Lo Real / la mirada

Lo Real / la mirada
Artistas
Andres Labake
Julia Zarate
Hersilia Alvarez
Natalia Pendas
Marcelo Pelissier
Pablo de Monte
Ana Montecucco
Carolina Gori
Textos de
Cecilia Sabatini
Elena Oliveras
Magali Piano
Curador
Luciano Lutereau
1
Texto Curatorial
En el psicoanálisis de J. Lacan, lo “real” tiene –al menos– tres acepciones: a) lo
que vuelve al mismo lugar; b) aquello que no es simbólico ni imaginario; c) lo
imposible de soportar. Estas tres formas de lo real han sido utilizadas –de modo
más o menos conciente– en la reflexión estética. Así, por ejemplo, lo real como
“insoportable” ha dado lugar a teorías acerca de lo “abyecto” o lo “obsceno” en el
arte contemporáneo; y lo real como aquello regresa siempre al mismo lugar se
resolvió en interpretaciones neo-nietzscheanas acerca del “eterno retorno”, o bien
en modelos de la repetición en el arte conceptual. A propósito de este último punto,
es conocido el análisis de H. Foster acerca del uso de la repetición en la obra de
Warhol.1
Es la crítica de arte norteamericana –en particular, alrededor de October (R.
Krauss, H. Foster, etc.)– la que ha impulsado el uso del psicoanálisis en la reflexión
estética. A pesar de que en nuestro existan precedentes considerables (O. Masotta,
E. Grüner, C. Kuri, etc.), es importante apreciar que no se ha consolidado aún una
tradición convergente y auto-denominada.
No obstante, severas dificultades se destacan en los críticos más recientes (más
allá de October), especialmente respecto del estatuto de la noción de imagen.
¿Cómo es posible pensar las imágenes después del psicoanálisis? Una primera vía
se aproxima a éstas según componentes simbólicos, como formas del retorno de lo
reprimido. Un ejemplo paradigmático de este punto de vista se encuentra en la
célebre retrospectiva de Louise Bourgeois, que recientemente exhibió la Fundación
Proa.
Sin embargo, podría decirse que hay algo pre-psicoanalítico en esta concepción
simbólica de las imágenes que, incluso, termina por reducirlas en soportes
imaginarios.
Para confrontar esta posición, y poner a la orden del día el alcance del
psicoanálisis como teoría estética, es que proponemos una apuesta a la acepción de
lo real menos considerada en la reflexión contemporánea acerca del arte: lo real
como aquello que se presenta sin mediación simbólica, ni encarna un soporte
imaginario, no reconduce a un intuicionismo ni a una dialéctica del ser y la
apariencia; sino a tres estructuras formales de la mostración: el velo, la escena y la
pantalla.
1
Cf. Foster, H. The return of the real: the avant-garde at the end of the
century, MIT Press, 1996.
2
Estas estructuras mostrativas tienen en su centro el concepto psicoanalítico de
mirada, paradigma del célebre objeto a Lacaniano (que ha dado nombre a más de
una galería de arte contemporáneo nacional, a algunos premios, y a varias obras de
jóvenes artistas). Pero, ¿qué es lo mostrativo? La pregunta por una definición
resulta inconducente. Más apropiada resulta la interrogación siguiente: ¿cómo se
manifiesta la mostración? O, dicho de otro modo, ¿cómo se muestra lo que se
muestra?
Lacan afirmaba que la mirada “se muestra” desafiando el modelo canónico de la
objetividad. Porque, si bien la mirada aparece, no se ve allí donde se la espera
(como figura, representación, forma, etc.) en aquello que se muestra desde lo que
se “da a ver”.
En todo caso, las estructuras de la mirada intentan poner de manifiesto modos
de ver que, a su vez, subvierten la concepción clásica del sujeto como espectador.
Porque, en presencia de la mirada, el sujeto –antes que una forma de subjetividad–
es aprehendido como el efecto de sujeción y captura por un circuito libidinal –un
“dispositivo pulsional”, según Lyotard.
