Actualidad del estilo gótico
Ahora se le llama gótico a una sub cultura, un estilo, una manera de pensar. El hilo común es una apreciación
por la división de la vida, el contraste entre la luz y la oscuridad, el bien y el mal, con la conciencia de que no
hay una sin la otra y la idea de que los juicios y valores asignados comúnmente a lo distinto no son
necesariamente ciertos.
Algunos factores que se observan comúnmente son un estilo de música, arte y literatura únicos. La fascinación
con la historia medieval es otro punto en común.
La apariencia de la gente coincidente con este estilo es muy cuidada y de estilo barroco: peinado
cuidadosamente descuidado, de color negro, con toques y mechones de otros colores, tez pálida y aspecto
enfermizo, gran preferencia por el negro y los símbolos de muerte o religiosos. Aún así, hay personas que no
siguen un estereotipo y que se visten normalmente, ya que el potencial se encuentra en la cabeza, No en la
vestimenta.
Suelen definirse: "Somos los únicos capaces de entender que la vida es un contraste de luz y sombras"
No son (o al menos no todos) depresivos, violentos, suicidas, adictos a las drogas, vampiros o que se
creen vampiros, sadomasoquistas, satanistas, músicos, pintores, u otro tipo de artistas. Son gente con
una sensibilidad diferente. Los elementos o temas más comunes en la cultura gótica, varían desde el
vampirismo, lo oculto, lo fúnebre, lo decadente, melancólico, grotesco, lo apocalíptico, lo sensual y
prohibido, la pasión y obsesiones, el sufrimiento del romanticismo (otra conexión con el pasado), las
tragedias, la cruda realidad y la discriminación.
Algunas de las bandas musicales que corresponden con este estilo son: The Cure, Bauhaus, Lacrimosa,
Sisters of Mercy y Joy Division, entre otros. Aunque los "nuevos góticos" tiran mas para Marilyn
Manson y el metal gótico o industrial.
Etimología de la palabra (concepción histórica)
La palabra Gótico proviene del término Goth, y es una forma despectiva de llamar al pueblo germánico
de los Godos que invadió Roma. Este era un pueblo bárbaro.
Fue introducida por primera vez por el historiador florentino del arte: Giorgio Vasari en el siglo XVI
con el que quería definir el oscuro arte de la edad media frente al glorioso pasado de la antigüedad
clásica. (Reseña: si lo comparamos con el románico, seguramente a este lo hallaremos rígido, tosco y
hasta sin encanto; pero lo mismo nos resultaría de comparar el estilo gótico con el arte del
renacimiento, del cual formaba parte Vasari).
Este pensamiento se mantuvo hasta el siglo XIX en el que los historiadores romanticistas dividieron al
gran periodo de la edad media en románico y gótico, destacando de este último su fuerza avasalladora y
su originalidad; la cual representa el comienzo de la concepción estilística del arte moderno, con
principios de fidelidad a lo real, de profundidad en el sentimiento, de sensitividad y sensibilidad que
logra realzar la belleza propia del arte. (Reseña: es en el gótico en el que se vuelven a apreciar las obras
artísticas cuyas figuras tienen proporciones normales, se mueven con naturalidad y son, en el sentido
propio de la palabra, bellas; las cuales forman en parte el objeto de un placer directo que ya no esta
condicionado por consideraciones culturales o religiosas).
Nacimiento histórico de un período
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El arte gótico nace en Francia en el siglo XII, desarrollándose y evolucionando por todos los rincones de
Europa hasta que es superado por el período Renacentista en el transcurso del siglo XVI. (Reseña: se
extendió con rapidez llegando primero a Inglaterra −principios del siglo XIII− y Alemania, Península
Ibérica y centro y norte de Europa. El último punto al que llega este estilo es Italia quien en el siglo XIV
adopta, sobre todo en pintura, las tendencias Góticas. A partir de este momento toda Europa tiene el
clima artístico del Gótico Internacional).
Su precursor es el abad Surger de Saint−Denis, el que inspirado en su fe religiosa y marcando una
oposición con el pensamiento románico, afirma el valor de la experiencia mundana como medio para
alcanzar el único fin que es Dios. Recordemos que durante el período románico se condenaba la riqueza
decorativa de las obras de arte dado a que distraía de la meditación. Surger decía: debido a que todas
las cosas proceden de Dios por creación, debemos a través de las cosas, retornar a Dios por elevación.
Esta concepción religiosa al se transfiere al campo artístico marcando uno de los tantos antagonismos
en los que se basa este período. (Reseña: este pensamiento se enlaza con la tradición neoplatónica).
