York a Hollywood
donde los tres primeros grandes productores de la historia del cine
construyeron sus propios estudios: Thomas Harper Ince, Cecil B. De Mille y
Mack Sennett. Ernst Lubisch y Erik Von Stroheim empezaron a sonar en el cine
europeo d aquella época…
Y el año mágico para el cine fue 1927,“El cantor de Jazz” de la Warner
Brothers: la primera película sonora protagonizada por Al Jolson.
La nueva música: el rock y el pop
EL ROCK
Desde 1954 en que naciera este género musical, cientos de autores han
querido clasificarlo como un fenómeno popular, pasajero y sin trascendencia
cultural; pero a diferencia de lo que normalmente se conoce como música pop
¿Qué es lo que le hace peculiar e inperecedero? Por una parte, el término
Rock& Roll del idioma inglés, se traduce como "piedra (eslabón inicial) ... y
rollo" (consecuencia de ideas), reales gracias a la inventiva de una sociedad
anglosajónica, transformada por dos guerras mundiales, e influenciada por el
folklore del resto del Mundo. Ambos términos se unieron para responder a las
preguntas existencialistas, así como se justifican grandes ciencias del
conocimiento como la Filosofía, el Álgebra e incluso la Administración. ¿Quién
soy? ¿qué es lo que hago aquí? ¿y cuál es la razón de ser de las cosas que
me rodean? Podemos pensar por tanto que coexisten por la perpetuidad de la
especie humana en la segunda mitad del siglo XX, la cual ha sobrevivido a la
amenaza de la guerra nuclear. Muchos podríamos suponer que "rock&roll"
significa "muévanse y agítenlo" como si se tratara de un baile aborigen más
viejo que la escritura. La verdad es que el movimiento rockero es tan nuevo
como el proceso de desarrollo de los países del tercer mundo y debido a ello
merece cierto respeto por parte de las comunidades latinas, islámicas y
orientales; las letras de ciertas canciones representan críticas bien
fundamentadas.
El origen del Rock, según la enciclopedia española SALVAT, lo
encontramos dentro del mismo pop, que ha sido y sigue siendo el principal
exponente de la evolución de la nueva cultura, llamada también contracultura.
Cuando los jóvenes teenagers americanos. Superada ya la crisis económica de
postguerra, empezaron a constituir un grupo con poder adquisitivo, gustos y
personalidad, y gustos distintos de los de sus padres; sin embargo hubo
quienes perdieron a sus progenitores tras la Segunda Guerra Mundial, y se
vieron en la necesidad de "afrontar solos al Mundo" como es el caso de los
mejores compositores. El rock resultó de la fusión original de tres corrientes
musicales ya existentes en la primera mitad del siglo. El jazz y el folk son
típicos del folklore norteamericano, sobre todo por ser "musica de blancos"; el
sonar de metales así como el baile nativo "tab" de los años 20's; pero por sí
solos no provocaban la agresividad mostrada por la juventud norteamericana
de los años 50´s. Los valores morales eran distintos tres décadas atrás, cuando
se pensaba que la productividad salvaría a los Estados Unidos de una El blues
por su parte, es de negros, y fue en su tiempo considerado por su estatus de
desconocido como subterráneo a nivel nacional en los Estados Unidos de una
recesión económica, la cual se produjo a fin de cuentas tras el "jueves negro"
de 1929 y empezó "la gran depresión".
Antes del ataque aéreo japonés a Pearl Harbor el 9 de diciembre de 1941,
esa nación tenía sobrepoblación en el sector desempleado de la sociedad;
todos fueron reclutados y enviados al frente junto con sus instrumentos
musicales para tocar jazz a los demás soldados. Tras la guerra, la población
disminuyó y la economía se reactivó; el gobierno aprendió que la guerra es el
negocio más provechoso del Mundo, y la gente pudo dedicarse a lo que le
viniera en gana, como fue el caso de músicos ociosos (ej: Bill Haley). A
excepción del folk, el jazz y el blues son considerados ritmos salvajes; éste
último incluso puede tener sus raíces en la música afroamericana que muestra
un espíritu de inconformidad y depresión por la esclavitud que sufrió su gente
en el pasado. Hay quienes piensan que el blues surgió de los creyentes en el
budú y demás ritos satánicos (de ahí también que se creé lo del mensaje
subliminal de las canciones tocadas al revés). Resulta difícil diferenciar unos de
otros, pero en 1954, Bill Haley hizo pública su Combinación de Estilos a través
del material discográfico; tuvo un perfil artístico que lo hacía inconfundible en
las audiencias que comenzaron al compás del reloj. Fue así como nació el
rock&roll de blancos, como un fenómeno popular.