En esta exposición –conformada por seis artistas nacionales– apuntamos a
poner de manifiesto un primer modo de esclarecer aquello que el psicoanálisis tiene
de más original para la filosofía del arte: una concepción de la imagen que pone
entre paréntesis sus determinaciones ontológicas tradicionales (como copia, como
simulacro, como negación, etc.), y permite pensar formas de recepción que
incluyen al espectador en un horizonte distinto al de la experiencia hermenéutica.
:: Luciano Lutereau
3
Velos :: Artistas :: Andrés Labake – Natalia Pendas ::
La acepción común del velo nos remite automáticamente a un entre, a un ante, eso
que está ahí que no nos deja ver, o que, de alguna manera, nos hace ver menos.
Ese entre – el entre de la mirada y lo que se encuentra detrás del velo – permite
justamente ese acercamiento de lo que se ve a lo que se es visto.
¿Es el velo entonces un facilitador? El velo es un intermediario hacia lo que no debe
o no puede decirse, o al decir superfluo. Aquello que no se nombra, o no se ve,
existe?
La palabra es lo que uno encuentra para (pero nunca es lo que es)
La obra es lo que uno encuentra para (y siempre es ella misma)
En el ser ella misma logra silenciarnos. El velo es una excusa para sostener ese
silencio.
Las cinco obras que Natalia no nos deja ver, nos hacen querer ver – y comprobar –
eso que ya vimos. Pero, ¿eso está allí? La pintura se posiciona como un real (y por
ende, como eso que no existe y que existió siempre) y es en este procedimiento de
velar nuestro propio conocimiento y no ya las obras mismas, es donde cuestiona,
indirectamente, nuestra mirada. No somos nosotros aquí mirando, es nuestra
memoria que quiere levantar el telón. Lo que vemos, ya no importa. Necesitamos
comprobar(nos).
De la serie de pinturas de Andrés, me detengo en la serie que lleva por velo la
palabra. Sí, aquí la palabra, además de título y elemento de la obra, vela por
nosotros: nos dirige hacia eso que, justamente, allí no está. De manera
magrittiana, ella es un elemento de distracción inicial. Descorriendo ese velo se
llega, sin quererlo, a la intención misma del artista (y del arte): detrás del velo hay
nada.
:: Magali Piano
4
:: Andrés Labaké
5
6
7
8
9
:: Natalia Jimena Pendas
Interpretación sobre Registro web de la Virgen del Canciller de Van Eyck
Óleo sobre tela. 50 x 60 cm
10
Interpretación sobre Registro web del Cuadrado blanco de Malevich
Óleo sobre tela. 90 x 90 cm
11
Interpretación sobre Registro web del Baco de Rubens
Óleo sobre tela. 90 x 110 cm
12
Interpretación sobre Registro web de la Virgen blanca de Fouquet
Óleo sobre tela. 100 x 110 cm
13
Escenas :: Artistas :: Julia Zarate – Marcelo Pelissier ::
Ahí donde el pensamiento dice que el tiempo fluye hacia adelante, el cuerpo retrasa
y muestra. El reloj marca el paso del tiempo en su versión ambigua, ¿los minutos
pasan? ¿se atrapan? ¿se tienen o solo llevan, en su transcurrir sin retorno? La
muerte no espera, en algún lugar. ¿Cuál es la relación entre la vida y sus muertes?
¿Cómo nos concierne ese real? Pensarse inmortal es una figura ilusoria, nadie
escapa a la cita, ni siquiera la inmortalidad del cementerio, hasta las lápidas
mueren. Y allí van las palabras en su falla insistente de nombrar lo innombrable.
Divorcio infalible de mundo y palabras. Las escenas soportan el desencuentro. La
escena dice algo del mundo real, pone a ese algo a ser mirado. Lo sube al escenario
en formas singulares y las ficciones son efectos de este montaje. Sin embargo algo
persiste e insiste fuera de escena, es ausencia inquietante y amenaza sus límites.
Las obras se presentan como representantes - testigos de lo irrepresentable. Hay
una inadecuación respecto de lo que se intenta representar.
