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UNIDAD 1 ELEMENTOS ARTÍSTICOS 1.- Concepto de arte El arte es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, a través del cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos. Bellas Artes Las Bellas Artes describen una forma de arte desarrollada principalmente por la estética que por su utilidad práctica. Históricamente las principales son: la arquitectura, la escultura, la pintura, la literatura, la danza y la música. A estas seis se le añadió, durante el siglo XX, el cine (llamado, por tanto, el séptimo arte). 2.- Las artes y la cultura Cuando hablamos de cultura y arte tenemos que entender que ambas se correlacionan; incluso la cultura popular es alma mater de todo trabajo artístico, de toda expresión cultural. El arte es un componente de la cultura, reflejando en su concepción los sustratos económicos y sociales, y la transmisión de ideas y valores, inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo. Se suele considerar que con la aparición del Homo sapiens el arte tuvo en principio una función ritual, mágica o religiosa, pero esa función cambió con la evolución del ser humano, adquiriendo un componente estético y una función social, pedagógica, mercantil o simplemente ornamental. 3.- Cultura La cultura es un todo y esta integrada por aquello en el que el ser humano ha dejado su huella, sea una obra material o rasgos de comportamiento, etc. Sin embargo esta totalidad responde a un condicionamiento determinado histórica y socialmente; es decir que la valoración o asimilación cultural depende de pautas sociales, incluso ideológicas. Cultura popular Cuando se habla de cultura popular se hace referencia a todas las expresiones arraigadas en el pueblo, en la comunidad; ya sea porque ahí se generaron o porque, provenientes del exterior, son tomadas por gente y las moldea para usarlas como vía de expresión. 4.- Componentes de la obra artística CONTENIDO La historia que cuenta TEMA ¿Qué quiere decir? LENGUAJE Material con que se construye la obra (ritmo, líneas, color, formas, movimiento, contraste , música, movimiento, textura, luz, sombras, etc.) ESTRUCTURA Disposición de los materiales que hace que esta obra sea única. UNIDAD II Teoría del color Círculo Cromático El círculo cromático nos resulta extremadamente útil para observar la organización básica y la interrelación de los colores. Los doce colores que lo componen incluyen tonos primarios, secundarios y terciarios. Los tres tonos primarios son: el rojo, el amarillo y el azul y se les conoce como colores puros. Los tres tonos secundarios el naranja, el violeta y el verde están ubicados entre lo tonos primarios y son el resultado de la mezcla de dos de ellos. El rojo anaranjado, el amarillo anaranjado, el amarillo verdoso, el azul verdoso, el azul violáceo y el rojo violáceo son los seis tonos terciarios y se obtienen por la combinación de partes iguales de un primario con un secundario adyacente. Dentro del círculo aparece un círculo pequeño negro que procede de la mezcla de todos lo colores. Rojo Anaranjado Anaranjado Amarillo Anaranjado Rojo Rojo Violáceo Amarillo Amarillo Verdoso Violeta Azul Violáceo Verde Azul Azul Verdoso Complementarios Son colores que se encuentran diametralmente opuestos en el círculo cromático. Propiedades del color Valor El valor tiene que ver con la claridad u oscuridad de un color. Un tono cambia su valor cuando se le añade blanco o negro. Un color al que se le ha añadido blanco se califica como mas claro o luminoso; un color al que se le ha añadido negro se conoce como oscuro o menos luminoso. Saturación También llamada intensidad, la saturación sirve para expresar el brillo de un color. La saturación es mayor en los colores puros y sin mezcla. Armonía Se conoce como armonía a la serie de variaciones obtenidas a partir de un color; esto es que al comparar el conjunto de colores percibimos diferencias luminosas o cromáticas generadas por el mismo color. Contraste Las combinaciones producidas por tonos opuestos en el círculo cromático contrastan fuertemente produciendo un gran atractivo visual. Temperatura del color Los términos “cálido” y “frío” se utilizan para calificar a aquellos tonos que connotan dichas cualidades. En general rojos, naranjas y amarillos se conocen como colores cálidos y se distinguen por ser alegres, estimulantes y excitantes, mientras que azules, verdes y morados transmiten frialdad. Psicología del color El color y sus