Mientras esto sucedía en el primer mundo anglosajón, en México la
costumbre de escuchar música clásica perduraba, incluso en zonas rurales se
acostumbraba aún la música nacional. Aquí se escuchaban temas musicales
de película, esto es, si Pedro Infante y Jorge Negrete cantaban canciones no
tan famosas en sus filmes, estas canciones se volvían regla al venderse discos
de película. Por esto, los americanos siempre pensaron que, aparte de que
éramos indígenas ignorantes, no gozábamos de un buen gusto musical; y
resultaría obvio que nunca se escucharía rock en México. Por desgracia o por
fortuna resultó que sí, incluso en el momento de nacer el rock en 1954 a través
de "yankees" descendientes de mexicanos como el cantautor Ritchie Valens;
según la película de 1986 La Bamba, este joven latino murió en un accidente
aéreo a los 17 años de edad, junto con otro rockero llamado Bobby Holly.
Parecía en un principio que nuestro pais se salvaba de una oledada de
anticultura seguida de un comportamiento vándalo inducido por la música rock
en los Estados Unidos y la Gran Bretaña, pero solo fue cuestión de tiempo. Los
Rebeldes del Rock surgieron para interpretar versiones en español de
canciones originalmente compuestas en inglés por músicos de soul y gospel
tales como los Everly Brothers, Frank Sinatra y sobre todo rockeros como
Eddie Cochrain.
Comienzan los años 60's, y mientras en Norteamérica se lucían los solístas
rockeros y duetos de soul, en Europa surgió la competencia a base de
cuartetos como los Beatles y quintetos como los Rolling Stones. The Silver
Beatles aparecieron por vez primera tocando en centros nocturnos del puerto
de Liverpool en 1957, conformado originalmente por el protestante John
Lennon (creador del grupo), el católico Paul McArtney, el anglicano George
Harrison, y un plebello sin trascendencia llamado Pit Best que en 1960 fuese
reemplazado por Richard Starkey (Ringo Starr); quedando así la legendaria
alineación del "cuarteto de Liverpool", The Beatles. Fueron estos ingleses la
chispa que encendió el fenómeno "Invasión Británica" .
Dado que las presentaciones inglesas en ciudades como Nueva York y
Philadelphia iban seguidas de suicidios y vandalismo, los condados americanos
emprendieron una campaña anti-británica por lo que se culpó a los Beatles de
ser los Anticristo, que a fin de cuentas sirvió como pretexto para promocionar a
las estrellas americanas que participaban del "mismo delito".
Uno de los más conocidos en Estados Unidos durante los sesenta fue Bob
Dylan, autor de la Música de Protesta, nació en 1941 con el nombre de Robert
Zimmerman. Es el más importante entre los cantautores que han revalorizado y
difundido el folk song o música popular de los Estados Unidos. Sus canciones
están centradas en la crítica de la sociedad burguesa, materialista e inhumana;
debutó en 1962 y entre sus canciones descuellan "Blowing in the wind"; su
primer gran éxito mundial, "Like a rolling stone" (1965); y "subterranean
homesick blues" entre otras.
Durante la primera mitad de los 60's se gozó de un rebelde alarido
convertido en amoroso susurro (Beatles, Beach Boys, Simon and Garfunkel,
the Byrds, Dave Clark Five, Buffalo Springfield, etc..) pero en la segunda
mitad de esa década, el rock pierde su buena reputación debido al movimiento
Hippie. Los protestantes anglosajones constituyeron este movimiento
comunitario. penetrado de una mística literaria, pacifista y de oposición a la
sociedad de los años 60´s, considerada en aquel entonces "caduca".