Julia nos muestra composiciones, escenas desde una perspectiva donde camuflados
coexisten los significados. La muerte se muestra aunque no deje de no ser vista. El
veloz pasar de largo de los pasos. Allí alguien se detiene y detiene el vértigo en un
instante muerto de fotografía. Alguien nos detiene. Lo que se empaña y se empeña
en querer decirnos algo. Tres imágenes, preguntas sostenidas que nos interpelan
desde su fijeza.
Marcelo nos muestra las mismas vueltas, las mismas curvas, que conforman la
masa encefálica, esas que nos habitan y habitamos afuera. ¿Habitamos esas
circunvoluciones? Como una lengua interminable parecen exceder la forma de lo
humano. ¿Somos habitados por ellas? Las circunvoluciones no atrapan el punto y se
prolongan, discurren en diversidades imaginarias.
:: Cecilia Sabatini
14
:: Julia Zarate
Adicta a la bacha
140 x 75 cm – digital – Año 2010
Lejos del Paraíso
140 x 75 cm – digital – Año 2010
15
Vocerio
140 x 75 cm – digital – Año 2010
16
:: Marcelo Pelissier
El sueño de Heraclito
Tecnica mixta sobre tela - 180 x 160 cm - Año 1997
17
El Unicornio
Técnica mixta - 150 x 170 cm - Año 1997
18
La conciencia
Técnica mixta sobre tela – 180 x 180 cm - Año 2010
19
Sin Titulo
Acrílico sobre tela – 160 x 180 cm - Año 2001
20
Pantallas :: Artistas :: Hersilia Alvarez – Pablo De Monte ::
:: Elena Oliveras
¿Qué cosa está detrás de la imagen? (2010) es una obra activada por un
movimiento mecánico que contrasta con la congelada movilidad de fisonomías
hieráticas que traen a la memoria los célebres retratos de Bautista Sforza y
Federico de Montelfeltro, realizados por Della
mecanicista de Leger y
Francesca.
El
esquematismo
Schlemmer resuena en las figuras humanas que se
recortan sobre fondos hiperrealistas diseñados por pintores desconocidos. Opuestos
a la sobriedad de los colores planos que construyen gran parte de los escenarios de
De Monte, esos fondos ostentan un tono cósmico romántico lindante con el kitsch,
situación que se repite en La cosa es vista en Júpiter (2010).
Si hay algo que todas las obras de De Monte tienen en común es el efecto de
espejismo, de dudosa realidad de lo percibido. Desde el primer contacto perceptivo
surge la pregunta acerca del estatuto –real o virtual- de un universo plástico que
desecha certezas. Todo oscila entre lo puramente visionario y lo
verdadero que
responde a lo conocido.
Apenas identificamos un espacio figurativo irrumpe la
variante
ese
abstracta.
En
espacio
ambiguo
habitan
figuras
desnudas,
fragmentadas o en insólitas posturas, que oscilan entre la representación de algo
viviente y la alusión a la escultura estática plantada en el espacio. En consecuencia,
el movimiento imaginado desemboca repentinamente en una congelada inmovilidad
y así la visión de lo supuestamente real deriva, casi sin que nos demos cuenta, en
pura ilusión.
La “nada” sartreana es el “fenómeno” (“lo que aparece”, según la etimología del
término), lo que escapa a la mirada al tiempo que se hace presente. No es casual
que De Monte sea atento lector de autores como Sartre, Merleau Ponty o Lacan.
Hay en su obra una narración suspendida, un relato que no termina de develarse,
como sí se develan (en el sentido de “sacar velos”) los cuerpos desnudos. “Sus
hombres y sus mujeres son provocativos, pero no en su desnudez, no en sus
cuerpos, sino en la posible historia que viven, siempre anhelantes, siempre en una
acción obvia pero suspendida”, señala Marcelo Pacheco.
