RENACIMIENTO final 2011

RENACIMIENTO (Este es)
El Renacimiento comenzó como un movimiento orientado por artistas e intelectuales en Italia a
fines del siglo XV. El Renacimiento: un renacer o volver a nacer de la cultura grecolatina . La cuna
del Renacimiento fue en Florencia.
. En esta época lo novedoso es el arte gótico y bizantino, pero en Roma, estas nuevas
concepciones artísticas, enmarcadas en el acto religioso no tienen mayor importancia, debido a los
recelos (desconfianza o temor que siente una persona hacia alguien o algo) de los sabios
humanistas orientales que emigran a esta ciudad después de la caída de Constantinopla; es así
como al ser rechazado el estilo gótico y bizantino, y puestas en un primer plano las antiguas
formas greco-romanas, surge el arte del renacimiento, que se expande por toda Europa (Francia,
Inglaterra, Alemania y la Península Ibérica, especialmente).
CAUSAS DEL RENACIMIENTO
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La presencia en tierra Italiana de ruinas romanas que tenían que despertar en los curiosos
el deseo de conocer la civilización que había levantado tales monumentos.
La invención de la imprenta. (sustituir la madera por el metal, fabricando moldes de
fundición capaces de reproducir tipos metálicos suficientemente regulares como para
permitir la composición de textos. Fue esta invención, la impresión tipográfica con tipos
móviles metálicos, la que dio origen al libro moderno.)
Los descubrimientos geográficos
Uso del latín como lengua culta, que hacía posible la lectura de las obras clásicas.
Conservación en universidades y conventos medievales de valiosos manuscritos hechos
por autores griegos y romanos.
ETAPAS DEL RENACIMIENTO:
QUATROCENTO: llega hasta finales del siglo XV y su centro cultural es la ciudad.
CINQUECENTO: llena todo el siglo XVI y su cabeza es Roma.
CARACTERÍSITCAS DEL RENACIMIENTO (arte)
- Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.
- Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.
- Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo.
. Las Artes Visuales tienen como función el comunicar lo que el artista desea expresar por medio
de un lenguaje visual, para que la obra en sí resulte agradable y de buen gusto para quien la
observe.
En el dibujo, se procura destacar la expresión facial, que algunas veces revela los grandes
conflictos del alma, un ejemplo de ello es la expresión de desesperación que Masaccio le dio a Eva
en su cuadro Expulsión de Adán y Eva del paraíso.
ARQUITECTURA
Se emplearon los órdenes clásicos (jónico, corintio y dórico), combinándolos entre sí en un mismo
tipo de construcción, de esta manera surge el estílo "colosal" propio de esta arquitectura.
En este nuevo acontecer arquitectónico se le da mucha importancia a la arquitectura civil,
construyéndose los Palacios Municipales, que presentan un aspecto de fortaleza, el Palacio de
Habitación, que es de inventiva renacentista y presenta en su exterior forma de cubo con tres
pisos, que culmina en una cornisa; y las Villas, que fueron construidas en las afueras de Roma,
tenían grandes pabellones con terrazas, escalinatas y patios internos, jardines y parques.
La arquitectura religiosa renacentista, utiliza en sus inicios la planta de la basílica cristiana, sin
embargo, el centro adquiere mayor importancia por el empleo de la Cúpula, que presenta los
famosos Ojos de Buey (aberturas circulares). En relación con los elementos constructivos, tenemos
que los muros son de ladrillo o sillería, con apariencia robusta, las bóvedas usadas fueron: las de
"cañón seguido", "rincón de claustro", "de arista" y la "cúpula"; se usan arcos de medio punto; las
ventanas suelen ser de varias formas: rectangulares, gemeladas.
DECORACIÓN DE OBRAS ARQUITECTÓNICAS:
Escultura: adornaban el conjunto arquitectónico.
La Policromía Natural: consiste en el empleo de diversos materiales naturales, los cuales al ser
combinados reflejaban una diversidad de tonos; por ejemplo, combinaron el mármol blanco de las
paredes con la piedra de los muros.
El Esgrafiado: consiste en realizar sobre las paredes finos relieves pintados con dos colores.
Los Frescos y Mosaicos: llenan las cúpulas y paredes interiores de la construcción
Los Frontones: son de inventiva romana, colocados casi siempre sobre puertas y ventanas
(triangulares o curvilíneos)
Las Pilastras: son columnas que se colocan contiguas a una pared.
ARQUITECTURAS
Bramante logró demostrar, a través de sus proyectos en palacios o iglesias, que no sólo conocía las
posibilidades del lenguaje clásico, sino que también entendía las características y el ambiente de
su época, ya que fue capaz de aplicar el conocimiento antiguo a una forma nueva, inédita,
sobresaliente y, sobre todo, clásica.