Originado también en los Estados Unidos, representa una continuidad del
movimiento beatnick al cual injertaron principios del budismo, cristianismo
protestante, y de ideologías nihilísticas ó utópicas, así como de algunos autores
contemporáneos: Marcuse, Thoreau, Timothy Leary, etc. En 1970, como rasgo
característico, abandonaron las ciudades y constituyeron comunidades
agrícolas, aunque estas no progresaron. En su rechazo de la "sociedad de
consumo" incluyen un retorno a la naturaleza junto con la búsqueda paradójica
de un mundo ideal, artificial sólo a ellos, revelado en las prácticas psicodélicas
y a través de drogas alucinógenas. Posteriormente, su interés se ve centrado
en las tradiciones indígenas de Norteamérica, pero el movimiento se fue
degradando progresivamente y "recuperado" por la propia sociedad de
consumo a la que atacaban, al trivializar y comercializar esta temática hippie.
El pop
La música pop es uno de los géneros musical mayormente extendido entre las
juventudes que gustan de la música en todo el mundo.
Para remontarnos a los orígenes de la música pop debemos retrotraernos al
inicio mismo de la música de rock en el año 1955. Esta breve corriente de rock
and roll inicial duraría aproximadamente hasta el año 1958 cuando las máximas
estrellas de ese género estaban distanciadas por diversos motivos de la
música. Recordemos que Elvis Presley se marcha ese año al servicio militar,
Buddy Holly falleció en un accidente de aviación y Jerry Lee Lewis ingresa en
el escándalo de su boda con una niña de trece años.
La música rock fue de alguna manera el germen fundacional de lo que luego
sería la misma música pop. La aparición en el año 1962 del grupo británico Los
Beatles marca otra vuelta de tuerca evolutiva para el rock pop. Los Beatles
generan la aparición de una buna cantidad de grupos inspirados en ellos que
generaron una considerable movida pop, tanto en Gran Bretaña como en los
Estados Unidos de América.
A finales del año 1974, parece la música disco especialmente representada por
Gloria Gaynor y Donna Summer. Este sonido "disco", como se lo llama
actualmente, logró realizar un avance aún más significativo y de
especialización al género musical que nos ocupa.
De la música disco se desprenden una variedad de géneros musicales entre
los que encontramos el reggae, el punk, la "nueva onda" y la música "tecno".
ARTE Y NUEVAS TECNOLOGÍAS
Las artes visuales y la tecnología, en un sentido estricto, siempre estuvieron
vinculadas, dado que toda producción de imágenes –desde las imágenes
pintadas con carbón y tierra en las cuevas de Altamira hasta las imágenes
digitales, pasando por la fotografía, el cine y el video-, supone una tecnología
de producción, es decir: una técnica, una serie de instrumentos y de
procedimientos, ciertas condiciones de eficacia, una habilidad, un saber. Sin
embargo, la relación entre arte, ciencia y tecnología ha ido fluctuando a lo largo
de la historia del arte.
En la Grecia Antigua estaban tan íntimamente vinculados, que había un solo
término para denominar ‘arte’ y ‘técnica’: tekhne. Arte, ciencia y tecnología,
como diversos dominios de la creatividad humana, mantuvieron este vínculo
estrecho por siglos, siendo el Renacimiento uno de sus momentos más
fructíferos. La producción de Leonardo da Vinci es un ejemplo paradigmático
del cruce entre lo artístico, lo científico y lo tecnológico, así como la incidencia
que las investigaciones en el campo de la óptica tuvieron para el desarrollo de
la perspectiva, y los cambios que ella supuso en el sistema de representación
de la pintura.
Luego estas disciplinas fueron separándose cada vez más. Las investigaciones
de Newton y su modelo mecanicista del universo, la profundización de ese
paradigma científico durante la Revolución Industrial, el Romanticismo en el
arte, fueron profundizando ese divorcio entre el arte y la ciencia. La tecnología
y la ciencia se ponen al servicio del desarrollo industrial y comercial, alejándose
del ámbito de lo estético. La emoción, la imaginación y lo subjetivo formarían
parte del dominio de lo artístico, mientras que la ciencia se ocupa de lo
racional, lo objetivo y lo real.
A lo largo del siglo XX, diversos acontecimientos irán minimizando la dualidad
arte-tecnología.