En síntesis, la obra de De Monte atrapa la mirada del observador que ve la imagen
como cuerpo –como un reflejo de su cuerpo- observado y vulnerado. Resultan muy
curiosos los trazos hirientes que recortan, como si fueran tajos, los rostros de los
21
personajes. Esos rostros no están sustentados por una hermosura apacible sino por
una
belleza
punzante
que
conjuga
con
la
herida,
con
la
fisura,
con
el
desdoblamiento. Belleza ambigua que desafía al entendimiento y seduce revelando
la atracción del abismo, el poder de la imagen de figurar el mundo.
:: Esteban Dipaola
Cuando la imagen es carne traspone una escena, desplaza los significados y
posibilita la emergencia de lo múltiple. Momentos en que lo real sólo puede
expresarse, sustraerse como síntoma de la apariencia. La pantalla ahora ofrece
toda la visualidad de lo real. Lo que queda, el resto es el síntoma, otra vez, pero
como forma de poner lo real en riesgo: lo real torna riesgo en lo visible, en la
experiencia de lo visual. La imagen vuelta carne.
Devenir mujer, devenir carne, devenir fuerza, devenir sin nombre, devenir
mujer/hombre como si fuera todo a la vez, en un único flujo del tiempo. Devenir
puta y hacerse real en la imagen, en la pantalla. Hacerse carne. Devenir.
Hersilia Alvarez aborda el lugar de dislocación de la representación. La pantalla ya
no representa porque se muestra, aparece como lo propio de lo real. Así de lo que
se trata aquí es de poner en riesgo lo real: desde el autorretrato hasta el NN. El
sustrato de sí y lo que no tiene nombre. Entonces, ¿es posible representar? ¿Tiene
la muerte posibilidad de ser nombrada? ¿Puede la carne desprenderse de su
imagen? ¿Puede el autorretrato disociarse de su carne?
Pablo de Monte pregunta por la cosa, giro heideggeriano que decide también
afrontar el dilema de la representación. ¿Es posible que haya algo detrás de la
imagen? El trabajo sobre los colores y las formas no se detiene en soluciones, sino
que envuelve nuevas problemáticas: revelar el artificio es también mostrar que la
cosa siempre está más allá, fuga interplanetaria donde los cuerpos componen
geometrías perfectas que irrumpen en lo real y, nuevamente, lo desplazan. Aquí lo
real es un artificio más, y la imagen es la cosa misma.
El sitio, en definitiva, es lo im-posible de la representación o los riesgos de lo real.
La pantalla es síntoma o artificio. Lo visual es lo posible de la imagen, o contra la
imagen, más allá de la cual no hay nada más que devenir.
22
:: Hersilia Alvarez
Autorretrato en Pastel - Canvas
40 x 60 cm – Año 2006
23
Carne 100% humana
Fotografía - 60 x 90 cm – Año 2005
NN 07 03 1983
Fotografía - 70 x 1 m – Año 2007
24
Toma 3/ Serie Putas
Fotografía - 60 x 90 cm – Año 2005
25
::Pablo De Monte
¿Qué cosa esta detrás de la imagen?
56 x 65 cm – Año 2010 - acrílico s/ madera – dispositivo lumínico y mecánico.
26
El Vortice
140 x 160 cm - Año 2010 - acrílico s/tela
La Cosa es vista en Júpiter
90 x 120 cm – Año 2010 - acrílico s/madera
27
El doble cono de la mirada
28
::La Cosa :: Artista :: Ana Montecucco ::
29
:: Carolina Gori
Qué haré con el miedo
Instalación - 260 x 190 x 170 cm - Año 2011
30
Conforman esta muestra.
:: Luciano Lutereau es Lic. en Psicología y Filosofía por la Universidad de
Buenos Aires, en cuya carrera de Artes es docente de Estética e investigador en
Filosofía del arte. Autor de Lacan y el Barroco. Hacia una estética del mirada (2009)
y La caricia perdida (2011). Ha dictado varios seminarios sobre estética y
psicoanálisis (UBA/FNA), y escrito artículos para diversas revistas de artes visuales
(como Ramona) y catálogos para muestras de artistas jóvenes de Buenos Aires.
