1 Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, nace en Sevilla en... 1.− Vida

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1.− Vida
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, nace en Sevilla en 1599, de padre portugués y madre sevillana. Se
considera que su primer maestro fue Herrera el Viejo, hombre de difícil carácter con el que no debió durar
mucho tiempo, en 1610 se encuentra en el taller de Francisco Pacheco como aprendiz. Siete años más tarde
pasa el examen del gremio de pintores y en 1618 se casa con Juana Pacheco, hija de su maestro. Pacheco se
convierte más tarde en su más ferviente admirador, a él debe el haber podido formarse en un ambiente culto,
de hombres de letras, que se reúnen en tertulias en el taller de Pacheco.
Durante este primer periodo de formación va a recibir las influencias de la pintura tenebrista, sobre todo de la
obra de Ribera, mostrando un interés por el Naturalismo que le recomienda su maestro, de esta época son
algunos cuadros como Vieja friendo huevos o El Aguador, realizando un alarde de realismo, donde los objetos
adquieren vida propia. En estas obras se plantea también el problema de la luz, optando por un estilo
tenebrista propio de la influencia de la obra de Caravaggio.
En 1622 realiza su primer viaje a Madrid, acompañado de su discípulo y criado Diego Medrado. Conoce El
Escorial y entabla amistad con Luis de Góngora del que realiza un retrato.
De vuelta a Sevilla y gracias a la amistad de Juan Fonseca, consigue que el Conde−Duque le costee un nuevo
viaje a Madrid, en 1623, para realizar un retrato de los Reyes. En este momento pinta un retrato a Fonseca, y
un retrato de Felipe IV, que gustó mucho al rey. Desde este momento el éxito es fulminante, instalándose en el
palacio y convirtiéndose en el único retratista de los reyes, detentando el titulo de pintor de cámara y servidor
del rey.
En la corte Velázquez tiene ocasión de conocer y estudiar las obras de las colecciones reales, el rey Felipe IV
es uno de los mayores coleccionistas del momento además de ser uno de los mejores conocedores del arte
italiano. Además conoce la obra de los artistas madrileños como Vicente Carducho, que siguen fieles al
academicismo, su obra choca bruscamente con la de estos convirtiéndose en sus enemigos, especialmente de
Carducho.
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En 1628 llega a Madrid Rubens, Velázquez le acompaña en su visita a las colecciones reales del Escorial,
ejerciendo sobre él una notable influencia. De este momento son cuadros de carácter mitológico como Los
Borrachos y El triunfo de Baco.
En 1629 realiza su primer viaje a Italia, donde aprende y asimila el rico cromatismo de la escuela veneciana,
abandonando las reminiscencias tenebristas de su aprendizaje en Sevilla. De este momento son La túnica de
José y La fragua de Vulcano. Apareciendo nuevas preocupaciones en su pintura, como la luz, el paisaje y el
desnudo. Su pintura se hace más libre, más moderna y más luminosa.
De vuelta a Madrid desarrolla una gran actividad como retratista de corte, trabajo en el cual se va afianzando
su propio estilo. De este momento son obras como La rendición de Breda o Las lanzas y los retratos ecuestres
de Felipe IV El Conde−Duque de Olivares y El Príncipe Baltasar Carlos, obras realizadas para la decoración
del Palacio del Buen Retiro. Retratos de bufones y cortesanos como Pablillos de Valladolid y El bobo de
Coria, o algunos cuadros de personajes clásicos como Exopo y Marte, dios de la guerra.
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En 1643 se produce la caída del Conde−Duque de Olivares, su gran protector, al año siguiente muere la reina
y el príncipe Don Baltasar Carlos, el ambiente de la corte cambia. En 1647 es nombrado veedor de las obras
del Alcázar y su decoración, cargo que le aleja de su actividad de pintor.
En 1649 vuelve a Italia, con el encargo de Felipe IV de adquirir obras para la decoración del Alcázar de
Madrid. Visita diversas ciudades italianas, como Roma, Venecia, Nápoles, Módena y Florencia. En Italia es
recibido con gran admiración , realizando retratos como el del Papa Inocencio X o su criado Juan de Pareja, y
dos pequeños paisajes Los jardines de la Villa Médicis de gran trascendencia posterior.
