Gioconda

LA GIOCONDA
Part descriptiva
Elements d'identificació
• Autor: Leonardo da Vinci
Elements de localització:
• Lloc on es troba: − París
• Cultura a al que pertany: − És una obra de gènere pictòric que pertany al Renaixement de l'època del
cinquecento italià al segle XVI.
Periodització
• Any: 1503−1505
• Estil: Renaixentista
Descripció
− És el retrat femení més fascinant i famós de tota la pintura.
Per un costat tenim l'enigmàtic somriure de la jove Monna Lisa. és la primera incorporació del somriure en el
Renaixement.
Aquesta dama es representada de mig cos, amb les mans plegades sobre el braç d'una butaca. Per altre costat
és també la consagració d'un primer pla, sotmès a un esquema triangular. El paisatge de fons és llunyà i
imaginari. La línia de l'horitzó a la dreta de la figura sembla com si s'interrompessi contra les roques, el que fa
que es doni la impressió de que una part del paisatge és més alta que l'altra.. Amb el difuminat del colorit
s'obre espai a una atmosfera suau i suggerent.
Tècnica: oli sobre fusta. Aquesta obra és un exemple consumat de dos tècniques − el sfumato i el clarobscur
−.
El sfumato consisteixen eliminar els contorns de les línies i difuminar aquest en una mena de neblina que
produeix un efecte d'immersió en l'atmosfera.
En el cas de la Gioconda el sfumato es fa evident en les gases del mant i en el somriure.
El clarobscur es la tècnica de modelar les formes a través del contrast de llums i ombres.
Al retrat les mans sensuals de la model reflecteixen aquesta modulació lluminosa de llum i ombra.
Marc històric
La expresión enigmática de la Mona Lisa, y su fascinante sonrisa, han dado fama universal al retrato. Según
Vasari, el tema es una mujer florentina joven, Monna (o Mona) Lisa, que en 1495 se casó con Francesco del
Giocondo, y por ello fue conocida como La Gioconda. Esta obra fue realizada durante el tercer período de la
producción de Leonardo, la segunda etapa florentina, que comprende de 1503 a 1505.
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Esta figura de una mujer, vestida a la manera florentina de su tiempo y sentada ante un paisaje montañoso, es
un caso notable de la técnica del sfumato de Leonardo (que se hace evidente en las gasas del manto y en la
sonrisa) de la suavidad y del efecto del claroscuro , que es la técnica de modelar las formas a través del
contraste de luces y sombras. En el retrato se observa que las sensuales manos de la modelo reflejan esa
modulación luminosa de luz y sombra, mientras que los contrastes cromáticos apenas son utilizados.
Leonardo amaba este retrato, tanto que lo llevaba siempre consigo hasta que fue vendido a Francisco I. Desde
el principio fue una obra muy admirada y copiada, tanto que llegó a ser considerado el prototipo de retrato
renacentista. Llegó a ser aún más famosa en 1911, cuando fue robada, siendo descubierta en un hotel en
Florencia dos años más tarde. Es difícil comentar tal trabajo de forma breve debido a la variedad y
complejidad de los adornos estilísticos que lo forman.
La grandeza y serenidad que irradian de Mona Lisa no residen en su importancia social ni en la riqueza de los
vestidos o adornos, sino en su profundidad anímica, en su propia intimidad psicológica, que parece moldear su
presencia física, a la vez que desintegrarse en la envolvente naturaleza sin perder su propia identidad, creando
así una simbiosis perfecta entre lo universal y lo particular.
El paisaje de fondo está constituido por una naturaleza en movimiento: ríos que fluyen, brumas y vapores,
juegos de luces y vibraciones de colores. Nada de esto permanece, todo está fundiéndose, transmutándose. Es
en este efecto donde estriba la belleza: Mona Lisa se integra y forma parte del fondo.
La abertura leve de los labios en las esquinas de la boca era considerada en ese período una muestra de la
elegancia. Así Mona Lisa tiene una leve sonrisa que nos introduce en la atmósfera apacible, delicada que
impregna la pintura entera. Para alcanzar este efecto, Leonardo aplica la técnica del sfumato, la interacción
continua entre la luz y la oscuridad, creando una curiosa ambigüedad temporal.