Templete de San Pietro: Sobresale en la parte superior dela construcción, por encima de la
balaustrada, la alternancia de hornacinas y capillas rectangulares.
La forma redonda de la planta no era un concepto nuevo, a pesar de que en el Renacimiento
adquiere su mayor esplendor. Hay una clara inspiración en los tholoi griegos de Epidauro y Delfos,
o en el más cercano templo de Vesta, en Roma. En el siglo anterior ya se habían construido
edificios de planta circular, no obstante el Tempietto era el primer edificio renacentista en el que
la celia estaba envuelta por una columna con arquitrabe. Al igual que en los modelos de la
antigüedad, el espacio entre columnas se mantiene constante a lo largo de todo el perímetro.
Otra ruptura con la tradición del siglo precedente reside en su interior. Éste es demasiado
pequeño. Su diámetro es de sólo unos cuatro metros y medio, de manera que hay poco espacio
para albergar cualquier celebración eclesiástica. Este hecho demuestra que la realización de
reuniones litúrgicas era completamente secundaria. El contenido real del edificio radica en su
exterior. Es decir, el Tempietto se ha construido para contemplarlo, y no para ser utilizado. Es un
monumento en el sentido tradicional del término y no una iglesia. El templete deviene un
martyrium o capilla conmemorativa, más que un lugar de reunión de los fieles.
La perspectiva es otro de los elementos a destacar. Cuando se accede al templo, por medio de
una escalinata, el espectador ve el altar situado enfrente mismo de la entrada, con la crucifixión de
San Pedro en su parte inferior. Por tanto, nada más entrar, el relieve se antepone directamente a
la altura de ios ojos del visitante, enmarcando pues la entrada a la sala.
La planta es circular, San Pietro in Montorio tiene peristilo (columnas toscanas); sobre cinco
escalones, se alza un cuerpo cilíndrico cubierto por un friso con triglifos y metopas (DORICO). Lo
corona una cúpula, sobre tambor y con linterna, rodeada de una pequeña balaustrada (forma
moldeada en piedra, madera, metal). En conjunto, hay pocos elementos decorativos. El edificio,
por otro lado, está muy bien iluminado gracias a las ventanas practicadas en el muro. A pesar de
las dimensiones reducidas, es de una gran monumentalidad.
ESCULTURA
La escultura renacentista se caracteriza por la proporción, la simetría y el canon. Lo importante es
la belleza, más que lo que representa, por eso reaparecen los temas mitológicos. Estudia la
anatomía a través del desnudo y el retrato. Utiliza materiales como el mármol y el bronce, con los
que se alcanza gran perfección. Los protagonistas son el hombre y la naturaleza. No se descuida el
relieve, de tres tipos: alto, medio y bajo, que se utilizan en la misma obra para dar sensación de
profundidad. Al igual que en las demás obras, el artista abandona el anonimato. Se suelen hacer
bustos (parte superior del cuerpo), figuras de cuerpo entero, motivos funerarios y estatuas
ecuestres. (es una estatua de un hombre montado a caballo)
El Quattrocento es la época en la que triunfan hombre y la naturaleza. Lorenzo Ghiberti, Miguel
Angel y Donatello. Donatello, es el más grande escultor del momento. Su contribución más
importante la realiza en el campo de la figura humana. Evoluciona desde la serenidad hacia un
realismo dramático. . En sus obras utiliza un sistema de relieves planos que consiste en su
multiplicación para conseguir el efecto de profundidad. Los cuatro profetas, Magdalena y
Gattamelata.
El Cinquecentto se destaca sobre todas la figura de Miguel Ángel Buonarroti, es capaz de plasmar
cualquier sentimiento, desde el lirismo al dramatismo, incompatible con la serenidad renacentista.
Estudia los problemas de movimiento y composición. Utiliza grandes bloques de mármol. Exalta
por igual la fuerza física y la espiritual. Hace un extraordinario estudio de la anatomía humana,
hasta llegar al hiperrealismo. Entre las obras más representativas encontramos: La piedad en el
Vaticano, el David en Florencia, una figura de gran tensión, el Moisés, una figura gigantesca. Las
últimas obras de Miguel Ángel pertenecen al manierismo, momento en el que se exageran las
actitudes y se llega al colosalismo de las figuras.