De vuelta a la corte en 1651 es nombrado aposentador de la corte llevando una vida casi cortesana, con una
importante colección de cuadros y un biblioteca también importante. Entre 1656 y 1658, pinta algunas de sus
más famosas obras La Venus del Espejo, Las Meninas y Las Hilanderas.
En 1660 muere sin dejar escuela ni seguidores importantes. Pese a sus ocupaciones como servidor del rey,
Velázquez fue ante todo pintor, y es en la tarea que se ocupa toda su vida. Pertenece junto a Alonso Cano y
Zurbarán al grupo de pintores sevillanos de la primera generación barroca del siglo XVII. Pero además tendrá
relación con los
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más grandes artistas del momento, Rubens, en España, Pietro da Crotona, Guido Reni y Bernini, en Italia. Una
de sus grandes preocupaciones, fue enaltecer el oficio del pintor, elevando de la categoría de trabajador
manual, en la que estaba considerado, a la de intelectual, y arte liberal. Su figura es una de las más grandes de
la pintura de todos los tiempos.
2.− Su obra
Las primeras pinturas que realiza en Sevilla son, fundamentalmente, temas de genero como La vieja friendo
huevos de 1618, El Aguador de Sevilla de 1620 o Cristo en Casa de marta y María del mismo año; dentro de
la misma línea están La Cena de Emaús de 1620, San Juan Evangelista en la isla de Patmos, realizada
aproximadamente en 1618, o la Adoración de los Reyes Magos, de 1619, que se ha interpretado como un
retrato de familia, donde se representarían a su maestro Pacheco y el propio artista como los dos Reyes, y su
esposa Juana y su hija, en la Virgen y el niño. De este mismo momento son La Virgen impone la casulla a San
Ildefonso de 1623 y varios retratos como: La madre Jerónima de la Cruz El padre Cristóbal Suárez de Riberoy
el supuesto retrato de Francisco Pacheco.
En su primera estancia en Madrid realiza el Retrato de Góngora, de 1622. Establecido definitivamente en la
corte en 1623, realiza una serie de obras como los retratos de Don Gaspar de Guzmán, conde−duque de
Olivares, de 1625, El infante Don Carlos de 1626, y varios retratos de Felipe IV, de 16226 a 1628. También
realiza temas históricos como La expulsión de los moriscos,de 1627, y mitológicos como El triunfo de Baco y
Los Borrachos de 1629.
Durante su primera estancia en Italia pinta La fragua de vulcano de 1630, Jacob recibiendo la túnica de José
del mismo año y Doña María de Austria, reina de Hungría, pintada en Nápoles en 1630.
De vuelta a Madrid en 1631 pinta obras como: Santo Tomás de Aquino confortado por los ángeles después de
la tentación, Cristo Crucificado, y retratos tan importantes como el de Doña Antonia Ipeñatierra y Galdós y su
hijo Don Luis Don Diego del Corral y Arellano, el de su esposa Doña Juana Pacheco, a quien caracteriza
como una Sibila, además de retratos reales como Isabel de Borbón, El principè Baltasar Carlos a los tres años.
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En 1635 para el Salón de Reinos del Palacio de buen Retiro pinta Las lanzas o La rendición de Breda, obra
maestra de la pintura europea en el genero histórico. De este momento y para el mismo fin son los retratos
ecuestres de Felipe IV, El Conde−Duque de Olivares y El príncipe Baltasar Carlos.
Entre 1636 y 1643, realiza una serie de retratos como Juan Martínez Montañés, Francisco I de Este y El
príncipe Baltasar Carlos jovencito. También realiza notables escenas de cacerías, como La Galería real del
jabalí, u las pinturas con destino a la Torre de la Parada Esopo y Menipo.
Entre 1643 y 1649, sus retratos aumentan la gama cromática, que se manifiesta en el de Felipe IV de 1644, La
Dama del abanico, de 1646, y todo el conjunto de retratos de los bufones de la corte, donde los presenta con
toda la dignidad, despertando más piedad que repulsión. El niño de Vallecas, El bufón Don Sebastián de
Mora, El bufón Don Digo de Acedo o El primo, todos ellos en el Museo del Prado.
