Marina Bermejo Gómez 1ºB LA PIEDAD DEL VATICANO La Piedad

Marina Bermejo Gómez 1ºB
LA PIEDAD DEL VATICANO
Identificación de la obra
La Piedad fue creada por el artista
florentino inscrito en el registro parroquial
como Michelangelo di Ludovico di Buonarroto
Simoni (Caprese, 1475 - Roma, 1564)
realizada entre los años 1498 y 1499.
Actualmente está ubicada en la Basílica de
San Pedro del Vaticano, Roma.
Análisis histórico
Tras la muerte de Lorezo el Magnífico,
Roma pasó a ser la capital del arte renacentista en lugar de Florencia, debido a la gran
influencia de los papas Julio II y Leon X (de la familia Médicis) y Sixto V, que quisieron
convertirla en símbolo de su poder político y espiritual. Los estados pontificios iniciaron
una expansión militar y se convirtieron en los mecenas de los grandes artistas de la
época.
Roma había florecido debido a que era la cabeza de la Iglesia. Esta ciudad,
económicamente, era el centro de las recaudaciones de diezmos y de tasas
eclesiásticas. Tenía una vertiente política que se regía por la influencia del Papa en los
asuntos políticos y cristianos, y su condición de ser un estado propio, yendo en
aumento bajo el pontificado de Alejandro VI de Borgia.
En el siglo XV se inició un periodo artístico de esplendor y se conquista la
cumbre del clasicismo. Este punto servirá de referencia a todas las artes plásticas
posteriores. Todo esto convirtió a Roma en la capital artística del mundo occidental.
El autor, del período renacentista italiano, concretamente del Cinquecento,
Miguel Ángel Bonarroti fue pintor, escultor y arquitecto comenzando como aprendiz en
el taller de Ghirlandaio el 1 de abril de 1488 con tan solo trece años de edad
formalizando un contrato de estudios durante tres años. Él era un genio y es el artista
más reconocido del renacimiento. Era un artista polifacético, pero ante todo se
consideraba escultor, afirmando que en sus obras simplemente sacaba la figura que el
propio mármol llevaba dentro. Su gran talento le llevó a ser considerado por muchos
como el mejor escultor de la historia.
Miguel Ángel nació en Capresse, en las cercanías de Florencia, y desde muy
joven estudia la escultura clásica. Siendo prácticamente un niño, su mecenas, Lorenzo
el Magnífico le enseña camafeos1 y medallas antiguas para educarle el gusto en las
formas clásicas, realizando el Cupido, una obra que entierra y hace pasar por antigua
1
Figura tallada en relieve en una piedra preciosa.
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durante un tiempo. La Batalla de los centauros (año 1493) y en La Virgen de las
escaleras (año 1493) hace florecer su arte del relieve del tipo donatelliano.
Un viaje a Bolonia, al tener que abandonar Florencia a la caída de la familia
Médici, le permite conocer el estilo de J. de la Quercia, que deja en él una profunda
huella, y con esta, marcha a Roma el año siguiente y deja su etapa Florentina.
En Roma, en sus primeros años, esculpe La Piedad y poco después esculpe el
David, la colosal obra culminante de su juventud, reflejando en su rostro esa vida tan
apasionada y característica del autor. El típico gesto de la terribilità del artista se
manifiesta tanto en él, como en la musculatura en el cuerpo.
Más tarde, Julio II le encarga el grandioso monumento sepulcral que desea
construir en el crucero de San Pedro del Vaticano. Pocos años después se ve obligado
a disminuir la escala del monumento, pero debido al paso del tiempo los encargos no
le dejan avanzar en la obra. El propio Papa le obliga a interrumpirlo para la realización
de la bóveda de la Capilla Sixtina, enriqueciendo sus actividades pictóricas y
transformando su estilo, donde adquieren forma definida sus grandes gestos terribles,
sus actitudes violentas y se encarga aun más del dramatismo.
A poco de encomendarle el sepulcro se descubre el Laocoonte (1506), conocido
por las descripciones de Plinio2, donde el efecto producido por el artista era profundo.