EL DAVID DE MIGUEL ÁNGEL:
(lo recomendable aquí es comparar este David con
los otros 2 de Verrochio y Donatello que están en el
Power Point)
Mide 5 metros, mármol blanco. Actualmente se
encuentra expuesta en la Galería de la Academia de
Florencia,5 aunque hasta 1910 estuvo ubicada en la
Plaza de la Señoría de la capital toscana; desde
entonces en su lugar se erige una copia de la obra a
tamaño real realizada también en mármol.
La escultura representa al Rey David bíblico en el
momento previo a enfrentarse con Goliat.
El David contrasta con las representaciones previas de
Donatello y Verrocchio en las que David aparece con el
cuerpo de Goliat asesinado.En la versión de Miguel
Ángel, Goliat no aparece, por lo que se interpreta que
aún no ha sido vencido. El cuerpo de David es el de un hombre musculoso, no el del muchacho de
las obras de Donatello y Verrocchio. En lugar de aparecer victorioso como en las dos versiones
antes mencionadas, David aparece en tensión y preparado para el combate. Su cuerpo se
encuentra girado con un ligero contraposto: la pierna izquierda se adelanta a la derecha, el brazo
izquierdo se eleva y se curva hasta que la mano casi toca el hombro, mientras que el brazo
derecho se deja caer hasta que la mano toca el muslo,el torso se curva sutilmente, la cabeza mira
hacia su izquierda, manteniendo los ojos fijos en su objetivo, con el ceño fruncido.El rostro
evidencia esta tensión contenida,además,con una mueca de odio.El movimiento es contenido,
centrípeto con líneas de fuerza que vuelven al bloque. La mirada ha sido interpretada en el sentido
de que la escultura muestra el momento en el que David ha tomado la decisión de atacar pero aún
no ha comenzado el combate.
Las proporciones del David no corresponden exactamente a las de la figura humana: su cabeza,
manos y torso son más grandes de lo estipulado según las proporciones clásicas. Algunos críticos
han visto en esta aparente desproporción una muestra de manierismo por remarcar los elementos
fundamentales de la composición, aunque otra explicación se debería a la ubicación original de la
estatua: sobre uno de los contrafuertes de la Catedral de Florencia, por lo que las proporciones de
la escultura deberían aparecer de forma correcta a cierta distancia.
PINTURA
La pintura renacentista está plena de religiosidad, sin embargo, cada artista busca su propio estilo,
en donde el retrato y la representación del paisaje tienen mucha importancia.
CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA RENACENTISTA
Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios, sacados de la religión, de la mitología
o de la historia.
Es realista: las figuras humanas o de animales, y los objetos inanimados están reproducidos con
el mayor cuidado porque se parezcan en todo a sus modelos reales.
El cuadro se presenta como un escenario: un espacio cúbico, sugerido por medio de los recursos
que enseña la perspectiva geométrica recién descubierta y dan la ilusión de profundidad.
El punto de vista del pintor suele estar en el centro del cuadro. La composición está sometida a
esquemas intelectuales, es decir, razonados. Suele preferirse la forma simétrica en la distribución
de las figuras.
En cuanto a los esquemas de composición preferidos, el triangular (con el vértice arriba o
invertido) y el rectangular con la división del espacio en segmentos áureos. En algunos casos, los
triángulos son dos combinados.
En general, es una pintura dibujística, que se fundamenta en el poder definidor y expresivo de la
línea, y considera el color como un accidente de la materia de importancia secundaria. Las formas
se cierran con un dibujo de trazo continuo y su separación del fondo es absoluta.
Se da interés preferente al cuerpo humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia y
copia cuidadosamente.
A partir del siglo XV, se usará en vez del temple, la técnica del óleo, inventada por los pintores
flamencos, que facilitará el desarrollo de la pintura de caballete.
Las características más importantes de la pintura renacentista son:
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Búsqueda de la perspectiva
Al igual que en la escultura, perviven los temas religiosos, pero, por influencia clásica, se
impulsaron también los mitológicos y alegóricos y el retrato.
Las técnicas son el fresco, el temple y el óleo
La composición centra el tema y distribuye los elementos técnicos: color, volumen y formas
La luz y los efectos de claroscuro culminan en el esfumato leonardesco
Gran atención a la expresión de las figuras y al estudio de la luz en sus cuadros
Como soportes de las obras se utilizan techos, paredes, tablas y lienzos
En la pintura renacentista el pintor recrea la naturaleza y coloca al ser humano dentro de ella.
La pintura de este primer período tuvo su más notable precursor en Giotto, que realzó en sus
obras la importancia del espacio con una ambientación de paisajes a base de rocas, árboles,
pájaros, etc. En Florencia, el arte de Giotto ejerció una gran influencia sobre sus contemporáneos
y sucesores.
