la pintura abstracta y el surrealismo

LA PINTURA ABSTRACTA Y EL SURREALISMO
1.- CONTEXTO HISTÓRICO (vale el mismo que el del tema “Fauvismo y
cubismo”).
2.- LA PINTURA ABSTRACTA
Se trata de un intento anterior al surrealismo pero que lo desborda en el tiempo
(ya que al agotarse el surrealismo, el camino a seguir por la mayoría de los pintores fue
el de la abstracción).
Su objetivo es la eliminación del objeto que se pinta (frente al fauvismo, que
lo reducía a color, el cubismo que lo geometrizaba, o el surrealismo que lo encontraba
en el mundo de los sueños). Por tanto, pretende prescindir de toda figuración,
centrándose en formas y colores que no guarden relación con la realidad visual. Así, la
obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza.
EL PIONERO fue el ruso KANDINSKY, que ya desde antes de la I Guerra
Mundial tuvo escarceos con varias vanguardias, especialmente con el expresionismo
(corriente que deformaría la realidad, como haría Munch en “El grito”). Kandinsky no
descubrió la abstracción de golpe, sino paulatinamente, a lo largo de sus series de
obras (iniciadas sobre 1910): sus “Impresiones” (son 6), sus “Improvisaciones” (son
35) y sus siete “Composiciones” (ej. Composición IV). Los títulos no pueden hacer
referencia a objetos concretos porque son abstracciones, de modo que simplemente
Kandinsky numeraba sus lienzos por orden de ejecución (tendencia que han continuado
los pintores abstractos posteriores hasta hoy en día): Composición I, Composición II,
etc…
Kandinsky escribió en su obra “De lo espiritual en el arte” que el arte debe
relacionarse más con lo espiritual (el mundo interior) que con lo material (el
mundo exterior). Es decir, no debe representar la realidad que nos rodea, sino el
mundo interior del artista. Por tanto, para llegar a un arte puro, totalmente espiritual, el
pintor debe renunciar a la iconicidad, es decir, a toda relación con el objeto que pinta.
Esta pureza de la pintura la relaciona con la música, que es el otro arte menos
material y más espiritual que existe. (Se ha llegado a decir que Kandinsky pintaba
música, y titulaba a sus cuadros “composiciones” como si se tratara de sinfonías
musicales traducidas a colores).
Coincidiendo con la I Guerra Mundial y en seguida con la revolución rusa de
1917, Rusia (pronto la URSS) se constituyó como foco principal del arte abstracto,
destacando autores como Málevich y Tatlin:
. MÁLEVICH: inició la corriente del SUPREMATISMO, es decir, el mayor
grado posible de abstracción. La obra adquiere total autonomía respecto a la naturaleza,
y se convierte en un objeto en sí misma. Las formas geométricas simples (cuadrado,
rectángulo, triángulo…) y el color son la única realidad (utilizó básicamente dos, el
blanco y el negro), hasta llegar al no va más del suprematismo en su obra “BLANCO
SOBRE FONDO BLANCO”, lienzo totalmente blanco, sin nada más.
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. TATLIN: inició la corriente del CONSTRUCTIVISMO, al servicio de los
primeros años del comunismo ruso leninista (con Stalin desapareció en beneficio del
realismo socialista, estilo propagandista del nuevo régimen totalitario). Sus pinturas
tenían relieve, eran revolucionarias por el empleo de materiales nuevos como cemento,
chapa, vidrio o hierro. Su obra más famosa es una gran escultura-arquitectura titulada
“Monumento a la III Internacional”, de la que sólo realizó el diseño (nunca se llegó a
erigir). Era una gran torre metálica de más de 300 metros de altura (más que la Torre
Eiffel), con función de antena de radio para la propaganda soviética, reloj y calendario.