Julio II lo adquiere, y el artista observa en el Laocoonte la fuerza de un ejemplar
clásico, el movimiento, el dolor, el retorcerse las formas, el intenso claroscuro de la
musculatura.
Poco después muere el Papa, y el artista acaba realizando un modesto
monumento en forma de fachada en la Iglesia de San Pedro in Vincole con el Moises
ubicado en el centro de la composición con otras dos estatuas más.
Los sepulcros de los Médicis, en san Lorenzo de Florencia, encargados por Clemente II,
son la gran empresa escultórica de su vida, a que tampoco puede dar cima y que le
impide terminar el sepulcro de Julio II.
El final de su carrera como escultor, está representado por dos temas
dolorosos: La Piedad del Duomo, Florencia (1549), que deja sin concluir, y La Piedad
del palacio Rondanini (1555) de Roma, que solo se encuentra comenzada (museo de
Milán).
Los tiempos de entusiasmo por la belleza clásica de la Piedad del Vaticano
están muy lejos.
Transcurridos muchos años de desilusiones, el artista en sus arrebatos místicos
de la vejez, solo quiere pensar en el espíritu y en esas dos figuras del grupo Rondanini,
con las que expresa sus meditaciones, dolor y espíritu en detrimento de bellezas
corpóreas.
2 Plinio Cecilio Segundo, conocido como Plinio el Viejo, escritor, científico, naturalista y militar
romano.
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Análisis técnico
La Piedad fue realizada por Miguel Ángel con tan solo 23 años.
Esta realizada en mármol blanco de Carrara, utilizando la técnica de tallado rebajando
el bloque de mármol y usando como instrumentos cinceles dentados para la base, y el
trépano para los cabellos. Entre los instrumentos utilizados podemos encontrar
también limas y piedra pómez.
Las dimensiones de esta obra son 1,74 metros de alto por 1,95 metros de
ancho y 69 cm de profundidad.
Cuando entregó la obra terminada, algunos dudaron de su autoría debido a la
juventud del artista. Miguel Ángel al enterarse de estos comentarios, en un ataque de
furia, grabó con un cincel en negativo su nombre en letras mayúsculas en la cinta que
cruza el pecho de la Virgen, siendo la única obra firmada del artista. En la cinta puede
leerse: “Michael A[n]gelus Bonarotus Florent[inus] Facieba[t]”, que traducido significa
“Miguel Ángel Buonarroti, florentino, lo hizo”.
Esta obra sufrió un atentado el día 21 de mayo de 1972 cuando Laszlo Toth,
geólogo de nacionalidad australiana, entró a la basílica escondiendo bajo su atuendo
un martillo y, tras haber sorteado las
medidas de seguridad, saltó la
barandilla de mármol situada delante
de la Capilla de San Pedro y propinó a
La Piedad 15 martillazos en apenas
dos minutos, quedando el brazo
izquierdo de la Virgen, el rostro,
cejas, nariz y boca especialmente,
fragmentados en pequeñas piezas
de mármol.
La Piedad antes del atentado
La Piedad después del atentado
La restauración fue llevada a cabo a manos de un brasileño llamado Deoclecio
Redig de Campos, en esa época director general de los Museos Vaticanos y experto en
escultura renacentista. Salvó el párpado de la Virgen recuperándo la mayor parte de
los fragmentos.
Para poder realizar esta recuperación de la obra de forma mimética, los
restauradores vaticanos utilizaron una réplica de 1964 y millones de fotografías. Se
utilizaron los fragmentos originales y una pasta hecha con polvo de mármol y una
resina especial traída desde Brasil. Hasta trece meses más tarde, Junio de 1973 La
Piedad no volvió a exponerse.
Desde el atentado La Piedad se expone protegida por una gruesa pared de
vidrio a prueba de balas.