En 1649 viaja a Italia, donde pinta en Roma el retrato de su criado Juan Pareja,y el retrato del Papa Inocencio
X, así como las dos vistas de los jardines de la villa Médicis Entrada en la gruta y El pabellón de Ariadna. En
1650 pinta también La Venus del Espejo único desnudo conservada de los cuatro que se tiene noticia que
ejecutó.
De vuelta a la corte española, entre 1656 y 1658 realiza varias de sus más famosas obras como Las Meninas
de 1656, Las Hilanderas de 1657. Su ultima producción de retratos es bastante copiosa, La reina Doña
Mariana de Austria de 1652, La Infanta Margarita a los tres años de 1654, El príncipe Felipe Próspero, de
1659, La infanta Margarita a los nueve años, de 1659. su última ocupación fue preparar la decoración de la
residencia real en la isla de los Faisanes, con motivo de la infanta María Teresa a su prometido Luis XIV,
después regresa a Madrid y muere.
3.− Su estilo
Velázquez es el pintor más genial de todo el barroco español, e incluso de europeo. Representa la síntesis
absoluta de la forma de ver del natural con la representación de lo intelectual. Su pintura integra las
experiencias y formulaciones del racionalismo científico del siglo XVII.
En su producción de retratos, los retratos de reyes y cortesanos, cumplen dos funciones, por una parte la
exaltación de la monarquía absoluta, y por otra definen la imagen del rey y de los miembros de su familia, de
acuerdo con las leyes del decoro, el rey debe mostrar a través de su apariencia exterior los rasgos de su
posición social. La belleza física debe ser reflejo de la belleza moral.
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La idea de la austeridad y el decoro es una norma inquebrantable, aunque Velázquez consigue conjugarlo con
la fidelidad a la imagen realista del modelo. Cambia la visión tradicional de los retratos de abajo a arriba y
establece nuevas relaciones de luz y sombras. Dentro de estos retratos realiza una serie de retratos ecuestres,
donde se observa la influencia de la pintura de Rubens.
El caballo se convierte en el soporte idóneo para dar una imagen heroica del monarca, restringiéndose este
tipo de representación al monarca y a las figuras más distinguidas dentro de su circulo.
En su galería de retratos de bufones, criados, amigos e incluso nobles, Velázquez realiza lo mismo que en los
retratos cortesanos, abandonando, claro está, los aspectos secundarios de la etiqueta. Velázquez pinta como en
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los retratos reales lo que ve, el ser humano inmediato y concreto, tal como es. La representación de criados y
bufones, muestran el afán de investigación del artística en la búsqueda de la representación de lo real, por
encima de cualquier idea de ostentación del retrato, este genero es utilizado como un medio de
experimentación puramente pictórico.
Su posición en la corte hace que dentro de la obra de Velázquez, las pinturas de temática religiosa sean
escasas, frente a la del resto de los pintores de su época, que prácticamente, es el único genero que cultivan
junto al retrato y las naturalezas muertas. Sin embargo en su Cristo Crucificado ha dejado una de las obras
más hermosas, patéticas, sobrias y equilibradas de toda la pintura barroca. Representa el momento de la
muerte de Dios hombre, el cuadro se desnuda de todo lo superfluo que pueda disminuir el impacto de la
imagen de Cristo, que irradia la luz de si divinidad.
Sus paisajes de la Villa Médicis, los únicos paisajes del barroco español, muestran una perfección clásica,
conjugada con la representación de la inmediatez de la imagen, y la creación de una atmósfera envolvente,
mediante una pincelada suelta, ingrávida y rápida. Es donde mejor se pueden apreciar su famosas veladuras,
capas de color casi trasparentes, que crean atmósferas. Sus cuadros mitológicos serán también, una excepción
dentro del mundo contrarreformista y de clientela religiosa de la pintura española. Estos temas sirven para
mostrar el contenido humano, no la realidad heroica del mito, sino la realidad cotidiana de los protagonistas,
introduce la visión de personajes populares, que son captados casi en una instantánea fotográfica, el tema sirve
al artista para investigar en las posibilidades de la pintura.