Lo primero que nos llama la atención en el cuadro es que Mona Lisa parece estar viva y realmente parece
cambiar ante nuestros ojos y mirar de forma diferente cada vez que nos volvemos a ella. Incluso en las
fotografías del cuadro experimentamos este efecto extraño. Todo esto suena algo misterioso, y así es; ése es el
efecto que debe producir una gran obra de arte. Sin embargo, Leonardo sabía ciertamente cómo alcanzó este
efecto, y por qué medios.
Era un gran observador de la naturaleza y había visto claramente un problema que la propia naturaleza había
planteado a los artistas − un problema no menos complicado que el de combinar el dibujo correcto con una
composición armoniosa−. Los grandes trabajos de los pintores italianos del Quattrocento que siguieron el
ejemplo de Masaccio tienen un rasgo en común: sus figuras parecen algo duras, ásperas, estáticas, casi de
piedra.
Lo extraño es que no se debía a falta de paciencia o carencia de conocimiento de las técnicas pictóricas. Nadie
podía ser más paciente en su imitación de la naturaleza que Van Eyck; nadie podía saber más sobre la
perspectiva que Mantegna. Pero, pese a la grandiosidad de sus representaciones de la naturaleza, sus figuras
miran más como si fueran estatuas que como seres vivos. La razón puede ser que cuanto más conscientemente
copiamos una figura línea por línea y detalle por detalle, menos imaginamos que realmente es un ser vivo que
se mueve y respira. Los artistas habían intentado solucionar este problema de varias maneras. Botticelli, por
ejemplo, acentuaba en sus cuadros el agitamiento del pelo y la ropa de sus figuras y les daba una mirada
menos rígida. Pero solamente Leonardo encontró la solución verdadera al problema.
Si los contornos no se dibujan tan firmemente, si la forma se deja un poco difuminada, como si desapareciese
en una sombra, esta sensación de sequedad y la rigidez pueden evitarse. Ésta es la famosa invención de
Leonardo que los italianos llamaron sfumato (el contorno velado y difuminado, los colores que permiten que
una forma se combine con otra, dejando así siempre algo a nuestra imaginación).
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Si volvemos al retrato de la Mona Lisa, podemos entender algo de su efecto misterioso. Vemos que Leonardo
ha utilizado su sfumato deliberadamente. Quien ha intentado dibujar o retratar una cara sabe que el que tenga
expresión depende principalmente de dos características: las esquinas de la boca, y las esquinas de los ojos.
Leonardo ha conseguido dar a estas facciones un aire indiferente, dejándolas combinarse con una sombra
suave. Esto explica por qué nunca estamos absolutamente seguros si Mona Lisa realmente nos está mirando
con alegría, tristeza o pasividad.
No es solamente la imprecisión de los contornos lo que produce este efecto. Hay mucho más detrás de este
retrato. Leonardo ha hecho algo muy atrevido, a lo que quizás solamente un pintor de su maestría consumada
se podría arriesgar.
Si miramos cuidadosamente el cuadro, vemos que los dos lados no emparejan absolutamente, lo que da un
aspecto de paisaje ideal fantástico al fondo. El horizonte, en el lado izquierdo, parece estar mucho más bajo
que en el derecho. Por ello, cuando nos centramos en el lado izquierdo del cuadro, la mujer, de alguna manera,
parece más erguida que si nos centramos en el derecho. Su cara, parece también variar con este cambio de
posición, porque, incluso aquí, los dos lados tampoco emparejan exactamente.
Observemos la manera en que modeló la mano, o las mangas con sus dobleces minuciosos. Leonardo podía
ser tan cuidadoso como cualquiera de sus precursores en la observación paciente de la naturaleza; pero, al
contrario de lo que éstos hacían (partían de una idea preconcebida de cómo son las cosas), Leonardo las
representa tal y como las ve, rechazando cualquier idea a priori.
Hacía mucho tiempo, en un pasado lejano, la gente miraba los retratos con temor, porque se pensaba que al
preservar la imagen, el artista podría encerrar en el cuadro, de alguna manera, el alma de la persona retratada.
Ahora, el gran científico, Leonardo, había hecho realidad algunos de los sueños y los miedos de estos
primeros pintores.
De esta forma, Leonardo Da Vinci, el primer artista que no aboga por una vuelta a los modelos clásicos de la
Antigüedad, parte de ésta pero rompe la tradición del Quattrocento florentino inaugurando el camino que
tomará el arte del siglo XVI.
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