significados: Blanco: Se le considera el color de la perfección. Se asocia a la luz, frescura, limpieza, calma, pureza, bondad e inocencia. Amarillo: Representa riqueza, alegría, felicidad, energía, inteligencia, positivismo, resplandor, calor, sol y hospitalidad. El amarillo estimula la actividad mental y genera energía muscular. Con frecuencia se asocia con la comida. Naranja: Es un color que tiene una alta visibilidad, representa el entusiasmo, la atracción, la creatividad, la determinación, el éxito, el ánimo y el estímulo. El naranja se asocia con energía y felicidad, alegría, sol y trópico. Se asocia con alimentación sana y estímulo del apetito. Rojo: El color rojo se asocia con peligro, guerra, energía, fortaleza y determinación. Es el color de la excitación, calor, pasión, placer, ceremonia, fiesta, amor, romance, fuego, brasa, prestigio y pompa. Tiene una visibilidad muy alta, por lo que se suele utilizar en avisos importantes, prohibiciones y llamadas de precaución. Verde: Es el color más relajante para el ojo humano. Se le asocia con armonía, estabilidad, equilibrio, elegancia, crecimiento, exuberancia, fertilidad, sofisticación, refinamiento, descanso, fertilidad y frescura. Púrpura: El púrpura significa estabilidad y energía. Se asocia a la realeza, el poder, nobleza, lujo, riqueza y ambición. Se asocia con la sabiduría, la creatividad, la independencia y la dignidad. Este color también se asocia con la magia y el misterio. Azul: Se asocia con estabilidad, calma, tranquilidad, descanso, reposo y profundidad. Representa infinito, dinamismo y distancia. Significa lealtad, confianza, sabiduría, verdad, fe e inteligencia. Negro: El negro representa misterio, muerte, poder, autoridad, fortaleza, formalidad, elegancia, seriedad y prestigio. Se asocia al miedo, a lo tenebroso y a lo desconocido. UNIDAD III TÉCNICAS PICTÓRICAS CARBONCILLO La técnica del dibujo al carboncillo es aquella que emplea el carboncillo o carbonilla para su ejecución. La carbonilla es una barra de carbón de origen vegetal que se utiliza para dibujar. Es un pigmento no graso, por tanto no tiene buena fijación al papel. • Materiales Para dibujar con esta técnica necesitamos barras de carboncillo de distintos grosores. Otro elemento indispensable es el difumino, que es una barra de papel concentrado con forma de lápiz que se utiliza para suavizar las líneas y difuminar las sombras. También se utilizan para este procedimiento, la goma de miga de pan, trapos y esponja. • Características El carboncillo es un medio ideal para dibujar con rapidez y eficacia. Este instrumento ofrece un pigmento no graso que resulta más sucio y menos adherente al papel. Estas características son positivas ya que permite una fácil difuminación y el borrado, lo que lo hace ideal para el estudio de luces y sombras, del cuerpo humano, de la composición. • Ventajas Esta técnica nos permite mediante el simple trazado del contorno de la figura y un par de manchas que se correspondan con la sombra propia y la proyectada, conseguir la representación de una figura geométrica. El difuminado de manchas nos permite dar volumen a las piezas. Dicho difuminado puede hacerse con el dedo. Para aclarar las zonas iluminadas se resta color pasando el dedo limpio o un paño limpio. LÁPICES DE COLOR • Antecedentes Los lápices de colores ya se usaban con frecuencia en la Francia del siglo XVI para la realización de retratos. Esto se debía a la rivalidad que siempre tuvo el dibujo con la pintura. Los lápices permitían obtener resultados pictóricos con una técnica dibujística. Sin embargo, no se empezaron a fabricar industrialmente hasta el siglo XIX. Las posibilidades plásticas de los lápices de color, han tenido a pintores he ilustradores desde que este medio existe. Los han utilizado solos o mezclados con otras técnicas, pero en cualquier caso, han demostrado que con ellos las posibilidades de expresión artística son amplias. También, el lápiz a color es un esplendido medio auxiliar para otros cometidos, como bocetos ilustraciones, carteles, diseños, story boards etc. • Características Son bastante fáciles de utilizar en comparación con otras técnicas de ilustración, haciendo casi igual uso que el lápiz de grafito, sólo que se podría decir que el de color es más fino y con acabado más satinado. Otra característica representativa es su transparencia, esto quiere decir que se pueden realizar varias capas y combinar c olores para obtener distintas tonalidades; se puede decir