Características sociales de la época
Durante la época denominada Gótica (en las cuales nos estamos refiriendo a un período de tiempo más
que a verdaderas premisas artísticas) la sociedad europea se encuentra en una etapa de transición en la
cual se empiezan a desarrollar los primeros cambios socioeconómicos que se desencadenaran en la
sociedad capitalista. Por ende este período corresponde, en primer medida, a un abandono del sistema
feudal, una evolución y desarrollo del mercantilismo (Reseña: la sociedad mercantilista es solo una
primera tentativa de desarrollo de la sociedad capitalista) en el que se producen cambios bruscos y
contradictorios en la sociedad, para llegar al período del gótico tardío ya entrando en las puertas del
capitalismo. (Reseña: la importancia de diferenciar estas corrientes económicas es por que a través de
ellas se observa la organización que funda las bases de nuestra sociedad actual).
El simple hecho de explicar como se desarrolló la historia Europea en solo 100 años, teniendo en cuenta
que las variaciones de reyes y sucesos así como de guerras y paces nos llevaría demasiado tiempo.
Bastara, entonces, nombrar algunos de los acontecimientos característicos como para situarnos
históricamente:
• Momento de Cruzadas. Desde el vaticano, se inician en el siglo XI, a la voz de Cristianos,
recuperemos la ciudad sagrada doce cruzadas, que varían en momento y en los reyes que
representan cada país Europeo. La última de ellas fue: En el año 1270 encabezada por el rey
Luis IX de Francia.
• Guerra de los cien años. En la que se enfrentan Francia e Inglaterra desde 1339 a 1453 (fecha
que coincide con la caída de Constantinopla). Cabe señalar la participación decisiva de Juana
de Arco, quien fue quemada en la hoguera por la Santa inquisición (tribunal eclesiástico que
condeno todos aquellos que estaban fueran del catolicismo, marcando un hito en la historia
Cristiana).
• En el siglo XII comienza la transición del sistema económico social del feudalismo al sistema
mercantilista. Esto conlleva que el punto principal de la sociedad sea desplazado a la ciudad, de
la cual provienen todos los estímulos y concluyen todos los caminos a través de los que uno se
pone en contacto con el mundo. (Reseña: la estrecha alianza de la monarquía, los obispos y los
burgueses propicia el auge de la ciudad).
• Junto con la ciudad nace lo que podríamos llamar una nueva clase social: la Burguesía. En un
principio fueron pequeños comerciantes y artesanos pero con el tiempo, y debido a la aparición
del dinero y al poder financiero en el que se basa la economía mercantilista, estos pequeños
ciudadanos pudieron ir ascendiendo en la escala social hasta convertirse en una clase instituida
conocida como los nuevos nobles. (El poder financiero se basa en la acumulación de riquezas
que ya en este momento esta representada por el dinero). Esto elimina la rígida delimitación de
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las castas sociales hereditarias. Durante todo el periodo gótico la sociedad se encuentra en un
estado de fermentación los antiguos limites se vuelven borrosos y los nuevos se agudizan pero
cambian constantemente. Los comerciantes ahora son los nuevos nobles, los campesinos se
convierten en jornaleros a sueldo y los artesanos conforman un grupo separado de los
anteriores debido a la homogeneidad con la que evoluciona.
• Formación de las primeras universidades. Oxford de Inglaterra en el año 1200, La Universidad
de París en Francia data del 1213, Valencia en el 1245 y Sevilla en el 1256 y otras creadas como
estas en el siglo XIII.
• La población se halla en movimiento los caballeros emprenden las cruzadas los creyentes hacen
peregrinaciones los comerciantes viajan de una ciudad a otra los artesanos y artista van de logia
en logia los maestros escolares se trasladan de universidad en universidad y entre ellos están los
que abandonan sus estudios para convertirse en mendigos o comerciantes (esto favorece el
conocimiento del pueblo). Antes el saber estaba en manos del clero, la iglesia tenia la
exclusividad del conocimiento, ahora en las ciudades hay un desarrollo intelectual e individual.
El cristianismo (el cual comparte esta característica de evolución con el arte) se va convirtiendo
en una religión popular la cual la hace más humana (que esta íntimamente conectado con
criterios y valores morales impuestos hasta el momento; esto sumado a las fluctuantes fronteras
sociales hace que la lucha que la iglesia libraba contra el amor físico se pierda inevitablemente).
Reseña: surge la poesía caballeresca en la que se puede observar descripciones que hablan de la
belleza física de vestirse y desnudarse, de mujeres que bañan a héroes, de invitaciones al lecho,
etc.
• Gracias al gran movimiento que se experimenta en la ciudad se favorece el comercio artístico
(aumenta la demanda de artículos de lujo: vestidos, armas y viviendas). Ahora el arte es un
modo de expresión comprendido por todos y no un lenguaje misterioso de unos pocos. Esto hace
que los artesanos tengan una mayor demanda de obras ya que deben complacer también a las
poblaciones urbanas cada vez más fuertes (la burguesía). A principios del siglo XII fueron las
logias que reemplazaron los trabajos hechos anteriormente en los monasterios. La logia se
desarrollo como una asociación independiente de artesanos agrupados por la jerarquía de los
arquitectos la que le seguía el maestro y los oficiales; tenían una subordinación de los intereses
particulares para favorecer el trabajo artístico común. En el curso del siglo XIV al aumentar la
capacidad de adquisición de la burguesía los artesanos se convierten en artistas independientes
dando lugar al nacimiento de los gremios el cual limitaba la competencia asegurando la
economía de los mismos, los gremios son una asociación igualitaria de empresarios
independientes (los talleres individuales de los maestros).