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4.− Las hilanderas. Velázquez
Es una obra perfectamente sumida en las preocupaciones iconográficas propias del barroco, Velázquez narra
un tema mitológico mediante la representación de una escena de genero.
Esta obra se encontraba en el Alcázar de Madrid, cuando se produce su incendia, y hasta su recientísima
restauración, había tenido un añadido que había complicado los intentos de interpretación, no sabiendo si este
añadido respondía a la restauración de una parte, suponiéndose que había sido dañada durante el incendio del
Alcázar.
Durante mucho tiempo se había interpretado como una escena de genero en la que se representaba un taller de
Hilanderas, aunque la existencia de la escena cortesana del fondo, la inclusión de la figura de Minerva, y
elementos como el violonchelo, hacían dudosa esta simplicidad temática, siendo uno de los temas de gran
preocupación entre la critica.
Hacia los años cuarenta de este siglo, el cuadro de las Hilanderas, es identificado con el nombrado como la
Fabula de Aracne, en uno de los inventarios de las colecciones reales, a partir de este momento se empieza a
investigar para llegar a la justa interpretación de lo representado. Poniéndose de manifiesto que Velázquez,
siguiendo los esquemas barrocos, propone la visión de una fabula mediante la representación de una escena
cotidiana. Se narra la disputa entre Minerva y Aracne, que compiten por ver cual es la más rápida tejiendo,
este es el tema representado en la segunda escena del cuadro, convirtiéndose en el tema principal, el fondo del
mismo que además puede ser interpretado como un simple tapiz decorativo. La escena del primer plano,
inspirada en un taller de tapices, se ha interpretado siguiendo el libro de las Metamorfosis de Ovidio, obra que
se encontraba en la biblioteca de Velázquez, como una alegoría del buen gobernante.
Indudablemente la lectura del cuadro resulta compleja y dificultosa, trascendiendo la idea de instantánea,
donde se quiere representar una realidad cotidiana, para integrase en todas las corrientes intelectuales del
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barroco.
La luz es elemento, verdaderamente protagonista del cuadro, ella es la que ordena la composición
estableciendo planos fuertemente iluminados, como el del fondo, y planos, prácticamente en penumbra. Con
ello Velázquez puede investigar en las posibilidades de las variaciones que sufre el color al pasar de un plano
a otro, de una zona más iluminada a una zona en penumbra, Velázquez consigue definir una perspectiva aérea
en la que lo que se está representando es la atmósfera.
La obra es un intento del artista por llevar al espectador más allá de lo que se ve, estableciendo un juego de
planos, de miradas y de significaciones, ocultas,que necesitan una reflexión intelectual, mas allá de lo
puramente representado.
5.− La Venus del Espejo. Velázquez
Es una obra excepcional dentro del panorama de la pintura barroca española. Es uno de los pocos desnudos
femeninos que se pintan, y en el Velázquez consigue introducir importantes novedades en la iconografía de
Venus.
La diosa aparece representada como cualquier mujer, invirtiendo en la composición de la obra los planos de
las Venus pintadas por Giorgione o Tiziano, que aparecían de frente y en la posición inversa. Y como en Las
Meninas va introducir el espejo como elemento fundamental en la composición y como generador de variadas
lecturas de la representación.
Venus se muestra de espaldas, con una belleza contundente, y cuyo rostro solo es visible por la imagen que
devuelve el espejo. La imagen reflejada apenas insinúa los rasgos del rostro de Venus, pero sus ojos se dirigen
hacia el espectador introduciéndolo en la composición, e incitándolo al ejercicio intelectual de crear la propia
imagen de Venus.
El cuadro se conserva técnicamente en muy mal estado, debido a los avatares de su historia, y a las malas
restauraciones practicadas sobre é, que han ido arrancando muchas de las sutiles capas de pintura de
Velázquez, con lo que la perspectiva aérea que caracteriza la obra de este artista se ha perdido, perdiéndose
todo el juego de sugerencias que introduce la atmósfera en sus cuadros. Pese a ello es indudable que se trata
de una de las obras claves de la producción de Velázquez.