:: Magali Piano Nació en Rosario, en 1978, Argentina. Cursó la Licenciatura en
Bellas Artes, orientación en “Teoría y Crítica”, Facultad de Humanidades y Artes,
Universidad Nacional de Rosario. Interesada tanto en la producción teórica como en
la práctica fotográfica, escribe activamente desde 2007 comentarios y críticas sobre
artistas contemporáneo, al mismo tiempo que completa su formación artística en
diferentes talleres de fotografía y clínicas. Participó entre otras de El Levante, el
Taller de Imagen Fotográfica, Critica de las vanguardias, así como de Inmóvil Y
Estática, reflexiones en torno a la producción fotográfica. Expuso sus fotografías en
diferentes lugares de la ciudad. Fue seleccionada para el LXIV Salón Nacional de
Rosario
2010.
Invitada
por
El
Levante,
realizó
Rosario/Caracas (proyecto de Residencias en Red
la
residencia
editorial
Iberoamérica) noviembre
2010/enero2011. Participó de la muestra colectiva “Rituales Femeninos”, en abril
de 2011, Rosario.
:: Andrés Labaké Nació en San Juan, Argentina, en 1960. En 1972 se mudó a
Buenos Aires. Artista visual. Asistió a diversos talleres de dibujo, pintura y
fotografía desde temprana edad. Egresó de la UBA, Universidad Nacional de Buenos
Aires, como arquitecto en 1985. Fue docente de Diseño Arquitectónico en la UBA,
Facultad de Arquitectura y Urbanismo de 1985 a 1991. Cursó estudios de Teoría e
Historia del Arte y de Filosofía Moderna y Contemporánea. Desarrolla su obra en
pinturas, cajas, objetos, textos, fotografías, e instalaciones. Ha participado en el
país y en el exterior, en más de un centenar de muestras colectivas. Recibió varios
premios a nivel nacional. Desarrolla actividad docente y de clínica de análisis de
producción de obra de otros artistas, en forma particular y en programas
institucionales. Da seminarios teóricos de arte contemporáneo argentino. Participa
como jurado asiduamente en varios salones nacionales. Es Director del Fondo
Nacional de la Artes desde Febrero de 2005.
31
:: Natalia Jimena Pendas Nació en Tandil, Argentina, en 1978. Desde el 2004
reside en Buenos Aires. Es Licenciada en Artes Visuales.
Realizo talleres de arte y de estética con Juan Doffo, Marta Zatonyi y Claudio
Ongaro. Actualmente hace clínica de obra con Héctor Maranesi. En 2009 realizo su
primera exhibición individual llamada “En el Cielo las Espinas” en la Galería de Arte
Pabellón 4. Fue seleccionada para participar de la II Clínica de Artes Visuales de
Tandil y la región a cargo de Patricia Rizzo y Rodrigo Alonso. En 2010 recibió la
beca para jóvenes artistas del Fondo Nacional de las Artes y el ECuNHi. Este año
participo del Programa Paralelos y Meridianos a cargo de Graciela Taquini en el
MUMBAT. Formo parte del Proyecto Gift Shop que se presento en Barrio Jovén Arte
Ba Edición N° 20. Expuso en diversas muestras colectivas en el Fondo Nacional de
las Artes, Galería Proyecto A, Arte Ba, Diario Página 12, Teatro Auditórium de Mar
del Plata, MUMBAT y otros. Actualmente se desempeña como responsable de la
Curaduría de Arte de la Pinacoteca del Ministerio de Educación de la Nación.
:: Cecilia Sabatini Nació en Rosario en 1984. Psicóloga, Psicoanalista.
Desde hace algunos años su interés esta centrado en poder pensar el cruce entre
psicoanálisis y
arte. Colabora con el espacio de Cultura Pasajera, ubicado en el
Pasaje Pan, de la ciudad de Rosario, en donde realiza diferentes actividades,
formando parte de espacios de gestión independientes destinados a la promoción y
difusión de artistas contemporáneos. Vive y Trabaja en Rosario.