que los colores reflejan estados de ánimo de la obra en sí, definidos por su grado de tonalidades, impresión y presión. • Composición El lápiz de color consiste en una barrita de madera con una mina coloreada en su interior, más dura y fina que los colores pastel, pero con mayor facilidad de uso. La mina se compone, actualmente, de cera y resina con pigmento de color. Al igual que ocurre con los lápices de grafito, hay lápices de colores de distintas durezas, aunque éstas no suelen venir indicadas. • Ventajas - Riqueza de tonos - Posibilidad de hacer tramas y fusiones - Posibilita las variaciones vibrantes en los paisajes y los reflejos suaves en los desnudos - Son prácticos y de uso inmediato PASTEL • Antecedentes El desarrollo de la pintura al pastel a lo largo de la Historia del Arte va ligado a la conquista del dibujo como técnica independiente y no sólo como complemento de la pintura con pincel. Su nombre deriva de la palabra pasta, la masa que se forma al mezclar los pigmentos en polvo con la goma que los aglutina. El pastel empieza a utilizarse como un medio seco y rápido de aplicar color al dibujo para potenciar los volúmenes y acercarse un poco más a la realidad con el soporte del color, principalmente en el retrato y la pintura de figura. Es una técnica que se emplea en la pintura desde el siglo XV, pero fue en el siglo XVIII cuando se empezó a usar de manera habitual en el dibujo y la pintura. En el siglo XVIII ya es una de las técnicas mas utilizadas entre pintores de la corte francesa, y ha dejado de formar parte del dibujo para convertirse en un medio pictórico con personalidad propia. Más tarde, los impresionistas la adoptan por la luminosidad de sus matices. A partir de entonces estará presente y será protagonista de todos los movimientos artísticos hasta nuestros días. Si en sus principios el pastel fue un complemento del dibujo en la pintura del retrato, hoy en día es una técnica que no conoce barreras temáticas, estilísticas ni de concepto. • Características El pastel es un medio pictórico que ha resultado atractivo a infinidad de artistas, tanto por la luminosidad e intensidad del color, debida a la gran proporción de pigmento que las barras contienen, como por la sencillez de su manejo, puesto que no requiere paleta, pinceles ni sustancias diluyentes. El hecho de que el pastel sea una técnica seca proporciona al pintor la ventaja de la rapidez, ya que no se ve obligado a esperar a que la pintura se seque para aplicar nuevas capas encima. Esta pintura, además, encierra una interesante versatilidad que permite pintar con finas líneas superpuestas, hacer veladuras y también trabajar con empaste y colores saturados. Las barras pastel son más o menos blandas según la calidad del ligante; las más blandas son las más brillantes pero también las más frágiles. Por el contrario, los colores de pastel figuran entren los más sólidos. Pueden mantener su brillo durante siglos. Por ello hay que utilizarlos sobre papel sin ácido, garantía de longevidad y muy resistente a la luz. Aterciopelados, luminosos, los colores de pastel seco pueden superponerse o yuxtaponerse porque no se mezclan con facilidad. Se difuminan para crear sombras y luces sutiles. Se recomienda, por tanto, un papel en grano pronunciado o con una superficie abrasiva que retiene los pigmentos. Elegir un papel de color confiere profundidad a la pintura o el dibujo y resalta la energía del color de pastel • Composición La pintura de pastel está compuesta de pigmento puro, yeso y cola (goma o resina). Con esta mezcla se hace una pasta que se modela para darle forma de barra, y se deja secar. La calidad y el tipo de pastel están condicionados por las proporciones de esta mezcla en la pintura; los pasteles de gran calidad no llevan yeso en su composición, ya que se trata prácticamente de una barra de pigmento puro. Por esta razón, los colores de la pintura al pastel son limpios, intensos y saturados; con los que permiten al artista realizar bellas obras de gran contraste y luminosidad. • Soportes El soporte "normal" para la pintura al pastel es un buen papel de color uniforme. Y si hemos entrecomillado el calificativo "normal" es porque son posibles otros soportes, como lo fueron ciertas telas de seda y terciopelo usados antiguamente, tejidos en los que el pastel se incrustaba con facilidad. Hoy día disponemos de excelentes papeles de color con una amplia gama de matices y variedad de texturas para poder escoger aquel que mas convenga