A principios del siglo, las vanguardias artísticas reavivarán este vínculo. El
movimiento futurista, el dadaísmo, el constructivismo, la bauhaus y otras
estéticas racionalistas, integran la ciencia y la tecnología en sus propuestas. En
el proyecto utópico de las vanguardias, el desarrollo científico y tecnológico
son, por su poder transformador, factores fundamentales para la creación de
una nueva sociedad.
En los años sesenta, algunas experiencias artísticas que involucran la
tecnología y los medios de comunicación (entre ellas, el surgimiento del
videoarte) favorecerán el acercamiento entre arte y tecnología que las
vanguardias de principio de siglo habían iniciado. Luego el desarrollo
progresivo de las nuevas tecnologías audiovisuales y de comunicación, y las
actuales aplicaciones creativas de la tecnología informática, hacen que hoy
pueda hablarse de una nueva integración entre arte y tecnología.
En las sucesivas etapas y períodos de la historia del arte, los artistas fueron
incorporando al repertorio de técnicas y medios tradicionales, las tecnologías
desarrolladas por la época en que les tocó vivir, en la medida en que éstas
fueron haciéndose accesibles. En el siglo XX los rápidos avances tecnológicos
fueron un motor fundamental para el surgimiento del arte de vanguardia y la
explosión de una serie de manifestaciones artísticas que revolucionaron el
campo de las artes plásticas: el collage, el fotomontaje, la fotografía.
En nuestros días, para referirse a ciertas producciones del arte contemporáneo
(videoarte, arte de Internet, instalaciones interactivas, arte robótico, bioarte) se
vuelve a destacar el vínculo entre el arte, la ciencia y las denominadas nuevas
tecnologías, aunque, paradójicamente, la historia de estas “nuevas
tecnologías” se inicia hace casi dos siglos.
Orígenes y desarrollo de las nuevas tecnologías
En el S XVIII la Revolución Industrial aceleró el desarrollo de la productividad
en diferentes áreas generando una gran cantidad de adelantos en la
producción de maquinaria y de nueva tecnología.
Estos adelantos en la industria fueron aprovechados para el desarrollo de
técnicas que rápidamente fueron tomadas por los artistas como medios
alternativos para la creación.
La invención y el desarrollo de la fotografía a mediados del S XIX, representó
uno de los mayores logros técnicos y culturales del siglo. La cámara fotográfica
fue el primer dispositivo tecnológico del que se apropiaron los artistas.
En un comienzo, los pintores tomaban fotografías como modelos para pintar,
pero cuestionaban el estatuto artístico de la fotografía por el hecho de que no
implicaba un trabajo manual sobre la materia. Recién en las primeras décadas
del siglo XX, artistas pertenecientes a las vanguardias históricas, comienzan a
valorar la fotografía como material artístico en sí y no simplemente como
registro o documentación. Surgen los fotomontajes dadaístas. Man Ray y
Mohogoly-Nagy comienzan a realizar fotografía artística y trabajan con
sobreimpresiones y montaje. Es decir, manipulan el material fotográfico con
fines artísticos. Luego será empleada también como medio para registrar y
documentar performances, happengins, y obras de arte conceptual.
Actualmente la fotografía ocupa un lugar central en el campo de las artes
visuales y son múltiples los usos y propuestas estéticas que emplean esta
técnica.
El cine, nacido a fines del siglo XIX, al incorporar la imagen en movimiento,
revolucionó todos los modos anteriores de producción de imágenes y
comunicación trayendo un nuevo espíritu de experimentación en el arte. Por
otra parte, incrementó la ilusión realista de la fotografía e incorporó una nueva
dimensión espacio/temporal ya que, mientras que en la foto la imagen se hace
materia, la imagen proyectada es impalpable y fugaz.
En la década de los ’50 la televisión ya se había convertido en un medio de
comunicación de masas, llevando las imágenes en movimiento a los hogares.
La imagen televisiva es una señal eléctrica en la que están registrados los
trazos luminosos de lo real, invisibles para el ojo antes de su emisión.
La posibilidad de realizar transmisiones televisivas en vivo elimina la distancia
temporal entre el registro y la visualización. Esta distancia temporal es
ineludible en el caso de la fotografía y del cine, ya que se trata del registro de
imágenes fijadas a un soporte por procedimientos químicos, cuyo movimiento
se consigue por medios mecánicos. La creación y registro de la imagen de
televisión y de video se efectúa, en cambio, por procedimientos
electromagnéticos.