PINTURAS
La Creación de Adán antes de la restauración de la Capilla Sixtina de 1980
La creación de Adán es un fresco en el techo de la Capilla Sixtina pintado por Miguel Ángel
alrededor del año 1511. Ilustra el episodio bíblico del Génesis en el cual Dios le da vida a Adán, el
primer hombre (según la tradición bíblica). Cronológicamente es el cuarto de los paneles que
representan episodios del Génesis en el techo de la capilla, fue de los últimos en ser completados
y es una de las obras de arte más apreciadas y reconocidas en el mundo.
Dios es representado como un hombre anciano y con barba envuelto en una alborotada túnica
color púrpura, la cual comparte con unos querubines(tipo de ángel). Su brazo izquierdo está
alrededor de una figura femenina, normalmente interpretada como Eva, quien no ha sido creada
aún y, en sentido figurado, espera en los cielos a que le sea dado un lugar en la Tierra. El brazo
derecho de Dios se encuentra estirado, para impartir la chispa de vida de su propio dedo al de
Adán, cuyo brazo izquierdo se encuentra en idéntica posición al de Dios. Es famoso el hecho de
que ambos dedos están separados por una mínima distancia. La pintura tomó de tres a cuatro
años en ser completada.
La composición es obviamente artística y no literal, ya que Adán es capaz de alcanzar el dedo de
Dios, incluso antes de que se le haya dado "vida". De la misma manera, Eva es representada antes
de su propia creación.
Las posiciones idénticas de Dios y Adán se basan en el Génesis 1:27, que dice que Dios creó al
hombre a su imagen y semejanza. Al mismo tiempo Dios, que aparece flotando en el aire contrasta
con la imagen terrenal de Adán, quien se encuentra acostado en una estable triángulo de tierra. El
nombre de Adán viene del hebreo y significa hombre y la forma femenina Adamah significa Tierra.
La inspiración de Miguel Ángel pudo haber venido del himno medieval Veni Creator Spiritus, en el
que se pide que el dedo de la mano paterna derecha (digitus paternae dexterae) de a los fieles
amor y corazón.
LA ÚLTIMA CENA
La última Cena" de Leonardo Da Vinci es un fresco
Esto le llevó a pintar con óleo sobre el yeso seco, técnica experimental que provocaría un
rapidísimo deterioro de La Última cena, provocando numerosas restauraciones.
LA COMPOSICIÓN
Usando la horizontalidad teatral pinta una gran mesa cuadrada, los apóstoles sentados alineados a
ella con Jesucristo en el medio y detrás una sala grande con ventanas al exterior, viéndose un
paisaje montañoso en ellas; todo bajo un techo de vigas de madera. Todo ello elaborado con
formas cuadradas (las ventanas, la mesa, la caída del mantel en la mesa, el techo, los varales
rectangulares).
Leonardo ilumina la escena con luz artificial a su conveniencia también; prescinde de la
iluminación natural que suministrarían las ventanas traseras y solo la usa para difusamente
aureolar la cabeza de Cristo durante este momento que anuncia la traición de Judas, para dar un
contraluz. La visión desde las ventanas aporta perspectiva y una visión hasta la lejanía por el
paisaje que desde ellas se aprecia.
EL TEMA REPRESENTADO
La pintura refleja el momento de la última cena en el que Jesús anuncia que entre los discípulos
hay un traidor. Se forman cuatro grupos de tres personajes donde cada uno plasma una emoción
humana: estupor, ira, miedo... Es sabido que Leonardo utilizó personas reales como modelos para
los personajes del mural. Incluso se retrató a sí mismo el segundo empezando por la izquierda
como se puede ver en la imagen.
ESCULTURA EN ESPAÑA
La escultura renacentista en España se caracteriza por su religiosidad expresiva y realista. Dominan
los retablos, que alcanzan gran perfección, las sillerías, la imaginería y la escultura funeraria. Se
utiliza la madera policromada, con la técnica del estofado.
ITALIA
-OTROS ESCULTORES
GilbertiGhiberti fue uno de los escultores más importantes de la Florencia de comienzos del
renacimiento. Nació en Florencia (Italia) y fue aprendiz de orfebre. Sus esculturas traslucen una
elegancia lírica acompañada de perfección técnica así como el interés que tenía por la sencillez
clásica de peso y volumen.
ESCULTURA EN FRANCIA
Francesco Laurana, es considerado como el introductor del Renacimiento en Francia, que trabajó
sobre todo en la parte sur del país. Una de sus esculturas más conocidas es el sepulcro de Carlos IV
de Anjou