Debido a que el arte es entendido como un reflejo de la sociedad que lo conforma podemos señalar sus
principales características basándonos en los cambios económicos y sociales que le corresponden
(anteriormente descriptas). Los cuales se basan en un dualismo que se expresa en las tendencias
económicas, sociales, religiosas y filosóficas de la época, así como en las relaciones entre economía de
consumo y economía comercial, feudalismo y burguesía, trascendencia e inmanencia, realismo y
nominalismo. Estas dualidades determinan tanto las relaciones del estilo con la naturaleza, como los
criterios de composición y la polaridad de racionalismo e irracionalismo que se ve principalmente en la
arquitectura.
Se diferencia en tres etapas:
• Gótico Primitivo o de Transición (convina elementos románicos y góticos)
• Gótico Pleno o Radiante (origen de los edificios más representativos)
• Gótico tardío (recargamiento decorativo)
Arquitectura
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El estilo nació en Îlle de France bajo el dominio real francés, siendo este el centro artístico de la época; se
difundió por el territorio imponiendo nuevas soluciones técnico − estructurales, a las que acompaño
inevitablemente una nueva sensibilidad estilística y estética. (Reseña: Los nuevos edificios religiosos se
caracterizan por la definición de un espacio que quiere acercar a los fieles de una manera vivencial y casi
palpable los valores religiosos de la época. La catedral se va a llenar de luz, y es la luz la que conforma el
nuevo espacio. Será una luz física, general y difusa, transfigurada y coloreada mediante el juego de las
vidrieras que trasforman el espacio en irreal y simbólico. El arquitecto gótico organiza una estructura que le
permite emplear la luz, de manera tal que desmaterializa los elementos del edificio, consiguiendo sensaciones
de elevación e ingravidez). Gracias al paralelismo de unos y otras, la mirada, y con ella el espíritu del
observador, se sienta fácilmente impulsados hacia las alturas, donde los arcos apuntados de las bóvedas
señalan el camino del cielo.
Fue un descubrimiento que el método de abovedar las iglesias por medio de vigas cruzadas podía ser
desarrollada mucho mas consecuentemente y con más amplios propósitos que los imaginados por los
arquitectos normandos. (Reseña: El ideal de estos se convirtió en edificar iglesias casi a la manera que se
construyen los invernaderos sin estructura de hierro ni vigas de acero). Los elementos fundamentales son el
empleo inteligente del arco ojival, del arbotante y de la bóveda de crucería que transmite el peso a puntos fijos
sobre los pilares. En el exterior son los arbotantes los que apuntalan la estructura. Estos están lanzados
ágilmente sobre el vacío compensando el impulso lateral impreso en la pared por la ojiva, transmitiéndolo a
un contrafuerte independiente, llamado estribo. Este es a su vez rematado por un pesado pináculo que tiene
por objeto aumentar la estabilidad o completar el complicado juego de los impulsos y los contra impulsos.
Generalmente tienen una planta en forma de cruz latina, con un numero impar de naves (3 ó 5), siendo la nave
mayor la mas elevada y las laterales decrecientes. Las puertas de acceso se hallan en los brazos (fachadas
laterales secundarias) y en el pie de la cruz (fachada principal)
La mampostería perdió función de sostén permitiendo abrir grandes vanos cumpliendo con el anhelo del abad
Surger hacia la altura y la luz.
Un maravilloso equilibrio dinámico caracteriza la concepción de las catedrales góticas siendo reflejado en la
continuidad de las arquerias distintas a las del estilo románico solo por ser estos mas apuntados. La iglesia
gótica se encuentra en suspendida en una fase de su creación original, se hace antes nuestros ojos y representa
un proceso. La transformación de todo el sistema material en un juego de fuerzas, esta circulación y corriente
de energías despiertan la impresión de que ante nuestros ojos se desarrolla un conflicto dramático. La
incoclusión de formas no hace mas que acentuar la impresión de un movimiento infinito e ininterrumpido, el
cual obliga al espectador mirar la obra desde distintas perspectivas para lograr apreciarla en su conjunto.
(Reseña: es en las catedrales donde encontramos las cátedras (mueble de asiento de estilo romano) utilizadas
por los obispos). (Reseña: el arte de las catedrales góticas es urbano y burgués, son los laicos quienes
construyen y es la ciudad de ostentosos burgueses quienes financian estas obras. Ya que también a la iglesia
concurren mas personas, muchas de las cuales están de paso por la cuidad. De esta manera, la representación
artística más representativa se corresponde con una clase social que quiere demostrar su poder).