En la segunda mitad del siglo XX, a partir de la revolución electrónica, el
desarrollo de los medios digitales fue estrechando el vínculo entre el arte, la
ciencia y las nuevas tecnologías. Actualmente el uso de las computadoras y
de Internet como instrumento para la creación, reproducción y difusión de la
expresión artística, constituye un nuevo nexo entre el arte y las nuevas
tecnologías.
MOVIMIENTOS SOCIALES
Concepto y tipos de pacifismo:
Pacifismo, oposición a la guerra y a otras formas de violencia, expresada a
través de un movimiento político organizado o como una ideología específica.
El pacifismo incluye variantes absolutas y doctrinarias y otras más generales y
prácticas. Los pacifistas absolutos se oponen a todas las guerras y a cualquier
forma de violencia; los pacifistas relativos asumen ciertas posturas respecto a
los conflictos y las clases de violencia hacia los que manifiestan su oposición y
crítica. La mayoría de los pacifistas absolutos ponen de relieve la inmoralidad
de la muerte de una persona a manos de otra. La filosofía del pacifismo se
basó a lo largo de la historia en la moral, la voluntad divina o la conveniencia
económica y social. El término en sí no se hizo popular hasta comienzos del
siglo XX.
Objetivos pacifistas
En el intento por prevenir la guerra, los pacifistas han de conseguir cuatro
objetivos primordiales: establecer un clima favorable a la paz, reducir o eliminar
las causas potenciales de conflicto inherentes a la competencia económica, a
la ambición de poder y al miedo a la dominación extranjera, deben poner en
marcha formas de solucionar los conflictos, tales como procedimientos de
mediación, arbitraje y juicio, y, por último, han de encontrar mecanismos para
garantizar el cumplimiento de las decisiones adoptadas. Se han propuesto
varias formas diferentes de conseguir estos fines.
Pacifismo absoluto
Los miembros de algunos grupos religiosos, como los de la Iglesia menonita y
los cuáqueros, creen que pueden lograr que los agresores adopten
comportamientos pacíficos dando ejemplo de conducta solidaria y no violenta.
Esta actitud está recogida en el Nuevo Testamento en el sermón de la
Montaña, pero es mucho más antigua que el cristianismo: su origen puede
encontrarse en las enseñanzas de Buda, Confucio y otros filósofos orientales.
El pacifismo absoluto preconiza que sus seguidores serán capaces de
mantener su valentía moral cuando se enfrenten a una agresión o a una
provocación, y que influirán en los agresores al devolverles bien a cambio de
mal. Sin embargo, este pacifismo nunca ha tenido un éxito completo. Aunque
los primitivos cristianos observaron esta actitud durante varias generaciones,
su oposición sin compromisos al uso de la fuerza desapareció cuando la Iglesia
se alió con Estado romano en el siglo IV. Un postulador contemporáneo del
pacifismo absoluto se declarará generalmente objetor de conciencia cuando
deba realizar el servicio militar.
Pacifismo relativo
Los pacifistas menos absolutos siguen otros códigos de conducta. Algunos
rechazan el uso de la fuerza y propugnan la persuasión moral, pero también
fomentan la resistencia pasiva para conseguir sus objetivos. Dos ejemplos de
este comportamiento son la resistencia contra el Gobierno británico en la India
durante el siglo XX, y la desobediencia civil de los estadounidenses por los
derechos civiles. Los críticos de esta visión argumentan que incluso la
resistencia pasiva provoca frustración, resentimiento y una mayor presión por
parte del agresor.
Muchos pacifistas piensan que sólo es posible mantener la paz mediante una
disposición a usar la fuerza en algunas circunstancias normalmente
caracterizadas como defensivas. Una de estas concepciones permite la
defensa armada frente a un ataque, pero no ayudar a otros países que sean
atacados. La teoría de la seguridad colectiva propone una alianza defensiva de
naciones amantes de la paz frente a las que la rompan. Si se desea que esta
opción no degenere en un mero sistema de alianzas rivales, debe establecerse
alguna maquinaria internacional que sea capaz de arbitrar y de imponer sus
decisiones. Por tanto, los partidarios de esta teoría han defendido todas las
organizaciones internacionales, como el Tribunal permanente de arbitraje, la
Sociedad de Naciones y la Organización de las Naciones Unidas.