a nuestra futura obra, la cual podremos iniciar a partir de la entonación de fondo dada por el papel y que será una u otra según lo que el tema aconseje. Cuando se trabaje de una marina, por ejemplo, lo mejor será utilizar un papel de tonalidad fría: un gris azulado, pongamos por caso. Si el tema fuese un retrato, lo mas lógico sería decantarse por un papel gris o cálido, de la gama de los sienas o tierras. ÓLEO A partir del siglo XVII con el arte barroco los pintores eligieron como soporte favorito de sus pinturas al óleo sobre lienzo, siendo este más práctico para la elaboración de grandes composiciones, que la tabla. De tal forma tomó importancia el material empleado por los artistas que se empezó a emplear la palabra lienzo u óleo en lugar de cuadro para designar las obras pictóricas. Los primeros grandes artistas de pintura al óleo fueron los flamencos. Van Eyck utilizaba el óleo con gran precisión y los venecianos (Tiziano) lo ampliarán aprovechando las posibilidades de textura de la pintura con base de aceite. La perspectiva aérea la desarrolla Leonardo de Vinci (la Gioconda) El flamenco Rubens, pintor barroco parte de una base oscura o neutra. Estos pintores se caracterizaban por ser directos en grado extremo (capas con gran vitalidad y mínimas correcciones). Rembrandt creará el "grisaille"; éste se convirtió en el método académico en el siglo XVIII. En el Romanticismo hay mayor libertad técnica. En el impresionismo los pintores usan una técnica más directa. En el expresionismo abstracto hay un intento de primar la expresión en lugar de la corrección técnica, igual que los neoexpresionistas. CARACTERÍSTICAS Las pinturas al óleo aportan mucha capacidad de representación porque nos permiten crear muchas tonalidades y la calidad de los colores es muy alta. Se puede trabajar despacio porque se seca lentamente, lo que permite hacer degradados, fundidos y sombreados tranquilamente mientras observamos la realidad. Pero sobretodo su éxito radica en que una vez seca, la pintura continúa teniendo un color vivo y potente, gracias a sus bases aceitosas. VENTAJAS • Permite empastes y veladuras. Las pinturas al óleo se pueden disolver con aceites, esencia de trementina y otros medios para óleo y también se pueden espesar utilizando pigmentos y oleopasto, una masa espesa especial para mezclar con óleos. • Es una técnica persistente en el tiempo por la buena calidad de las pinturas. El óleo existe desde finales del siglo XIV, y las obras de arte continúan con un color fresco y vivo, después de algunos procesos de limpieza y restauración. MATERIALES Entre los instrumentos necesarios para la realización o confección de pinturas al óleo encontramos los pinceles (pueden ser de cerdas blandas o duras y de diferentes tamaños), las espátulas, el caballete y la paleta. Múltiples son los soportes que admiten las pintura al óleo entre ellos los que más destacan son el muro, la tabla y el lienzo. ACUARELA La historia de la acuarela está íntimamente ligada a la historia del papel, inventado por los chinos, aunque tiene como antecesores a los egipcios, que aplicaron sobre el papiro pinturas, primero con tintas planas y, posteriormente, tintas desvanecidas, en dibujos y pinturas consiguiendo los primeros claroscuros. Por otra parte la llamada pintura de fresco "boun", en realidad es una acuarela especial que se usaba para pintar las paredes sobre yeso mojado, técnica que se utilizó para los murales de la Capilla Sixtina. En el siglo VIII, los chinos, utilizaron la acuarela para decorar la seda y pintar sobre papel de arroz. En Europa, durante el medioevo, se utilizó para la decoración de los manuscritos, para lo que se empleaban pigmentos solubles en agua, aglutinados con un densificador derivado del huevo. Los frescos medievales se fabricaban con una base de pintura blanca a la que se le añadían distintos pigmentos diluidos en agua. La invención de la pintura al óleo por los maestros flamencos, declinó un poco el interés por la pintura al fresco y la acuarela fue relegada como el vehículo para hacer bocetos preliminares o como una herramienta para estudios. La primera escuela de acuarela europea data del 1471 por la influencia del pintor Albrecht Dürer, que utilizo con maestría esta técnica creando escuela, aunque debemos reconocer que, el verdadero avance se produjo en Inglaterra en el siglo XVIII, proceso que se vio favorecido por el avance tecnológico que desarrolló la Inglaterra imperialista. Se mejoró la producción