La diferencia más importante con el Románico es que la arquitectura civil tuvo un desarrollo muy importante
centrándose particularmente en la construcción de ayuntamientos (como en Bruselas), lonjas (en Palma de
Mallorca), palacios(de lo Dux en Venecia), castillos (de Loira en Francia)y hospitales (Santa Cruz en Toledo).
(Reseña: por el desarrollo de las ciudades y las necesidades urbanas de una sociedad fluctuante, explicada
anteriormente).
Las dos catedrales consideradas como la primera expresión del estilo gótico (en su sentido estricto) son: *la
iglesia de la abadía de saint−denis y *la catedral de Sens. Esta ultima era la sede metropolitana de la que
dependía la cuidad de París.
Escultura
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El estilo gótico es diferente al románico haciendo hincapié en imágenes más serenas, producto de la
observación directa del mundo. Se encuentra al servicio de la arquitectura pero ya no deformándose
para adaptarlas al marco, además dejan de ser estáticas y hieráticas para ir adquiriendo un dinamismo
y una expresividad que se van acentuando con el paso del tiempo. Se recupera la noción de estatua, las
proporciones dependerán del cuerpo humano. Comienzan a tener valor artístico propio y no en el
conjunto. (Reseña: las logias seden un lugar especializado para que el escultor confeccione sus obras en
un local mejor equipado técnicamente). Desde el punto de vista plástico va a contribuir con la
arquitectura suavizando las masas y a definir mas fuertemente las líneas esenciales por el resalto de la
escultura sobre el muro o sobre la columna mostrándonos con una absoluta claridad la enorme
evolución que experimento este arte en tan pocos decenios. (Reseña: a partir de este período comienza
la separación de la arquitectura de la escultura).
Poseen una agraciada naturalidad dejando caer libremente los paños con una elegancia y expresividad
en el rostro, animado siempre por una extraña y fascinante sonrisa. Están dispuestas de manera tal que
tienen un ritmo particular completamente independiente.
Para alcanzar el naturalismo tuvo que haber un cambio radical en el pensamiento medieval indagando
ahora no solo la naturaleza de dios, sino también el mundo terrenal, las ideas abstractas y las cosas
concretas.
Las obras clásicas de la escultura gótica francesa son del siglo XII y en el siglo XIV logran acercarse al
realismo; pero la corriente alemana esta muy relacionada con esta pero la expresividad esta más
acentuada y en el siglo XV desarrolla un estilo personal.
La evolución de la escultura es más lenta y gradual que la experimentada en la arquitectura. Aparecen frisos
con motivos de hojas y flores descriptos atentamente en todo su vigor, cuerpos observados anatómicamente,
jirones de la vida de la época incorporados a escenas alegóricas, los cuales estos van a madurar con el
humanismo.
Las representaciones más comunes de los portales de las catedrales góticas están inspirados en Cristo y la
virgen, siendo más cercanas a las creencias cristianas.
En los tiempos sucesivos, la escultura sufrirá una leve decadencia: la composición vivaz del drapeado, que
daba relieve a la escultura de los cuerpos decaerá, quedando solo el ritmo decorativo, la observación directa se
convertirá lentamente en convención; el descubrimiento de nuevos equilibrios compositivos será substituido
por una vacía repetición de esquemas y el entusiasmo por la repetición de frescos motivos naturales se
convertirá en una mecánica regla ornamental. (Reseña: la burguesía no encarga capillas sepultares ni frescos,
solo tabernáculos y cuadros para sus pequeños altares −respaldado por su capacidad adquisitiva. Esta
circunstancia hace que los materiales sean más manuables porque son más pequeños esto evita que el artista
realice innovaciones pero le permite concentrarse en detalles mas pequeños −gentiles, graciosos y refinados−
esta se convertirá en una de las características generales del gótico tardío).
En Italia, esta representada por la familia Pissano, cuyo fundador es Nicolás quien aprendió el método de los
antiguos para mostrar las formas del cuerpo bajo los ropajes y para hacer que sus figuras fueran dignas y
verosímiles. Mientras que su hijo Giovani lo llevo a su máxima perfección. Creó también un tipo de Madona
de gran belleza expresiva inspirado en las vírgenes Francesas. (Reseña: Se dedicó al estudio de las esculturas
de la Roma clásica de la que consiguió una nueva y vital influencia para la escultura. Mostrando una
convincente solidez de forma y una individualidad humana, muy lejos de la naturaleza bastante inexpresiva
del resto de esculturas, la importancia de este autor se ve reflejada también en las pinturas de Giotto).
En España la escultura Gótica se inicia en siglo XIII y en el siglo XIV se destaca la escuela
Catalano−aragonesa. Los focos castellanos pasan a ser los más descollantes durante el siglo XV, destacándose
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los sepulcros. En esta época, ya tardía, el más destacado es Gil de Siloé.