Ecologismo:
Definición:
El ecologismo es un movimiento social que busca un modelo de sociedad
donde las personas puedan vivir en plena comunicación con la naturaleza y los
demás seres humanos.
El ecologismo es la última ideología que se ha incorporado a las
preocupaciones de la sociedad, y es la que más impulso tiene en la actualidad.
Supone una nueva forma de hacer política, lo que implica un choque teórico
con los economistas, un debate entre el desarrollo sostenible y el beneficio
rápido. La ecología influye en todos los aspectos de la actividad económica.
Las diferencias entre ecología y ecologismo: La ecología es una ciencia, no
una teoría. Y el ecologismo es un conjunto de ideas y conceptos basados en
observaciones de hechos que se han producido, o sea que es una ideología.
Historia del ecologismo:
Durante el siglo XIX la petición de mejoras medioambientales provenía
principalmente de dos clases sociales: la clase trabajadora y las clases media y
alta.
El movimiento obrero luchaba por unas condiciones de vida y de trabajo más
dignas para la clase trabajadora. En los primeros momentos del proceso de
industrialización, la degradación medioambiental era un fenómeno localizado
social y geográficamente, afectaba sobre todo a los barrios. Muchos miembros
de las clases media y alta también estaban inquietos por el devastador efecto
de la industrialización sobre sus parajes preferidos de recreo (donde
practicaban actividades como la caza y la pesca) y reivindicaban su
preservación y defensa.
Esta preocupación por la relación existente entre el proceso de industrialización
y la degradación del medio ambiente dio lugar a las primeras organizaciones,
fundadas en el siglo XIX en Gran Bretaña, (ej. : la Sociedad zoológica de
Londres; la Sociedad para la preservación de los comunales, los espacios
abiertos y los senderos; la Real Sociedad para la protección de las aves (1889);
y la Sociedad británica para la conservación de la fauna y la flora (1903).
Después se fundaron muchas otras organizaciones en diferentes países que
seguían el ejemplo de Gran Bretaña). EE.UU. es el primer país donde se
delimitan espacios naturales para preservarlos de la actividad depredadora del
ser humano, creando en 1872 el Parque Nacional de Yellowstone.
Según los ecologistas, el industrialismo y su capacidad destructiva de la
naturaleza son los responsables de la crisis ecológica actual.
Desde los años setenta, el movimiento ecologista interpreta (basándose en la
evidencia proporcionada por la ciencia) que los responsables de la agresión a
la naturaleza pueden encontrarse a cientos o miles de kilómetros de distancia
del punto afectado. Este es el caso de la lluvia ácida provocada, entre otros
agentes, por las centrales térmicas.
Un ej. claro de esto es el accidente en la central nuclear de Chernobyl (Rusia),
que tuvo un escape radioactivo (26-abril-1986) Las devastadoras
consecuencias de la radioactividad tanto para el medio ambiente como para la
salud de las personas se dejaron sentir en la Unión Soviética, y también en
Europa Central y del Norte.
Tipos de ecologismo:
Dentro del movimiento ecologista mundial hay diversos acentos:
• Ecologismo naturalista: valoran mucho lo natural, se preocupan por la
extinción de especies animales (que empobrece la biodiversidad). Deja
un poco de lado al hombre y se centra más en la vida animal.
• Ecologismo liberal: tiene como meta la conservación del planeta en
función de la producción de las riquezas. Busca alternativas frente a la
escasez de recursos, sin plantearse si la orientación en el modo y en los
fines de tal explotación es ética. Hasta calculan especulando las
posibilidades de otros planetas.
• Ecologismo tecnicista: maneja estadísticas acerca de la población
mundial, los niveles de contaminación. Se plantea las proyecciones a
partir de lo actual, quiere proponer formas de energía alternativa, cómo
contaminar menos.
• Ecologismo sociológico-político: se centra en el tema de la
superpoblación, del hambre y del agotamiento de los recursos no
renovables, pero descuida las cuestiones de dignidad fundamental de la
vida humana (perdiendo el hombre como individuo).
