Renacimiento - ORQUESTA SondelSur

EL RENACIMIENTO
Por Renacimiento se conoce el período de la historia del Arte que comprende los siglos XV y
XVI, aproximadamente (años 1400 a 1600). Se utiliza este término porque los artistas de esta época
hicieron renacer algunas ideas y gustos de los antiguos griegos y romanos. Las personas cultas
(llamadas humanistas) aprenden latín y griego, leen antiguas fábulas, a los filósofos y se interesan por
el arte. En todas las ciudades importantes se construyen edificios que imitan los templos griegos y
romanos. Las casas de los personajes más importantes se decoran con luminosas pinturas y
asombrosas esculturas. Es frecuente encontrar gente culta que practica música como algo muy natural
y cotidiano.
La música de la escuela flamenca
La expresión "flamenca", no tiene nada que ver con el folclore andaluz. Se refiere a una
región que comprende parte de Bélgica. En aquel lugar, durante el siglo XV, floreció una importante
escuela de compositores que renovaron la forma de hacer música. Su polifonía es mucho más suave y
transparente que toda la que se practicaba con anterioridad, incluso la del Ars nova. Algunos
compositores importantes de esta escuela fueron Gillaume Dufay (hacía 1400-1474) y Josquin des
Prés (1450-1521). El estilo de hacer música de los flamencos tuvo influencia en los compositores
posteriores.
Se puede decir que en el Renacimiento la polifonía se realizaba de la siguiente manera:
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Música a varias voces, generalmente a cuatro.
Se emplea la imitación, unas voces repiten o imitan a otras. Este tipo de polifonía se llama
contrapunto imitativo.
Equilibrio entre todas las voces, ninguna destaca o es más importante que las otras.
La música luterana
Martín Lutero (1483-1546) inició una reforma religiosa que dio como resultado la separación
de sus seguidores, los protestantes, de la Iglesia Católica. Lutero era un buen músico y transformó
también la forma de hacer música en los templos. Reunió un enorme número de cantos con texto en
alemán para ser empleados en el oficio religioso. Se conocen con el nombre de corales. Esto fue muy
importante, ya que permitió que en el entorno luterano todos los fieles cantaran en la iglesia.
La música de la escuela italiana
A lo largo del siglo XVI algunos centros musicales más importantes son italianos. La Iglesia
Católica desea hacer frente a las ideas de los protestantes y solicita a sus compositores que la música
religiosa sea muy clara y, aunque siempre en latín, se entienda bien el texto.
En Roma, compositores como Giovanni Pierluigi Palestrina (1525-1594), Orlando di Lasso
(1532-1594), o el español Tomas Luis de Victoria (1545-1611) componen unas obras que se
consideran las más perfectas manifestaciones de la polifonía religiosa renacentista.
En Venecia fueron muy importantes los músicos de la catedral de San Marcos, algunos de
ellos provenientes de la escuela flamenca. Los compositores venecianos más importantes fueron
Andrea Gabrielli (1510-1586) y su sobrino Giovanni Gabrielli (1557-1612). Ambos compusieron
mucha música religiosa para coro y también emplearon muy a menudo instrumentos.
La importancia de los instrumentos
En el Renacimiento el instrumento por excelencia era la voz y todos los compositores
pensaban en un coro de voces humanas cuando inventaban música. Por eso, generalmente el término
polifonía se refiere a la música para coro del Renacimiento.
Hasta ahora los instrumentos musicales se habían empleado para acompañar el canto o para
reforzar las voces tocando las mismas melodías de los cantantes.
En el Renacimiento se emplean de una manera nueva. Primero como simples acompañantes,
como el órgano con un coro; luego a solo, se tocaban en un teclado, un laúd. Pero pronto surgieron
hábiles instrumentistas que decidieron hacer música expresamente para el instrumento que tocaban.
De esta forma vamos a encontrar compositores que se dediquen a la música instrumental tanto como a
la vocal.
Se componen muchas danzas para bailar y piezas instrumentales como los tientos, las
fantasías, las diferencias... Aparecen por primera vez libros divulgativos para aprender a tocar un
instrumento fácilmente. El interés por el arte constituía un signo de importancia y distinción. Tocar
un instrumento o cantar bien formaban parte de esa cultura.
Las principales formas musicales
Cabe distinguir, como en casi toda la Historia de la Música, dos ámbitos principales en los
que analizar las formas: la música religiosa y la profana. Para cada uno de estos campos los
compositores emplean materiales y elementos diferentes que se adaptan mejor a cada situación.
Dentro de la música profana hay que distinguir, la música para voces y la música pensada
directamente para instrumentos.
La música religiosa aunque en alguna ocasión solemne emplee el refuerzo de los
instrumentos, no se puede imaginar sin la participación de la voz humana.
Música religiosa
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Motete: Canción coral sagrada, en estilo polifónico y cantada en latín.
Misa: La parte básica de la liturgia católica; ciertas secciones de la misma son de estilo
polifónico.
Música Profana
1. Vocal
 Madrigal: Canción coral polifónica sobre un texto poético.
 Chanson: Canción a 4 voces. A veces se usan instrumentos para sustituir a una o más
voces.
 Villancico: Poema con estribillo que alterna con varias estrofas. Cultivado sobre todo
en España durante el Renacimiento.
2. Instrumental
 Pavana: Danza elegante y aristocrática, que suele tener ritmo doble.
 Zarabanda: Danza con movimiento lento y expresivo, en ritmo triple, que se deriva
de una antigua danza española.
 Gallarda: Antigua danza, que suele tener ritmo triple y es de tempo rápido.
 Fantasía: Composición instrumental de diseño totalmente libre, a veces puede ser
polifónico, y otras melódico, y se usa a menudo para indicar una improvisación.
 Tiento: Pieza instrumental cultivada por músicos portugueses y españoles. Tenía un
carácter improvisado.
 Tocata: Pieza instrumental para teclado o cuerda pulsada con secciones brillantes e
improvisadas.