Pintura:
La pintura gótica no se esconde mas en la sombra de las bóvedas y de los ábsides: triunfa en los colores de las
vidrieras, en los esmaltes y en los arabescos de las miniaturas. Debía cumplir tres objetivos fundamentales:
• Adornar
• Evocar acontecimientos destacados
• Enseñar a través de los muros lo que el pueblo no era capaz de leer en libros, a fin de escribir mediante
imágenes. (lo más importante)
Reseña: teólogos aconsejan a los artistas.
Cada detalle era cuidadosamente estudiado en relación con su mensaje y sentido, teniendo una función
especifica para responder a una idea concreta relacionada con el adoctrinamiento de la fe.
Los pintores fueron los primeros artistas que se separaron de las logias estableciendo gremios independientes,
lo que les daba la posibilidad de trabajar en sus propios talleres alejándose así totalmente del lugar para el cual
destinaban sus trabajos sin la necesidad de conocer el final de obra. (Reseña: las noticias sobre las actividades
de los pintores se recogían en un contrato describiendo: tema, calidad de la materia, precio y a veces fecha
limite).
La pintura como punto artístico fue distanciándose de la iglesia posibilitando así el acceso de una nueva
clientela compuesta por burgueses y nobles, quienes poseían pequeños altares en sus palacios. Sin
desentenderse de temas religiosos incursionaron en obras de menor envergadura promoviendo el desarrollo
del comercio. (Reseña: en los propios talleres, los grandes maestros dejaban participar a sus discípulos en los
pormenores de sus obras).
Debido a la dualidad presente durante este periodo, específicamente en pintura, relacionando espiritualismo
religioso y mundanismo, se pudo también dedicar a ilustrar crónicas históricas dentro de los palacios
aristócratas, denominadose esta: pintura caballeresca.
Se utilizaba generalmente, a pesar de la diferencia en las técnicas, figuras divididas en rombos y círculos con
colores vivaces rematados con dorado con una utilización de líneas ondulados en efectos decorativos.
Se distinguen tres estilos cronológicos(que se corresponden con las distintas etapas de en los que se divide
todo esta época):
• Gótico lineal (1200/1330): llamado así ya que manifiesta una especial atracción a las líneas que definen
contornos, mas realistas que el arte románico y bizantino. (Reseña: gracias a las cruzadas, los artistas
conocieron las obras desarrolladas en distintos lugares y etapas). Se caracteriza por dar mucha importancia
al dibujo y por acentuar lo anecdótico.
• Italo−gotico (1300/1400): hasta este momento Italia transitaba un periodo de continuidad del arte bizantino
y de los mosaicos griegos pero con mayor sensibilidad y realismo, que impulsaran junto con innovaciones
técnicas el periodo del trecento basado en dos escuelas: la florentina: fundada por Cimabue y Giotto; y la
Sienesa: liderada por Duccio, Simone Martini y los Hnos. Lorenzetti. (Reseña: es característico de la época,
que las posiciones en las que se dibuja la figura humana respondan a un lenguaje ilustrado específico. Esto
se nota principalmente en la posición de las manos).
• Gótico internacional (1350/1440): debido a que Europa es una vasta unidad, las ideas y artistas pudieron
desplazarse de un centro a otro desarrolandose así este estilo lineal − decorativo que tiende a idealizarse a
través de un arte realista. Su carácter se centra en una concepción mundana desapareciendo las escenas
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religiosas, que se utilizan como pretexto para agradar al espectador con detalles anecdóticos. A este estilo
bello de líneas suaves y temas exquisitos y delicados lo acompaña a veces una abstracción ideal impuesta
por la realidad cotidiana. La retratística de la época nos muestra el interés por la fisonomía humana.
(Reseña: los señores viajan acompañados de sus pintores, principalmente para que estos amplíen sus
conocimientos). A comienzos del siglo XV, a causa del fortalecimiento de los núcleos urbanos finaliza el
periodo del gótico internacional, resurgiendo los estilos locales. (Reseña: a comienzos de este siglo, la
escuela flamenca dio a conocer las técnicas del óleo).
Estos se diferencian según la evolución de cada uno de ellos en los distintos ordenes en que se destaca la
pintura:
• Vidriera: surge en el 1200 por la aparición de una nueva arquitectura basada en la colocación de
ventanas en todas las paredes que trajo aparejado la disminución del espacio para la pintura mural.
Fue así como las pinturas murales se transfirieron a las vidrieras hallando nuevas formas de expresión.
Naturalmente, la técnica del vidrio, obligaba a emplear superficies planas (círculos, cuadrados,
cuadrilóbulos, etc.) de colores predominantemente rojos y azules y no muy pequeñas, haciendo
bastante difícil crear la ilusión del relieve y dar la descripción minuciosa de los detalles. Vale
mencionar la excepción de los vitrales en los países escandinavos que presentan un noble tratamiento
de las figuras detalladas con ligeros toques de pincel que definen los rostros, cabellos y paños.