Ecologismo humanista: una ecología para el hombre, considera al ser
humano solidario con el mundo en el que vive. El problema es que
carece de peso político y tiene poca fuerza frente al poder económico.
• Ecologismo espiritual: es una actitud de respeto, amor y devoción
hacia el entorno (elemento emocional), de la protección de la vida
anímica y la riqueza interior. Dicen esto bajo amenaza de una muerte del
Espíritu.
• Ecologismo integral: afronta el problema de la destrucción de la
naturaleza desde todas las perspectiva.
Agotamiento de los recursos naturales:
Uno de los argumentos que más parece convencer a la opinión pública mundial
es el del agotamiento de los recursos naturales. Se parte de la base de que, en
la Tierra, existen cantidades limitadas de petróleo, carbón, hierro, cobre,
aluminio...; y que las reservas de estas materias primas son conocidas y, en su
mayor parte, ya están explotadas. Por tanto, debería ser regulado por un
organismo internacional (ej.: la ONU), o incluso controles de natalidad; ya que
el ritmo de consumo actual agotaría muchos de ellos en apenas dos
generaciones.
El deterioro del medio ambiente:
Otro de los grandes argumentos que lanzan los ecologistas en contra de la
industrialización y el progreso, es el deterioro de las condiciones
medioambientales, la contaminación de los terrenos, las aguas y el aire, el
efecto invernadero y el adelgazamiento de la capa de ozono. Todo esto
provoca la multiplicación de las enfermedades y, en especial, los casos de
cáncer. Según los ecologistas la solución a estos males es siempre la misma:
renunciar a la ciencia y al progreso, detener la industrialización y regresar a la
feliz edad dorada en la que el hombre vivía en paz y armonía con la naturaleza.
Antiglobalización:
Globalización: el mercado es internacional, cualquier cosa se puede fabricar
en una parte del mundo y venderse en un punto mucho más lejano. Las
multinacionales fabrican en los países más pobres explotan a la gente y
contaminan todo el medio ambiente; estas multinacionales no tienen ninguna
ética, ni ley ni Estado que les controle, solo pretenden sacar el mayor beneficio
con el mínimo coste, sin importarles la destrucción del medio ambiente.
Antiglobalización: movimiento que lucha contra la globalización, o sea, contra
el desarrollo incontrolado, defendiendo que otro mundo es posible, que hay
otros modelos alternativos de desarrollo respetuoso con el medio ambiente,
controlado y solidario.
•
Feminismo
El feminismo es un conjunto heterogéneo de ideologías y de movimientos
políticos, culturales y económicos que tienen como objetivo la igualdad de
derechos entre hombres y mujeres. Con este objetivo, el movimiento feminista,
crea un amplio conjunto de teorías sociales, una teoría feminista que ha dado
lugar a la aparición de disciplinas como la geografía feminista, historia feminista
o la crítica literaria feminista, entre otras.
Gracias a la influencia del movimiento feminista, se han conseguido logros de
trascendental importancia como el voto femenino, la igualdad ante la ley o los
derechos reproductivos, entre otros muchos.
El feminismo se compone de corrientes muy diversas, por lo que es más
correcto hablar de "feminismos" que de "feminismo" en singular. Entre la amplia
variedad de modalidades que tiene el feminismo, encontramos, entre otros
muchos, el feminismo cultural, el feminismo liberal, el feminismo radical, el
ecofeminismo, el anarcofeminismo, el feminismo de la diferencia, el feminismo
de la igualdad el feminismo marxista, el feminismo separatista, el feminismo
filosófico, el feminismo islámico, el feminismo post-colonial, el feminismo
lésbico o el transfeminismo.
Numerosas autoras dividen la historia del feminismo occidental en tres olas. La
primera ola aparecería a finales del siglo XIX y principios del XX y se centró
mayormente en el logro del derecho al sufragio femenino; la segunda ola,
aparece en los años 60 y 70 y se centra en la liberación de la mujer; por último,
la tercera ola, comienza en los años 90 y se extiende hasta hoy en día,
constituyendo una continuación y una reacción a las lagunas que se perciben
en el feminismo de segunda ola.