:: Julia Zarate Nació en Neuquén. Hace 13 años que vive, estudia y trabaja
en Buenos Aires como en distintos lugares de Argentina y algunos países como
Colombia, Brasil, Argelia o Francia. Estudió Dirección de Fotografía para cine en el
Sindicato de la industria cinematográfica Argentina (SICA) en el año 2009.
Actualmente prepara su tesis para obtener la Licenciatura en Cinematografía con
orientación Dirección en la Universidad del Cine (FUC). En 2010 recibió la beca para
jóvenes artistas del Fondo Nacional de las Artes y el ECuNHi. Participó de varias
muestras fotográficas. Ah producido y dirigido varios documentales. Ha formado
parte del equipo de fotografía y cámara de largometrajes y series de ficción para
cine y TV.
:: Marcelo Pelissier Nació en 1956. Artista Visual, Curador y Coordinador
de la Beca ECuNHi-FNA para Artistas Visuales. Ha participado de varias muestras
Individuales. Participó en más de setenta muestras colectivas y obtuvo cantidad de
premios
como:
Premios
Colección
Constantini,
Premios
Fortabat,
Premios
Universidad de Palermo y Premios Fund. Banco Ciudad en el Museo Nacional de
32
Bellas Artes, Premios a la creatividad en el C. C. Recoleta y Premios Universidad del
Salvador en las Salas Nacionales, Salónes Manuel Belgrano en el Museo Sívori,
Premio Aerolíneas Argentinas e el C.C. Borges, 15 críticos 15 artistas en la Galería
Praxis (1997), Pintura Argentina, Artistas Contemporáneos en el Museo Nacional de
Bellas Artes (2001), Nuevas Presencias en el Arte Argentino, en la Fund. Banco
Patricios (1995) Premio Deutsche Bank a la Jóven Pintura Argentina , Museo de
Arte Moderno (1995) ¿Por qué Pintura? en el Fondo Nacional de las Artes (2007)
Obtuvo las siguientes distinciones: Mención del Jurado, Salón Manuel Belgrano,
Pintura, Museo Sívori, 2007. Mención del Jurado, Salón Unilever, C. C. Borges,
1997. 2º Premio J. Romero Brest, M.N.B.A. y Universidad de Palermo, Pintura,
Museo Nacional de Bellas Artes, 1995. Premio Adquisición Salón Nacional de Santa
Fe, Pintura, Museo R. G. de Rodríguez, 1995.
:: Elena Oliveras
:: Hersilia Alvarez Nace el 2 de abril de 1976. Vive y produce obra en
Rosario, Argentina. Premios en Argentina / -"Salón Nacional Artes Visuales 2005" Mención de Honor - Fotografía - Palais de Glace - Secretaría de Cultura de la
Nación. -“Premio Jovenes Destacados” – Secretaría de Cultura de Sgo de Estero –
2006.-"Beca Estímulo Jovenes Artistas Visuales 2007" - Fundación Nuevo Banco de
Santa Fe.-“Festival Arte Erótico 2010” - Primer Premio – Nes Galería/Te Mataré
Ramirez.- Es desde 2006 patrimonio del Museo de Bellas Artes Gomez Cornet - Sgo
del Estero. Argentina - Desde el 2008 patrimonio del Museo de Bellas de Bellas
Artes de Santiago de Chile. Expone desde 2005 en exposiciones individuales y
colectivas en diversas espacios publicos, gallerias privadas y ferias de arte de
argentina y del exterior. Destacadas. 2011. Affordable Art Fair New York City,
Septiembre, NYC, EEUU. Arte Espacio, Feria San Isidro, Septiembre, Bs As. “Putas”,
Ni con el petalo de una rosa, Carla Rey Arte Contemporaneo, Agosto, Bs As.
“Proyecto Circular III”, Palais de Glace, Julio, Bs As. Art Shanghai 2011, Abril,
Shanghai, China. “Sin Oxigeno” Obra relacional – Nes Gallery, Abril, Bs As. 2010.