(Reseña: Chartres se convirtió en el verdadero centro de la técnica vitral para casi toda Europa). La
vidriera es el logro más importante del gótico lineal, su función es de cerramiento debido a las
inclemencias del tiempo y de iluminación. En el siglo XIV el armazón se simplifica, reduciéndose al
máximo el uso del plomo, por lo cual desaparece el efecto mosaico logrando una mayor nitidez
luminosa, momento en el que la industria del vidrio aprendió a fabricar por centrifugación cristales
planos para la ventana. (Reseña: no olvidemos el papel místico de la luz en la simbología cristiana,
que logra crear un ambiente con efectos ilusorios que flotan sin ser tangibles ya que cuando la luz
atraviesa comienza el juego de colores y brillos). Conforme a las características de este arte, las
escenas representadas se basaban en temas religiosos, por ej.: la redención, la doble naturaleza de
Cristo, paralelismo entre el nuevo y antiguo testamento y vida de los santos y temas referidos a
sucesos de la vida cotidiana. (Reseña: generalmente las zonas altas corresponden a figuras de gran
tamaño; ventas de las naves centrales y la girola al antiguo y nuevo testamento, y los rosetones de las
tres fachadas: en el centro Cristo o la virgen con el niño). Proceso de elaboración de esta técnica
comienza con un boceto que se pasa agrandándose a un cartón en el que se marca la coloración se
traspasa para el corte (vidrio) el cual se pinta, se realiza su cocción y con emplomado finalmente se
coloca.
• Pintura mural y sobre tabla: es la forma más habitual de decoración de interiores. En cuanto a su
temática responden a los deseos del comitente o al lugar al que se destinan; por ello los ciclos pueden
tener un carácter civil, cortesano o religioso. Siendo este ultimo el menos frecuente debido a las
características arquitectónicas de la época (Reseña: en las grandes catedrales es reemplazado por los
vitrales y tablas). Esta asignatura fue mucha más lenta en asimilar la influencia gótica que la
arquitectura y la escultura; no fue hasta finales del siglo XIII, período en el que se desarrollo el estilo
Italo−gótico, en donde se aprecia una clara fascinación por los efectos de la perspectiva y por la
creación de la ilusión de un espacio de apariencia real. Diferenciándose con esto del periodo anterior
en el que las técnicas y tipologías pictóricas eran las mismas que en el arte románico y bizantino sobre
todo en las obras religiosas en las cuales muchas pinturas mantienen las antiguas formula y
desarrollan a su manera la imitación del natural, acompañados del interés por la narración pictórica y
una gran expresión de la espiritualidad muchas veces apasionada. Basta con analizar cada uno de los
pintores precursores de cada escuela para entender el gran aporte que realizaron para definir las
características del estilo Gótico.
*Cimabue (1240−1303) representa la transición del románico al gótico, su Maestha posee una gran dulzura y
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dignidad, y sobrepasa en contenido emocional a las figuras rígidas y estilizadas de los iconos bizantinos.
* Giotto (1267−1337) tuvo revolucionario enfoque de la forma y su manera de representar el espacio
«arquitectónico» realista (sus figuras son a escala en relación con los edificios y los paisajes que las rodean)
marcan un gran salto hacia delante en la historia de la pintura. Se considera que con él la pintura gótica
alcanzó su cumbre. Sus logros son similares y tienen una clara conexión con los realizados en escultura por
Pissano.
* Duccio (1278−1319) representa un verdadero cambio de estilo. Sus figuras parecen tener volumen, y sus
vestimentas caen en líneas sinuosas y fluidas que también describen las formas que se aprecian debajo.
*Simone Martini (1285−1344) su arte todavía tiene nexos de unión con la tradición bizantina pero muestra
una preocupación por la forma elegante, por las líneas ininterrumpidas que fluyen libremente y por el dibujo;
el manierismo y los gestos delicados de sus figuras y la preciosa cualidad de artesano de sus pinturas lo
revelan como el artista definitivo del estilo gótico italiano y como un exponente temprano del estilo gótico
internacional. Con sus pinturas este artista logra un gran atrevimiento en las combinaciones de colores y en la
fuerza persuasiva con la que nos invita a entrar en el mundo de su singular imaginación.
*Los Lorenzetti (1320−1348) sus pinturas revelan una afinidad más profunda con la vitalidad característica de
Giotto y la combinan con la elegancia consciente y la artesanía refinada de Simone Martini.