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Análisis temático e iconográfico
La Piedad de Miguel Ángel es un grupo escultórico de bulto redondo en la que
su vista principal es la frontal, cuya composición (claramente clásica) es piramidal y
completamente proporcional, y cuya temática es religiosa, representado a la Piedad, La
Virgen María con su hijo muerto en su regazo momentos después de su crucifixión. Era
un tema que no era muy frecuente en la escultura italiana, pero si en la tradición
religiosa y en la escultura del periodo Gótico en el Norte de Europa.
El triángulo de esta composición piramidal perfectamente equilibrada viene
marcado por la cabeza de María como vértice y por el grupo escultórico como base de
esta pirámide3. Los ejes de las dos cabezas, suavemente caídas, siguen direcciones
casi perpendiculares.
A los pliegues del velo que cubre la cabeza de la Madre, en el vértice superior
de la pirámide, responden las estilizadas curvas
ascendentes del manto extendido sobre la roca,
en el vértice inferior izquierdo. Los pliegues que
siguen al borde de su vestido, descendiendo,
casi horizontales, de izquierda a derecha y
cerrando la base de la pirámide, subrayan la
curva del cuerpo yacente tendido en el regazo.
Por la derecha, las dos verticales de las
piernas desnudas de Cristo enmarcan la
poderosa masa que forma, bajo los pliegues de
las telas, la pierna apoyada en el suelo de su
madre. Esto constituye un elemento muy
importante en el juego de luces y sombras de esta obra.
La línea del brazo izquierdo de la madre sigue una de las
aristas de la pirámide y encuentra respuesta, en el otro extremo de
la composición, en el brazo del Hijo muerto. La curva suave que
forma este brazo en su caída y la disposición de los músculos
desplazados por la poderosa mano de la madre que comprime los
músculos del torso, indican que el cuerpo no está frio todavía.
Detalle de la mano
de la Virgen.
El cuerpo de Cristo está totalmente mimetizado dentro del contorno del cuerpo
de la Virgen, acentuando la unión entre madre e hijo.
El conjunto escultórico en sí contrapone la desnudez y la ligereza del cuerpo de
Cristo con la vestimenta de pliegues profundos de María. El trabajo de estos pliegues y
el esplendor del cuerpo humano nos remiten al más puro clasicismo.
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Entre todas las formas geométricas, las preferidas para representar la divinidad son el
triángulo y el círculo.
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Miguel Ángel ha alterado las proporciones de ambas figuras, la cara
relativamente pequeña y los rasgos casi adolescentes de la Virgen, hace que olvidemos
que si se pusiera en pie, su estatura sobrepasaría la de Cristo. Gracias a ello se evita el
efecto que produce el bulto horizontal del cadáver de un hombre adulto tendido en el
regazo de una mujer sentada.
María manteniendo la mirada baja presenta un rostro muy
bello, sereno, ovalado y muy joven, mucho más joven que el de
su hijo, y no demuestra en él dolor ni sufrimiento. Miguel Ángel
quiso esconder la capacidad de idealizar el dolor, la tragedia y la
muerte. Decidió no reflejar la realidad. Decidió reproducir un
conjunto armónico en el que la Virgen es preciosa y en el que
Cristo mantiene la dignidad del Hijo de Dios después de todo lo
sufrido.
Detalle del rostro de la
Virgen.
El autor quiso representar el rostro de la Virgen de esta manera para poder
reflejar su virginidad eterna. No se refería a la belleza física, sino a la belleza espiritual
que no se marchita nunca. La Virgen sentada y erguida acoge entre sus brazos el
cuerpo de su hijo yacente y con la mano izquierda nos invita a adorarlo.
En el Cristo yacente, reposando horizontalmente con la
cabeza ligeramente hacia atrás sobre el regazo de la Virgen,
podemos observar un perfecto desnudo, donde se aprecian
músculos, venas y tendones, perfectamente tallados con un
estudio anatómico maravilloso. Su cara, con una expresión
extremadamente apacible, no muestra rasgos de sangre ni
Detalle del rostro de Cristo.
ningún síntoma de las torturas a las cuales fue sometido antes
de fallecer, todo esto se interpreta como el hecho de que Jesús se siente satisfecho y
tranquilo de haber cumplido su mandato en la tierra, por eso la idea de un retrato
idealizado.