6.− Las Meninas. Velázquez
Esta obra es, sin duda, una de las grandes obras maestras de la pintura de todos los tiempos. Supone dentro de
la obra de Velázquez la síntesis de todos sus conocimientos pictóricos, su genialidad, su talante, la
intelectualización de su obra, y sus propias aspiraciones como pintor y como persona.
Como las Hilanderas es una obra compleja de múltiples lecturas. La escena recoge el momento en que en una
estancia del palacio Velázquez está pintando un cuadro, en un primer termino aparece un grupo compuesto
por la infanta Doña Margarita, las Meninas María Agustina Sarmiento e Isabel de Velasco, la deforme María
Bárbola y el niño Nicolasito Pertusano, que apoya el pie sobre un perro que parece dormitar. En un segundo
plano aparece Velázquez en actitud de pintar. Detrás de este grupo aparece doña Marcela Ulloa, dama del
palacio y un guardadamas vestido de negro. Al fondo de la estancia aparece en una puerta el aposentador José
Nieto y en un espejo reflejadas las figuras de los reyes.
La obra se caracteriza por la calidad y la sutileza pictórica de las figuras. El acusado realismo, la profundidad
espacial, el reflejo del movimiento detenido, ha hecho que se la intérprete como una instantánea fotográfica.
Estas sensaciones se consiguen mediante la reflexión cromática y la representación de una atmósfera que se
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hace palpable, espesa y contundente. La luz moldea y crea el espacio, mediante la perspectiva área,
introduciendo dos focos de luz, uno que hace que la luz penetre en la estancia por la derecha de la obra e
ilumina a las figuras del primer plano, y otro al fondo por la puerta que se abre, donde se sitúa la figura de
José Nieto, es un foco de luz vertical de gran violencia, pero que Velázquez interpreta sin ningún dramatismo.
Técnicamente Velázquez consigue llegar a la perfección de sus búsquedas lumínicas, consiguiendo la
plasmación de la perspectiva aérea, en una atmósfera tangible y envolvente, consigue pintar el aire, búsqueda
que se había iniciado con la obra de Leonardo.
En la obra se traza un entramado sutil de planos y miradas, mediante los cuales se teje una composición
compleja en la que se destaca lo secundario, velándose lo principal que pasa a ser reflejado como anecdótico.
Todo se estructura para lanzar un mensaje concreto sobre le artista, sobre su quehacer como pintor y sobre su
consideración personal como artista.
Recientemente la opción de Velázquez ante esta obra ha sido interpretada como, intencionada, sabiendo que
estaba realizando una obra cumbre del arte occidental, y planteándola como algo ante lo que el espectador
siente su originalidad y su maravilla. El espectador pasa a ser parte activa de la obra, ya que el espacio que
ocupa este es el intermedio entre el propio cuadro la posición que ocuparían los reyes que se reflejan en el
espejo.
El tema, un retrato informal de grupo, parece poco importante, y se les recoge en una instantánea, en un
movimiento paralizado, justo cuando se dan cuenta de la presencia de los reyes en la habitación, que en la
obra solo se muestran en el reflejo del espejo. El espectador queda atrapado en estos dos movimientos.
Pero la obra tiene, además esa significación personal, es la primera vez que un pintor aparece retratado junto a
un rey, aunque la presencia real por decora sea indirecta. Velázquez además realiza un documento en el que
habla de las buenas relaciones entre el pintor y el rey, que además es un amante de la pintura y un gran
entendido en arte. Con ello afirma la posición del pintor como un artista intelectual, y no como un mero artista
manual o artesano.
Velázquez se retrata a si mismo con el pincel, desarrollando su oficio, pero en una actitud pensativa, digno por
la virtud de su arte, afirmando su propia nobleza. Velázquez había mantenido una lucha particular para ser
reconocido como noble, con lo que su arte pasaría a ser considerado fuera de las artes manuales, en ese
momento consideradas poco dignas, y entrar a formar parte de las artes liberales, consigue al final de su días
ser nombrado caballero de la Orden de Santiago, al igual que consiguió el reconocimiento de su arte en Las
Meninas, donde el rey mando pintar la cruz de Santiago, en pecho de Velázquez.
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