y la calidad del papel y de los pigmentos que llegaban a los puertos británicos, procedentes de todas las partes del mundo. CARACTERÍSTICAS Característica principal de la técnica la transparencia. Esto implica la superposición de capas finas de pintura, una sobre otra. Además se basa en la blancura del papel para obtener efectos y toques de luz. A medida que se superponen más lavados el color se hace más profundo. Es necesario trabajar con la técnica de acuarela con rapidez. Desgraciadamente este efecto de la luz hace más vulnerable la acuarela. VENTAJAS La acuarela tiene las siguientes ventajas: Obras muy vivas. Es una de las mejores técnicas para la representación del agua. Un color y una fusión de los colores muy bella. Si se sabe trabajar, la luz en la acuarela es radiante y potente. El grafismo y la textura del material, normalmente papel de grano visible, le aporta una gran cualidad plástica. MATERIALES Las herramientas más necesarias para acuarela son: pinceles, colores, papel, una paleta y tableros donde se tensará el papel. Papel y cartulina: No todas las cartulinas tienen el mismo peso, textura, o grosor, existen diferentes clases de cartulinas y de papel de acuarela. El tamaño estándar de papel de acuarela es de 70 x 100 cm. Puedes comprar hojas enteras o medias hojas (50 x 70). Los Colores: La paleta debe traer una relación de colores que incluye un color cálido y otro frío de cada uno de los colores primarios ACRÍLICO Se trata de una técnica que emplea los mismos pigmentos usados en óleo o acuarela pero diluidos en un aglutinante acrílico conformado por una resina sintética (hecha a partir de ácido acrílico). El medio así resultante es soluble en agua. Su secado es rápido y el acabado mate (menos medio acrílico) o brillante (más medio). En los años 50’ fue cuando las pinturas con acrílicos alcanzaron su gran auge en el mercado, particularmente en los Estados Unidos; también surgieron nuevas técnicas artísticas originadas por Noland, Pollock, Rothko y Motherwell. Esta técnica se asocia al Arte contemporáneo sobre todo desde la década de los cincuenta, principalmente en el ámbito americano del expresionismo abstracto (Pollock, Rothko ... ) y entre los pintores de los valores geométricos y del Pop Art (Warhol, Wesselmann... ). El desarrollo de la pintura acrílica como medio artístico se produjo a consecuencia de un imperativo social. En los años 20, un grupo de pintores mexicanos, en especial José Clemente Orozco (1883-1949), David Alfaro Siqueiros (1896-1974) y Diego Rivera (1886-1957), querían pintar grandes murales para edificios públicos, algunos de ellos en los muros exteriores, expuestos al aire libre. Comprobaron que el óleo no duraría mucho en tales condiciones, y experimentaron con el fresco, pero esto tampoco resultó práctico. Necesitaban una pintura que se secase rápidamente y permaneciera estable ante los cambios climáticos. En realidad, lo que necesitaban existía ya desde hacía tiempo en el campo industrial, pero nunca se había empleado como vehículo para pigmentos: las resinas plásticas. CARACTERÍSTICAS Como características destacadas del acrílico podemos mencionar las siguientes: -Su luminosidad, que permite obtener gamas de color muy amplias -La fluidez en las mezclas, por lo que las mezclas entre diferentes colores son fáciles con tan solo removerlos un poco, -Secado y contracción, que afecta por igual a todo el volumen pictórico, por lo que se pueden emplear grandes empastes de pintura, y secarán con igual estabilidad que si de una simple pincelada se tratase. -Estabilidad a la luz, que significa una gran resistencia al deterioro cromático que viene dada por el propio medio que protegerá los pigmentos. VENTAJAS La ventaja de esta técnica, que hace que muchos artistas la hayan adoptado una vez que se ofreció en el mercado en los años 50, es que es de secado muy rápido, más barata que el óleo, cómoda de aplicar, limpiar y de larga duración. MATERIALES Los soportes son similares a los del óleo, esto es, lienzos, tablex, cartón, cartón pluma, madera, papel, etc. Se puede utilizar prácticamente cualquier tipo de pincel, brocha y espátula. GODETE: Se puede utilizar cualquier paleta, aunque son preferibles las de plástico, ya que se limpian fácilmente después de cada sesión DISOLVENTE: EL AGUA es el disolvente que se utiliza para la pintura acrílica, también para la realización de veladuras, limpieza de utensilios, etc. Una vez seca la pintura, se hace resistente al agua.