Fuentes que justifiquen las interpretaciones hechas de los temas:
Según la Biblia (San Juan 19, 25−40):
“junto a la cruz de Jesús estaban su madre, la hermana de su madre, María ( la esposa
de Cleofás) y María Magdalena. Jesús, al ver a su madre y junto a ella al discípulo más
querido, dijo: Mujer, aquí tienes a tu hijo. Después dijo al discípulo: Ahí tienes a tu
madre. Desde aquel momento el discípulo se la llevó a su casa. [...] José de Arimatea,
que era discípulo de Jesús, pero en secreto, por miedo a los judíos, pidió a Pilatos la
autorización para retirar el cuerpo de Jesús y Pilatos se la concedió. Fue y retiró el
cuerpo de Jesús.
También fue Nicodemo, aquel que había ido de noche a ver a Jesús, llevando como
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cien libras de mirra perfumada y áloe. Envolvieron el cuerpo de Jesús en lienzos
perfumados con aquella mezcla de aromas, según la costumbre de enterrar a los
judíos.”
Análisis formal y estilístico
En el Renacimiento, uno de los pilares básicos era la recuperación de la
Antigüedad. Este período surge en las sociedades europeas, concretamente en Flandes
y en los estados italianos con Florencia como ciudad predominante.
El Renacimiento se desarrolla gracias a que se rompe el sistema gremial (artista
convertido en artesano autónomo), aparece la burguesía con un gran poder
económico, comienzan grandes viajes posibilitados por banqueros y la existencia de
entidades bancarias, con la puesta en contacto de las civilizaciones islámica y cristiana
introduciendo multitud de novedades y gustos más refinados.
Aparece el Humanismo, basado en el desarrollo y el estudio del ser humano y la
recuperación del clásico grecorromano, planteando una nueva estética, el hombre
como el centro de todas las cosas (antropocentrismo), con la antigüedad como
modelo, con un arte no exclusivo de la religión y con una gran preocupación por la
cultura favorecida por la aparición de la imprenta.
Los artistas de este periodo eran conscientes de que en el Renacimiento rompían con
la tradición artística anterior y de que intentaban encontrar la consecución de un nuevo
clasicismo pero no a través de la imitación, sino inspirándose con los modelos clásicos
grecorromanos y superando estos.
La Antigüedad se convirtió en una referencia crucial para los artistas del Humanismo
renacentista.
El Renacimiento tendrá una clara evolución respecto al periodo anterior:
Pasará por una etapa de formación, consolidación, experimentación y maduración (el
quattrocento), siendo esta etapa italiana predominante en Florencia, Venecia y Roma
principalmente.
Se llegará a culminar la perfección en el cinquecento, siendo el clasicismo roto,
donde los artistas o producen copias del estilo de los grandes maestros (Miguel Ángel,
Leonardo o Rafael), o se niegan a seguir los cánones de manera rígida apareciendo
dos vertientes del Manierismo: por un lado el clasicista que será en esencia imitativo, y
el personalista, donde los artistas producirán variaciones en comparación con el canon
clásico.
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Marina Bermejo Gómez 1ºB
La escultura del Cinquecento:
En Italia en el siglo XV se experimenta una amplia producción escultórica cuyas
características se centran en la ruptura de la norma clásica (manierismo), y la
influencia de la obra de Miguel Ángel.
Miguel Ángel fue un genio polifacético, destacando predominantemente en la
escultura. Aunque su obra es notablemente clásica, se permite gran cantidad de
licencias personales con dirección al expresionismo. El tratamiento que hace de los
volúmenes es realista y contundente, y los gestos y miradas son muy expresivos y
tensos, conociéndose este fenómeno como la terribillitá.
Se aprecia la evolución desde sus primeras obras clasicistas, continuando por
las obras de juventud y finalizando con sus obras de carácter manierista.
Es probable que la obra de Miguel Ángel se sometiera a un giro después del
descubrimiento del Laocoonte en 1506, siendo su escultura a partir de este momento
mucho más tensa y expresiva.