“Basta la Palabra” - Casa Ensamble – Bogotá. “Caja Negra Artes Visuales en Galeria
Wschodnia, Julio, Lodz, Polonia . “Armando Un Cuerpo” ECUNHI – Julio, Buenos
Aires. “Cuerpo y Castigo” - Casa Ensamble (Galería de Arte) – Julio, Bogotá –
Colombia. “BECAS Fundación Nuevo Banco de Santa Fe” – MACRO, Julio, Rosario,
Arg. 2009. - Bienal Internacional de Performance – Deformes II - Cuerpos
Celestiales – Museo de Bellas Artes / Biblioteca Nacional de Chile – Abril, Santiago,
Chile. 2008 "Un paisaje sin paisaje" - Fondo Nacional de las Artes – Julio, Bs As,
Arg. – "Bienal de Arte 2008" - Consejo Federal de Inversiones - Septiembre, Bs As,
33
Arg.- "En Caja Dura" - Caja Negra Artes Visuales - Museo Nacional de Bellas
Artes/Museo Sin Muros – Septiembre , Sgo de Chile – Chile. 2007 Bienal del Fin del
Mundo – Marzo, Ushuaia.- Arg. "Salón Nacional Artes Visuales 2007" Palais de
Glace - Julio. Arg- "En que piensan las mujeres" Transarte – Bs As. Arg. "Salón de
Belleza" Museo de Arte Contemporaneo Rosario. Noviembre, Arg. “Consumo
Japonés" Galería Transarte/Espacio Giesso – Bs As. 2006. Putas, Instalacion
Fotografica, Transarte Giesso Galeria de Arte, Noviembre, Bs As. "Hersilia
Alvarez/Fotografía 2006" Centro de Arquitectura y Diseño - Rosario. 2005. "Salón
Regional Osde 2005" –- Rosario 2005. “Salón Nacional Artes Visuales 2005” - Palais
de Glace – Septiembre, Bs As. Arg. 2001. UNR LIQUIDA" Instalación e intervención
en Rosario en Defenza de la Eduación Publica.- Septiembre, 2001, Rosario. Libros
en donde se publicó obra. Salón Nacional de Artes Visuales 2005 – Palais de Glace
– Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación – 2005 - Salón Nacional de
Artes Visuales 2007 – Palais de Glace – Secretaría de Cultura de la Presidencia de
la Nación – 2007.- Un Paisaje sin Paisaje – Fondo Nacional de la Artes – 2008.Bienal Premio Federal 08 – Consejo Federal de Inversiones – 2008.- Micromundos –
Escuela Rosarina de Fotografía – 2009 .
::Pablo De Monte
Nació en Buenos Aires en 1960.
Licenciado en Artes
Visuales, Instituto Universitario Nacional de Artes (IUNA); Posgrado en Lenguajes
Artísticos Combinados, IUNA. Es docente de pintura
(IUNA) e investigador del
Museo Nacional de Bellas Artes. Su primer muestra individual fue en
1989. Ha
realizado muestras en las Galerías Jacques Martínez, Julia Lublin, Art House, Loreto
Arenas, Galería Rubbers, Consulado Argentino, Nueva York; Casa 13, Córdoba;
Museo Caraffa, Córdoba; Fundación Banco Patricios y Centro Cultural Recoleta .
Participa en muestras grupales: Centro Cultural Ricardo Rojas (UBA), Centro de
Arte Contemporáneo, Chateau Carreras, Córdoba; Galería Soraya Martínez, Nueva
York; ArteBA - Fondo Nacional de las Artes (2001); “Discontinuos”, Centro Cultural
Recoleta; “Rizoma 4”, Galería Jacques Martínez.
Ha recibido entre otras distinciones: Gran Premio Adquisición, Fundación. Federico
Lanús, Fondo Nac. de las Artes; Ternado, "Artista Joven del Año", Asociación
Argentina de Críticos de Arte (1998); Premio a la Creatividad Artística en Artes
Visuales, Fondo Nacional de Las Artes (1999);
Premio Adquisición a la Pintura
joven, Telefónica de Argentina; 3er. Premio, Salón Manuel Belgrano (Pintura),
Museo Sívori (2006); 3er. Premio Pintura, Salón Nacional (2011).