Fuera de Rusia, la abstracción también hizo furor, especialmente en
Holanda tras la I Guerra Mundial, bajo el nombre de NEOPLASTICISMO, siendo
MONDRIAN su principal pintor. Frente a la irracionalidad y subjetividad de otros
movimientos (como el dadaísmo o el surrealismo), el neoplasticismo holandés de
Mondrian busca la racionalidad, las relaciones matemáticas (a menudo el número
áureo) entre las formas coloreadas. Para ello utiliza colores primarios puros (rojo,
amarillo y azul) dispuestos en franjas o rectángulos separados por líneas rectas negras.
(Entre nosotros –guardad el secreto-: sus obras parecen manteles de rayas). Sus obras
influyeron mucho en diseños (de publicidad, de moda, etc).
Tras la II Guerra Mundial la abstracción continuará ramificada en pequeñas
corrientes por todo occidente de las que sólo citamos algunas (por orden cronológico):
. el INFORMALISMO del estadounidense POLLOCK (chorreaba pintura bailando
encima de la tela, colocada en el suelo). En España lo más parecido lo hizo SAURA,
aunque con algo de figuración.
. la PINTURA MATÉRICA sobre todo se produce en España, que incluye materiales
como madera, arena, trapos, cristales, como hacen TAPIES o MILLARES.
. el MINIMAL ART (o ARTE MINIMALISTA) especialmente en escultura, que trata
de representar “lo máximo” con los “mínimos” elementos, normalmente formas
geométricas puras dispuestas como módulos que se repiten. En España perdura hoy en
día con figuras como CRISTINA IGLESIAS.
. el LAND ART (o ARTE ECOLÓGICO) que colorea playas enteras, empaqueta
edificios, colorea árboles (IBARROLA en España); el BODY ART, que incluye tatuajes
abstractos, mutilaciones corporales… (algunos autores, pocos, han llegado al suicidio
como obra de arte…¡!)… y un largo etcétera de corrientes más que continúan
reproduciéndose hasta hoy en día, momento en que observamos un cierto agotamiento
de la abstracción y cierto regreso al arte más figurativo.
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3.- EL SURREALISMO.
El surrealismo nació en torno a los años de la I Guerra Mundial y su
posguerra (primeros años 20), en relación con la crisis que se produjo en las
conciencias europeas ante la mayor carnicería humana acaecida hasta aquel momento.
Esta hecatombe produjo en los intelectuales y artistas un profundo cuestionamiento de
la realidad, primero en los literatos (como André Breton en Francia o García Lorca en
España), y después en los demás artistas (en cine destacó Buñuel, en pintura Dalí…).
Mayoritariamente fue un movimiento vinculado a la izquierda política (si bien algunos
pintores como Dalí renunciarían posteriormente a esta tendencia).
Además, los intelectuales de esta corriente entraron en contacto con las teorías
de FREUD sobre el subconsciente (André Breton además de literato, era médico), de
modo que intentaron aplicar a la literatura y a la pintura las teorías del psicoanálisis de
Freud. Un mundo totalmente desconocido hasta entonces, el mundo onírico (de los
sueños) va a ser reflejado en el arte. Con ello, sus autores pretendieron revolucionar el
arte afirmando lo negado hasta entonces por la moral tradicional: lo irracional también
existe. Muchos de ellos provenían de un dadaísmo que ahora les empezó a parecer
superficial, y paulatinamente pasaron a formar parte de las filas de un surrealismo
mucho más cargado de sentido científico (el psicoanálisis y la hipnosis fueron
empezados a ser empleados por los psiquiatras como métodos curativos). Al margen de
esto, los artistas surrealistas acudieron también a técnicas como la hipnosis o la falta de
sueño, así como al consumo de algunas drogas para lograr artificialmente visiones que
luego pintaban.
Los antecedentes pictóricos más lejanos del surrealismo los encontramos en
pintores como EL BOSCO (“El jardín de las delicias”), después en GOYA
(especialmente en sus Pinturas Negras de la “quinta del sordo”) o en románticos como
BLAKE.