Al final de su vida su escultura acabará siendo más espiritual alargando el
canon de las figuras y dejando zonas sin pulir para aumentar la carga emocional.
Similitudes formales y estilísticas con otras obras:
La Madonna y el niño es una obra realizada por Miguel Ángel Buonarroti
después de realizar La Piedad. Localizada en la Capilla de la Madonna de Brujas en la
Iglesia de Notre-Dame y realizada en mármol blanco de Carrara, está hecha entre los
años 1503 y 1504, teniendo similitudes con la obra que estamos analizando en la
forma de tratar el atuendo de la Virgen, el rostro ovalado de gran belleza clásica y las
mismas proporciones estéticas.
Interpretó tres obras más que abordan el mismo tema que La Piedad a lo largo
de su vida en las que destacan La Piedad del Duomo (realizada entre los años 15491555, ubicada en el Museo dell´Opera del Duomo, Florencia), La Piedad de Palestrina
(realizada entre los años 1555-1559, ubicada en la Galería de la Academia, Florencia) y
por último La Piedad Rondanini (comenzada en el año 1555 y no terminada debido a
que murió antes de ello, ubicada en el museo del Castillo Sforzesco, Milán).
Se han realizado múltiples variaciones de La Piedad a lo largo de la historia,
incluso remplazando a Cristo y a la Virgen con un astronauta y un robot, ya que es una
temática de la experiencia humana: la madre que recibe a su hijo yacente. El tema en
sí es icónico.
Antecedentes y consecuencias de la obra:
Esta maravillosa obra fue encargada por el Cardenal francés Jean Bilhéres de
Lagraulas, abad de Saint-Denis y embajador de Carlos VIII, actuando el banquero-
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Marina Bermejo Gómez 1ºB
comerciante Jacopo Galli como representante de Miguel Ángel, firmándose un contrato
el día 27 de agosto de 1498.
El Cardenal residía en Roma desde el año 1494 realizando acuerdos con el
Vaticano. Para aquel entonces reinaba el Papa Alejandro VI.
Por su interés, adjunto copia literal del contrato firmado entre las partes:
“ROMA, 27 Agosto 1498
Se hace saber a quién lee este contrato que Su Eminencia el Cardenal de San Dionisio
ha llegado al siguiente acuerdo con Jacobo Galli, que representa al Maestro Miguel
Ángel, escultor florentino, para que dicho escultor esculpa, a sus propias costas, una
Piedad de mármol, hecha con una Virgen María vestida sosteniendo en sus brazos a su
hijo Jesucristo muerto, a escala natural, pagando la cantidad de 450 ducados de oro
en moneda pontificia, en el plazo de un año a contar del día en que se inicie la obra.
Su Eminencia efectuará el pago de la manera siguiente:
Entregará antes del comienzo del trabajo 150 ducados de oro en moneda pontificia.
Una vez que haya comenzado la obra pagará al citado Miguel Ángel 100 ducados de
oro de la misma moneda cada cuatro meses , de forma que los mencionados 450
ducados de oro en moneda pontificia estén satisfechos al plazo de un año si este
encargo se ha realizado. Si la obra fuese concluida con antelación a esa fecha, Su
Eminencia pagará entonces toda la suma.
Yo, Jacopo Galli, prometo a Su Eminencia el Cardenal que el susodicho Miguel Ángel
terminará la obra en el plazo de un año y que será la escultura mas bella de Roma ya
que ninguno de los Maestros actuales serían capaz de superarla.
Prometo, por otra parte al citado Miguel Ángel que Su Eminencia el Cardenal satisfará
el pago en la forma convenida. Para dar fe de todo esto yo, Jacopo Galli he redactado
de mi puño y letra el presente documento en el año, mes y día arriba indicados. Este
contrato suspende y anula cualquier otro escrito por mi o por el mencionado Miguel
Ángel, y solo el presente tiene valor legal. Así lo acuerdan ambas partes. Su Eminencia
el Cardenal me entregó a mi, Jacobo Galli en fecha reciente, 100 ducados de oro en
moneda pontificia, y hoy me entrega 50 ducados de oro de la misma moneda.