:: Ana Victoria Montecucco Nació en Buenos Aires en 1983. Vive y trabaja
en Florida, Provincia de Buenos Aires. Estudio Licenciatura en Artes Visuales.
34
Orientación Pintura. Tesis en curso. Ha participado de muestras colectivas: 2012
“Dibujo Argentino Contemporáneo, tres generaciones”. Galería Masotta Torres.
2011. “Por qué pintura?” . Fondo Nacional de las Artes, Muestra de seleccionados
concurso de dibujo de Fundación Williams . CC Borges. 2009 . “HiperSuperMini”.
Galería Jardín Oculto, “Mural Aislante” . Radio La Tribu, “Shopping” . Galería Mite.
2008 “ Eroticamística” . Galería MasottaTorres. “Del Grafitti a la Pintura” . Italia –
Argentina . Centro Cultural Recoleta. “Otras Experiencias del Dibujo” . Galería Isidro
Miranda. “Escalera Mocha”. GUS Art Gallery. Philadelphia, USA. 2007 “Install.exe”.
Galería MasottaTorres, 2007 “ALCO S.R.L., segunda edición”. Espacio Palleros.
“Ferrocarriles” junto a Ezequiel Semo y Patricio Larrambebere. Pasaje 17 Galería de
Arte. Arte BA sexta edición. Stand Proyecto A. “Arte a lo alto”. Galería El Tigre
Celeste. Palermo. 2006 Muestra de seleccionados. Concurso Proyecto A Galería de
Arte. Muestra de seleccionados. Concurso de Arte Joven. Municipalidad de San
Isidro. Espacio “Chocolat”. Capital Federal. “ALCO S.R.L.” Centro Cultural Borges.
2005 Espacio “Conventillo Verde”. San Telmo. Asi como muestras individuales e
intervenciones: 2011 “DOGO” . Itaú Cultural. 2010 “AUTO + AGUA = BARCO”.
Galería MasottaTorres. 2009 “Mural Aislante”. Radio La Tribu. 2008 “Munich”.
Instalación-Performance junto a Pablo Rosales. Dirección General de Museos de
Buenos Aires. 2008 “Liberación de un tigre en el CCEBA”. Centro Cultural de España
en Buenos Aires. 2007 Intervención en la vidriera de Isidro Miranda galería de arte
en el contexto de Proyecto Vidriera. Artista invitada por Ana María Battistozzi.
:: Carolina Gori nació en Buenos Aires en 1975. Prof. Lic. en Filosofía por la
Universidad Católica Argentina. Desde 2004 estudia y se dedica a la programación
de tecnologías web de software libre para el desarrollo de proyectos artísticos y
comerciales que investigan los diferentes usos del archivo en un entorno virtual.
Fue seleccionada para participar en la Clínica de Artes Visuales de Héctor
Maldonado, Art Center / South Florida, USA; Talleres de fotografía con Alberto
Goldenstein, CCRR; y el Programa TEC EN ARTE IV con Patricia Hakim, Espacio
Fundación Telefónica. Obtuvo la Beca ECuNHi/FNA 2010 y la Beca FNA para
proyectos grupales 2011. Ha participado en muestras en Argentina y en el exterior
del país: Premio AaP-giftSHOP, arteBA'12; Galerie Argentine (Paris); Centro
Cultural Recoleta; Fondo Nacional de las Artes; giftSHOP Barrio Joven arteBA'11; II
Premio Bienal de Fotografía Arte x Arte 2010; Museo de Arte Moderno de Buenos
Aires; Galería Isidro Miranda; Latin American Art Museum (FL, USA - Mención de
Honor); TAT, Multimedia Art Center (FL, USA); Hatman Art Space, JCC (Nueva
York); entre otros. Actualmente dirige y desarrolla Proyecto giftSHOP y Dispositivo
AaP. www.carolinagori.com.ar
35
36