Sus temas favoritos son poco convencionales: evidentemente el mundo de los
sueños y las represiones liberadas, donde caben perspectivas vacías, fragmentos
anatómicos aislados, escenas eróticas (todo ello por ejemplo en “El gran masturbador”
de Dalí), objetos incongruentes o imposibles (ejemplo: relojes blandos en “La
persistencia de la memoria” de Dalí), imágenes superpuestas (en un mismo cuadro se
ven dos imágenes distintas al mismo tiempo, como en “Retrato de Lincoln” de Dalí),
mundos imposibles y evocadores (personas volando en cuadros del ruso CHAGALL,
trenes saliendo de chimeneas en cuadros del belga MAGRITTE, cielos estrellados en el
español MIRÓ), cuerpos en los que se puede ver el interior del organismo (retratos de la
mexicana FRIDA KALHO)…
Existen dos tendencias dentro del surrealismo pictórico:
. un surrealismo figurativo: con figuras como Dalí, Magritte, Chagall o Frida Kalho
. un surrealismo abstracto: siendo su principal valedor el catalán Miró (más que objetos
pinta las relaciones entre los objetos mediante líneas, círculos, estrellas…).
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El principal pintor surrealista a nivel mundial fue el español SALVADOR
DALÍ, del que comentamos algunas de sus principales características:
. Sus principales influencias fueron clásicas (el renacentista Rafael, los
barrocos Vermeer y Velázquez, el realista Millet… -de los que versionó varias obras-),
de ahí que cultivara un estilo figurativo casi hiperrealista donde el dibujo y la
perspectiva son importantes.
. Tras una primera y breve etapa impresionista y cubista en España, pronto
pasó a entrar en el grupo surrealista francés. Fue la época en que se enamoró de
Gala (esposa del escritor surrealista francés Paul Éluard), que se convirtió en la mujer
de su vida y en su colaboradora, a la que retrató en numerosos cuadros, y origen de
algunas de sus obsesiones eróticas. También en esta época pintó algunas de sus obras
más conocidas: “El gran masturbador”, “La persistencia de la memoria”, etc. En esta
fase creó toda una simbología en elementos que sirven para descifrar sus cuadros,
como: relojes blandos (significan el relativo paso del tiempo, el olvido, influido por las
teorías de Einstein), el león (la potencia sexual, la pasión), la mano (la masturbación), la
carne podrida (la descomposición y la muerte), las muletas (el freno a esa
descomposición), las perspectivas vacías (la soledad), etc…
. Cuando Francia es invadida por los nazis, Dalí emigra a EEUU, donde
continuó con un surrealismo cada vez más personal e influenciado por la II Guerra
Mundial y el uso de la bomba atómica, en obras como “Leda atómica” (es un retrato
de Gala), “Cabeza rafaelesca reventando” o “Cruz nuclear”. También pinta una de las
crucifixiones más bellas de la historia del arte, con la propia Gala mirando a Cristo
desde abajo.
. En sus últimos años de vida se dedicó además a la escultura, al diseño de
joyas, a la pintura de cuadros holográficos (con varias imágenes distintas
superpuestas que se ven a la vez en un solo cuadro) y a pintar su último cuadro: “La
cola de la alondra”, prácticamente abstracto.
. Con su obra Dalí trató de aplicar las teorías de Freud a la pintura,
prolongando voluntariamente en la vigilia el estado del sueño (llegando a momentos
críticos de extravagancia y locura). Para ello llevó al surrealismo a sus más altas
cotas, no limitándose a mostrar el mundo onírico sin más, sino a provocar y a
escandalizar con escenas sexuales (felaciones, masturbaciones, sodomía…) a una
sociedad convencional poco acostumbrada a su exposición pública.
. Por último, su obra tuvo una gran influencia en la obra de otros pintores
surrealistas (como el español Óscar Domínguez), o hiperrealistas de todo el mundo,
destacando el español Antonio López.
Y además, el surrealismo contó con una vertiente escultórica en la obra de
escultores como los propios Dalí o Miró, y otros como BRANCUSI o CALDER.
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