Joannes, Cardinalis s.Dyonisii
Jacobus Gallus, de su puño y letra.” 4
Baldasarre Balducci, amigo de Miguel Ángel fue el que medió la relación entre
Galli y el artista, que solo tenía 21 años y se dirigía hacia Roma con la promesa de más
trabajos estando al comienzo de lo que sería su larga vida artística.
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RUSPINI, A. http://www.fadal.us/!!Vf1/Miguel%20Angel/!!Textos/Piedad/Contrato.htm
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Marina Bermejo Gómez 1ºB
Galli encargó a Miguel Ángel la escultura de Baco (la antecesora de La Piedad).
Al quedar admirado por su potencialidad escultórica, surgió una gran amistad entre
ambos.
En el año 1498 Jacopo Galli supo que el Cardenal Jean Bilhéres de Lagraulas
quería encargar una obra escultórica cuya representación fuera la Virgen María con su
hijo muerto en sus brazos después de su crucifixión, un tema que estaba en esa época
muy difundido particularmente en Francia; siendo la finalidad de esta la ubicación en la
sepultura del propio cardenal por el precio de 450 ducados de oro.
Galli medió entre Miguel Ángel y el Cardenal, para que el artista realizara la
obra, incluso con responsabilidades, debido a que Miguel Ángel no tenía prestigio para
realizar una obra tan compleja como esta.
En dicho contrato mencionado anteriormente, se entiende que Galli, para la
adquisición del mármol, recibió un adelanto económico. Para escoger el bloque de
mármol apropiado que acabaría siendo la magnífica escultura, Miguel Ángel viajó hasta
las canteras de los Alpes Apuanos (Toscana).
El autor, una vez firmado el contrato, daba paso a la realización de la escultura
a finales de Agosto de 1498, esta debía ser finalizada en el plazo de un año.
Uso y función de la obra a lo largo de la historia. Patrimonio histórico
En la moneda de 50 euros en oro del Vaticano de 2008,
calidad proof, se encuentra grabada La Piedad, cuya edición
constaba de un total de 2.930 ejemplares.
La Piedad fue colocada en la Basílica de San Pedro del
Vaticano en la Capilla de Santa Petronila en el año 1499, ya que
en dicha capilla descansaban los restos del cardenal que la
encargó, Jean Bilhéres de Lagraulas. Allí permaneció hasta el año
1517, cuando se trasladó a la Sacristía Antigua.
Detalle de la moneda de
50 euros de oro del
Vaticano.
Desde el año 1749 la obra ocupa el lugar actual, la primera capilla que se
puede observar nada más entrar a la Basílica de San Pedro a mano derecha.
La única vez que la maravillosa obra fue trasladada de la Basílica de San Pedro
fue cuando Pablo VI dio permiso del traslado para la Exposición Universal de Nueva
York durante los años 1962 a 1964 donde fue admirada por más de 21 millones de
personas. La Piedad viajó sobre la cubierta del transatlántico “Michelangelo”, en el
interior de un contenedor de seguridad que en el caso de naufragio, hubiera flotado en
el océano.
La Importancia de La Piedad en la actualidad y a lo largo de la historia se debe
a que es una de las obras más importantes del mundo. Ha sido contemplada y
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Marina Bermejo Gómez 1ºB
admirada por millones de personas, creando sensaciones apasionantes y transmitiendo
desde la antigüedad el mismo sentimiento que en la actualidad. Ha servido de ejemplo
para muchos artistas posteriores.
En mi opinión La Piedad de Miguel Ángel es la encarnación de un artista hasta
aquel entonces encerrado, la narración vívida de una historia conocida por todos, una
inefable expresión del Renacimiento, y el recuerdo imborrable que deja el arte de los
hombres en el mundo.
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Marina Bermejo Gómez 1ºB
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Marina Bermejo Gómez 1ºB
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