• Miniaturas: se denomina así a la decoración pintada de los libros (de horas, misales, salterios, Biblias
moralizadoras, etc.) A partir de la segunda mitad del siglo XII París pasa a ser el centro miniaturista,
debido a que poco tiempo atrás se había fundado la universidad; lo cual favorecía la circulación de
libros. (Reseña: dado a que este era un centro de residencia de nobles y para ellos la miniatura era
símbolo de distinción y /o ostentación). Este período se caracteriza por la animación, la división y
colores de esmaltes mosanos (técnicas utilizada por los pueblos situados en las costas del río Mosa); si
bien son de carácter austero (rígido) la ornamentación del encuadernamiento y los fondos dorados
entran en contraste con la gran maestría en las amplias telas que envuelven los cuerpos. En el siglo
XIII los colores se atenúan y aclaran al igual que en las vidrieras y comienza a aparecer una tendencia
a la línea ondulada con delicado efecto decorativo. Es en este momento en el que, inspirados en temas
mundanos y cortesanos, se ilustran poemas caballerescos con señorial elegancia de formas en los
cuales se puede diferenciar la libertad que el artista experimenta al hacerlos, imprimiéndole caracteres
estilísticos propios. (Reseña: en este momento surge la literatura caballeresca, que incluye novelas
destinadas al genero femenino que comenzaron como poemas en los que se desarrolla por primera vez
el amor puro como término individual −muy lejano a los términos antes utilizados como el amor
platónico o el amor en términos carnales− La mujer deja de ser tomada como objeto y comienza una
relación, que continua hasta nuestros días, basada en un cortejo y una alabanza hacia la dama). Hasta
el siglo XIV se notaba una clara diferenciación en las técnicas utilizadas para representar los temas
religiosos y los temas mundanos; tal vez por una cuestión de respeto hacia las representaciones
Bíblicas (evitando distraer al lector) no introducían particularidades observadas en la vida real; con el
transcurso de este siglo comenzaron a fundirse gradualmente estas dos características: las
representaciones graciosas y observaciones fidedignas. (Reseña: ayudo mucho a este desarrollo la
aparición de fábulas y cuentos. En ellos se ve que la misma suntuosidad y ornamentación de las letras
se continúa en toda la página con fantasías ornamentales de fascinante extravagancia Igualmente esto
nunca se hubiese logrado sin el gran aporte de Giotto en sus visiones de perspectiva, proporciones y
visión unitaria de la figura en el espacio). Fue Carlos V quien restaura a Francia como potencia (año
1300) y aumenta el desarrollo artístico haciendo converger en París libros de todas partes del mundo y
pintores de diferentes naciones quienes rápidamente divulgaron las nuevas características por toda
Europa. ESTE ES EL ARTE QUE MEJOR SUPO REFLEJAR LOS AMBIENTES E
INTREPERTAR EL ESPIRITU DEL MUNDO EN EL QUE SURGIO, DADO A QUE EN EL SE
VEN REPRESENTADOS VERDADEROS PASAJES DE LA VIDA CORTESANA
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EXIBISIONISTA QUE SE MOSTRABA SIN PUDOR. EXPONIEDO EN CADA UNO DE SUS
EPISODIOS LA SUNTUOSIDAD DEL ROPAJE CAPRICHOSO Y EL LUJO DE SUS
PERTENENCIAS Y POSESIONES PRINCIPALMENTE DE ORO.
Ya durante el Gótico internacional los pintores comenzaron a tomar apuntes sobre la vida real. Cuando se
logró plasmar a los animales y flores de manera natural, el interés comenzó a ir más de las premisas que
caracterizan al período Gótico, abriendo las puertas para explorar el cuerpo humano retornando el estudio de
los Griegos. Marcándose con esto las premisas en las que se basaría el renacimiento.
Artes Menores
Son numerosas las obras maestras cinceladas usando como materia prima el bronce; estas estaban
desvinculadas al refinamiento convencional bizantino e inspiradas en una observación directa de lo real. Es
común ver esto en candelabros, lamparines, fuentes bautismales, pilas de agua bendita, incensarios y
relicarios. No solo son valiosos objetos que otorgan belleza decorativa a las iglesias y monasterios sino que
expresan una calidad artística y un vigor representativo dignos de ser comparados con grandes esculturas. Un
ejemplo curioso es el copon hecho con un huevo de avestruz (material insólito) que tiene un excepcional valor
artístico del engaste de oro, finamente cincelado y con deliciosas figuras de ángeles en la parte superior.
Los tallistas del siglo XIII que labran el marfil no trabajaban solo para las iglesias, sino también para los
señores y las damas de la corte, que solicitaban elegantes objetos de uso cotidiano: peines, cajas, cofresillos,
ornamentos de armas y estuches de espejos. Los temas de la decoración se inspiran, generalmente, en escenas
de la vida señorial (como la tradicional partida de ajedrez entre el caballero y la dama) o bien ilustran
episodios de los romances caballerescos de moda entonces.
Durante la edad media los tapices no solo se servían como protección del frío en las paredes de los palacios
sino como ornamento. A finales del siglo XIV este arte logra en Francia una gran difusión, ej: hacia 1373 Luis
de Anjou encargó la composición de una de las obras más características de este género: El Apocalipsis de
Angers estos fueron tejidos por Nicolás Bataille y la composición se le debe a Juan Bondol (artista flamenco)
en quien se notan los elementos compositivos repetitivos. (Reseña: en esta época, debido al material de la
construcción los ambientes deben haber sido muy húmedos, sirviendo los tapices como protección contra la
misma, así como también como decorativo de las paredes).
EJEMPLOS ARTISTICOS DE LA EPOCA:
ARQUITECTURA
*Basílica de Saint−Denis (San Dionisio) muy reformada.
*Catedral de Chartres
*Catedral de Meaux
*Iglesia Abacial de Saint−Ouen (San Audoeno)
*Catedral de Reims
*Catedral de Beauvais
*Catedral de Bourges
*Catedral de Laon
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*Catedral de Notre Dame (Nuestra Señora de París)
*Catedral de Amiens
PINTURA
Murales y Frescos:
* El paraíso Fresco de la Capilla de Strozzi en Santa María la Nueva, Florencia, Italia, realizado por Nardo
De Cione.
* Triunfo de Santo Tomas de Aquino Fresco de la Capilla de los Españoles de la iglesia de Santa María la
Nueva, Florencia, Italia, realizado por Andrés Bonaiuti.
* Job y Salomon Fresco de la Sala de Audiencias del Palacio Pontificio, Aviñón, Francia, realizado por
Mateo Giovannetti.
* El Jardín de Amor Fresco del Camposanto de Pisa, Italia, realizado por el anónimo Maestro del Triunfo de
la Muerte.
* San Joaquín arrojado del Templo Fresco de la Iglesia de la Santa Cruz, Florencia, Italia, realizado por Juan
de Milán.
* Anunciación Fresco del Bautisterio de Padua, Italia, realizado por Justo dei Menabuoi
* Decapitación de San Jorge Fresco del Oratorio de San Jorge, Padua, Italia, realizado por Altichiero.
* Adoración de los Magos Fresco de la Galería de los Oficios, Florencia, Italia, realizado por Gentil de
Fabriano.
* Crucifixión y Descendimiento de Cristo Frescos de la Basílica de San Francisco de Asís, realizado por
Cimabue.
* Virgen en el Trono y Anunciación Frescos del Palacio Ducal de Siena, realizado por Simone Martini
* Vida de la Virgen y Pasión de Cristo Fresco de la Capilla Scrovegni (Capilla de la Arena) realizado por
Giotto di Bondone.
Vidrieras:
* La Vida de la Virgen Catedral de Chartres, Francia
* Crucifixión Iglesia de San Remigio. Reims, Francia
* Notre−Dame de la Belle−Verrière Catedral de Chartres, Francia
* El Ojo del Obispo Rosetón de la Catedral de Lincoln, Inglaterra
* Rosetón de los Alquimistas Catedral de Notre−Dame, París (restaurados)
* La Vida de Cristo Catedral de Chartres, Francia
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* Vidrieras de la Sainte−Chapelle (antiguo testamento) Palacio de París
* Coro de Saint−Ouen de Rouen Iglesia Abacial de Saint−Ouen, Francia
* El árbol de Jese Basílica de Saint−Denis, París.
Miniaturas:
* El sueño de Jacob Salterio de San Luis, Francia
* Aparición de Cristo a María Magdalena e Incredulidad de Santo Tomas Salterio de Blanca de Castilla
Francia
* Las Trompetas de Jericó Salterio de San Luis, Basílica Nacional de París, Francia.
* Escenas de la Infancia de Cristo Miniatura de origen Ingles
* Cuatros Reyes de Inglaterra, miniatura de la Historia Anglorum, Inglaterra.
* El copista. El astrónomo y el computista Salterio de Blanca de Castilla, Francia.
* Historia de David y Betsabe Biblia del Cardenal Maciejowski, posiblemente Francia.
* Un Profeta Salterio del Duque de Berry, París.
* Muy ricas horas Salterio del Duque de Berry, París.
* La Virgen de la Suplica Salterio del Duque de Berry, París.
ESCULTURA
* Portal de los Reyes, Catedral de Chartres, Francia.
* El triunfo de la Virgen Portal Oriental de Ntra. Sra. De Selis.
* La Belle Madone Escuela de L'Îlè de−France, Francia.
* Grupo de la Anunciación Catedral de Burgos, España.
* Juicio universal Timpano de la puerta central de la fachada de la Catedral de San Esteban, Francia.
* Entierro de la Virgen Portada occidental de la catedral de Senlis, Francia.
* Virgen con niño, Escultura del S.XIV, Barcelona, España.
* El margrave Eckenhard y su esposa Uta Catedral de Naumburgo, Alemania.
* Tímpano de la portada de la Coroneria Catedral de Burgos, España.
* Martirio de Santa Eulalia Catedral de Barcelona, España.
* Estatua yacente de un caballero Iglesia de San Juan Bautista de Danbury.
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